Texto Fotografía Comercial v2022

Fotografía comercial l www.pensamientosmaupinianos.
com | Mauricio Pineda
Fotografía comercial
Retratos, estilismo gastronómico, productos, editorial.
VERSION UNIVERSITARIA
2022
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Fotografía comercial l www.pensamientosmaupinianos.com | Mauricio Pineda
INTRODUCCIÓN
Bienvenido(a). Tu esfuerzo ha dado frutos y es ahora cuando chile verde has de
darle sabor al caldo.
Este nuevo curso da continuidad a los conocimientos adquiridos durante su curso

de Fotografía básica digital, será como construir un segundo piso sobre
conocimientos previamente adquiridos y sobre el dominio de la herramienta de
trabajo desarrollado durante el primer curso de fotografía. Los proyectos y
ejercicios aquí cubiertos se apoyan en el hecho que ya conocemos las funciones de
una cámara de fotografía DSLR, cuyos mandos o controles son manuales para el
enfoque, y la exposición, que dominamos los principios de la composición visual,
que sabemos las mínimas reglas para retratar personas, control sobre la
profundidad de campo, el uso de la lámpara de destellos, así como otros accesorios.
Para dominar estas competencias te motivo a solicitar una copia del texto de
Fotografía (búscalo en Scrib) que te ayudará muchísimo a estar al tono con éstas.
Dedicaremos brevemente algunas horas de clase durante la primera semana para
nivelarnos y el resto del curso será según lo anteriormente descrito.
Tu creatividad, tu capacidad de visualizar proyectos, de producir según diseño,

administrar los tiempos de entrega puntual y oportuna, la presentación y el nivel
de acabado y detalle serán algunas de los puntos a valorar para tu calificación. Es
un reto entre la máxima calidad posible y el tiempo y las más altas exigencias
creativas que cualquier diseñador gráfico y publicitario deberá de resolver
diariamente en el ejercicio real de su profesión.
Sobre tu profesor, éste ha sido Director Creativo, copywriter, ha supervisado

producciones fotográficas profesionales en Honduras, México, y otros países de la
región junto a destacados fotógrafos comerciales, sumado a lo anterior cerca de 22
años enseñando fotografía.
Espero que dispongas lo mejor de ti, de manera que tu trabajo hable

elocuentemente de tu esfuerzo, responsabilidad, capacidad y creatividad.
Mauricio Pineda
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¿Por dónde iniciar? La fotografía -como apoyo visual dentro de una pieza
publicitaria impresa o bien para un spot de TV o aplicada al desarrollo de
contenidos para la Internet o medios impresos y multimediales es una imagen
muy solicitada actualmente- a razón de su alto nivel de verosimilitud dada
también la credibilidad que le atribuyen a la imagen fotográfica los lectores y
observadores de la misma.
Esa cualidad de ser una imagen confiable

para los lectores y observadores, ha sido
adoptada con mucha fuerza en la industria
editorial, publicitaria y de los soportes
multimediales como CD interactivos,
blogs, sitios web, las redes sociales, por tal
razón se solicita frecuentemente los
servicios de los fotógrafos comerciales
para satisfacer esta creciente necesidad de imágenes producidas a la medida de las
necesidades de los anunciantes y de sus agencias. En este contexto podemos notar
como los mismos medios impresos; revistas de contenido general y temático, así
como los diarios de mayor circulación y sus revistas gratuitas utilizan a la
“fotografía solicitada a la medida” con una gran frecuencia y cada vez se demanda
de mayor profesionalismo. Los catálogos de ofertas, o las renovaciones de línea, la
industria del turismo, la industria de bienes de consumo, los restaurantes de
comida rápida, los restaurantes a la carta, tiendas de ropa de moda, distribuidores
de vehículos, hoteles, líneas áreas, escuelas y colegios, el sector gubernamental y
demás organizaciones que trabajan en programas de desarrollo, en fin existe gran
demanda de fotografías hechas a la medida en tiempos de respuesta cada vez más
cortos.
Empezaremos describiendo en forma general el proceso de la producción de una

