1

HISTORIA DE LA MÚSICA DE JAZZ

José Ramón Torralva Navarro

BIBLIOGRAFÍA

• BERENDT, J.E. El Jazz: su origen y desarrollo. Fondo de Cultura Económica, 1986.

• TIRRO, F. Historia del Jazz Clásico. Historia del Jazz Moderno. Barcelona: Ma non
Troppo, 2001.
• GIOIA, T. Historia del Jazz. Madrid: Taurus, 2002.
• GIOIA, T. El canon del jazz. Los 250 temas imprescindibles. Madrid: Turner
Publicaciones 2013.
• GIOIA, T. Cómo escuchar Jazz. Madrid: Turner Publicaciones 2017.
• CARR, R. Un siglo de jazz. Barcelona: Blume, 1988.
• GOIALDE P. Historia de la Música de Jazz (I). De los orígenes a la era del swing.
San Sebastián: Musikene 2009.
• GOIALDE P. Historia de la Música de Jazz (II). La diversidad estilística a partir del
bebop (1940-1965). San Sebastián: Musikene 2009.
• GOIALDE P. Historia de la Música de Jazz (III). San Sebastián: Musikene 2009.

DOCUMENTALES

- Jazz: La Historia (Por Ken Burns): 13 capítulos.

 2

1. ORÍGENES Y EVOLUCIÓN DEL JAZZ

Orígenes y contexto social de los géneros precursores del Jazz. El Dixieland, y el
Chicago Jazz Style. Las Big Bands. La época del Swing.

NUEVA ORLEANS:
 3

- 1718: es fundada por Francia dentro del estado de Louisiana (bajo el control
francés desde 1682).
- 1764: es cedida por Francia a España.
- 1800: Napoleón fuerza la devolución a Francia.
- 1803: pasa a EE.UU. por la compra de Louisiana.
- 1817: se establece Congo Square como lugar oficial para las danzas de los
esclavos (gran ejemplo de tolerancia). Otros estados (Carolina del Norte,
Georgia) habían prohibido el uso de tambores e instrumentos de gran resonancia
(peligrosos en una rebelión).
 4

- Habitantes blancos: papel decisivo de los colonos franceses y españoles, y en

menor medida, alemanes, eslavos, italianos, ingleses, irlandeses y escoceses.
Jelly Roll Morton: “si no se consigue poner dejos españoles en las melodías
nunca se tendrá lo que yo llamo el aliño adecuado para el jazz”

- Habitantes negros (primer caso documentado: Jamestown 1619) traídos

directamente desde África (400.000 hasta 1807, la mayoría del África
Occidental), pasando por el Caribe, y nacidos en América. Diferentes culturas e
idiomas.
- 1808: 6000 refugiados de la revolución haitiana (blancos y negros) llegan a
Louisiana tras ser expulsados de Cuba.
- Variedad étnica: europeos, caribeños, africanos y norteamericanos.

Características de la música africana que influyen en el Jazz:

- Patrón de llamada y respuesta (integración social / estructura musical).

- Integración de la ejecución musical en el tejido social (unión de arte y
necesidades sociales).

- Relación entre música y danza.

- Empleo de instrumentos para la imitación de la
voz humana, extensible hasta los instrumentos
de percusión (Kalungu: talking drum).
- Importancia de la improvisación.
- Elaborada riqueza rítmica: uso de polirritmias.

Creación de instrumentos musicales por los esclavos:

- Voz y palmas.
- Huesos de animales: costillas de ovejas, quijadas de vaca o mula, cuernos de
búfalo.
- Utensilios de labranza y de cocina.
- Troncos de árboles y pieles de animales.
- Tablas de madera.
 5

GÉNEROS PRECURSORES

El Blues

El country blues (blues rural, blues sureño, folk blues, blues del delta).

- Características:
• Se utilizaban guitarras e instrumentos caseros (cucharas, botellas, tablas
de lavar).
• Letras con contenido duro: se ensalza la tragedia de la vida.
• Escalas pentatónicas y diatónicas
• Flexibilidad en la afinación.
• Gran variedad de ornamentación.
• Importancia del componente rítmico.
• Los músicos empiezan por primera vez a ser respetados por las
comunidades negra y blanca, y ganan un dinero aceptable.
- Orígenes: S. XIX.
- Primeras grabaciones: a partir de los años veinte del S.XX: Robert Johnson,
Blind Lemon Jefferson, Charlie Patton, Son House y Huddie Better (Leadbelly),
entre otros.

Robert Johnson (08-05-1911/18-08-1938)

- El músico más conocido de blues del

delta del Misissippi.
- Música casi desconocida en su tiempo:
únicas grabaciones realizadas en un
hotel (noviembre de 1936 y junio de
1937).
- “Terraplane blues”: único tema que
logró ventas interesantes en vida.
https://youtu.be/It-tJ8DOjIk
- Tras su muerte, su fama crece
progresivamente:
 6

“Love in Vain” https://youtu.be/07T3h0b93Rg

“Helhound on my trail” https://youtu.be/OHAIgpih86E
- Influencias de su obra:
• Letras atemporales: amor no correspondido, viajes, caprichos del destino.
• Riqueza rítmica con la guitarra.
• Autenticidad en su forma de cantar.

Artistas predecesores:

Charlie Patton (1881-1934).

- Grabaciones de finales de los años veinte.

- Fama considerable en el delta del Mississippi.
- Influencia en otros bluesmen: Willie Brown,
Tommy Johnson y Son House (mentor de Robert
Johnson).
- Numerosas acotaciones habladas.
- Creatividad en el diálogo entre la voz y la guitarra.
- Variedad de estilo en sus grabaciones.

“Pony Blues” https://youtu.be/zoKKJjf-oQA

“Shake it and break it” https://youtu.be/ChDGJ5srjhY
“Prayer of death” https://youtu.be/GDQB5k93Avk
 7

Otros bluesmen fuera del delta del Mississipi:

Blind Lemon Jefferson (Texas, 1897 / Chicago, diciembre 1929)

- Nace ciego.
- Primeras grabaciones mediados de años
veinte.
- Sobrio estilo de guitarra con abundantes riffs.
- Su voz podía alcanzar tonos bastante agudos
(rasgo característico del blues de Texas).

- También graba música religiosa.
- En 1927 graba una de sus canciones más famosa:
“Black snake moan” https://youtu.be/h3yd-c91ww8

Leadbelly (Louisiana, enero 1888/06-12-1949)

- En 1917 conoce a Blind Lemon Jefferson. Le

influencia notablemente.
- Primeras grabaciones mediados años treinta
(trabajo de campo de John y Alan Lomax).
1933).

- Al final de su vida actuó muy

a menudo en Nueva York.
- Su fama crece con su muerte:
“Irene” (“Goodnight Irene”) https://youtu.be/1NfPdu1sl4A
“ The Bourguevis Blues” 1938. https://youtu.be/Dk6Y9uIwiMI

El blues clásico (blues urbano).

- Es el nexo de unión entre la música folclórica y el mundo del espectáculo.

- Tuvo su auge en los años veinte, sobre todo en Chicago y Nueva York.
- Toma progresivamente elementos del jazz, de los minstrel shows, del circo, de
los espectáculos de variedades y otras músicas ambulantes.
- Dominado por cantantes femeninas.
 8

- Cambian los contenidos de las letras (visión femenina del mundo): diferencia
entre sexos, amor no correspondido, maltrato en el amor.
- Los lugares de representación pasan de las calles y tabernas a teatros, carpas, o
salones de actos.
- Espectacular crecimiento del mercado de las grabaciones (primer disco de
Mamie Smith supera el millón de copias en un año).
- Aumentan las compañías que invierten en estas grabaciones (en 1926 se realizan
más de 300 grabaciones de blues y góspel en EE.UU.). Se envían cazatalentos.

Gertrude “Ma” Rainey (Georgia, 26-04-1886 / 22-12-1939).

- Perteneció, junto a su marido, a un espectáculo

de minstrels itinerante.
- Grabó bastante a mediados de los años veinte:
Louis Armstrong y Coleman Hawkins
(contraste con el blues rural).
- Su música llega a ser un producto comercial
para masas: entretiene, incorpora el humor.
- Su carrera se viene abajo con el derrumbe
económico de los años 30.
- Se retira en 1935 a Georgia y participa
activamente en la iglesia baptista hasta su
muerte.

- Características de su forma de cantar:

• Entonación limpia.
• Modo directo y declamatorio de reproducir las letras.
• Seguridad rítmica.
“Yonder come the blues” 1926 https://youtu.be/lzf8-tTAZvs
 9

Bessie Smith (Tennessee 15-04-1894 / 26-09-1937) “La emperatriz del blues”.

- Protegida de Ma Rainey.
- La artista más importante del blues clásico.
- A los 9 años comienza a cantar y bailar en la calle.
- En su adolescencia forma parte del espectáculo de
Ma Rainey.
- Entra a formar parte de un circuito teatral, donde
explotaban a los artistas de color.
- En 1923 graba “Down Hearted” (más de medio
millón de copias en unos meses): lanzamiento a la
fama https://youtu.be/4Ob_sW2_2Zw

- Fuertes vínculos con el jazz: grabaciones con Louis Armstrong, Benny

Goodman, Coleman Hawkins, James P. Johnson, Jack Teagarden, Fletcher
Henderson.
- Su carrera entra en declive: crisis discográfica de los años treinta y nuevos
gustos por los grandes conjuntos de jazz.
- 1937 muere en accidente de circulación en una gira por el profundo sur.
- Características de su forma de cantar:
• Variedad melódica y gran dominio de la afinación.
• Gran volumen de voz.
• Gran presencia escénica.
 10

DIFERENCIAS ENTRE EL BLUES RURAL Y EL BLUES URBANO

 11

Ragtime.

- El término proviene de la expresión ragged time (tiempo roto).

- Antes de que apareciera la palabra ragtime escrita en una partitura, al piano de
estilo rag (sincopado) se le denominaba “gig piano”, y a las orquestas “gig
bands”.
- Primera música negra que consigue popularidad y distribución comercial.
- Influye en compositores clásicos: Charles Ives, Debussy, Satie, Stravinsky,
Milauh, Hindemith, etc…
- Su papel en la formación del jazz primigenio es fundamental.
- Sutil diferencia entre Ragtime y Jazz de nueva Orleans (Jelly Roll Morton: “Fats
Waler y Art Tatum son pianistas de ragtime de un tipo muy fino”.
- Se trataba de una música "compuesta", no improvisada, y tenía muchos
elementos de la tradición musical clásica europea (música blanca tocada a la
negra).
- Técnicas de teclados: mano izquierda, bajo (tiempos 1 y 3, registro grave) y
acordes (tiempos 2 y 4, registro intermedio). Mano derecha, líneas melódicas
sincopadas (registro agudo).
- Aunque desde mucho antes se tocaban rags en los espectáculos de minstrel, la
primera partitura de ragtime se publicó el 27 de enero de 1897, compuesta por el
músico blanco William H. Krell: “Mississippi Rag” (director de orquesta de
Chicago: solía actuar por la zona del Mississippi).

https://youtu.be/VCFL_6mpslk
- Tres días más tarde se publica “Ragtime March” (Warren Beebe).
https://youtu.be/RoEo0CZiY8w
- Un mes más tarde se publica “Ragtime Patrol” (R. J. Hamilton).
https://youtu.be/ar5pCRF5CKs
- El 17 de diciembre de 1897 Tom Turpin se convierte en el primer compositor
negro que publica un ragtime: “Harlem Rag”.
https://youtu.be/sP7oFkyfvG8
- 1897 se publica el primer método de Ragtime: Rag Time Instructor, Ben
Herney.
 12

- Desprestigio musical por diversos críticos: revista Metronome, “los días del
ragtime están contados”, “lamentamos que alguien se le pudiese ocurrir que el
ragtime tuviese la más mínima importancia musical. Fue una oleada popular en
la dirección equivocada”.
- La Federación de Músicos Americanos ordena a sus miembros que no toquen
Ragtime: “los músicos sabemos lo que es bueno, y si la gente no lo sabe
tendremos que enseñarles”.
- Uso excesivo y erróneo del término Ragtime (similar al de Blues).
- Forma más común: AABBACCDD (4 temas de 16 compases), con modulación
hacia una tonalidad diferente.
- Desarrolla las diferentes posibilidades y recursos de la armonía funcional:
acordes diatónicos, dominantes secundarios y por extensión, intercambios
modales, disminuidos de paso y acordes cromáticos.
- La mayoría están en modo mayor, salvo raras exepciones (partes en modo
menor).
- Alcanza su máxima expresión en composiciones para piano solo (popularidad
del piano: 1909 record en producción de pianos y en piezas de Ragtime).
- La producción de pianolas llega a ser la mitad de la producción total de pianos.
- Alcanza su cenit en Missouri (Sedalia, Charthage, St. Louis).

- John Stark fue el editor más importante de rags.

 13

Tom Turpin (1873-1922)

- Nació en Georgia y creció en St.

Louis (Missouri).
- Pianista autodidacta.
- Tuvo una taberna junto a su hermano
que llegó a convertirse en un centro de
Rag (Rosebud).

“Bowery Buck” (1889) https://youtu.be/WW_ucTesgiI

“Rag-time Nightmare” (1900) https://youtu.be/aF7mx2uEsMQ
“St. Louis Rag” (1903) https://youtu.be/CkKEoSSa_4Y
“Buffalo Rag” (1904) https://youtu.be/8zMLg-TWrvI

Las tres figuras más importantes del ragtime son: Scott Joplin (1868-1917), James Scott
(1886-1938) y Joseph Lamb (1887-1960).

Scott Joplin (Texas 24-11-1868 / 01-04-1917):

- Es el más famoso. Compuso más de 600 rags.

- Su padre tocaba el violín, y su madre cantaba y
tocaba el banjo.
- Destaca tocando el piano desde pequeño.
- En su adolescencia ya es pianista profesional
reputado: toca en clubes, iglesias, reuniones
sociales (entres Texas y Arkansas).

- Fue profesor de música, cantó en un quinteto vocal y comenzó a componer.

- A mediado de los años 80 se traslada a St. Louis: toca como solista y con
bandas.
- En 1893 vistita la Exposición Colombina Universal de Chicago (gran influencia
 14

al escuchar tocar Ragtime).

- A mediados de los años 90 se traslada a Sedalia: comienza a estudiar armonía y
composición.
- Sobre 1897 escribe “Maple Leaf Rag” (tarda dos años en publicarse, 1899):
pieza de ragtime más famosa de la época (primera partitura que vende más de un
millón de copias) https://youtu.be/pMAtL7n_-rc
- Llega a dominar amplia variedad de técnicas compositivas:
“Bethena” (1905) https://youtu.be/SskkUtimyLI
“The Ragtime Dance” (1906) https://youtu.be/unGmMmD8kPQ
“Pine Apple Rag” (1908) https://youtu.be/3-PtpGBmr5E
“Solace” (1909) https://youtu.be/KgQiSiA4psE
“Stoptime Rag” (1910) https://youtu.be/rpPrsiFpCms
“Scott Joplin´s New Rag” (1012) https://youtu.be/C0vGk5MzVFI
“Magnetic Rag” (1914) https://youtu.be/p4zj6nIPPXc
- Huye de los tempos rápidos y del virtuosismo a favor de la calidad compositiva
y la belleza melódica.
- Compuso dos óperas, un ballet y otras grandes obras (eleva al ragtime como
estilo musical serio):
“Guest of Honor” 1903 (se perdió): fiel al estilo ragtime.
“Treemonisha” (profundiza en la música folclórica negra anterior al ragtime
usando los recursos de la ópera europea). Problemas por la dimensión de la obra
y con el apoyo económico y de público). En 1915 la representa (única vez) en
una sala de Harlem, sin suficientes ensayos, sin decorados y sin orquesta (tocó él
el piano). Tuvo escaso éxito.
- En otoño de 1916 es ingresado en un hospital y muere al año siguiente.
- Su obra no fue reconocida y valorada como se merece hasta la aparición en los
años cincuenta del libro They All Played Ragtime (Historia de la música
americana) y el revival del ragtime en los años sesenta.
- A mediados de los años setenta su música alcanza ventas similares a las estrellas
del rock (The Entertainer) https://youtu.be/fPmruHc4S9Q
- Su ópera “Treemonisha” es representada y grabada más de 70 años después de
su desastroso estreno. Scott Joplin recibe el premio Pulitzer póstumo.
- Su afán por combinar la cultura popular con la intelectual, la música culta y la
comercial, y la polirritmia africana con el formalismo académico europeo,
 15

define el camino para los posteriores artistas y compositores de jazz.

