Los pintores postimpresionistas Paul Gauguin.

Se inicia en el impresionismo con Pissarro; deja una vida confortable, familia, mujer e hijos y se instala pobremente en París y Bretaña y después se traslada a Tahití, donde pinta sus series de mujeres tahitianas. Destaca por el uso tan expresivo que hace del color con tonos fuertes, vivos y muchas veces arbitrarios que dispone en grandes planos delimitados por ritmos lineales curvos. Tiene dos temas preferentes: el mundo exótico de Tahití y el "primitivismo" de Bretaña. Su obra es preferente del simbolismo y su sentido del color influirá en los fauvistas y expresionistas. Renuncia a la perspectiva, suprime el modelado y las sombras e identifica la sensación de plano igual que en las pinturas japonesas. Paul Cézanne. En su pintura se recupera el volumen gracias a la geometría, el dibujo y la definición de las formas mediante pinceladas que han sido llamadas constructivas; todo esto sin renunciar al color de gran intensidad mediante los contrastes y las sombras coloreadas. En sus cuadros se potencia el primer plano y realiza pequeñas distorsiones fruto de la utilización de más de un punto de vista (bodegones). Su pintura es el punto de arranque del cubismo y ha influido en coloristas como Matisse. Los jugadores de cartas, la montaña de Santa Vitoria.. Van Gogh. Se establece en Arlés entusiasmado por la luz de la Provenza pinta figuras y paisajes de formas serpenteantes y flamígeras que traducen su fuego interior. Es un apasionado del color como vehículo para expresar las frecuentes depresiones y angustias que padeció. Su pincelada es muy característica, sinuosa, cursiva y espesa; los colores son a veces agresivos con contrastes no frecuentes- amarillo sobre naranja-. Abre las puertas al expresionismo del XX. Autorretrato, Noche estrellada, La siembra,... Toulouse-Lautrec. Nos refleja el ambiente de los salones nocturnos: bailarinas, cantantes y prostitutas son sus modelos. En su técnica el dibujo, la captación del movimiento y la carga irónica y caricaturesca es esencial. Fue el impulsor del cartel. En sus obras, destaca: Moulin Rouge.

Posimpresionismo o postimpresionismo es un término histórico-artístico que se aplica a los estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo. Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Este término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de este. Los postimpresionistas continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura. Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una visión más subjetiva del mundo.

Antecedentes
Todos los artistas agrupados bajo el término postimpresionismo conocieron y practicaron en algún momento los postulados impresionistas. El impresionismo fue un movimiento pictórico que se desarrolló con fuerza en la segunda mitad del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. En su momento, supuso una revolución y sus obras recibieron fuertes críticas. Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el Postimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura. El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura. Si hasta entonces primaban el estudio racional de la obra, la composición sobre dibujos previos y la claridad de las líneas, los impresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar en sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les importaba tanto el objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz, efímera, difícilmente perceptible y reproducible. Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior. Sus modelos fueron la calle, el

Palacio de Bellas Artes. MoMA. según decían. se centró en la representación a base de superficies planas y decorativas. cortos y vigorosos. MoMA de Nueva York). Su experimentación subjetiva. Los objetos y el propio espacio no se delimitaban con líneas síguiendo los cánones renacentistas sino que se formaban en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos. Vincent Van Gogh. como se aprecia en la obra Calvario bretón (1889. Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una mayor libertad formal. el hecho pero no en su concepción estática y permanente sino percibidos en ese momento casi único. volúmenes y relaciones entre superficies. Utilizaba trazos sueltos. La pintura impresionista descubrió el valor cambiante de la luz y su movimiento.edificio. Paul Gauguin. Gauguin y Van Gogh La obra de Cézanne. Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura. la persona. no existía en la naturaleza. el paisaje. Nueva York). Por lo tanto se dice que Van Gogh no fue postimpresionista sino impresionista. Su interés por las formas geométricas y la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del cubismo. Cézanne. y su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y los colores planos. ejemplificada en Noche estrellada (1889. Henri de Toulouse-Lautrec Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de los grabados japoneses. El pintor impresionista pintaba in situ y terminaba la obra con rapidez. por su parte. representando seres vivos y paisajes. . evocadoras de las emociones internas del artista. Bruselas). se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas coloristas. como en Pinos y rocas (1895-1898. preludió el expresionismo. en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular. utilizando una rica paleta cromática de la que excluyeron el negro porque el color negro.

puntillismo y divisionismo Georges Seurat. cuyo ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte 1884-1886. Artistas postimpresionistasPaul Cézanne (Cubismo. presentaron algunas de las características de la pintura impresionista: la libertad expresiva del artista y el énfasis en el concepto abstracto del arte. el surrealismo y el futurismo. Abstraccionismo) Paul Gauguin (Fauvismo. inventó una técnica denominada puntillismo. Corrientes posteriores Otros movimientos artísticos posteriores. Simbolismo) Georges Seurat (Puntillismo) Henri de Toulouse-Lautrec (Expresionismo) Vincent van Gogh (Puntillismo.Neoimpresionismo. como el cubismo. Abstraccionismo) Ferdinand Hodler Edvard Munch (Expresionismo) . denominado neoimpresionista por sus criterios más próximos al impresionismo. Art Institute de Chicago). Expresionismo. el fauvismo. el expresionismo.

