Carlos Cruz Diez Carlos Cruz Diez nació en Caracas en agosto de 1923 y es, actualmente, el máximo representante del arte

cinético venezolano. La educación plástica de Cruz Diez se inició en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de su ciudad natal, y a partir de 1960, se residenció en París, donde complementa su formación artística. Durante algún tiempo Cruz Diez se desempeñó como profesor de Artes Plásticas, en la Escuela de Comunicación Social de la Universidad Central de Venezuela, y dirigió la Cátedra de Investigaciones Cinéticas de la Escuela Superior Nacional de Bellas Artes. En sus obras, Cruz Diez maneja conceptos pictóricos que revolucionan las técnicas tradicionales empleadas hasta entonces en el país. Las concepciones del rojo y el verde como únicos colores primarios, del blanco como fuente de luz o color y del negro como negación de la luz, están presentes en casi todas sus obras. Cruz Diez es un mago de los efectos visuales y con frecuencia aplica coloridas mezclas sobre un plano único y produce colores que no han sido aplicados, originando un color virtual o subjetivo. A todas estas experiencias el artista las llamó Fisiocromías . La trayectoria artística de Cruz Diez le ha merecido, entre otros, los siguientes reconocimientos: Premio Nacional de Artes Plásticas (1971), Premio de la I Bienal Americana de Arte (Córdoba, Argentina), Premio de la IX Bienal Internacional de Pintura (Sao Paulo, Brasil). Además de la pintura y la escultura, las intervenciones de Cruz Diez en la arquitectura alcanzan reconocimiento internacional. La Physichromie doble faz, en el Parque Olímpico de Seúl (Corea, 1988) y el Plafond Physichromie, ubicado en la pasarela de la estación ferroviaria de Saint-Quentin en Yvelines (Francia, 1980) son prueba de ello. En Venezuela, las obras de Cruz Diez decoran diversos rincones de la geografía nacional. Desde las salas de máquinas de la Central Hidroeléctrica del Guri (Ambientación Cromática, 1977-1986) hasta la Cromoestructura Radial de Barquisimeto (Homenaje al Sol, 1983), o la Inducción Cromática de la Torre Stratos en Valencia (1990), sus formas geométricas y sus mezclas de colores crean ambientes característicos. En 1992, Carlos Cruz Diez, diseñó la Plaza de la Realidad Virtual, para el Pabellón de Venezuela en representación de la plástica nacional en Expo Sevilla 92, España. En la actualidad, Cruz Diez continúa desarrollando nuevas formas artísticas.

en una exposición realizada en 1965. Con ello obtiene una beca para continuar estudios en Europa. 1952. Desde entonces Abreu mantuvo una posición independiente. intervino en las actividades del Taller Libre de Arte. Editorial Globe. y en este mismo centro. solitaria y alejada de la actividad institucional. en el Museo de Arte Moderno de Bogotá. Diccionario de Historia de Venezuela. • Gran Enciclopedia de Venezuela. Departamento Vargas. efectuó exposiciones individuales en el MBA. Da inicio. Caracas. identificándose en su búsqueda de un realismo mágico con los grupos literarios protestatarios del país. Venezuela. conocida como "Objetos mágicos". en la Galería Durban. Caracas. 1975. estado Aragua. En 1975 le fue otorgado el Premio Nacional de Artes Plásticas. fundado en 1948. a una pintura vivencial con temas como gallos. catedrales vegetales. el 22 de agosto de 1919. donde residió hasta 1959. Esta pintura distinta le hace recibir un accésit al Premio Nacional de Pintura en 1951.estado Aragua. de manera póstuma. En 1952 se radicó en París. Abreu. Falleció en Mamo. 1980 y 1992.::::::::::::::::::::::::::::: Para más información puedes visitar la siguiente dirección: • Página oficial de Carlos Cruz Diez ::::::::::::::::::::::::::::: Fuentes consultadas: • Fundación Polar (1997). Estudió en la Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas y. en 1993. En 1993 se le dio su nombre al Museo de Artes Visuales de Maracay. se presentó la primera . En 1967 representó a nuestro país en la IX Bienal de Sâo Paulo. 1962 y 1965. diablos danzantes. egresado de este centro. Al retornar a Caracas comenzó a trabajar en su más célebre serie de obras. la cual dio a conocer en elMuseo de Bellas Artes. 1966. • Biografías de la Biblioteca Nacional Mario Abreu Este pintor contemporáneo nació en Turmero. 1998. entre 1950 y 1952.

