ESCUELA SUPERIOR DE ARTE DRAMÁTICO

MÁLAGA

TRABAJO FIN DE GRADO

Fusión de música clásica y flamenco

MEMORIA

Curso 2022/2023

Alumna: Elena Florentina Pérez Ortega 4º N

Tutor: Juan Carlos Vilaseca Camacho

Resumen

En el presente trabajo se realiza una propuesta musical, mediante la fusión de música clásica y

el flamenco más puro, tomando como base la poesía de Miguel Hernández.

Con este trabajo queremos crear un nuevo concepto musical que llegue a los más jóvenes, desde

las tradiciones, estilos y códigos más antiguos de nuestra cultura.

Abstract

In this project a proposal is made of a musical nature, through the fusion of the oldest flamenco

and the purest classical music taking the poetry of Miguel Hernández.

What we want is to create a new musical concept that reaches the youngest, from the traditions.
 ÍNDICE

1. Justificación ………………………………………………………………………………6

1.1 Justificación personal………………………………………………….…...…..6

1.2 Justificación académica………………………………………..……………….7

2. Objetivos…………………………………………………………..……………..………..7

3. Desarrollo……………………………………………………………………….…………8

3.1 Objetivos de la educación artística…………………………………..………….8

3.2 El papel del arte en la sociedad…………………………………………………10

3.3 Importancia de la música en nuestro día a día…………………………………10

3.4 La historia de la música a través del tiempo………………….……….……….11

3.5 Diferencias entre el flamenco y la música clásica……………...…….………..13

3.6 Análisis ‘Andante et Scherzo’ Louis Ganne ………………...…….………….19

3.7 Análisis poema Miguel Hernández……………………………....……………22

3.8 Nueva fórmula musical……………………………………….…...…………..27

3.9 Sesiones y ensayos de grabación de la maqueta…………...….………………28

4. Metodología………………………………………………………………….….……….29

5. Estimación de medios materiales necesarios para la realización…………….……….….30

5.1 Instrumentos necesarios…………………………………….…………………30

5.2 Puesta en escena……………………………………………………..………..33

6. Valoración crítica…………………………………………………………...……………34

7. Conclusiones……………………………………………………………………………..35

8. Bibliografía citada…………………………………………………….…………….……37

9. Apéndices……………………………………………………………..…….……………39
 1. Justificación

1.1 Justificación personal

Sentimos la necesidad imperiosa de aportar algo a este gran mundo llamado arte.

Por medio de esta fórmula unimos a nuestros dos grandes amores, por un lado, Lucía con su

flamenco que le corre por las venas, y por otro, para mí, la música clásica que tantos años me

ha acompañado a lo largo de mi vida.

También contemplamos que hacer un TFG sobre música podía ser una elección interesante por

diversas razones:

Pasión personal: Al ser unas apasionadas de la música y encantarnos explorar sus diferentes

aspectos, realizar un TFG sobre este tema nos permite profundizar en esta área de interés y

disfrutar del proceso de investigación.

Relevancia cultural: La música es una forma de expresión cultural que ha estado presente en la

humanidad a lo largo de la historia. Un TFG sobre música te brinda la oportunidad de explorar

su impacto en la sociedad, su evolución a lo largo del tiempo y su relación con otras

manifestaciones artísticas y culturales.

Contribución al conocimiento: Realizar un TFG sobre música te brinda la oportunidad de

contribuir al campo académico y ampliar el conocimiento existente. Puedes abordar preguntas

de investigación relevantes, realizar análisis detallados de obras musicales o investigar nuevas

tendencias y enfoques en el ámbito musical.

Oportunidades profesionales: Si tienes interés en trabajar en el ámbito musical, un TFG sobre

música puede ser una excelente carta de presentación. Puede demostrar tus habilidades de

6
investigación, tu conocimiento en el campo y tu capacidad para llevar a cabo proyectos de

manera autónoma.

Este TFG nos ha permitido profundizar en un campo relevante y contribuir al conocimiento

académico.

1.2 Justificación académica

Este trabajo es el fruto de cuatro años de música, arte, ilusión y estudio.

Desde que llegamos a cuarto, sabíamos que en nuestro TFG queríamos reflejar todo lo

aprendido en estos cuatro años, donde la teoría de la música ha sido una parte fundamental y

crítica para la realización de este trabajo, al igual que asignaturas como canto, danza, flamenco,

etc.

Gracias a todos estos conocimientos adquiridos, más nuestros conocimientos previos, hemos

podido ejecutar este proyecto con precisión y determinación.

2. Objetivos

Los objetivos de este proyecto son los siguientes:

- Fomentar la capacidad artística del ser humano

- Aprender a ser arquitectos de nuestra propia experiencia

- Crear una nueva fórmula musical

- Acercar la cultura popular a los más jóvenes

- Convertir las tradiciones en algo lúdico e interesante

- Investigar a través de la música fenómenos sociales

- Coordinar conocimientos para llegar a un nuevo concepto musical

7
 3. Desarrollo

3.1 Objetivos de la educación artística

Siempre nos preguntamos qué diferencia hay entre una educación más formal, o como se suele

decir, ‘’de toda la vida’’, y una más artística, que promueva los sentimientos y los deseos más

internos del alma.

Uno de los principales objetivos de la educación artística es fomentar la capacidad del ser

humano para desarrollar la mente por medio de la experiencia que surge de la creación o la

percepción de formas expresivas.

Las artes se caracterizan por llevar al ser humano a la máxima expresión individual y su

desarrollo más pleno de la imaginación.

Los objetivos de la educación artística pueden variar según el contexto y los enfoques

específicos de cada programa educativo. Sin embargo, a grandes rasgos, los objetivos comunes

de la educación artística suelen incluir:

1. Desarrollo creativo: Fomentar la creatividad y la imaginación de los estudiantes,

estimulando su capacidad de expresión artística y promoviendo la generación de ideas

originales.

2. Expresión emocional: Proporcionar un medio para que los estudiantes expresen sus

emociones, pensamientos y experiencias a través del arte, permitiéndoles comunicarse

de manera no verbal y descubrir nuevas formas de autodescubrimiento y comunicación.

3. Desarrollo estético: Cultivar el aprecio y la comprensión de las artes visuales,

musicales, escénicas u otras formas artísticas, ayudando a los estudiantes a desarrollar

su sentido estético y su capacidad de apreciar y evaluar el arte.

8
 4. Desarrollo de habilidades técnicas: Brindar a los estudiantes oportunidades para

adquirir habilidades técnicas en diferentes disciplinas artísticas, como dibujo, pintura,

música, danza o teatro, permitiéndoles explorar y desarrollar su talento y destreza en

estas áreas.