donde se recogería durante largos periodos para pintar. 3.Periodo «constructivo» (1880-88): obras en L'Estaque (cerca de Marsella.XX. Intentos de ser aceptado en el Salon 2. consiguiendo grandes beneficios con este negocio.Paul Cézanne (1839-1906) Cézanne es uno de los pintores que más influyó en la formación de las vanguardias históricas de principios del s. Acudía de vez en cuando a las tertulias en el café Guerbois. Etapa «romántica» Cézanne era hijo de un próspero fabricante de sombreros. Monet. 1874. lideradas por Manet. desde 1890 hasta su muerte en 1906. Visitas a París. Según Pissarro: «Estábamos siempre juntos. Pero el joven Cézanne perseveró y en 1862 se instala definitivamente en París para estudiar en la Academia Suisse. Se suelen distinguir cuatro periodos en su vida artística. donde conoce a Pissarro. A lo largo de su vida sufrió una variación estilística en la que hay un denominador común: la búsqueda continua de un lenguaje pictórico que le permitiera expresar la intensidad de lo que percibía. que en 1847 se hizo cargo de un banco. encuentro con Manet y los impresionistas. Renoir y los demás impresionistas. 1880-83) y Gardanne (1885-88) 4. pero no se puede negar que cada uno de nosotros permaneció fiel a una única cosa importante: la propia sensación». . 1873. Su padre quería que estudiara derecho y se oponía a su carrera artística.Periodo «romántico»: 1862-70.Periodo «impresionista»1873-79: Trabajo con Pissarro y estancias con él en Pontoise y Auvers-sur-Oise en 1872. que son los que utilizaremos en nuestro estudio de la obra de Cézanne: 1.Periodo «sintético». Sus inicios como pintor fueron duros. Expone en la primera (1874) y tercera (1877) muestras Impresionistas. Nació en una localidad del sur de Francia llamada Aix-en-Provence. 1877 y 1881.

pero no se puede negar que cada uno de nosotros permaneció fiel a una única cosa importante: la propia sensación» Camille Pissarro Lo primero que hay que dejar claro es que Cézanne nunca fue un auténtico impresionista. con su volumen. pintando su estructura íntima. Por el contrario Cézanne buscaba representar los objetos con su densidad. Aunque expone en la primera (1874) y tercera (1877) muestras impresionistas. y con frecuencia aplicaba el óleo con espátula. . Periodo «impresionista» «Estábamos siempre juntos. Cézanne buscó durante toda su vida expresar en sus obras una combinación de sensaciones articulada racionalmente de forma que pudiera reconstruir sobre el lienzo la realidad por él percibida en toda su intensidad. El artista ponía una gran energía en todas sus obras. Cézanne marcó diferencias de enfoque fundamentales con respecto a los impresionistas: «los impresionistas querían reproducir sus sensaciones. la influencia del Impresionismo sobre Cézanne fue limitada.Estos primeros trabajos de Cézanne eran de un estilo un tanto expresionista. Pero había otra diferencia fundamental con respecto a los impresionistas. para tratar de armonizarla pictóricamente con la Naturaleza. Cézanne siempre se quejó de que «no puedo conseguir la intensidad de lo que veo con mis sentidos». ¡yo no!». según su fugaz apariencia luminosa. su realidad inmutable. Pasaba largas temporadas retirado en su pueblo natal de Aix-en-Provence o en otros lugares del sur de Francia pintando. Utilizaba el color para dar forma a su experiencia visual. Éstos buscaban plasmar los objetos según la luz efímera. A Cézanne le gustaba trabajar solo. Solía utilizar el impasto.

de forma que describan su estructura geométrica profunda. pierde la pincelada típica de este estilo. La solución que intenta dar Cézanne a este problema pasa por multiplicar planos de color alrededor de los objetos. En esta obra es evidente que Cézanne ha asimilado el uso de la luz y el color según los principios del Impresionismo. que sobre todo enfatiza el papel de la luz en su incidencia sobre los objetos. tiene lugar la etapa que se suele llamar «constructiva». realizando varias estancias con él en Pontoise y Auverssur-Oise. utilizando colores más claros. En este cuadro realiza una composición espacial más elaborada. la esfera. Las formas son sólidas. Cézanne aclara su paleta. Sin embargo. Esta «Casa del ahorcado». que cada lado de un objeto o de un plano se dirige hacia un punto central» Cézanne Entre 1880 y 1888. lo duradero de la realidad. de 1873-74 es un ejemplo del trabajo de Cezanne en su intento de superar la captación fugaz del momento de los impresionistas. Como consecuencia de su trabajo con Pissarro. todo ello en perspectiva. aproximadamente. el cono. en contraste con el enfoque puramente impresionista. En este proceso el dibujo no . En esta etapa Cézanne se esfuerza por construir formas materializadas dentro de composiciones equilibradas según una lógica que el artista impone a lo que observa en la Naturaleza. en un intento de captar lo esencial. en el arte de Cézanne. se han materializado. es decir. De la obra destaca el personal sentido de masa y de planos en interacción de Cézanne.Entre los años 1873 y 1879 Cézanne realizaba frecuentes sesiones de trabajo con Pissarro. Periodo «constructivo» «Tratar la Naturaleza por el cilindro.

contraste de complementarios. que sirven para delimitar los planos de color que crean las masas. Las formas del paisaje así delimitadas están descompuestas en los elementos geométricos básicos que las configuran. y que para Cézanne son la esfera (copas de los árboles. izquierda y derecha. abajo. que está «cortado» por arriba. Respecto de la composición. sino realizar sensaciones coloreadas» Paul Cézanne El estilo de Cézanne en etapa final de su vida (aproximadamente desde 1890 hasta su muerte en 1906) se caracteriza. Es el contraste y la superposición de colores lo que sustituye al dibujo. sobre todo por la simplificación de formas. Para ello no se vale de los recursos meramente ópticos preferidos por los impresionistas (mezcla óptica. invitando al espectador a reconstruir el espacio que falta mas allá del cuadro. el cilindro (troncos de árboles) y el cono (los tejados y algunas masas vegetales). Ahora explora con mayor audacia. simple. normalmente sesgadas y casi uniformemente aplicadas. sino que utiliza la pincelada constructiva que sirve para delimitar los objetos mediante planos de color superpuestos. El recurso técnico que Cézanne inventa para esta «materialización» de las formas es lo que el crítico Theodore Reft ha denominado pincelada constructiva de Cézanne. no hay elementos que delimiten el encuadre. arbustos). El objetivo de Cézanne es construir una obra que alude a una Naturaleza ordenada. Estas ideas quedan perfectamente en un paisaje de este periodo: El castillo de Médan. La expresión «pincelada constructiva» alude a un patrón característico de pinceladas paralelas. etc. los elementos constructivos y estructurales que le sirvan al artista para edificar un nuevo .juega un papel independiente del color. Periodo «sintético» «Pintar no significa copiar el objeto. con una cierta solemnidad.). en la Naturaleza.

