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Leandro Lamaison: lamaison.leandro@gmail.

com
Eugenia Maffeo: cuquila@hotmail.com
Carolina Sólimo: carolina.solimo@hotmail.com
Para comenzar este trabajo quisiéramos mostrar una
escena de la película “Muerte en Venecia” de
Lucchino Visconti. La película está ambientada hacia
1910, cuando hacía poco que se venía gestando un
cambio respecto de la mirada sobre el arte y los
dogmas establecidos. Los personajes debaten
acerca de la naturaleza del arte y del artista.

(El video se encuentra en el CD)


Antes de ahondar en este tema, haremos
un breve recorrido por lo que fueron los
orígenes del arte, ligado especialmente a
su contexto social, político y religioso.

La mayoría de las sociedades sedentarias


encontraron una relación directa entre su
religión y la representación pictórica. Sin
importar el tiempo ni la zona geográfica,
los pueblos han querido dejar una
constancia física de sus creencias.
Para ayudar a la visibilidad de los monumentales relieves
en las paredes de los templos, los Egipcios desarrollaron
una pintura que evolucionaria en la tempera. La pintura
egipcia muestra principalmente la afición que tenia este
pueblo con la muerte y son frecuentes las
representaciones de los ritos funerarios.
La pintura maya seguía las creencias
religiosas y el mundo de la mitología y lo
sobrenatural. Pintaban en murales las
victorias, los cautivos, los bailes, las
ceremonias que sacerdotes realizaban y
representaciones de los Dioses
asociados con el ritual.
Ofrendas al dios del maíz, San
Bartolo
Aunque la pintura no haya
sido un arte que haya
florecido dentro de las tribus
polinesias, las esculturas
Maorí representan a héroes y
batallas mitológicas, así como
dioses pertenecientes a sus
creencias.
Durante una primer etapa el
budismo no buscó tener
una representación icónica
de sus creencias, pero a
partir del siglo I dc.
comenzaron a hacerse
esculturas y pinturas
representado al Buda
Siddartha. Este cambio en
el arte Budista Indio se
atribuye al intercambio que
hubo con el pueblo griego.
Los símbolos y figuras cristianas, así como
las judías, sirvieron de inspiración para
incontables obras de arte. Al tener, la
Iglesia católica, un interés importante
por la difusión de las figuras bíblicas, la
pintura cristiana estuvo en el centro del
arte europeo durante cientos de años,
sufriendo una extensa variedad de
cambios técnicos y perfeccionamientos.
Leonardo da
Vinci, 1483 - 1486

Andrei Rublev, Diego Velázquez,


1410 1648
Como mencionábamos antes, a
fines del siglo XIX se comenzó a
cambiar la mirada, y por ende a
diluir la alianza entre el arte
occidental y la religión.

Los movimientos vanguardistas


europeos prometían quebrar y
cambiar concepciones
tradicionales. Fue aquí cuando se
introdujo la idea de
“espiritualidad” como una idea Flower Myth
Paul Klee
personal y no como un dogma (1918)
establecido.
Daisetzu Teitaro Suzuki, divulgador del arte y la
espiritualidad de Japón dice: “El arte no se estudia en
Japón por el arte mismo, sino para iluminarse
espiritualmente. Si el arte se detiene en el arte y no
conduce a algo más profundo y más fundamental, es
decir, si el arte no se hace equivalente a algo espiritual,
el japonés no lo considerará digno de ser aprendido”.

No sólo en Oriente pasa esto. Infinitos artistas


occidentales han basado su obra bajo la mirada de que
hay algo más allá de las apariencias, de que hay una
realidad no expresada en lo visible, en lo concreto.
Para hablar sobre la espiritualidad en el arte, elegimos
referirnos a artistas que trabajan especialmente este
tema, porque nos parece que hoy en día el término
“espiritual” es un poco ambiguo y da lugar a muchas
interpretaciones. No queremos caer en la idea
superficial de la espiritualidad, bajo la que a veces
pareciera que puede entrar todo.

