Guía Artes Visuales 2022-1

UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DEL ESTADO DE HIDALGO
ESCUELA SUPERIOR DE HUEJUTLA
Guía didáctica teórica y práctica:
Artes Escénicas
Elaboró: Lic. Carluz Beyll Sáenz Lara

Competencias Genéricas
• Competencia de Ciudadanía
• Competencia de Comunicación
• Competencia de Creatividad
• Competencia de Formación
• Competencia de Pensamiento Crítico
• Competencia de Uso de la Tecnología
Objetivo general de la asignatura
Apreciar a nivel de identificación obras artísticas bidimensionales y tridimensionales

a través de la identificación de los elementos teóricos en diversas imágenes,
representaciones y exposiciones a nivel estatal, y nacional; que le permita al
estudiante comprender su función expresiva y reforzar su identidad cultural.
Establecer un marco referencial basado en el estudio de elementos y conceptos de

las Artes Visuales, así como su cronología genérica que le sirvan de herramienta al
estudiante para identificar de forma primigenia, las manifestaciones artísticas y
culturales más representativas del arte universal y del arte mexicano, tanto de
manera presencial como virtual.
Contenido
Unidad 1. Artes Visuales
TEMA 1.1. Elementos teóricos, Técnicos y conceptuales bidimensionales
1.1.1. Concepto de arte

1.1.2. Clasificación de las artes visuales
1.1.3. Elementos visuales: Punto, línea, plano, textura, color, sombreado.
1.1.4. Boceto
1.1.5. Composición
1.1.6. Perspectiva.
1.1.7. Técnicas de representación (lápiz, colores de madera, pastel, tempera,
acuarela, acrílico, temple, óleo, grabado, collage, fresco, grafiti).
1.1.8. Realismo, impresionismo, expresionismo, surrealismo, cubismo,
abstracción.
TEMA 1.2. Elementos teóricos, técnicos y conceptuales tridimensionales
1.2.1. Definición de escultura.

1.2.2. Clasificación (exentas, relieve, cinéticas, instalación)
1.2.3. Realismo, Expresionismo y Abstracción (orgánica, geométrica).
1.2.4. Materiales
1.2.4. Técnicas de elaboración de escultura
TEMA 1.3. Sinopsis histórica del arte regional y nacional en tres períodos
1.3.1. México antiguo

1.3.1.1 Horizonte Preclásico
• Cuicuilco, Tlatilco, Zacatenco: mujeres bonitas, acróbata,
• Olmecas: basamentos, cabezas colosales, baby face, niño jaguar, altar
monolítico.
1.3.1.2 Horizonte Clásico
• Teotihuacano, Maya,
1.3.1.3 Horizonte Posclásico, Mixteco, Zapoteco, Tolteca, Maya, Azteca.
1.3.2 Época Colonial.

• Arquitectura, pintura, barroco
1.3.3. Muralismo mexicano

• Antecedentes
• Diego Rivera,
• José Clemente Orozco,
• David Alfaro Siqueiros)
•
1.3.3.2 Ruptura y Contemporáneo.
TEMA 1. Elementos teóricos, Técnicos y conceptuales bidimensionales.
1.1 Concepto de arte
Cuando escuchamos la palabra arte, puede venir a nuestra memoria imágenes de alguna
pintura famosa, pieza de musical, danza, se usa de manera generalizada para referenciar
la creación con fines estéticos o de expresión de una persona que nos cautiva o asombra.
Permite expresar ideas, emociones, percepciones y sensaciones.
Para Aristóteles el arte era un conocimiento más importante que la experiencia, pues por
un lado completa lo que la naturaleza no ha creado y por otro la imita. En una definición
más romántica Edgar Allan Poe creía que el arte es la reproducción que surge del alma de
lo que percibimos de la naturaleza por medio de nuestros sentidos. (Acha, Los conceptos
escenciales de las artes pásticas)
1.2 Clasificación de las Artes Plásticas
¿Qué significa la palabra plástico? Según el diccionario, plástico es lo dúctil o blando; que
se puede moldear o a lo que se da “forma”. En la práctica y como extensión, el término sirve
para calificar a las artes que producen imágenes sobre objetos (obviamente sólidos), como
la pintura y la escultura, o que convierten ideas en formas y que organizan espacios como
la arquitectura. De este modo se le diferencia de las artes que producen textos (la literatura)
en objetos (libros), y de las artes que utilizan sonidos (la música) o secuencias de
movimientos (la danza). El término plástico, es entonces aproximado.
Pintura
Visuales Fotografía
arquitectura
Escénicas Danza
Teatro
Cuento
Literarias Novela
Artes y su
clasificación Poesía
Música
Instrumentos
Musicales
Canto
Coro
Cuento
Aplicadas
Novela
Poesía
El término Artes visuales se emplea comúnmente hoy en día en lugar de artes plásticas,
para destacar que sus productos son apreciados tan solo por la vista. Las artes plásticas
como una clase particular de las artes, constan de cinco manifestaciones o géneros
principales: dibujo y grabado, pintura, escultura y arquitectura.
El dibujo
El dibujo es una actividad lingüística, es un lenguaje que

produce gráficamente imágenes de la realidad visible. Puede
poseer elementos estéticos y es el origen de la escritura y la
pintura.
El grabado
Este género plástico tiene por

finalidad reproducir imágenes
mediante una plancha, madera o piedra y una prensa
llamada tórculo.
La pintura
El hombre pintó imágenes sobre las superficies planas de las

paredes de las cuevas y después de los edificios. A esta
pintura se le denomina mural. Más tarde, pintó sobre las
superficies de diversos objetos como vasijas, herramientas
etc.
Por último, inventó el cuadro o pintura de caballete que es

transportable y se puede colgar en paredes. Este tipo de pintura
existe desde el siglo XIV, es decir desde los albores del
renacimiento.
En nuestro siglo se comenzó a remplazar las figuras, las

imágenes de las realidades visibles, por formas geométricas o
irreconocibles. Estas pinturas se conocen hoy como pinturas
abstractas.
La arquitectura
Por su parte, el arte de la arquitectura concibe y organiza

espacios humanos habitables, los privados, (hogares) y
los públicos (templos, plazas etc.) fue el principal arte en
la Grecia y Roma Clásicas y también en las culturas
precolombinas.
La escultura
La escultura comprende también un proceso que se expresa, con

un conjunto de imágenes en volumen o en tercera dimensión.
Puede tener el tamaño de monumentos y entonces se conocen
como esculturas públicas, por estar en espacios abiertos. Otras
tienen menos tamaño, son obras para espacios cerrados que se
encuentran en edificios públicos o privados.
La fotografía
La fotografía es una técnica químico mecánica para reproducir

imágenes, que suele suscitarnos sentimientos de belleza o
fealdad, dramaticidad o comicidad, sublimidad o trivialidad,
tipicidad o novedad. En suma, se trata de imágenes fijas que
pueden poseer virtudes estéticas.
Como técnica, puede servir de canal de imágenes artísticas

(fotografías de obras de arte) demedio de producción artística
(fotografías artísticas), si sus imágenes muestran propiedades
temáticas, estéticas y compositivas.
La escenografía
Esta actividad artística nace del teatro

y subsiste hasta ahora íntimamente
ligada a los espectáculos teatrales o a
cualesquiera otros espectáculos
similares.
Se ocupa de organizar los espacios,

muebles, sonidos, luces, de manera tal
que sean adecuados para el desarrollo
de una pieza teatral por parte de los actores. En otras palabras, organiza los componentes
del proscenio, que es donde se desarrollan las escenas teatrales. La escenografía forma
parte del teatro junto con el histrionismo o actuaciones de los actores, más el texto escrito
por el dramaturgo.
La decoración
Este género artístico es un derivado de la
escenografía y un producto de nuevo siglo,
encaminado a organizar bellamente los ambientes
del hogar y de algunas instituciones públicas.
Se ocupa, por lo tanto, de ubicar los muebles,
adornos, colores, y luces, para hacer sentir
comodidad y deleite a los que habitan en tales
lugares o los visitan.
Los géneros plásticos más recientes
Alrededor de 1950 comenzaron a surgir nuevos géneros tales como el arte del video, las
instalaciones, el arte urbano, el arte conceptual, los audiovisuales, el arte corporal y el arte
textil.
Las instalaciones artísticas