James Scott (Missouri, 1886-1938)

- Prácticamente autodidacta recibió clases para

aprender a leer música y perfeccionar su
técnica de piano.
- A los 17 años publicó su primer ragtime: “A
summer Breeze”.
https://youtu.be/OM4Cee9v9U0

- Conoce a Scott Joplin en St. Louis, a donde se traslada sobre 1914: trabaja como
profesor de piano y más tarde como organista y arreglista musical.
- En 1919 se muda a Kansas City: sigue trabajando de profesor y lidera una
orquesta de ocho músicos.
- En 1922 publica “Broadway Rag” https://youtu.be/pZe-UOUxa14
- Características de su música:
- Se mantuvo fiel a las estructuras, patrones armónicos y diseño de las melodías
del ragtime clásico, creando obras de calidad.
- En ocasiones comenzaba sus rags en modo menor, para normalmente, modular
al modo mayor en el segundo tema.
- Las terceras paralelas eran uno de sus principales recursos.

Josehp Lamb (New Jersey, 1887-1960)

- Músico de raza blaca.

- Compositor y pianista autodidacta, aunque
dos de sus hermanas eran pianistas clásicas
- Compuso rags dentro de la mejor tradición
negra.
- Estuvo a punto de estudiar ingeniería.
- Conoce a Scott Joplin en 1907 (antes no
conocía nada de la cultura y música negra),

pero anteriormente había compuesto unos cuantos rags. La prestó ayuda y apoyo
a lo largo de su carrera.
 16

- En 1908 edita su primer rag, con Joplin como arreglista:

“Sensation Rag” https://youtu.be/A_VlghFmsfs
- Hubo una teoría: su nombre era un seudónimo de Scott Joplin (calidad de sus
obras).
- Durante mucho tiempo se pensó que era de raza negra (lo descubrieron 30 años
después, estando ya retirado de la música y trabajando en una empresa de
importación).
- En sus últimos años, volvió a componer y a grabar.
- También compuso canciones.
- Para sus composiciones tomó prestado y transformó material de otras
composiciones y por otra parte, creó formas musicales nuevas.
- Sus rags no tienen una síncopa tan consistente y marcada:
“Etiopía rag” https://youtu.be/x1syJ0cls3E
“Beauty Rag” https://youtu.be/4l1EMlNT9TM
“Patricia Rag” https://youtu.be/qrQe5xD7n3I
“Excelsor Rag” (1909) https://youtu.be/pLiqQ_UAX4I

Otros artistas:

• Scott Hyden (1882-1915)

• Arthur Marshall (1881-1956)
• Louis Chauvin (1883-1908)

 17

Los Espirituales Negros y el Gospel

- Góspel es un término referido a los himnos religiosos populares modernos desde

comienzo del siglo XX. Es una música de autor y escrita, y en cierta manera
sustituye a los espirituales negros (anónimos y de transmisión oral): canciones
populares colectivas de temática religiosa de los negros americanos, diferentes
de los salmos e himnos tradicionales de la liturgia protestante blanca.
“Roll, Jordan, Roll”
https://youtu.be/qHOLC8L07HY
- Afinación aproximada de determinados grados de la escala mayor
(fundamentalmente el 3º y el 7º): dudas de los primeros editores a la hora de
escribir las melodías.
- Uso extendido del recurso pregunta-respuesta.
- El ritmo lo conforman dos elementos diferenciados:

• Base marcada con palmas y golpes de pies en el suelo.

• Melodía más libre y sincopada.
Proviene de la tradición africana, y también está presente en los antiguos work
songs y posteriormente en el ragtime.
- Posteriormente, en el gospel, se incluye la sección rítmica. Actualmente se
emplea el órgano y las guitarras eléctricas y se suele acompañar de baile.
- El sermón forma parte de la música, el predicador es el showman que anima a la
gente a participar.
- Música diatónica ( I-IV-V, acordes disminuidos de paso, raramente modula).
- Frecuente inversión de acordes, para dar más juego armónico.
 18

Nueva Orleans

- En 1803 se levantan las restricciones comerciales por el Mississipi (compra de

EE.UU.). Periodo de prosperidad (50 años): gran aumento de la población,
puesta en servicio del primer barco de vapor (New Orleans).
- Aumenta considerablemente la actividad comercial en el puerto.
- Venta de algodón principal medio de ingresos (casi la mitad del total). En menor
medida: cereales, azúcar, melaza, tabaco y manufacturas.
- No se tratan las aguas residuales hasta 1892.
- Esperanza de vida de los negros era 36 años.
- Gran mortalidad infantil.
- Fascinación por las celebraciones, desfiles y fiestas (desfiles fúnebres).
- Último tercio del siglo XIX: el ferrocarril sustituye gradualmente al barco de
vapor.
- Surgen focos comerciales por todas partes (Nueva Orleans pierde importancia
como puerta del comercio fluvial).
- Declive económico (corrupción política crónica): insolvencia económica.
- Ciudad en decadencia cuando surge el Jazz.
- 1897: inauguración de Storyville (1 de octubre).
- 1917: cierre de Storyville (12 de noviembre).
- Dudas sobre el origen del jazz en este lugar: Buddy Bolden no tocó en burdeles.
La mayoría de los músicos de la época no conocían el nombre del barrio. A
menudo se usaban pianolas en los burdeles.
- En la primera década del siglo veinte había en Nueva Orleans casi treinta
orquestas en activo (tenía poco más de 200.000 habitantes).

Características de su música:

- Desde su origen hasta mediados de los años veinte (Louis Armstrong)

fundamentalmente de expresión colectiva (mezcla de solos y acompañamiento).
Comparar grabaciones de King Oliver de 1923 (˝Dipper Mouth Blues˝
https://youtu.be/o41DMsV5MFA) con las de 1928 (˝West End Blues˝
https://youtu.be/JtTg_zLX6ZI ), con Armstrong.
 19

- Abundantes contrapuntos entre las distintas voces. Trompeta: melodía (registro

medio), trombón: acompañamiento y apoyos (registro grave), clarinete: adornos
y contramelodías (registro agudo). El resto: soporte rítmico.

Influencias en el nacimiento del jazz de Nueva Orleans :

- Música de los burdeles.

- Música de las iglesias.
- Música de fiestas y celebraciones: cenas particulares al aire libre (tríos de
cuerda: mandolina, guitarra y contrabajo, o añadiendo banjo y violín).
Conciertos de numerosas bandas de instrumentación variada, fiestas al aire libre,
en establos, parques, actuaciones en los barcos de vapor, en algunos trenes,
restaurantes y salones de actos, desfiles, pasacalles, pruebas deportivas, Mardi
Gras y Semana Santa.
- Música de las bandas de metales: gran cantidad tras el final de la guerra civil
(1861-65): Excelsior Brass Band, Onward Brass Band (formadas en la década de
1880). Repertorios variados: música de conciertos, marchas, cuadrillas, polcas,
mazurcas, pasobobles, etc. Según Baby Dodds once o doce músicos máximo.
- Música europea: conciertos, óperas y dramas musicales. Apertura de grandes
teatros (el primero en 1792) durante la primera mitad del siglo XIX. Influencia
de los criollos: descendientes de españoles y franceses nacidos en América y
descendientes de esclavas negras y sus amos (black crioles): ciertos privilegios
que casi desaparecen a final del siglo XIX. Músicos criollos mejor instruidos,
conocimiento de solfeo y música clásica. Al finales del siglo XIX, la banda
criolla de John Robichaux representan lo mejor del viejo estilo de Nueva
Orleans.
- El enfoque sobre estas nuevas tendencias es recogido por Buddy Bolden.
 20

Buddy Bolden (1877-1931)

- Primer músico de jazz.

- No hay grabaciones. Solo
existen dos fotografías.
- Primera referencia escrita
sobre su música: 1933.
- Única fuente de información:
testimonios personales.

- Nace en plena decadencia económica de Nueva Orleans.

- Comienza a tocar la corneta a mediados de los noventa, recibiendo clases de un
vecino.
- Se relaciona con la música a través de los acontecimientos sociales, la escuela y
la iglesia.
- Comenzó a tocar en público en conjuntos de cuerda que amenizaban los bailes y
fiestas, no en bandas de metal.
- Crea su propia banda (Buddy Bolden´s Ragtime Band), la cual cambió mucho de
formación, aunque tendió a usar más los instrumentos de viento en detrimento
de las cuerdas:
• Corneta.
• Trombón de pistones.
• Dos clarinetes.
• Guitarra.
• Contrabajo.
• Batería (testimonios personales).
- Su música (más ruda) contrasta con la de los grupos criollos (más tradicional:
valses, marchas) de Nueva Orleans: intentan desprestigiar el nuevo estilo,
aunque al público le atrae, sobre todo a los jóvenes.
Forzó los límites compositivos como ningún artista del momento (letras
mordaces, reflejo de la vida de los jóvenes negros de su época), convirtiendo su
música en casi prohibida.
 21

- Su carrera musical dura poco. En 1906 su forma de tocar se encontraba en

declive (alcoholismo e inestabilidad mental).
- Tras varias detenciones es declarado oficialmente demente y encerrado en un
manicomio (24 años) hasta su muerte (esquizofrenia acusada).
- Dudas sobre su figura:
• Fue la figura central?, o uno de muchos.
• Fue su música una variante del Ragtime ?
- Crea los cimientos que sustentan la creación y evolución del jazz por parte de los
músicos posteriores.

Poco a poco se van superando las barreras raciales existentes en Nueva Orleans a
comienzos del siglo XX :
• Músicos negros: Bunk Johnson, King Oliver, Louis Armstrong.
• Músicos Criollos: Sidney Bechet, Jelly Roll Morton, Kid Ory, Freddie
Keppard.
• Músicos blancos: Papa Jack Line, Nick LaRoca.

 22

Freddie Keppard (1890-1933)

- Considerado el sucesor de Bolden.

- Lideró algunas de las formaciones más famosas de
Nueva Orleans : Olympia Orchestra (1906), Original
Creole Orchestra.
- Abandona Nueva Orleans en 1911. No quiso grabar
su música.
- En 1923 graba un disco. Problemas de salud.

Bunk Johnson (1889-1949)

- Fue el segundo corneta de la banda de

Buddy Bolden.
- Tocó en diferentes agrupaciones hasta
1914.
- Grabó por primera vez en 1942.

Joe (King) Oliver (Nueva Orleans, 1885-1938)

- Fue un músico innovador.

- En 1907 ingresó en la Melrose Brass
Band. También tocó en La Olympia
Band, la Eagle Brass Band, la Ward
Brass Band y la Magnolia Brass Band,
todas de Nueva Orleans (gran influencia
en Oliver):

˝High Society˝ https://youtu.be/rvw0a_2uezE

˝Snake Rag˝ https://youtu.be/Nklm3JoAh3o

- Fue líder de la Criole Jazz Band, fundada por él en 1915: actuaron en Chicago
y en California.
 23

• Johnny Dodds (clarinete).

• Baby Dodds (batería).
• Louis Armstrong (corneta).
• Lil Hardin (piano).
• Honore Dutrey (trombón).
• Johnny St. Cyr (banjo).
- En 1918 abandona Nueva Orleans: actúan en Chicago y en California.
- A mediados de 1924 la Criole Band se disuelven (los principales músicos se
marchan).
- En su última etapa graba con los Dixie Syncopators tratando de adaptarse a las
nuevas tendencias musicales (big bands): añade 2 o 3 saxofones y hace arreglos
más concretos (críticas por alejarse de la esencia del estilo de Nueva Orleans).
- Su forma de tocar fue deteriorándose progresivamente (problemas con la
embocadura) hasta ser incapaz de tocar a mediados de los años treinta.
- Cuando su fama desapareció, tuvo que trabajar de conserje o de vendedor
ambulante.
- Murió en el umbral de la pobreza en Gerorgia. Posteriormente su hermana envía
el cuerpo a Nueva York.
- Su huella perdura en el tiempo a través de Louis Armstrong.
- Concebía su música como creación colectiva donde los instrumentos son
interdependientes y ninguno debía destacar.
˝Dippermounth Blues˝ (1923) https://youtu.be/o41DMsV5MFA

Jelly Roll Morton (Nueva Orleans, 20-10-1890, Los Ángeles, 10-07-1941 )

- El máximo compositor de jazz de

Nueva Orleans.
- “Yo inventé el Jazz en 1902”,
“creador del Ragtime”.

- Entrevistas personales y grabaciones de Alan Lomax para la Biblioteca del

Congreso (fuentes de información serias y precisas sobre el primer jazz,
 24

confirmadas por estudiosos e investigadores). En sus declaraciones comenta

aspectos muy concretos:
• Dinámica.
• Vibrato.
• Construcción melódica.
• Empleo de los breaks.
• Esencia de la música latina.
- Por otro lado, se considera muy ambiguo en sus datos bibliográficos: adelantó 5
años su fecha de nacimiento, decía que era descendiente de franceses y
cambiaba su nombre: “toda mi familia vino directamente de Francia”
- Uno de los primeros músicos que se alejaron de las restricciones compositivas
del ragtime, estando a medio camino entre sus rígidas estructuras y la
improvisación del jazz. Es el primer pianista de jazz conocido que hizo
improvisaciones sobre los temas (casi todos suyos).
- Creció en un ambiente criollo alejado y opuesto a la cultura negra de Nueva
Orleans.
- Buena parte de su aprendizaje fue en los burdeles de Storyville (sobre todo en
los de los blancos).
- Le gustaba relacionarse con toda clase de personajes de los bajos fondos,
llegando a participar en algunos de sus negocios.
- Viajó por gran parte de los EE.UU. , Alaska, Canadá y México.
- A su vuelta a Chicago realizó más de 100 grabaciones y creó los Red Hot
Peppers (grabaron en Chicago y en EE.UU.).

• Kid Ory (trombón).

• Johnny St. Cyr (banjo).
• George Mitchell (corneta).
• Omer Simeon (clarinete).
• John Lindsay (contrabajo).
• Andrew Hilaire (batería).

- Su calidad como compositor es indiscutible, dominando la interacción de
conjunto. Sacaba el máximo partido a sus músicos.
 25

“El mejor compositor de canciones hot del mundo”.

- Hacía un gran uso del stop-time.
˝Sidewalk Blues˝ 1926
https://youtu.be/o6RH6k2yRq8
• Usa tres clarinetes para partes determinadas (recurso sorprendente).
˝Black Bottom Stomp˝ 1926
https://youtu.be/lcgIrAyNGGM
• La banda deja de tocar a mitad de la pieza y se queda el piano solo por
un momento.
- En 1923 grabó con los New Orleans Rhythm Kings.
- En 1924 grabó otra sesión a dúo con King Oliver.
- En 1927 grabó una sesión en trío, con los hermanos Johnny y Baby Dodds.
- Realizó muchas grabaciones como solista.
- La depresión económica de los años treinta y los nuevos gustos de la era del
swing interrumpió su carrera discográfica (argumentaba que era un conspiración
de la industria musical, o que la causa era una maldición vudú). En ocho años
solo hizo una grabación.
- A mediados de los años treinta se estableció en Washington y abrió un club (fue
un fracaso).
- En 1938 consigue volver a grabar (envía una carta a la revista Down Beat y
otros destinatarios influyentes declarándose creador de muchas innovaciones).
• Las grabaciones de Alan Lomax le dieron mucho prestigio, y son uno de
los documentos más interesantes de la historia del jazz (también canta).
• Aprovecha el nuevo interés de las discográficas y realiza una serie de
grabaciones recogidas con el nombre de New Orlens Memories, donde
también canta.
- A finales de 1940 se trasladó a California, trabajando esporádicamente como
músico hasta su muerte, el 10 de julio de 1941.
 26

La era del Jazz (la era del solista)

Louis Armstrong (04-08-1901/1971)

- Es el trompetista más importante de Nueva

Orleans.
- Con 12 años fue internado en el Hogar para
niños de color (18 meses). Tocó varios
instrumentos.