Wolfgang Laib
Montien Boonma. Autorretrato, lapiceras sobre
la foto revelada (1982).
Por supuesto, no hay que
confundir este interés del
artista por lo espiritual, con
elegir temas religiosos.
Espiritualidad y religión son
cosas muy distintas, que
deberían ir de la mano, pero
no siempre lo logran. La
elección de cualquier otro
tema en cambio, puede
transmitir al espectador una
intensidad espiritual,
cuando incluso bajo un
Nomader (Bertha) tema religioso no se
Andrés Serrano
(1990)
transmitiría.
 Revolución Francesa
 Cambios en el mecenazgo
 Impresionistas
 Vanguardias
 Una filosofía fundada en las enseñanzas del
hinduismo, el budismo y el cristianismo que
alentaba a buscar la verdad a través del éxtasis
espiritual.
 Creían en la fraternidad universal, en que cada
persona tenía un aura de un color determinado,
que podía variar según su estado de ánimo.
Pensaban que el siglo XXI iba a ser una era de
paraíso terrenal.
Vasili Kandinsky nació en Moscú, el 16
de diciembre de 1866. Pasó toda su
infancia en Odessa, actual Ucrania.
Estudió en la Universidad de Moscú
derecho y ciencias económicas,
obteniendo reconocimiento por su
rendimiento.
Kandisnky parecia tener un futuro
asegurado, pero decidió abandonar
su carrera para dedicarse a la pintura,
la cual le interesó desde siempre.
En 1896 Kandinsky se muda a Munich y
estudia en la Academia de Bellas
Artes.
Kandinski es reconocido
como el autor del primer
cuadro que no reflejaba
algo material. Liberó a lo
largo de su vida la
composición del cuadro
del objeto representado a
favor de una forma y un
color puros y libres.
Entendió sus cuadros
abstractos “compuestos”
como la expresión de la
percepción espiritual y
solo en un segundo plano
como el resultado de un
proceso de creación
guiado por el intelecto.
Hasta 1906 se dejó influir por
las obras impresionistas
que le abrieron los ojos
para percibir sentimientos
causados únicamente
mediante la impresión
cromática.
 La posibilidad de elegir los temas sobre
qué pintar, o incluso prescindir del tema,
llevó a la pintura abstracta.
 Se prescinde de la representación de un
tema o asunto figurativo y se lo
reemplaza por un lenguaje visual
autónomo. No hay objetos o figuras.
Sobre Blanco II, 1923

Composición
VI,1913
 El color tiene una doble función: encantar al
ojo por su belleza, o llegar mucho más
profundo y “causar una vibración en el alma”,
un efecto espiritual en el espectador.
 Artista y su emoción Obra Espectador
emocionado
 El artista como profeta. Debe llevar a la gente
a la cima de la pirámide.
 Ve una conexión entre la música y la pintura.
Los acordes sueltos y los tonos armónicos
como una analogía del arte abstracto.
El artista como profeta
“Negro y violeta” Kandinski, 1924.
Kandinski creía que cada color tenía una identidad
determinada en relación con su opuesto.
Por ej: cálido/frío, activo/pasivo,
femenino/masculino. Combinándolos de ciertos
modos, se podía llegar a trasmitir emociones o
ideas al espectador.

Amarillo: cálido, irritante, compulsivo.


Rojo: pasional, viril.
Azul: tranquilo, severo, frío.
Verde: estático, neutral, pasivo.
Blanco: un silencio embarazado de sonido.
Negro: el silencio de la muerte.
Kandinsky forma el grupo
“El Jinete Azul” con
Jinete, 1911 August Macke y Franz
Marc. En el también va a
participar el pintor Paul
Klee. El grupo realizó dos
exibiciones y produjo un
almanaque. Pretendían
hacer mas exposiciones,
pero el comienzo de la
primer guerra mundial
disolvió el grupo,
haciendo que Kandinski
volviera hacia Rusia.
Composición VII, 1913
Paul Klee fue un pintor suizo-alemán. Se
caracterizó por tener un estilo individual, el
cual toma elementos del expresionismo, del
cubismo y del surrealismo sin pertenecer a
ningún movimiento exclusivamente.
Nacido en una familia de músicos, Klee
practicó violín durante su infancia. A la
edad de 11, Klee fue invitado a tocar por la
Asociación de Música de Bern. Sus padre
insistieron en que siguiera la carrera de
músico, pero a la edad de 16 él estaba mas
interesado en las artes visuales, ya que
creía que la música no era tan significante
para él.
Siendo un muy mal
estudiante, Paul Klee
dedicaba sus horas en
el colegio a hacer
dibujos a lápiz en su
cuaderno. En 1906,
incentivado de su
abuela, pudo presentar
sus primeras
aguafuertes en un ciclo
de la asociación de
artes graficas de
Múnich, en donde vivía
en ese momento.
En estos grabados se puede ver el humor
satírico de Klee. En la imagen inferior se
pueden reconocer, mediante su peinado y
barba, al emperador Wilhelm II de
alemania y al rey Franz Joseph I de Austria
Otro gran interés de Paul Klee eran los
paisajes e interiores.
En 1911 se une al
movimiento Der
Blaue Reiter, grupo
de expresionistas
fundado por
Kandinsky y Marc.
Klee se interesa
por el uso del
color de los demas
artistas, así como
por el arte gótico,
el arte africano y
el oriental.
Tunisia y la abstracción
En 1914, Paul Klee visitó
Tunisia. Esa experiencia
produjo un giro en su vida
y su carrera. La clara luz
del norte africano
despertó su sensibilidad
al color. Durante su
estadia, Klee
gradualmente fue
separando el color de los
objetos representados y
comenzó a usarlo
independientemente, lo
cual le dió el ultimo paso
hacia la abstracción.
Hammamet with Its Mosque (1914)
Paul Klee miraba al arte
como la forma en la
cual un hombre podía
unir su parte exterior
con su parte interior.
La imaginación y la
intuición,
caracteristicas
rechazadas por el
hombre racional de
principios del Siglo
XX, son tomadas por
Klee para intentar
acercar al hombre a
una relación mas
intima y trascendente
consigo mismo. Red Balloon (1922)
Mediante la abstracción de las formas, se
le facilitaba hacer relaciones entre las
demas artes de su interés (como la
musica y la poesía) y la pintura.
Los paisajes
siguieron
teniendo
importancia en
su obra, pero
ahora
atravezados
completamente
por su
imaginacion y
abstracción.
Adam and Little Eve (1921) Tale a la Hoffmann (1921)
En 1920, Walter Gropious
invitó a Klee a dar
clases en la Escuela
Bauhaus. Durante los 10
años que dio clase ahí,
produjo cerca de 5.000
obras (algunas
relacionadas con sus
clases, otras no) y
continuó desarrollando
su teoria de los colores.