es designado ilustrador del libro Costumbres Venezolanas. Considerado precoz en el arte. afamado decorador. pero su salud es cada vez más delicada. Sus restos reposan en el Panteón Nacional desde el 29 de julio de 1948. Michelena gana el Segundo Premio del Salón del Centenario por su primer lienzo importante: La Entrega de la Bandera al Batallón sin Nombre. Sus padres fueron el pintor Juan Antonio Michelena y Socorro Castillo. A los 10 años. el pequeño Arturo Michelena realiza su primer autorretrato y en 1874. Otros de sus cuadros son: La Vara Rota. Berruecos. hacia París para inscribirse en la Academia Julián. El Descendimiento. Arturo Michelena contrae tuberculosis y regresa definitivamente a Venezuela por recomendaciones médicas. La Multiplicación de los Panes. ::::::::::::::::::::::::::::: . Muere a los 35 años de edad. En 1889 recibe la Medalla de Oro en la Exposición Universal de París por su pintura Carlota Corday. algunos de sus biógrafos afirman que Arturo Michelena llegó a este mundo con el pincel en la mano. El Libertador.exposición retrospectiva de su obra. Diana Cazadora. máxima distinción que se le da a un artista extranjero. en 1994. A los 22 años y como resultado de una beca prometida pero que nunca recibió. Poco tiempo después. con apenas 11 años de edad. Michelena obtiene. la Medalla de Segunda Clase y el reconocimiento Hors concours. Miranda en la Carraca. se hace retratista de moda y pintor oficial y recibe toda clase de agasajos. en la capital francesa. hija de Pedro Castillo. por su impactante cuadro El niño enfermo. En 1883. En la actualidad hay un museo que lleva su nombre. que ejerce gran importancia en su educación. dejando inconcluso su cuadro La Última Cena. en compañía de Martín Tovar y Tovar. En 1887. el artista valenciano parte. Arturo Michelena Nació en Valencia (Edo. bajo la dirección de Jean Paul Laurens. Una Visita Electoral. Carabobo) el 16 de junio de 1863 y murió en Caracas el 29 de julio de 1898. La Caridad. En Caracas. retratista y autor de los murales de la casa de José Antonio Páez en Valencia.

pues era considerado como violento. Cinco años más tarde fue nombrado director de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas. En 1943 realizó la fuente “Las Toninas” de la Plaza O´Leary. cuando Narváez regresó a Caracas. En 1934 le fue encargada la realización de la fuente del Parque Carabobo en Caracas. Biografías de la Biblioteca Nacional Francisco Narváez Este pintor y escultor nació en la localidad de Porlamar en el estado Nueva Esparta el 4 de octubre de 1905. Sus padres fueron José Lorenzo Narváez y Vicenta Emilia Rivera. poco a poco obtuvo reconocimiento por su obra. Caracas. En 1939 viajó a Nueva York para decorar el Pabellón de Venezuela en la Feria Mundial. tenía 77 años. 1998. nadie podía comprender su arte. Diccionario de Historia de Venezuela. Caracas: Editorial Globe. . Para 1931. En 1928 partió hacia París. Gran Enciclopedia de Venezuela.Para más información puedes visitar las siguientes direcciones: • Museo Arturo Michelena Pintura venezolana del siglo XIX • ::::::::::::::::::::::::::::: Fuentes consultadas: • • • Fundación Polar (1997). A los 15 años estudió los cursos pictóricos rutinarios de la Academia de Bellas Artes de Caracas. allí estudió en la Academia Julián y estuvo en contacto con el movimientos artístico de Montparnasse. Sin embargo. Este artista plástico dejó de existir el 7 de julio de 1982 en Caracas. así como otros encargos para los museos de Bellas Artes y Ciencias Naturales. A los 43 a años obtuvo el Premio Nacional de Pintura. el cual dejó un gran impacto en el artista. En 1979 se inauguró en Porlamar el Museo de Arte Contemporáneo Francisco Narváez.