- Aumentan las oportunidades para tocar (los músicos de metal más veteranos se
marchan de Nueva Orleans): toca con los Brown Skinned Babies (Kid Ory),
sustituyendo a Oliver, la Silver Leal Band (San Dutrey, Clarinete), la Banda
Fluvial (Fate Marable, piano), y la Tuxedo Brass Band (Papa Celestin).

- A comienzo de los años veinte entra a formar parte de la King Oliver Creole
Jazz Band: pule su talento en un grupo donde apenas hacen solos. Su sonido
más potente y su habilidad técnica le hacen destacar:
“Mabel’s Dream”
https://youtu.be/CKCJHzWi7Ho
“Froggie Moore”
https://youtu.be/qlhNDaP_ZFI
- Se traslada a Nueva York y toca en la Banda de Fletcher Henderson. Continúa
desarrollando un nuevo y más moderno concepto de la improvisación:
• ˝Shanghai Shuffle˝, ocubre de 1924.
https://youtu.be/8cGiJqkvBGU
• ˝Copenhagen˝, diciembre de 1924.
https://youtu.be/0a8coFD20Qk
• ˝I´ll see you in my dreams˝, enero de1925.
https://youtu.be/PezWODc9d5A

- A comienzos de 1925 toca en la Clarence William Blue Five (con Sidney

Bechet al clarinete).
 27

- A finales de 1925 abandona la banda de Henderson y regresa a Chicago para

tocar con la nueva banda de Lil Hardin.
- En noviembre de 1925 comienza a grabar las sesiones de Los Hot Five y los
Hot Seven (unas de las más importantes de la historia del jazz), grupos creados
exclusivamente para realizar estas grabaciones (nunca tocaron fuera del estudio).

• Hot five:
ü La instrumentación y repertorio mantiene el estilo de Nueva
Orleans :
Ø Lil Hardin (piano).
Ø Johnny Dodds (clarinete).
Ø Kid Ory (trombón).
Ø Johnny St. Cyr (banjo).
ü La lineas melódicas de la corneta dominan desde el comienzo :
˝My Heart˝ https://youtu.be/fzXEQkc1u9c
˝Cut Bucket Blues˝ https://youtu.be/cgh2GSW8Kws
ü En febrero de 1926 graba como vocalista (estilo muy personal y
crea el scat singing).
˝Hebbie Jeebies˝ https://youtu.be/ksmGt2U-xTE
Gran dominio de las Stop-time.
˝Oriental Strut˝ https://youtu.be/lIAOvGyHcPo
˝Cornet Chop Suey˝ https://youtu.be/VM8532LVB44
ü Las siguientes sesiones (junio y septiembre de 1926) demuestran
un mayor dominio del sonido y el fraseo, y más fluidez en los
registros agudos.

• Hot Seven:
ü En 1927 graba las primeras sesiones (ampliación de la sección
rítmica: Babby Dodds (batería) y Pete Briggs (tuba).
ü Comienza a desaparecer el típico contrapunto del estilo de Nueva
Orleans (más centrada en los solos).
˝Wild Man Blues˝ https://youtu.be/xO3k-S_pqK4
ü Johnny Doods demuestra su evolución como solista
˝Willie the Weeper˝ https://youtu.be/xsmw_vJcMyU
 28

ü La grabación más memorable de estas sesiones es

˝Potatos Head Blues˝ https://youtu.be/AeBn_TZ4Iak
Stop-time virtuosos, fraseo, control de sonido y seguro sentido
del compás.

- En junio de 1928 vuelve a grabar con los Hot Five con Earl Hines al piano
(comienzan a tocar juntos en la banda del violinista Caroll Dickerson y llegan a
dirigir una sala de baile juntos).
˝West End Blues˝ https://youtu.be/pXHdqTVC3cA
- Meses después graban un dúo :
˝Weather Bird˝ (refleja el dominio del nuevo vocabulario musical de Chicago).
https://youtu.be/hyb_wr40pog
Comparar con ˝King Porter Stomp˝ de 1924 de King Oliver y Jelly Roll Morton.
https://youtu.be/hzMpshO6DyY
Morton se mantiene con el ritmo típico de Ragtime y Oliver se aleja muy poco
de la melodía escrita.

 29

- Al final de la década aumentan sus grabaciones como cantante, sobre todo

dentro de los márgenes más limitados de la música comercial.
˝I can´t give you anything but love˝, 1929 (canta muy por detrás del tempo y
alejado de la melodía). https://youtu.be/WOLWJUXWDz8
- En 1929 graba con los Hot Chocolates, definiendo el esquema de exposición de
la melodía en la trompeta, parte cantada y solo de trompeta.
˝Shine˝ https://youtu.be/m05PwH4i7SI
- Realiza varias grabaciones de temas de gran popularidad, aunque apartándose de
las versiones originales.
˝Star Dust˝ https://youtu.be/WIE6U6Lrtrc
˝Body and Soul˝ https://youtu.be/YpGZBr-RYK8
- En 1932 realizó su primera gira por Europa, (causó admiración y recelo a partes
iguales), repitiendo en varias ocasiones (Inglaterra, Dinamarca, Suecia, Noruega,
Holanda, Francia).
- A partir de 1947 (concierto en el Carnegie Hall: combo tradicional y big band),
regresa progresivamente a las actuaciones con grupos reducidos, debido a las
preferencias de público y críticos).
- En las últimas décadas se convirtió en ˝embajador mundial del jazz˝, eclipsando
casi su papel como músico.
- Encajó sin problemas en casi cualquier contexto musical, ya fuera jazz o música
popular.
- En sus últimos años, tuvo un grandísimo éxito con ˝Hello Dolly˝, superando con
creces a los Beatles en las listas de éxitos. https://youtu.be/l7N2wssse14
- Cambió y definió el rumbo del jazz, y supo extender su fama más allá del mundo
de esta música: tocaba, cantaba, interpretaba y bailaba (el hombre-espectáculo
eclipsa al músico). Su influencia se extiende a prácticamente todos los músicos
(no solo trompetistas) y cantantes de jazz
 30

Clarinete:

La importancia del clarinete como contrapunto de la trompeta en el estilo de Nueva

Orleans de los años veinte da como resultado un buen número de intérpretes de gran
calidad.

Sidney Bechet (14-05-1897 / 14-05-1959)

- Uno de los primeros solistas de la historia del jazz.

- Anterior a los años veinte realizó giras por varias
ciudades de los EE.UU. y por Europa (solista de la
Southern Syncopated Orchestra (1919).
Introduce el saxo soprano en el jazz. Realiza
grabaciones con los Clarence William´s Blue five
y los Red Onion Jazz babies en 1923 y 1939, junto
a Louis Armstrong.
-
- Destacó por su estilo de fraseo lineal y melódico.

- Con el resurgimiento del estilo de Nueva Orleans de los años cuarenta, obtuvo
mucho éxito.
“Summertime” 1939 https://youtu.be/KlGMS_avVGA
- Pasó sus últimos años en Francia, donde murió.

Jimmie Noone (23-04-1895 / 19-04-1944)

- Fue un virtuoso del clarinete. Destacó en

los tiempos rápidos y port su capacidad
para moverse por el registro del
instrumento.
- A partir de 1928 realizó sus grabaciones
más importantes con la Appex Club
Orchesta.
 31

Johnny Dodds (12-04-1892 / 08-08-1940)

- Fue un especialista del estilo polifónico de

improvisación colectiva y de la interpretación del
blues.
- Grabó con King Oliver, con Louis Armstrong y
con su propio grupo.
- Su estilo era muy expresivo.

Omer Simeon (21-07-1902 / 17-09-1959)

- Trató de aunar las dos tradiciones que

representan Noone y Dodds: brillante técnica
con la fuerza expresiva de la tradición del
blues.
- Fue conocido por sus grabaciones con los Red
Hot Peppers y por su larga relación musical
posterior con Earl Hines.

Trombón:

Edward “Kid” Ory (25-12-1886 / 23-01-1973)

- A pesar de sus limitaciones técnicas y del uso

repetitivo de clichés, fue el más interesante de
la época.
- Lideró numerosas formaciones. En su primer
grupo (finales de la década de 1910), Ory´s
Creole Trombone, tocaron entre otros, King
Oliver y Louis Armstrong (primer grupo de
jazz negro que realizó una grabación (1922).

- Tras un largo periodo retirado, volvió a la escena musical en los años cuarenta
(revival del estilo de Nueva Orleans).
 32

Honoré Dutrey (1894 ( 21-07-1935)

- Fue otro de los trombonistas más activos de

la época.
- Tocó con King Oliver, Louis Armstrong y
Johnny Doods (papel efectivo en la
improvisación colectiva).

Banjo:

Ocupó un papel destacado en la sección de ritmo del estilo de Nueva Orleans

(encargado de mantener los cuatro tiempos del compás).

Johnny St. Cyr (17-04-1890 / 17-06-1966))

- Fue el más conocido.

- Realizó diversas grabaciones con Jelly Roll Morton y
Louis Armstrong (acompañamiento y algunos solos).
“The chant” 1926 (Jelly Roll Morton)
https://youtu.be/DsVaO9CFjuc
Combina línea melódica con acordes

Contrabajo:

Compartió papel con la tuba. En esta época desarrolló el estilo pizzicato.

John Lindsay (23-08-1894 / 03-07-1950)

- Realizó sus mejores grabaciones con los Red

Hot Peppers, incluyendo incluso algún
pequeño pasaje solista.
“Grandpa´s Spells” 1926
https://youtu.be/bT2J0pH-DlM
 33

Tuba:

Algunos grupos (Hot Seven) prefirieron este instrumento para realizar la función de
bajo (mayor volumen). Pete Briggs, además de grabar con los Hot Seven, lo hizo como
solista en algunas ocasiones:
“That´s when I´ll como back to you” 1927
https://youtu.be/FYyV1gICtRg

Batería:

Fue el instrumento que más sufrió las limitaciones de las técnicas de grabación de la
época (en muchos temas solo de escucha en algunos momentos: apoyos de breaks,
pasajes de ritmos muy marcados, en los finales).

Baby Dodds (24-12-1898 / 14-02-1959)

- Fue uno de los primeros en realizar breaks y

pequeños solos con caja, bombo y plato.
“Billy goat stomp” 1927 (Jelly Roll Morton)
https://youtu.be/hFcy49iROOs

Zutty Singleton (14-05-1898 / 14-07-1975)

- Su larga carrera abarca más de 50 años (1915-

1970).
- En la década de los años veinte tocó con varias
formaciones (Nonne, Armstrong).
- Su estilo de acompañamiento (soporte de la
sección rítmica) sienta las bases del posterior
desarrollo de la batería en los años treinta.

“No one else but you” 1928 (Louis Armstrong)

https://youtu.be/mCTq3q3hkKo
- También desarrolló pequeños solos:
 34

“Sugar foot strut” 1928 (Louis Armstrong)

https://youtu.be/UDrd4IXtF5I

Dixieland (El jazz blanco)

- Termino utilizado de manera tardía para referirse al jazz de estilo de Nueva

Orleans interpretado por músicos blancos.
- En Nueva Orleans, paralelamente a la actividad de los músicos negros, se
formaron orquestas de músicos blancos que actuaron en los mismos
espectáculos.
- Jack “Papa” Laine se considera el más importante. Organizó y lideró diferentes
brass bands (en ellas se educaron algunos músicos blancos e incluso criollos).

 35

Original Dixieland Jazz Band

- Liderados por el cornetista Nick LaRocca, se

dieron a conocer en Chicago (1916) y sobre
todo en Nueva York (1917), donde realizaron
sus primeras grabaciones, consideradas las
primeras de la música jazz:
“Livery stable blues” 1917
https://youtu.be/5WojNaU4-kI
“Dixieland Jass Band one-setp” 1917
https://youtu.be/RGKYri_XfP0

- Su música se caracteriza por:

• Sonido de conjunto basado en la polifonía colectiva de la sección
melódica.
• Tiempos muy rápidos en la mayoría de los temas.
• Uso de efectos extramusicales (sonidos de animales).
- Repertorio muy variado estilísticamente, incluyendo composiciones propias
basadas en general en temas de las brass band blancas heredados del ragtime.
- Contribuyeron a dar a conocer la nueva música denominada jazz por todo el
país, e incluso por Europa (Francia e Inglaterra, 1919).
- Se disolvieron en 1925, realizaron algunas grabaciones a partir de 1936.

New Orleans Rhythm Kings

- Consiguieron un importante éxito

en Chicago a comienzos de los años
veinte.
- Su música era deudora del jazz de
Nueva Orlean tocado por los
músicos negros en Chicago
(grabaron con Jelly Roll Morton:
probablemente la primera grabación
de carácter interracial).
-
 36

- Entre 1923 y 1925 realizaron sus principales grabaciones (estilísticamente

similares a los de la Creole Jazz Band).
- Introdujo el saxofón de manera habitual en sus temas.
- Fue un grupo de referencia para los músicos blancos de Chicago.
- Entre sus componentes se encontraban:
• Paul Mares (Trompeta)
• Leon Rappolo (clarinete)
• Ben Pollack (batería)
“Tiger rag”
https://youtu.be/F1_TlLfF9xg

El jazz de Chicago y New York.

- Se basa bastante en la tradición de Nueva Orleans, aunque incorporando las

aportaciones propias de los músicos locales.
- El saxofón tenor aparece cada vez con más frecuencia, a veces reemplazando al
trombón. Cuando este aparece, es usado más como instrumento melódico que
como soporte rítmico.
 37

- El clarinete va perdiendo su uso como ornamentación de la melodía para dar

paso a los motivos sincopados sin restricciones.
- La guitarra reemplaza al banjo.
- La tuba desaparece de la mayoría de los grupos para dar paso al contrabajo.
- El sonido se vuelve más estilizado.
- La batería pasa de ser un mero soporte rítmico basado en un sonido continuado,
a interrumpir deliberadamente el flujo del ritmo (golpes de platillo, golpes
fuertes de bombo en el último pulso antes de cambiar a otra sección, cambios de
ritmo, fuertes acentuaciones de las cadencias finales, alejamiento progresivo de
los motivos rítmicos de los metales).
- Uso progresivo del compás de 4 tiempos frente al de 2, típico del estilo de
Nueva Orleans.
- Aunque se sigue tocando blues de 12 compases, comienza a introducirse en los
repertorios canciones comerciales de compositores profesionales.
- Comienzan a tocar baladas, en contraposición a los tempos medios-rápidos
usados para bailar.
- Influencias musicales europeas a través de los músicos blancos: música Klezmer
judía, tradición lírica italiana, música clásica contemporánea.

Bix Beiderbecke (Iowa, 10-03-1903 / Nueva York 06-08-31)

- Nace en el seno de una familia de

tradición musical, pero alejado de la
tradición de las bandas de baile, los
desfiles fúnebres y el blues (1600 km de
Nueva Orleans).
- De niño estudió piano, y con 7 años se
decía de él que ˝es capaz de tocar de oído
al piano cualquier pieza que oía˝.