Durante la década de 1980 adquirieron importancia las manifestaciones de este género
artístico, denominadas ambientales. Los artistas de las instalaciones toman los objetos y
las cosas mismas y las distribuyen en el espacio para expresar una idea, un concepto o
una actitud, como si todo eso fuese un cuadro, para que el público participe activamente
descubriendo por sí mismo los diversos detalles de la obra.
El arte urbano
Se ocupa de estructurar bellamente los lugares o espacios transitables de la ciudad. No
sólo trabaja en el mejor diseño de las calles y avenidas, sino también, de forma especial,
de los jardines y del amueblaje urbano, como instalación de cabinas telefónicas, postes de
alumbrado, monumentos o esculturas públicas incluidas las fuentes.
El arte conceptual
Este género artístico es el que ha llegado a lo más radical, pues no quiere producir obras
con propiedades sensitivas, sino con palabras que contradigan los conceptos de arte que
tenemos. Para estos artistas, el arte es un concepto y si se le contradice repercutirá en
nuestra sensibilidad. Es decir, cambiarán nuestras ideas de arte.
Los audiovisuales
Este nuevo género utiliza las diapositivas que se van sucediendo con un ritmo y duración
específica. Como sabemos, los audiovisuales se usan en la educación pues se ha
demostrado que la sucesión de imágenes fijas penetra mejor en el entendimiento y
permanecen durante más tiempo en la memoria que las de una película.
El arte corporal
Muchos artistas, en lugar de dibujar o pintar prefieren expresar sus ideas mediante los
ademanes, gestos y acciones propias del cuerpo humano. Hoy a estos se les llama
performances y consisten en los movimientos de uno o varios cuerpos humanos,
acompañados de sonidos y objetos distribuidos en un espacio determinado. Son obras
obviamente efímeras que tienen por finalidad expresar algo, sea una idea o concepto, o
ciertas relaciones o actitudes humanas. Las acciones llamadas performance son de corta
duración y suelen lograr una tensión entre las personas actuantes y el público.
El arte textil
Este es un nuevo género artístico que utiliza las técnicas tradicionales del textil para
participar en las manifestaciones de la pintura y la escultura. El teñido, las diferentes fibras
y las múltiples técnicas del tejido se utilizan para producir formas o imágenes de color como
si fuesen las de una pintura. Estos mismos elementos intervienen para producir volúmenes
escultóricos o instalaciones.
Acha, Juan. Expresión y Apreciación Artísticas: Artes plásticas, Trillas 2011.

Actividad 1.
a) Realiza con tus compañeros de clase una lluvia de ideas sobre el concepto de arte,
seleccionen las ideas que explican mejor la definición de arte y construyan un concepto
grupal.
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.
b) ¿Con que disciplina de las artes visuales has tenido acercamiento o te
identificas? Explica de qué manera
c)
Actividad 1 Mapa Conceptual de las Artes visuales

Objetivo: Establecer un marco referencial basado en el estudio de elementos y
conceptos de las Artes Visuales
Tiempo: 50 min Lugar: Aula Material: Guía
Desarrollo: En el aula: Consultar el tema de Tejidos animales, definición y
clasificación en la bibliografía antes mencionada, y realizar un mapa
conceptual.
Evaluación Rúbrica de mapa conceptual
Rúbrica para evaluar mapa conceptual
ASPECTOS A EXCELENTE MUY BIEN BIEN SUFICIENTE NO

EVALUAR 9.5- 10.0 8.5-9.4 7.5-8.4 7.0-7.4 SATISFACTORIO
(Menor de 7)
Se usan Se usan Se usan No se asocian Las palabras
adecuadamente palabras clave, adecuadamente adecuadamente escasamente
palabras clave, muestran sus palabras clave, las palabras, no permiten apreciar los
muestran con asociaciones y pero la se muestra de conceptos y sus
claridad sus evidencia la composición manera general la asociaciones.
Ideas presentadas asociaciones y importancia de permite destacar claridad de sus
(conceptual) evidencia la las ideas algunos asociaciones.
importancia de las principales. conceptos e ideas
ideas principales. centrales.
Utiliza como El uso de No se hace uso de

estímulo visual colores no colores, pero la No se hace uso de No se utilizan colores
colores, que contribuye organización es el colores y la y no hay organización.
Diseño contribuye a totalmente a estímulo visual organización es
(procedimental) asociar y poner asociar y poner para presentar y mínima.
énfasis en los énfasis en los asociar los
conceptos. conceptos. conceptos.
Compromiso y Muestra gran Muestra interés Muestra algo de Poco interés y No muestra interés y
responsabilidad interés y entrega y entrega en el interés y entrega entrega en el lo entrega fuera de
(actitudinal) en el tiempo tiempo en el tiempo tiempo acordado. tiempo.
acordado. acordado. acordado.
Elementos visuales: Punto, línea, plano, textura, mancha, luz y sombra.
Las artes plásticas se componen de elementos básicos denominados visuales o

plásticos, que son el punto, la línea, el plano, la textura, el color, la luz y sombra.
El punto es la mínima expresión

geométrica o también la
intersección de dos líneas, como
también es el elemento primario de
la expresión plástica. No tiene
dimensiones, solo tiene posición.
El punto es consecuencia del
encuentro del instrumento con la
superficie material, la base o el
soporte. El resultado visual
depende del tipo de instrumento
utilizado para realizarlo, del
soporte y del material o técnica
empleados, al no tener
dimensiones, implica la ocupación
o concreción de un espacio
mínimo, pero puede aumentar su
tamaño tanto como se quiera.
Puede expresar: Precisión, intersección, interrupción. Puede configurar formas

(puntillismo), texturas, ornamentaciones.
La línea es el medio gráfico

fundamental para representar las
formas que nos rodean y las ideas,
creando un lenguaje que no
necesita palabras. Es el elemento
visual más importante del dibujo.
La línea está considerada como una

sucesión de puntos (trayectoria de
un punto en movimiento) o como la
huella continua que se produce
cuando dibujamos con cualquier
objeto (lápiz, bolígrafo, pincel, etc.)
TIPOS DE LÍNEAS
 Por su forma:
Líneas rectas: Expresan robustez, rigidez.
Líneas curvas: Comunican dinamismo vitalidad.
 Por su disposición: Líneas horizontales:

Sugieren tranquilidad, reposo.
Líneas verticales: Expresan una tensión

ascendente, fuerza, equilibrio, espiritualidad, dignidad.
Líneas oblicuas: Transmiten sensación de profundidad de alejamiento.
Líneas quebradas: Transmiten sensación de actividad, de movimiento, de

dinamismo y de fuerza.
 Por su finalidad:
Grafismo: Línea uniforme en cuanto a

su grosor; podemos realizarla a mano o
con regla y compás. Expresan
robustez, rigidez. Es el tipo de línea
apropiada para el dibujo técnico,
aunque también se utiliza para el dibujo
de objetos decorativos en
ornamentación, cerámica, diseño
gráfico, etc.… Puede ser también
utilizado para comunicar sensaciones
mediante:
* Acumulación de grafismos
* Por proximidad o separación de grafismos
* Por modificaciones uniformes del grosor o de la disposición espacial de

los grafismos.
El plano o superficie es la
magnitud continua que tiene dos
dimensiones, largo y ancho, pero
no espesor o profundidad.
Las superficies pueden ser

verticales, horizontales, inclinadas,
cóncavas, convexas, torcida,
distorsionada, curvada, angular,
etc.
El plano en el espacio gráfico se presenta en áreas con formas determinadas que

percibimos por contraste de figura y fondo o por un contorno lineal. Las variaciones
de luminosidad de una superficie pueden producir efectos de luz y sombra.
Funciones de los planos:
 construye formas
Podemos construir figuras y objetos

utilizando solamente planos, desde
figuras muy sencillas hasta figuras
muy complejas donde se utilizan
muchos planos diversos.
 Crea sombras
Si colocamos planos claros junto a

planos oscuros podemos crear la
sensación de zonas iluminarias y
zonas oscuras, consiguiendo
transmitir sensaciones de volumen y
profundidad.
Transmite sensaciones de Volumen
El plano es un elemento con mucha

fuerza expresiva y puede transmitir
sensaciones visuales de volumen,
lejanía o cercanía, superposición,
perspectiva, etc.
Textura. Elemento del Lenguaje visual.
Se denomina así no sólo a la apariencia
externa de la estructura de los materiales,
sino al tratamiento que puede darse a una
superficie a través de los materiales.
Puede ser táctil, cuando presenta

diferencias que responden al tacto, y a
la visión, puede ser: rugosa, áspera,
suave, etc.
La textura es expresiva, significativa y

trasmite de por sí reacciones variables en
el espectador, las que son utilizadas por
los artistas, que llevan la materia a un nivel superior del que ella tiene, para
aumentar el grado de contenido a transmitir en su obra.
La textura es la apariencia de una superficie. Como elemento plástico puede

enriquecer la expresividad de un plano o ser el elemento configurador de una
composición.
El Color es un fenómeno
perceptivo de fácil cambio.
Químicamente es una sustancia
orgánica u inorgánica y produce
distintas sensaciones o
reacciones al observar sus
distintas gamas.
Existe un estudio especial del

color, del cual ha surgido una
teoría que se basa en dominar el
círculo cromático que comienza a
formarse con tres colores básicos
llamados primarios, los tres
colores primarios son: rojo, azul y
amarillo, de la mezcla o
combinación de dos primarios se
obtienen los colores secundarios
que son el verde, morado y
anaranjado, finalmente los
colores terciarios resultan de la
combinación de un primario y un
secundario.
Actividad 2 Identificación de los elementos visuales
Desarrollo: En el aula: Elabora una ilustración en el block de dibujo donde emplees
los diferentes elementos visuales (punto, líneas, plano, sombra, color,
textura y describe como los empleaste.
Evaluación Lista de cotejo
Lista de cotejo para evaluar trabajo ilustrado
NOMBRE:
Indicadores SI NO
1.- Utiliza el block de dibujo para realizar su ilustración
2.- Representa ideas, seres u objetos con el punto, línea y plano
3.- Representa espacios utilizando el color y la línea
4.- Utiliza una gama diversa de colores y tonos
5.- Describe claramente lo que representa en su ilustración
Actividad 3 Elaboración de un círculo cromático