nació en Ciudad Bolívar. por lo que apenas . Desde 1855 y hasta 1860. Jesús Soto. en el año 1923. En 1872 participó en la Primera Exposición Anual de Bellas Artes Venezolanas. Recibió clases en la Escuela de Dibujo de Caracas y en 1850 se marchó a España para estudiar en la Real Academia de San Fernando de Madrid. el presidente Antonio Guzmán Blancole encomendó una galería de retratos de próceres y personajes ilustres para decorar el Capitolio Nacional. Venezuela. se dedicó a la ejecución de retratos y a impartir clases de dibujo en el colegio Roscio. Caracas. Fue en 1867 cuando asumió la dirección de la Academia de Bellas Artes. Diccionario de Historia de Venezuela. Fue criado en el seno de una familia modesta. Jesús Soto Uno de los más importantes artistas del cinetismo en el mundo. ya en Caracas. Martín Tovar y Tovar Nació en Caracas el 10 de febrero de 1827.::::::::::::::::::::::::::::: Fuentes consultadas: • Fundación Polar (1997). Al año siguiente. En 1883 obtuvo la única medalla de oro concedida en la Exposición Nacional de Venezuela con la Firma del Acta de la Independencia. Falleció en Caracas el 17 de diciembre de 1902. hoy en el Salón Elíptico del Congreso Nacional. Entre 1852 y 1855 ingresó a la Escuela de Bellas Artes de Paris. Tovar y Tovar firmó un contrato con el Ejecutivo Nacional para la realización de grandes lienzos históricos entre los que destacan la Batalla de Carabobo. la Batalla de Junín y la batalla de Ayacucho.

Sin embargo. diseñando y exponiendo en ambas. A través de sus estudios de Kandinsky. En 1973. el “Museo de Arte Moderno” de la ciudad de París. las pinturas seriales y el “Desplazamiento”. por lo que se dedica a investigar las opciones en las ciudades europeas. en Maracaibo . Las . se registraba en todo el continente europeo un amplio interés por las corrientes que estudiaban las formas geométricas. Una vez terminados sus estudios en 1947. Klee. A ellas se añadirían las “Progresiones”. el artista cinético inauguró por propio deseo e inspiración. Soto no se siente cómodo con el ambiente de la capital zuliana. el “Museo de Arte Moderno de Bogotá”. Calder y Duchamp. se convirtió en un invitado frecuente de diversos eventos y exposiciones de arte. elementos geométricos simples ordenados de forma lineal y repetidos hasta el infinito. fueron las llamadas “Repeticiones”. Arp. así como emplear los colores primarios y secundarios. obra que resulta de la intersección de puntos y líneas. Será el espectador quien se pasea en torno a ella para adentrarse en el efecto cinético de una pieza inmóvil. decide acercarse a las formas puras a través de la abstracción y lo conceptual. Soto insistió en implementar una nueva manera de interactuar con la obra de arte. En los años posteriores. y así fue desarrollando poco a poco su arte hasta que consiguió obtener en el año 1942. a través de los diferentes trabajos que hacía durante la infancia y la adolescencia. o generación de movimiento virtual. y hace un paralelo con las formas plásticas. la “Galería Estudio Actual”. Sin embargo. tal es el caso de la Bienal de Venecia. Por eso puede ser considerado como un creador de estructuras. especialmente en Francia. y decide finalmente irse a Francia en el año 1950. la cual carecería de movimiento. que sirven de soporte a la imaginación y a la fantasía. por lo que a partir del año 1972 alterna entre las ciudades de París y Caracas. Para Soto. una beca que le permitió cursar estudios en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas. el arte es una mezcla entre expresión y conocimiento. En Francia expone por primera vez en forma individual en la galería “Denise René”. del cual comenzó a ser invitado especial a partir de 1966. el Museo de Arte Moderno Jesús Soto. Las primeras obras conocidas nacen a partir de 1951. es designado director de la Escuela de Arte Julio Árraga. Albers. Algunos de los recintos en los que expuso su obra son el “London Signals Gallery”. el blanco y el negro. el “Salomon Guggenheim Museum” de Nueva York. desde muy temprano comenzó a demostrar sus inclinaciones artísticas. En París comenzó a estudiar la música dodecafónica y serial. el “Centro Georges Pompidou” y “El Palacio de Velázquez”.cursó estudios en el colegio. y se une a artistas que tenían las mismas preocupaciones estéticas. Jesús Soto se hace partícipe de esa experimentación. ubicado en Ciudad Bolívar. Sus mayores actividades transcurren en el continente europeo. se dedicó a pintar carteles de cine y a dibujar letras. Para ese momento. Inicialmente. Este fenómeno lo denominaría “vibración”.

