El Lenguaje de la Pintura.

Materiales y técnicas.
La pintura se compone de dos materiales básicos: unos pigmentos de color y un material de soporte. Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo. El papel es apto para el guache, la acuarela y el dibujo. Las técnicas se diferencian por el tipo de aglutinante de la pintura, la forma de fijarla al soporte y las cualidades plásticas del propio soporte. Las más utilizadas en el mundo occidental han sido pintura al fresco, pintura al temple (tremp) y al óleo. Otras tradicionales como la encáustica, la acuarela y el guache. Desde la segunda mitad del siglo XIX, se han introducido pinturas industriales fabricadas con compuestos químicos (pintura acrílica), y se han usado diversos materiales mezclados con pintura (tierra, ceniza…). También se considera pictórico el collage. Actualmente hay pocos pintores que elaboren sus propios colores, como se hacía antaño y cuyo resultado cromático caracterizaba a cada pintor.

Pintura al fresco.
Se utiliza esta técnica para decorar los muros. El muro se prepara con un revoco que contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal cuando el revoco está todavía húmedo, lo que facilita su integración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico que es muy resistente a los agentes exteriores, por lo que la hace apta para decoraciones al aire libre. Por otra parte, el agua de cal tiende a blanquear los colores, por lo que los resultados son muy luminosos. Esta técnica de pintura exige rapidez en la ejecución (mientras el revoco está húmedo), por lo que hay que acometer la obra por tareas. Frecuentemente se realiza un diseño previo en cartones (sinopia - sinòpia), que luego se trasladarán a la pared. A veces, para evitar problemas de corregir errores, se recurre a la técnica del mezzofresco, que aplica la pintura a la pared cuando está casi seca y se remata la labor con colores diluidos con agua de cal.

Pintura al temple (tremp).
Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza huevo como aglutinante, que puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar cuidadosamente las figuras.

La encáustica.
Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

suelta. El guache utiliza un color más pastoso y las luces y los tonos claros se logran con el empleo del color blanco. La tonalidad típica es ligera. . La pintura acrílica. Éste es un emulgente (une agua con aceite). El mosaico de vidrio se lleva al hormo. donde al fundirse. permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea preciso. la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. Una vez fraguada se desencolan los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento. disuelta con agua. donde la concepción de la obra y su realización son dos procesos separados. Una vez cortados los vidrios coloreados. El artista dispone un número abundante de piezas de diverso color y tamaño. Posteriormente se encola el trabajo con papel para poder situarlo encima de un muro con una capa de argamasa. El aglutinante es un aceite de origen vegetal (de linaza o llinosa. Se trabaja del mismo modo que el mosaico: sobre un plano horizontal y un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. No utiliza pigmentos. Los mismos colores mezclados con idéntico aglutinante (goma arábiga = resina de acacia) se pueden utilizar tanto transparentes como opacos. La pintura. Ambas técnicas utilizan como aglutinantes substancias especiales solubles al agua y a la goma arábiga. seca rápidamente lo que obliga a una técnica rápida.La pintura al óleo. En la acuarela se tiene una ligera capa de color. por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. Su secado es muy lento. o de nuez). La Acuarela y el Guache (Gouache). La vidriera. El mosaico. En el s. Hasta el siglo XVIII no es posible hablar propiamente de acuarela y guache. XVI su uso se generaliza sobre lienzos fijados en un bastidor de madera. que sirven para fijar el color al soporte. la tela ha sido preparada por una capa de imprimación. aunque estas técnicas ya habían sido utilizadas por Durero. obteniendo el blanco y la luz por transparencia del blanco del papel. cuando los aceites no son de buena calidad. El color lo proporcionan directamente las teselas (piezas pequeñas de piedra. Su uso fue substituyendo a la pintura al temple a partir del siglo XV. se pintan las sombras o algún otro color con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. Antes de empezar a pintar. el color se integra en el vidrio. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. Su capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo. A diferencia de la arquitectura. vidrio o metal). El proceso de creación. transparente y diluida. Mientras se trabaja los colores tienden a fundirse. que traslada siguiendo un dibujo previo hecho en papel.

las acota y nos permite reconocer la apariencia de las cosas.Por esta razón. con el trazo que delimita las formas.naturamedic. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de la operación artística. incluso independientemente de su ajuste a la realidad. a lápiz o al carboncillo.htm http://www.com/funda/color11. A partir del siglo XIX. rojo y azul). Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. mientras que el uso del color prima la libertad del artista. Elementos formales del lenguaje pictórico. Línea y el color.com/2005/03/18/sobre_el_color/ . los no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente.freakevolution. Frecuentemente se distingue en el análisis de una obra la forma del contenido sin tener en cuenta que la forma es. Esta autonomía del color está influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron elaborar una teoría de los colores. donde ambos tienen la misma intensidad. En la pintura académica la línea era el paso previo al color. La línea se identifica con el dibujo. También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. el proceso de creación suele ser resultado de un lento proceso preparatorio. mientras que el color es el elemento sensorial. El rojo es excitante. el azul. el pintor dibujaba las formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color. La línea es elemento que comporta un orden intelectual. La forma hace distintos a los cuadros que comparten un mismo tema. Suelen realizarse sobre papel. violeta y verde) Por otra parte el color secundario es el complementario del color primario que no entra en la composición (violeta y amarillo. • COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul. Los colores se clasifican en: • COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo. Sin embargo. a los colores se les ha atribuido un valor simbólico. en sí misma. sedante http://www. violeta y verde. por ejemplo). La mezcla de dos de estos colores primarios.htm?text=orange Por otra parte. una parte fundamental del contenido.newsartesvisuales.com/cromoterapia. permite obtener los secundarios (naranja. anaranjado y rojo. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original. Existen tres colores fundamentales o primarios (amarillo. como probaturas de ideas. Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final. http://www. Se utiliza el término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta. La línea es normativa. El boceto (esbós).