fotografía comercial solicitada a medida. La cual surge de un criterio profesional
y a solicitud de un director creativo o de un diseñador creativo -como se les llama
hoy a los antiguos directores de arte- éste es quien define qué tipo de imagen o
apoyo visual se le requiere para acompañar al texto que el copywriter ya ha
redactado o está trabajando. Lo mejor sería que esta decisión surja del consenso
entre la dupla creativa y aprobado siempre por el anunciante. Una vez definido
que lo más correcto será resolver el apoyo una fotografía que ilustre o bien que
cuente una historia, o que muestre un fragmento de la vida diaria de un usuario,
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o presentar el producto como si se tratara de un súper héroe, o mostrar cómo se

usa o funciona un servicio o máquina, etc. Se prepara un layout que es finalmente
aprobado por el cliente, deberemos ahora seleccionar quien será el fotógrafo
idóneo para este proyecto a realizar. Los fotógrafos a través de su experiencia y
labor diaria van desarrollando y acumulando sensibilidad especial por algunos
temas o tipos de proyectos en particular -retratos, modas, retratos institucionales,
espontáneos, en locación interior o exterior, en estudio, deportes, product shot,
ambientación, efectos de producción, maquillaje profesional, food styling, bebidas, snaks,
postres fríos, panadería, carros, aviones, instalaciones industriales, edificios, paisajes,
niños, animales, aves, peces, anfibios, ancianos, bodegones, composiciones para portadas,
catálogos, portadas de CD, muebles, Hollywood glamour, calendarios, etcétera.- más que
en otros tipos de proyectos, por esa razón será básico revisar, verificar y validar el
portafolio reciente o álbum de proyectos de cada fotógrafo para así saber si
cuentan con experiencia necesaria para resolver el tipo de proyecto que tenemos
en mente realizar.
Algunos fotógrafos también disponen en Internet de catálogos actualizados de sus

proyectos más recientes y de los más destacados, ésto agilizará la toma de
decisiones, cuando definamos en la etapa de preselección a cuales fotógrafos
considerar, cada vez que se pueda y si el tiempo lo permite, deberemos visitar su
estudio o plató y conocer su capacidad instalada sobre las dimensiones del estudio
en sí, la iluminación con luz continua, con luz de sol, flashes de estudio, escenarios,
vestidores, cocina para alimentos, los objetivos u ópticas, asistencia de producción,
salas de espera, mesas de disparos, u otros detalles que el proyecto requiera. Un
factor importante es la agenda o timing del proyecto, aquí deberemos tomar en
cuenta la agenda del fotógrafo, los modelos y otros especialistas tanto como si
cuenta con equipo digital de marco completo, sensores de alta calidad, monitores
de estudio, pos procesos de edición y de retoque digital y HDR.
Bancos de imágenes. Los plazos de entrega muy cortos suelen

ser el motivo principal para acudir a un repositorio de imágenes
en internet como Getty, Corbis, Shutter stock, Flickr o Photo
community, 500px, etc. En el pasado se solicitaban por fax o
correo a The Image bank o de la Biblioteca internacional de
fotografía, se trata de almacenes en internet con imágenes
digitales genéricas listas para su uso, solamente compras los derechos de uso y en
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minutos tienes una foto en la mano, aunque existe el

riesgo que a ésta también la compre la “tienda de
enfrente”. En el otro sentido esto mismo se convierte en
una oportunidad para el fotógrafo, pues con solo crear una cuenta y subir nuestras
fotos, así éstas pueden ser compradas en línea por alguien más que tenga
limitaciones de tiempo y/o para viajar. Es una oportunidad que espera por tu
talento, creatividad y hasta completar tu ingreso mensual.
Flickr. Es un sitio web gratuito o pagado, según, que permite

