El Lenguaje de la Pintura.

Materiales y técnicas.
La pintura se compone de dos materiales básicos: unos pigmentos de color y un material de soporte. Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo. El papel es apto para el guache, la acuarela y el dibujo. Las técnicas se diferencian por el tipo de aglutinante de la pintura, la forma de fijarla al soporte y las cualidades plásticas del propio soporte. Las más utilizadas en el mundo occidental han sido pintura al fresco, pintura al temple (tremp) y al óleo. Otras tradicionales como la encáustica, la acuarela y el guache. Desde la segunda mitad del siglo XIX, se han introducido pinturas industriales fabricadas con compuestos químicos (pintura acrílica), y se han usado diversos materiales mezclados con pintura (tierra, ceniza…). También se considera pictórico el collage. Actualmente hay pocos pintores que elaboren sus propios colores, como se hacía antaño y cuyo resultado cromático caracterizaba a cada pintor.

Pintura al fresco.
Se utiliza esta técnica para decorar los muros. El muro se prepara con un revoco que contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal cuando el revoco está todavía húmedo, lo que facilita su integración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico que es muy resistente a los agentes exteriores, por lo que la hace apta para decoraciones al aire libre. Por otra parte, el agua de cal tiende a blanquear los colores, por lo que los resultados son muy luminosos. Esta técnica de pintura exige rapidez en la ejecución (mientras el revoco está húmedo), por lo que hay que acometer la obra por tareas. Frecuentemente se realiza un diseño previo en cartones (sinopia - sinòpia), que luego se trasladarán a la pared. A veces, para evitar problemas de corregir errores, se recurre a la técnica del mezzofresco, que aplica la pintura a la pared cuando está casi seca y se remata la labor con colores diluidos con agua de cal.

Pintura al temple (tremp).
Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza huevo como aglutinante, que puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar cuidadosamente las figuras.

La encáustica.
Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

No utiliza pigmentos. El guache utiliza un color más pastoso y las luces y los tonos claros se logran con el empleo del color blanco. Se trabaja del mismo modo que el mosaico: sobre un plano horizontal y un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. El mosaico de vidrio se lleva al hormo. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento. que traslada siguiendo un dibujo previo hecho en papel. La Acuarela y el Guache (Gouache). suelta. o de nuez). Antes de empezar a pintar. por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. el color se integra en el vidrio. la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. La pintura. que sirven para fijar el color al soporte. La tonalidad típica es ligera. la tela ha sido preparada por una capa de imprimación.La pintura al óleo. La pintura acrílica. El color lo proporcionan directamente las teselas (piezas pequeñas de piedra. El aglutinante es un aceite de origen vegetal (de linaza o llinosa. vidrio o metal). En la acuarela se tiene una ligera capa de color. Mientras se trabaja los colores tienden a fundirse. Su uso fue substituyendo a la pintura al temple a partir del siglo XV. obteniendo el blanco y la luz por transparencia del blanco del papel. aunque estas técnicas ya habían sido utilizadas por Durero. donde la concepción de la obra y su realización son dos procesos separados. se pintan las sombras o algún otro color con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. Los mismos colores mezclados con idéntico aglutinante (goma arábiga = resina de acacia) se pueden utilizar tanto transparentes como opacos. XVI su uso se generaliza sobre lienzos fijados en un bastidor de madera. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. donde al fundirse. cuando los aceites no son de buena calidad. Ambas técnicas utilizan como aglutinantes substancias especiales solubles al agua y a la goma arábiga. En el s. Una vez fraguada se desencolan los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final. seca rápidamente lo que obliga a una técnica rápida. El proceso de creación. Hasta el siglo XVIII no es posible hablar propiamente de acuarela y guache. Su secado es muy lento. La vidriera. transparente y diluida. . permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea preciso. El artista dispone un número abundante de piezas de diverso color y tamaño. Su capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo. Éste es un emulgente (une agua con aceite). Una vez cortados los vidrios coloreados. El mosaico. Posteriormente se encola el trabajo con papel para poder situarlo encima de un muro con una capa de argamasa. disuelta con agua. A diferencia de la arquitectura.

una parte fundamental del contenido. con el trazo que delimita las formas. los no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente.com/cromoterapia. violeta y verde) Por otra parte el color secundario es el complementario del color primario que no entra en la composición (violeta y amarillo. El rojo es excitante. La línea es elemento que comporta un orden intelectual. el proceso de creación suele ser resultado de un lento proceso preparatorio. por ejemplo). Frecuentemente se distingue en el análisis de una obra la forma del contenido sin tener en cuenta que la forma es. Esta autonomía del color está influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron elaborar una teoría de los colores. La forma hace distintos a los cuadros que comparten un mismo tema. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de la operación artística. incluso independientemente de su ajuste a la realidad. La mezcla de dos de estos colores primarios. Sin embargo. A partir del siglo XIX.htm http://www.Por esta razón. • COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul. Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final. http://www. en sí misma. La línea se identifica con el dibujo. Línea y el color. donde ambos tienen la misma intensidad. como probaturas de ideas. El boceto (esbós). algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color. anaranjado y rojo. las acota y nos permite reconocer la apariencia de las cosas. violeta y verde. rojo y azul). Los colores se clasifican en: • COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo. Existen tres colores fundamentales o primarios (amarillo. También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. Elementos formales del lenguaje pictórico. Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. mientras que el uso del color prima la libertad del artista. el pintor dibujaba las formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. En la pintura académica la línea era el paso previo al color.htm?text=orange Por otra parte. a lápiz o al carboncillo. mientras que el color es el elemento sensorial.com/funda/color11.newsartesvisuales. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original. Se utiliza el término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta.com/2005/03/18/sobre_el_color/ .freakevolution. Suelen realizarse sobre papel. a los colores se les ha atribuido un valor simbólico. el azul. La línea es normativa.naturamedic. permite obtener los secundarios (naranja. sedante http://www.