Nunca aprendió a leer música con fluidez y se mantuvo reacio a adoptar las
normas establecidas (embocadura, digitaciones, uso de la trompeta).
 38

- Pronto decide tocar la corneta aplicando todas sus habilidades musicales (gran
influencia de Nick LaRoca).
- Siendo un joven estudiante, comienza a frecuentar la vida musical de Chicago,
llegando a tocar con su primera banda, los Wolverines (inspirados en los New
Orleans Rhythm Kings):
• ˝Riverboat Shuffle˝ 1924 https://youtu.be/-8TYpVebJ0A
ü Sonido refinado, limpio y carente de complejidad melódica.
ü Fraseo con articulación relajada.
ü Se aleja del sonido sucio de Oliver y la energía de Artmstrong.
- Su original sonido llama la atención de muchísimos músicos famosos de la
época (Eddie Condon, Armstrong).
- A finales de 1924 abandona el grupo y continúa su carrera como free-lance,
siendo el periodo más fructífero en su carrera, y participando en la creación del
llamado Jazz de Chicago.
- Compuso obras para piano (sobre todo en sus últimos años), ayudado por Bill
Challis, cuyas escasas transcripciones son los únicos documentos que existen.
˝In a Mist˝ 1927. https://youtu.be/J2_Ai8dgBko
- Murió de neumonía a los 28 años como consecuencia de sus excesos con el
consumo de alcohol.

Frank Trumbauer (Illinois, 30-05-1901)

- También fue un niño prodigio musicalmente.

- Aunque su instrumento principal posterior fue el
saxofón, tocaba el piano, el trombón, la corneta, el
violín, el fagot y la flauta (mejor formación
músical).
- Estuvo muy unido artísticamente a Beiderbecke:
“Singin´the blues” 1927
https://youtu.be/uo11LQGu3X8
“I´m coming Virginia” 1927
https://youtu.be/MJgfGK7jTho
(con Eddie Lang a la guitarra)
 39

- Trabaja (junto a Beiderbecke) con otros líderes de grupos (criticas posteriores

por la música comercial de estas bandas):

• Jean Goldkette, Victor Recording Orchestra (“la primera banda blanca

de swing”: Rex Stewart, cornetista de la banda de Fletcher Henderson).
ü Otros miembros destacados de esta banda fueron Eddie Lang y
Joe Venutti (violín).
“Stringing the blues” 1926 https://youtu.be/qgzAoDhzUJA
• Paul Whiteman (más éxito: “rey del jazz”).
ü Tuvo los mejores músicos de la banda de Goldkette
(Beiderbecke, Trumbauer, Vennuty, Lang) y jóvenes talentos
como Bing Crosby.
ü Reacción en su contra después del éxito de los años veinte
(música popular y acaramelada).
“Whispering” 1920 https://youtu.be/LZE8Ab_t950

- Durante la segunda guerra mundial fue piloto de pruebas en las fuerzas aéreas.
- Posteriormente abandona la música dedicándose a la aeronáutica.

 40

McKenzie-Condon Chicagoans:

- Fueron liderados por Eddie Condon:

• Eddie Condon (guitarrista, banjo y
voz).
• Frank Teschematcher (clarinete).
Tuvo una gran influencia en Benny

Goodman. Murió con 26 años en accidente de tráfico, y dejó escasas

grabaciones.
• Dave Tough (batería), más tarde sustituido por Gene Krupa.

Eddie Condon (Indiana, 16-11-1905 / Nueva York, 04-08-1973)

- Se formó como músico en orquestas de baile del medio oeste.

- A mediados de los años veinte se establece en Chicago y se relaciona con
músicos locales entorno al jazz (Austin High School Gang).
- Posteriormente fundan los Blues Friars (Friars Inn, el local donde actuaban los
New Orleans Rhythm Kings, su principal influencia, junto a los Wolverines).
- Finalmente funda los McKenzie.
“China boy” 1927 (con Krupa) https://youtu.be/E-8DXDOrJ0s

Jack Teagarden (29-08-1905 / 15-01-1964)

- Trombonista y cantante.
- Perteneció a una familia de músicos afincada
en Texas, donde se inició musicalmente,
aunque sobre todo tocó en Nueva York.
- Estudió piano y más tarde saxofón barítono.
- Uso del sonido tailgate (propio de nueva
Orleans y asociado a Kid Ory).

“Ory´s Creole Trombone” 1927 (con Louis Armstrong).
https://youtu.be/NevLri5ozX8
 41

- Paul Whiteman le ofreció un puesto en su banda pero lo rechazó.

- Grabó con la Ben Pollack Orchestra en Nueva York.
- Tenía gran sensibilidad para el blues.
“Knockin´a Jug” 1929 (con Louis Armstrong) https://youtu.be/87V5xwfXhyg

Red Norvo (31-03-1908 / 06-04-1999).

- Comenzó tocando la marimba pero se

decidió por el xilófono. A comienzo
de los años cuarenta comenzó a tocar
también el vibráfono.
- A lo largo de su vida cultivó
múltiples estilos.
- Trabajó con Paul Whiteman en Nueva
York, legitimando el papel del
xilófono en el jazz.

- Sus grabaciones de 1933 demuestran la influencia que ejerció en él la música de
Bix Beiderbecke:
• “In a mist” https://youtu.be/oTdmff_wfHQ
• “Dance of the Octopus” https://youtu.be/h6xtI9TWWfw
- Más tarde lidera un octeto que incluía a Teddy Wilson (piano), Chu Berry (saxo
tenor) y Gene Krupa (batería), entre otros.
• “Blues in E flat” https://youtu.be/064E_D8xLx8
- En los años cuarenta continuó tocando swing (sexteto de Benny Goodman), pero
también tocó bop (liderando un grupo que incluía a Dizzy GIllespi y Charlie
Parker).
- A finales de los años cuarenta trabajó con Woody Herman y Billie Holliday.
- En los años cincuenta tuvo un trio con el guitarrista Tal Farlow y el contrabajista
Charlie Mingus.
- En los años siguientes tendió a volver al swing tocando con Benny Goodman y
Benny Carter, entre otros.
 42

Harlem

- Hasta comienzos del siglo veinte era un barrio de blancos, donde se escuchaba
básicamente música clásica europea. Fue bautizado por los primeros colonos
holandeses en recuerdo de la ciudad de Haarlem.
- A partir de la primera guerra mundial sufre un cambio demográfico masivo, el
llamado florecimiento de Harlem (negros que emigraron desde el sur, y los que
huían de la superpoblación de los apartamentos de Manhattan).
- Hacia finales de los años veinte los negros eran los propietarios del 70% de los
bienes inmuebles de Harlem. Surge un florecimiento cultural e intelectual por
parte de los negros, rechazando sus orígenes sociales, culturales y musicales.
- Por otro lado, existía el “otro Harlem”: diferencia abismal de salarios y
alquileres entre blancos y negros (situación económica muy dura para los
negros). Es aquí donde se desarrolló la música de jazz.
- Surgen las “house rent parties”, como consecuencia de los elevados precios de
los alquileres.

Características musicales:

- El Harlem stride piano, o stride, constituye un puente entre el ragtime y los

nuevos estilos pianísticos, tratando de salvar también las diferencias entre lo
culto y lo popular.
- Es el estilo de interpretación más autosuficiente e individualista de la historia del
jazz.
- Los intérpretes dominaban toda clase de recursos novedosos y efectistas,
influenciados en gran medida por los concertistas de piano europeos que tocaban
por toda la ciudad. Todo esto se ejecutaba sobre las técnicas de mano izquierda y
derecha típicas del ragtime, y las innovaciones técnicas del jazz de los años 20 y
30, conservando el ritmo marcado para poder bailar.
- Se pusieron de moda los “cutting contests”: jam sessions donde intentaban
superarse unos a otros.
- Los intérpretes más importantes podían ser tan extravagantes como su música.
Los más famosos fueron:
 43

Willie “The Lion” Smith

- Fue el representante por excelencia de

esta nueva raza de músicos de jazz.
- Forjó su reputación en reuniones
privadas, afirmando su supremacía sobre
el resto de los pianistas. Ellington decía
que tenía “corazón de gladiador”

Fast Waller (Harlem, 21-06-1904 / Kansas City, 15-12-1943)

- El más famoso de todos.

- Fue pianista, organista, cantante, compositor,
director de banda y músico acompañante.
- Su formación se desarrolló entre el
conservatorio Juilliard y la influencia de
James P. Jhonson.
- En su adolescencia, inició su carrera como
compositor (Ain´t Misbehavin, Honeysuckle
Rose, Black and blues).
- En veinte años grabó unas 600 piezas, tanto en grupo como de piano solo
(incluidos rollos de pianola), abarcando un gran registro de estilos e influencias:
• Blues lento: “Numb Fumblin” https://youtu.be/qZHlj2kW5io
• Influencia de la música clásica: “Afrincan Ripples”
https://youtu.be/DAyNQAyXE4E
• Boogie-woogie: “Alligator Crawl” https://youtu.be/oeGIQNaqepA
• Ragtime: “Handful of Keys” https://youtu.be/0rpAyB15a-g
- Actuó en todo tipo de lugares:
• Servicios religiosos (presididos por su padre: pastor baptista).
• Lincoln Theater de Harlem (acompañando películas mudas al piano).
• Fiestas de alquiler.
• Cabarests.
 44

• Literalmente: en cualquier lugar donde hubiese un piano.

- En su música mezcla tanto elementos de la música impresionista como
canciones populares, todo bajo la estética stride.
- Tenía un magnífico sonido pianístico y una técnica impecable.
- Se enfrentó musicalmente a muchos rivales.
- En 1938 y 1939 realizó giras por Europa.
- En 1943 compuso la música para una obra escénica y coprotagonizó una película
de Hollywood.
- En el momento de su muerte (neumonía) se encontraba en la cima de su
popularidad.

Boogie-woogie

- Se desarrolla durante los años 20 y 30, y alcanza la popularidad en torno a 1940

(dentro de la era del swing), ampliando el vocabulario pianístico afroamericano
(música para piano sin acompañamiento, aunque podían tocar a dúos o tríos).
• “Boogie woogie prayer”: Meade Lux Lewis, Albert Ammons y Pete
Johnson. https://youtu.be/OQxtw79PsIg
- Se basa en el insistente empleo en la mano izquierda de patrones basados en
sucesiones de acordes de blues (frecuentes figuras en ostinato) que acompañan
las líneas melódicas y los acordes en bloques de la mano derecha, situándose a
medio camino entre el blues y el jazz.

La era del swing. El nacimiento de la big band.

- Se inicia tras la crisis económica y depresión al comienzo de los años treinta y se

prolonga hasta el final de la 2ª guerra mundial (1935-1945).
- El término swing se utilizaba antes de 1935 (componente rítmico esencial del
jazz). No se populariza hasta el eslogan publicitario de Benny Goodman (“rey
del swing”). A partir de aquí, se extiende a todas las bandas que tocan esa
música, convirtiendo a sus directores en estrellas y personajes populares.
- En esta época, las big bands fueron ante todo orquestas de baile (el público
acudía a las actuaciones sobre todo a bailar). El repertorio incluía gran variedad
de estilos (combina la música popular con elementos del jazz).
 45

- La radio juega un papel fundamental:

• Difunde las grabaciones de los discos y de las actuaciones en directo.
• Convierte al público en un receptor pasivo y moldeable (pocos
intérpretes llegan al estrellato).
• Los músicos negros tienen muchas restricciones para acceder a los
programas de radio más importantes (temor a posibles boicots de los
estados más racistas).
- El cine sonoro y los jukebox difunden las nuevas grabaciones y popularizan a
algunos músicos pero reducen las posibilidades de trabajo de la mayoría).
- El swing genera muchísimo dinero (casi 100 millones de dólares anuales,
empleando entre treinta y cuarenta mil músicos, y dando trabajo a unos 8000
intermediarios y promotores).
- Además de los sueldos de los músicos, los derechos de autor y los royalties por
las ventas de discos y las publicaciones de la música impresa constituyen otra
fuente de ingreso (Duke Ellington ganó entre 1924 y 1944 unos 500.000 dólares
por la venta de discos, más 250.000 en concepto de porcentajes de autor).
- Debido al gran aumento del negocio, surgen nuevas figuras de intermediarios
(representantes y manager personal): John Hammond (descubridor de talentos),
William Alexander (mánager y representante de Count Basie y Benny
Googman), o Irving Mills (mánager de Duke Ellington y coautor de algunos de
sus temas).
- Los jóvenes se identifican con esta nueva música, en contraposición al
conservadurismo anterior.
- Su centro principal fue Nueva York (locales de actuaciones, compañías de
grabación y editoriales más importantes).
- Comienza su declive a partir de 1945:
• La música adopta clichés que se repiten, perdiendo originalidad.
• Aumento descontrolado del número de orquestas: competencia,
abaratamiento de los sueldos.
• Disputas de derechos de autor entre músicos y compañías discográficas
(huelga de grabaciones 1942-1944).
• Polémica entre la empresa que gestiona los derechos de casi todas las
orquestas y las emisoras de radio (se niegan a pagar el canon exigido:
 46

progresiva desaparición del swing en la radio, siendo sustituida por otros

estilos: country o rhythm and blues).
• Aumento del precio del transporte y alojamiento.

Características musicales:

- La formación característica es la big band, organizada en 4 secciones:

• Dos de instrumentos de metal: trompetas y trombones.
• Una de viento madera: saxofones y en algunos casos clarinetes.
• Sección de ritmo: piano, guitarra, contrabajo y batería.
El número es variable y aumenta con el tiempo (10 músicos en los años veinte,
13 a comienzos de los años treinta, y unos 16 en la época dorada, 1935-1945).
- Surge la necesidad de los arreglos escritos (arreglista profesional).
- Cambios en la instrumentación de los años veinte:
• Sustitución del clarinete por el saxofón.
• Sustitución de la tuba por el contrabajo (walking bass).
• Sustitución del banjo por la guitarra (se electrifica en la 2º mitad de los
años 30).
- Cambios en el perfil del músico de jazz (pasa de ser un aficionado con carencias
técnicas y escasa formación musical a un profesional).
- Por el contrario, los arreglos limitan el espacio para la improvisación. Surgen
numerosos grupos reducidos, “small groups”, que conviven con las big bans: los
músicos desarrollan una mayor creatividad y los presupuestos de las actuaciones
y grabaciones disminuyen. Se populariza a partir del trío de Benny Goodman
formado en 1935 (Teddy Wilson y Gene Krupa).

 47

- Arreglistas especializados (excepciones: primera época de las orquestas de Basie

y Ellington), sobre todo las orquestas de blancos.
• Creación del soli de saxofones (pasaje a varias voces armonizadas y con
una rítmica común):
Benny Carter
“Lonesome nights” 1933 https://youtu.be/MwNFcDwf9cU
“All of me” 1940 https://youtu.be/tUuVY55M8gc
• Posibilidad de variación y ornamentación del tema principal.
Fletcher Henderson
“King Porter Stomp” 1933 (Jelly Rool Morton)
https://youtu.be/ATL75yIIxQA
• Arreglos más sofisticados que en el estilo de Nueva Orleans.
• Aumenta el uso de tensiones en las voces de los vientos.
- Cambios en la sección de ritmo:
• Paso de un pulso rítmico a dos (two-beat) a un pulso de cuatro (four-
beat): Walter Page (desarrolla estilo pizzicato tocando los 4 tiempos del
compás).
• Uso del hi hat como base del acompañamiento (desde la segunda mitad
de los años veinte), recurso culminado por Jo Jones en la orquesta de
Basie. Su sección rítmica creó un estándar: Walter Page y Freddie Green.
• Se introduce el plato ride como base del ritmo (segunda mitad de los
años treinta): completa la transformación de la batería.
• El piano abandona la concepción orquestal derivada del ragtime: la mano
izquierda realiza una función más propiamente de acompañamiento con
acordes y la derecha se libera, adquiriendo un papel más melódico. Su
papel depende en gran medida del estilo y de los intérpretes.
- El repertorio se simplifica en relación con el del estilo de Nueva Orleans.
• Casi desaparecen las estructuras multitemáticas:
ü Se generaliza la estructura de 32 compases (teatro musical).
ü Sigue el uso del blues (algunos en menor), sobre todo en las
bandas de negros (especialmente en el estilo Kansas City).
ü Se usan armonías de temas existentes con melodías diferentes a
las originales (contrafacta).
 48

“Miss thing”1939, Count Basie (basada en Honeysuckle Rose,

Fast Waller, 1929) https://youtu.be/ZAFUSurMm-I
- Se desarrolla la dimensión solista en casi todos los instrumentos (mayor técnica,
más conocimientos musicales).