almacenar, ordenar, buscar, vender y compartir fotografías y
vídeos en línea. Actualmente Flickr cuenta con una importante
comunidad de usuarios que comparte las fotografías y vídeos
creados por los usuarios mismos. Se organiza a través de normas y
de condiciones de uso que favorecen a quien mantiene una buena
gestión de sus contenidos. Parte de su éxito está en su capacidad para administrar
imágenes mediante herramientas que permiten al autor o dueño de la cuenta en
etiquetar sus fotografías digitales, también explorar y comentar las imágenes de otros
usuarios. Flickr Pro es la versión de pago. Actualmente, los suscriptores de cuentas
gratuitas pueden subir vídeos en calidad SD y hasta 100 MB en fotos cada mes, con un
máximo de 200 imágenes como límite por cada cuenta gratuita. Luego de alcanzado
este límite, sólo permanecen visibles las últimas 200 imágenes subidas, es decir, las
primeras cargas pasan a estar ocultas, pero no son eliminadas. Esto se remedia
actualizando la cuenta a una Pro. De igual manera, un usuario con cuenta gratuita sólo
puede cargar imágenes con una resolución máxima de 1024 x 768 píxeles, lo que
sucede si el usuario carga una imagen de mayor resolución, el sitio la redimensiona a
la resolución anteriormente señalada durante la ingesta. Por otro lado, los suscriptores
de cuentas Flickr Pro, disponen de espacio de almacenamiento y ancho de banda
ilimitada, así como la opción de subir vídeos en formato HD y la posibilidad de cargar
y visualizar imágenes en su resolución original. Hoy, una cuenta Pro tiene un costo los
24 dólares americanos.
Picasa. La empresa que lo originó, Picasa, Inc. nació como

una compañía de fotografía digital con sede en Pasadena
(California), que produjo el programa organizador
de fotos del mismo nombre, una adaptación o versión para Microsoft Windows del
servicio iPhoto de Apple. El nombre Picasa, es una mezcla del apellido del pintor
español Pablo Picasso, la frase en español de "mi casa" y pic de pictures o imágenes
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debería sonar a algo como el arte personalizado. Picasa, nos permite a través de una cuenta en
Google almacenar y compartir hasta 1 GB de fotos de gran tamaño de forma gratuita. El
almacenamiento es ilimitado para fotos de 2048x2048 píxeles o menores para usuarios Google+ y
800x800 para las fotos para todos los demás usuarios. Los vídeos de menos de 15 minutos de
duración tampoco cuentan para el límite. Después de que se alcance el límite, las fotos se
redimensionan automáticamente. Los usuarios pueden subir sus imágenes a través de una
variedad de formas: a través de la interfaz web de Álbumes web de Picasa en los navegadores
compatibles, Picasa Help. Picasa 2.5 o posterior en Microsoft Windows, utilizando el exportador de
iPhoto, el complemento Aperture para Álbumes Web de Picasa, el subidor en Mac OS X, o bien F-
Spot en Linux. En ambas cuentas, gratuitas o de pago, la resolución real de la foto se mantiene, a
pesar de que se puede mostrar una resolución de la foto más pequeña en la interfaz de la web.
Valiéndonos de los layouts -documentos

creativos gráficos en donde se suelen colocar
temporalmente fotos en baja resolución
tomadas de Internet o archivos de librería sin
licencia, antes se acostumbraba una buena
ilustración, a manera de ejemplo- nos
reunimos en sesión de pre producción con
el cliente (empresa anunciante), agencia
publicitaria y él/la fotógrafo(a), para
discutir a manera de pre‐producción el proyecto a realizar, aquí el timing y el
estimado de costos y presupuestos serán parte importante de la agenda de la
reunión. Si fuere necesario -por la complejidad del proyecto mismo- habrá más
reuniones de este tipo o bien pasaremos directamente a definir la cotización y
detalles de dummies o muck ups, scasting, props (atrezzo), outfit, scouting y otros.
Cada vez que el proyecto involucre talento; modelos, actores, o personas, se deberá
crear un contrato individual amplio de cesión de derechos de uso de la imagen, se
debe firmar éste por cada modelo y tomar una foto donde aparece el modelo con
su contrato firmado como evidencia
Cuando cada personaje de la fotografía ha sido descrito correctamente y se tienen