5. Fomento de la autoestima y la confianza: Proporcionar un entorno en el que los

estudiantes puedan experimentar el éxito y el logro personal a través de sus actividades

artísticas, lo que contribuye al desarrollo de una mayor autoestima y confianza en sí

mismos.

6. Desarrollo de habilidades cognitivas y sociales: El estudio y la participación en

actividades artísticas pueden mejorar las habilidades cognitivas, como la observación,

la atención, la concentración y la resolución de problemas. Además, la educación

artística puede fomentar la colaboración, la comunicación efectiva, el trabajo en equipo

y el respeto mutuo entre los estudiantes.

7. Conexiones interdisciplinarias: Promover la integración de las artes con otras áreas del

conocimiento, como la ciencia, la historia, la literatura o las matemáticas, permitiendo

a los estudiantes ver las conexiones y las posibilidades creativas entre diferentes

disciplinas.

Estos objetivos reflejan la importancia de la educación artística en el desarrollo integral de los

estudiantes, estimulando su creatividad, expresión personal, habilidades técnicas y

competencias socioemocionales.

9
 3.2 El papel del arte en la sociedad

Si nos centramos en el arte, en general, juega un papel muy importante en la sociedad y tiene

múltiples efectos positivos.

El arte es una forma de expresión creativa que permite a las personas explorar y expresar ideas,

sentimientos y emociones. Puede ser una forma de comunicar y transmitir ideas complejas de

una manera accesible. El arte puede ser una herramienta para promover la tolerancia y el

respeto por las diferencias culturales, y para ayudar a las personas a comprender y apreciar

otras culturas.

El arte desempeña un papel fundamental en la sociedad, ya que no solo es una herramienta para

el desarrollo personal y la autoexploración, sino que también puede fortalecer la identidad y la

autoestima de las personas, así como brindarles un sentido de propósito y significado en sus

vidas.

Además, el arte tiene un impacto significativo en el turismo, atrayendo visitantes a ciudades y

países. Asimismo, contribuye a la revitalización de áreas urbanas degradadas, mejorando la

calidad de vida de las personas que viven en ellas.

El arte es de suma importancia en la sociedad, ya que fomenta la expresión creativa, refleja la

diversidad cultural, promueve el desarrollo personal, genera oportunidades de empleo y

contribuye al estímulo económico de una comunidad.

3.3 Importancia de la música en nuestro día a día

En consecuencia, a lo que hemos mencionado en los puntos anteriores, la música tiene una

importancia significativa en la vida de los seres humanos. A continuación, describimos algunas

de las razones por las cuales la música es importante, tenemos que mencionarlas, dado que la

música es el tema central de este trabajo:

10
La música tiene la capacidad de transmitir emociones y sentimientos que son difíciles de

expresar con palabras. Es por ello que muchas veces, la música se utiliza como medio para

expresar sentimientos de alegría, tristeza, amor, en conclusión, sentimientos actualmente cada

vez más escondidos y más difíciles de detectar socialmente, en gran parte por culpa de las redes

sociales y del intenso ritmo de vida.

La música tiene diversos poderes únicos, como el de expresar sentimientos y emociones que

no se pueden expresar con palabras. Por esta razón, se utiliza la música en tratamientos

terapéuticos y en programas de rehabilitación.

La música crea vínculos sociales, tiene la capacidad de unir a las personas, ya que es una

actividad que se puede compartir con otros y que puede generar un sentido de comunidad,

también puede tener un impacto positivo en el estado de ánimo de las personas, ya que puede

ser utilizada para aliviar el estrés y la ansiedad, aumentar la felicidad y la motivación.

Es una forma de arte que tiene una larga historia y está presente en todas las culturas del mundo.

Por lo tanto, una de sus funciones principales ha sido durante siglos, ayudar a preservar y

transmitir la cultura y la historia de un pueblo.

En resumen, la música es importante en la vida de los seres humanos porque permite expresar

emociones, estimula diferentes áreas del cerebro, crea vínculos sociales, mejora el estado de

ánimo y contribuye al desarrollo cultural.

3.4 La historia de la música a través del tiempo

Si vamos centrándonos más en el tema que nos atañe, ‘‘la historia de la música es el estudio

de las diferentes tradiciones musicales y su orden en la Tierra a lo largo del tiempo. ’’

Comellas, José Luis (2006). Historia sencilla de la música. Ediciones Rialp. ISBN 978-84-

321-3594-1.

11
La historia de la música abarca todas las épocas y sociedades. No se limita a Occidente, como

es costumbre en algunos campos académicos, sino que el término "historia de la música" suele

utilizarse exclusivamente para referirse a la historia de la música europea. La estrecha relación

entre los humanos y la música ha quedado demostrada a lo largo de los años, y mientras algunas

explicaciones tradicionales vinculan su aparición a la actividad intelectual asociada a conceptos

sobrenaturales (haciéndola funcionar con fines supersticiosos, mágicos o místicos),

actualmente se relaciona con el apareamiento, rituales y trabajo en grupo.

El hombre primitivo encontró la música en su propia voz y en la naturaleza. También aprendió

a hacer sonidos con objetos básicos como: huesos, juncos, troncos de árboles, conchas, etc.

Las viejas canciones de culto son más bien lamentaciones que textos poéticos.

En tiempos prehistóricos, la música estaba presente durante las ceremonias de caza o guerra,

así como en las fiestas donde la gente bailaba alrededor del fuego hasta quedar exhausta. La

música imita principalmente el ritmo y los movimientos de los animales. La actuación musical

del hombre consiste en exteriorizar sus sentimientos a través del sonido que produce su propia

voz, para distinguirla del lenguaje que utiliza para comunicarse con otros seres vivos.

Los primeros instrumentos musicales eran objetos, utensilios o el propio cuerpo humano, que

podían producir sonidos. Podríamos decir que la historia de la música es larga y compleja, y se

remonta a la prehistoria. Aunque es imposible saber exactamente cómo sonaba la música en

aquellos tiempos, se han encontrado instrumentos musicales antiguos, como flautas hechas de

hueso, que sugieren que la música se ha tocado desde hace al menos 40,000 años.

Con el tiempo, la música ha evolucionado y ha sido influenciada por diferentes culturas y

estilos musicales. En la antigua Grecia, por ejemplo, la música se consideraba una parte

importante de la educación y la cultura, y se creía que tenía poderes curativos y emocionales.

12
Durante la Edad Media, la música se convirtió en una parte importante de la liturgia cristiana

y se desarrolló la notación musical para poder escribir y transmitir las composiciones. En la

época del Renacimiento, la música se convirtió en una forma de arte refinada y se desarrollaron

nuevas formas de música, como el madrigal y la ópera. En el siglo XVII y XVIII, la música

barroca alcanzó su apogeo con compositores como Johann Sebastian Bach y Georg Friedrich

Händel, mientras que en el siglo XIX, la música romántica se convirtió en una expresión de la

individualidad y la emoción, con compositores como Ludwig van Beethoven y Frédéric

Chopin.