El sombrero del otro jugador parece semiesférico. los brazos son cilíndricos. Hay una cierta desproporción entre el tamaño de las cabezas y la de los cuerpos. y otros dos. Un ejemplo de obra de transición entre la etapa constructiva y la sintética es la conocida obra Los jugadores de cartas (1892-93). sino algo duradero y construido con la contribución de la actividad intelectual del pintor. que son las bañistas. hay una preocupación de síntesis entre dos fuentes de inspiración: la memoria y la Naturaleza. mediante el uso del color. Cézanne se esfuerza por reducir las formas imperfectas de los objetos tal y como se presentan a la sensación. formados por dos grupos de bañistas a izquierda y derecha. lo mismo que el sombrero del jugador de la izquierda.lenguaje expresivo. de estructura en las formas. En algunas de estas obras Cézanne llega a rozar la abstracción. Los personajes están construidos. el punto de partida de Cézanne es puramente mental: intentar realizar una obra configurada básicamente sobre una estructura modular basada en el triángulo. más pequeños e inscritos en el primero. . En esta parte final de la carrera de Cézanne. Así. cerca de Aix-en-Provence. En la serie de pinturas de Cézanne sobre la montaña de Sainte-Victoire. en cuanto a masas y volúmenes. hay una serie de obras representativas de este periodo sintético. Por último. a las formas puras que constituyen su esencia duradera. Se trata de un recurso para transmitir mayor sensación de masa. En este caso. El entorno natural que sirve de decorado para la realización de este proyecto es el de unos bañistas a orillas del río Arc. La función de este lenguaje es la de facilitar que el arte no sea una mera copia de la realidad. La composición está estructurada en torno a tres grandes triángulos: uno que domina toda la obra y que esta delimitado por los troncos de los árboles. al sacrificar la descripción óptica en favor de la transmisión de la sensación de masa de la enorme mole que es la montaña. el artista se esfuerza por transmitir la sensación de profundidad mediante la progresiva sucesión de planos conformados por pinceladas de color.

combinada con grandes superficies de color plano. Seguiremos con otros dos ejemplos del arte que desarrolló en . El personal camino que siguió para dar cauce a su necesidad de expresión le llevó a elaborar lo que el llamaba «simbolismo sintético». esta despojado de toda sensualidad y expresividad.El cuerpo humano. primero nos detendremos en el análisis de una de las obras de transición del Impresionismo con que manifestó una visión más personal de la expresión artística. El dibujo que delimita los cuerpos no impide que los colores del entorno se mezclen e invadan a algunas de las figuras humanas. que utilizaba en sus tonos más brillantes y puros •Uso de la composición influido por un fuerte sentido ornamental. que parecen tener el tratamiento propio de meros objetos. •Un uso no convencional y simbólico del color. Paul Gauguin (1848-1903) Paul Gauguin fue un pintor con importantes influencias sobre la pintura posterior. en las que ya es manifiesto su interés por la expresión simbólica. La sensación de profundidad en el espacio se logra mediante la hábil disposición de los cuerpos en planos sucesivos. para pasar a ser un elemento de la composición. Las influencia sobre corrientes artísticas posteriores es evidente en grupos como los simbolistas. En nuestro estudio de la obra de Gauguin. o Los Nabis. A continuación veremos dos muestras del periodo de trabajo que pasó Gauguin en la localidad bretona de Pont-Aven. desde el punto de vista formal. que pronto sintió la necesidad de superar. en esta obra. caracterizado. y potenciada por el uso de masas de colores cálidos y fríos alternando. De vocación tardía sus primeras obras eran de un impresionismo «atenuado». por: •La simplificación de formas.

tuvo cinco hijos y llevaba una agradable vida burguesa. con 35 años. donde pasó la mayor parte de los doce últimos años de su vida. coleccionaba obras impresionistas. comenzando a experimentar nuevos cauces de expresión. de 1886. En 1874 conoció a Pissarro y al resto de los impresionistas. La influencia de Cézanne se manifiesta en la simplificación de formas enérgicamente modeladas. Primeros trabajos Paul Gauguin nació en una familia burguesa. Era un época en la que ganaba dinero. demostrando que tenía buen olfato para los negocios. Pero en 1883. Degás le influye en la forma «fotográfica» de cortar la escena mostrando en un primer plano el perfil de su amigo Laval (desbordamiento del primer plano). Su madre era hija de un virrey de Perú. En ese año comenzó a trabajar como agente de Bolsa. Terminaremos analizando una de sus obras maestras. y perdió muy pronto a su padre. hasta 1871. y pasó el servico militar en la Marina. En 1885 deja a su mujer e hijos con su familia política en Copenhague para dedicarse al arte en exclusiva. lo mismo que el uso del color (contraste de complementarios). se deja notar la influencia de Degás y de Cézanne. se casó. En 1865 el joven Gauguin se hizo marinero. y vivió allí desde 1849 a 1855. En un principio su pintura estaba muy cercana a los presupuestos impresionistas. buscando un entorno más propicio para la creación artística. Sin embargo no tarda en distanciarse del impresionismo que había aprendido con Pissarro. en la que muestra su preocupación por las grandes cuestiones de la existencia humana: «¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?». Incluso expuso con ellos en todas sus muestras posteriores a 1880.Polinesia. La pincelada está ejecutada a base de pequeñas pinceladas de raíz impresionista. cuando regresaron a Francia. . su obsesivo interés por la pintura le lleva a abandonar su trabajo. En el Bodegón con retrato de Charles Laval.

