Grupos de Rock

Te explicamos qué es el rock, el origen y la historia de este famoso

género musical. Además, sus subgéneros y los instrumentos que utiliza.

El rock es una fusión entre la música Country y el Rhythm and Blues.

¿Qué es el Rock?
Se conoce como Rock a un conjunto de géneros variados de música popular,
descendientes más o menos del Rock n’ Roll original nacido en los Estados
Unidos en la década de 1950, como fruto de una fusión entre la música Country y
el Rhythm and Blues.

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Típicamente, el Rock es un género reconocido por la predominancia de la
guitarra eléctrica, con canciones de compás 4/4 y una estructura verso-
estribillo. Pero en su evolución particular es difícil hoy en día dar con
características realmente comunes.

En líneas generales las temáticas de sus canciones apuntan a lo social, lo político

y también el amor y la emoción, haciendo énfasis sobre todo en aspectos como la
composición, la performance en vivo y la originalidad.

Los diversos estilos del Rock han servido a lo largo de las décadas de

representación y espíritu a diversos colectivos urbanos o “tribus”, e incluso a
movimientos sociales de distinta naturaleza, llegando a convertirse a la vez en
bandera contracultural y antisistema, vehículo de la denuncia social y los
reclamos de las minorías, y también en un representante de la cultura
estadounidense y su conquista económica, política y social del mundo durante
décadas de comportamiento imperialista.

Ver también: Arte popular

Origen e historia del Rock

Elvis Presley es considerado el rey del Rock n’ Roll.
El Rock se originó en la década de 1950 en los Estados Unidos y la de 1960 en
Reino Unido. A la primera se la conoció como la “época dorada” o también el
período del “Rock clásico”, en el que surgió el Rock n’ Roll, cuyo primer tema
en la historia fue That’s allright, Mama de Elvis Presley (según otros
investigadores fue “Fat man” de Fats Domino), considerado el Rey del género.
Durante la década de los 50 el rock se popularizaría a gran escala en los Estados
Unidos y Occidente, gracias a artistas como Eddie Cochran, Jerry Lee Lewis y
Roy Orbison, cuando no a los grandes músicos del Rock “negro”: Chuck Berry,
Bo Diddley y Little Richard.

El éxito sería tal que en Detroit, Estados Unidos, el Rock y el Rhythm and Blues
iniciarían un camino conjunto, del cual emergería en la década siguiente un
solista y famoso bailarín: Michael Jackson, quien luego sería el “Rey del Pop”.

Los años 60 inician con la “invasión británica” cuyos primeros agentes fueron
The Beatles, The Rolling Stones, The Animals, The Who, entre otros. Poco
después ocurriría una verdadera explosión de variantes del rock, nutridas por el
movimiento contracultural y el espíritu hippie de la época.

La psicodelia, el amor libre y la Revolución sexual marcaron profundamente

al Rock, sumando artistas de la enorme talla de Janis Joplin, Jimi Hendrix, Keith
Richards, George Harrison, Eric Clapton, Bob Dylan, Leonard Cohen, Lou Reed
y bandas como Velvet Underground, Pink Floyd, Grateful Dead, Jethro Tull, de
corte experimental.

En la década del 70 bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin, Deep Purple o

Queen tomaron elementos de otros géneros musicales, como la ópera o
el Soul, para dar nacimiento a numerosos estilos del Rock: melódicos y artísticos,
o veloces y ruidosos.

Destaca el Punk Rock, nacido en Reino Unido a finales de la década y

claramente orientado hacia un contenido político. En esta década destacan bandas
como Génesis (con Peter Gabriel), Ramones, Yes, Alice Cooper, Van Halen y
artistas colosales como David Bowie.

Los 80 marcaron el retorno del Rock a vertientes más comerciales,

eventualmente dando nacimiento al Pop, con bandas como
Duran Duran, Tears for Fears, INXS, Billy Idol o, más aún, Michael Jackson y
Madonna. Por otro lado, el Rock Alternativo se hace presente con The Cure, U2,
R.E.M., Pixies y muchos más, junto con el remanente del Punk.

Los 90 trajeron una nueva invasión británica, así como la aparición de vertientes

más desencantadas y tristes como el Grunge o el Britpop, o
más mecanizantes como el Rock Industrial, que tomaba sonidos de fábricas y
factorías, y que luego daría pie a la música electrónica. Bandas legendarias
como Guns n’ Roses, Metallica, Nirvana, Radiohead, Oasis, Blur y Placebo
hicieron su entrada en el panorama.

Subgéneros del Rock

El heavy metal es la variante estridente del rock.
Los subgéneros del Rock son numerosísimos. Sin embargo, una lista de los
principales incluiría:

 Surf Rock. Nacido en EE.UU, toma como tema la vida playera.

 Folk Rock. Música fusión del blues, rock y la música folk.
 Rock psicodélico. Variante experimental y próxima a la experiencia
de las drogas alucinógenas (sobre todo LSD).
 Blues Rock. Con la guitarra eléctrica en solitario ocupando el lugar
principal, combina el Blues y el Rock.
 Heavy Metal. Apostando por la velocidad y la intensidad de sonidos,
es la variante estridente del rock.
 Rock progresivo. Acercándose al jazz y la música clásica, valoró el
aspecto sinfónico y complejo del Rock, incluso aspirando a contenido
filosófico-esotérico.
 Glam Rock. Su nombre viene de “glamour” (glamoroso) y fue un
retorno a cierta sencillez frente al rock más complejo, durante los 70 y
80.
 Punk Rock. Bajo el lema “There is no future” este género asumió la
inconformidad y la rabia de los sectores bajos de Reino Unido bajo un
mensaje contracultural y violento.
 Rock Industrial. Empleando sonidos de máquinas y metales, sacados
de fábricas, es un Rock del capitalismo: las máquinas, el ruido, la
regularidad.


Instrumentos del Rock

La guitarra eléctrica es el instrumento principal al tocar rock.
La guitarra eléctrica es la gran protagonista del Rock, a punto tal que su sonido se
ha hecho típico del género y se asocia a él directamente, sobre todo en solos o
“riffs”. Otros instrumentos típicos son el bajo y la batería, pero también el
teclado o piano eléctrico, y en los casos más contemporáneos, también se incluye
el sintetizador, un aparato electrónico capaz de producir sonidos novedosos y
particulares.

Pop
El pop presta más atención a los ritmos de moda.
El pop nace junto al Rock, y vendría a ser su hermano más comercial y
convencional, que otorga más atención a los ritmos de moda, al baile y a
valores más efímeros pero populares. Sin embargo, en su camino ha variado tanto
como el Rock, llegando en momentos a fusionarse: el Pop-ro

Las 10 mejores bandas de rock de la historia

1. The Beatles. La banda más exitosa del mundo. ...
 2. Queen. Se formó con la unión de Freddy Mercury, Roger Taylor, Brian
May y John Deacon en Londres en 1970. ...
3. Led Zeppelin. ...
4. Pink Floyd. ...
5. The Who. ...
6. The Rolling Stones. ...
7. U2. ...
8. Metallica.