Primeras orquestas.

Paul Whiteman (1890 – 1967)

- No fue una orquesta de jazz en

el sentido estricto de la palabra
(a pesar de los términos “jazz
sinfónico” y “rey del jazz”),
pero en los años veinte sentó las
bases para las orquestas
posteriores (sobre todo la de
Fletcher Henderson). Su sonido se alejaba del jazz sobre todo por incluir una
sección de cuerda.
- En 1929 contrata a Ferde Grofé como arreglista (innovación más importante).
- El repertorio era muy variado: canciones populares, canciones sweet, fragmentos
de obras clásicas, y temas con mayor presencia de la improvisación jazzística.
- Contó con buenos solistas: Bix Beiderbecke, Frank Trumbauer, Jimmy Dorsey,
Joe Venuti, Eddie Lang, y cantantes: Bing Crosby y Mildred Bailey.
- Alcanzó gran popularidad y éxitos de venta:
“Whispering” 1920 https://youtu.be/LZE8Ab_t950
“Three o´clock in the morning” 1923 https://youtu.be/AGQJnCAmuXE
- Encargó a George Gershwin la Rhapsody in blue (estrenada por la orquesta en
1924, con Gershwin al piano). Con esta obra se inaugura el llamado “jazz
sinfónico”: fusión de elemento de la música culta con otros del jazz).
https://youtu.be/VGvuUOtHGkk
- Su éxito dura hasta mediado de los años treinta (nuevas formaciones eclipsan su
figura: Orquesta de Benny Goodman).
 49

Fletcher Henderson (1897-1952)

- Su orquesta fue el principal

modelo a seguir para la mayoría
de las big bands de los años
treinta.

- Fue una de las primeras orquestas negras que adquirió popularidad alternando
giras con la presencia en las emisiones de radio más importantes de Nueva York.
- Su primer grupo en Nueva York era similar a los de estilo de Nueva Orleans:
corneta, clarinete, trombón, piano, banjo, tuba o barítono y batería, a los que se
le añadió un saxo.
- Con el paso de los años la orquesta se amplió hasta tener tres secciones
diferentes: metales (trompetas y trombones), viento madera (clarinetes y saxos)
y sección rítmica. Necesidad de arreglos escritos.
- En 1924 contrata a Don Redman (hasta 1927) como arreglista, saxofonista y
clarinetista. Tomando como modelo los arreglos de Ferde Grofé consigue un
sonido más cercano a la música jazz: le dio un función relevante a los solistas,
combinando las improvisaciones con los pasajes escritos, y utilizó riffs (frase
breve repetida sin variaciones o con leves modificaciones, utilizado de diferentes
maneras) y backgrounds para acompañarlos.
- Entre 1924 y 1925 Louis Armstrong fue su principal solista.
“Sugar foot stomp” (versión de “Dipper Mounth Blues” de King Oliver):
combina elementos nuevos con otros del estilo de Nueva Orleans (breaks,
pasajes de improvisación polifónica).
https://youtu.be/h2XbL-BnihI
- Abandona progresivamente los recursos del estilo Nueva Orleans y los
elementos menos jazzísticos de las orquestas de baile.
- Su repertorio sigue siendo amplio para satisfacer los gustos del público.
- En la orquesta tocaron algunos de los intérpretes más importantes de la época:
Louis Armstrong, Coleman Hawkins, Benny Carter, Lester Young, Ben
Webster, Chu Berry, Roy Aldridge, etc.
 50

- Cuando Redman se marcha, Fletcher Henderson asume el papel de arreglista,

contando también con la contratación de otros arreglistas (Bill Chalis, Benny
Carter, Horace Henderson), que aportaron variedad al grupo.
- En 1934, por dificultades para mantener su orquesta, Henderson vende sus
mejorers arreglos a Benny Goodman, que los convierte en grandes éxitos.
- En 1935 intenta rehacer su orquesta sin éxito. Continúa siendo arreglista de otras
orquestas.

Bandas regionales o territoriales.

Estilo Kansas City:

- Características propias y evolución hasta cierto punto autónoma.

- Se fundamenta en el repertorio del blues.
- Importancia de los solos improvisados.
- Sencillos arreglos basados en riffs.
- Nuevo concepto rítmico de 4 pulsos por compás (walking bass).

Orquesta de Bennie Moten

- Se creó en 1923. Durante 12 años fue la orquesta más

representativa del estilo Kansas City.
- La primera formación fue reducida (6 personas),
ampliándose progresivamente hasta convertirse en una
big band. Fue incorporando a los solistas más
destacados de otras orquestas, incluso hasta llegar a
absorberla entera (Blues Devils de Walter Page). Gana
en calidad musical.
-
- Repertorio fundamentado en el blues y en canciones populares.

- En 1932 graban 10 temas donde se ejemplifica el sonido de Kansas City:
“Blue room” https://youtu.be/1TCqSZgoCqU
“Toby” https://youtu.be/yUQiwERIb4E
“Moten swing” https://youtu.be/hr42hm6GvkQ
 51

“Prince of wails” https://youtu.be/33n3Zvzg_Vc

“Lafayette” https://youtu.be/RccsucrREy8

Blue Devils

- Liderados por Walter Page desde 1925.

- Su sección de ritmo fue una de las
responsables del cambio de pulso a 4.
- Las dificultades económicas hacen que
sus músicos más importantes fueran
contratados por Moten.

Count Basie (1904-1984)

- Fue un músico autodidacta.

Aprendió a tocar el piano gracias
a las clases que le dio su madre, y
desde su adolescencia continuó su
aprendizaje acompañando
películas mudas.
- Se traslada a Nueva York y recibe
algunas clases de maestros del
stride (Fast Waller). Esto tendrá
mucha influencia en su primera etapa (orquesta de Bennie Moten).
- Su aprendizaje continúa en las funciones de vodevil, acompañando a cantantes,
bailarines y en espectáculos diversos.
- En 1927 se instala en Kansas City, donde además de acompañar películas
mudas, entró a formar parte de los Blues Devils en 1928 y después en la
orquesta de Bennie Moten en 1929.
- En 1935 muere Bennie Moten, y Basie forma un noneto (consigue un contrato
en el Reno Club), añadiéndole 4 músicos más al año siguiente, formando ya una
big band.
 52

- El trabajo diario en el Reno, forja el sonido del grupo y determina sus arreglos
iniciales (ni tiempo para escribirlos, ni dinero para comprarlos, unido a las
dificultades de algunos de sus músicos para leer música con fluidez, ponen en
práctica los “head arrangements”).
- Sus orquestaciones son sencillas, basadas en riffs y le dan mucha importancia a
los solos improvisados.
- Las actuaciones del Reno se retransmitieron por una radio local, difundiéndose
más allá del área de Kansas y llamando la atención de John Hammond, que le
consigue unas actuaciones en Chicago y Nueva York.
- En 1936 realiza la primera grabación en Chicago con un sexteto denominado
Jones-Smith Incorporated.
“Boogie Woogie” https://youtu.be/G-TFoTWs728
“Oh! Lady be good” https://youtu.be/PCyYX2d1m4U
- En 1936, su orquesta se muda a Nueva York (hasta 1942, fue la etapa más
importante), colocándose en la primera línea de la era del swing (largas giras,
numerosas grabaciones y actuaciones en los clubs, salas de baile y hoteles más
selectos).
- Logra mantener una formación más o menos estable:
• Sección rítmica:
ü Freddie Green (guitarra)
ü Walter Page (contrabajo)
ü Jo Jones (batería)
• Solistas:
ü Lester Young (saxo tenor)
- Entre enero de 1937 y febrero de 1939 realiza grabaciones para DECA
(representan las características del estilo).
“Good morning blues” 1937 https://youtu.be/zhFFXHr8iO0
“Sent for you yesterday” 1938 https://youtu.be/OBP_BHgSC6Y
“One o’clok jump” 1937 https://youtu.be/g3JyQnYPkZk
- En las grabaciones realizadas entre 1939 y 1940 destaca la labor de Lester
Young como solista y se culmina el estilo desarrollado en todos los años
anteriores.
“Tickle-toe” 1940 https://youtu.be/ooUUhsBsvU8
 53

- En 1940 Lester Young abandona la formación, y en 1944, Walter Page y Jo

Jones.
- En la segunda mitad de los años cuarenta la crisis obliga a reducir la formación
(un septeto).
- En 1952, Basie consigue reorganizar la orquesta, pero con un estilo diferente
(arreglos complejos de profesionales como Thad Jones o Quincy Jones),
alejados de la frescura y sencillez de etapas anteriores.

Duke Ellington (1899-1974)

- Su formación musical se basa en algunos
estudios de piano en su adolescencia y su
contacto con los pianistas de stride de Nueva
York en 1919, aprendiendo a componer y
orquestar con las exigencias del propio trabajo.
- En 1923 entra a formar parte de los
Whashingtonians (Kentucky Club Orchestra),

liderando el grupo a partir de 1924. La formación pasa de 6 miembros (estilo de

Nueva Orleans), a 10 miembros en 1926 (tres secciones: metales, viento madera
y ritmo). Realiza sus primeros arreglos y se introduce en la escena musical de
Nueva York.
- En sus grabaciones de 1926 y 1927, destaca la personalidad musical de su
trompeta y trombón, que con sus efectos de sordina y gruñido, representan una
muestra del posterior sonido jungle.

 54

“East St. Louis Toodle-Oo” 1926 https://youtu.be/pzaqtw8MV7s

“Black and Tan Fantasy” 1927 https://youtu.be/hAPCH-JsMV0
- En 1926 conoce a Irvin Mills (letrista, cantante, empresario y promotor),
relación que dura 14 años y fue fundamental para el desarrollo de la orquesta y
se convirtió en su mánager y coautor de muchos de sus éxitos. Consigue el
contrato en el Cotton Club (controlado por gánsteres, exclusivo para público
blanco y con espectáculos de artistas negros: estilo jungle) desde 1927 hasta
1931: etapa fundamental, tanto musical, como de éxito popular. Tocaban música
de baile y acompañaban los diversos espectáculos.
“The Mooche” 1928 https://youtu.be/dEOsgFIeqpg
“Jungle nights in Harlem” 1930 https://youtu.be/Y0CkY_Vwcxk
“Echoes of the Jungle” 1931 https://youtu.be/vYNwiAXuh_U
- En esta etapa del Cotton Club, realiza más de 100 grabaciones en estudio:
“Creole love call” 1927 https://youtu.be/o60EeEXbxHs
“Flaming youth” 1928 https://youtu.be/r3vTpA4m1nM
“Mood indigo” 1930 https://youtu.be/bZyVBVFnrm4
“Creole rhapsody” 1931 https://youtu.be/xPxbtlxGoCU
- La fama conseguida por las retransmisiones radiofónicas del Cotton Club hace
que Hollywood se interese (graba dos películas: Black and Tan, 1928 y Check
and Double Check, 1930).
- En 1931 abandona el Cotton Club. Se inicia un periodo de largas giras por todo
Estados Unidos y por Europa (1933 y 1939). Estabilidad económica y gran
éxito.
- Se amplía el repertorio (temas populares de 32 compases AABA).
“It don´t mean a thing” 1932 https://youtu.be/jM3DNpnNv5k
“Sophisticated lady” 1933 https://youtu.be/-Y__G3Pa5Fw
- Paralelamente emprende proyectos más ambiciosos, extensos y complejos.
“Reminiscing in tempo” 1935 https://youtu.be/SEZ0bT7yQsQ
- En 1936 graba “Clarinet lament (Barney´s Concerto)”
https://youtu.be/2Fg5arKcTB8
y “Echoes of Harlem (Cootie´s Concerto)”
https://youtu.be/iuvdZADbQ_0
Son obras diseñadas para resaltar el talento individual. La culminación de este
tipo de obras de diálogo entre solista y orquesta es “Concerto for Cootie” 1940
 55

(perfecto equilibrio entre los recursos expresivos del solista y la escritura

orquestal).
https://youtu.be/FNJv1JSD0pM
- Introducen temas de carácter latinos, gracias al trombonista puertorriqueño Juan
Tizol (en la banda desde 1929). Fue el copista oficial.
“Caravan” 1936 https://youtu.be/fshOi9QaE18
“Conga brava” 1940 https://youtu.be/tZFD10CSdhE
- En 1939 se producen tres incorporaciones fundamentales en la banda (se inicia
su periodo más brillante y creativo, que abarca hasta 1942. Realizan múltiples
grabaciones).
• Jimmy Blanton (contrabajo): aportó solidez a la sección de ritmo e
innova en el papel solista del contrabajo.
“Jack the bear” 1940 https://youtu.be/ddxpxnvmXk4
• Ben Webster (saxo tenor): sonido e improvisaciones muy personales.
“Cotton Tail” 1940 https://youtu.be/qAZWFafX6o8
• Billy Strayhorn (pianista, arreglista y compositor):
ü Estrecho colaborador de Ellington. Fundamental tanto en las
composiciones como en los arreglos (compuso unos 150 temas),
ü Sus arreglos explotan recursos anteriores de la época del swing:
recurso de pregunta respuesta, riffs.
“Take the A Train” 1941 https://youtu.be/KV8Hj_E8LJc
Ø En general, tienen gran complejidad melódica y armónica
(formación clásica y gusto por el impresionismo francés).
Ø Dominio de la relación melodía-armonía.
“Chelsea bridge” 1941 https://youtu.be/VKRRH1BtWQY
- A principios de los cuarenta la orquesta entra en un periodo de inestabilidad:
• Progresivo abandono de sus principales músicos. Se pierde la relación
estrecha entre compositor y músicos, debido a las numerosas
sustituciones.
• Ellington comienza a centrar su interés en composiciones de larga
duración. La primera de todas fue “Black, Beige and Brown” 1943
(primera de muchas posteriores). Refleja la historia de los negros
 56

americanos (tanto la crítica académica como la jazzística la juzgó

negativamente).
https://youtu.be/GM2N8_H4me0
- En los años 50 la orquesta sobrevive gracias a los derechos de autor y de algún
éxito popular.
“Satin doll” 1953 https://youtu.be/BljUPGh7rfU
- A partir la segunda mitad de los años 50:
• Se dedicará a recrear sus éxitos pasados en largas giras por todo el
mundo.
• Compone nuevas suites temáticas.
• Bandas sonoras para películas.
• Participaciones en grabaciones de formaciones reducidas con figuras
emergentes de la época (Charles Mingus, Max Roach, John Coltrane).
- En los años 60 muestra también interés por la música sacra.
- En sus últimos años vuelven a la orquesta algunas de sus viejas figuras (Cootie
Willians, Johnny Hodges).
- En 1974 muere, y su hijo Mercer se hace cargo de la orquesta (ya había sido
arreglista de la banda durante años).

Características:

- Es uno de los compositores más importante de la historia del jazz, tanto por la
cantidad (más de 1500 obras registradas a su nombre) como por la variedad (casi
todos los géneros y estilos).
- Su obra es inseparable de la interpretación de su orquesta (composición y
arreglos forman una unidad).
- Ante la posibilidad de una vida confortable por los ingresos de sus éxitos, no
abandonó los escenarios, los ensayos y la carretera.
- Tuvo un afán continuo de innovación y experimentación.
 57

Benny Goodman (1909-1986)

- Fue un músico con una sólida formación

instrumental (estudios de clarinete clásico,
técnica sobresaliente, gran capacidad de lectura).
- Hijo de inmigrantes judíos de Europa oriental,
nació en Chicago, en un barrio pobre y peligroso.
Su padre lo inició en la música como medio para
ganarse la vida.