ya preseleccionados a los candidatos habrá que aprobar los modelos propuestos,
el vestuario, el tipo de maquillaje, o lo que se requiera usar en la sesión de cada
una de las fotos. Será valioso también contar con personal autorizado de la
institución anunciante con capacidad de toma de decisiones para aprobar cambios
surgidos de última hora.
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De la sesión de fotografía –photoshoot- saldrá

una cantidad enorme de imágenes digitales
en formatos Raw y JPEG, unas pasaran a pos
proceso y otras no, en esta etapa vamos a
preseleccionar las imágenes con mayor
potencial de resolver los solicitado por el
cliente, y hacer lo pertinente en el programa
de edición de imágenes digitales; corrección
de color, corrección de iluminación, saturación de tonos y contrastes, texturas,
HDR y demás correcciones creíbles y razonables dentro de los marcos y límites
legales que ahora regulan el retoque digital.
Según lo acordado en la reunión de pre producción se entregarán –finalmente- a

la agencia publicitaria, medio de comunicación, o al anunciante las imágenes
digitales corregidas en archivos de formato PSD, JPEG, TIF o GIF, a través de un
servicio de descarga en la nube (repositorio en línea) o también a través de un
soporte físico como un CD profesionalmente identificado y hasta un álbum
profesional de imágenes impresas. Si el proyecto es aprobado por el cliente se
entregarán las facturas del proyecto e iniciará el proceso de pago del mismo, éste
no debería de exceder los 20 días, recibido el pago en firme entrega un documento
legal donde conste que cedes tu copyright los derechos de uso de las imágenes por
un año.
Breve historia de la fotografía comercial en América Latina. El desarrollo

tecnológico que se produjo en estos años, los fenómenos económicos ‐ sociales
ocurridos y los modelos culturales incorporados en el país durante ese período son
un modo de entenderlos.
En los años 70 se consolida la actividad como una especialidad dentro del mercado
fotográfico y de las agencias de publicidad. Definir esta etapa, es un intento que
puede encararse desde diversas perspectivas. Elegimos las dos que nos parecen
esenciales: la expansión de la actividad de los fotógrafos en la comunicación de
mensajes comerciales por los medios gráficos masivos y al mismo tiempo como
fenómeno estético.
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A partir de ese momento, los años 70, tenemos la sensación de

que las imágenes fotográficas ocupan todo el espacio de los
anuncios en los medios gráficos. Como reemplazo de la
ilustración, la fotografía otorga más realismo a los mensajes y su
estética se ubica en una línea de comunicación basada en las
grandes campañas que se construyen con series de avisos sobre
un mismo producto.
Esta modalidad hace que la estética se vea condicionada por un elemento que es
central en esta década, el relato como soporte y el eje de la comunicación basado
en lo afectivo, en lo sentimental. La fotografía publicitaria de esa época y de esos
avisos expresan metáforas siempre vinculadas al núcleo familiar, a la pareja y a
una relación sentimental como elemento vinculante con el producto.
Esto, sin embargo, aparece en los avisos en forma de viñeta la