Historia de las Marching Band

La banda se originó con los músicos ambulantes que realizaron juntos en fiestas y celebraciones
en todo el mundo antiguo. Se desarrolló y se convirtió en más estructurado dentro de los
ejércitos de los principios de las ciudades-estado , convirtiéndose en la base de la banda militar ,
desde que surgió la banda de música moderna.Como los músicos se hizo menos importante en la
dirección del movimiento de tropas en el campo de batalla, las bandas se trasladó a funciones
cada vez más ceremonial - una etapa intermedia, que contiene algunas de los instrumentos y la
música para bandas de música moderna fue la banda de música , que también evolucionó a
partir de la tradición militar.
Muchas de las tradiciones militares sobrevivir en banda moderna. Las bandas que marchan en
formación a menudo se le ordenará a "vestir a sus filas" y "abajo la cubierta de sus
archivos".Pueden ser llamados a la "atención", y dado órdenes tales como "de cara" y "marcha
hacia adelante". Uniformes de las bandas de marcha muchos todavía se parecen a los uniformes
militares.
Fuera de organizaciones policiales y militares, bandas modernas marcha son más
comúnmente asociados con el fútbol americano , en concreto la previa al partido y la
muestra del medio tiempo.Muchos EE.UU. universidades habían bandas antes del siglo
XX. La Universidad de Illinois Illini Marcha fue la primera banda para crear una formación,
el "Bloque I", en un desfile. En 1907, la primera formación en un campo de fútbol fue el
"Bloque P", creado por Pablo Spotts Emrick, director de la Banda de Purdue All-
American . Spotts había visto una bandada de pájaros vuelan formando una "V" y decidió
que un grupo podría replicar la acción en forma de formaciones muestran.  El espectáculo
de medio tiempo por primera vez por una banda de música en un partido de fútbol fue
realizada por la Universidad de Illinois Illini marcha también en 1907 en un partido contra
la Universidad de Chicago . 
Otra de las novedades que aparecieron aproximadamente al mismo tiempo que el programa
de campo y marchando en formación fue la canción de la lucha . Canciones de la
Universidad de lucha a menudo están estrechamente asociados con la banda de la
universidad. La Universidad de Illinois también tenía la canción de la lucha en primer
lugar, "Lealtad de Illinois". Muchas de las canciones de la lucha más reconocidos y
populares son ampliamente utilizados por las escuelas secundarias de todo el país. Cuatro
canciones de la lucha universitaria comúnmente utilizados por las escuelas secundarias son
la Universidad de Michigan 's " Los Vencedores ", la Universidad de Illinois " Lealtad de
Illinois ", de la Universidad de Notre Dame "s" Marcha de la Victoria ", y la United States
Naval Academy ' s " Levando anclas ".
Otros cambios en la banda de música han sido:
 adopción de la tradición de las escuelas secundarias (High Schools secundarias,
escuelas secundarias y escuelas de enseñanza media)
 la adición de una danza de la línea y el bastón manipuladores / majorettes
 Además de la guardia de los miembros
Desde el inicio de Drum Corps International en la década de 1970, muchas bandas de
marcha que realizan muestra de campo han adoptado cambios en la actividad que
desarrollo en paralelo con batería moderna y los cuerpos de corneta . Estas bandas se dice
que son cuerpos de estilo bandas. Los cambios adoptados de tambores son:

 marchando estilo: en vez de una secundaria tradicional, tambores tienden a

marchar con paso de un fluido se deslizan, también conocido como un paso roll,
para mantener los torsos de los músicos en reposo absoluto 
 la adaptación de la bandera , rifle , y sable unidades en "auxiliares", que marcha
con la banda y dar un toque visual al girar y tirar las banderas o armas
simuladas y con baile en el desempeño
 timbales de marcha en movimiento y percusión de teclado en una sección de
percusión lateral fijo (" pit "), que desde entonces ha incorporado muchos tipos
diferentes de instrumentos de percusión como: panderetas, platillos Crash,
Platos suspendidos, bombo y conjuntos de Gong, Chimes, EWIS (Electronic
Instrumento de viento de madera), y la mayoría de los teclados
 marcha las competiciones de banda son juzgados con criterios similares a los
criterios utilizados en las competiciones de tambor cuerpo, con énfasis en los
aspectos individuales de la banda (títulos de música, el rendimiento visual,
percusión, guardia (auxiliar), y el efecto general son estándar).
La orquesta

Orquesta: Etimológicamente, la palabra procede del griego orchêstra (zona para bailar).

El término puede aplicarse a cualquier tipo de agrupación instrumental, sea cual sea su origen,
desde la orquesta gagaku del Japón a las orquestas gamelan de Indonesia y Bali. En la música
culta occidental, hace generalmente referencia a la orquesta sinfónica, un conjunto integrado por
numerosos instrumentos de cuerda más una selección de instrumentos de viento-madera, metal y
percusión.
En la antigua Grecia, el término orchêstra  hacía referencia a la zona circular en la parte delantera
del escenario utilizada por el coro dramático para cantar y bailar.

1. Diazomatos 2. Kerkides 3. Theatron (Hemiciclo) 4. Orchêstra 5. Lugar de la Skene 6.

Thymile
En la Edad Media el término pasó a hacer referencia al propio escenario. A partir de finales del
siglo XVII, se usó para denominar el conjunto de intérpretes, al igual que en la actualidad. Sin
embargo, el término aún denota también el conjunto de asientos colocados a nivel del suelo
enfrente del escenario en los teatros y salas de concierto.
Desarrollo de la orquesta
Con anterioridad a la época barroca, los compositores centraban la mayoría de sus esfuerzos en la
música vocal, considerándose la música instrumental un género menor. Aunque las líneas vocales
de la polifonía medieval y renacentista solían ser dobladas por instrumentos, esas agrupaciones
instrumentales no se especificaban y, además, tenían un tamaño tan reducido que apenas se
parecían a las orquestas modernas.

La llegada de la ópera en torno a 1600 ayudó a concretar la instrumentación y a crear una

dependencia cada vez mayor de un gran número de instrumentos de cuerda, para aportar cuerpo
y equilibrio al viento y la percusión.

Aunque la orquesta nace como tal en el Barroco (siglo XVII y principios del siglo XVIII), es en el
Clasicismo (segunda mitad del siglo XVIII) cuando se establece la instrumentación y la forma con
la que la conocemos actualmente, si bien habrá que esperar hasta finales del siglo XIX para la
llegada del perfeccionamiento técnico de los instrumentos.

La orquesta sinfónica
La orquesta de gran tamaño – puede llegar a los cien componentes – se  denomina orquesta
sinfónica u orquesta filarmónica (hoy en día los adjetivos no distinguen el contenido o función de
la orquesta pero pueden ser útiles para diferenciar a orquestas que residen en una misma ciudad;
por ejemplo la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres).
Antiguamente, la orquesta filarmónica era una asociación de amigos que interpretaban música, y
la sinfónica era la que estaba patrocinada por un particular que pagaba para la formación de la
orquesta.

Fig.1 Esquema orquestal

Los instrumentos orquestales se suelen dividir en tres grandes grupos, también
denominados familias orquestales:
 Instrumentos de cuerda (cordófonos):
o Cuerda frotada: violines I y II, violas, violonchelos y contrabajos.

o Cuerda pulsada: arpa.

o Cuerda percutida: piano.

 Instrumentos de viento (aerófonos):

o Viento madera: flautín o piccolo, flauta, oboe, corno inglés, clarinete,

clarinete bajo, fagot y contrafagot.

o Viento metal: trompa, trompeta, trombón y tuba.

o Viento con teclado: órgano.

 Instrumentos de percusión (idiófonos / membranófonos):

o Percusión de afinación determinada: timbales, xilófono, lira, campanólogo,

celesta, etc.

o Percusión de afinación indeterminada: caja, tambor, bombo, platillos,

triángulo, castañuelas, pandereta, caja china, etc.

SOLISTA VOCAL O INSTRUMENTAL

Solista: Que ejecuta un solo en una obra instrumental o coral, o que
interviene en composiciones para un solo instrumento o para una sola
voz.
Vocal: es una composición musical que está formada por una voz
femenina o masculina exclusivamente sin acompañamiento
instrumental, una forma de utilizar la voz humana que exige un
funcionamiento especial de los órganos de la fonación, en relación
auditiva
Instrumental: es una forma musical o pieza sin letra específicamente
para ser producida por instrumentos musicales. Estos incluyen el
orden de los instrumentos de cuerda, madera, metal y percusión. 

Dúo como agrupación musical[editar]

Agrupación instrumental[editar]
Los dúos pueden tener combinaciones instrumentales muy variadas, aunque las más
difundidas son:

 Dúo de cuerda: violín y viola; viola y violonchelo.

Música popular urbana[editar]
Los dúos instrumentales no son frecuentes en la música popular del siglo XX, sobre todo
porque la mayoría de los géneros musicales requieren un instrumento principal y una
sección rítmica con dos o más instrumentistas. Esta necesidad rítmica implicaba que los
dúos tenían que incluir un instrumento rítmico, por lo general una guitarra o un banjo.
En jazz la asociación entre el guitarrista Eddie Lang y el violinista Joe Venuti obtuvo un
gran reconocimiento en la década de 1920. En las siguientes décadas sobresalieron dúos
formados por guitarra y bajo como Jim Hall y Pat Metheny. Más adelante,
el virtuosismo alcanzado con el órgano Hammond hizo posible la formación de dúos de
órgano y batería. En blues destacan dúos como Scrapper Blackwell y Leroy Carr que
combinaban piano y guitarra; o Brownie McGhee y Sonny Terry cuya fórmula guitarra-
armónica sirvió de inspiración a muchos otros músicos.6

La banda francesa Air, 2007.