- Conoció el jazz de los años 20 y a los clarinetistas de la época: Leon Rappolo,
Johnny Dodds, Jimmy Noone y a los grandes solistas, Louis Armstrong y Bix
Beiderbecke.
- Entre 1925 y 1929 tocó en la orquesta de Ben Pollack:
• Primer modelo para su futura big band.
• Goodman grabó sus primeras improvisaciones.
• Se trasladó a Nueva York (1928):
ü Primeras grabaciones a su nombre: música deudora del jazz de
Chicago de los años 20.
“A jazz holiday” 1928 https://youtu.be/qVJe2kShwyA
ü Trabajos como freelance.
- A partir de 1929 comienza una frenética carrera en contextos muy diversos:
• Musicales de Broadway.
• Emisiones radiofónicas.
• Sesiones como músico de estudio.
• Grabaciones a su nombre (sobre todo en 1931): participación de músicos
de relieve (Tommy Dorsey, Glenn Miller, Edie Lang, Gene Krupa). Poco
espacio para los solos por la presencia constante de cantantes y arreglos
cerrados.
- En 1933 conoce a John Hammon (relación profesional, personal y familiar):
consigue una grabación para 9 músicos liderados por Goodman (estilo más
consolidado, búsqueda de un sonido de conjunto, papel de Goodman como
solista).
“Dr. Heckle and Mr. Jibe” 1933 https://youtu.be/Da-puoAHk-0
“Love me or leave me” 1933 https://youtu.be/64ZUiwIzHfk
 58

- En 1934 forma su primera big band (13 músicos): estilo propio, precisión
interpretativa.
“Take my Word” 1934 (Benny Carter arreglista: técnica de soli de saxofones)
https://youtu.be/yDGQdKHU-dc
- A finales de 1934 la orquesta consigue un contrato de 6 meses en un programa
de radio emitido en horario de máxima audiencia para todo el país (estabilidad y
difusión de su música). Renuevan repertorio con temas (diferentes
orquestadores: Benny Carter, Horace Henderson, destacando Fletcher
Henderson).
“King Porter” 1935 (Versión de Jelly Roll Morton arreglada por Henderson).
Primer gran éxito.
https://youtu.be/Hri4nc_tETg
- Inician una gira hacia la costa oeste (poco éxito inicialmente) que concluye en
Los Ángeles (Palomar Ballroom, 21-08-1935: inicio de la era del swing).
- En Julio de 1935 realiza sus primeras grabaciones en trío (Teddy Wilson y Gene
Krupa). Músicos en una situación más abierta.
“After you´ve gone” 1935 https://youtu.be/pdbC0uQCYDE
“Body and soul” 1935 https://youtu.be/5hQ3-9wlPzk
Un año después se amplía a cuarteto (Lionel Hampton).
“Moonglow” 1936 https://youtu.be/4dm3Ml9g_cs
“Vibraphone blues” 1936 (Composición de Lionel).
https://youtu.be/-JPfR396kJY
- Tras el éxito de la actuación del Palomar se inicia una etapa de gran fama y
popularidad (1936-1939). Son el modelo a seguir para las demás orquestas.
Después de 6 meses en Chicago, regresa a Nueva York (1937) convertido en la
gran estrella de la época: se multiplican las actuaciones, giras, emisiones
radiofónicas, películas.
“Get Happie” 1936 https://youtu.be/WtXyNt5WMzA
“Sugar foot stomp” 1937 (versión de King Oliver)
https://youtu.be/fisWLklT3Ug
“Sing, sing, sing” 1937 https://youtu.be/3mJ4dpNal_k
“One o´clock jump” 1938 (versión de Count Basie)
https://youtu.be/8t3JTFfFaAc
 59

- En 1938 comienza su Carrera como clarinetista clásico, que continúa durante la

década de los 40 (caso inédito para la época). Grabó obras clásicas (Quinteto
para clarinete de Mozart), encargó obras a compositores clásicos (Contrasts,
Bela Bartok. Se estrenó en 1939) y tocó como solista en diversas orquestas.
- De forma paralela a la actividad con su orquesta continúa con diversas
formaciones reducidas: trío, cuarteto, y diversos sextetos con grandes músicos:
Fletcher Henderson, Count Basie, Cottie Williams (trompeta), Charlie Cristian
(guitarra).

 59

- En los primeros años 40 su popularidad decrece, pero sigue trabajando e

innovando con nuevos arreglistas y compositores:
• Arreglos menos determinados por las secciones y las fórmulas pregunta
respuesta.
• Mezclas instrumentales, timbres novedosos.
• Algunas influencias de la música clásica.
“Clarinet a la King” 1941. Pequeño concierto para clarinete (Sauter).
https://youtu.be/Fi1ov7fiu8s
“Mission to Moscow” 1942 (Mel Powell) https://youtu.be/pO7BgKgQEn0
- En la segunda mitad de los 40 se interesa por el bebop, aunque de forma
pasajera. Incorpora músicos a su septeto como Fats Navarro.
- A partir de los años 50 se dedicó a versionar su repertorio de más éxito,
realizando largas giras internacionales y continuó con su carrera como
clarinetista clásico.
- En 1955 se realizó la película autobiográfica “The Benny Goodman Story”: se
subraya la influencia de músicos afroamericanos en la creación de su estilo.

Otras orquestas

La magnitud de las tres orquestas anteriores dejan en un segundo plano a todas las
demás.

Jimmy Lunceford (1902-1947)

- Músico negro de clase media con estudios

universitarios (como muchos miembros de
su orquesta).
- En 1934, reemplaza a Cab Calloway en el
Cotton Club (comienza a ser reconocido).
- No fue ni el compositor, ni el arreglista, ni
el solista de su orquesta (a pesar de ser
multiinstrumentista). Se dedicó
exclusivamente a dirigir y a buscar los
músicos adecuados para su concepto
orquestal:
-

 60

• Abundancia de los tiempos medios.

• Presencia habitual de cantantes (instrumentistas de su orquesta).
• Arreglos sofisticados.
• Precisión en la interpretación e importancia del sonido de conjunto.
• Sentido del espectáculo escénico:
Ø Números cómicos.
Ø Parodias de otros músicos.
Ø Juegos malabares con los instrumentos.
Ø Presencia constante del baile.
- Entre 1934 y 1940 fue la etapa más importante de la orquesta (contratación en
1933 de Sy Oliver: trompetista, cantante, arreglista y compositor. Abandona la
orquesta a finales de 1939).
“Organ Grinder´s Swing” 1936 https://youtu.be/dZTzhqT6f4w
- Entre 1939 y 1942 tienen algunos éxitos, pero posteriormente entra en un
periodo de crisis, continuos cambios de músicos y arreglistas. Declive
progresivo en la década de los 40.
“What´s your story, mornin´glory?” 1940 https://youtu.be/yzO0D-rbJyo

Artie Shaw (1910-2004)

- Comienza su carrera artística a finales de

los años 20 y comienzo de los 30
trabajando en varias orquestas.
- En 1936 presenta en Nueva York su
primera formación (grupo reducido con
vientos, sección de ritmo y cuarteto de
cuerda: contrapunto y fondo armónico).

“Sweet Loraine” https://youtu.be/zRf8FxenrZ8

“Streamline” https://youtu.be/NPIYr3XEib4
- En 1937 forma su primera big band estándar que tuvo su mayor éxito entre 1938
y 1939.
“Begine the begine” 1938 (obtiene gran popularidad)
 61

https://youtu.be/cCYGyg1H56s
- En 1940 presenta los Gramercy Five (formación reducida con trompeta,
clarinete y sección de ritmo: el piano es sustituido por el clavicordio.
“Summit ridge drive” https://youtu.be/IqlmGLr74dc
- En este mismo año vuelve a recomponer la orquesta. Obtiene su segundo éxito.
“Frenesí” https://youtu.be/7GGyHOG7Jp0
- En 1942 y 1943 ingresa en la marina: dirige una orquesta.
- Posteriormente recompone en varias ocasiones su orquesta y su grupo.
- En 1954 se retira de la vida musical activa y en los años siguientes diversifica
sus actividades:
• Productor de cine y teatro.
• Escribe libros de relatos y su autobiografía.
• Se interesa por el psicoanálisis.

Características musicales:

- Su orquesta está dominada por la personalidad musical de su líder (igual que

Benny Goodman).
- Virtuoso del clarinete: control del lenguaje y el fraseo, gran técnica y dominio de
los registros del instrumento (sobre todo el más agudo).
- Se rodeó de músicos sobresalientes, sobre todo en la sección de ritmo: baterías
como Buddy Rich y Dave Tough (fluidez rítmica y destacados solistas).
“Concert for Clarinet” 1940 (solo de clarinete y batería).
https://youtu.be/d1AFkcYoHP0
- Contó con numerosos cantantes (como la mayoría de las orquestas de la época):
Billie Holliday estuvo 9 meses.
- Arreglos dentro del estándar de las formaciones blancas de la época: alternancia
de pasajes orquestales y las distintas secciones, y solos improvisados (la mayoría
por Artie Shaw, o músicos especialmente contratados: Hot Lips Page o Roy
Eldridge).
- Paralelamente, tuvo un carácter innovador y experimental, con arreglos más
modernos.
“Nightmare” https://youtu.be/-W59FzOwYIs
- Presencia de la orquesta en películas famosas de la época.
 62

- A lo largo de su carrera se debatió entre el éxito popular y la servidumbre que

conlleva, y los éxitos más comerciales y las composiciones más innovadoras.

Cab Calloway (1907-1994)

- Fue el líder y cantante de su orquesta.

- En 1932 sustituye a Duke Ellington en el
Cotton Club (comienza una carrera de éxito):
• Numerosas grabaciones.
• Emisiones radiofónicas.
• Giras por todo Estados Unidos y por
Europa.
• Apariciones en varias películas.
- Su estilo se caracterizó por su capacidad inventiva en las letras:
• Creación de palabras y sílabas:
“Minnie the Moecher” 1931 https://youtu.be/GAkFwgcW4Ug
• Virtuosismo con la voz:
“St, Louis Blues” 1930 https://youtu.be/p5VBxvCPM8M
• Espectacularidad en los intercambios vocales con la orquesta:
“The Hi-De-Ho miracle man” 1936 https://youtu.be/51zjWVDPtF8
- Contó con importantes solistas: Ben Webster, Chu Berry.
- Su orquesta fue uno de los primeros modelos de big band con cantante.
- Con la incorporación de Dizzy Gillespie y Mario Bauzá (saxofonista,
clarinetista, trompetista, arreglista y compositor) innova estilísticamente
prefigurando el bebop:
• Papel más destacado para los solistas.
“Pickin´the Cabbage” 1940 https://youtu.be/WDoOA9tcPQM
• Introduce en el repertorio temas de carácter latino.
“Chili con conga” 1939 https://youtu.be/Brot9s5GSTE
- Su sección de ritmo adquiere gran relevancia:
• Solos del contrabajista Milton Hinton
“Pluckin´ the bass” 1939 https://youtu.be/9gu2Lsclsq8
• Solos del batería Cozzy Cole
“Paradiddle” 1940 https://youtu.be/B_sWaxIqSO4
 63

Benny Carter (1907-2003)

- Trabajó para muchas orquestas en los

años 30.
- Desde 1932 dirigió su propia formación.
- Creó, junto a Johnny Hodges, el lenguaje
de la improvisación con el saxo alto
durante la era del swing:
- “Sleep” 1940
https://youtu.be/30udpTx2nEw
- Realizó magníficos e innovadores
arreglos:

• Solis de saxofones:
“Lonesome nights” 1933 https://youtu.be/MwNFcDwf9cU
• Versiones de estándares que se consideran modélicas:
“All of me” 1940 https://youtu.be/tUuVY55M8gc
- En su grupo tocaron importantes solistas:
• Primera orquesta de 1932: Chu Berry (saxo tenor), Teddy Wilson
(piano), Sid Catlett (batería).
• Formación de los años 40: Miles Davis, J. J. Johnson (trombón), Max
Roach (batería).
- Compuso gran parte del repertorio de su orquesta: temas de música de baile,
blues y estándares.

 64

Jimmy (1904-1957) y Tommy Dorsey (1905-1956)

- Fueron músicos habituales de la escena

jazzística desde finales de los años 20.
- En 1934 formaron su propia orquesta
(duró un año y medio debido a los
frecuentes conflictos personales entre
ellos) que se caracterizó por:
• Carácter comercial y
convencional de las baladas
cantadas por Crosby.
• Presencia en su repertorio de temas de la música de Nueva Orleans.
“Weary blues” 1935 https://youtu.be/mHYH5wQeFF0
• Papel principal concedido al clarinete (sobre todo los arreglos de Glenn
Miller).
- Tras la separación, Jimmy Dorsey continuó con la orquesta, y Tommy organizó
una nueva, que combinó la música de baile y los temas cantados con los solos
más jazzísticos.
“Marie” 1937 https://youtu.be/RyKhXltRaB0
- En 1939 Tommy Dorsey contrata como arreglista a Sy Oliver y renovó
completamente su plantilla instrumental (mejor época de la orquesta).
- En 1940 ingresa en la orquesta como cantante Frank Sinatra (los temas cantados
dan más popularidad todavía a la orquesta).
“Blue Skies” 1941 https://youtu.be/andb46kjf0g
 65

Chick Webb (1909-1939)

- Comenzó su carrera en los años 20.

- Su fama comienza en los años 30, cuando
fue contratado en el Savoy, una de las salas
preferidas de los bailarines de la época.
Aquí se hacen famosos sus duelos con otras
bandas (incluida la de Benny Goodman), en
los que siempre salieron vencedores.
- Obtuvo grandes éxitos con temas como:

“Stompin´ at the Savoy” https://youtu.be/x9Qdy0zkFK4
- Chick tuvo gran importancia en la orquesta: solos, breaks y musicalidad en la
batería.
- En 1935 se incorpora como cantante una jovencísima Ella Fitzgerald (pronto se
convierte en estrella principal). En 1936, tras la muerte de Chick Webb, se hace
cargo de la orquesta hasta 1942.
“A-tisket, a-tasket” 1938 https://youtu.be/GcynnygJidI

Glenn Miller (1904-1944)

- Desde finales de los años 20 trabajó

como trombonista y arreglista de diversas
orquestas, donde forjó su sonido
(presencia del clarinete en la sección de
saxofones).
- Su orquesta tuvo pocas pretensiones
jazzísticas (los solistas tenían un papel
secundario).

- Utilizó con mucha habilidad técnica los riffs y las melodías sincopadas,
obteniendo un éxito tras otro.
“In the mood” 1939 https://youtu.be/z2GIyogTGNU
- En 1942 muere en accidente de avión en el Canal de la Mancha.
 66

Solistas principales

Saxofón:

Coleman Hawkins (1904-1969)

- Creó un nuevo lenguaje para el saxofón

como instrumento solista dentro del jazz.
- Comenzó su carrera en los años veinte en la
orquesta de Fletcher Henderson (1922-1934).
“The stampede” 1926
https://youtu.be/GYhGOGF0FlE
“Hocus pocus” 1934
https://youtu.be/V0ED7rSC-d4

- En 1934 se traslada a Europa durante cinco años (giras y grabaciones, difusión y

expansión del jazz).
- En 1939 regresa a EE.UU. y realiza su grabación más famosa:
“Body & soul” https://youtu.be/zUFg6HvljDE
• Sustituye la melodía por una variación y una improvisación.
• Dobla la tiempo: destreza en el lenguaje y el fraseo fundamentado en los
arpegios de los acordes.
• Su solo adquirió un carácter legendario.
- Durante los años cuarenta fue de los primeros músicos de swing que intentó
adaptarse al bebop (grabó con Gillespie o Max Roach).
- Así mismo, a lo largo de su carrera tuvo una gran interés por las nuevas
tendencias: tocó con Miles Davis, Thelonious Monk, Stan Getz, RonCarter,
Sonny Rollins…
- Fue el primer gran improvisador del saxofón (sonido de referencia caracterizado
por su vibrato). Anticipa en algunos aspectos las novedades del bebop.
- Modelo a seguir por saxofonistas posteriores.
 67

Lester Young (1909-1959)

- Contrapunto a la figura de Coleman Hawkins

(personal y musical): sonido menos agresivo y
concepción más lineal de los solos.
- Su carrera profesional comenzó al final de los años
veinte con los Blues Devils (muchas actuaciones):
importancia del blues.
- Posteriormente trabajó con:
• King Oliver
• Fletcher Henderson (sustituyendo a Hawkins:
fracaso).