mayoría de las veces. De esa época, recordemos las campañas de
los vinos referidas a la familia desde los escarpines hasta el
crecimiento de los niños, el tío
francés, o los cigarrillos viajando por
el mundo con la pareja de LM, la
juventud y los pantalones jeans, etc.
Grandes relatos y extensas campañas de avisos
distintos, podría decirse en paralelo con los comerciales
que se hacían para TV.
Para esa época gran parte de los profesionales que ejercían la Dirección de Arte en
las Agencias de Publicidad provenían de las Escuelas de Bellas Artes y muchos de
ellos además eran artistas plásticos. Los redactores eran potenciales escritores. Este
hecho favorecía el establecimiento de una relación muy fructífera entre fotógrafos
y agencias.
La intuición del otro, del receptor, de ʺalguien como yoʺ informaba de modo
particular a los objetivos de comunicación y a las piezas que se elaboraban. Los
altibajos de la economía, crisis en algunos sectores, fueron haciéndose cada vez
más frecuentes, no obstante, esto nuestra comunicación con el exterior se hizo más
fluida e instituciones como la Asociación de Fotógrafos Publicitarios de la
Argentina brindaron cuantiosa información a los profesionales sobre la fotografía
publicitaria en otras partes del mundo.
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Así comenzaron a nacer los grandes estudios que tuvieron su etapa de apogeo en
los años 80. Este período de los 80 a los 90 fue el que presentó las más importantes
alternativas de cambio cultural y también económico. Quizás éste sea el tramo más
dinámico en ese sentido.
Cambios en la concepción del mensaje publicitario, por

lo tanto, cambio en la estética y también cambio en la
asignación de los presupuestos. Definir el rumbo a seguir
se tornó una permanente preocupación de los estudios
tratando de identificar correctamente, como planteamos
al principio, el cambio y la crisis. Interpretar en un
sentido orientador de decisiones cada uno de estos
componentes fue la gran tarea. Cada vez más el
marketing y el resultado de sus investigaciones
orientaban los mensajes.
En lo estético de la mano de David Ratto, creativo de gran influencia en esos años,
conocimos a Bernbach, también escuchamos los consejos de Ogilvy y las fotografías
cambiaron. Ya no se hacían campañas con una cantidad importante de piezas, sino
que la comunicación se hizo más breve.
Carlos David Ratto, nació en Buenos Aires, Argentina en el año 1934. A sus catorce
años comenzó a trabajar en una agencia de publicidad – Pueyrredón Propaganda–
como cadete de sala de arte. Años más tarde, formó su propia compañía: la famosa
empresa David Ratto, mediante la cual estableció una sólida relación con la red
internacional BBDO. En 1963 conoció en los Estados Unidos a Bill Bernbach, quien
le enseñó las últimas tendencias en publicidad. Ratto las adaptó y aplicó en
Argentina: juntó la redacción de textos publicitarios con la sala de arte y conformó
el primer equipo creativo en Argentina –Manuel Antín como redactor y él como
director de arte. Participó en la conformación de la imagen de algunas campañas
políticas, desatacándose su trabajo para la de Raúl Alfonsín, en 1983. Manejó las
cuentas Volkswagen y Pepsi, entre otras; y la década del noventa resultó la más
creativa e importante de toda su carrera. David Ratto fue uno de los socios
fundadores y también el primer presidente del Círculo de Creativos Argentinos.
Era un ferviente admirador de Groucho Marx.
El producto del que se hablaba pasó a primer plano, los espacios blancos se
valoraron como soporte que permitían destacar el mensaje del conjunto de la
información visual que el público recibía. ʺLa simple complejidadʺ o ʺLos 20
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Caminos Creativosʺ. Estas frases definían teorías que los más importantes
creativos hicieron suyas en esos tiempos.
Así fueron las cosas hasta los años finales de la

década del 80 y principios de la de los 90. El país
sufre en esos tiempos una de las más severas
crisis económicas, que desembocan en una
apertura al mundo y al proceso de inserción en la
sociedad global. Las
empresas internacionales se
instalan en el país y traen
desde sus países de origen sus patrones de comunicación y
muchas veces sus fotografías. Los bancos de imágenes
proliferan generando un mercado de imágenes disponibles
para la publicidad.
Es obvio que para los fotógrafos publicitarios argentinos, todas estas situaciones
generaron grandes cambios. Algunos pretendieron persistir en el modelo que
venían practicando hasta el momento, otros advirtieron esta situación nueva y
trataron de adecuarse a ella. La pieza gráfica o sea la metáfora integrada por
fotografía y texto cambió. Es más infrecuente hoy día.
El marketing directo creció y el uso de fotografías publicitarias en ese