En el ámbito country fueron pioneros Tom Darby y Jimmie Tarlton tocando guitarras
gemelas. La música country posterior a 1945 favoreció agrupaciones con un mayor
número de integrantes, salvo en el subgénero conocido como bluegrass en el que
destacaban figuras como Lester Flatt y Earl Scruggs con su dúo de guitarra y banjo.6
Los cruces de la música popular con la música clásica de India y la de Europa dieron a
conocer otro tipo de dúos. Por ejemplo, el dúo de sitar y tabla personificado por Ravi
Shankar y Alla Rakha; al dúo de pianos popularizado en Estados Unidos por Ferrante &
Teicher y en Gran Bretaña por Rawicz & Landauer.6
Los nuevos géneros de música dance que surgieron a partir de finales de la década de
1980 introdujeron un nuevo tipo de dúo cuyos miembros llevan a cabo
la producción o remezcla de las grabaciones y en ocasiones también son intérpretes.
Algunos ejemplos de este tipo de agrupación son los estadounidenses C+C Music Factory,
los británicos The Chemical Brothers, así como los franceses Air y Daft Punk.6

Agrupación vocal[editar]
Un dúo vocal suele adoptar una de las siguientes combinaciones:

 Tenor y soprano
 Tenor y mezzosoprano
 Tenor y barítono
 Tenor y bajo
 Dos tenores
 Dos sopranos
 Soprano y mezzosoprano
 Soprano y barítono
Música clásica[editar]
Los tropos y conductus floridos a dos voces del siglo XIII seguramente cantados por
solistas son los primeros ejemplos de verdaderos dúos en la historia de la música clásica. 7
En los motetes y misas del siglo XV estos pasajes menudo se alternan con secciones
corales, como ocurre en el Credo de Guillaume Legrant.8 Muchas fuentes de la música
de John Dunstable llevan la rúbrica "dúo". En el primer libro de madrigales a dos voces de
1541 de Jhan Gero y las canzonets de Thomas Morley el dúo pasa a ser una pieza
independiente.3
En el Renacimiento el bicinium vocal e instrumental ejemplifica los inicios de una literatura
de dúos de intención didáctica. Este tipo de literatura persiste a través de composiciones
como los Aires para dos violines hechos a propósito para la mejora de los practicantes
en consort (1709) de Johann Christoph Pepusch y el dúo para piano Il maestro e lo
scolare de Haydn hasta piezas del siglo XX como los dúos para violín de Bartók o los n.º 43
y 55 de su Mikrokosmos.3
En la ópera el dúo se empleó casi desde el principio. El Orfeo y L'incoronazione di
Poppea de Monteverdi contienen dúos como elementos vocales finales, siendo este último
-un dúo de amor para Poppea y Nerón. Este fue el primer ejemplo significativo de un
género que persistió hasta que se fundió en la continuidad general de la música (como
en Verdi o Puccini) o se disolvió en un diálogo musical en el que las voces ya no cantaban
simultáneamente (como en Wagner o Richard Strauss más tarde).3El término "dueto" se
empleó escasamente en la ópera barroca y metastasiana. En la segunda mitad del
siglo XVIII y sobre todo en el XIX, el dueto fue sustituyendo al aria como composición
principal de la ópera. Se prefería el dueto gracias a su dinamismo, consecuencia del
enfrentamiento y contraste entre dos personajes. Su estructura varía según la época
histórica y las escuelas operísticas. En el caso de duetos breves y sin articulación interna
se habla de duettino (duetinos).5
Música popular
Los dúos vocales mixtos formados por una voz masculina y una voz femenina
como Nelson Eddy y Jeanette MacDonald, así como Fred Astaire y Ginger
Rogers alcanzaron renombre por sus actuaciones en los musicales de Broadway y
de Hollywood. Asimismo, el dúo vocal mixto fue un rasgo principal de la música
country desde la década de 1950 hasta la década de 1970. Entre las parejas más célebres
de este estilo se encuentran Porter Wagoner y Dolly Parton, George Jones y Tammy
Wynette o Loretta Lynn y Conway Twitty.6
En la música popular afroamericana de los años 1960 la Motown dio a conocer a Marvin
Gaye y Tammi Terrell, mientras Stax hacía grabaciones con William Bell y Judy Clay; y en
Chicago destacaban Jerry Butler y Betty Everett. También sobresalen dúos soul como el
formado por Roberta Flack y Donny Hathaway o Womack & Womack. Un dúo reggae que
alcanzó reconocimiento internacional fue el de Bob and Marcia. En música pop también
hay muestras de dúos vocales mixtos como Sonny & Cher, el dúo israelí Esther and Abi
Oferim o el británico Peters and Lee.6
Otro tipo relevante es el dúo vocal e instrumental. Algunos ejemplos de esta agrupación
fueron el guitarrista Les Paul y la vocalista Mary Ford; dúos de rhythm and
blues como Mickey & Sylvia, Inez & Charlie Foxx o Ike & Tina Turner. En el ámbito pop
alcanzaron un gran éxito comercial el dúo formado por un hermano y una hermana The
Carpenters, así como la banda sueca Roxette. Este tipo de dúo no suele estar compuesto
solamente por integrantes masculinos, aunque hay alguna muestra como Simon &
Garfunkel, Soft Cell y The Communards.6

Trío de música
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Para otros usos de este término, véase Trío.

Un trío o terceto en música es una agrupación de

tres instrumentistas o intérpretes vocales. Esta denominación también se aplica
a una pieza musical escrita para ser interpretada por un conjunto de estas
características. También se llama de esta manera la sección que contrasta en
una pieza escrita en forma ternaria, así como la sección que contrasta en
una marcha y formas similares, que normalmente empieza al tercer sonido. 1234

Música clásica[editar]
Barroco
Durante el Barroco, sobre todo desde finales del siglo XVII el trío fue una de las
combinaciones más importantes de la música de cámara partes de Europa. La
combinación más habitual de instrumentos dentro de un trío era de dos instrumentos
melódicos de tesitura aguda y un bajo continuo. Dado que lo más frecuente era que el bajo
continuo lo interpretaran conjuntamente un instrumento melódico de tesitura grave como
por ejemplo una viola de gamba, un violonchelo o un fagot, además de un instrumento
polifónico o armónico como un clavicémbalo, un arpa o un instrumento de la familia
del laúd, en realidad se trataba de un trío interpretado por cuatro instrumentos, dos de los
cuales compartían una misma función. En cuanto a los dos instrumentos agudos, a veces
el autor preveía que fueran instrumentos idénticos -dos violines, era el más habitual- o bien
diferentes, combinando flautas de pico y traveseras, violonchelos y oboes de manera que
al contraste entre agudos y graves se añadía un contraste entre los timbres de los
agudos.3
Lo más habitual era que a estas formaciones se dedicara un tipo de composiciones en
forma de sonata, en ocasiones cercanas a la sonata da chiesa y a veces a la sonata da
camera. Fuese como fuese, estos tipos de composiciones se llamaban trío
sonata o sonata a trío. La mayoría de los compositores más importantes de la primera
mitad del siglo XVIII compusieron piezas siguiendo esta estructura. 3
Clasicismo
En el Clasicismo fue el trío formado por violín, violonchelo y piano el que se ganó el favor
de los compositores de una manera más clara. De hecho, esta formación reunía varios
elementos que daban mucho juego: la confluencia de dos instrumentos de timbre similar
pero tesituras diferentes e incluso confrontadas, que se complementan con un instrumento
polifónico, de un timbre muy diferente; la polifonía de los primeros puede establecer
diálogos interesantes con la del otro; cada uno de los melódicos puede ser acompañado
por el piano; etc.3
Haydn dejó un colección importante de tríos de estas características, algunos de los cuales
contemplan la posibilidad de que en lugar de un violín lo pueda interpretar una
flauta. Beethoven es el otro gran compositor de tríos para violín, violonchelo y piano, con
piezas memorables como el Trío del archiduque. De todos modos, ya en el clasicismo
hubo otros tipos de tríos destacables; entre estos cabe mencionar el trío de cuerda que,
normalmente, estaba compuesto por un violín, una viola y un violonchelo.3
Siglos XIX y XX
Durante el siglo XIX la necesidad de explorar y ampliar las capacidades expresivas de la
música llevó a los compositores a escribir para otros tipos de tríos, sin que, por ello,
perdiera su preeminencia el formado por violín, violonchelo y piano. Entre muchos otros
ejemplos, Johannes Brahms escribe un trío en el que el instrumento agudo puede ser el
clarinete o la viola, otro en el que se contempla la posibilidad de que el violonchelo sea
sustituido por una trompa; Mijaíl Glinka escribe su Trío patético para piano, clarinete y
fagot.3
A lo largo del siglo XX el trío no gozó de tanta estima por parte de los compositores como
otras formaciones de cámara como pueden ser el cuarteto de cuerda o el quinteto de
viento.3
Música popular urbana[editar]

Power trio The Jimi Hendrix Experience, 1967.