Desarrollo: En el aula: Elabora un modelo de círculo cromático a partir de los colores
primarios
NOMBRE:
Indicadores SI NO
2.- Utiliza instrumentos de trazo para elaborar el modelo de círculo cromático
3.- Coloca correctamente los colores según el modelo sugerido
4.- Realiza la mezcla de colores primarios para obtener naranja, verde y purpura
5.- Señala los colores primarios, secundarios, terciarios, cálidos, fríos y

complementarios en el círculo cromático
Boceto
En la pintura, los términos boceto (del italiano

bozzetto), esbozo (del italiano sbozzare), bosquejo
(de bosque), borrador (de borrar) y apunte (de punto
o punta) se usan para designar al proyecto, las
pruebas o la traza primera que se realiza
previamente a la obra definitiva. En un boceto los
contornos y los detalles no están definidos, sino
insinuados de forma esquemática (abocetados,
esbozados o bosquejados). Aunque se puede
señalar algún matiz diferencial entre "boceto" y
"esbozo", no hay en el uso general una estricta
diferencia conceptual entre cualquiera de estos
términos, ni entre sí ni con otros como "croquis" y
"estudio", o con el muy poco usado "esquicio", que
se suele usar directamente con la palabra italiana,
francesa o inglesa schizzo, esquisse o sketch (esta última también designa a una
escena cómica breve)
El dibujante puede optar por realizar distintos tipos de boceto o de iniciar un dibujo,
los que recomendamos practicar son: el boceto por contorno, boceto mediante el
garabato y para trazos con mayor precisión en dibujo a partir de figuras geométricas,
estos distintos tipos se adecuan generalmente al tipo de formas u objetos que se
desean representar.
A continuación, los tres ejemplos:
Contorno Garabato Figuras geométricas

Actividad 4 Elaboración de bocetos
Desarrollo: En el aula: Elabora tres ejemplos de bocetos a partir de figuras
geométricas, garabato y contorno de objetos que se encuentran a su
alrededor
NOMBRE:
Indicadores SI NO
2.- Utiliza instrumentos de dibujo para elaborar sus bocetos.
3.- Emplea correctamente el trazo por contorno de un objeto
4.- Utiliza la línea delgada o gruesa para bocetar formas u objetos
5.- Emplea líneas auxiliares y figuras geométricas para una mejor simetría y
proporción en la construcción de bocetos de seres u objetos.
Sombreado.
La acción de incorporar sombras en un

dibujo o pintura recibe el nombre de
sombreado.
Es una técnica propia del dibujo a lápiz

y tiene como función principal reflejar el
juego de luz y sombras en una
representación.
La técnica de sombreado puede realizarse de varias maneras. Una de las más

sencillas consiste en hacer líneas en diagonal con el grafito del lápiz de tal manera
que todas las líneas creen un efecto compacto con aspecto de sombra. Otra
modalidad consiste en dibujar unas líneas en diagonal que a su vez son cruzadas
por encima con otras líneas en diagonal. También se pueden dibujar diminutos
círculos que se van juntando con otros círculos. Lo curioso de estas tres técnicas
diferenciadas es que pueden fusionarse, lo que recibe el nombre de suavizado y
consigue crear la sensación de una mayor uniformidad en el sombreado.
rayado cruzado circulado suavizado

Composición
Componer es ordenar los elementos plásticos que configuran la obra pictórica

teniendo en cuenta conceptos como equilibrio, distribución de masas, simetría, luz,
color, etc. Estas sugieren o siguen líneas, formas o figuras geométricas generando
sensaciones estéticas mas agradables, simples o complejas. La composición es por
lo tanto el factor que proporciona coherencia formal a la obra de arte. En toda
composición debe existir un nexo de unión que proporcione unidad a los signos
visuales: en una puede ser el color (composiciones armónicas, contrastes, claves
altas o bajas, etc..), en otras será la luz (claroscuro, escasos contrastes cromáticos,
...), en otras la proporción o las texturas, pero en todas ellas debe existir un principio
básico que es el equilibrio. Los elementos importantes en la composición son la
simetría, la proporción, el ritmo y el movimiento.
Tipos de composición
Vertical diagonal piramidal
Circular Figuras geométricas

Regla de los tercios
Sección aurea
Actividad 5 Creación de una composición visual
Desarrollo: En el aula: Elabora una ilustración en el block de dibujo una composición
empleando 1 tipo de formato y 1 modelo de composición.
NOMBRE:
Indicadores SI NO
3.- Emplea 1 de los formatos sugeridos para composición
5.- Ordena los elementos siguiendo las reglas de composición, vertical,
diagonal, piramidal, circular, aurea etc.
Perspectiva.
El dibujo en perspectiva es una técnica de dibujo que se emplea para representar

la profundidad espacial, a la que llamamos perspectiva. Dicho de otro modo, sirve
para representar correctamente un objeto tridimensional en un plano bidimensional.
Tradicionalmente se conocen tres tipos de dibujo de perspectiva: de un punto de

fuga (paralela), de dos (oblicua) o de tres (aérea).
La perspectiva de un punto de fuga o paralela se suele usar para composiciones en

las que los objetos se observan de frente. Las líneas que se extienden desde la
parte frontal hasta el fondo, se encuentran o convergen en un punto. El punto donde
convergen se llama "punto de fuga".
El punto de fuga siempre descansa en una línea horizontal a la altura de los ojos, a
la que llamamos "línea de horizonte", y representa la altura a la que se encuentran
los ojos de la cámara o del observador.
La perspectiva de dos puntos de fuga u

oblicua se suele usar para composiciones
en las que los objetos se observan desde
un ángulo. Es la que más se parece a la
que tiene el ojo humano, así que es la que
más se usa a la hora de dibujar
ilustraciones o los fondos de un cómic. En
la perspectiva de dos puntos de fuga,
además de la profundidad, tenemos
líneas convergentes que representan
también la anchura.
La perspectiva de tres puntos de fuga o

aérea es la que se usa para
composiciones en las que se observa un
objeto desde abajo o desde arriba.
En la perspectiva de tres puntos, las líneas

que representan la altura se extienden
hasta un tercer punto de fuga.
Actividad 6 Dibujo en perspectiva
Desarrollo: En el aula: Elabora una ilustración en el block de dibujo donde
representes un paisaje en perspectiva paralela, apoyándote de tus
instrumentos de trazo.
NOMBRE:
Indicadores SI NO
3.- Emplea el punto de fuga y líneas auxiliares
4.- Observa paralelismo y verticalidad
5.- Los objetos o seres representados tienen proporcionalidad y profundidad
Técnicas de representación
La pintura, como materia está compuesta por dos elementos fundamentales: los
pigmentos y el aglutinante. Los pigmentos son sustancias minerales o químicas en
forma de polvo con colores diversos. Los aglutinantes son los elementos que dan
cohesión y fijan los pigmentos. Las técnicas de la pintura están determinadas por el
aglutinante, ya que los pigmentos son aproximadamente los mismos. Dependiendo
pues del aglutinante, encontraremos mayor o menor luminosidad.
Las técnicas de pintura se pueden dividir en grandes grupos dependiendo del

medio en el cual, se diluyen los diferentes materiales para pintar:
Acuarela .- La técnica de la
acuarela de gran luminosidad, es
habitual el no emplear el blanco,
siendo la dilución del color en agua y el
fondo del papel blanco, lo que
proporciona esa claridad. Es por ello
que entraña ciertas dificultades el uso
de la acuarela, ya que no se puede
enmendar ni raspar. Generalmente se
emplea como aglutinante la goma
arábiga, aunque desde antiguo
también se empleaba la miel de romero
y el azúcar.
Témperas.- Es una técnica muy

cubriente por no estar
los pigmentos en suspensión,
formando una capa opaca de
pigmento y aglutinante. Es un buen
material para los escolares por su fácil
limpieza y poder de cubrición de los
colores.
Acrílico es una clase de pintura que contiene

un material plastificado, pintura de secado
rápido, en la que los pigmentos están contenidos
en una emulsión de un polímero acrílico.
Aunque son solubles en agua, una vez secas
son resistentes a la misma. Destaca
especialmente por la rapidez del secado.
Asimismo, al secar se modifica ligeramente el
tono, más que en el óleo.
Óleo, palabra proveniente del latín óleum
(«aceite»), es una técnica de pintura que consiste
en mezclar los pigmentos con un aglutinante a
base de aceites, normalmente de origen vegetal.
Cera o incáustica (o encáustica) Es una de

las técnicas más antiguas. El ingrediente
fundamental en esta técnica es la cera de abejas.
Se diluye con trementina o con el calor de los
dedos al frotar o pasar por encima de la cera.
En la actualidad, se vende en forma de barritas,
que permite su uso a los escolares.
Lápices de colores.- Los lápices con

colores diversos, se utilizan para dar
color o bien para colorear dibujos
realizados con diversas técnicas. Todas
las personas en su niñez han trabajado
alguna vez con ellos en la escuela.
Vienen en diferentes presentaciones para
su venta, por lo regular son de 6,12, 24,
36 ó 48 colores distintos. Existen lápices
de colores de distintas marcas y
calidades. La característica que distingue
a los lápices de colores profesionales de
los escolares, es que los profesionales
son más grasos, pudiendo así dar más
graduación en el tono con ellos.
Pastel.- Es una técnica de gran