En el siglo XX, la música se ha vuelto más diversa y ha abarcado una amplia variedad de

géneros, desde el jazz y el blues hasta el rock y el hip hop. Hoy en día, la música sigue

evolucionando y adaptándose a los cambios culturales y tecnológicos, y sigue siendo una parte

integral de la vida de las personas de todo el mundo.

3.5 Diferencias entre el flamenco y música clásica

En este trabajo también hablamos del flamenco, donde los intérpretes de este género tienen una

gran capacidad de expresión y transmiten todas sus emociones a través del lenguaje corporal

pasando por pasión, rabia, tristeza, dolor miedo y alegría creando una conexión indestructible

con el público y donde te sientes, como espectador, implicado en este conjunto de emociones

de forma inmediata.

Por otro lado, tenemos obras de música clásica que muestran una gran complejidad musical

debido al desarrollo del compositor, modulación, variaciones, frases musicales que no siempre

tienen la misma duración, contrapunto, polifonía y armonía compleja.

13
La música clásica es una corriente musical basada principalmente en música producida o

derivada de tradiciones musicales litúrgicas y seculares occidentales, principalmente europeas

occidentales y que tiene una referencia mediadora esencialmente literaria que le da sentido y

un carácter estricto a la repetición o interpretación.

La música clásica está hecha puramente para ser escuchada, a diferencia de otra música que

está asociada con otras formas de entretenimiento. En los conciertos de música clásica, se

espera un silencio por parte del público para no molestar al artista, por ello también nos pareció

tan interesante la mezcla de este género con la música flamenca, más social y contraria a ésta.

La música clásica tiene como objetivo transmitir una calidad trascendente de emoción y

expresar algo universal sobre la condición humana. Aunque la expresión emocional no es una

característica exclusiva de la música clásica.

Como podemos ver, han pasado muchos años, pero las necesidades emocionales del ser

humano son las mismas, expresarnos cómo nos sentimos, canalizar nuestras emociones y

mostrar esa parte de nosotros que sólo con la música podemos llegar a transmitir.

Ambos géneros a priori tan dispares, esconden en sus entrañas esa necesidad fundamental y

básica del ser humano, la expresión de nuestra alma.

La música clásica y el flamenco son dos géneros musicales muy distintos que tienen sus raíces

en diferentes tradiciones y culturas.

La música clásica es un género musical occidental que se ha desarrollado a lo largo de varios

siglos, desde el período barroco hasta la música contemporánea.

Ésta se caracteriza por su complejidad armónica y melódica, sus estructuras formales bien

definidas y su uso de instrumentos orquestales como la flauta, el violín, el piano y la guitarra

clásica.

14
Por otro lado, el flamenco es un género musical español que tiene sus raíces en las culturas

gitana y andaluza. El flamenco se caracteriza por su uso de la guitarra flamenca, el cajón, la

voz y el baile, y por su estilo expresivo y apasionado.

El flamenco es conocido por sus letras emotivas y sus ritmos complicados, y a menudo se

improvisa en vivo. Mientras que la música clásica se enfoca en la complejidad armónica y

melódica, el flamenco se enfoca en la emoción y el ritmo. Ambos géneros tienen su propio

conjunto de técnicas y habilidades, y han sido influenciados por diferentes tradiciones y

culturas a lo largo de los años.

El flamenco es mucho más que una expresión artística. Para muchas personas el flamenco es

una emoción, es una pasión, es un estilo de vida, es un orgullo por sus raíces. De esta mezcla

cultural nació el flamenco en Andalucía. Aquí es donde comenzó y se desarrolló el arte, que

con el tiempo se extendió hasta convertirse en una expresión artística universal.

El flamenco no nació en un solo año, sino que nació con el tiempo como una mezcla de

diferentes culturas y se ha expresado en su forma actual durante casi dos siglos. Aunque hay

noticias documentadas que datan de 1770, se han celebrado varias fiestas y reuniones donde

los gitanos interpretaban bailes y cantes que fueron pioneros en el flamenco que conocemos

hoy.

El acto o efecto de cantar canciones andaluzas se llama cante, el cante flamenco se define como

cante andaluz de agitación, y el cante jondo se define como el cante andaluz más auténtico y

con profunda emoción. Los cantantes de flamenco se llaman cantaores.

Cada cante flamenco tradicional se conoce como palo. Los palos flamencos más básicos son:

Alegrías, bulerías, fandangos, sevillanas, tangos...

15
Uno de los palos básicos del flamenco es el tango y tiene varias modalidades. Es uno de los

estilos principales porque es la base y el punto de partida de los compases y el carácter musical.

Con un compás de 4 tiempos y un cante ejecutado en 4/4, que puede hacerse en cualquiera de

las tonalidades, en este caso hemos elegido Re m (1 bemol) puesto que la partitura de Ganne

está en esta tonalidad.

La guitarra encuentra en el tango flamenco el ambiente ideal para expresar todo tipo de estilos,

adaptándose a nivel armónico, rítmico o melódico. En el cante por tango se pueden utilizar

diferentes tipos de estrofas. Los más comunes son de cuatro versos o de tres octosílabos, como

la copla española. Ello no impide que el inspirado cantaor sepa "ponerle poesía al tango".

La voz es uno de los elementos más importantes y distintivos en el flamenco. El cante flamenco,

como se conoce a la forma de canto en este género musical, es una expresión artística que surge

de las emociones y sentimientos más profundos de los cantaores, y se caracteriza por su pasión,

intensidad y expresividad.

El cante flamenco se canta a menudo a capella, lo que significa que el cantaor no tiene ningún

acompañamiento instrumental y la voz es el único instrumento que se utiliza para transmitir la

emoción y la intensidad de la canción. En algunos casos, el cante flamenco puede ser

acompañado por palmas, que se utilizan para marcar el ritmo y añadir un ritmo de percusión.

El cante flamenco se compone de varios estilos o palos, cada uno con su propia estructura,

ritmo y emoción. Por ejemplo, el estilo soleá es conocido por su intensidad y tristeza, mientras

que el fandango es un estilo más ligero y alegre.

Para cantar flamenco, es importante dominar las técnicas de respiración, resonancia y

proyección vocal. Los cantaores también deben ser capaces de transmitir la emoción y la pasión

16
de la canción a través de su voz, utilizando técnicas como el vibrato y el melisma para añadir

textura y expresividad a su canto.

En conclusión, la voz es un elemento fundamental en el flamenco, ya que es el medio principal

para transmitir la emoción, la pasión y la intensidad de la música y la poesía.

Los cantaores de flamenco son considerados como algunos de los mejores y más expresivos

cantantes del mundo debido a la complejidad y la riqueza emocional del cante flamenco.