En el ámbito de la música popular urbana muchos grupos se han inclinado por
formaciones de cuarteto o quinteto, no obstante también ha habido tríos memorables.
Una de las combinaciones más comunes es la formada por guitarra
eléctrica, piano y batería que alcanzó gran popularidad a partir de la década de 1940 en el
terreno del jazz y del rhythm and blues. En esta época destacaban los tríos de Nat King
Cole, así como los de Oscar Peterson, Ahmad Jamal y Mose Allison en jazz. Otras
formaciones menos habituales en los tríos de jazz eran por ejemplo el grupo
del saxofonista Jimmy Giuffre junto al guitarrista Jim Hall y al trombonista Bob
Brookmeyer.5
En la década de 1960 tuvo lugar un revival de la música folk en el que encontramos
célebres tríos como The Carter Family, The Kingston Trio y Peter, Paul and Mary. Estas
formaciones solían componerse de voces, guitarras y ocasionalmente contrabajo o banjo.5
En la era del rock and roll y el rockabilly sobresalieron agrupaciones de tres integrantes
como Johnny Cash and The Tennessee Two, así como el primer grupo de Elvis
Presley con el guitarrista Scotty Moore y el contrabajista Bill Black. Sin embargo, la
combinación más habitual era la de guitarra eléctrica, bajo eléctrico y batería, que es la
formación básica en el rock y también se conoce como power trio como la de Johnny
Burnette and The Rock and Roll Trio. Uno de los pocos grupos británicos de música
beat que está formado por tres miembros es The Big Three de Liverpool. Algunos ejemplos
de este tipo de formación son The Jimi Hendrix
Experience, Cream, Mountain, Rush, Motörhead, The Police, Nirvana. Más adelante con
el rock progresivo se sustituyó el bajo por un teclado electrónico, como los
grupos Emerson, Lake and Palmer y Genesis.5
En el terreno del punk la agrupación más frecuente es el cuarteto, pero también podemos
encontrar algunos tríos como The Jam y The Slits. El trío más significativo en música
pop es la banda noruega a-ha.5

Agrupación vocal[editar]
Música clásica[editar]
La textura a tres voces fue bastante utilizada durante los siglos XV y XVI e incluso más allá
en el período en que se continuó practicando la polifonía renacentista , en aquellas
géneros de la música vocal más ligeros como por ejemplos las canzonette. Son un ejemplo
los Scherzi musicali de Claudio Monteverdi.
A partir del Barroco el trío vocal adquiere importancia en pasajes de composiciones de
mayor envergadura, como pueden ser las óperas y los oratorios, especialmente para
representar escenas y situaciones en las que tres personajes se enfrentan, a razón de dos
de ellos contra el otro. Un ejemplo es "The flocks shall leave the mountains" de Acis y
Galatea de Haendel.
Ya dentro del Clasicismo, encontramos otra muestra en La creación de Haydn, en el trío
que cantan los arcángeles Uriel, Gabriel y Rafael. En la producción de Mozart es de
destacar el trío "Soave sia il vento" de la ópera Così fan tutte. Ya sea porque los textos de
estos y otros tríos forman parte de oratorios y piezas de música escénica, ya sea por
influencia de los tríos de la música instrumental, lo cierto es que la mayoría de los tríos
vocales suelen a estar configurados por dos voces femeninas y una masculina, mucho
más que a la inversa.24
Música popular urbana[editar]

The Supremes, 1966.

El canto a tres voces ha sido un rasgo de la música popular en Estados Unidos desde que
en 1927 Paul Whiteman incluyó en su orquesta a los The Rhythm Boys, entre los que se
encontraba Bing Crosby. En la siguiente década The Andrews Sisters fueron precursoras
de numerosos tríos vocales de hermanas similares como The Boswell Sisters y The
Beverley Sisters. No obstante, el gran florecimiento de este tipo de conjuntos tuvo lugar en
la música pop y soul afroamericana con grupos como The Ronettes, The Supremes o The
Three Degrees, entre otros. En la mayor parte de estas agrupaciones una de las
integrantes era la vocalista principal y las otras dos eran coristas.5
Los tríos vocales masculinos fueron menos prominentes. En todo caso, hay que mencionar
a The Impressions que recibió una fuerte influencia de las armonías vocales de tradición
jamaicana de The Wailers y Toots and the Maytals. Más adelante, destacan The Bee
Gees que fueron trío durante gran parte de su carrera; Crosby, Stills & Nash y América que
combinaban las armonías a tres voces con un rock suave. En el ámbito del rap y el hip
hop hay una gran diversidad en cuanto al número de integrantes de las agrupaciones.
Entre ellas encontramos tríos como The Beastie Boys o De La Soul.5

Trío como sección musical[editar]

Del siglo XVII en adelante en el ámbito de la música clásica también se llama trío a la
sección central de una pieza en la forma ternaria ABA. La mayoría de
los minuetos del Clasicismo, así como la mayoría de los scherzi del Romanticismo, como
por ejemplo los minuetos o los scherzi que menudo aparecen como tercer movimiento de
una sonata o de una sinfonía; iban seguidos de una segunda parte denominada trío en
recuerdo de los tiempos en que esta segunda parte era interpretada por solo un grupo de
tres instrumentos.123
En cambio, en los oratorios, óperas y otros tipos de música escénica es frecuente que las
diferentes partes en que estas obras se subdividen vayan a cargo de unos efectivos
vocales e instrumentales diferentes, por lo que el trío vocal termina siendo, en muchas
ocasiones, un fragmento de una composición más larga. 24

Cuarteto de música
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Para otros usos de este término, véase Cuarteto.

Haydn tocando uno de sus cuartetos, pintura anónima anterior a 1790.

Un cuarteto de música es una agrupación de

cuatro instrumentistas o intérpretes vocales. Esta denominación también se
aplica a una pieza musical escrita para ser interpretada por un conjunto de
estas características.12345

Cuarteto como agrupación musical[editar]

El cuarteto de cuerda Hayot.

Agrupación instrumental[editar]
Los cuartetos pueden tener combinaciones instrumentales muy variadas, aunque las más
difundidas son:14

 Cuarteto de cuerda: dos violines, viola, violonchelo.