“Paul Gauguin” En 1886 y 1888 Gauguin se va a un pueblo de Bretaña llamado PontAven. Estas conversaciones darían un impulso a Gauguin para encontrar una síntesis influencias (estampas japonesas. y las grandes zonas de color intenso están perfiladas por un borde negro. Veamos en dos obras algunos rasgos de este nuevo estilo. escucho el tono sordo..Pero hay un cierto distanciamiento de este estilo por el efecto ornamental que Gauguin imprime a la pintura. El afán de simplificación es evidente: no hay sombras. Esta obra muestra un grupo de mujeres bretonas que tienen una visión.. Gauguin para enfatizar la sensación de aparición juega con el tamaño relativo de los ementos de la escena: la vaca es demasiado pequeña. Sabemos que la acción sucede en Bretaña por el manzano cuyo tronco cruza en diagonal el cuadro (influencia de las estampas japonesas). monótono y vigoroso que trato de lograr en la pintura. y por la diminuta vaca. para comunicarle su nuevo nombre. Pont-Aven Amo la Bretaña. Encuentro en ella lo rústico. Bernard era un pintor con un buen conocimiento del simbolismo literario. simbolismo. primitivismo. como Charles Laval (con quien irá en 1887 a Panamá y Martinica) y Emile Bernard. Fue precisamente Emile Bernard quien ejerció una gran influencia sobre Gauguin. Israel. Esto junto con la alteración deliberada de la . inducida por el sermón que acaban de escuchar.) que desembocaría en la creación de su personal estilo. donde trabaja con jóvenes artistas que ya le admiran. Cuando mis zuecos de madera retumban sobre este suelo de granito. Rewald supone que las conversaciones de Bernard con Gauguin estimularían a este último ofreciéndole una justificación intelectual de los experimentos personal de pictóricos varias que realizaba por aquel entonces. lo primitivo. las campesinas bretonas demasiado grandes. La visión muestra el episodio bíblico de la lucha entre Jacob y un ángel. mensajero de Dios.

cuando Gauguin decide irse a vivir a Tahití. Esta obra la realizó Gauguin durante 1891. a la edad de 42 años. como lo haría un niño. en términos de color. no ver nada más que salvajes. En los mares del Sur Sólo quiero crear un arte sencillo. en contacto con el primitivismo. Para ello necesito empaparme de una naturaleza virgen. La escena representa a dos jóvenes tahitianas sentadas en la playa. Los «cloison» son los compartimentos contorneados en negro o azul en los que se aplica el esmalte de color en las piezas de cerámica. mientras que la otra tiene una actitud meditabunda. Participa con frecuencia en las reuniones simbolistas del café Voltaire de París. . el único medio verdadero». Paul Gauguin En los últimos años de los 80 y principios de los 90 Gauguin ya es una figura muy apreciada en los ambientes simbolistas. La eliminación que hace Gauguin de la perspectiva clásica se traduce. el único medio correcto. Su intención era llevar una existencia más sencilla y armoniosa. su primer año de estancia en Polinesia. Quería ir allí en busca de inspiración «sin otra preocupación en el mundo más que expresar. Una de ellas realiza un trabajo artesanal. la sencillez rústica y supersticiosa que pretende transmitir Gauguin con su obra. a esta técnica se le denominaría «cloisonnisme». las impresiones de mi mente.escala naturalista define el «primitivismo». Además las áreas de color están delimitadas por gruesos trazos negros. Es en 1891. usando sólo el medio del arte primitivo. El desarrollo de esta técnica adaptada a la pintura sobre lienzo le sirve a Gauguin para superar el naturalismo impresionista que no le resultaba suficiente para expresarse. en el sur del Pacífico. religiosidad e inocencia de los habitantes de las islas de Polinesia. en la eliminación de la modulación tonal.

hasta su muerte en 1903. regocijándose en su vulgaridad» Por eso decide regresar en 1895 a Polinesia. Parece que . El cuadro que aquí comentamos. Por una parte. sentada en el suelo. Una de las otras dos está en pie con un manojo de flores en sus manos. El uso de flores para simbilizar la inocencia será una constante en su obra. maternidad datado en 1896. que está presente en tonos puros y brillantes. Pahura. aplica gruesas pinceladas de colores planos sobre el lienzo. El tema de la maternidad fue abordado por Gauguin en varias ocasiones. Por otro lado. En el caso concreto de este cuadro Gauguin retrata una mujer tahitiana. Sobre este muestra en Durand-Ruel. En el cuadro aparecen tres mujeres en la playa. y estuvo allí hasta febrero de 1895. Gauguin transmite el mensaje simbólico de la inocencia mediante la florecilla del suelo. Su estancia en el mundo «civilizado» le resultó decepcionante: su reencuentro con su esposa danesa en Copenhague y la exposición de sus trabajos organizada por Durand-Ruel no rinden los frutos esperados. y transmitir el primitivismo de la escena. y las que llevan las mujeres en el pelo. Las formas se han depurado y simplificado en consonancia con el mensaje de sencillez y armonía naturales. amamanta a un bebé. en áreas delimitadas por el dibujo negro («cloisonnisme»). un crítico escribió: «Si quiere que sus hijos se diviertan. Gauguin consigue un efecto decorativo mediante el uso equilibrado del color. Una de ellas.En esta pintura Gauguin utiliza la técnica desarrollada en su etapa bretona para superar las limitaciones expresivas del Impresionismo. Disfrutarán con las representaciones en brillantes colores de mujeres y otros animales de cuatro patas estirados en el suelo con ropas de billar. Veía en los nacimientos de niños y en la fuerza de los vínculos materno-filiales un motivo que le servía para expresar sus inquietudes intelectuales sobre el misterio de la vida. con la que tuvo un hijo en 1899. corresponde a esta segunda estancia en Oceanía. llévelos a la exposición de Gauguin. Gauguin regresó a Francia en agosto 1893.