La mayoría de los tangos flamencos, o tientos (tangos lentos), siguen melodías andaluzas.

En teoría musical, el Ritmo Andaluz o Ritmo Frigio es una progresión armónica de cuatro

cuerdas común en la música flamenca. Aunque se remonta al Renacimiento, ha sido popular

durante siglos, lo que lo convierte en uno de los sonidos más influyentes de la música

occidental.

A pesar de su nombre, rara vez se usa como cadencia. La melodía andaluza se usa más

comúnmente como estructura de ostinato. Un ejemplo de este tipo de estructura se puede

encontrar en la famosa Chacona de la Partita para violín solo n.° 2 BWV 1004 de Johann

Sebastian Bach. También es muy utilizado en el flamenco, tanto en ostinato como en compás.

Se utiliza mucho en las canciones de cuna andaluzas. La melodía andaluza no solo se muestra

en su forma pura, sino que también hay muchos ejemplos en los que la melodía está

parcialmente modificada o ampliada. La cadencia se compone por los grados; I - VII - VI - V7

de la escala menor natural, menos el V7, del que la escala-acorde correspondiente sería la escala

menor armónica. Las estrofas de los tangos son soleares cortas o grandes de carácter alegre.

La partitura elegida para esta fusión, es el Andante et Scherzo de Louis Ganne, como hemos

mencionado anteriormente, publicada en 1901 dentro del período Romántico, periodo que se

caracteriza debido a que la música pasa al servicio del mundo interior.

17
Su objetivo es transmitir emociones. Ira, angustia, alegría, excitación, tristeza. La expresión es

lo más importante.

El período romántico es el período que se extendió aproximadamente desde 1810 hasta la

primera década del siglo XX, y generalmente incluye toda la música escrita según las normas

y formas de ese período.

Puede considerarse un movimiento de finales del siglo XIX o principios del XX, que se

distingue de la época romántica por su vitalidad orquestal y su excesivo desarrollo sinfónico,

y destaca también por su intenso cromatismo que supera al de Richard Wagner. causada por la

pérdida de la cultura romántica.

Al igual que hemos hablado de los tangos flamencos, es fundamental saber las características

propias de la música romántica para poder contextualizar la fusión final.

Lo primero que hay que saber es que el romanticismo crea un vacío en la creación y expresión

personal. Así, los autores de este período tuvieron la oportunidad de experimentar rompiendo

ciertas reglas de la música tradicional.

Antes de eso, la mayoría de las composiciones fueron encargadas. Es decir, los músicos eran

contratados o patrocinados por aristócratas o alguien en una posición de poder para crear obras

que cumplieran requisitos específicos. Esta es la primera vez que los músicos han tenido la

oportunidad de componer música por el puro placer de la expresión. Los artistas románticos

buscaron ansiosamente la originalidad y trataron de eliminar las convenciones musicales.

Las principales características fueron; un crecimiento de la utilización de cromatismos,

tonalidades menores y cambios armónicos, una armonía muy colorida, intensa, a veces

ambigua, el uso frecuente de la modulación, es decir cambio de tonalidad, lo cual le requiere

al espectador más atención. Ampliación del rango y la variedad musical. La importancia del

18
virtuosismo va en aumento. Pasajes altamente técnicos para permitir a los músicos solistas

demostrar sus habilidades, mayor número de músicos, un auge del fomento de la

improvisación, y la apreciación de lo exótico. Si nos fijamos, esta época no se diferencia tanto

del flamenco en cuanto a pensamiento y ruptura con las normas establecidas.

3.6 Análisis ‘‘Andante et Scherzo’’ de Louis Ganne

El movimiento romántico se caracterizó por la sensibilidad emocional y la subjetividad de sus

obras. Esta corriente rechazó el orden, la calma y racionalidad de la época clásica. El

romanticismo exalta la libertad de los sentimientos y la belleza, por ello ha sido el período

elegido para este proyecto.

Por ello creemos que una partitura clásica romántica, es la más indicada para fusionarla con el

flamenco, puesto que la libertad y esa ruptura con el orden, la calma y la racionalidad, son

bastante semejantes y afines para poder crear una nueva fórmula, ya que el flamenco es una

expresión artística que nace de la mezcla de muchas culturas: la árabe, la judía, la de los gitanos

y que posee estas características.

La partitura "Andante et Scherzo" de Louis Ganne es una pieza musical escrita originalmente

para flauta y piano. A continuación, se describe cada sección de la partitura:

Andante: La pieza comienza con un andante en tiempo de 4/4, escrito en la tonalidad de Si

bemol mayor. La melodía es interpretada por la flauta, mientras que el piano acompaña con

arpegios y acordes suaves. La sección presenta un carácter lírico y expresivo, con una dinámica

en general pianissimo o piano.

Scherzo: Después del andante, la pieza se mueve hacia el scherzo en tiempo de 3/4. La

tonalidad cambia a Sol mayor. El scherzo es mucho más rápido y alegre que el andante. La

flauta interpreta una melodía enérgica y juguetona, mientras que el piano toca acordes rápidos

19
y sincopados. La dinámica de esta sección es generalmente forte o fortissimo, creando un

contraste dinámico con la sección anterior.

En general, "Andante et Scherzo" es una pieza musical interesante y desafiante para los

intérpretes. Requiere una buena técnica de la flauta y un control dinámico preciso del piano.

La pieza tiene una estructura clásica de dos partes contrastantes, pero al mismo tiempo muestra

el estilo característico de Ganne con melodías fluidas y armonías interesantes.

Los matices son una parte esencial de cualquier partitura musical, ya que determinan la

dinámica y la intensidad de la música. En "Andante et Scherzo" de Louis Ganne, hay una

variedad de matices que se utilizan para expresar diferentes emociones y crear contrastes dentro

de la pieza.

En la sección del andante, se utilizan principalmente matices suaves y delicados, como

pianissimo (pp) y piano (p), para crear un ambiente tranquilo y melancólico. Sin embargo, en

algunas partes de la melodía, se pueden encontrar matices más fuertes, como mezzo-piano (mp)

o mezzo-forte (mf), que agregan un poco de intensidad y expresividad.

En la sección del scherzo, los matices cambian a algo más enérgico y fuerte, como forte (f) o

fortissimo (ff), para expresar la alegría y la energía de la melodía. Sin embargo, también se

utilizan matices más suaves en algunas partes, como piano (p) o pianissimo (pp), para crear un

contraste y enfatizar la variedad de emociones presentes en la pieza.

Es importante que los intérpretes presten atención a los matices que se indican en la partitura y

los apliquen con precisión, ya que esto afecta significativamente la interpretación de la música.

Además, los matices también pueden ser utilizados por los intérpretes para expresar su propia

interpretación y estilo personal en la pieza.