medio tiene un carácter catalogal, informativo, no hay otra apelación
que el precio, las cuotas y una mera visualización del producto como
objeto, su intervención es casi accesoria.
En las fotografías que ilustran los grandes avisos, perfumes, cervezas, vinos y los
nuevos protagonistas: ‐los servicios‐, generalmente se apela a sugerir sensaciones
muchas veces no vinculadas directamente al producto.
Entonces la fotografía opera como una alegoría. ʺSi tengo esto, puedo ser aquelloʺ.
Podríamos vincular este perfil estético a los cambios culturales, la crisis de la
modernidad, el universo postmoderno donde el sujeto hace descansar sus deseos
en la autonomía económica y simbólica.
Las fotografías deben significar las expresiones más pretenciosas de ser uno
mismo, aunque esto implique la mayor dificultad de ser uno mismo. En el ámbito
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de los cambios tecnológicos, los medios digitales permiten hoy recrear la

instantánea fotográfica.
Cientos de imágenes verosímiles como reproducción de una situación real son

construidas. Esta es la nueva estética donde conviven al mismo tiempo todos los
estilos, todas las técnicas.
De construcción del universo de la imagen. La idea actual es que la fotografía

puede brindarnos un acercamiento objetivo a los temas que queremos comunicar.
Desde esta perspectiva la fotografía publicitaria debería salir de estrechas

definiciones de antaño y entenderse conceptualmente como Fotografía Aplicada.
A partir de considerar a la fotografía como una herramienta para registrar
información, la que con los medios adecuados ‐todas las que la tecnología actual
brinda‐, la estética y el estilo que se elija, posibiliten una mejor interpretación del
mensaje a transmitir.
Pictorialismo, Fotografía objetiva, Fotografía Documental, Dinamismo,

Estructuralismo y Abstracción, Metaforismo y Simbolismo, Romanticismo y
Dramatismo, Surrealismo, etc. Las posibilidades de expresión del fotógrafo crecen
día a día, pero es necesario evitar los fundamentalismos que pretenden que la
tecnología más reciente eche por tierra a otras anteriores. Analógico vs. Digital.
Película vs. Registro Electrónico, no es verdad.
Sí, es cierto que cada día conviven más y más instrumentos que posibilitan nuevas
formas de expresión del fotógrafo, que siempre pinta con luz, ya sea
complementando las técnicas tradicionales con las nuevas o no. Al fin y al cabo,
con dificultades, con esfuerzo, dentro de este marco de referencia se define nuestra
realidad de hoy. Es difícil resumir treinta años. Treinta años no es nada, pero
mucho camino recorrido. Esperemos que nuestro país se recupere, para que una
vez más surja toda la creatividad contenida que, sin duda, nuestros fotógrafos
publicitarios guardan como la mejor reserva. (Edgardo Filloy.)
En la actualidad, la fotografía se ha desarrollado principalmente en tres sectores,

al margen de otras consideraciones científicas o técnicas. Por un lado, se
encuentran el campo del reportaje periodístico gráfico, cuya finalidad es captar el
mundo exterior tal y como aparece ante nuestros ojos, y el de la publicidad. Por
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otro tenemos la fotografía como manifestación artística, con fines expresivos e

interpretativos.
El reportaje comprende la fotografía documental y la de prensa gráfica, y por lo