Static-Dynamic Gradation (1923)


Por mas que su estilo cambie entre epocas, se puede
ver el juego que se tiene con la seriedad y la
inocencia, por lo que muchos decian que su obra era
infantil.

Cat and bird (1918)


A mediados de la decada del 30, regimen
nazi expulsa de alemania a Klee, el cual
vuelve a suiza. La opresión politica, así
como su empeorante salud, llevan a su
obra a tomar un tono mas melancolico y
sombrio. Las lineas se vuelven barras
negras, las formas vuelven mas anchas y
rigidas, los cuadros mas grandes y los
colores mas simples.
Angel Applicant (1939)
Comedians’ Handbill (1939)
 Uno de los
primeros pintores
abstractos de
América.
 Nació en Nueva York.
 Primero fue conocido
como ilustrador
comercial en la
ciudad de Nueva
York.
 Dove usó en sus
trabajos una amplia
gama de medios de
expresión, a veces
en combinaciones
poco
convencionales.
Realizó una serie de
obras
experimentales con
la técnica del
collage en los años
veinte. Y continuó
con la misma en
diversos grados a lo
largo de su carrera.

“The critic”, 1925


 Dove ha creado una
colección de obras,
conocido como
Abstracciones
Número 1-6 , que
tenía poco que ver
con los objetos de
la vida real. En
estas pinturas, así
como en trabajos
posteriores, Dove
articula sentido y
sensibilidad a
través de la línea, la
“Abstraction No. 1 - 6”, 1910-1911
forma y el color.
 Dove ejecutó una
serie de collages
experimentales en
la década de 1920, y
también
experimentó con
materiales de
pintura emergentes,
tales como la mano
de pigmentos
mezclados sobre
una emulsión de
cera. Con el uso de
estas técnicas, Dove “Snow and Water“, 1928
produjo unos
veinticinco
conjuntos entre
1924 y 1930
“Nubes de tormenta”, 1935

Es una escena del paisaje que ha sido extraída de manera espectacular en una serie de
bandas de arco y de rodadura de color, que rodea a un "ojo" largo-como la forma en el
centro de la proverbial "tormenta". Sus colores son los tonos apagados de la tierra y el
cielo nublado y el marco (que Dove mismo hecho y pintado) ecos y mejora los grises de la
composición en su plateado, brillo metálico. Esta pintura ilustra la afinidad de Dove
característica por la naturaleza y su capacidad de crear equivalentes pictóricos de los
ritmos universales y la fuerza de la vida que se sentía existía en el mismo.
En 1913 Dove explicó a un
amigo de su proceso de
abstracción (o, como a veces lo
llamaba, "extracción"):
“El primer paso fue elegir entre
la naturaleza un adorno en color,
y con ese motivo a pintar la
naturaleza, la forma sigue siendo
objetivo.
El segundo paso fue aplicar este
mismo principio a la forma, la
dependencia actual en el objeto
... de desaparecer, y los medios
de expresión convertirse en
puramente subjetiva.
Después de trabajar durante
algún tiempo de esta manera, ya
no observé a la antigua usanza, y
no sólo empecé a pensar
subjetivamente, sino también
para. recordar ciertas
sensaciones puramente a través
de su forma y color, es decir, por
ciertas formas, planos de luz o
líneas de calidad determinados
por la reunión de esos aviones.” “Sentimental music”, 1913
 Dove creía que podía
llegar a "esencias" que
transmitir su sentido de
lo espiritual en la
naturaleza, la profunda
preocupación de su
arte. Tales "esencias"
eran formas que
simbolizan los
diferentes tipos de
fuerza, el crecimiento
orgánico, y élan vital
importancia , lo que
sugiere (pensaba)
algún principio interno
de la realidad. “Abstracción Nro. 2”, 1910
Nace en 1887 en una familia judía, en la ciudad de Vitebsk,
Bielorrusia. No estaba previsto que sea artista.
Durante ese período en Rusia los judíos tenían dos alternativas
básicas para entrar en el mundo del arte : ocultar las
propias raíces judías; o apreciarlas y expresarlas
integrándolas a su arte.