20
En cuanto a las fórmulas rítmicas que se utilizan en "Andante et Scherzo" de Louis Ganne, en

la sección del andante, se utilizan principalmente figuras rítmicas de corchea y semicorchea,

con algunas figuras de blanca y negra.

En la sección del scherzo, se utilizan principalmente figuras rítmicas de semicorchea y fusas,

con algunas figuras de corchea y negra. Por ejemplo, la melodía comienza con una figura de

semicorchea seguida de dos figuras de fusa, y así sucesivamente.

En ambas secciones, se utilizan figuras rítmicas sincopadas, lo que significa que se acentúa un

tiempo débil en lugar de uno fuerte. Estas figuras agregan un elemento de ritmo y energía a la

pieza.Por ello esta fusión es tan compleja, pero tan elegante y espectacular, debido a las grandes

diferencias y similitudes de ambos géneros musicales.

El tango flamenco se originó en España y es una fusión de la música flamenca con el tango

argentino, mientras que la música clásica se originó en Europa y tiene una tradición más larga

y diversa. El tango flamenco se toca con guitarra flamenca, palmas, cajón y otros instrumentos

de percusión, mientras que la música clásica se toca con una amplia variedad de instrumentos,

como la orquesta sinfónica, el piano, el violín y la flauta.

El tango flamenco tiene un ritmo más fuerte y marcado, con un énfasis en la percusión y el

baile, mientras que la música clásica se enfoca en la melodía y la armonía.

El tango flamenco es un género en el que se da mucha importancia a la improvisación, tanto

en la música como en el baile, mientras que la música clásica se basa en partituras y en una

ejecución precisa y detallada. El ttango flamenco se enfoca en transmitir emociones fuertes y

pasionales, mientras que la música clásica se enfoca en la belleza y la perfección técnica. En

resumen, el tango flamenco y la música clásica son dos géneros musicales muy distintos en

términos de orígenes, instrumentación, ritmo, improvisación y sentimiento. Ambos tienen su

21
propio encanto y belleza, y pueden ser apreciados por igual por personas con gustos musicales

diferentes.

3.7 Análisis poema Miguel Hernández

Dejando a un lado, la parte musical, también hemos utilizado para esta fusión, un poema de

Miguel Hernández llamado ‘Mis ojos sin tus ojos’;

Mis ojos, sin tus ojos, no son ojos,

que son dos hormigueros solitarios,

y son mis manos sin las tuyas varios

intratables espinos a manojos…

No me encuentro los labios sin tus rojos,

que me llenan de dulces campanarios,

sin ti mis pensamientos son calvarios

criando nardos y agostando hinojos.

No sé qué es de mi oreja sin tu acento,

ni hacia qué polo yerro sin tu estrella,

y mi voz sin tu trato se afemina.

Los olores persigo de tu viento

y la olvidada imagen de tu huella,

que en ti principia, amor, y en mí termina.

22
El autor del poema es Miguel Hernández (Orihuela 1910 - Alicante 1942) y su poesía está

influenciada por el Modernismo, Surrealismo, Creacionismo y Expresionismo.

Se le considera miembro de la generación 36 o primera de la posguerra, y este poema se

encuentra en su obra "El hombre y su poesía". Trata el tema del amor, diciendo que le falta un

ser amado, que no sabe vivir, que sus sentidos son inútiles, se lo dedica a su esposa, escrito por

el poeta español en 1937, durante la Guerra Civil Española.

Este poema es un soneto que expresa el profundo sentimiento de dependencia y añoranza que

experimenta el autor en ausencia de la persona amada.

El hablante lírico comienza estableciendo una analogía entre sus ojos y dos hormigueros

solitarios. Esto sugiere que sin la presencia de la persona amada, sus ojos carecen de vida y

actividad, convirtiéndose en algo vacío y desolado. De manera similar, menciona que sus

manos se convierten en espinos intratables en ausencia de las manos de la persona amada, lo

que indica que sin su contacto y compañía, siente una sensación de incomodidad y soledad.

En el siguiente cuarteto, destaca la importancia de los labios de la persona amada. Afirma que

sin sus labios rojos, sus propios labios no tienen la misma vitalidad y belleza. Los compara con

dulces campanarios, sugiriendo que los labios de la persona amada son una fuente de deleite y

armonía para él. Sin ella, sus pensamientos se convierten en calvarios, lo que sugiere que su

mente está llena de sufrimiento y angustia, y las flores (nardos) y los campos (hinojos) se

marchitan y pierden su esplendor.

En el segundo terceto, expresa su dependencia auditiva de la persona amada. Sin su acento, su

oreja se siente vacía y falta de dirección. Hace referencia a una estrella, sugiriendo que la

persona amada es su guía y orientación en la vida. Además, menciona que su voz se vuelve

23
más suave y femenina sin el trato de la persona amada, lo que indica una pérdida de su propia

identidad o fortaleza.

En el último verso, expresa su afán por perseguir los olores que lleva el viento de la persona

amada y la imagen de su huella. Esto sugiere que busca cualquier rastro o recuerdo de ella para

sentir su presencia, aunque sea de manera indirecta. Finaliza el poema afirmando que el amor

comienza en la persona amada y termina en él, lo que puede interpretarse como una expresión

de la profunda conexión y dependencia emocional que siente hacia ella.

Este poema es un lamento por la ausencia de la persona amada y refleja la profunda

dependencia emocional que experimenta el hablante lírico. A través de una serie de imágenes

sensoriales y metáforas, se expresa el vacío y la tristeza que siente en la separación, resaltando

la importancia de la presencia de la persona amada en su vida.

En estos versos, Hernández utiliza imágenes poéticas poderosas para describir su dolor y su

añoranza, y muestra cómo la presencia de su amada es esencial para su existencia. El poema

refleja la profunda humanidad y sensibilidad de Hernández, y es uno de los más conocidos y

apreciados de su obra.

La estructura del poema es ABBA en los cuartetos y CDE en los tercetos. Con respecto a la

métrica, estamos ante versos endecasílabos de arte mayor con rima consonante.

Los recursos literarios utilizados son herramientas valiosas para embellecer y enriquecer la

expresión poética, permitiendo transmitir ideas y emociones de manera más efectiva y

memorable, en este poema encontramos algunas;

Paradoja: Mis ojos, sin tus ojos, dejan de ser ojos. Es la unión de ideas opuestas en una misma

frase para generar un efecto impactante.

24
Elipsis: Mis labios buscan tus rojos. Figura retórica que consiste en la omisión de una o varias

palabras o elementos en una oración, siendo entendidas por el contexto. Se utiliza para crear

suspensión o darle fluidez al texto.

Epíteto: Dulces campanarios me brindan tus besos. Es un adjetivo innecesario que se añade a

un sustantivo para resaltar una cualidad evidente del objeto o sujeto al que se refiere. Sirve para

enriquecer la descripción y añadir énfasis.