luminosidad por llevar en su composición
muy poco aglutinante. Se utilizan
pigmentos puros al que se añade algo de
goma tragacanto para darle cohesión y
formar barras con las que se pinta
directamente. Es una técnica de gran
belleza, pero de difícil conservación.
Pintura mural.- Constituye un tipo
de pintura realizada sobre el muro y
condicionada por el espacio
arquitectónico, es decir las
dimensiones y las formas de la pared
donde se va aplicar. Para
adolescentes y jóvenes los lugares de
expresión como la pintura mural,
constituyen oportunidades de
participación y construcción colectiva
de espacios, donde el muro se
constituye en un desafío y una
invitación a crear de una manera
diferente, y donde el objeto de la
creación es compartido con otros, lo
cual crea un interés en comunicarse
con su entorno y con su comunidad.
Técnica mixta .- Se entiende como tal, cuando se utilizan diversas técnicas

como ceras y témperas, collage, acrílicos, o la incorporación de materiales que den
cuerpo a la pintura, como los pigmentos u óxidos, cuarzos, cretas, papel
triturado…complementando dichos materiales con colas o aglutinantes.
Fresco. A menudo el término fresco se usa

incorrectamente para describir muchas formas de
pintura mural. La técnica del fresco se basa en un
cambio químico: los pigmentos de tierra molidos y
mezclados con agua pura, se aplican sobre
una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal
está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido
al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se
transforma en carbonato cálcico, de manera que el
pigmento cristaliza en el seno de la pared.
Grabado. Es una impresión que se realiza

a partir de una matriz de materiales tales como
madera, piedra Litográfica, linóleo, cobre o
zinc.
Con anterioridad, esta placa ha sido tratada

para poner en ella, mediante distintas técnicas,
una imagen (a la inversa) que, una vez
entintada la placa, podrá imprimirse
sobre papel o tela mediante una prensa
obteniendo varias reproducciones de la
estampa.
Actividad 7 Mapa Conceptual de las técnicas de pintura
Desarrollo: En el aula: Leer y subrayar las ideas principales del tema las técnicas de
pintura de la guía de Artes visuales y elaborar de forma individual un
mapa conceptual atendiendo la rúbrica de evaluación.

(Menor de 7)
adecuadamente palabras clave, adecuadamente adecuadamente escasamente
palabras clave, muestran sus palabras clave, las palabras, no permiten apreciar los
muestran con asociaciones y pero la se muestra de conceptos y sus
claridad sus evidencia la composición manera general la asociaciones.

estímulo visual colores no colores, pero la No se hace uso de No se utilizan colores
colores, que contribuye organización es el colores y la y no hay organización.
Diseño contribuye a totalmente a estímulo visual organización es
(procedimental) asociar y poner asociar y poner para presentar y mínima.
énfasis en los énfasis en los asociar los
conceptos. conceptos. conceptos.
responsabilidad interés y entrega y entrega en el interés y entrega entrega en el lo entrega fuera de
(actitudinal) en el tiempo tiempo en el tiempo tiempo acordado. tiempo.
acordado. acordado. acordado.
Realismo, impresionismo, expresionismo, cubismo, surrealismo, abstracción.
El término realismo aplicado al arte en general expresa

que aquello que se comunica (una pintura, una escultura
o una narración literaria) se corresponde con la verdad de
algo. Por lo tanto, el concepto de realismo indica que lo
representado es una aproximación fiel a la realidad.
La pintura impresionista nace a partir de

la segunda mitad del siglo XIX y quiere,
a grandes rasgos, plasmar la luz y el
instante, sin importar demasiado la
identidad de aquello que la proyectaba.
Las cosas no se definen, sino que se
pinta la impresión visual de estas cosas,
y eso implica que las partes inconexas
dan lugar a un todo unitario
El Expresionismo es una corriente artística

que busca la expresión de los sentimientos
y las emociones del autor más que la
representación de la realidad objetiva.
Revela el lado pesimista de la vida

generado por las circunstancias históricas
del momento. La cara oculta de la
modernización, la alineación, el
aislamiento, la masificación, se hizo
patente en las grandes ciudades y los
artistas, creyeron que debían captar los
sentimientos más íntimos del ser humano.
La angustia existencial es el principal motor
de su estética.
El cubismo es una escuela y teoría estética de las
artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la
utilización de las formas geométricas, como los
cubos, los triángulos y los rectángulos.
Los cubistas buscaban descomponer las formas

naturales y presentarlas mediante figuras
geométricas que fragmentaban las superficies y las
líneas. Esta perspectiva múltiple permitió, por
ejemplo, reflejar un rostro tanto de frente como de
perfil, ambos a la vez.
Otra característica del cubismo es la utilización de

colores apagados como el verde y el gris, sobre todo en la primera época del
movimiento. Con el tiempo, los cubistas comenzaron a incorporar colores más vivos.
El surrealismo o superrealismo es un concepto que

proviene del francés surréalisme. Se trata de un
movimiento literario y artístico que busca trascender lo
real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo
irracional.
Los surrealistas persiguen la verdad mediante

escrituras automáticas donde se omiten las
correcciones racionales. Los escritos surrealistas se
basan en la utilización de imágenes para la expresión
de emociones.
El arte abstracto es una forma de expresión

artística que prescinde de toda figuración y
propone una nueva realidad distinta a la
natural. Usa un lenguaje visual de forma,
color y línea para crear una composición
que puede existir con independencia de
referencias visuales del mundo real.
Abarca movimientos como el
expresionismo abstracto, el suprematismo,
el action painting, De Stijl o el
constructivismo.
Actividad 8 Identificación de los elementos visuales
Desarrollo: En el aula: Elabora una ilustración utilizando alguna de las técnicas de
pintura analizadas con anterioridad y siguiendo una de las corrientes
pictóricas (realismo, expresionismo, expresionismo, abstracción,
cubismo o surrealismo.)
NOMBRE:
Indicadores SI NO
1.- Utiliza para la elaboración de su trabajo ilustrado un soporte adecuado a la
técnica de pintura que eligió
2.- Presenta el boceto de construcción de su trabajo ilustrado
3.- La aplicación de los materiales o la disposición de los elementos visuales
corresponde a la corriente de pintura de su elección
5.- Describe y justifica claramente lo que representa en su ilustración
TEMA 1.2. Elementos teóricos, técnicos y conceptuales tridimensionales
Concepto de escultura
La escultura (del latín sculpere, esculpir) es una

forma de expresión artística consistente en tallar,
moldear, esculpir o cincelar un material para
crear una forma con volumen.
La escultura es considerada una de las Bellas

Artes, además de la pintura, la música y la
arquitectura. También se le da el nombre de
escultura a la obra que surge como resultado del
proceso artístico.
Los materiales de trabajo de la escultura pueden ser de los más variados, desde el
barro, la piedra y la madera, hasta el mármol, la cera, el yeso y diferentes tipos
de metales (bronce, hierro, cobre, plata, oro). A medida que la tecnología permitió
el desarrollo de nuevos materiales, la escultura comenzó a utilizar resinas
y plásticos que, al tener nuevas propiedades de resistencia y flexibilidad,
permitieron el desarrollo de nuevos estilos artísticos en la escultura.
Tipos de escultura
La escultura se divide en dos grandes ramas, la

estatuaria y escultura ornamental, según que
represente la forma humana y exprese las
concepciones suprasensibles del hombre o se ocupe
en reproducir artísticamente los demás seres de la
Naturaleza, Animales o Vegetales. La primera lleva con
propiedad el nombre de escultura y tiene un ideal
propio, desempeñando la segunda un papel secundario
al servir de auxiliar a la primera y a la Arquitectura.
De bulto redondo
Se denomina también exenta. Es aquella que se puede

contemplar desde cualquier punto de vista a su
alrededor. Si se representa la figura humana se
denomina estatua. Si la estatua representa a un
personaje divino o está hecha para el culto religioso se
llama imagen. En función de la parte del cuerpo
representada, su posición u otras características las
esculturas de bulto redondo se clasifican en:
Busto: Sólo representa la cabeza.