“Chica en el sofá”.
1907
En 1907 se muda a San Petersburgo, donde estudia en
escuelas de arte y entra en contacto con las
vanguardias, conociendo a pintores de la talla de
Gauguin y Matisse.

“Sábado”.
1909
“La muerte”. 1908

“Desnudo rojo levantado”. 1908


En 1910 se muda a Paris,
la capital de las
vanguardias. El fauvismo
y el cubismo se integran
a su estilo, pero nunca
definiéndolo. Chagall
jamás va a pertenecer
formalmente a ninguna
vanguardia.

“Rusia, los asnos y los otros”. 1911.


En esta obra hay una fuerte referencia
a Rusia, sus orígenes. El cabrito y el
niño maman leche de la Madre Rusia.
La mujer con la cabeza separada del
cuerpo puede representar la división
interior que se siente al dejar el país
de nacimiento.
“Nacimiento”. 1910
Si bien Chagall era judío, su religión nunca
estuvo separada de la espiritualidad. Al
principio del trabajo dijimos que no siempre
van de la mano las dos, pero en el caso de
Chagall vemos una clara unión entre la
religión y la espiritualidad.

“Se han burlado mucho de lo que pinto:


cabezas al revés… por otro lado lo que veo
alrededor mío, impresionistas, cubistas, me
parecen demasiado realistas. Siempre me ha
tentado más el lado invisible e ilógico de la
forma, el espíritu”.
“El poeta o las tres y media”.
1912

“París a través de la ventana”.


1913
“Gólgota”. 1912

“Adán y Eva”. 1912


“Yo y el barrio”. 1911
Viaja con su familia a Palestina, lo cual lo
conecta con una profunda experiencia con sus
raíces judías y empieza a trabajar más sobre
los temas bíblicos.

“En mi viaje a Palestina me encontré,


inesperadamente, con la Biblia y una
parte muy profunda de mi ser. Fue la
experiencia más vívida que tuve.”

Cuando vuelve, llega Hitler al poder y sacan


sus obras de Alemania, por lo que exilia a
New York con su familia.
Este cuadro se dice que fue premonitorio porque predijo el trágico
futuro de los judíos. El cordero, animal de sacrificio para el pueblo
judío, toca el violín (instrumento de velorios), acompañando al judío
triste que abraza su Torá.
Catedral de Reims, Francia.
Iglesia de San Esteban.
Maguncia, Alemania
En 1963 le encargan el techo
de la Ópera de Paris.
Nacida en Pakistán, y luego
exiliada a Estados Unidos,
Sikander busca integrar en
sus obras las historias
culturas y políticas de
Oriente y Occidente.
“Me interesa tomar una
imagen, quebrarla y
separarla de su entorno, y
luego reconstruirla desde
otro lugar. Nunca voy a
intentar esconder de dónde
viene, pero no tiene porqué
estar asociado a su
procedencia. Me interesa
particularmente la distancia
entre la traducción y el
original”.

“Fenomenología de la transformación”
2006
Su estilo parte de la
Miniatura Persa,
forma de arte que se
popularizó en el siglo
XIII en Oriente. Al
principio se utilizaba
para ilustrar libros y
con el tiempo se
empezó a hacer un
culto de ella.
SpiNN (2003)
En esta animación los peinados de los personajes se separan de sus
cabezas y comienzan a volar como si fueran aves. La transformación
es uno de los terrenos que más le interesa explorar.
“Veo una unidad entre la
práctica de mi religión (Islam) y
la creación artística. Al igual que
para rezar, para pintar necesito
disciplina. Cuando esa disciplina
se va de mi estudio todo se
vuelve disperso. Incluso en la
vida misma cuando las cosas se
vuelven extremas tengo que
volver a entrar en el eje
espiritual. Necesito estar sola un
rato o leer mucho, para volver a
conectarme con las cosas
importantes que realmente le
dan sentido a mi vida”.