 Cuarteto con piano: violín, viola, violonchelo, piano.
 Cuarteto de viento madera: flauta, oboe, clarinete, fagot generalmente.
 Cuarteto de viento: instrumentos mezclados de viento madera y metal como
por ejemplo flauta, clarinete, trompa, fagot.
 Cuarteto de saxofón: saxofón soprano, saxofón alto, saxofón tenor, saxofón
barítono.
 Cuarteto de jazz: una trompa (por ejemplo, saxofón, trompeta, etc.),
un instrumento polifónico (por ejemplo, guitarra eléctrica, piano, órgano
 Hammond, etc.), un instrumento grave (por ejemplo, contrabajo o bajo
eléctrico) y una batería.
 Cuarteto de rock: dos guitarras eléctricas (una líder y otra rítmica), bajo
eléctrico, batería.
Música clásica[editar]
La agrupación más habitual es el cuarteto de cuerda formado por dos violines, una viola y
un violonchelo. Del barroco tardío se conservan obras para diferentes combinaciones de
instrumentos, usualmente cuerda o vientos. El gran transformador del género fue el
austriaco Haydn, quien daría su forma moderna con su aportación de 68 obras, la mayoría
ejecutadas habitualmente. Mozart contribuyó con 23 obras de personalísimo carácter,
destacando de sus últimos cuartetos "Prusianos" la predominancia especial al violonchelo,
instrumento muy apreciado por las venideras generaciones de compositores románticos,
otorgando igualmente un especial peso a los últimos movimientos, tradicionalmente
considerados los más ligeros dentro del concepto clásico, y Beethoven, con 16 cuartetos,
logra una de las más altas cúspides en el género. 1
La literatura musical que aborda el género de los cuartetos es amplísima, destacándose
también otras figuras,
como Schubert, Brahms, Schumann, Mendelssohn, Bartók y Shostakovich. Ha sido,
asimismo, utilizado por los compositores (especialmente por Beethoven) como un vehículo
personalísimo de expresión musical. 35
Los instrumentos de viento tienden a combinarse con el piano en menor medida que con
las cuerdas, pero hay un puñado de cuartetos para piano y viento, incluyendo obras
de Franz Berwald (con clarinete, trompa y fagot) y Florent Schmitt (con oboe, clarinete y
fagot). En el siglo XX hay varias obras significativas escritas para piano con conjunto mixto,
como el Cuarteto para piano, clarinete, violín y violonchelo (1938) de Hindemith,
el Cuarteto para el fin de los tiempos de Messiaen para la misma combinación, y la Op. 22
de Webern para saxofón tenor, clarinete, violín y piano.1
El repertorio de cuartetos para instrumentos de viento exclusivamente es también variado
en cuanto a la instrumentación. En sus divertimentos y casaciones, Haydn y sus
contemporáneos solían combinar pares de instrumentos: dos flautas y dos trompas o dos
clarinetes con dos trompas, por ejemplo. Los cuartetos de Rossini para flauta, clarinete,
fagot y trompa son en su mayoría arreglos. Durante el siglo XX se compusieron piezas para
cuatro instrumentos de viento diferentes de Frank Bridge, Jean Françaix, Egon
Wellesz, Hans Erich Apostel y Henk Badings.1 Existen otras instrumentaciones de viento
como el cuarteto de saxofones.
Música popular urbana[editar]
En el ámbito de la música popular urbana muchos grupos se han inclinado por
formaciones de cuarteto o quinteto. En 1938 Benny Goodman creó un cuarteto formado
por piano, bajo, batería y su clarinete. No obstante, no se popularizaron los cuartetos en
el jazz hasta la década de 1950, tras la desaparición de las big bands y el surgimiento
del be bop como género para pequeñas agrupaciones musicales. Un ejemplo de esta
formación es el Modern Jazz Quartet, que es un cuarteto algo inusual por no
contener instrumentos de viento metal. Las agrupaciones de cuatro integrantes más
renombradas, como los liderados por Ornette Coleman o John Coltrane, contaban piano,
bajo, batería y saxofón.6
Durante la segunda mitad del siglo XX el conjunto de cuatro músicos más utilizado es el
derivado del rock and roll y el beat, que está formado por bajo y batería, junto con dos
guitarras (una líder y otra rítmica) o bien una guitarra y un vocalista. En este sentido, el
éxito de los Beatles inspiró la creación de un sinfín de grupos que adoptaban esa misma
alineación a lo largo de las siguientes décadas.6
El cuarteto de cuerda, típico de la música clásica occidental, aparece en ocasiones en la
llamada música pop. Cuando se da este caso suele tratarse de canciones experimentales,
por llamarlo de algún modo, y pocas veces son sencillos promocionales ya que, como es
lógico suponer, son canciones que se apartan del estilo musical del artista pop. Vale la
pena mencionar como ejemplo la canción "Eleanor Rigby", de Los Beatles, sencillo-doble
junto con "Yellow submarine". Otra muestra es el tema titulado "Fábula" de Mecano,
canción que, sin llegar a ser sencillo, viene a ser unos "caprichos" musicales de quien la
escribió.
Por otra parte, destacan agrupaciones de cuerda como el Kronos Quartet, que ha
interpretado piezas tanto de Philip Glass como de Jimi Hendrix, entre otros. Otro ejemplo
es el Brodsky Quartet que además interpretar piezas clásicas, es famoso por colaborar con
artistas como Björk, Elvis Costello y Paul McCartney.6

Agrupación vocal[editar]
Un cuarteto vocal suele adoptar una de las siguientes combinaciones: 4

 Cuarteto vocal mixto: soprano, contralto, tenor, barítono o bajo.

 Cuarteto vocal masculino: primer tenor, segundo tenor, barítono, bajo
o, Cuarteto de barbershop: líder (tenor), tenor, barítono, bajo.
 Cuarteto vocal femenino: primera soprano, segunda soprano, mezzosoprano,
contralto o, Cuarteto de sweet adelines: líder (soprano), soprano,
mezzosoprano, contralto.
Música clásica[editar]
Las cuarto partes del cuarteto vocal se suelen corresponder con los
cuatro timbres principales de la voz humana: soprano, contralto, tenor y bajo, abreviado
como SATB. No obstante, hay otras combinaciones posibles como el cuarteto de voces
masculinas formado por dos tenores, un barítono y un bajo. El cuarteto vocal es la base de
todas las grandes formas corales, salvo el madrigal.5 En ocasiones son piezas a capella y
otras veces acompañadas por un instrumento de tecla o bien por efectivos vocales
mayores como puede ser un coro.
Las primeras muestras de música escrita a cuatro voces se dieron en la música
vocal hacia 1400.4 Muchas chansons, madrigales y lieder polifónicos del
siglo XVI y glees del siglo XVII son cuartetos vocales. Los cuartetos vocales, al igual que los
dúos y los tríos, ocuparon un lugar destacado en la música doméstica del siglo XIX, a
veces en forma acompañada, como en las dos series
de valses Liebeslieder de Brahms con dúo de piano o sus Zigeunerlieder y el Spanisches
Liederspiel de Robert Schumann con piano solo. Los ciclos de cuartetos acompañados,
como el popular In a Persian Garden de Liza Lehmann y The Princess de Stanford,
formaban parte de una considerable literatura que ahora está casi totalmente olvidada. Los
cuartetos para voces masculinas sin acompañamiento también eran comunes en la
producción de compositores como Schumann, Brahms y Niels Gade.1
Los cuartetos vocales también pueden formar parte de composiciones clásicas más
grandes, como óperas, obras corales y sinfónicas. El movimiento final de la Novena
Sinfonía de Beethoven y el Réquiem de Verdi son dos muestras de obras de concierto de
renombre que incluyen cuartetos vocales. Johannes Brahms y Franz Schubert crearon
numerosas piezas para cuatro voces que alcanzaron gran popularidad en los salones
privados de su época, a pesar de que rara vez se interpretan en la actualidad. 5
Ópera[editar]
Los cuartetos aparecieron en la ópera a mediados del siglo XVII. La Calisto (1651)
de Francesco Cavalli termina con uno y Alessandro Scarlatti escribió algunos en sus
óperas romanas tardías. En la primera mitad del siglo XVIII no eran habituales en la ópera
italiana, aunque se pueden encontrar ejemplos notables en Radamisto (1720)
y Parténope (1730) de Haendel. Existe un llamativo cuarteto en Andromaca (1730)
de Francesco Feo y aparecen tres en la ópera cómica Angelica ed Orlando (1735)
de Gaetano Latilla. A lo largo de este periodo, los cuartetos suelen aparecer dentro de las
escenas como breves expresiones colectivas de emoción, como parte de
un divertissement, o al final de una ópera.7
A partir de 1750 los cuartetos se volvieron más frecuentes en la ópera seria. El
libretista Metastasio incluyó uno para su Il rè pastore (1751). Comenzaron a ganar acción
en la ópera italiana durante la década de 1780, y en la de 1790 aparecen cuartetos tanto
de reflexión como de acción, tanto dentro de los actos como en los finales. En la ópera
cómica los cuartetos figuraban sobre todo como finales de acto en la primera mitad del
siglo. En la década de 1750 empezaron a adquirir acción, aunque más como finales que
dentro de los actos. También sirvieron como conjuntos de introducción. Mozart escribió un
cuarteto reflexivo para el tercer acto de Idomeneo (1781) y otro que es una mezcla de
acción y reflexión para el final del segundo acto de El rapto en el serrallo (1782). El
cuarteto del primer acto de Don Giovanni (1787) sirve para unir los diferentes hilos del
drama.7
En el siglo XVII los cuartetos solían estar formados por una sucesión de puntos
de imitación, como en "Così va chi d'amor" de Lo schiavo di sua moglie de Francesco
Provenzale. A principios del siglo XVIII esto había dado paso a la preferida sucesión de
engrosamientos texturales que comenzaban con largos solos para cada participante,
pasando a breves comentarios y luego, imitativamente, a
un tutti predominantemente homofónico con alternancia antifonal y breves solos, pasando
de nuevo de texturas imitativas a tutti.7

Cuarteto del acto 3 de Rigoletto de Verdi.

A principios del siglo XIX los cuartetos seguían siendo raros fuera de la ópera bufa y
semiseria. Un ejemplo es el "A te, o cara" de I puritani (1835) de Vincenzo Bellini, que fue
interpretado en el funeral del compositor por los cuatro cantantes principales para los que
se escribió la ópera, Grisi, Rubini, Tamburini y Lablache. Este cuarteto de Bellini con su
largo solo de tenor inicial marcó el punto de partida del más famoso de todos los cuartetos
operísticos, "Bella figlia dell'amore" de la ópera Rigoletto (1851) de Verdi. Se trata de una
inspirada expresión simultánea de diferentes sentimientos: ardiente cortejo, bromas
coquetas, angustia y venganza. Otros cuartetos de Verdi de gran calidad son "Ah, mon
pays" perteneciente a Las vísperas sicilianas (1855) y "D'un uom che geme"
de Otello (1887), así como el "Quell'otre! quel tino!" de Falstaff (1893), que formó parte
del encore en el estreno.