Torso: Le falta la cabeza, piernas, brazos.
Sedente: Sentada.
BULTO REDONDO Yaciente: Tumbada.
Orante: De rodillas.
Ecuestre: A caballo.
Grupo: Lo que su nombre indica.
De relieve
Es aquella que está realizada o adherida sobre un muro o cualquier otra

superficie, por lo que tiene un único punto de vista que es frontal. Según lo que
sobresale del plano se clasifica en:
Altorrelieve: La figura sobresale más que la

mitad de su grueso.
RELIEVE Medio relieve: sobresale la mitad.
Bajorrelieve: sobresale menos de la mitad.
Hueco relieve: no sobresale del plano del fondo.
Escultura cinética
El arte cinético y el arte óptico son

corrientes artísticas basadas en la
estética del movimiento. Está
principalmente representado en el
campo de la escultura donde uno de
los recursos son los componentes
móviles de las obras. Pictóricamente,
el arte cinético también se puede basar
en las ilusiones ópticas, en la vibración
retiniana y en la imposibilidad de
nuestro ojo de mirar simultáneamente
dos superficies coloreadas,
violentamente contrastadas. (Op Art).
Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el

movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp.
Más adelante, Alexander Calder inventa el móvil, un tipo de escultura formada por
alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por
el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia
1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los
espectadores y/o un mecanismo motorizado.
Instalación Artística
El arte de instalación es un tipo de arte
contemporáneo en el cual el artista
utiliza, como parte de la composición,
el propio medio (como paredes, piso,
luces e instalaciones) además de
objetos diversos. En muchas
ocasiones, los materiales escogidos,
llenan más o menos el espacio y el
espectador es invitado a moverse
alrededor de la obra o interactuar con
la pieza, en esos casos el espectador
mismo deviene parte de esa obra en
ese preciso momento y ese preciso
tiempo. A veces las instalaciones son
frágiles por lo que solo pueden ser
vistas desde la puerta o un extremo del
espacio.
Como género dentro de las artes plásticas, la instalación se supedita a los sitios de
arte o emplazamientos para los que ha sido o fue concebida. Algunas instalaciones
son sitios específicos de arte y sólo puede existir en el espacio para el que fue
creada.
El uso de materiales diversos, la asimilación de diferentes escalas, la libertad de

concepto y de la potenciación de la interactividad entre el producto artístico y el
público son algunas de las características más importantes de esta peculiar manera
de concebir obras de arte. Otro aspecto dentro de la concepción de instalaciones
artísticas es el emplazamiento, en este sentido se hace válido recordar que existen
artistas que, en su búsqueda de una mayor interacción social, manifiestan su gusto
por los espacios exteriores o urbanos, mientras que otros continúan creando dentro
de los restringidos límites de las galerías de arte, museos y recintos de exposición.
Realismo, Expresionismo y Abstracción (orgánica, geométrica).
El realismo en la escultura se caracteriza por ser la más

ajustada aproximación a lo natural, que en escultura se calibra
por la semejanza con el modelo, las manifestaciones
escultóricas representan, las vicisitudes de los estilos históricos,
que tuvieron una inclinación a la ruda firmeza y tensión del
primitivo renacimiento italiano.
En el expresionismo, la escultura consistió en una ruptura
individual de las formas tradicionales de esculpir, más que
en una tendencia uniforme. Hacia 1920 ésta derivó más
que nada en el abstraccionismo, en pos de una liberación
de las formas que brindara plenitud a la expresión
artística.
Abstracción
La escultura abstracta es aquella que no representa

temas convencionales sino volumenes, formas geométricas, signos, texturas, color,
etc.
A lo largo del siglo XX ha habido muchos artistas plásticos que han pasado por la
abstracción. La escultura abstracta persigue los mismos fines que la pintura
abstracta. Hans (Jean) Arp, pintor y escultor francoalemán es uno de los máximos
exponentes de este tipo de escultura. Arp aplicaba las formas de sus pinturas en un
arte de tres dimensiones, desarrollando una iconografía de formas orgánicas
conocida como escultura biomórfica, en la que se trata de representar lo orgánico
como principio formativo de la realidad.
La abstracción geométrica se basa en el

uso de formas geométricas simples
combinadas en composiciones subjetivas
sobre espacios irreales. Surge como una
reacción frente al excesivo subjetivismo de
los artistas plásticos de épocas anteriores
en un intento de distanciarse de lo
puramente emocional. El discurso crítico de
estos artistas se complementa con una
exaltación exacerbada de las dos
dimensiones frente al esfuerzo de la
mayoría de los movimientos anteriores para
tratar de representar una realidad
tridimensional.
La abstracción orgánica es una sub tendencia de la abstracción,

contraposición del arte figurativo que fue la gran tendencia a mediados del
siglo XX. Se caracterizó por su esquematización de las formas sin recurrir al
objeto, sustituyéndolo por formas no definidas y/o ambiguas.
Es conocida también como abstracción biomorfica, ya que su característica

principal es que toma las formas naturales para plasmarlas en el arte.
Materiales
Los materiales empleados en escultura

determinan un resultado del aspecto y
textura de la obra con el que adquiere
también diversas características. Con
el uso de una piedra blanda es más
difícil un resultado minucioso, por su
desmoronamiento, con un material más
duro como el granito, se requiere un
mayor esfuerzo físico. Los detalles de
formas delicadas y con calados se
consiguen mejor con el uso de la
madera, como lo demuestra, por
ejemplo, los retablos góticos. El trabajo
en arcilla permite diversos acabados desde el más fino y pulido a dejarlo con las
señales propias de los dedos del artista. Finalmente es el escultor y su propósito el
que consigue sacar del material la forma y la textura deseada. Entre los materiales
mas usados por los escultores estan: Arcilla, piedra (caliza, marmol,arenisca,
alabastro, cuarzo, jade, estuco, metal (,oro, bronce, hierro , acero), madera, marfil,
hotmigón.
Técnicas
Los escultores suelen preparar su obra

construyendo un pequeño modelo de la
figura, de arcilla o yeso.78 Este modelo
equivale al esbozo del pintor o plano
del arquitecto. El procedimiento
fundamental y el más clásico es el
esculpido, sirviéndose de escoplo, buril
o cincel según las necesidades, incluso
los procedimientos de fundir y moldear
requieren retoques de cincel en los
detalles. Además, se usan otras
acciones como el modelado o vaciado,
el cincelado, el repujado, el embutido,
el grabado y el estampado o troquelado.
Actividad 9 Tipos de escultura
Desarrollo: En el aula: Leer y subrayar las ideas principales del tema Tipos de
escultura y elaborar de forma individual un mapa conceptual atendiendo
la rúbrica de evaluación.

(Menor de 7)
adecuadamente palabras clave, adecuadamente adecuadamente escasamente permiten
palabras clave, muestran sus palabras clave, las palabras, no se apreciar los conceptos
muestran con asociaciones y pero la muestra de y sus asociaciones.
claridad sus evidencia la composición manera general la

estímulo visual colores no colores, pero la No se hace uso de No se utilizan colores y
colores, que contribuye organización es el colores y la no hay organización.
Diseño contribuye a asociar totalmente a estímulo visual organización es
(procedimental) y poner énfasis en asociar y poner para presentar y mínima.
los conceptos. énfasis en los asociar los
conceptos. conceptos.
responsabilidad interés y entrega en y entrega en el interés y entrega entrega en el lo entrega fuera de
(actitudinal) el tiempo acordado. tiempo en el tiempo tiempo acordado. tiempo.
acordado. acordado.
Sinopsis histórica del arte regional y nacional en tres períodos
México Antiguo
Tres son las épocas más trascendentes de la historia del arte en México los cuales son
igualmente trascendentes y llenos de grandeza cultural y artística, que si bien se habría de
comenzar desde el periodo prehistórico y en un contexto más universal que Nacional que
se plasma en la pintura rupestre, nos limitaremos a estudiar los ejemplos más relevantes
del arte del México antiguo también conocido como prehispánico o precolombino a través
de la apreciación cultural y estética de las diferentes culturas que florecieron en el territorio
mexicano en los tres momentos conocidos como horizontes: Preclásico, Cásico y
Posclásico.
El segundo momento de esta sinopsis histórica abarca desde la caída de Tenochtitlan hasta
la independencia de México conocido como época Colonial o de la Nueva España.
Finalmente se hará un recuento de los artistas más importantes del siglo XXI comenzando
con el movimiento conocido como Muralismo mexicano y el surgimiento del arte moderno y
contemporáneo en sus diferentes manifestaciones.
México Antiguo
Las culturas prehispánicas se asentaron principalmente en la región de México conocida

como Mesoamérica territorio que abarca de la mitad del territorio mexicano desde el centro
hacia Centroamérica, produjeron arquitectura, pintura y escultura.
El periodo formativo se distingue por sus

pequeñas figuras escultóricas, confeccinadas
con la técnica del pastillaje que consiste en
modelar cada parte de la pieza escultórica
por separado y luego pegar una con otra, de
estas pequeñas figuras las más populares
son las denomindadas “mujeres bonitas” que
dotadas de gracia y simplicidad pueden
compararse con las venus paleolíticas, de las
cuales destaca el culto a la fertilidad y la
madre tierra.
Estas figurillas se encontraron en el valle de Mexico en los sitios arqueológicos

conocidos como Tlatilco y Zacatenco, las cuales son manifestaciones pretoltecas.
Como representaciones pretotonacas se encuentran las figuras encontradas en la
Costa del Atlantico, popularmento conocidas como figuras de Remojadas que
expresan una monumentalidad simple y rotunda acompañadas de una gracia.
Olmecas
Los olmecas fueron un antiguo pueblo mexicano que ocupaba los territorios de
Veracruz, Tabasco y Oaxaca. Su ciudad mas importante fue La venta le siguieron
en importancia Tres Zapotes y San Lorenzo.
La cultura Olmeca tambien conocida como madre de

las culturas mesoamericanas se desarrolló en el
periodo formativo entre el año 1300 y 200 a. C. Esta
cultura sentó las bases de la cultura maya,
teotihuaca, zapoteca, mixteca, entre otras. Esta
cultura tiene la primicia del cultivo del maiz, el empleo
del jade, el calendario y los principios de la
astrología; además del jeugo de pelota que fue un rito
religioso importante.
Los aspectos arquitectónicos mas relevantes son los