Red riding Hood (1997)


Sakinder acata al mismo
tiempo que rompe las
tradiciones miniaturistas de
su país, y crea un arte
híbrido con un simbolismo
muy diverso, sugiriendo de
este modo que la identidad,
la religión, las distintas
culturas, están sujetas a
procesos de cambio
constante. Su obra transmite
que en el fondo todos somos
lo mismo, y estamos unidos
por algo más fuerte que el
mundo material.
Nacida en Alemania, en 1954,
Kiki Smith es hija del escultor Tony
Smith y de la cantante de Ópera Jane
Lawrence. Sus dos padres fueron
religiosos a su propia manera. Tony
fue criado por padres jesuitas y Jane
se convirtió del Catolicismo al
Hinduismo.
En su obra se puede ver
la influencia Católica, ya
que suele tomar y re
significar símbolos
religiosos a partir de
una mirada personal.
En la obra “Virgin Mary”,
1991, se ve a una figura
de cera femenina con la
piel arrancada. Su titulo
nos da la intención que
tuvo la artista con
respecto al icono de la
Virgen María. Desde su
visión feminista, Smith
muestra la sumisión de
la mujer ante el dios
Católico.
En la obra “Mary
Magdalene”,
1994, se
replantea la
imagen de
vagabunda de la
Maria
Magdalena de
Donatello y la
muestra, de una
manera mas
sensual, ligada a
los animales.
Esto tiene que
ver con la
concepción que
tiene entre la
relación Animal-
Hombre.
Tied to her Nature,
2004

Rapture, 2001
“Una de mis teorias es que el Catolicismo y
el arte se llevaron tan bien a lo largo de la
historia por que los dos creen en la
manifestación física del mundo espiritual.
Mediante poseer un cuerpo fisico es que
se puede tener una vida espiritual.”
Sobre esta idea se basa su interés por el
cuerpo humano. En su obra se pueden
ver cuerpos enteros, así como sus
miembros separados o sus organos.

Untitled,
1992
Untitled III (Upside
Down Body With Beads),
1993

Daisy Chain, 1992


Untitled, 1992

Lillith, 1994
Nuit, -
Hard Soft Bodies, 1992 Untitled, 1988

“La piel como un envoltorio” fue el


disparador que Kiki tuvo para hacer una
serie en la que tomaba a este organo como
una barrera imaginaria entre el interior y el
exterior del cuerpo. Usa papel para
representar la finura de la piel y así crea
figuras que se asemejan a lo mistico.”
Walking Puppet, 2008

Untitled, 2008
Hanging
Woman, -
“Es mediante la reiteration de estas historias
mitologicas acerca de santos y otras deidades que
pueden intervenir en tu vida, que las podemos
reconocer iconograficamente”

Kiki Smith cree en la repetición forma la base de


mundo natural, pero, como en la naturaleza, la
repeticion no es uniforme.

Rabbits, 1998
Lucy’s Daughters,
1990
“Se trata de la transcendencia y la
transmigración, algo que se mueve de un
estado a otro. El arte es una prueba de
esto: Es algo que se mueve de tu interior
hacia el mundo físico.”
Laib nació en Alemania en
1950. Estaba en el sexto
año de la carrera de
Medicina cuando se dio
cuenta que quería ser
artista, en parte para dar
una respuesta al dolor que
había visto esos años, y
también porque se
desilusionó de cuanto
necesitan depender las
ciencias y las costumbres
“Pollen” 1978
modernas del mundo
lógico y material.
“Océano Ilimitado”
2011 (Polen y arroz)
Hace esta
misma tarea
hace treina
años,
lo que
sorprende a
sus amigos,
cuenta Laib.
Para él,
hacer las
mismas
cosas
siempre
tiene una
carga
emocional
muy fuerte.
“El trabajo que hago es muy
simple, pero al mismo tiempo es
muy complicado. Para mi, cuánto
mas simple es el trabajo, más
niveles puede tener. Mientras yo
lleno una piedra con leche, alguien
está intentando hacer mil cosas al
día en medio de la ciudad. Para mí,
el arte es uno de los desafíos más
grandes que hay en el mundo”.
“En muchas culturas
los artistas no son
considerados
individuos creadores,
simplemente
participan del
resto del universo.
Conmigo es lo mismo,
para mi el cielo es
mucho mas importante
que tratar de pintar un
símbolo del cielo. Para
el polen en sí mismo
es un milagro, del cual
participo en mi vida
diaria cuando lo
recolecto. No es algo
Casa de arroz (1990) mío.”
Trenton Doyle Hancock
was born in 1974 in
Oklahoma City
Creció inmenso en la
retorica del libro del
apocalipsis
Importancia de los
animales, arboles y
personas en sus obras.
Obras de Hancock
impregnada de su
espiritu.
Influenciado a partes iguales por la
historia de la pintura como por las
imágenes de la pulpa de la cultura
pop, nacida en Texas Trenton Doyle
Hancock transforma
tradicionalmente formal de
decisiones-como el uso de color, el
idioma y el patrón-en
oportunidades para construir la
narrativa, el desarrollo de sub-
parcelas y transmitir un significado
simbólico. Las obras de Hancock
están impregnados de mitología
personal presentado en una escala
de ópera, a menudo reinterpretar
historias bíblicas que el artista
aprendió cuando era niño de su
familia y la comunidad de la iglesia.