Empleada en la pintura religiosa medieval. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y la pérdida de nitidez de los contornos. objetos y colores con una lógica interna. El tamaño de los objetos es proporcional a su proximidad. Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente. Al margen de lo representado. cuadrado…). Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de la composición. El tamaño de los personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. mientras que el negro es la ausencia de luz. no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos. el uso simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo). Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la perspectiva lineal. Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico. La composición es la forma en que un pintor organiza de manera lógica todos los elementos plásticos para que cumplan su función en el cuadro. Empleada por la pintura grecorromana y posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. Perspectiva aérea. Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta. Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único). Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco. Responde a una formulación científica de base matemática. La cualidad de un color se ve modificada por los colores que lo rodean. la composición también ordena las figuras. Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. que se sitúa detrás del cuadro. Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil. Se basa en la confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga. proporción. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. siguiendo figuras geométricas simples (triángulo. En relación a este espacio podemos definir distintos tipos de composición: . Perspectiva naturalis o perspectiva curva.El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores. A lo largo de la historia. de contraste. se le da el nombre de sfumato. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados. El elemento esencial de la composición es la distribución de los elementos en el espacio. la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras: Perspectiva jerárquica. o el empleo de fotografías y diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura hiperrealista). La composición. circunferencia. Consiste en utilizar diversos sistemas perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está pintada. de acuerdo con los criterios de simetría. El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de colores de diferente intensidad lumínica. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía. Fue ampliamente seguida en el Barroco. aunque no lo sean en sentido estricto.

Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella. romanticismo). Niveles semánticos. La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro (composición centrípeta). por el contrario en las composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco. Nivel semántico primario o natural. tanto desde el punto de vista de significado escondido o . Composiciones unitarias o no unitarias. mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o líneas sinuosas. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria. En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra. En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la pintura. el primer iconólogo. • Nivel del significado intrínseco. neoclásico…). donde las formas no tienen un referente real. La iconología. La iconografía. Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. son los colores. o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo). A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración. más o menos detallada. Busca el significado oculto. donde predomina el dibujo. `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede resumir en cuatro niveles semánticos. una serie de formas reconocibles. Trata de reconocer lo representado.Composiciones cerradas o abiertas. Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa. • Nivel secundario o convencional. o figuras geométricas las que caracterizan la composición. En la pintura abstracta. y tienen una intención de significado evidente. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales o verticales. Los objetos representados se identifican con los objetos reales. En su lugar. La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra. sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos aspectos formales con el tema. Erwin Panoksky. Elementos significativos del lenguaje pictórico. históricos. sociales…) Este nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico. no explícito. Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento. que tienden a abrir el espacio del cuadro. trazos.

el retrato psicológico… PINTURA DE GÉNERO. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos. En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías. cuando la burguesía comienza a encargar cuadros y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado iconográfico. que pretendía denunciar situaciones de injusticia. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro. • • • • • Pautas para el análisis de una obra pictórica. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se establece entre las pinturas y el lugar que ocupan. el retrato familiar. En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica. para volverse a cultivar. • PINTURA RELIGIOSA. el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas. EL RETRATO. CICLOS PICTÓRICOS. PINTURA TESTIMONIAL. la textura.• simbólico de algunos objetos o figuras. Aparece en el siglo XVII. ya ininterrumpidamente. Suponen programas iconográficos que pueden ser bastante complejos. Nivel sintagmático. de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico. Los géneros pictóricos. el autorretrato. También se incluyen los bodegones (natura morta) y los paisajes. que servía para propaganda del régimen. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina. PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos. como desde el punto de vista de la personalidad del autor. Trata de explorar los significados derivados de la forma En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura. aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia. con el florecimiento de las ciudades góticas. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más compleja. la pincelada. bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano (generalmente femenino). El enorme poder económico. como la pintura realista. . su temática es algo presente desde el Renacimiento. la ordenación de las formas… adquieren siempre un carácter significativo. Es probablemente el género más antiguo. desaparece durante la Alta Edad Media. político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX.

1. Material y técnica empleada.4.3. Perspectiva.1. restauración… 2.2.2.1.2.2.5.1. Composición. 3. Estado actual del edificio.2. Identificación. Importancia de la obra como referente a obras posteriores. Tipología compositiva. los ropajes… 2. 2. 4. La luz. época o autor. Análisis formal. 3. 1. 3. 1. Valoración y conclusión. Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha concebido. 2. tipología y localización. La línea y el color. Análisis de significado. Elementos que permiten identificar la obra con un estilo. 2.3. 3. 1.1. 4. Modificaciones.2. Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática). el modelado de las figuras. Influencias o relaciones formales con otras obras.3. Breve reseña del autor 1.1. Nombre. 2.3. 4. Datos Generales de la obra. Género. Movimiento. Influencia de otras obras. . 2. 1. ampliaciones.2.2. Elementos iconográficos representados.

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