• Count Basie (1936): realiza algunas de sus mejores grabaciones.

“You can depend on me” 1939 https://youtu.be/2wm3Zsv80bo
“Tickle toe” 1940 https://youtu.be/iZXjrLXn734
• Kansas City Five y Kansas City Seven (miembros de la orquesta de
Basie).
“Lester Leaps in” 1939 https://youtu.be/f60JYoHdfVM
• Numerosas grabaciones con Billie Holiday (2ª mitad años treinta): voz y
saxo se complementan.
“Without your love” 1937 https://youtu.be/T-G4TCGZhhY
“Mean to mean” 1937 https://youtu.be/NIO6M5E0jyc
- En los años cuarenta sus grabaciones disminuyen progresivamente (personalidad
complicada, consumo de drogas), acentuándose en la década de los cincuenta.
“These foolish things” 1945 https://youtu.be/J050UIORCLk
- Su estilo se alejó de las tendencias de la época:
• Sonido más ligero y relajado, y vibrato casi ausente (contraste con
Coleman Hawkins).
• Sus solos son más melódicos y horizontales (más libertad en relación
con la armonía).
• Más regularidad con la duración de las corcheas de swing.
• Más variedad rítmica en los solos.
• Su estilo es precursor del estilo Cool (influencia directa en Stan Getz,
Gerry Mulligan o Paul Desmond).
 68

• Junto a Hawkins, fue un modelo a seguir por los saxofonistas de bebop

(Charlie Parker).

Ben Webster (1909-1973)

- Fue discípulo de Hawkins.

- Su sonido y fraseo causó gran admiración.
- Grabó sus mejores solos con la orquesta de Duke
Ellington:
“Cotton Tail” 1940
https://youtu.be/qAZWFafX6o8

Chu Berry (1910-1941)

- Fue conocido por la velocidad de su fraseo y por

su capacidad para adaptarlo a temas de diferentes
tempos.
- Tocó y grabó con Fletcher Henderson, Cab
Calloway y Count Basie, entre otros.

Johnny Hodges (1907-1970)

- Junto a Benny Carter, fue uno de los

creadores del lenguaje de la improvisación
con el saxo alto.
- Fue uno de los solistas más importante de la
orquesta de Duke Ellington.
 69

Trompeta:

Roy Eldridge (1911-1989)

- Llevó la técnica y el lenguaje de la

improvisación con la trompeta a otro nivel
(su estilo antecede en algunos aspectos al
bebop).
- En la década de los años treinta tocó en las
orquestas de Teddy Hill y Fletcher
Henderson, entre otras.
- Entre 1937 y 1941 lidera varias formaciones.
- Posteriormente forma parte de las orquestas de Gene Krupa y Artie Shaw.
- Su carrera continuó hasta finales de los años setenta.
- Características de su estilo:
• Capacidad técnica:
ü Amplitud de registro.
ü Gran control de los agudos.
ü Sorprendente velocidad.
ü Fuerza en el ataque de las notas.
• Peculiar fraseo: muy influenciado por Coleman Hawkins (improvisación
vertical).
“After you´ve gone” 1937 https://youtu.be/dcQ2tNELQuc
“Rockin´chair” 1941 https://youtu.be/5K9htUBh7lk

Bunny Berigan
- Tocó en las orquestas de Benny Goodman y Tommy Dorsey, entre otras.
- Entre 1937 y 1940 tocó y grabó con su propia formación.

Henry “Red” Allen

- Tocó en las orquestas de Fletcher Henderson y Benny Goodman, entre muchas
otras.
Cootie Williams y Cat Anderson
- Fueron solistas de la orquesta de Ellington.
 70

Trombón

- Tubo gran importancia y desarrollo en la época del swing (sección específica de

una big band: tres).
- Jack Teagarden y Tommy Dorsey fueron directores de orquesta y solístas e
intérpretes de trombón.
- Entre los solistas principales se encuentran:
• Benny Morton (Redman, Count Basie).
• Dicky Wells (Count Basie).
• Trummy Young (Jimmy Lunceford).
• Vic Dickerson (Benny Carter, Count Basie).
- Especial referencia a la sección de trombones de la orquesta de Duke Ellington:
• Joe “Tricky Sam” Nanton: aunque fue un solista limitado, destacó por
uso de la sordina plunger combinada con el efecto growl (amplia gama
sonora).
• Juan Tizol: Tocó el trombón de pistones (pasajes rápidos doblando a
saxos y trompetas).
• Lawrence Brown: forma de tocar asociada a las baladas y a los temas
vocales.

Piano

Art Tatum (1910 -1956)

- Fue la máxima representación del virtuosismo

técnico en el jazz de la época del swing.
- Tras varias operaciones en los ojos (cataratas),
quedó prácticamente ciego el resto de su vida.
- Con tres años tocaba al piano melodías que oía, y
poco después, ya tocaba piezas de ragtime.
- Intentaron darle una educación musical clásica
pero pronto se inclinó por el jazz.

 71

- Su visión jazzística se inspiró inicialmente en el stride de Harlem, construyendo

sobre él complejas superestructuras musicales hasta agotar prácticamente todas
sus posibilidades, obligando a los pianistas de jazz posteriores a seguir
direcciones diferentes.
- En 1933 llegó a Nueva York, y a los pocos días fue llevado a un local de Harlem
para ser retado por los mejores maestros de stride (Fats Waller, James P.
Johnson, Willie the Lion Smith). Los venció a todos.
• “Tea for two” https://youtu.be/9kMEPYU1Xwg
• “Tiger rag” https://youtu.be/CaPeks0H3_s
- Meses después grabó sus primeros discos, incluyendo las dos piezas anteriores.
• “Sophisticated lady” 1933 https://youtu.be/zwy5yID2C3M
Traslada al piano el lenguaje orquestal (grabada pocos meses después de la
original de Duke Ellington)
• “Beautiful love” 1934 https://youtu.be/1Au8LbDoB5k
Revisión de la melodía expuesta de varias formas diferentes.
- En las tres décadas siguientes grabó más de 600 temas como solista y como
director de banda.
- Hacia el final de su carrera, bajo la dirección del productor Norman Granz,
grabó más de 200 piezas (la mayoría de primeras tomas), como solista y en
colaboración con otros maestros (Ben Webster y Roy Eldridge), alcanzando un
nivel prácticamente insuperable.
- A principios de los años 40 realiza grabaciones informales en directo en diversos
locales de Harlem (menos elegantes pero más emocionantes), donde toca,
acompaña, y hasta canta blues.
- Destacar su concierto de 1949:
• Disonancias:
“The Kerry dance” https://youtu.be/6b6u_JV-6QQ
• Double time muy por encima de los 400 b.p.m.
“I know that you know” https://youtu.be/azCwOmWzUtU

 72

- Su forma de tocar alcanzó un nivel de complejidad que no ha sido superada ni en

el jazz ni en la música clásica. Se caracterizó por:
• Tocar en tempos increíblemente rápidos (arpegios ascendentes y
descendentes).
• Independencia de las dos manos, y nuevo concepción sobre la función de
cada una.
• Perfecta digitación.
- Su música ha sido alabada y criticada a partes iguales:
• Excesiva teatralidad.
• Alardes técnicos innecesarios.
• Predecible y poco original.
• Repertorio limitado: basado en “baladas sentimentales” y “éxitos
populares”.
• Excesiva dependencia de los arpegios, escalas y otros adornos.
- Diferentes encuestas realizadas a músicos (1956 y 1985), lo sitúan como el
mejor pianista de jazz.

Teddy Wilson (1912 - 1986)

- Desarrolló su carrera durante los años treinta:

• Tocando en orquestas (Benny Carter).
• Formaciones reducidas de Goodman:
Bajo con la mano izquierda y fraseo lineal,
alejado del estilo stride y la concepción
percusiva del piano.
- Dirigió muchas grabaciones con pequeñas
formaciones de músicos (big bangs famosas):
“Who loves you” 1936 https://youtu.be/Sid2LooeKeA

 73

Mary Lou Williams (1910-1951)

- Realizó una extensa carrera adaptada a los

cambios estilísticos de cada època.
- En la época del swing trabajó como
compositora y arreglista para diferentes
orquestas: Benny Goodman, Tommy Dorsey,
Jimmy Lunceford, Duke Ellington).
- Toco con las diversas formaciones de Andy
Kirk (gran intérprete de blues).

“What´s your story, morning glory” https://youtu.be/6URKjTrG4Bo

Guitarra

En 1937 la compañía Gibson lanza al mercado la primera guitarra eléctrica, haciendo

posible que los guitarristas de jazz crearan un nuevo lenguaje de improvisación.

Charlie Christian (1916-1942)

- Participó en las primeras sesiones del Minton´s

Club (junto a Gillespi, Monk, Clark), donde se
inició el bebop. Solo hay grabaciones de
aficionados (lenguaje avanzado):
“Swing to bop” 1941
https://youtu.be/Ce9Jtl9D6FQ

- En 1941 se retira de la escena musical por una tuberculosis, muriendo al año
siguiente.
- Creó el lenguaje de la guitarra eléctrica.
 74

Django Reinhardt (1910-1953)

- Comenzó su carrera profesional a comienzos

de los años veinte tocando en los cafés
parisinos.
- En 1928, tras un incendio, su mano izquierda
quedó lesionada gravemente. Inventó una
nueva técnica y volvió a tocar de manera

profesional a comienzo de los años treinta.

- En 1934 conoció a Stephane Grappelli, con el que formó su grupo más famoso:
el quinteto del Hot Club de Francia (formación atípica):
• Violín.
• Guitarra solista.
• 2 guitarras de acompañamiento.
• Contrabajo.
- Grabó con gran parte de los músicos americanos de gira por Europa (Coleman
Hawkins, Benny Carter).
- Durante la ocupación alemana rehizo su quinteto, sustituyendo el violín
(Grappelli permaneció en Londres) por un clarinete, y una guitarra acústica por
una batería, y consiguió una fama enorme (jazz como forma de resistencia).
- En 1946 viajó a EE.UU.:
• Tocó con Duke Ellington.
• Realizó sus primeras grabaciones con una guitarra eléctrica.
- En los últimos años de su vida tocó en varias formaciones pero se fue retirando
progresivamente del mundo del espectáculo.
- Su música unió la tradición gitana (manouche) y la del jazz.
“Dinah” 1934 https://youtu.be/o3yXEUVXrYk
“Honeysuckle Rose” 1938 https://youtu.be/uFUE4FpqLSU

- Su estilo se caracterizó por:

• Sonido metálico y muy percusivo.
• Uso de bendings, trémolos y glisandos (expresividad).
 75

• Uso de octavas y solos de acordes (alternativa a la improvisación

melódica).
• Constante acentuación de las notas (fraseo dinámico).
- Realizó grabaciones a guitarra sola prácticamente improvisadas:
“Improvisation” 1937 https://youtu.be/abTCjBo8elE
- A pesar de sus pocos conocimientos de la escritura musical fue un notable
compositor:
“Djangology” https://youtu.be/YPG1OnOrhis
“Nuages” https://youtu.be/DY0FF4iR9Cw

La función de acompañamiento de la guitarra eléctrica fue desarrollada por:

Bernard Addison (1905-1990)

- En 1933 grabó con la orquesta de Fletcher

Henderson: eficaz sección de ritmo junto a John
Kirby (contrabajo) y Walter “Gus” Johnson
(batería).
“Yeah man!”
https://youtu.be/Abjg9h9MtsM

Freddie Green (1911-1987)

- Tocó en la orquesta de Count Basie durante

cincuenta años (1937-1987), donde desarrolló
una forma de acompañamiento marcando los
cuatro tiempos usando diferentes inversiones en
cada uno.
- Juanto a Walter Page y Jo Jones constituyeron el
modelo por excelencia de una sesión de ritmo en
la orquesta de swing.

 76

Contrabajo

Sufrió importantes transformaciones en la década de los años treinta:

• Se abandona progresivamente la técnica de slap (usual en los años
veinte) y se sustituye por un pizzicato más regular.
• Se establece el walking bass, o fórmula de acompañamiento de cuatro
negras por compás que sustiyute al two-beat (Walter Page).
• Se crea un lenguaje como instrumento solista (Jimmy Blanton).

Jimmy Blanton (1918-1942)

- Casi todas sus grabaciones las realizó con Duke

Ellington entre 1939 y 1941. Muestra un estilo
sobresaliente, tanto de acompañamiento como de
solista,
- Sentó las bases del lenguaje de la improvisación con
el contrabajo.
“Jack the bear” 1940 (comienza y termina con un solo).
https://youtu.be/ddxpxnvmXk4
“Body and soul” 1940 (diversas posibilidades con el contrabajo).
https://youtu.be/aeD7hkJPzpU

Batería

Al igual que el contrabajo, experimentó grandes cambios en la época del swing:

- Se convirtió en la base de la sección de ritmo: primero con el hi hat y
posteriormente con el ride.
- Adquirió el papel de instrumento solista, inédita hasta ese momento: desarrollo
de la técnica de los intérpretes y un lenguaje específico de improvisación.
 77

Walter “Gus” Johnson (1904-1977)

- Tocó en la orqueta de Fletcher Henderson entre

1929 y 1934.
- Desarrolló la técnica de acompañamiento en el
swing marcando los cuatro tiempos del compás
en el hi hat, abriéndolos en los tiempos 1 y 3, y
cerrándolos en los tiempos 2 y 4.
“Chinatown, my Chinatown” 1930
https://youtu.be/m9J1nQGvq-k

“Papa” Jo Jones (1911-1985)

- Desarrolla hasta su máximo esplendor las

innovaciones de Walter Johnson: en los
tiempos 1 y 3 toca negras, y en los tiempos
2 y 4, toca corcheas (dándole más valor a la
primera que a la segunda: “swingeada”).
Con la otra mano toca determinados golpes
en la caja y marca los 4 tiempos con el
bombo muy suave (feathering).

- Tocó con la orquesta de Count Basie.

“Boogie Woogie” 1936 https://youtu.be/ALlfAljk5Sg
- Junto a Walter Johnson contribuyeron a la modernización y estandarización del
set de batería:
• Eliminan accesorios.
• Reducen las dimensiones del bombo y la caja.
• Usan platos más ligeros y de mayor diámetro.
 78

Dave Tough (1907-1948)

- Fue el batería que más hizo evolucionar la
técnica de las escobillas (la mayoría las
usaban como una simple sustitución de las
baquetas).
“A smo-o-oth one” 1941
https://youtu.be/x--Vkpnb-DM
- Tocó con Tommy Dorsey, Benny
Goodman y Woody herman.

- Experimento con nuevas formas de acompañamiento, sustituyendo el hi hat por

el plato ride.
“Keepin´out of mischief now” 1936 https://youtu.be/gpksBw0kI88
- No fue un intérprete espectacular, pero fue uno de los baterías más musicales de
la época y uno de los que mejor anticipó el papel del plato ride.

Gene Krupa (1909-1973)

- Fue el intérprete que más contribuyó a

realzar la espectacularidad de la batería,
dándole una nueva dimensión (en sus solos,
fundamentados en la caja y los timbales,
exhibía una gran técnica).
- Tocó con Benny Goodman y posteriormente
en su propia orquesta.
“Who?” 1935
https://youtu.be/z1_lNHBI97o (solo de batería de 32 compases, posiblemente
el primero de esa duración en la historia del jazz).
 79

Sonny Greer (1895-1982)

- Toco en la orquesta de Duke Ellington,

incluyendo gran cantidad de accesorios de
percusión con los que creaba gran cantidad de
colores en su interpretación.