“With Each of Us, Ofttimes, There Dwells A Mighty And Raging Fury from The Ossified Theosophied With
Each of Us, Ofttimes, There Dwells A Mighty And Raging Fury from The Ossified Theosophied”, 2005.
En su conjunto, el
elenco altamente
desarrollado de los
personajes de
Hancock actúa por
una compleja batalla
mitológica, la
creación de una
cosmología elaborada
que encarna sus
ideales, estéticas
únicas reflexiones
sobre el color, el
idioma, las emociones
y, en definitiva, el
bien contra el mal. La
mitología de Hancock
ha sido traducido a
los escenarios en un
“Right Before the Fight ballet original.
Before”, 2001.
Hancock sigue un recuento
de su expansión, la batalla
épica entre las fuerzas del
bien, representado por
montículos y su mundo de
color-llenado, y el mal,
encarnado por los veganos
esqueléticos que viven bajo
tierra en un mundo de
negro y blanco. Criaturas
pacíficas, Montículos
sobreviven en el montón de
la carne, una sustancia de
color rosa que una vez
ingerido permite a todos a
experimentar una vida de
color. Miedo, 2009.
En este nuevo trabajo, que
Hancock se refiere como
"autobiografía radical", la
acción tiene lugar en la parte
delantera el plano de la
imagen, con un terreno
complejo atrás. Un centro de
atención intensa brilla en el
que el mismo protagonista nos
obliga a contemplar si este
personaje es el héroe o el
fracaso. "Qué absurdo es ser
un artista?" Hancock
pregunta. -juegos de palabras,
palíndromos, máximas y
proverbios proporcionan un
trampolín para la imaginería
visual y establecer el estado
de ánimo de las pinturas. Estas
reflexiones poéticas
autocríticos ingeniosas ya
menudo de invención del
artista se cortan o collaged en
el lienzo, creando la textura y “The Former and the
el tono. Ladder or Ascension
and a Cinchin‘”,
2012.
Video retrato:
http://vimeo.com/835195
40

Su crónica sin titulo iniciada en 1998 es una narracion ficticia de la batalla epica
entre Mounds, unos seres que reunen caracteristicas de arboles, animales, personas
y representan la naturaleza y la sensualidad, y Vengans, unos humanoides que viven
bajo tierra, son vegetarianos, puritanos y empe;ados en dominar el mundo.
Las palabras se arremolinan sobre paisajes surrealistas, se entretejen con imágenes
en estampados casi abstractos . Aquí se produce un momento algido de la
historiaen el que un pastor g=vegano propone domar a su pueblo indisiplinado
haciendole ver en color a traves de una maquina milaglora, lo cual refleja el placer
optico.
Montien Boonma (1953–2000) fue uno de los artistas asiaticos
contemporaneos mas proliferos y controversiales durante el
surgimiento de los movimientos artisticos en los 90’s.
Frecuentemente etiquetado como un “Artista Budista”,
Boonma desafió las enseñansas canonicas del Arte Budista
mediante la experimentación con materiales efimeros
(como las hierbas, la cera, las cenisas, la arcilla) y con
tecnicas artesanales como la fundición de cera con moldes
y el coloración con pigmentos naturales. Viendo al arte
como un proceso de sanación para suprimir el sufrimiento y
ayudar a superar el duelo, Boonma crea instalaciones que
requieren una intensa concentración, por parte de sus
espectadores, con relación a sus sentidos del tacto, el olfato,
la vista y la audición.
Para poder apresiar “Melting Void/
Molds for the Mind”, 1998,
Boonma explicó que los
espectadores tenian que
interactuar acorde a sus deseos
y curiosidad. Cada acción
refleja la consciencia de la
mente: introduciendose dentro
del interior hueco de las
esculturas, los espectadores
pueden descubrir las imagenes
del torso y la cara de Buddha.
Unos pequeños agujeros
revelan unos patrones
astrologicos relacionados con el
calendario lunar Budista,
resaltando los días de Vishakha,
Makha y Asanha. Para Boonma
estos moldes de yeso sirven de
vehiculos para conducir a la
mente hacia el vacio.

Melting Void/Molds
for the Mind, 1998
Montien Boonma utilizó el olfato en
repetidas obras, haciendo alusión tanto al
incienso utilizado en la meditación como
al olor de la hierbas medicinales.