Cuarteto del acto 2 de La Bohème de Puccini.

Entre los cuartetos interpretados por dos parejas, en su mayoría en alternancia, se
incluyen "Prenez mon bras un moment" del Fausto (1859) de Gounod y el conjunto incluido
en Mefistofele (1875) de Boito. Otro es el conjunto que concluye la escena del jardín
en Yevgeny Onegin (1879) de Chaikovski. A estos se puede añadir la segunda escena del
segundo acto de Katia Kabanová (1921) de Janáček. En el "Addio dolce svegliare alla
matina" de La bohème (1896) de Puccini, las peleas de una pareja de amantes forman
un contrapunto con los tiernos intercambios de la otra.7
Música popular urbana[editar]

El cuarteto de barbershop The Dapper Dans.

Los cuartetos vocales masculinos cuentan con una larga tradición tanto en la música
religiosa como en la música secular estadounidense. The Hutchinson Family Singers y
otros grupos de cantantes itinerantes de la década de 1840 interpretaban música basada
en las estrechas armonías vocales europeas y a su vez influyeron en el estilo de los
cuartetos de barbershop. La versión femenina del cuarteto de barbershop se
denomina Sweet Adelines.4Las armonías vocales a cuatro voces del canto gospel fueron
anotadas hacia 1851 en Estados Unidos. La formación de cuarteto tomó forma a finales
del siglo XIX, mientras que durante la primera mitad del siglo XX fue grabada por grupos
como Norfolk Jazz Quartet, Jubilee Quartet y Golden Gate Quartet.6
En la música popular de la década de 1930 destacan cuartetos como The Ink Spots, Mills
Brothers; en los años 50 The Four Freshmen, The Crew-Cuts, Dion and The Belmonts y en
los años 60 The Four Seasons. En décadas posteriores este tipo de agrupaciones son
menos frecuentes, aunque hay muestras como Boyz II Men en los años 90.6
Entre los cuartetos femeninos de música pop de los años 50 y 60 se encuentran The
Chordettes y The Shirelles. Los conjuntos de cuatro integrantes mixtos han sido algo
menos habituales, pero hay célebres ejemplos como The Mamas and The Papas, The
Manhattan Transfer o ABBA.6

Góspel
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La música góspel1 (en inglés, gospel), música espiritual o música
evangélica, en su definición más restrictiva es la música
religiosa estadounidense que surgió de los cientos de
iglesias pentecostales, protestantes evangélicas afroamericanas en el
siglo XVIII y que se hizo muy popular durante la década de 1930. Más
generalmente, suele incluirse también la música religiosa compuesta y cantada
por cantantes cristianos sureños, independientemente de su etnia. Los coros
de góspel tienen un máximo de 30 cantantes. La música góspel, a diferencia de
los himnos cristianos, es de carácter ligero en cuanto a música. La
palabra gospel se deriva del vocablo anglosajón godspell (literalmente,
«palabra de Dios»), el cual se emplea para referirse a los evangelios. A esta
forma de cantar se la denominó de esta forma debido que era un
canto evangélico para invitar a las personas hacia Dios. Las letras suelen
reflejar los valores de la vida cristiana.
La fuerte división entre blancos y negros en EE. UU., especialmente entre
iglesias de blancos y las de negros, ha mantenido separadas ambas ramas del
góspel, aunque esta separación nunca fue absoluta (ambas parten de los
himnos metodistas y los artistas de una tradición cantan a veces canciones de
la otra), y dicha separación ha disminuido ligeramente en el último medio siglo.
[cita  requerida]

A mediados de los años 50s el cantante estadounidense Elvis Presley comenzó

a incluir música góspel dentro de su repertorio, siendo uno de sus primeros
sencillos "Peace in the valley" y el álbum "Elvis Christmas album" que sería
continuado en las próximas décadas por otros álbumes y simples dentro del
mismo estilo.
Aunque la música góspel es un fenómeno estadounidense, se ha extendido a
lo largo del mundo.
Es un género musical caracterizado por el uso dominante de coros con un uso
excelente de la armonía. Entre los subgéneros se incluyen el góspel tradicional,
góspel negro, sureño, etc. Hoy en día hay varios subgéneros llamados góspel.
La cantante, guitarrista y compositora Rosetta Tharpe fue la primera gran
estrella o planeta de la música góspel, durante la aparición de la música pop en
la década de 1930 y permaneciendo en la fama durante la década de 1940 con
cientos de seguidores.

Historia[editar]
La música góspel nace de la tradición de «espirituales negros», una música inspirada en el
sufrimiento de generaciones de esclavos africanos que fueron arrancados de su tierra y
deportados a los actuales Estados Unidos, bien por los ingleses, o bien por los
estadounidenses blancos tras la independencia y creación de los Estados Unidos. La
música se remonta a 1500, fecha en que el primero africano llega a la colonia
de Virginia (Estados Unidos), todavía una colonia inglesa. La primera noticia de un esclavo
que se bautiza como cristiano viene del año 1641 en Massachusetts (Estados Unidos),
todavía una colonia inglesa. Muchos de los negreros ingleses, predicaban la fe cristiana
protestante, en sus cientos de modalidades, solo para mantener sumisos a sus cautivos
(«los mansos heredarán la tierra»). Los intereses comerciales, un clima político favorable
al lucrativo tráfico de seres humanos, y la religión dan la mano para impedir la rebelión de
los oprimidos.
No obstante, la historia sugiere que una interpretación exclusivamente política no basta
para explicar la conversión masiva de los africanos al evangelio de Jesucristo.
Estos inmigrantes forzosos traen consigo un estilo musical propio. Una vida comunitaria
basada en la música y el baile, siempre dirigido por una percusión insistente, se incorpora
al rito de la recién descubierta fe cristiana. El canto se acentúa con la animada
participación de los oyentes (exhortaciones, palmas, baile improvisado). Poco a poco la
música eclesiástica blanca, europea, estéril —a oídos de estos nuevos conversos— se
transforma, y nacen los llamados «espirituales negros».
Como señala Eileen Southern, catedrática de Música y Estudios Afroamericanos de la
Universidad de Harvard (EE. UU.), la melodía de los espirituales suele ser modal o
pentatónica, con una constante improvisación melódica y textual. Hay frases musicales
que se repiten con variaciones, dirigiendo el cantante principal y haciendo eco el coro,
creando un patrón de llamadas y respuestas, siempre marcado con un pulso implacable.
Otra característica del género autóctono que los esclavos importan es la balada, la
narración —la tradición oral de la tribu— de las hazañas de los héroes antiguos. Este
aspecto se incorpora en los nuevos contenidos cristianos. Los héroes del Antiguo
Testamento, como Abraham, Josué, Gedeón, y Daniel forman parte del panteón musical.
Cruzar el río Jordan se equipara con pasar del sufrimiento de esta vida a la felicidad
celestial. El carro que lleva a Elías a la gloria sirve de emblema, y los esclavos piden que
Dios mande su carro para llevarlos a ellos también. El ejemplo de Daniel, que sobrevive en
el foso de los leones, aviva una esperanza que vence el temor.
Además del recuerdo de los héroes de la Biblia, los espirituales negros sirven para que los
esclavos se comuniquen en clave y burlen la vigilancia del amo. También recogen
aspectos de la época como el «ferrocarril subterráneo», nombre con que se describe la
cadena de ayudantes clandestinos que con pisos francos y documentos falsificados
propician la huida de los esclavos de las plantaciones de algodón sureñas a las ciudades
norteñas y libres. Temas como «Mantén encendida la lámpara» (señal que indicaba una
casa segura), y el pulso implacable de la percusión que hace eco del ruido del tren.
Los espirituales negros evolucionan en música góspel propiamente hablando, con la
incorporación de una instrumentación y armonización más sofisticadas. La música ya no
se limita a temas modales y pentatónicos, aunque las raíces africanas siguen notándose.
Ahora la tradición oral se centra en la persona de Jesucristo. La palabra gospel se deriva
del vocablo anglosajón godspell, que significa «palabra buena», traduciendo el término
bíblico griego euangelion, «buena noticia». Los esclavos consideran que la mejor noticia
de todas es el evangelio de la salvación en Jesucristo. Si bien los amos propagan la fe
para mantener a las masas embrutecidas, muchos de los que componen esas masas
ahora ven en Jesús el mayor de todos los héroes antiguos, y cantan de su amor, su poder,
su sufrimiento, y su cruz.