Responde a una formulación científica de base matemática. la composición también ordena las figuras. objetos y colores con una lógica interna. Empleada en la pintura religiosa medieval. Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente. que se sitúa detrás del cuadro. Empleada por la pintura grecorromana y posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de la composición. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados. Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la perspectiva lineal. se le da el nombre de sfumato. El tamaño de los personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica. Consiste en utilizar diversos sistemas perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está pintada. La cualidad de un color se ve modificada por los colores que lo rodean. Se basa en la confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga. La composición. Perspectiva naturalis o perspectiva curva. cuadrado…). circunferencia. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. siguiendo figuras geométricas simples (triángulo. o el empleo de fotografías y diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura hiperrealista). A lo largo de la historia. El elemento esencial de la composición es la distribución de los elementos en el espacio. El tamaño de los objetos es proporcional a su proximidad. Perspectiva aérea. aunque no lo sean en sentido estricto. proporción. Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil. la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras: Perspectiva jerárquica. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi.El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores. Fue ampliamente seguida en el Barroco. el uso simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo). La composición es la forma en que un pintor organiza de manera lógica todos los elementos plásticos para que cumplan su función en el cuadro. no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos. En relación a este espacio podemos definir distintos tipos de composición: . Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único). Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía. de contraste. mientras que el negro es la ausencia de luz. Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. Al margen de lo representado. Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y la pérdida de nitidez de los contornos. El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de colores de diferente intensidad lumínica. Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco. de acuerdo con los criterios de simetría.

• Nivel del significado intrínseco. • Nivel secundario o convencional.Composiciones cerradas o abiertas. Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. no explícito. una serie de formas reconocibles. Composiciones unitarias o no unitarias. más o menos detallada. históricos. A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración. `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede resumir en cuatro niveles semánticos. el primer iconólogo. Elementos significativos del lenguaje pictórico. Trata de reconocer lo representado. La iconología. Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales o verticales. donde predomina el dibujo. Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa. La iconografía. En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la pintura. En la pintura abstracta. Busca el significado oculto. neoclásico…). sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos aspectos formales con el tema. sociales…) Este nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico. En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra. son los colores. En su lugar. por el contrario en las composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella. que tienden a abrir el espacio del cuadro. o figuras geométricas las que caracterizan la composición. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria. o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo). Erwin Panoksky. romanticismo). trazos. La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro (composición centrípeta). y tienen una intención de significado evidente. mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o líneas sinuosas. tanto desde el punto de vista de significado escondido o . Los objetos representados se identifican con los objetos reales. Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento. La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra. donde las formas no tienen un referente real. Nivel semántico primario o natural. Niveles semánticos.

El enorme poder económico. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más compleja. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos. PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. Trata de explorar los significados derivados de la forma En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura. Los géneros pictóricos. . como la pintura realista. que pretendía denunciar situaciones de injusticia. aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia. También se incluyen los bodegones (natura morta) y los paisajes. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se establece entre las pinturas y el lugar que ocupan. como desde el punto de vista de la personalidad del autor. CICLOS PICTÓRICOS. el retrato psicológico… PINTURA DE GÉNERO. bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano (generalmente femenino). el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas.• simbólico de algunos objetos o figuras. político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX. ya ininterrumpidamente. • • • • • Pautas para el análisis de una obra pictórica. la ordenación de las formas… adquieren siempre un carácter significativo. Suponen programas iconográficos que pueden ser bastante complejos. que servía para propaganda del régimen. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina. el retrato familiar. Es probablemente el género más antiguo. con el florecimiento de las ciudades góticas. desaparece durante la Alta Edad Media. Aparece en el siglo XVII. EL RETRATO. su temática es algo presente desde el Renacimiento. En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro. • PINTURA RELIGIOSA. cuando la burguesía comienza a encargar cuadros y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. el autorretrato. la textura. La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado iconográfico. Nivel sintagmático. En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica. de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico. PINTURA TESTIMONIAL. para volverse a cultivar. la pincelada.

2. Análisis formal. 2. Elementos iconográficos representados. tipología y localización. 4.1. 4. 3.3. Movimiento. Composición. 2.1.1. Tipología compositiva. Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha concebido. 1. Identificación. 1. 2.5.2.2.2. restauración… 2. ampliaciones. Valoración y conclusión.1. Influencias o relaciones formales con otras obras. Datos Generales de la obra.4. 3. Nombre.3. 2.3. los ropajes… 2. 2.2. 1. Elementos que permiten identificar la obra con un estilo.1. Análisis de significado. Género. Importancia de la obra como referente a obras posteriores.1. época o autor. Modificaciones. Perspectiva. Breve reseña del autor 1.2. Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática). 1.3. Material y técnica empleada. Influencia de otras obras. el modelado de las figuras. La línea y el color. 4. 3. 3. Estado actual del edificio.2.2. La luz. .

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