Vivió períodos breves en Punta de Mulatos. en una exposición organizada por Ferdinandov. Japón y Venezuela falleció a los 81 años de edad en la capital francesa el 14 de enero de 2005. Armando Reverón Nació en Caracas el 10 de mayo de 1889 y murió el 18 de septiembre de 1954. Cesar Prieto. e ingresó en la Academia de Bellas Artes. Reverón llegó a Europa y allá entró en contacto con la obra de Francisco de Goya y Diego Velásquez. Reverón mostró algunas de sus pinturas en la Academia de Bellas Artes de Caracas. Se entregó con intensidad a estudiar y obtuvo. Allí conoció un grupo de estudiantes del cual formaban parte. decidió trasladarse . Finalmente. En los carnavales de 1918. Reverón regresó definitivamente a Venezuela. En 1918. con la municipalidad de Caracas. Gran parte de su infancia transcurrió en Valencia. A la edad de 22 años. que contaba con 14 años de edad. Después de cuatro años en Europa. de esta época es su obraPaisaje de Burdeos. donde pintó La Cueva en 1921. Reverón regresó a Caracas a los 15 años. entre otros. Viajó por una temporada a Francia donde pintó al aire libre. En ese país se reencontró con los pintores Tito Salas y Carlos Otero. una beca para realizar estudios en España. exhibiendo obras particulares del artista elaboradas durante los años 50 y 60. En esa ciudad realizó también sus primeros dibujos.instalaciones del museo. La Guaira. reflejan la vanguardia propia de cualquier centro de arte internacional. así como de otros 130 artistas de todo el mundo. a quienes había conocido en Caracas. Entre 1916 y 1918 llegaron a Caracas dos pintores que influirían decididamente en la obra de Armando Reverón: el rumano Samys Mützner y el ruso Nicolás Ferdinandov. quienes formarían años después el Círculo de Bellas Artes. y en El Valle de Caracas. sería modelo y compañera para el resto de su vida. A partir de entonces Juanita. A los 13 años contrajo la fiebre tifoidea. Reverón conoció en La Guaira a Juana Ríos. Alemania. allá terminó los estudios primarios que había iniciado con los padres salesianos. Este gran artista cinético cuyas obras pueden verse expuestas en espacios públicos de Francia. Rafael Monasterios y Antonio Edmundo Monsanto. enfermedad que según muchos estudios lo afectaría psíquicamente para el resto de su vida.

