El Lenguaje de la Pintura.

Materiales y técnicas.
La pintura se compone de dos materiales básicos: unos pigmentos de color y un material de soporte. Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo. El papel es apto para el guache, la acuarela y el dibujo. Las técnicas se diferencian por el tipo de aglutinante de la pintura, la forma de fijarla al soporte y las cualidades plásticas del propio soporte. Las más utilizadas en el mundo occidental han sido pintura al fresco, pintura al temple (tremp) y al óleo. Otras tradicionales como la encáustica, la acuarela y el guache. Desde la segunda mitad del siglo XIX, se han introducido pinturas industriales fabricadas con compuestos químicos (pintura acrílica), y se han usado diversos materiales mezclados con pintura (tierra, ceniza…). También se considera pictórico el collage. Actualmente hay pocos pintores que elaboren sus propios colores, como se hacía antaño y cuyo resultado cromático caracterizaba a cada pintor.

Pintura al fresco.
Se utiliza esta técnica para decorar los muros. El muro se prepara con un revoco que contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal cuando el revoco está todavía húmedo, lo que facilita su integración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico que es muy resistente a los agentes exteriores, por lo que la hace apta para decoraciones al aire libre. Por otra parte, el agua de cal tiende a blanquear los colores, por lo que los resultados son muy luminosos. Esta técnica de pintura exige rapidez en la ejecución (mientras el revoco está húmedo), por lo que hay que acometer la obra por tareas. Frecuentemente se realiza un diseño previo en cartones (sinopia - sinòpia), que luego se trasladarán a la pared. A veces, para evitar problemas de corregir errores, se recurre a la técnica del mezzofresco, que aplica la pintura a la pared cuando está casi seca y se remata la labor con colores diluidos con agua de cal.

Pintura al temple (tremp).
Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza huevo como aglutinante, que puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar cuidadosamente las figuras.

La encáustica.
Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

Su uso fue substituyendo a la pintura al temple a partir del siglo XV. Se trabaja del mismo modo que el mosaico: sobre un plano horizontal y un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento. XVI su uso se generaliza sobre lienzos fijados en un bastidor de madera. Hasta el siglo XVIII no es posible hablar propiamente de acuarela y guache. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. En el s. la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. El color lo proporcionan directamente las teselas (piezas pequeñas de piedra. o de nuez). obteniendo el blanco y la luz por transparencia del blanco del papel. El artista dispone un número abundante de piezas de diverso color y tamaño. La tonalidad típica es ligera. donde al fundirse. . Su secado es muy lento. Antes de empezar a pintar. Ambas técnicas utilizan como aglutinantes substancias especiales solubles al agua y a la goma arábiga. Una vez fraguada se desencolan los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final. La pintura acrílica. Éste es un emulgente (une agua con aceite). El mosaico de vidrio se lleva al hormo. Una vez cortados los vidrios coloreados. A diferencia de la arquitectura. transparente y diluida. La Acuarela y el Guache (Gouache). que sirven para fijar el color al soporte. donde la concepción de la obra y su realización son dos procesos separados. Mientras se trabaja los colores tienden a fundirse. No utiliza pigmentos. la tela ha sido preparada por una capa de imprimación. seca rápidamente lo que obliga a una técnica rápida. El proceso de creación. se pintan las sombras o algún otro color con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. vidrio o metal). aunque estas técnicas ya habían sido utilizadas por Durero. En la acuarela se tiene una ligera capa de color. disuelta con agua.La pintura al óleo. El guache utiliza un color más pastoso y las luces y los tonos claros se logran con el empleo del color blanco. permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea preciso. que traslada siguiendo un dibujo previo hecho en papel. Los mismos colores mezclados con idéntico aglutinante (goma arábiga = resina de acacia) se pueden utilizar tanto transparentes como opacos. La vidriera. El aglutinante es un aceite de origen vegetal (de linaza o llinosa. el color se integra en el vidrio. Posteriormente se encola el trabajo con papel para poder situarlo encima de un muro con una capa de argamasa. suelta. La pintura. El mosaico. cuando los aceites no son de buena calidad. Su capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo. por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color.

algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original.newsartesvisuales. Existen tres colores fundamentales o primarios (amarillo. La forma hace distintos a los cuadros que comparten un mismo tema.com/2005/03/18/sobre_el_color/ . El boceto (esbós). las acota y nos permite reconocer la apariencia de las cosas. a los colores se les ha atribuido un valor simbólico. violeta y verde) Por otra parte el color secundario es el complementario del color primario que no entra en la composición (violeta y amarillo. Frecuentemente se distingue en el análisis de una obra la forma del contenido sin tener en cuenta que la forma es. La línea es normativa. mientras que el color es el elemento sensorial. La mezcla de dos de estos colores primarios. en sí misma. Esta autonomía del color está influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron elaborar una teoría de los colores. los no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente. Línea y el color.naturamedic. como probaturas de ideas. Se utiliza el término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta. En la pintura académica la línea era el paso previo al color.freakevolution. A partir del siglo XIX. anaranjado y rojo. Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. a lápiz o al carboncillo. mientras que el uso del color prima la libertad del artista. También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final.com/cromoterapia. el proceso de creación suele ser resultado de un lento proceso preparatorio.htm?text=orange Por otra parte. el azul.htm http://www. rojo y azul).Por esta razón. La línea es elemento que comporta un orden intelectual. Sin embargo. La línea se identifica con el dibujo. El rojo es excitante. el pintor dibujaba las formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. sedante http://www. Suelen realizarse sobre papel. incluso independientemente de su ajuste a la realidad. permite obtener los secundarios (naranja. con el trazo que delimita las formas. • COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul.com/funda/color11. Los colores se clasifican en: • COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo. donde ambos tienen la misma intensidad. Elementos formales del lenguaje pictórico. violeta y verde. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de la operación artística. http://www. por ejemplo). una parte fundamental del contenido.