basamentos con una gran muestra de grandiosidad y
simplicidad como la superposicion de estructuras nuevas sobre
viejas, estos mismos aspectos estéticos son repetidos en los
ejemplos escultóricos como las cabezas colosales, grandes
tallas de piedra de aspecto realista y de controvertidas
facciones africanas.
Es interesante apreciar el grado de desarrollo del realismo

empleado por los olmecas y asombra la representación del
cuerpo humano y del movimiento como el caso de “El
luchador” en el cual el artista olmeca congela los movimientos
del personaje y de manera sencilla dota de gracia y armonia.
El altar monolítico ubicado en el parque del sitio

arqueológico de La Venta, representa mediante un
relieve y alto relieve a un sacerdote en la boca del dios
jaguar, deidad que será compartida con las culturas
maya, mixteca y zapoteca, además de considerarse en
su linaje desendeintes de estos animales sagrados.
Otros ejemplos son las representaciones de niños

olmecas que retratan la cosmovision y las practicas
de deformación craneal como se aprecia en la figura
“Baby face” y la creencia del linaje felino en el caso
del “niño jaguas”
Teotihuacan
La cultura teotiuhacana comienza su apogeo en el año 200 a. C. y se extiende hasta

el año 1000 d. C. Su centro ceremonial mas importante es la que lleva el mismo
nombre y consta de un conjunto arquitectónico de pirámides escalonadas, edificios
administrativos y la via principal de acceso a la ciudad conocida como la Calzada
de los muertos. Con un estilo simple se imponen Las piramides del sol y la Luna
mientras tanto la piramide dedicada a Tlaloc y Quetzalcoatl goza de una abundancia
de formas.
Pirámide de la Luna
El bulto escultórico de Chalchiuhtlicue crea un vínculo al

estilo tolteca del horizonte posclásico, se trata de una obra
clásica por su limpieza y simplicidad de formas casi
geométricas. Su numobre significa: “La que tiene faldas de
jade”. Como compañera de Tlaloc, tenía a su cuidado las
aguas que corren o se estancan en la tierra, por lo que fue
adorada como la diosa de los rios lagos y mares.
Busto de Chalchiuhtlicue
Pirámide de Quetzalcoatl
La pintura teotihuacana destaca por su calidad estética, en muchos de sus murales
se alude a la importancia de la danza, la canción y la música, que seguramente eran
de una importancia mayor en los ritos de la magia y mitos en torno a una deidad o
héroe. El fresco conocido como el Tlalocan que por su iconografia esta dedicada a
Tlaloc es una composición pictórica que adquiere gran movimiento, como el del
agua, en el Tlalocan “lugar de Tlaloc” se representa tambien un paraiso abundante
de flores y mariposas donde los muertos por agua habitan alegremente, las
caracteristicas esteticas se limitan a la ulilizacion de líneas que contornean las
figuras y elementos naturales, carente de perspectiva, luz y sombra.
Tlalocan
En Cholula el “Mural de los bebedores”

es otro ejemplo de la plástica
Teotihuacana, en este caso predomina el
uso de las líneas y la representación del
movimiento de los bebedores, se trata de
una representación de pobladores
bebiendo pulque (bebida prehispanica
relacionada con rituales religiosos).
Bebedores de Cholula
Mayas
La cultura maya se acentó en un basto territorio que abarca la peninsula de yucatan

y centroamérica contemplando, Yucatán, Tabasco, Chiapas, Belice, Guatemala,
Honduras y El Salvador. Los mayas conocían la escritura y tenian dos sistemas de
numeración, fueron magnificas sus pirámides, palacios y templos, es sobresaliente
sus trabajo de escultura y pintura mural, asi como los relieves e iscripciones
jeroglificas. La época clásica maya está representada por las ciudades estado Tikal,
Copán Palenque y Uxmal.
Dentro de los monumentos

arquitectónicos en Tikal se encuentra la
pirámide del Dios jaguar de la cual destaca
su acentuada verticalidad. “El palacio” en
palenque que cuenta con aposentos,
patios, galerías, y pequeños cuartos
además de una icónica torre de cuatro
pisos.
El templo de las inscripciones igualmente

ubicado en el centro ceremonial de
Palenque es célebre por sus lápidas
cubiertas de jeoglíficos y de cuyo piso
desciende una larga escalera que
conduce a la famosa tumba de Pakal.
El posclásico está representado en

Chichen Itzá donde se yuxtaponen
elementos mayas y toltecas en una de las
maravillas del mundo, La pirámide de
Kukulkan, de efectós mágicos y de estilo
predominantemente tolteca.
En Bonampak las pinturas murales

adornan las paredes de sus templos. Son
relatos de historias: escenas de batalla,
bailes y músicos, conferencias de señores,
sacrificios a los dioses, estas pinturas son
comparables en tecnica y estilo a la idea
occidental del fresco mural. Su
composición y su realismo so
extraordinarios. Las figuras estan
dibujadas en forma sencilla y con gran
soltura en contraste con adornnos y
accesorios llenos de detalles o de colores.
Zapotecas
La cultura Zapoteca se desarrolló en el Valle central de Oaxaca y abarcó los

territorios de puebla y guerrero entre los años 500 a. C. y 1000 d. C. Fue una cultura
centrada en el culto a los jaguares. El nombre zapoteca proviene del náhuatl
"Tzapotécatl", que significa pueblo del Zapote, originalmente este pueblo se
autodenominaba "ben´zaa" o "vinizá" que significa en idioma zapoteco "gente de las
nubes"
En su ciudad principal, Monte Alban, encontramos

construcciones, cuyas estratificaciones muestran
diferentes estratificaciones foraneas, coincidiendo con los
olmecas la cancha de juego de pelota y con los
teotihuacanos la construccion de tipo talud y columnas de
mampostería.
En el aspecto escultórico la cerámica con fines

ritualisticos adquiere gran trascendencia, ejemplo de
estas son las cerámicas zoomorfas y las urnas funerarias
que representan personajes con cuerpos humanos con
rostros felinizados.
Toltecas
La cultura tolteca perteneció a una de

las distintas poblaciones
precolombinas mesoamericanas,
específicamente al pueblo náhuatl
que ocupó el norte del altiplano
mexicano durante los siglos X al XII.
Su nombre probablemente signifique

en lengua náhuatl “Morador de Tula”,
dado que sus principales centros se
localizaban en lo que actualmente se
conoce como Tula de Allende en el
estado de Hidalgo, México.
Esta ciudad se habría llamado Tollan-

Xicocotitlan y habría sido fundada
antes del año 667 d.C. y allí habría
residido su monarquía, que duró 384
años y tuvo ocho gobernantes o
tlahtoques. En esta ciudad se
encuentran hoy en día los célebres
“atlantes” toltecas, guerreros toltecas
tallados en piedra.
El apogeo de la cultura tolteca tuvo lugar entre los años 900 y 1200 d.C. y se ha
comprobado que tuvieron una notoria influencia sobre los mayas.
La artesanía tolteca y sus representaciones artísticas o rituales estaban muy

vinculadas, y en ellas abunda la cerámica, el tallado en piedra, la pintura y los
murales.
Son célebres los guerreros de piedra o “atlantes” que aún permanecen en la ciudad
de Tula, y que habrían estado decorados con mosaicos y plumas. También se
conocen las representaciones de corte claramente tolteca del dios Quetzalcóatl en
el Chichen Itzá.
• Fuente: https://www.caracteristicas.co/cultura-tolteca/#ixzz4yHI06uGa
Aztecas
Los aztecas se establecieron en México

Tenochtitlan en el centro del Valle de
México, expandiendo su control hacia
ciudades-estado ubicadas en los actuales
estados de México, Veracruz, Puebla,
Oaxaca, Guerrero, la costa de Chiapas,
Estado de Hidalgo, y parte de Guatemala.
Inicia en el año 1221 d. C. Cuando
despues de emigrar de Aztlán, los
mexicas encuentran sobre un nopal a la
anunciada aguila con una serpiente en el
pico.
Tenochtitlan se transformó en la principal

ciudad de la zona, formando alianza con
otras dos ciudades de habla nahuatl:
Texcoco (acolhuas) y Tlacopan
(tepanecas). Esta alianza, conocida como
Triple Alianza (Ēxcān Tlahtōlōyān)
Su principal obra arquitectónica fue el

Templo mayor dedicado a los dioses
Tlaloc y Huitzilopochtli.
La Coatlicue fue su principal deidad y esta

representada en una escultura de bulto
redondo, en ella vemos los ritmos de las
cuatro partes superpuestas de su cuerpo
y de los símbolos. Expresa el horror ligado
a los mitos del mas allá. La piedra del Sol
es testimonio de la habilidad del tallado, la
sensibilidad de su composición y la
racionalidad que nos da todo calendario,
representa la era del quinto sol, y el dios tonatiuh esta retratado en el centro de la
composición circular que caracteriza a una mandala.
Los aztecas al igual que los mayas produjeron códices, que eran superficies hechas
con hojas de cortezas de arboles especiales. Pictogramas, ideogramas y glifos o
signos que aun no eran fonéticos cubrian los códices.
Actividad 10 México Antiguo
Desarrollo: En el aula: Leer y subrayar las ideas principales del tema México antiguo
y elabora un mapa conceptual que contemple las principales
manifestaciones artísticas y características de las culturas prehispánicas