general no se suele manipular. Lo normal es que el reportero gráfico emplee las
técnicas y los procesos de revelado necesarios para captar una imagen bajo las
condiciones existentes. Aunque este tipo de fotografía suele calificarse de objetiva,
siempre hay una persona detrás de la cámara, que inevitablemente selecciona lo
que va a captar.
Respecto a la objetividad, hay que tener en consideración también la finalidad y el
uso del reportaje fotográfico, las fotos más reales, y quizás las más imparciales,
pueden ser utilizadas con propósitos publicitarios; decisiones que, en la mayoría
de los casos, no dependen del propio fotógrafo.
Por el contrario, la fotografía artística es totalmente subjetiva, ya

sea manipulada o no. En el primer caso, la luz, el enfoque y el
ángulo de la cámara pueden manejarse para alterar la apariencia
de la imagen; los procesos de revelado y positivado se modifican
en ocasiones para lograr los resultados deseados; y la fotografía
es susceptible de combinarse con otros elementos para conseguir
una forma de composición artística, o para la experimentación
estética.
La fotografía se ha utilizado para inspirar e influir opiniones políticas o sociales.
Asimismo, desde la década de 1920 se ha hecho uso de ella para impulsar y dirigir
el consumismo, y como un componente más de la publicidad. Los fotógrafos
comerciales realizan fotos que se utilizan en anuncios o como ilustraciones en
libros, revistas y otras publicaciones. Con el fin de que sus imágenes resulten
atractivas utilizan una amplia gama de sofisticadas técnicas. El impacto de esta
clase de imágenes ha producido una fuerte influencia cultural. La fotografía
comercial y publicitaria ha representado también un gran impulso en la industria
gráfica junto con los avances en las técnicas de reproducción fotográfica de gran
calidad. Destacaron en este campo Irving Penn y Cecil Beaton, fotógrafos de la alta
sociedad; Richard Avedon, que consiguió fama como fotógrafo de moda, y Helmut
Newton, controvertido fotógrafo de moda y retratista cuyos trabajos poseen con
frecuencia un gran contenido erótico.
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El retrato. Latín: retractus. Un retrato es una fotografía, pintura, u otra representación

artística de una persona, también se entiende por retrato la descripción de la figura o
carácter, o sea, de las cualidades físicas o morales de una persona. A menudo se captan
los rasgos de la cabeza del retratado, sin muchas pretensiones artísticas. La intención
es representar la apariencia física de la persona, y sólo a veces intentan representar su
personalidad.
El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que

los retratados demandaban retratos realistas, incluso si no les
favorecían. Durante el siglo IV, el retrato cedió terreno en favor
de la idealización del aspecto del retratado. Basta comparar los
retratos de Constantino I el grande y Teodosio I. Los retratos que
realistas reaparecieron en la Alta Edad Media, en Burgundia y
Francia. En Occidente uno de los retratos más famosos es La
Gioconda de Leonardo da Vinci, que es de hecho el retrato de una mujer
desconocida.
Entre los retratos más antiguos de gente particular, que no fueran reyes ni
emperadores, son los retratos funerarios que han sobrevivido en el clima seco del
distrito de Fayum en Egipto. Son los únicos retratos de la era Romana que han
sobrevivido hasta nuestros días, aparte de los frescos.
El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas

artísticas que giran en torno a la idea de mostrar las cualidades físicas o morales
de las personas que aparecen en las imágenes fotográficas. También existe el
retrato fotográfico con propósitos de identificación para pasaportes, carné y
credenciales, éste no pretende más que eso identificar y validar quien es el
portador del mismo. Su práctica –el retrato- se encuentra ya en los inicios de la
fotografía donde destaca la labor realizada por los fotógrafos ambulantes, los
fotógrafos comerciales de los estudios parisinos, los primeros retratos
psicológicos, el retrato popular presentado por la fotografía academicista, así como
la obra documental de David Octavius Hill. Los representantes principales del
retrato fotográfico en sus inicios son Nadar, Disdéri, Julia Margaret Cameron,
Lewis Carroll, Gustave Le Gray, Etienne Carjat, Antoine Samuel Salomon, Pierre
Petit o Lady Clementine Hawarden.
Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la