las flores sobre la mujer con el bebé.. ritualmente. . En el triángulo de la derecha entran todas las personas del grupo de esa zona del cuadro.está rezando. en favor de la mayor libertad expresiva que busca Gauguin. Ya el mismo título compendia la formulación de los grandes enigmas de la existencia humana: «¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?» Se trata de un lienzo de grandes dimensiones: 139'1 x 374'6 cm. Fontainas” Las preocupaciones vitales de Gauguin tuvieron reflejo en muchas de sus obras. la lectura del cuadro ha de hacerse de derecha a izquierda. Tal como dejó escrito el propio Gaugin. simbolizando al propio Gauguin. Con la elección de colores complementarios se subraya el interés decorativo que busca el artista. Es evidente. que analizaremos a continuación. la alusión simbólica a la inocencia. La composición gira en torno a la figura central. de nuevo. “Gauguin en una carta a A. o a punto de esparcir. Está clara la despreocupación por la representación naturalista en el uso arbitrario del color y en el tamaño excesivamente pequeño de los hombres que pescan al fondo. No hay preocupación por la perspectiva.?» El ídolo está allí como una estatua. «¿De dónde venimos. que está un poco desplazada hacia la derecha. En el de la izquierda se incluye el ídolo y dos figuras humanas sentadas en el suelo. pero en ninguna tanto como en esta. Se basa en dos triángulos inscritos en las dos mitades del lienzo. consuelo imaginario de nuestros sufrimientos en cuanto comportan de vago e incomprensible ante el misterio de nuestro origen y de nuestro devenir. reinando en nuestra alma primitiva. Al lado de la mujer con el niño hay un perro. El uso de colores brillantes en tonos puros está de nuevo presente. como en su cuadro «¿De dónde venimos? ¿Qué somos? ¿Adónde vamos?» de 1897..

y representa el afán humano por vivir y buscar más vida. con el pelo cano y la tez más oscura. Gauguin representa un manantial. en la zona del «¿Qué somos?» nos encontramos con otro hombre sentado de espaldas. domina la figura del ídolo. poco antes de su intento de suicidio tragando una dosis de arsénico que no fue suficiente para acabar con su vida . en la esquina superior derecha. la más joven. otro jovenzuelo se deleita comiendo la fruta. el perro que hay en el extremo derecho simboliza al propio artista. Un poco más a la izquierda.En la parte derecha «¿De dónde venimos?» nos encontramos a tres mujeres junto con un bebé con actitud reflexiva presuntamente sobre esta pregunta. Una de ellas. Bajo este presencia. según el propio Gauguin (en una carta de 1901 a Morice): “Tras un árbol dos siniestras figuras. incluso en comparación con unos seres simples en una naturaleza virgen que podría ser un paraíso de concepción humana dejándose llevar por la alegria de vivir” El joven de la figura central se estira para retirar una fruta del árbol de la experiencia. que materializa la preocupación humana por la trascendencia. Pero más allá de los significados cifrados en las imágenes del lienzo. evocando el inicio de la vida. Gauguin busca una representación sencilla. La más vieja. Al fondo. Las dos siniestras figuras que pasean detrás del hombre de espaldas. en el extremo izquierdo hay dos mujeres. En la parte izquierda del lienzo. parece resignada ante la inminencia del final de su vida. reposa sentada en el suelo con actitud meditabunda. Tal y como sucede en otros cuadros. «¿Adónde vamos?». propia de un hombre primitivo. Junto a él. meditando sobre esta pregunta rascándose la cabeza. La obra está realizada en 1897. donde dominan los recursos técnicos que ya hemos comentado en otras obras del artista. y rodeado de varios animalillos. ponen detrás del árbol de la ciencia su nota de dolor causada por esta misma ciencia. envueltas en ropas de color triste.

Vincent van Gogh (1853-1890) Si hay un personaje en la historia del arte que responda al prototipo de genio loco. en cuyo psiquiátrico fue recluido cuando arreciaban los ataques que desequilibraban su mente. para el movimiento expresionista. recibió influencias de los impresionistas. sobre todo. No se decidió a dedicarse profesionalmente a la pintura hasta 1880. no adoptó plenamente ninguna de estas influencias. ese es Vincent van Gogh. por último algunas de sus últimas obras en Auvers-sur-Oise. en el sur de Francia. como Gauguin. solitario. Era hijo de un pastor protestante. cuando tenía 27 años de edad. Antes de dedicarse a la pintura profesionalmente tuvo diversos oficios: primero trabajó como empleado de una . Los comedores de patatas. analizaremos diversas obras correspondientes a sus estancias en Arles. Vincent van Gogh fue un pintor de vocación tardía. y numerosos dibujos. Sin embargo. Su trabajo acabó siendo fuente de inspiración. Vincent van Gogh nació la localidad holandesa de Groot Zundert en 1853. donde falleció apenas 10 años después de decidir dedicarse a la pintura. del divisionismo y de los simbolistas. Aunque solamente tuvo 10 años de vida artística. primeramente en el análisis de una de sus primeras obras. En nuestro recorrido por la obra de Van Gogh nos detendremos. Desde el punto de vista del estilo. con devoción absoluta hacia el arte. y. sino que las adaptó para conseguir una personal forma de expresión. su vocación era tan fuerte que ese tiempo realizó más de 800 cuadros. Posteriormente. en Saint-Rémy (cerca de Arles).