(Menor de 7)
adecuadamente palabras clave, adecuadamente adecuadamente escasamente permiten
palabras clave, muestran sus palabras clave, las palabras, no se apreciar los conceptos
muestran con asociaciones y pero la muestra de y sus asociaciones.
claridad sus evidencia la composición manera general la

estímulo visual colores no colores, pero la No se hace uso de No se utilizan colores y
colores, que contribuye organización es el colores y la no hay organización.
Diseño contribuye a asociar totalmente a estímulo visual organización es
(procedimental) y poner énfasis en asociar y poner para presentar y mínima.
los conceptos. énfasis en los asociar los
conceptos. conceptos.
responsabilidad interés y entrega en y entrega en el interés y entrega entrega en el lo entrega fuera de
(actitudinal) el tiempo acordado. tiempo en el tiempo tiempo acordado. tiempo.
acordado. acordado.
Arte Colonial
El arte colonial en México comprende los siglos XVI al XVIII también es conocido
como Novohispano o arte de Nueva España, fue, inicialmente, un reflejo de
los ideales político-religiosos característicos de la tradición europea inserta en los
territorios de América.
La arquitectura de los siglos XVI al

XVIII es sin duda la huella más visible
del México colonial. Durante este
período se construyeron cerca de
quince mil templos y una treintena de
catedrales, promovidos y construidos
por la iglesia católica y gracias a la
abundante buena mano de obra
indígena más o menos especializada
(tan sólo en los primeros cincuenta
años fueron construidos por lo menos
250 conventos de franciscanos,
dominicos, agustinos y jesuitas). Catedral de Guadalajara
Los elementos góticos y renacentistas de las construcciones se combinan con

elementos mudéjares y arcaísmos medievales. Como el la catedral de Guadalajara
En México, los templos de las órdenes religiosas anteriores a 1570 son de trazas
góticas.
El tipo de construcción es el de iglesia

fortificada de una nave, cabecera poligonal,
bóvedas de crucería o de cañón en templos
agustinos, y un tratamiento exterior de gran
sobriedad, muros desnudos y remates
almenados. En las primeras construcciones, el
rasgo más llamativo son las capillas abiertas
(llamadas también capillas de los indios), así
como los frescos con fines didácticos.
Exconvento de San Agustin,

Huejutla, Hgo.
El barroco en Hispanoamérica es esencialmente decorativo. Se aplica un lenguaje

ornamental a esquemas constructivos y estructurales inalterados desde los
comienzos de la arquitectura hispanoamericana.
Uno de los rasgos característicos del barroco mexicano es el manejo privilegiado de

materiales, como la piedra de distintos colores (Zacatecas, Oaxaca, México) y
el yeso, para crear ricas policromías tanto en el
interior de los templos como en las fachadas.
Por otra parte, van a adquirir especial desarrollo

elementos como la cúpula, presente en casi todos
los templos, elevada sobre un tambor
generalmente octogonal y recubierto con gran
riqueza ornamental, y las torres, que se alzarán
esbeltas y osadas allí donde los temblores de
tierra lo permitan.
Catedral de Puebla
La escultura posterior a la conquista se divide en

dos áreas: decorativa y estatuaria. Ambas se
realizaron en piedra o en madera. El arte
plateresco fue esencialmente escultórico y en la
Colonia produjo importantes retablos.
Durante la época de la colonia, la pintura

mexicana estuvo fuertemente influida por los
temas religiosos y enfocados a la técnica mural.
Los grandes retablos y los bajorrelieves de
espíritu indígena constituyeron las formas más
frecuentes de la escultura de aquel tiempo.
Retablo Metztitlan
Las obras eclesiásticas eran, evidentemente, las

más importantes, no sólo por sus dimensiones
sino porque tenían mayor apoyo, sobre todo
gracias a las clases más poderosas
económicamente.
Entre los pintores más importantes del XVII

podemos citar a Baltasar Echave Rioja, seguidor
de Murillo y Rubens y que pintó, por sólo citar un
par de sus obras, el Martirio de San Pedro de
Arbués que le solicitó el Santo Oficio y los
Tributos de la Eucaristía, la Fe y la Iglesia.
José de Juárez (de la primera mitad), fue otro de

los artistas de gran notoriedad en aquel periodo.
Martirio de San Pedro de Arbúes

Juan Correa, trabajó intensamente de 1671 a
1716 y alcanzó gran prestigio y fama por la
calidad de su dibujo y la dimensión de algunas de
sus obras.
Entre las más conocidos: Apocalipsis en la

Catedral de México, La conversión de Santa
María Magdalena, hoy en la Pinacoteca Virreinal
y Santa Catarina, y Adán y Eva arrojados del
paraíso, este último en el Museo del Virreinato de
Tepoztlán.
Los desposorios de la Virgen
Cristóbal de Villalpando, considerado el pintor más representativo de la segunda

mitad del siglo XVII novohispano y que, como muchos artistas de su época trabajó
más para la iglesia que para particulares o instituciones y trabajó tanto en pequeño
como en gran formato. Algunas de sus obras son La apoteosis de San Miguel, Los
desposorios de la Virgen y La huida a Egipto, todos ellos representativos de la
calidad de la pintura barroca en la Nueva España.
Actividad 11 Arte Colonial

Desarrollo: En el aula: Leer y subrayar las ideas principales del tema Arte colonial y
elabora un mapa conceptual que contemple las principales
manifestaciones artísticas y características de esta época.

(Menor de 7)
Se usan Se usan palabras Se usan No se asocian Las palabras
adecuadamente clave, muestran adecuadamente adecuadamente las escasamente permiten
palabras clave, sus asociaciones y palabras clave, pero palabras, no se apreciar los conceptos y
muestran con claridad evidencia la la composición muestra de manera sus asociaciones.
sus asociaciones y importancia de permite destacar general la claridad
Ideas presentadas evidencia la las ideas algunos conceptos e de sus asociaciones.
(conceptual) importancia de las principales. ideas centrales.
ideas principales.
Utiliza como estímulo El uso de colores No se hace uso de

visual colores, que no contribuye colores, pero la No se hace uso de No se utilizan colores y
contribuye a asociar y totalmente a organización es el colores y la no hay organización.
Diseño poner énfasis en los asociar y poner estímulo visual para organización es
(procedimental) conceptos. énfasis en los presentar y asociar mínima.
conceptos. los conceptos.
Compromiso y Muestra gran interés y Muestra interés y Muestra algo de Poco interés y No muestra interés y lo
responsabilidad entrega en el tiempo entrega en el interés y entrega en entrega en el entrega fuera de tiempo.
(actitudinal) acordado. tiempo acordado. el tiempo acordado. tiempo acordado.
Muralismo mexicano
Al concluir la revolución, surgió en

México un nueevo movimiento plástico
que expresaba los ideales de un grupo
de artistas, entre los cuales destacan
por su talento David Alfaro Siqueiros,
Jose Clemente Orozco y Diego Rivera.
Los antecedentes del muralismo los
encontramos el el pintor DR. Atl, que en
sus obras plasmó lo imponente de los
volcanes. Otro de los pintores dedicados
a temas nacionales fue Saturnino
Herran de gran expresion personal y de
influencia costumbrista que mas tarde
imitarian Fernando Leal y Diego Rivera.
El entonces ministro de educación

pública jose vasconcelos, llamó a varios
a varios artístas que venian proponiendo
nuevos postulados estéticos, para que
pintaran murales los cuales debian
referirse a los valores pasados y
pesentes de México y ser dicdacticos. Al
principio los pintores recurrieron a temas
religiosos pero se consilidaron con
postulados nacionalistas y socialistas
trayendo consigo la revalidación de
mundo precolombino y la creación popular.
En escencia el movimiento
muralista fue un grito de
independencia estética que se
ecentró en el nural público, de
larga tradición en México y de
eficacia didactica. El valor de las
obras de los muralistas no sólo
estuvo en el tema, con sus
enseñanzas, sino especialmente
en la carga de dramatismo y la
monumentalidad se sus figuras y color pictórico, en lo estético destaca lo dramático
y lo trivial, así como lo típico y lo feo, el muralismmo llevó a la pintura mexicana a
nuevos modos de pintar en aspectos técnicos en cuanto al uso de nuevos materiales
como el acrílico y de nuevos procedimientos como el uso de la pistola de aire.
El amor por el pasado y el
presente indígena de México es
una de las constantes en la vasta
obra de Diego Rivera, con José
Clemente Orozco las figuras
dinámicas y trazos recios
constituyen su estilo mas gráfico
que pictórico, su inconfundible
reciedumbre y vigor de l pintura lo
definen como expresionista.
Para Siqueiros la grandiosidad fue la vitud estética mas cultivada y trabajo

incansablemente el tema político en sus obras retratando la realidad social y la
crítica al gobierno.
Ruptura y Contemporaneo
El muralismo mexicano dotó de una gran fuerza expresiva, nacionalidad y