Metáforas: Sin ti, mis pensamientos son calvarios, donde nardos crecen y hinojos se marchitan.

Mis manos, sin las tuyas, son espinos intratables. Comparación implícita entre dos elementos,

otorgándole características propias de uno al otro.

Hipérbole: Sin tu acento, mi oreja queda perdida en el vacío. Se trata de una exageración

intencionada de una característica o situación con el fin de enfatizarla. Se utiliza para crear

impacto emocional y resaltar la intensidad de una experiencia o sentimiento.

Personificación: Mi voz, sin tu trato, pierde su fuerza y se debilita. Consiste en atribuir

características o cualidades humanas a seres inanimados, animales o conceptos abstractos. Se

utiliza para darles vida y generar una conexión emocional con el lector.

Sinestesia: Persigo los aromas de tu viento y la imagen olvidada de tu huella. Es la combinación

de diferentes sensaciones o percepciones sensoriales en una misma expresión. Por ejemplo,

relacionar colores con sonidos o olores con imágenes. Se usa para crear imágenes más vívidas,

poéticas y sensoriales.

Metonimia: En ti comienza y en mí se completa nuestra historia. Una palabra o expresión para

referirse a otra que guarda una relación de contigüidad o proximidad con ella. Es el uso de un

término para sustituir a otro relacionado por alguna característica común.

25
El lenguaje utilizado por Hernández es sencillo y directo, con una gran carga emotiva. El poeta

utiliza una serie de imágenes y metáforas para expresar su dolor y su angustia.

El tono del poema es triste y melancólico, con una sensación de dolor y pérdida que se extiende

a lo largo de todo el poema.

Este soneto de amor va dedicado a Josefina Manresa, su esposa. El poeta Miguel Hernández se

confiesa vacío y perdido. El inolvidable autor de "El rayo que no cesa" fue perseguido y

encarcelado hasta morir. Su crimen fue escribir con libertad. Eran tiempos oscuros. Sufrió las

barbaridades del franquismo.

Su mujer estuvo siempre cerca del poeta, aunque fuera por carta. Un amor hasta su muerte.

Los franquistas destruyeron su último libro, pero uno de los impresores conservó un ejemplar

que se publicaría años más tarde. Este poema intenta describir el duelo que le provoca la

ausencia de su mujer. No cree que los ojos, los oídos, los pensamientos y las voces sean inútiles

si el amor no está cerca.

Sin ella, se siente inseguro. En este hermoso poema muestra su dependencia y debilidad cuando

se siente solo. Es por ello que hemos elegido éste poema y no otro, por su gran carga emocional

lo vemos perfecto para terminar con un gran broche de oro esta compleja fusión.

26
 3.8 Fórmula musical

Después de contextualizar todos los elementos que hemos utilizado para esta fusión, pasaremos

a la fórmula en sí y su posterior explicación.

En primer lugar, hemos hecho una base de guitarra y cajón, que se adjunta en el apéndice, con

la tonalidad de nuestra partitura seleccionada, si en otra ocasión, querríamos hacerlo con otra

partitura clásica, solo tendríamos que ver la partitura de piano acompañante a ésta, ver la

tonalidad y los acordes que ejecuta el piano, e integrarlo a el ritmo básico de tango, en este

caso, este trabajo es del intérprete que vaya a tocar la guitarra, por regla general, esto para los

guitarristas flamencos, es algo sencillo por muy tedioso que parezca, la base del cajón sería la

misma para todas las piezas de tango flamenco que queramos crear, también se adjunta la

partitura en el apéndice del trabajo.

En segundo lugar, como hemos elegido los tangos flamencos, como ya hemos mencionado

anteriormente, se trata de un palo que va en compás de 4x4 , debido a esto, nuestra partitura

clásica, da igual de qué época sea, debe estar en 4x4, para que pueda cuadrar con el ritmo y la

percusión de los tangos.

Y por último, debemos elegir un poema que nos guste, e ir jugando con él e improvisando,

hasta que veamos que encaja a la perfección con nuestra nueva pieza musical, ésto es

27
relativamente fácil, puesto que el flamenco al ser el cantaor una figura que puede jugar e

improvisar, y además tiene facilidad, por regla general, para hacerlo, no suele haber ningún

tipo de problema, pero si es recomendable un análisis previo del poema, para estar más seguro

a la hora de ejecutarlo.

3.9 Sesiones y ensayos de grabación de la maqueta

En las primeras sesiones, trabajamos desde casa, hicimos una primera lectura de la partitura

clásica, una lluvia de ideas tras la lectura del poema, y nos dedicamos a ir ‘jugando’ con el

tiempo, marcar el ritmo general que queríamos, acortar la pieza musical utilizando ‘Sibelius’ y

a ir escribiendo en un papel todo lo que queríamos que la guitarra y el cajón fuesen haciendo

para posteriormente ponernos de acuerdo con los otros artistas.

También empezamos a hacer propuestas de cómo sería esta fórmula si quisiéramos utilizarla

en otras obras clásicas, y llegamos a muchas propuestas interesantes, de las cuales escogimos

la que pensamos que era la mejor y más coherente con nuestro proyecto.

En las sesiones posteriores, hicimos ensayos previos a la grabación con los músicos, fueron

unas sesiones de investigación, donde tanto ellos como nosotras fuimos aportando ideas y

elementos clave para el resultado final.

Mientras yo con la flauta, iba tocando el fragmento clásico en bucle, la guitarra iba ajustando

con la partitura de piano, los acordes junto con el rasgueo típico de los tangos flamencos, y el

cajón iba al compás, mientras que Lucía, iba intentando encajar el poema de la mejor manera

posible, fue un poco caos hasta que conseguimos coordinarnos a la perfección y fueron unas

sesiones muy productivas y decisivas previa a la grabación.

28
En las últimas sesiones, empezamos grabando los instrumentos por separado, en primer lugar,

grabamos la guitarra, puesto que es el instrumento que va marcando el compás más claramente,

seguidamente, cajón y en tercer lugar sobre este audio de cajón y guitarra, grabamos el audio

de flauta, y ya cuando estos tres elementos estuvieron cuadrados a la perfección y empastados,

cogimos este audio de referencia, para que Lucía en último lugar, grabase la voz cantada del

poema. No fue una sesión fácil, puesto que era bastante complicado y laborioso, utilizamos

Audacity como programa de grabación, y empastar los 4 elementos, no fue tarea fácil pero el

resultado nos gustó muchísimo. Cuando terminamos las sesiones conjuntas con los músicos,

nos dedicamos a escuchar la pieza, cuando ya la habíamos grabado hacía unos días, para que

pudiéramos perfeccionar algún aspecto de ésta, para nuestra sorpresa, cada día que

escuchábamos el audio nos gustaba más y más y así fue como nuestra obra fue creciendo y

decidimos introducir palmas, y otros elementos más simbólicos que se expondrán en la puesta

en escena el día de la exposición.