Vincent mantendrá una copiosa correspondencia con su hermano Theo durante toda su vida. tiene algunos problemas familiares. Su experiencia entre la población minera y su sensibilidad ante el sufrimiento ajeno le llevan a pintar este tema en varias ocasiones. la Goupil & Cie. en París.de las empresas dedicadas al comercio del arte más importantes internacionalmente. El dibujo es enérgico. las mismas que han cavado la tierra en la que han crecido las patatas” “Vincent a Theo” Esta obra los comedores de papatas es la mejor muestra del trabajo de Vincent en esa época. tomando el plato con las manos. Se va a trabajar a una zona minera de Bélgica. por último. que. con tonos marrones y pardos. en la que este le comunica su deseo de dedicarse al arte. Hasta la muerte de su padre en 1885. Los tres años que permaneció allí le produjeron un estado perpetuo de depresión. Estando en Paris. La iluminación que elige el artista contribuye a remarcar el dramatismo de la escena. Mientras tanto. . Theo recibe una carta de Vincent. Su obsesión con la Teología le lleva a intentar prepararse como predicador. y. Para mejor reflejar el sufrimiento y las penurias por las que pasan los personajes elige una paleta oscura. su hermano menor Theo trabaja en la galería Goupil primero en Bruselas. y sirve para enfatizar los duros rasgos de los personajes. Posteriormente trabaja como maestro en una pequeña ciudad inglesa. resaltando los duros rasgos de los rostros y las formas recias de las manos. comiendo sus patatas. de atribución al arte de una función moral. “Con mi trabajo he procurado dar a conocer a estas pobres gentes. hacia 1880. donde la vida es tremendamente dura para sus habitantes. después como ayudante de un predicador (estaba obsesionado con la religión) y en una librería de Dordrecht. en sus sedes de La Haya. y realiza multitud de dibujos. Londres y París. luego en La Haya. y en ella hay una clara intención de denuncia social. a la luz de su lámpara. de gruesos trazos. pero a pesar de la oposición familiar intenta formarse como pintor.

Signac. que será su marca identificativa en adelante. Bernard. repleto de estampas japonesas.Al principio de su carrera van Gogh tiene una mayor preocupación por lograr efectos de luz. como en Los comedores de patatas. Van Gogh emplea una pincelada suelta. La línea roja del contorno de Tanguy contrasta con los verdes que predominan en el contorno. divisionistas y simbolistas le sirven para aclarar su paleta. En el taller del pintor Cormon conocerá a jóvenes artistas como Toulouse-Lautrec. un comerciante de material para pintores muy conocido entre los impresionistas. etc. En esta obra se puede apreciar muy bien la evolución de su estilo en París. y experimentar con el uso arbitrario del color con fines expresionistas. Una buena muestra es este retrato de Père Tanguy. alargada y empastada. De París a Arles “Yo busco ahora exagerar lo esencial. Seurat. Sin embargo en el fondo. Pissarro. El dibujo de la figura de Tanguy sigue siendo vigoroso. donde continuará su formación artística. El conocimiento que adquiere de las nuevas tendencias impresionistas. También en las manos y barba hay toques de verde. que por conseguir efectos expresivos a través del color. No quiero reproducir exactamente lo que tengo delante de los ojos. Vincent a Theo En marzo de 1886 Vincent llegará a París. Este uso arbitrario del color (la piel no es verde) en beneficio de la expresión del artista también será constante a lo largo de su obra. En la pincelada y el uso del color se deja notar la influencia divisionista que conoció directamente de Seurat y Signac. En Arles “Quería ver una luz diferente. creí que observar la naturaleza bajo un sol más claro podría dar una idea más cabal de la manera en que sienten y dibujan los japoneses” . sino que me sirvo arbitrariamente del color para expresarme con más fuerza”. Gauguin. hay un fuerte colorido.

de transición entre la juventud y la madurez. es un tema enormemente sugestivo. transforma una estampa aparentemente anodina en una alegoría de la vida como camino hacia la muerte. Las pinceladas alargadas y empastadas se alternan magistralmente en tonos fríos y cálidos para configurar el reflejo del puente sobre el agua. La diagonal de la ribera en la esquina inferior derecha aporta dinamismo a la composición y acerca al espectador a la contemplación del paisaje. Vincent deja París y decide irse a Arles. “En mi cuadro Café de noche he intendado expresar que el café es un lugar en el que uno puede arruinarse. símbolo de paso. hacia los que se dirige la carreta y la mujer que está sobre el puente. La sensación de profundidad se consigue aclarando el azul cerca de la línea del horizonte.Vincent a Theo En febero de 1888. En este caso van Gogh se deleita con la plasmación de la limpia atmósfera provenzal. en busca de un paisaje más luminoso. ¿Significa algo la gran nube blanca que hay a la izquierda (detrás) de los cipreses? Van Gogh. En esa parte de su vida se dedica a pintar el paisaje provenzal con pasión y con una dedicación obsesivas. símbolo de la muerte. bajo un sol más fuerte. Una excelente muestra del uso del color arbitrario con fines . cometer un crimen” Vincent a Theo En su estancia en Arles. Vincent ya había copiado alguna estampa de Hiroshige con el tema del puente. En este primer cuadro “el puente de langlois” van Gogh pinta el puente de Langlois. volverse loco. cerca de la desembocadura del Ródano. van Gogh no trabajaba sólo sobre motivos al aire libre. Van Gogh ha añadido dos cipreses. en el sur de Francia. En este caso. que había apasionado a los impresionistas de la vieja escuela. que era un maestro de la sugestión simbólica. El puente. la influencia de las estampas japonesas es decisiva.

la contraposición de complementarios es entre el azul-violeta (del cielo y edificios lejanos) y el naranja-amarillo (de la tarima. mediante el color. Una puerta abierta provoca una mayor sensación de profundidad. sólo hecho a base de un maravilloso azul. Degas con su obra El ajenjo. la pared y la parte inferior del toldo) La composición es más clásica. El objetivo de Vincent era transmitir. Van Gogh se muestra más comedido en la contraposición del azul de los veladores con el naranja de las sillas. En este caso. Exterior se recoge la terraza en el exterior de otro café. En esta atmósfera asfixiante aparecen varios parroquianos juntos en el mismo local.expresivos es este Café de noche. una atmósfera de soledad y degradación semejante a la que había logrado. Aquí la intención expresiva de Vincent es diferente: se olvida de la sordidez y la sordidez para centrarse en la alegría de disfrutar de un rato agradable en buena compañía. con una perspectiva con el punto de fuga en el centro. mesa de billar. La perspectiva está algo distorsionada.» En esta escena de interior. y de la habitación que se abre en la pared del fondo. de azufre desvaído. para expresar el poder de las tinieblas de un tabernucho. pero en una pesada soledad. “Aquí tienes un nocturno pintado sin una mota de negro. violeta y verde” Vincent a Theo En este otro cuadro Café de noche. por ejemplo. El verde de un árbol recortado en la parte superior derecha. . Hay una especie de lucha entre la iluminación natural de un maravilloso cielo estrellado y la luz artificial de la lámpara de gas que ilumina la terraza. destaca el punto de vista muy elevado y en diagonal. Es llamativa la contraposición del verde (techo. Interior. la luz proviene únicamente de las lámparas del techo. El cuadro es una auténtica sinfonía de uso arbitrario del color a base de pares de complementarios. subordinada a las necesidades expresivas del artista. Con este vigoroso uso del color van Gogh dejó escrito a su hermano Theo que buscaba «crear una atmósfera de horno infernal. mostrador con botellas) contrapuesto con el rojo de las paredes. En la composición de la escena.

En el caso de su habitación de Vincent en Arles transmite un uso expresivo del color: la silla era más oscura. sin mezclas. pero la pinta amarilla (su color predilecto en Arles). Los toques de rojo en la manta de la cama y de amarillo verdoso en ventanas y sillas añaden viveza al conjunto. Con frecuencia pintaba con los colores extraidos directamente del tubo. reforzando su presencia En cuanto a la composición. pero Vincent. dos sillas. Al aplicar el color sigue la veta de la madera.) una plasmación simbólica de los deseos de afecto del artista. Hay críticos que han querido ver en la repetición de parejas de objetos (dos almohadas. por lo que la mesa está paralela a la pared del fondo. Al marcar el dibujo en negro. se consigue enfatizar aún mas el uso de los colores llenado los objetos. solamente el color debe hacerlo todo” Vincent a Theo Cualquier cosa podía servir a van Gogh como motivo de trabajo. por lo tanto. Por eso gastaba mucha pintura. complementario de los naranjas y amarillos predominantes en los objetos.. dejando sitio para la percha con las ropas. la perspectiva y el tamaño relativo de los objetos están deliberadamente distorsionados. Las paredes en realidad eran blancas.así como el portal también cortado en la parte izquierda facilitan la sensación de inmersión del espectador en la agradable plaza. La pincelada es tremendamente pastosa. Esto también explica que la cama parezca más cercana al fondo en nuestra parte izquierda que en la derecha. También sabemos que el suelo era de baldosas rojizas. Sabemos que las paredes izquierda y la del fondo formaban un ángulo de 120 grados. Lo esencial era el tratamiento cromático que se le daba para transmitir el estado de ánimo del pintor. que se transforman en un color rosa terroso.. . “Esta vez se trata simplemente de mi dormitorio. dos pares de cuadros. para reforzar la viveza del color elige para ellas un azul claro. y cada poco pedía colores a su hemano Theo.

Siempre que se lo permitían los ataque psicóticos (con alucinaciones auditivas y visuales) pintaba. Van Gogh aceptó su reclusión en un hospital psiquiátrico en la localidad cercana de Saint-Rémy. Su fiebre creativa de esta parte de su vida le llevó a pintar sin descanso una media de una obra cada dos o tres días. poco antes de la llegada de Gauguin a Arles.En septiembre de 1888. . Este escandaloso incidente tuvo mucho eco en Arles. Está probado que estos ataques en nada influyeron sobre Vincent para la creación directa de cuadros. y salió hacia un burdel en busca de su amigo. Vincent disfrutaba pintando escenas nocturnas. El artista con frecuencia establecía un plan previo que ejecutaba sobre el lienzo cuando no padecía crisis. que empezaron a llamarle «el loco del pelo rojo». con frecuencia acaloradamente. intercambiando opiniones. Pero no son dos enamorados cualquiera: mirados con atención resultan ser una pareja de ancianos que pasean a la luz de las estrellas. hay unas barcas en el recodo del río. en palabras del propio Vincent en una carta a su hermano: «Dos figuritas coloreadas de enamorados en primer plano». Próximas a ellos. A finales de diciembre Vincent. que. presa de un ataque psicótico intentó agredir a Gauguin. Charlaban. Este tipo de extravagancias provocó la desconfianza de los vecinos de Arles. En el psiquiátrico Entre finales de octubre y finales de diciembre de 1888 Paul Gauguin estuvo visitando Arles alojándose en la casa alquilada por Vincent. La convivencia de las estrellas en el cielo. para ofrecérselo como muestra de arrepentimiento. “Noche estrellada sobre Ródano” En la parte inferior un detalle conmovedor. Vincent se cortó el lóbulo de su oreja izquierda. Tuvieron una turbulenta relación de colaboración artística. Arrepentido. Esta obra emana una poesía que cala hasta en los espíritus menos sensibles. con los reflejos de las luces de lámparas de gas de la ciudad de Arles sobre el agua del río Ródano es sencillamente maravillosa. Esta es una de las más bonitas. Para pintar los nocturnos utilizaba velas prendidas alrededor de su sombrero y del lienzo. asustado se fue a pasar la noche a un hotel.

el sol y la luna (en el cuadro ambos parecen unidos).. Van Gogh ya había pintado varios nocturnos. que intensificaban la sensación de dramatismo en sus obras. Hay un contraste entre la verticalidad de los cipreses y la horizontalidad predominante en el cielo estrellado. con deslumbrantes estrellas. que se alzan como dos llamas negras sobre un cielo estrellado con la luna en cuarto menguante al fondo. que. Un investigador español (José . En cuanto a líneas y proporciones un ciprés es bello como un obelisco egipcio” Vincent a Theo Cuando estuvo recluído en el psiquiátrico de Saint-Rémy. Se ha comentado que esta obra quizá se refiera al episodio bíblico del Génesis (37. La pincelada de Vincent en esta etapa seguía siendo pastosa y alargada. La línea del horizonte está baja.Analizaremos una de sus obras producidas en el psiquiátrico de SaintRémy La noche estrellada. Incluso se le permitía salir del hospital a pintar al aire libre acompañado de un vigilante “La Noche estrellada” En este cuadro combina dos de los elementos que más le apasionaban durante esta época de su vida: los cipreses y las estrellas. pero ya había evolucionado hacia grandes espirales y remolinos. junto con los girasoles. los cipreses cumplen la función de dotar al cielo estrellado de su verdadera profundidad y dimensión. dando el protagonismo al cielo. aunque ya habían aparecido en algunos cuadros (por ejemplo en El puente de Langlois) le empezaron a obsesionar durante su estancia en Saint-Rémy. a la derecha. Los cipreses. a Vincent se le permitió ocupar dos estancias: una para dormir. Interpretaciones aparte. es quizá la obra más conocida de van Gogh.10) en el que José tiene un sueño con once estrellas. y otra que utilizaba como estudio. La composición de este cuadro está marcada por la presencia de los cipreses. La presencia imponente de los cipreses a la izquierda queda equilibrada por la de la luna. “Los cipreses me preocupan siempre (..) me sorprende que nadie los haya pintado todavía como yo los veo.

por esos días la luna estaba. visible desde el sur de Francia en las noches del 14 al 19 de junio de 1890. en cuarto menguante. que parecen elevarse entre los muros de la prisión. Este cuadro “La Ronda de los Presos” es un maravilloso ejemplo de la extraordinaria capacidad de van Gogh para transmitir a las imágenes una carga simbólica estrechamente unida a sus estados de ánimo. lo cósmico. símbolo de la libertad. dentro de los altos muros de una prisión. bajo la vigilancia de unos guardias. que así queda deificada. Además. o como sacralización de la naturaleza. que puede ayudar a entender cómo se sentía en esa etapa de su vida. Van Gogh oscurece su paleta de acuerdo con el tema de la obra. Hay muchas intrepretaciones posibles y para todos los gustos: en términos de regreso de Vincent a sus convicciones religiosas de juventud.Navarro) ha demostrado que la constelación que aparece es la de Aries. mi trabajo. que es cuando se estima que se pintó el cuadro. Otros autores excluyen la interpretación religiosa sin negar que van Gogh pretenda expresar sentimientos relacionados lo eterno. La capacidad expresiva de van Gogh para retratar su propio mundo interior alcanza una cima en esta obra. El final de su vida “Bueno. El mensaje de van Gogh parece más nítido si a ello unimos las dos mariposas blancas. En la obra aparecen un grupo de presos caminando en círculo. arriesgo en él mi vida. Según Crepaldi algunos críticos han creído identificar al propio Vincent en el preso rubio que mira al espectador. como en la pintura. y mi razón se ha hundido en él hasta la mitad” Vincent a Theo en una carta que portaba el día que murió . Los únicos elementos de color son el rojizo de los ladrillos y la casaca azul de uno de los vigilantes.

con un turbulento y sombrío cielo como telón de fondo. no es la última obra de Vincent (a pesar de lo que se cuente en algunas películas). Para empezar. Allí estuvo bajo los cuidados del doctor Gachet. empecemos con otro malentendido: la función de los cuervos en el cuadro como heraldos de la muerte parece desacreditada por las cartas de Vincent.Quizá impresionado por cuadros como La ronda de los presos. . y sobre la que hay algunos malos entendidos. En cuanto a la interpretación del cuadro. Van Gogh estuvo los últimos tres meses de su vida en Auviers-sur-Oise. presente y futuro de la vida del artista. El cuadro está vigorosamente pintado con espátula. Murió dos días después. Después de pasar un año en Saint-Rémy. En cuanto a los tres caminos que se abren entre los trigales. Quizá al artista le pareciese atractiva la idea de representar una estampa de la naturaleza donde se unía el vuelo de los cuervos sobre los trigales con un cielo turbulento al fondo. Theo se decidió a seguir el consejo de Pissarro y trasladar a Vincent al norte. resulta atractivo especular sobre su significado. Destaca la inquietante presencia del vuelo de los cuervos sobre el agitado trigal. un pueblecito cerca de París. que los pasó fumando en pipa junto a Theo. Los cuidados del doctor parece que iban dando sus frutos. Campo de trigo con cuervos Esta pintura es otra de las más conocidas. Según este punto de vista los tres caminos representarían el pasado. Hay quienes han sugerido que el cuadro es un reflejo de la incertidumbre de Vincent sobre el derrotero que tomará su vida. El carácter del cuadro y el hecho conocido del suicido de Vincent días más tarde incitan a pensar en ello. y un día decidió salir al campo y se disparó en el pecho. médico homeópata aficionado a la pintura y conocido de los impresionistas. Van Gogh apreciaba a estos animales como motivo pictórico. pero Vincent seguía teniendo alucinaciones.

Como suele ocurrir en los cuadros de van Gogh. la interpretación es una tarea que el artista deja al juicio del espectador. . y en las grandes obras de arte.

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