Géneros[editar]
Grupo de góspel.

Góspel tradicional (traditional gospel)[editar]

El góspel tradicional es aquel que básicamente se ha dado en las iglesias evangélicas
afroamericanas de los Estados Unidos y que normalmente lo interpreta un coro, que puede
tener uno o varios solistas. Se caracteriza por ritmos rápidos y alegres con bajo continuo,
el uso de un ejecutor (a) de pandero y la importante presencia de un órgano "hammond". A
este subgénero pertenece una de las canciones más conocidas "Oh Happy Day" de Edwin
Hawkins.

Góspel blues[editar]
Es una forma de música góspel basada en el blues (una combinación de letras
evangelísticas y guitarra de blues).

Góspel sureño (southern gospel)[editar]

En ocasiones también es llamado "quartet music" (literalmente, música de cuarteto) debido
a las formaciones originales de hombres compuestas por un líder, un tenor, un barítono y
un bajo. Este tipo de música habla de los problemas cotidianos de la vida y de cómo Dios
responde a ellos. El góspel sureño depende de las armonías, con frecuencia con rangos
muy amplios (por ejemplo, notas muy graves del bajo frente al tenor en falsete). Un
ejemplo de este tipo de agrupaciones es Statesmen Quartet, de la década de 1950, o The
Statler Brothers, un grupo exitoso de la música country.

Góspel negro (black gospel)[editar]

Es un góspel que rompe los esquemas más conservadores del género mezclando con
energía la tradición con otros estilos, como el funk, el rock y el blues. Son artistas muy
conocidos en este subgénero Kirk Franklin, Jekalyn Carr o The Clark Sisters.

Scriptures[editar]
Son casi en su totalidad grabaciones en las que sobresale la recitación de los textos
religiosos, acompañados o no de un hilo musical. Las partes cantadas o las apariciones de
coros son escasas. Suele estar interpretado por predicadores, entre los que han
destacado J.M. Gates o Moses Mason.

Góspel latino (latin gospel)[editar]

Es el que se interpreta en las iglesias evangélicas de Hispanoamérica[cita  requerida] y en las
iglesias evangélicas estadounidenses de habla hispana.[cita  requerida] En algunos casos usan
traducciones al español de las mismas canciones tradicionales de los Estados
Unidos[cita  requerida] (por ejemplo, Amazing Grace sería Sublime Gracia o How great thou
Art es conocida como Cuán grande es él).
También cabe resaltar que este subgénero se ha caracterizado por incluir fusiones
musicales con ritmos latinos[cita  requerida] como la salsa, el merengue, el vallenato, la música
andina y diversos ritmos tradicionales.
Cantantes como Marcos Brunet, Marcela Gandara, Alexis Peña, Destino Directo, Álex
Campos, Jesús Adrián Romero, Julio Melgar, Marcos Witt, Marco Barrientos, Lilly
Goodman, Christian Sebastia e Ingrid Rosario, pertenecen a este subgénero.[cita  requerida]

La música góspel fuera de los Estados Unidos[editar]

En la década de 1960 la música góspel empieza a dar el salto y a extenderse
por Europa[cita  requerida]. Así, en 1963 un coro juvenil de la Iglesia bautista Emmanuel
en Örebro, Suecia, tras la visita del pastor Ralph Goodpasteur y el coro góspel de "The
First Church of Deliverance" de Chicago, decide empezar a cantar este estilo,
convirtiéndose así en el primer coro góspel europeo. [cita  requerida] En 1968 cambia su nombre
por "Joybells", nombre por el que siguen siendo conocidos hasta hoy. [cita  requerida]
En 1975, el artista congoleño Charles Mombaya crea un grupo de góspel llamado Les
Ambassadeurs Du Christ usando el estilo espiritual negro
En 1988 nace Oslo Gospel Choir, una de las principales referencias del góspel en Europa.
[cita  requerida]

A partir de la década de 1990 hay un fuerte crecimiento de la influencia de la música

góspel en Europa, en parte gracias a la influencia del cine, como Sister Act o La mujer del
predicador con Whitney Houston.[cita  requerida]
Actualmente se podría hablar de una especie de subgénero llamado "góspel europeo"
debido a las aportaciones que compositores europeos como Joakin Arenius han aportado
al estilo[cita  requerida]. Recientemente han surgido festivales de góspel europeo, como
el Gospelkirchentag, que se celebra en el mes de junio en Dortmund, Alemania,
desde 2010.[cita  requerida]

Argentina[editar]
El góspel en Argentina ha tenido una gran expansión en la última década. [cita  requerida] En sus
orígenes, se puede nombrar a Paloma Efron quien fue invitada a cantar con los Fisk
Jubilee Singers en los Estados Unidos. Los Aleluyah Folk Jubilee Singers fueron, en
los años 70 una agrupación pionera en el repertorio del góspel tradicional. [cita  requerida]
En el siglo XXI, diferentes agrupaciones que encaran un góspel moderno y festivo invaden
la escena de Buenos Aires[cita  requerida] como El Afrosound gospel choir (dirigido y producido
por Claudia Tapia y Caterina Finocchi) , Coro Gospel Joy (dirigido por Amado Acosta) o
pequeños ensambles vocales como Kumbaya de la ciudad de Córdoba. En el 2018 surgió
la agrupación Black Sheep Gospel Choir, dirigida por Victoria Ponisio. Coro que busca no
solo difundir el estilo, sino también la palabra, respetando el ritmo del góspel tradicional, y
sumándole soul y otros ritmos afroamericanos.
Algunos grupos más tradicionales como los Afroamerican Music con Marcelo Ponce como
director recorren un repertorio que se ajusta más a las raíces del género.
Otro exponente del góspel tradicional es Gabriel Grätzer quien dirige a los Boulevard
Gospel Singers.[cita  requerida] Presentó Góspel en el Teatro Colón y fue el guitarrista que
acompañó a Gregory H , (una de las leyendas del góspel de los Estados Unidos) , en su
gira por Argentina.
Siguiendo la línea del góspel sureño, o góspel blanco, o también llamado quartet gospel,
por ser formaciones masculinas en general, el director David Godoy y su quinteto
masculino Southern Vocal Band, han llevado este estilo a diversos escenarios como el
Festival de Música Country De San Pedro.
Otras visitas importantes en Argentina fueron las del Harlem Gospel Choir y Markanthony
Henry. El góspel en el país cuenta con más de 30 coros[cita  requerida], un festival
anual[cita  requerida] y una creciente escena local que se sustenta en los grupos y también en
diferentes talleres, escuelas y cursos sobre esta música.