4. Metodología

La metodología de este trabajo de investigación se caracteriza por ser abierta e integradora,

también por basarse en el análisis a base de datos, siendo el método dedicado a la transmisión

de los datos recogidos u obtenidos en una serie de operaciones con el objetivo de llegar a

conclusiones claras y precisas. Ha sido muy importante contar con una base de datos fiable,

relevante y bien estructurada, ya que nos asegura la fiabilidad de los resultados obtenidos.

Este análisis nos ha llevado a investigar sobre el punto de partida de la sociedad actual con

respecto al arte, al flamenco y los tangos, a la música romántica y más concretamente a Louis

Ganne, y todo ello nos ha ayudado a las conclusiones y resultados finales.

29
 5. Estimación de medios materiales necesarios para la realización

5.1 Instrumentos necesarios

El cajón flamenco es un instrumento de percusión de origen peruano que se ha incorporado al

flamenco. Consiste en una caja de madera con una tapa de madera contrachapada que se utiliza

como superficie de percusión. El cajón flamenco se toca sentado encima de él, y se puede

utilizar para acompañar el cante, el baile y la guitarra flamenca.

El cajón flamenco se ha convertido en un elemento importante en la música flamenca debido a

su sonido característico y su versatilidad. Puede producir diferentes tonos y efectos

dependiendo de cómo se toque y del lugar donde se golpee. Además, es fácil de transportar y

puede ser utilizado en diferentes tipos de presentaciones, desde pequeñas actuaciones hasta

grandes conciertos.

El cajón flamenco ha evolucionado con el tiempo, y se han desarrollado diferentes técnicas y

estilos de tocarlo, lo que ha permitido que se integre de manera natural en el flamenco y se

convierta en una parte importante de su sonido y su identidad.

La guitarra española es un instrumento de cuerda pulsada originario de España. Es un

elemento clave de la música española y es ampliamente utilizado en una variedad de géneros,

incluyendo el flamenco, la música clásica, el pop y el rock.

La guitarra española se compone de una caja de resonancia con forma de ocho y un mástil con

trastes que sostiene seis cuerdas de nylon o acero. Las cuerdas se pulsan con los dedos de la

mano derecha (o izquierda para guitarristas zurdos) y se presionan en los trastes del mástil con

los dedos de la mano izquierda para producir diferentes notas.

La guitarra española tiene una gran importancia cultural e histórica en España y en todo el

mundo. Ha sido utilizada por muchos músicos y compositores famosos, como Andrés Segovia,

30
Paco de Lucía y Vicente Amigo, entre otros. Además, es considerada por muchos como uno

de los instrumentos más hermosos y expresivos que existen, capaz de transmitir emociones y

sentimientos de una manera única y poderosa. Por todas estas razones, la guitarra española es

un símbolo de la cultura española y una parte fundamental de su patrimonio musical.

La flauta travesera, también conocida como flauta transversal, es un instrumento de viento

madera que se utiliza en una amplia variedad de géneros musicales, desde la música clásica

hasta la música popular. La flauta travesera moderna se compone de un tubo de metal largo y

delgado con agujeros en la parte superior y una boquilla en la parte frontal.

La flauta travesera se toca sosteniéndose horizontalmente y soplando en la boquilla,

produciendo un sonido que se modula mediante la apertura y cierre de los agujeros en el tubo

con los dedos de ambas manos. A través de la técnica del vibrato y la articulación de la lengua,

se pueden producir diferentes efectos de sonido y expresiones.

La flauta travesera ha sido utilizada en la música clásica desde hace siglos y es un elemento

clave en muchas piezas orquestales. También se utiliza en la música popular, incluyendo el

jazz, el rock y la música folklórica. Además, la flauta travesera es un instrumento popular en

bandas y grupos de música escolares y universitarios. La flauta travesera es apreciada por su

sonido dulce y expresivo, su facilidad de transporte y su versatilidad en cuanto a la

interpretación de diferentes géneros musicales. Es un instrumento popular entre estudiantes de

música y músicos profesionales por igual.

Las palmas en el flamenco son una técnica percusiva que se realiza con las manos, golpeando

las palmas y los dedos de las manos para crear ritmos y compases. Es una técnica esencial en

el flamenco y se utiliza tanto en el cante (canto) como en el baile flamenco.

31
Las palmas se utilizan para marcar el ritmo y la estructura musical de la pieza, y también para

acompañar al cante y al baile. En el cante, las palmas pueden ser utilizadas como un

acompañamiento rítmico para el cantaor, o para crear una estructura armónica para la canción.

En el baile, las palmas se utilizan para marcar el ritmo y el compás del baile, y para dar énfasis

a ciertos movimientos.

Existen diferentes patrones de palmas en el flamenco, que varían según el compás y el estilo

de la pieza. Por ejemplo, el patrón de palmas utilizado en el compás de bulería es diferente del

patrón utilizado en el compás de soleá.

Las palmas son una parte importante del flamenco y se consideran una forma de arte en sí

mismas. La técnica de las palmas requiere habilidad y práctica, y es una forma de expresión

musical que puede ser apreciada tanto por los músicos como por el público en general.

La voz es uno de los instrumentos más antiguos y versátiles que existen. Es el instrumento que

todos los seres humanos tienen de manera natural y puede ser utilizado en una amplia variedad

de géneros y estilos musicales, desde la ópera y el canto lírico hasta el rock y el pop, pasando

por el jazz, el blues, el hip hop y el flamenco, entre otros.

A diferencia de otros instrumentos, la voz es capaz de transmitir una gran variedad de

emociones y sentimientos de una manera muy directa y personal. La voz puede ser suave y

melancólica, o potente y enérgica, y puede transmitir tanto la alegría como la tristeza, la pasión

y el amor. Además, la voz es capaz de comunicar no solo a través de la letra de la canción, sino

también a través de la interpretación y la expresión emocional.

La voz como instrumento requiere de técnica y entrenamiento para alcanzar su máximo

potencial. Es importante aprender a respirar correctamente, controlar la entonación, la

afinación y la proyección vocal, y desarrollar un buen timbre y resonancia. Los cantantes

32
también deben aprender a cuidar su voz, evitando prácticas que puedan dañar las cuerdas

vocales, como gritar o cantar en exceso sin descanso.

En resumen, la voz es un instrumento musical poderoso y universal que puede comunicar

emociones y sentimientos de una manera muy directa y personal. Es una herramienta de

expresión muy valiosa para los músicos y para cualquier persona que quiera comunicar algo a

través de la música. A su vez, también tenemos que mencionar los medios técnicos que hemos

utilizado para la grabación del proyecto, como son; micro, ordenador, tarjeta de sonido,

programa de grabación ‘Audacity’ y Sibelius.