monumentalidad la plastica nacional; sin embargo los postulados rechazaban la
pintura de caballete por considerarla elitista, esto no limitó el surgimiento de nuevos
exponentes que voltearon la mirada mas allá de los aspectos politicos, socialistas y
nacionalistas abriendo con ello tres caminos para la creación artística: el
indigenismo como primer plano o la exhaltación de lo local, el internacionalismo,
que buscaba actualizar las artes nacionales adoptando tendencias o ideas
modernas de europa y exaltándolas como vitales y finalmente el camino de quienes
proponen buscar una síntesis entre los elementos nacionales y los internacionales.
Uno de los primeros artistas que negaron los

postulados muralistas fue el pintor Oaxaqueño
Rufino Tamayo, quien adoptaba ideas muy
actuales y quería dotar a los temas nacionales
dimensiones universales o internacionales, creía
que el arte era para el publico universal logrando
todo esto y mucho mas al ir mas allá de las figuras
y símbolos locales.
En los años sesnta Tamayo exaltó el color en su

pintura y el tema se convirtío figura humana de
proporciones precolombinas. Su color fue llevado
más allá de lo permitido por las normas no escritas
de los europeos y en su pintura se aprecia el color
que va de lo agresivo a lo armónico y de lo popular
a lo refinado.
De los artístas independientes que trabajaron al
margen de los muralistas mexicanos se encuentra
María Izquierdo que produce bodegones de
objetos tradicionales, temas localistas y tambien
imaginarios.
Frida Khalo que no obstante de ser esposa de

Diego Rivera prefirió temas relativos a su
experiencia y acontecimientos personales como
tambien imaginativos clasificados como obras
surrealistas y testimonios de su existencia.
Chucho Reyes indujo con su comportamiento y

sus obras a muchos de los artístas mexicanos a la
actualización estética y temática principalmente su
obra abarca imágenes populares de tendencia
expresionista y moderna.
Como pioneros en abrir la brecha de la abstracción

destacan carlos Mérida y Gunther Gerzo, esta
tendencia eleminó las formas para reducir la
pintura a un conjunto de figuras geométricas
simples o de trazos gestuales, expresivos. Aunque
la intensión de los pintores abstractois fue
abandonar la figura, estos artistas mantuvieron la
referencia a alguna realidad visual. Gunther Gerzo
al inicio practicó un abstraccionismo lírico, con uso
de trextura y pasó a las formas geometrizadas de
efectos poéticos, siempre situadas entre un
geometrismo simple y los signos de escrituras
perdidas.
Juan Soriano prefirió temas universales, siguió

utilizando figuras, pero con libertad y con un color
muy expresivo y cuidado. Los historiadores de la
pintura mexicana lo consideran el puente entre las
generaciones muralistas y las que surgieron en los
años cincuenta y repudiaron publicamente los
postulados del muralismo.
Por su parte Pedro Coronel llegó al

abstraccionismo poco a poco. Al principio utilizó
figuras alejadas de las realidades visuales las que
se referían, despúes su abstraccionismo fue
expresionista y colorista. Inspirado en el color de
Tamayo lo adoptó como propio.
Lilia Carrillo y su esposo Manuel Felguérez
destacan entre quienes arremeten contra el
muralismo, y lo hacen con la pintura
abstraccionista.
Así se amplía el ámbito artítico de México, pero

es hasta los años sesentas cuando se
cominenzan aceptar como legítimas las prácticas
pictóricas de los abstraccionismos. Obras
puramente geométricas aparecieron en los años
setenta con Vicente Rojo y Fracisco García
Ponce.
Los pintores figurativos continuaron existiendo,

como Jose Luis Cuevas, Albeto Gironella y
Francisco Toledo. El primero, con dibujos de
personajes trágicos y de pesadilla; el segundo,
con sus parodias, ambientaciones y ensamblajes,
en que se combinan imágenes pintadas y objetos.
El tercero, con la revaloracion de los elementos
culturales juchitecos y en sua suave colorido.
A esta tendencia se le llama la Nueva Figuración

por que es la vuelta a la figura acompañada de
trazos abstraccionistas, sin preocupación por la fidelidad de reproducir
imágenesmuy semejantes a la realidad visual que representan.
Actividad 12
Desarrollo: Observa el video “Los muralistas mexicanos” y elabora un ensayo donde
redactes tus apreciaciones acerca de la obra y transcendencia de este
movimiento.
Evaluación Rúbrica para evaluar ensayo
Aspectos a 10 8 6 0
evaluar
Entrega a tiempo El alumno entrega el El alumno entrega el El alumno entrega el El alumno no entrega
trabajo el día solicitado trabajo el día trabajo un día distinto el trabajo
en clase solicitado fuera de del solicitado
clase
Formato El alumno presenta el El alumno presenta El alumno presenta 2 No presenta el
interlineado, margenes, un error en el formato errores solicitados formato soplicitado
tipo y tamaño de letra solicitado
solicitados
Introducción El alumno presenta una El alumno presenta El alumno presenta No presenta
introducción de 200 a una introducción de una introducción de introducción
250 palabras sin faltas menos de 200 200 a 250 palabras
de ortografía con palabras sin faltas de con una o mas faltas
coerencia con el tema. ortografía con de ortografía sin
coerencia con el coerencia con el
tema. tema.
Desarrollo El alumno presenta un El alumno presenta El alumno presenta
desarrollo de 1000 a un desarrollo de un desarrollo de 1000
1500 palabras, sin faltas menos 1000 a 1500 a 1500 palabras, con
de ortografía de manera palabras, sin faltas una o mas faltas de
lógica y congruente con de ortografía de ortografía de manera
el tema manera lógica y lógica y sin
congruente con el congruencia con el
tema tema
Conclusión La conclusión es La conclusión es La conclusión es No presenta
coherente y lógica , sin congruente, sin faltas congruente, con Conclusión
faktas de ortografía de ortografía, faltas de ortografía,
mostrando una reflexión expresa de manera expresa de manera
sobre su apreciación del simple y escasa sus simple y escasa sus
tema reflexiones reflexiones
Referencias Las citas y referencias Las citas y No presenta
utilizadas en su ensayo referencias utilizadas Referencias
estan escritas en su ensayo estan
correctamente. escritas
incorrectamente
Referencias
Acha, J. (2011). Expresión y Apresiación Artísticas. Artes Plásticas. México: Trillas.
Acha, J. (s.f.). Los conceptos escenciales de las artes pásticas. méxico: Ediciones Coyoacan.
Barrington, B. (2008). Fundamentos de Dibujo. Bogotá: Panamericana.
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https://www.youtube.com/watch?v=A9DAwYCitSQ
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Obtenido de YOUTUBE: https://www.youtube.com/watch?v=-U-JpfxHAk8
Zamora Rodriguez, G. (2009). Artes visuales. Cd. de México: Editorial Sefirot.
Páginas web
• www.arteactualmexicano.com
• www.mx-df.net/2008/07/museo-de-arte-moderno/
• www.museotamayo.com
• www.muac.unam.mx/webpage/index.php

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ESCUELA SUPERIOR DE HUEJUTLA

Guía didáctica teórica y práctica:

Elaboró: Lic. Carluz Beyll Sáenz Lara

Objetivo general de la asignatura

Apreciar a nivel de identificación obras artísticas bidimensionales y tridimensionales

Establecer un marco referencial basado en el estudio de elementos y conceptos de

1.1.1. Concepto de arte

TEMA 1.2. Elementos teóricos, técnicos y conceptuales tridimensionales

1.2.1. Definición de escultura.

1.3.1. México antiguo

1.3.1.3 Horizonte Posclásico, Mixteco, Zapoteco, Tolteca, Maya, Azteca.

1.3.2 Época Colonial.

1.3.3. Muralismo mexicano

1.1 Concepto de arte

1.2 Clasificación de las Artes Plásticas

El dibujo es una actividad lingüística, es un lenguaje que

Este género plástico tiene por

El hombre pintó imágenes sobre las superficies planas de las

Por último, inventó el cuadro o pintura de caballete que es

En nuestro siglo se comenzó a remplazar las figuras, las

Por su parte, el arte de la arquitectura concibe y organiza

La escultura comprende también un proceso que se expresa, con

La fotografía es una técnica químico mecánica para reproducir

Como técnica, puede servir de canal de imágenes artísticas

Esta actividad artística nace del teatro

Se ocupa de organizar los espacios,

Las instalaciones artísticas

Acha, Juan. Expresión y Apreciación Artísticas: Artes plásticas, Trillas 2011.

Actividad 1 Mapa Conceptual de las Artes visuales

Rúbrica para evaluar mapa conceptual

ASPECTOS A EXCELENTE MUY BIEN BIEN SUFICIENTE NO

Utiliza como El uso de No se hace uso de

Las artes plásticas se componen de elementos básicos denominados visuales o

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Puede expresar: Precisión, intersección, interrupción. Puede configurar formas

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Líneas rectas: Expresan robustez, rigidez.

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 Por su disposición: Líneas horizontales:

Líneas verticales: Expresan una tensión

Líneas oblicuas: Transmiten sensación de profundidad de alejamiento.

Líneas quebradas: Transmiten sensación de actividad, de movimiento, de

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* Por proximidad o separación de grafismos

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