la composición también ordena las figuras. El elemento esencial de la composición es la distribución de los elementos en el espacio. aunque no lo sean en sentido estricto. Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. La composición. Empleada por la pintura grecorromana y posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. el uso simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo). Fue ampliamente seguida en el Barroco. Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de la composición. Perspectiva naturalis o perspectiva curva. Consiste en utilizar diversos sistemas perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está pintada. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados. El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de colores de diferente intensidad lumínica. Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único). Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco. que se sitúa detrás del cuadro. Responde a una formulación científica de base matemática. A lo largo de la historia. El tamaño de los personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica. La composición es la forma en que un pintor organiza de manera lógica todos los elementos plásticos para que cumplan su función en el cuadro. Empleada en la pintura religiosa medieval. mientras que el negro es la ausencia de luz. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía. En relación a este espacio podemos definir distintos tipos de composición: . o el empleo de fotografías y diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura hiperrealista). siguiendo figuras geométricas simples (triángulo. Se basa en la confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga. cuadrado…). La cualidad de un color se ve modificada por los colores que lo rodean. proporción. Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la perspectiva lineal. de acuerdo con los criterios de simetría. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y la pérdida de nitidez de los contornos. no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. circunferencia. Al margen de lo representado. Perspectiva aérea. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico. la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras: Perspectiva jerárquica. de contraste. Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil.El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores. Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta. objetos y colores con una lógica interna. Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente. El tamaño de los objetos es proporcional a su proximidad. se le da el nombre de sfumato.

Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento. Composiciones unitarias o no unitarias. Nivel semántico primario o natural. mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o líneas sinuosas. Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa. La iconología. Erwin Panoksky. el primer iconólogo. Busca el significado oculto. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria. Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. sociales…) Este nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico. son los colores. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella. tanto desde el punto de vista de significado escondido o . Los objetos representados se identifican con los objetos reales. En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la pintura. donde las formas no tienen un referente real. En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra. por el contrario en las composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco. La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro (composición centrípeta). trazos. En su lugar. donde predomina el dibujo. Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos. más o menos detallada. históricos.Composiciones cerradas o abiertas. Elementos significativos del lenguaje pictórico. `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede resumir en cuatro niveles semánticos. o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo). • Nivel del significado intrínseco. Niveles semánticos. o figuras geométricas las que caracterizan la composición. neoclásico…). Trata de reconocer lo representado. romanticismo). y tienen una intención de significado evidente. La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra. sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos aspectos formales con el tema. no explícito. • Nivel secundario o convencional. una serie de formas reconocibles. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales o verticales. La iconografía. que tienden a abrir el espacio del cuadro. A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración. En la pintura abstracta.

• simbólico de algunos objetos o figuras. CICLOS PICTÓRICOS. con el florecimiento de las ciudades góticas. PINTURA TESTIMONIAL. de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico. su temática es algo presente desde el Renacimiento. el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más compleja. También se incluyen los bodegones (natura morta) y los paisajes. la textura. • • • • • Pautas para el análisis de una obra pictórica. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro. Los géneros pictóricos. que servía para propaganda del régimen. • PINTURA RELIGIOSA. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos. PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX. como desde el punto de vista de la personalidad del autor. para volverse a cultivar. el retrato psicológico… PINTURA DE GÉNERO. En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías. ya ininterrumpidamente. Nivel sintagmático. . cuando la burguesía comienza a encargar cuadros y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina. el retrato familiar. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. desaparece durante la Alta Edad Media. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se establece entre las pinturas y el lugar que ocupan. la pincelada. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos. La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado iconográfico. bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano (generalmente femenino). El enorme poder económico. Aparece en el siglo XVII. que pretendía denunciar situaciones de injusticia. aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia. como la pintura realista. EL RETRATO. Trata de explorar los significados derivados de la forma En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura. la ordenación de las formas… adquieren siempre un carácter significativo. el autorretrato. Suponen programas iconográficos que pueden ser bastante complejos. En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica. Es probablemente el género más antiguo.

3.2. Elementos iconográficos representados.3. Análisis de significado. Identificación. Influencia de otras obras. Modificaciones. 3.3. La línea y el color. 2. Influencias o relaciones formales con otras obras. restauración… 2.2. 4. tipología y localización. los ropajes… 2. Perspectiva. 2. 2. 2. Movimiento. 4.1. Valoración y conclusión. Análisis formal.2.2. 2. Importancia de la obra como referente a obras posteriores. Material y técnica empleada. el modelado de las figuras. Composición. 4. 1. ampliaciones. Estado actual del edificio. 3. Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha concebido.5.2. Nombre. . Breve reseña del autor 1. 3. época o autor. Elementos que permiten identificar la obra con un estilo.2. Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática).4. Tipología compositiva.3. 1.1. 3.2. Datos Generales de la obra. 1.1. Género.2.1. La luz.1.1. 1.

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