Perfume Paiting
House of Hope, 1996 –
1997
“Quería que los
espectadores se
purificaran y curaran su
mente en pos de
experimentar la
condición de relajación
suprema. La atmosfera de
la obra es similar a un
monasterio o templo. La
meditación, el espacio,
los bordes, el material y
el aroma son la esencia
de la obra y lo que atrae
la percepción del
espectador”
“Temple of the mind:
Sala for the mind”,
1995, en una de las
obras mas sensoriales
de la obra de Boonma.
Es un edificio que se
asemeja a la
arquitectura sacra
tailandesa. La obra
juega con los sentidos
del espectador, ya que
se pueden oler las
hierbas, tomar
visualmente la
magnitud y la forma
de la estructura, tocar
las cajas que lo
componen y escuchar
el sonido de las
campanas que se
encuentran dentro.
Preocupado por el retroceso de la practica Budista en la vida
cotidiana tailandesa, Boonma intenta recrear el sonido inspirador
de las campanas de los templos santuarios.
“Lotus sound”, 1992, consiste en campanas de terracota instaladas
formando una pared semi circular. Por encima de esta estructura
cuelgan unos petalos de Loto coloreados de dorado. Esta
instalación pretende invocar la paz interior del espectador, tanto
por la forma de su estructura, como por los colores y elementos
naturales que la conforman.

Lotus Sound, 1992


“Cuando trabajo con materiales primitivos,
quiero que la gente se replantee el contenido de
la obra. Mi obra no simboliza que quiero que la
gente vuelva a vivir en el bosque. Como un
artista, uno no es experto en los problemas del
medio ambiente, pero uno se da cuenta de que
existen. Entonces, si uno es sincero en su arte y
tiene una preocupación verdadera por una
situación, puede mostrarla de una manera que
afecte. El trabajo de un artista no es la solución,
si no la obra la que puede inspirar a sus
espectadores a buscar soluciones.”
Fotógrafo estadounide,
criado bajo educación
católica. Irónicamente,
en su vida fue atacado
por producir “arte
ofensivo”.
Ha tratado un vasto
conjunto de temáticas,
fotos de cadáveres, e
imágenes de víctimas
quemadas.
La intención de
desacralizar la fe fue
una constante en
Serrano durante las
décadas de 1980 y
1990.
No era para denigrar la
fe sino para divulgar
sus propias creencias.

“Madonna and Child l”, 1989.


Serrano busca una
manera de separar lo
que él valora de la
religión, y lo que
no. Hay una fuerte
creencia en su trabajo,
pero él no va a permitir
que nadie se arrodille
ante su obra,
generando el objetivo
del arte
institucionalizado y la
religión organizada.
“Madonna and Child ll”, 1989, Andres Serrano.
Serrano ha trabajado
con prácticamente
cualquier tipo de fluido
corporal.Vale la pena
mencionar que Serrano
produjo este trabajo en
un momento en que la
amenaza del SIDA
estaba ganando la
atención en Estados
Unidos. Pero, por
supuesto, Serrano deja
deliberadamente sus
fotografías a la
“Blood and Semen lll”.
interpretación.
Según Serrano, los
fluídos nos acercan a la
materia y el espíritu.
“Cabeza de Vaca”,
1986.

Cada fotografía presenta fluidos corporales. Puede ser la sangre de vaca en una
carnicería que se transforma fotográficamente en las nubes y el mar. Puede ser que el
esperma parece capaz de saltar habitaciones enteras de un solo salto de la luz
trascendente.
Serrano lucha contra las inhibiciones sobre el cuerpo humano. Su uso de los fluidos
corporales no tiene como objetivo despertar el asco sino desafiar la noción de tabúes.
“Blood Cross”, 1985.

No se puede considerar el contenido del trabajo de Serrano sin tener en cuenta su


actitud hacia la fotografía. Es la fotografía que se rompe a través de convenciones,
que hace que la búsqueda sea posible y que permite al artista a resolver lo que le
gusta y no le gusta en la religión y el arte. Es la fotografía que se convierte en el
buque de la transformación y de la revelación.
Teniendo en cuenta la
necesidad de mantener a
sus fotografiados en el
anonimato, Serrano recorta
sus fotografías, dejando
fragmentos de cuerpos que
en sí mismos no tienen
ningún significado
aparente..
Algo muy típico en
Serrano, es la combinación
del título y la imagen, que
da a la obra su potencial
“Suicide II”, 1992.
polémico (como en Piss
Christ).
Sus fotografías tomada
en la morgue, ofrecen
primeros planos de
cadáveres, cada uno
perteneciente a alguna
víctima no identificada.
Con telones negros y la
coloración exagerada de
Cibachrome, las fotos
pretenden impactar
“Death by Drowning II”, 1992.
emocionalmente.
Los recortes en el
“Acuchillado I y II",
inevitablemente
sugieren estigmas,
evocando el recuerdo
un un Cristo muerto,
cosa que marcó a
Serrano en la infancia.
También hay una
influencia renacentista “Acuchillado l”, 1992.