junto a Juanita.hasta que a partir de 1935 comenzó a realizar cuadros de gran tamaño y a utilizar el color sepia. Salió de la clínica y. para la que Juanita sirvió de modelo. 1941. -también pintó sobre papel con pintura de cola. A este período pertecen las obras Puerto de la Guaira. Es el artista que más comentarios críticos ha generado en Venezuela y ha comenzado a tener importancia decisiva en el arte internacional. simplificó el uso de los colores en su investigación sobre el fenómeno de la luz e indagó en lo visual. La obra de Armando Reverón. Con pocas pinceladas. trazos. Esta obra mereció el Premio Nacional de Pintura en 1953. el pintor se interesó cada vez más por el blanco. El Castillete. y fue trasladado al Sanatorio San Jorge. 1940. Los objetos -de utilería artística. El Playón. Playa. A partir de 1918. donde se confundía el arte con la vida y lo cotidiano con lo trascendente. 1942. Es representativa de este período.definitivamente a Macuto. por su excelencia. 1933 yPaisaje blanco. el artista sufrió una nueva crisis nerviosa. a la vez que buscó las claves de un problema estético (Período blanco). pasó por diferentes etapas conocidas comoPeríodos azul. manchas y raspaduras logró efectos inéditos. y Fiesta en Caraballeda. por lo que fue trasladado a una clínica de Caracas. Reverón sufrió su primera crisis nerviosa. abordó en su obra gran cantidad de motivos. 1920. su enfermedad y las causas que lo llevaron a aislarse cada vez más en su mundo.La trinitaria. su obra maestra Desnudo acostado. Realizó dibujos y bocetos a lápiz. 1944. Reverón invirtió cada vez más tiempo en la realización de sus objetos y en simplificar sus recursos expresivos. Al Período azul pertenecen las obras Juanita. Allí organizó su casa-taller. Paisaje de Macuto. 1922.revelan aspectos importantes de su sensiblidad y destreza. 1934. observando la luz a medida que ésta se mezclaba con la atmósfera del paisaje marino del trópico. La vida de Reverón. 1947. entre 1946 y 1953. Reverón entró en una etapa de enorme producción. se traducen en una voluntad de entrega al arte como jamás se había producido en la pintura . Ranchos de Macuto. Reverón acentuó los aspectos nocturnos y oscuros del paisaje. Luego de una terapia. Reverón inció la confección de objetos y muñecas que irían a complementar el mundo deEl Castillete. blanco y sepia. 1919. 1924. ambas de 1931. En 1945. Reverón dejó más de quinientas obras y construyó más de sesenta objetos. 1926. Las muñecas le servirían de modelos. carbón y tiza. Hacia el final de su vida.Amanecer en el Caribe. En 1933. Este período se extiendió aproximadamente hasta 1935 y fue representado en obras como Luz tras mi enramada y Cocoteros en la playa. Paralelamente a su investigación sobre el sepia. desarrollados con diversas técnicas. Hacia 1925. el desnudo y el retrato utilizando los azules profundos. según las investigaciones del historiador de arte Alfredo Boulton. Macuto en oro y Marina y Cocoteros. un ambiente poblado de plantas y animales que se convirtió para Reverón en un espacio vital. otorgando nuevos valores a los diferentes motivos pictóricos.

casi todas montadas en Venezuela y el exterior. Rengifo egresó de la Academia de Nacional de Bellas Artes y viajó a Chile. Además de la pintura. Rengifo cultivó la dramaturgia y utilizó ambas artes para reflejar su búsqueda de justicia social. Rengifo fue merecedor del Premio Andrés Pérez Mujica del Salón Arturo Michelena.venezolana. Viajó a México para estudiar las técnicas del muralismo. En 1936. César Rengifo. Premio del Salón Planchart. En 1953. Allá se vio influenciado por Diego Rivera. . en el año 1939. y recibió el Premio Nacional de Pintura. recibió el Premio Popular y el 2do. César Rengifo realizó importantes trabajos entre los que se destacan las obras de la Plaza Diego Ibarra y el Paseo de Los Próceres. El mismo año. Rengifo realizó su primera exposición individual en el Museo de Bellas Artes. Como muralista. César Rengifo Nació en Caracas el 14 de mayo de 1915 y murió en esa misma ciudad el 2 de noviembre de 1980. ambas ubicadas en su Caracas natal. para completar su formación con estudios de Técnica y Pedagogía de las Artes Plásticas. Rengifo desempeñó una labor pedagógica y escribió 40 piezas. Rengifo fue merecedor del Premio Nacional de Teatro por su fecunda labor. En el área teatral. y en 1947 realizó otra muestra. fue pintor y dramaturgo. En 1980. lo cual le permitió formar el estilo que implantaría en Venezuela. considerado el Maestro del realismo pictórico. también en el Bellas Artes. considerada como la más importante de su obra pictórica. En 1963. ganó el Premio Antonio Esteban Frías en el Salón Oficial.

Sign up to vote on this title
UsefulNot useful