5.2 Puesta en escena

Para la puesta en escena en clase, utilizaremos algo básico porque queremos resaltar sobre todo

la interpretación y ejecución de la pieza musical.

Contaremos con una silla para la cantaora y a su derecha estará la flauta travesera, en el suelo

habrá hojas secas y cuerda negra que represente la muerte y la decadencia, dada la temática

sombría y oscura del poema, y nosotras iremos de colores vivos como contraste con ese

pesimismo, donde pretendemos darle al ambiente ese rayo de luz a tanta oscuridad, debido al

aire festivo de la música romántica y los tangos flamencos.

En un futuro, si lo interpretamos en un teatro, tendríamos una escenografía, donde se vean

diferentes imágenes de la guerra, el franquismo, la barbarie de la humanidad, alternándolas con

imágenes de los grandes logros del mundo, por ejemplo; una imagen donde se vea un inminente

fusilamiento, y en la imagen siguiente, un gran campo de flores justo en el sitio donde fueron

fusilados, con este contraste queremos reivindicar la gran paradoja de éste mundo, algunas

desgracias son momentos de júbilo y fortuna para otros, mostrar la cara B del mundo y hacer

33
al público sentir incómodos y reflexionar, creemos que podría ser una buena puesta en escena,

una performance.

6. Valoración crítica

Este proyecto en su comienzo, se inició como una idea poco elaborada a la que costó dar forma

y color. El esfuerzo, la constancia y la ayuda recibida tanto por parte de nuestro tutor, como

por parte de otras personas dedicadas al mundo de la música, a la que queremos mencionar y

agradecer enormemente, ha sido fundamental para poder llegar a un resultado sorprendente

para nosotras.

Cuando empezamos a desarrollar la idea, muchos nos decían que cambiáramos el tema, que

era muy difícil de llevar a cabo y muy trabajoso, a día de hoy creemos y afirmamos que ha sido

uno de los proyectos más importantes y bonitos de nuestra vida, ver cómo le hemos ido dando

forma a una creación nuestra, que ha partido desde la mezcla de otras obras ya existentes, el

proceso conjunto de poder cuadrar el poema de Miguel Hernández, y que tantas personas hayan

aplaudido ese trabajo, prácticamente partiendo de nuestra sincera y plena devoción, tanto por

el flamenco, como por la música y el arte en general.

Lo más gratificante, bajo mi punto de vista, es haber podido compartir este proyecto y este fin

de etapa con mi compañera y amiga Lucía, a la que tanto admiro y quiero.

Gran profesional y cantante, que con nuestras cualidades de forma conjunta hemos creado algo

que queremos y esperamos exponer de forma práctica en el futuro.

Esta pieza musical, de la cual hemos elaborado esta fórmula con la que pensamos seguir

trabajando y esperamos que pueda llegar y ayudar a otras personas que lo deseen, nos ha

llevado a plantearnos si es posible un espectáculo de música que fusionado con el flamenco

más antiguo y con poemas de autores reconocidos o no, poder llegar a un público más joven y

34
transmitir valores, enseñanzas, acercar la poesía, y a su vez, dar a conocer obras tan importantes

de la música clásica que ya, por desgracia, casi nadie escucha por voluntad propia.

Hemos podido sacar múltiples conclusiones, de las cuales hablaré en el siguiente apartado, pero

quiero remarcar que tanto mi compañera Lucía como yo hemos aprendido mutuamente la una

de la otra, yo he aprendido muchos valores del flamenco e historia, hasta ahora desconocida

para mí, al igual que Lucía, ha podido ahondar en la música clásica y aprender aspectos más

musicales que no tenía en cuenta hasta el momento.

La fusión ha sido perfecta, y nos ha brindado la oportunidad de conocer ambos mundo de una

forma más directa y bonita, estos cuatro años en la escuela, no han sido fáciles, desde nuestro

comienzo en primero, donde al 5º mes de estar allí, hubo una pandemia mundial que nos hizo

terminar primero y pasar todo segundo en casa teletrabajando, dando danza online, música

online, hasta tercero, donde volvimos a clase, eso sí con mascarillas, haciendo acrobacia y

canto sin casi poder respirar, sin muestras y con la esperanza de que cuarto por fin fuese nuestro

año, donde nos pudiéramos quitar al fin las mascarillas y poder realizar algún taller e ir a teatro,

entendemos que nada es casualidad en esta vida, y por ello, hemos querido cerrar de la mejor

manera posible este último año, con la cabeza bien alta y con la certeza de que esto no es el

final, si no el comienzo de una vida llena de arte, esperanza, lágrimas y sonrisas, y mucha

música.

7. Conclusiones

Durante todo el trabajo, hemos hablado sobre la importancia de la música, el arte, el impacto

positivo que tiene en la sociedad, entonces; ¿Por qué cada vez nos intentan alejar más y más

del arte y de la música, algo natural en nosotros desde tiempos ancestrales y que nos hacen

expresar sentimientos y tener pensamiento crítico? ¿Por qué durante siglos se ha perseguido a

los creadores de arte y en la mayoría de casos han acabado con ellos?

35
Muy fácil, este trabajo, me ha hecho reflexionar sobre el gran desconocimiento general de la

sociedad, y más concretamente en el ambiente artístico, vivimos en modo automático, no toda

la culpa es nuestra, gran parte es del sistema, que nos quiere influenciables, manipulables,

simples números, sin autocrítica, sin capacidad de expresarse, sin capacidad de amar, de sentir

más allá de las emociones básicas del ser humano, sin capacidad para reconocer qué es lo que

está pasando en su alma.

Durante todo el trabajo hemos destacado las grandes diferencias que hay con respecto a los dos

géneros musicales, los tangos flamencos y la música clásica, de una manera formal, pero qué

hay detrás de éstos, no hay algo muy distinto detrás de cada uno de ellos, y son las personas

que lo interpretan, el alma que se pone en cada nota, y el sentimiento empleado.

No puedo solamente sacar una conclusión general de este proyecto, puesto que directa e

indirectamente he sacado muchas otras, tanto sociales como formales.

Me ha hecho reflexionar sobre la complejidad humana, la manera tan extraordinaria que

tenemos de expresarnos, de comunicarnos, de crear, como hace 40000 años, ya necesitábamos

la música como medio de expresión, como comunidad, como tribu, como las personas según

el tipo de música que escuchen, son de una manera u otra, la música es transformadora, y si

este proyecto al menos ha servido para hacer ver esta idea y transmitir este sentimiento de

auxilio al mundo, ya es un gran paso para nosotras.

36
 8. Bibliografía citada

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38
9. Apéndices

39
40
Rasgueo utilizado guitarra tangos flamenco

41
Partitura piano – Andante et Scherzo

42