historia de la fotografía razón por la cual, junto a fotógrafos que se dedican en
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exclusiva a lo que podríamos entender como la forma más ortodoxa del retrato
fotográfico, nos encontramos con fotógrafos adscritos a movimientos concretos
que se acercan al retrato fotográfico con el empleo de las ideas y técnicas propias
de estas corrientes. Figuras de interés en el campo del retrato fotográfico son
Richard Avedon, Brassaï, Walker Evans, August Sander, entre otros.
Dentro del campo del retrato fotográfico se desarrolla con fuerza, durante el siglo
XIX y principios del siglo XX, un subgénero propio conocido como la fotografía de
difuntos, en la que destaca la obra del fotógrafo español Fernando Navarro.
Según Hugh Marshall, “Los retratos encajan, a grandes rasgos en dos categorías: los de
carácter subjetivo y dramático, y los de la variedad objetiva, realista. Algunos
fotógrafos famosos (por ejemplo, Norman Parkinson y Karsh) han desarrollado la primera
categoría hasta una fórmula artística altamente sofisticada, utilizando el tema como paisaje
humano. Otros, como lord Snowdon, adoptan un enfoque más distante.”
La persona: el centro de interés. El principio de un retrato suele consistir en ubicar

el sujeto. Es conveniente emplear fondos no demasiado llamativos ni recargados que
puedan distraer la atención ‐el sujeto es lo más importante‐ y, si es posible, mostrar
los fondos fuera de foco. Si hacemos la toma en exteriores es conveniente situar al
sujeto de forma que la luz del sol no incida directamente en su cara. Un ángulo de
unos 45 grados entre el sol y el modelo puede contribuir a generar unas sombras
agradables en su rostro. Una iluminación muy picada, sin embargo, puede dar lugar
a alargadas y antiestéticas sombras bajo los ojos y la barbilla. Resulta un ejercicio
también interesante colocar el sujeto ante el sol, quedando así iluminados los bordes
de la silueta a modo de halo de luz. Es imprescindible, entonces, rellenar la sombra
de su rostro con un flash, dedicando, eso sí, una especial atención a las sombras
creadas por atuendos como gafas o sombreros.
En este tipo de fotos es también relevante la elección de la hora. Resulta recomendable

realizarlas al comienzo o al final del día, cuando la luz solar incide muy angulada con
respecto al suelo y no genera sombras fuertes. Por otro lado, es especialmente
recomendable elegir días parcialmente nublados, pues así podremos aprovechar un
tipo de luz más homogéneo y blando. El mejor horario para aprovechar la luz solar
son el amanecer hasta cerca de las 10 de la mañana, por la tarde después de las 3 de la
tarde y sacar lo mejor de la luz inclinada y de su dominante más cálida, hay que evitar
–sí es posible- la luz vertical que rodea a las horas del mediodía.
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La posición de las manos, los brazos y el tronco del sujeto fotografiado son otros de
los elementos preponderantes en un retrato. Del mismo modo que el punto de vista
frontal no es el mejor para capturar un rostro, un cuerpo erguido dista de ser la mejor
postura para quedar inmortalizado. De hecho, muchas personas se esfuerzan por
adoptar una pose atractiva, logrando generalmente un resultado opuesto al deseado.
Para obtener una composición estéticamente agradable, es bastante útil sugerir al
modelo que sujete algún objeto o que se apoye en algún lugar, pudiendo adoptar así
distintas posturas que no resulten incómodas o forzadas. Sin embargo, hay que tener
cuidado de que estos elementos no interfieran en el resultado final de la toma.
La principal parte del retrato se encuentra ‐en la mayoría de

ocasiones‐ en el rostro del sujeto, ya que en él se concentran una
parte sustancial de las expresiones corporales. