El Lenguaje de la Pintura.

Materiales y técnicas.
La pintura se compone de dos materiales básicos: unos pigmentos de color y un material de soporte. Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo. El papel es apto para el guache, la acuarela y el dibujo. Las técnicas se diferencian por el tipo de aglutinante de la pintura, la forma de fijarla al soporte y las cualidades plásticas del propio soporte. Las más utilizadas en el mundo occidental han sido pintura al fresco, pintura al temple (tremp) y al óleo. Otras tradicionales como la encáustica, la acuarela y el guache. Desde la segunda mitad del siglo XIX, se han introducido pinturas industriales fabricadas con compuestos químicos (pintura acrílica), y se han usado diversos materiales mezclados con pintura (tierra, ceniza…). También se considera pictórico el collage. Actualmente hay pocos pintores que elaboren sus propios colores, como se hacía antaño y cuyo resultado cromático caracterizaba a cada pintor.

Pintura al fresco.
Se utiliza esta técnica para decorar los muros. El muro se prepara con un revoco que contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal cuando el revoco está todavía húmedo, lo que facilita su integración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico que es muy resistente a los agentes exteriores, por lo que la hace apta para decoraciones al aire libre. Por otra parte, el agua de cal tiende a blanquear los colores, por lo que los resultados son muy luminosos. Esta técnica de pintura exige rapidez en la ejecución (mientras el revoco está húmedo), por lo que hay que acometer la obra por tareas. Frecuentemente se realiza un diseño previo en cartones (sinopia - sinòpia), que luego se trasladarán a la pared. A veces, para evitar problemas de corregir errores, se recurre a la técnica del mezzofresco, que aplica la pintura a la pared cuando está casi seca y se remata la labor con colores diluidos con agua de cal.

Pintura al temple (tremp).
Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza huevo como aglutinante, que puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar cuidadosamente las figuras.

La encáustica.
Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

que sirven para fijar el color al soporte. transparente y diluida. El mosaico de vidrio se lleva al hormo. A diferencia de la arquitectura. Una vez fraguada se desencolan los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final. suelta. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. que traslada siguiendo un dibujo previo hecho en papel. El color lo proporcionan directamente las teselas (piezas pequeñas de piedra.La pintura al óleo. Una vez cortados los vidrios coloreados. En la acuarela se tiene una ligera capa de color. aunque estas técnicas ya habían sido utilizadas por Durero. disuelta con agua. La pintura acrílica. Hasta el siglo XVIII no es posible hablar propiamente de acuarela y guache. Su capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo. La tonalidad típica es ligera. . El mosaico. o de nuez). Su secado es muy lento. vidrio o metal). XVI su uso se generaliza sobre lienzos fijados en un bastidor de madera. por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. se pintan las sombras o algún otro color con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. Posteriormente se encola el trabajo con papel para poder situarlo encima de un muro con una capa de argamasa. La vidriera. donde la concepción de la obra y su realización son dos procesos separados. Antes de empezar a pintar. donde al fundirse. obteniendo el blanco y la luz por transparencia del blanco del papel. No utiliza pigmentos. Los mismos colores mezclados con idéntico aglutinante (goma arábiga = resina de acacia) se pueden utilizar tanto transparentes como opacos. El proceso de creación. El artista dispone un número abundante de piezas de diverso color y tamaño. permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea preciso. Se trabaja del mismo modo que el mosaico: sobre un plano horizontal y un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento. cuando los aceites no son de buena calidad. El aglutinante es un aceite de origen vegetal (de linaza o llinosa. Mientras se trabaja los colores tienden a fundirse. Éste es un emulgente (une agua con aceite). el color se integra en el vidrio. la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. En el s. Su uso fue substituyendo a la pintura al temple a partir del siglo XV. Ambas técnicas utilizan como aglutinantes substancias especiales solubles al agua y a la goma arábiga. seca rápidamente lo que obliga a una técnica rápida. la tela ha sido preparada por una capa de imprimación. La pintura. El guache utiliza un color más pastoso y las luces y los tonos claros se logran con el empleo del color blanco. La Acuarela y el Guache (Gouache).

A partir del siglo XIX. a lápiz o al carboncillo. Línea y el color. Suelen realizarse sobre papel. Elementos formales del lenguaje pictórico. Los colores se clasifican en: • COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo. en sí misma. por ejemplo).com/2005/03/18/sobre_el_color/ . mientras que el color es el elemento sensorial. La línea es normativa. En la pintura académica la línea era el paso previo al color.htm?text=orange Por otra parte. las acota y nos permite reconocer la apariencia de las cosas.htm http://www. La línea es elemento que comporta un orden intelectual. mientras que el uso del color prima la libertad del artista. Sin embargo. Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. http://www. Se utiliza el término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta.freakevolution. La línea se identifica con el dibujo. los no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente.com/funda/color11. El rojo es excitante. Esta autonomía del color está influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron elaborar una teoría de los colores. algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color. a los colores se les ha atribuido un valor simbólico.Por esta razón. • COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de la operación artística.naturamedic. La mezcla de dos de estos colores primarios. También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. El boceto (esbós). violeta y verde) Por otra parte el color secundario es el complementario del color primario que no entra en la composición (violeta y amarillo. violeta y verde. el azul. donde ambos tienen la misma intensidad. sedante http://www. una parte fundamental del contenido. permite obtener los secundarios (naranja. rojo y azul). Frecuentemente se distingue en el análisis de una obra la forma del contenido sin tener en cuenta que la forma es. el pintor dibujaba las formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original.com/cromoterapia. incluso independientemente de su ajuste a la realidad. La forma hace distintos a los cuadros que comparten un mismo tema.newsartesvisuales. anaranjado y rojo. Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final. Existen tres colores fundamentales o primarios (amarillo. con el trazo que delimita las formas. como probaturas de ideas. el proceso de creación suele ser resultado de un lento proceso preparatorio.

Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. A lo largo de la historia. mientras que el negro es la ausencia de luz. Perspectiva naturalis o perspectiva curva. La composición. o el empleo de fotografías y diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura hiperrealista). circunferencia. Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco. Responde a una formulación científica de base matemática. siguiendo figuras geométricas simples (triángulo. Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil. La cualidad de un color se ve modificada por los colores que lo rodean. La composición es la forma en que un pintor organiza de manera lógica todos los elementos plásticos para que cumplan su función en el cuadro. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. aunque no lo sean en sentido estricto. la composición también ordena las figuras. Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente. Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único). objetos y colores con una lógica interna. que se sitúa detrás del cuadro. El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de colores de diferente intensidad lumínica. El elemento esencial de la composición es la distribución de los elementos en el espacio. En relación a este espacio podemos definir distintos tipos de composición: . Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la perspectiva lineal. Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. Se basa en la confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga.El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores. el uso simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo). Al margen de lo representado. Consiste en utilizar diversos sistemas perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está pintada. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía. proporción. cuadrado…). Perspectiva aérea. no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos. Empleada por la pintura grecorromana y posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de la composición. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y la pérdida de nitidez de los contornos. se le da el nombre de sfumato. Fue ampliamente seguida en el Barroco. de contraste. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados. El tamaño de los objetos es proporcional a su proximidad. Empleada en la pintura religiosa medieval. de acuerdo con los criterios de simetría. la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras: Perspectiva jerárquica. El tamaño de los personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica. Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico.

Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria. La iconología. no explícito. La iconografía. trazos. • Nivel secundario o convencional. En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra.Composiciones cerradas o abiertas. donde las formas no tienen un referente real. históricos. sociales…) Este nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico. • Nivel del significado intrínseco. sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos aspectos formales con el tema. Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos. A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración. y tienen una intención de significado evidente. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella. o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo). donde predomina el dibujo. Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. Composiciones unitarias o no unitarias. Trata de reconocer lo representado. Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento. el primer iconólogo. más o menos detallada. En su lugar. Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa. que tienden a abrir el espacio del cuadro. tanto desde el punto de vista de significado escondido o . `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede resumir en cuatro niveles semánticos. por el contrario en las composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco. Niveles semánticos. Los objetos representados se identifican con los objetos reales. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales o verticales. Nivel semántico primario o natural. mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o líneas sinuosas. La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra. La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro (composición centrípeta). o figuras geométricas las que caracterizan la composición. Elementos significativos del lenguaje pictórico. una serie de formas reconocibles. En la pintura abstracta. Erwin Panoksky. Busca el significado oculto. romanticismo). En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la pintura. son los colores. neoclásico…).

PINTURA TESTIMONIAL. Los géneros pictóricos. El enorme poder económico. político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX. También se incluyen los bodegones (natura morta) y los paisajes. bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano (generalmente femenino). En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. como la pintura realista. el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas. . • PINTURA RELIGIOSA. de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico. aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia. EL RETRATO. como desde el punto de vista de la personalidad del autor. que pretendía denunciar situaciones de injusticia. Es probablemente el género más antiguo. la textura. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro. que servía para propaganda del régimen. La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado iconográfico. En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías. el autorretrato. el retrato familiar. ya ininterrumpidamente. la ordenación de las formas… adquieren siempre un carácter significativo. Suponen programas iconográficos que pueden ser bastante complejos. CICLOS PICTÓRICOS. Trata de explorar los significados derivados de la forma En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura. cuando la burguesía comienza a encargar cuadros y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. Nivel sintagmático.• simbólico de algunos objetos o figuras. la pincelada. • • • • • Pautas para el análisis de una obra pictórica. con el florecimiento de las ciudades góticas. el retrato psicológico… PINTURA DE GÉNERO. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se establece entre las pinturas y el lugar que ocupan. para volverse a cultivar. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos. su temática es algo presente desde el Renacimiento. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más compleja. Aparece en el siglo XVII. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos. desaparece durante la Alta Edad Media.

Modificaciones. 2.5. Análisis de significado.3. 1.2.1.2. Influencia de otras obras. 4. 1. Nombre.3. Influencias o relaciones formales con otras obras. Estado actual del edificio.2. 3. Perspectiva. Breve reseña del autor 1. Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática).4.2. Elementos iconográficos representados.1. Identificación. Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha concebido. el modelado de las figuras. Análisis formal. tipología y localización. . Material y técnica empleada.2.1. Elementos que permiten identificar la obra con un estilo. 3. 4. Género. 3. 2. Tipología compositiva.2. 2. La línea y el color. La luz. Valoración y conclusión. 1. los ropajes… 2.1. restauración… 2. 3.3.3.1. 1. Datos Generales de la obra.1.2. época o autor. 2. Importancia de la obra como referente a obras posteriores. 2. 4. Movimiento. ampliaciones. Composición.2.