en el tratamiento de la
iluminación y de los
cuerpos.
Un pequeño crucifijo de
plástico sujeto al cuerpo de
Jesucristo, sumergido en un
vaso de orina del artista. La
pieza causó un escándalo
cuando se exhibió en 1989,
acusando a Serrano de
blasfemia.
"La fotografía es limpia y
purificada, el relicario o
santuario en el que cree
claramente que la voz sobre el
cuerpo puede ser almacenada
y la propagación. La gente
puede estar de acuerdo o en
desacuerdo con él, o pueden
cuestionar su creencia en la
fotografía, pero ¿cómo puede
alguien encontrar en su obra
sólo la obscenidad y la falta de
respeto? Es difícil de creer
que alguien cuya fe es buscar
y seguro no estaría
agradecido por lo que el “Piss Christ”, 1987.
señor Serrano ha
hecho“, escribió Brenson Video campaña “antipiss christ”:
(critico del New York Times). https://www.youtube.com/watch?v=zv3owIUOo98
 En 1990 creó un
conjunto de fotos
llamado "Nomads ", en el
que los sujetos sin hogar
se hicieron pasar sobre
fondos de estudio
creados dentro de las
estaciones de metro.
 El sentido de la dignidad
capturado en estos
retratos junto con su
evidente orquestación
vino a significar un estilo
al artista.
“Nomads (John Paul)” 1990
El papel de Serrano como el artista
se limita a la búsqueda de los
sujetos y proporcionar un fondo
para los retratos.
La magia de la fotografía emana la
dignidad que surge de la
adversidad.
Serrano capta magistralmente un
grupo de personas a menudo
pasado por alto en la sociedad y
eleva su orgullo y personalidades
de gran arte.
Crea una nueva realidad para sus
modelos, dándoles una plataforma
para expresarse.

“Nomads (John)”, 1990


“Nomads (Sir Leonard)”, 1990

"Ahora, cuando la gente me dice porque las personas sin hogar en “Nómads” miran de esa
manera, yo les digo que yo no pedí que miraran de forma digna o noble. Lo único que les
pedí fue mirar a la izquierda o a la derecha. Pero encontré que me dieron una respuesta
muy heroica. No añadí nada a lo que ya poseen. Solo proporcione la iluminación".
Aritista chicana innovadora
que ha sido reconocida a
nivel mundial por sus
imágenes digitales que
frecuentemente
representan íconos
culturales en contextos que
conectan mitos con
cuestiones de raza, género
y sexualidad.
López nació en Sinaloa,
México pero se creció en
El Serreno, California, una
comunidad del noreste de
Los Ángeles.
Su obra que encarna el
amor de Dios con todo
incluido y se cura la
fractura entre la
sexualidad y la
espiritualidad.
Versiones feministas y
lesbianas, con vivos
tonos eróticos son un
tópico común en el arte
de Alma López.
El feminismo chicano
se define como un
"marco crítico que
analiza las
desigualdades a lo
largo de las líneas de
raza, clase, género y
sexualidad, ya que
afectan las mujeres de
origen mexicano en
Estados Unidos”.
Integra al sexismo, el
racismo, la homofobia
y la pobreza son
temas
correlacionados.
“Lupe y sirena de amor”
López describe su mundo
visual durante esta época
como lleno graffitis,
calendarios con princesas
aztecas, tatuajes de
mujeres desnudas como
símbolos sexuales.
A través de su obra,
reexamina la
representación tradicional
de la mujer como débil o
víctima. Algunas de sus
obras incluyen a mujeres
significantes de la historia
y el presente,
representándolas como
patronas de fuerza y
coraje y fuentes de
inspiración.
“Heaven”, mural.

Esta imagen fue creada en la tradición de un retablo o exvoto, que es una


pintura de la oración mexicana típicamente realizado en estaño. El retablo
se presta a una intimidad que retrata temas personales que a su vez son
importantes y sagrados.
 “Yo soy "re-imaginación"
estos iconos culturales de mi
propia visión del mundo como
chicana lesbiana” (Alma
López)
 Todo el trabajo de Alma López
es notable. La tranquilidad de
la mano izquierda de esta
virgen lista para la
negociación, pero dispuesto a
defender si es necesario con
la derecha.
 Cualquier mujer en la historia
está perfectamente preparada
para proteger y defender, ya
sea su mujer, su hombre de
sus hijos o de su pueblo.
 Este trabajo incluye imágenes que
contienen la iconografía cultural
tradicional (La Virgen) producido
mediante la tecnología digital.
 “Lo admito, me ha sorprendido la
reacción violenta a "Nuestra Señora"
porque nací en México y criada en
California, con la Virgen como una
constante en mi hogar y mi
comunidad.Yo sé que no hay nada de
malo en esta imagen que se inspiró en
las experiencias de muchas chicanas y
su compleja relación con la Virgen de
Guadalupe. No soy la primera chicana
para reinterpretar la imagen con una
perspectiva feminista, y estoy seguro de
que no seré la última”, dijo López.