Cozy Cole (1909-1981)

- Tocó con diversos combos liderados por Lionel

Hampton, y con la Orquesta de Cab Calloway,
entre otros.

Sidney Catlett (1910-1951)

- Tocó con Fletcher Henderson, Don Redman y

Louis Armstrong, entre otros.
- Su estilo se caracterizó por el uso de las diversas
posibilidades tímbricas de la batería y por sus solos
melódicos.

Buddy Rich (1917-1987)

- Tocó con las orquestas de Artie Shaw, Tommy

Dorsey y Benny Carter, y posteriormente con su
propia orquesta.
- Su estilo es deudor de la velocidad, espectacularidad
y exhibicionismo de Krupa.

 80

Lionel Hampton (1909-2002)

- Fue un gran batería además de tocar el piano y el

vibráfono.
- Tocó con Louis Armstrong, Benny Goodman y con su
propia orquesta a partir de 1940, donde desarrolló su
faceta de showman.
- Fue el creador del lenguaje solista del vibráfono.


 81

Cantantes

La mayor parte de las orquestas de swing incluían en sus repertorios temas cantados
(gran aceptación del público), por lo que contaban con uno o varios cantantes. En
ocasiones, los líderes de las orquestas, e incluso algunos de sus músicos, interpretaban
temas vocales, como solista o apoyando a los cantantes principales.
Además de en orquestas de swing, algunos cantantes trabajaron también con grupos más
pequeños, en musicales o en emisiones radiofónicas (repertorio muy variado: cancioners
populares, estándares, blues).

Billie Holiday (1915-1959)

- Comenzó su carrera musical en diversos clubs

de Harlem, donde la escuchó John Hamond
(organizó su primera sesión de grabación con
Benny Goodman en 1933).
- En 1935 realizó una importante serie de
grabaciones (muchas dirigidas por Teddy
Wilson) acompañada por músicos de las
principales orquestas (Roy Eldridge, Lester
principales orquestas (Roy Eldridge, Lester Young, Johnny Hodges, etc), donde
demuestra un gran capacidad para integrar la voz en el conjunto instrumental
(sobre todo con Lester Young).
- En la segunda mitad de los años treinta trabajó con diversas orquestas: Jimmy
Lunceford, Fletcher Henderson, Count Basie o Artie Shaw, entre otras (muy
pocas grabaciones).
- Tras unos años de actuaciones por clubs de diferentes ciudades, y de grabaciones
de cierto éxito es contratada por la discográfica Decca, que intentó que su
música llegara a un público más numerosos (arreglos más comerciales, solistas
más discretos y añadiendo una sección de cuerda).
- Con los años su salud física y mental, y sus facultades vocales se fueron
deteriorando. Aun así, el poder emocional de su voz perduró incluso en sus
últimas grabaciones.
 82

- En 1952 firmó un contrato con Norman Granz (grabaciones con pequeños

grupos e importantes solistas).
- En 1957 participó en el programa de televisión The Sound of Jazz interpretando
un tema suyo acompañada por grandes figuras como Roy Eldridge Lester
Young, Coleman Hawkins o Ben Webster.
“Fine and Mellow” 1957 https://youtu.be/vaZiijPbnP8
- Tuvo un estilo propio e inimitable basado en:
• Recrear y personalizar los temas.
• Expresividad y poder emocional.
- Su técnica y registro eran limitados, pero tenía un timbre muy personal y gran
capacidad para alterar y variar melodía y ritmo.
“Man I love” 1939 https://youtu.be/rWvxsQCqi_M
“All of me” 1941 https://youtu.be/NcBxXRVhV_o
- Su vida fue especialmente trágica:
• Ejerció la prostitución siendo adolescente.
• Fue adicta a la heroína.
• Fue condenada a un año de prisión.
• En ocasiones le retiraron el permiso para actuar en locales donde se
servía alcohol.

Ella Fitzgerald (1918-1996)

- Comenzó su carrera en los años treinta en

la orquesta de Chick Webb, desde 1935
hasta 1939 (primeros éxitos). A partir de
1939 lidera la orquesta (Webb fallece por
enfermedad): Ella Fitzgerald and her
famous orchestra (se disuelve en 1942).
“A-tisket, a-tasket” 1938
https://youtu.be/GcynnygJidI
“Don´t worry about me” 1939
https://youtu.be/NjnRXv1mpyY
- A comienzos de los cuarenta obtiene numerosos éxitos comerciales (en solitario
o junto a estrellas populares, como Louis Armstrong).
 83

Mildred Bailey (1907-1951)

− Fue una de las primeras vocalistas de big band.

− Desde 1929 a 1933 trabajó con la orquesta de
Paul Whiteman (fijó un modelo a seguir por el
resto de las formaciones posteriores).
− Su estilo fue deudor de la tradición de las
cantantes de blues:
“Rockin´chair” 1937 (Red Norvo)
https://youtu.be/cfXhEsbTQJM

Bing Crosby (1903-1977)

- Trabajó en diversas orquestas donde desarrolló su

faceta de crooner: Paul Whiteman (años veinte),
Duke Ellington, Hermanos Dorsey (años treinta).
- Su estilo se alejó en ocasiones de los parámetros
jazzísticos, pero fue un referente para muchos
cantantes posteriores.

Frank Sinatra (1915-1998)

- En 1940 se incorporó a la orquesta de Tommy

Dorsey:
“Blue skies” 1941
https://youtu.be/andb46kjf0g

Leo Watson (1998-1950)

- Trabajó con los grupos de John Kirby, Artie Shaw y Gene Krupa.
- Fue, junto con Cab Calloway, uno de los cantantes que popularizaron la técnica
del scat .
 84

Jimmy Rushing (1903-1972)

- Aunque provenía de la tradición del blues, se adaptó a las diferentes orquestas

con las que trabajó: Blue Devils, Bennie Moten y Count Basie).

2. LA REVOLUCIÓN DEL BEBOP

Los orígenes de un nuevo estilo. Características musicales. Repertorio. Las big bands.
En retrospectiva.

- Surge y se desarrolla en los años 40 (etapa marcada por la entrada de los EE.UU.
en la 2ª guerra mundial: periodo de prosperidad económica).
- El consumo se orienta hacia la industria del espectáculo debido a las
restricciones del consumo de bienes por la guerra:
• Racionamiento de la gasolina (desde 1942).
• Limitación del número de autobuses (usados para el transporte militar).
- Reducción del número de giras (sobre todo las orquestas negras).
- Las condiciones de trabajo de la mayoría de las orquestas negras empeoran
(discriminación racial).
- Los mejores músicos negros deciden abandonar las grandes agrupaciones.

Periodo inicial

- Muy relacionado con las jam sessions y los pequeños clubs de Nueva York (en
Harlem y sobre todo en la calle 52 desde el final de los años 30):
• Minton´s Playhouse (Harlem): abierto en 1938 por Henry Minton
(primer delegado negro de la Unión de Músicos de Nueva York).
Ø En 1941 organizan las Monday Celebrity Nights (invitaban a
músicos que tocaban en el teatro Apollo).
Ø Grupo base organizado por Kenny Clarke (batería): Thelonious
Monk (piano), Joe Guy (trompeta) y Nick Fenton (contrabajo).
 85

Ø Su fama se extiende y pronto las actuaciones se hacen diarias:

acudían músicos de diversas orquestas cuando finalizaban sus
trabajos, e incluso sus líderes (Benny Goodman, Artie Shaw,
Lester Young, Roy Eldridge).
Ø También acuden músicos más innovadores: Charlie Christian
(guitarra), Don Byas (Saxo tenor), Dizzy Gillespie.
Ø Grabaciones caseras de algunas sesiones improvisadas:
“Swing to bop” 1941 (título original: Topsy). Interacción
entre Christian y Clarke (acentos en caja y bombo en
respuesta al fraseo de la guitarra).
https://youtu.be/Ce9Jtl9D6FQ
“Indiana” 1941. Combina los elementos novedosos con
los principios estilísticos del swing.
https://youtu.be/ORp-LhNW418
• Monroe´s Uptown House (Harlem):
Ø Famoso por sus sesiones que duraban hasta el amanecer (Charlie
Parker, Max Roach).
Ø Escasas grabaciones.
- Estos locales entran en declive a finales de los años 30. El centro del espectáculo
se traslada a la calle 52. Los locales incrementan las actuaciones instrumentales
durante la 2ª guerra mundial (evitan los impuestos especiales de la música de
baile y los espectáculos teatrales: cabaret tax). El bebop se expande y llega a ser
la música de jazz predominante en los años 1947 y 1948.
- A partir de 1950 decae el interés por el bebop y se convierte en una música
minoritaria incluso para el público negro, que adoptan el rhythm and blues como
música de baile.

Características musicales

- Combo clásico de bebop: dos o tres instrumentos de viento y una sección rítmica
compuesta por piano, contrabajo y batería. Las fórmulas pueden ser variadas,
pero la más usual es el quinteto liderado por trompeta y saxofón.
- El clarinete prácticamente desaparece (competencia del saxofón).
- El trombón no se adapta a las exigencias (raras excepciones: J. J. Johnson),
 86

sobre todo de velocidad.

- La guitarra está prácticamente ausente en el primer bebop (nueva concepción del
ritmo), excepto en algunas grabaciones (intérpretes de la escuela del swing con
músicos de bebop):
“Groovin’ Hig” 1945 (Dizzy Gillespie) https://youtu.be/-sttF6_NIOQ
- La música del nuevo estilo se centra en los solos improvisados de los
componentes del grupo (el arreglo está prácticamente ausente).
- La estructura habitual de un tema se compone de la exposición melódica al
unísono o en octavas por parte de los vientos, a la que siguen los solos
instrumentales, para terminar con una nueva exposición del tema (en ocasiones
se añaden introducciones o codas). Hay algunas excepciones:
• Idea de arreglo formal:
“Shaw nuff” https://youtu.be/DGrZpTWSkh4
• Diferentes voces en la exposición de los temas o contrapunto entre ellas:
“Chasin´the bird” https://youtu.be/q97xzziKqOI
- Los cambios que se producen en la sección de ritmo constituyen una de las
principales innovaciones y aportaciones del bebop:
• Cada instrumento tiene un papel individual que se complementa con el
de los demás, pero se evita la repetición de las ideas rítmicas (diferencia
con el swing: función básica de marcar los cuatro tiempos del compás).
• Como consecuencia varía la función de cada instrumento de la sección:
Ø El contrabajo se convierte en el sostén principal de la sección,
con un pulso a negras cada vez más desarrollado, uso de notas
ajenas a los arpegios de los acordes, y notas de aproximación
(mayor horizontalidad).
Ø El acompañamiento de piano no se ajusta rítmicamente a ningún
patrón prefijado ni predecible (acordes sin regularidad de tiempo
y con mayor densidad armónica).
• La batería sufre la mayor transformación: interactúa con los solistas y el
resto de la sección, y tiene un discurso propio e independiente,
presentando una doble faceta:
Ø Continuidad rítmica: el soporte básico lo tiene el plato ride y el hi
hat tocando los tiempos 2 y 4.
 87

Ø El bombo y la caja acentúan ciertos golpes de una manera

irregular.
- En resumen, la sección rítmica del bebop presenta una mayor riqueza, variedad
y diversidad (contraste con la uniformidad de esta en la época del swing). La
sección rítmica es algo más que un soporte para los solos. Tiene un papel activo
de interacción.
- El repertorio se fundamenta en la interpretación de estructuras armónicas
estandarizadas:
• Lugar preferente del blues (sobre todo los músicos formados en el jazz
de Kansas City: Charlie Parker). En muchas ocasiones se modifican y se
amplía el número de acordes empleados, desde pequeñas modificaciones:
“Billie´s Bounce” https://youtu.be/abfB7fQsjNw
hasta importantes rearmonizaciones:
“Blues for Alice” https://youtu.be/b80myMYmboY
• Rhytm changes: temas derivados de la estructura armónica de I got
rhythm: I VI- II- V7 (parte A) cadena de dominantes (parte B).
Aunque ya se tocaban frecuentemente en la época del swing, ahora se
tocan con numerosas sustituciones de acordes: El I grado por el III-, el
VI- por el VI7, o sustituciones tritonales de algunos dominantes.
• Temas populares del repertorio del swing con importantes revisiones
melódicas, armónicas y rítmicas.
“I can´t get started” 1945 (Dizzy Gillespie): cambios melódicos con
pasajes añadidos improvisados y variaciones en la armonía con acordes
cromáticos en los 4 primeros compases.
https://youtu.be/8JnTS8vdoZs

1 - Nueva Orleans: contexto histórico y social.

2 - Características de la música africana que influyen en el Jazz.

3 - Géneros precursores:
- Blues:
• Blues rural: características. Robert Johnson, Charlie Paton.
• Blues urbano: características. Ma Rainey, Bessi Smith
- Ragtime: características. Tom Turpin, Scott Joplin, James Scott, Josehp Lamb.
- Espirituales negros y gospel: características.

4 - Nueva Orleans: orígenes del jazz. Características.

- Influencias:
• Burdeles.
• Iglesias.
• Fiestas y celebraciones.
• Brass bands.
• Música europea.
- Primeros músicos: Buddy Bolden, Freddie Keppard, Bunk Johnson, Joe “King”
Oliver (Criole Jazz Band), Jelly Roll Morton.
- Louis Armstrong (la era del solista): Hot five y Hot seven.
• Otros solistas:
Ø Clarinete: Sidney Bechet, Jimmie Noone, Johnny Doods, Omer
Simeon.
Ø Trombón: Edward “Kid” Ory, Honoré Dutrey.
Ø Banjo: Johnny St. Cyr.
Ø Contrabajo: John Lindsay.
Ø Tuba: Peter Briggs.
Ø Batería: Baby Doods, Zutty Singleton.
- Dixieland (Jazz blanco):
• Original Dixieland Jazz Band.
• New Orleans Rhythm Kings.
5 - Jazz de Chicago y Nueva York: características.
- Bix Beiderbecke, Frank Trumbauer “Tram”, Eddie Condon (McKenzie-Condon
Chicagoans).
- Jack Teagarden, Red Norvo.
- Harlem: Stride. Características.
• Willie “The Lion” Smith, Fats Waller,
- Boogie-woogie: características.

6 - La era del swing (big bands): contexto histório y social. Características.

- Primeras orquestas: Paul Whiteman, Fletcher Henderson.
- Bandas territoriales (estilo Kansas City): características.
• Bennie Moten, Blue Devils, Count Basie.
- Grandes orquestas:
• Duke Ellington, Benny Goodman.
- Otras orquestas:
• Jimmy Lunceford, Artie Shaw, Cab Calloway, Benny Carter, Jimmy y
Tommy Dorsey, Chick Webb, Glenn Miller.
- Principales solistas:
• Saxo: Coleman Hawkins, Lester Young, Ben Webster, Chu Berry, Jonny
Hodges.
• Trompeta: Roy Eldridge, otros.
• Trombón: Jack Teagarden, Tommy Dorsey, otros.
• Piano: Art Tatum, Teddy Wilson, Mary Lou Wiliams.
• Guitarra: Charlie Christian, Django Reinhardt, Bernard Adison, Freddie
Green.
• Contrabajo: Waler Page, Jimmy Blanton.
• Batería: Walter “Gus” Johnson, “Papa” Joe Jones, Dave Tough, Gene
Krupa, Sonny Greer, Cozy Cole, Sidney catlett, Buddy Rich, Lionel
Hampton.
• Cantantes: Billie Holiday, Ella Fitzgerald, Mildred Bailey, Bing Crosby,
Frank Sinatra, Leo Watson, Jimmy Rushing.