EL JAZZ
El jazz es un género musical nacido a finales del Siglo XIX en los
Estados Unidos, que ha tenido una enorme influencia tanto en la
música culta como en la popular. 
Su origen debe buscarse en la fusión de la cultura africana con la
europea, que se produce al encontrarse las dos razas en un lugar
común, los Estados Unidos. Los esclavos africanos llevaron los
bailes y rituales vinculados al vudú, que mezclaron con la música
religiosa de las comunidades blancas, especialmente los himnos
religiosos protestantes. De esta mezcla nace el spiritual song en el
siglo XVIII. A partir de estos cantos corales nacerá el Gospel que
aumentará su popularidad durante la década de 1930 y que utiliza
la estructura pregunta-respuesta, produciendo un tipo de polifonía
dominada por la espontaneidad del mensaje musical. La palabra
original era GodSpell derivada de Good Spell, la llamada de Dios, un
canto para conducir las personas hacia Dios. 
Un segundo elemento a considerar es el blues. Su origen se puede
encontrar en las plantaciones donde trabajaban los esclavos
negros americanos. Se trata de canciones de un solo intérprete,
que reflejan los tristes lamentos del pueblo. Su traducción literal
sería la de tristezas o melancolía. Su base es la música tradicional
del África occidental con elementos de influencia árabe, unidos a
una estructura armónica europea. 
Posteriormente aparecerá el Boogie-woogie que es un estilo que
adopta el esquema del blues en doce compases, interpretado a
ritmo rápido para hacerlo bailable. Su instrumento más común es
el piano con acompañamiento de percusión, desarrollándose en
los bares conocidos como barrelhouses por servirse bebidas de
barril. Sus insistentes ritmos con melodías repetitivas pronto lo
hicieron popular. 
Otro elemento a tener en cuenta en el origen del  jazz, es la
tradición instrumental de las bandas militares americanas, que
empleaban formas armónicas de la música europea. A finales del
siglo XIX se formaron las marching bands y las bandas que
interpretaban la música de los bailes de la época. Esta
instrumentación formada por la corneta, el trombón, clarinete y
batería entró a formar parte de la música de  jazz. Luego se
añadirían el banjo y el contrabajo. 
En New Orleans los músicos autodidactas negros se ganaban la
vida tocando en pequeñas bandas que servían entre otras cosas de
acompañamiento en los funerales. Nacería el ragtime, un ritmo
sincopado que de las bandas pasó al piano. Un género musical que
influenció a toda la música americana incluida la llamada música
culta. 
A finales de la Primera Guerra Mundial las bandas de rag de New
Orleans se convierten en orquestas de jazz y el ragtime del Harlem
de New York empieza a evolucionar hacia lo que se llamará swing. 
El verdadero  jazz nace de los elementos anteriormente citados en
la década de los años 1910. La palabra  jazz es de origen
desconocida, apareciendo escrita en 1917 en la primera grabación
discográfica. La base del estilo musical es la improvisación, sin
estar escrita en ninguna partitura. El tema melódico sirve de base
sobre la cual el intérprete desarrolla libremente su música. El
verdadero compositor es su intérprete, que improvisa cada
ejecución. Esta menor valoración de las líneas melódicas,
fundamental en la música pop, hace que gran parte del público
masificado no la valore suficientemente, alejándola de los
productos más comerciales. 
Como recursos melódicos utiliza habitualmente el blues, añadiendo
figuras rítmicas sincopadas, vibratos y glissandos. Los intérpretes
están formados por un instrumento solista acompañado por una
sección rítmica mediante una batería, un contrabajo y algunas
veces elementos armónicos como el piano, el banjo o la guitarra.
Más tarde se introduce el saxo. 
El primer estilo del jazz, anterior a 1930, se denominó Hot
jazz. Nació de las bandas callejeras, formadas principalmente por
trompeta, trombón y clarinete como solistas, acompañados por la
armonía rítmica del banjo y el ritmo marcado por la caja, la
bamboula, tambor africano parecido al timbal y la tuba. Cuando
estas bandas dejaron de desfilar asentándose en un lugar fijo se
introdujo la batería y luego el contrabajo. El banjo se cambió por el
piano. 
Paralelamente al estilo New Orleans, inspirado en la tradición
del  blues e interpretado por músicos de raza negra, se desarrolla el
estilo Dixieland, que utiliza además elementos del ragtime y tiempos
más rápidos, siendo preferentemente interpretado por músicos
blancos. Los dos estilos se interpretaban en el barrio popular
conocido como Storyville, donde se mezcla con la prostitución al
tocarse en los lugares de diversión. Este aspecto lúdico creará una
mala reputación a este tipo de música, considerada por los
elementos conservadores de la sociedad como música poco
deseable. 
Al terminar la Primera Guerra Mundial se cierra Storyville. Los
músicos emigran hacia el norte estableciéndose en Chicago, una
ciudad de agitada vida nocturna durante los años del gangsterismo
y la ley seca. Allí nacería la Escuela de Chicago. 
A finales de los años 1920 los más importantes músicos de  jazz se
habían instalado en New York que tenía locales tan famosos como
el Cotton Club  de Harlem. Allí a partir del hot nacería
el swing influido por la música de origen europeo. Las bandas
de hot  incrementan sus miembros duplicando instrumentos.
Nacen las orquestas de swing. 
La palabra swing tiene dos significados. Uno da nombre a un estilo
dentro de la música de jazz y por otra parte se refiere al dinamismo
musical específico que le confiere el intérprete cuando interpreta
esta música. Podríamos compararlo con el flamenco cuando
decimos que la música tiene duende. 
Como estilo musical dio origen a las orquestas de jazz durante la
época de los años 1930. Pierde la polirritmia característica
del hot siendo la batería el único elemento rítmico. Los elementos
melódicos aumentan su valor, dando a la música una estructura
más europea. La música se escribe en partituras perdiendo
importancia las improvisaciones. Podríamos decir que se trata del
tipo de  jazz asimilado por los blancos con la influencia del music
hall y los intereses comerciales. La orquesta de Duke Ellington es
uno de los ejemplos más notables de las llamadas Big Bands. 
Durante la Segunda Guerra Mundial estas orquestas no pueden
mantenerse y sus miembros se dispersan en pequeñas
formaciones. Los músicos jóvenes buscan una renovación
naciendo el estilo llamado Bebop. Entre ellos se encontraban
Charlie Parker y Dizzy Gillespie. La sección rítmica se individualiza y
los ritmos se vuelven furiosos con clara influencia de la música
afrocubana. Aumentan los solos individuales improvisados
acercándose más al primitivo jazz. Este tipo de música no era un
género fácil como lo había sido el swing, perdiendo la
comercialidad. Los gustos musicales del gran público empezaron a
separarse prefiriendo a los cantantes de baladas como Frank
Sinatra o Bing Crosby. La música de origen negro se dividía en dos
sectores, el  jazz creativo e imprevisible y la parte más comercial o
sea más atractiva para el gran público que daría origen al Rhythm &
Blues. 
A partir de entonces las dos corrientes estéticas se separan, pero
continúan influenciándose entre ellas. En la década de los años
1950 nace el Cool Jazz con un estilo más camerístico, empleando
construcciones contrapuntísticas, abandonando los temas
melódicos. Es una época en la cual el atonalismo domina la música
culta y esta influencia llega al propio  jazz. Entre sus músicos
encontramos a Miles Davis. 
El Free Jazz nace en la década de 1960 siguiendo
al postserialismo contemporáneo, liberándose de los elementos
tradicionales del jazz. John Coltrane es uno de sus músicos más
ilustres. A esta corriente estilística le seguiría a partir de 1970 el
llamado Electric Jazz  que utiliza la música electrónica influenciado
por el Rock. 
Por otra parte el Rhythm & Blues clásico nace después de la
Segunda Guerra Mundial, derivado del Bebop, el blues y
el Gospel. Uno de sus elementos más característicos es el empleo
de la guitarra eléctrica en la década de los años 1950. La
generación adolescente surgida al finalizar la guerra buscaba un
estilo propio. A partir del Rhythm & Blues y de la música blanca
denominada country nacería el rock and roll. 
El country forma parte de la música folclórica blanca de los Estados
Unidos o sea del folk. Sus orígenes podemos buscarlos
especialmente en el folclore de los inmigrantes irlandeses. Los
instrumentos de cuerda eran primordiales, usando el fiddle, un
violín simple, la guitarra, el banjo y el contrabajo. Luego se le
añadieron el acordeón y la armónica. 
Elvis Presley se convirtió en la gran figura del rock and roll, un
género que se desarrolló rápidamente. La guitarra amplificada
eléctricamente, la batería y el piano fueron sus instrumentos
iniciales. Sus acordes provienen directamente del blues  pero
empleando un tempo muy rápido. La improvisación también tiene
un papel destacado. De este estilo nacerá toda una generación,
que recibe el nombre de música rock, popularizándose por todo el
mundo. Su instrumentación emplea la guitarra eléctrica, el bajo,
batería y los teclados eléctricos. Su estructura musical se basa en el
empleo de los Riffs, frases que se repiten ejecutadas por la sección
de acompañamiento. Comparándola con la música clásica diríamos
que se trata de ostinatos. Estos elementos son enfrentados a la voz
del solista, que utiliza frases cortas conocidas con el nombre
de Licks. Unas frases que son sometidas a variaciones durante la
actuación del solista. Los Licks están asociados a las líneas
melódicas mientras que los Riffs lo están con los acordes. 
El soul  nace en la década de los años 1960 combinando
el Gospel con el clásico Rhythm & Blues. Nace del músico negro
americano como una expresión de solidaridad, reclamando su
propia identidad. Martin Luther King es uno de sus líderes en la
lucha para los derechos civiles. A partir de los años 1970 la
esencia Gospel se va perdiendo siendo mayor su agresividad
rítmica. Nacería el  Funk influenciado por la música Rock y con
elementos latinos. 
Finalmente mencionaremos bailes derivados del  jazz. El Fox-
Trot aparece en el año 1912 inspirado en las primitivas danzas
negras imitando los pasos de los animales en este caso el trote del
zorro. A partir de esta danza derivarán el Slow-Fox o fox lento y
el Quickstep o fox rápido. Influenciado por el charlestón es la versión
rápida del Fox-Trot considerada una danza más frívola. Actualmente
están catalogados como bailes Standard en las escuelas de baile.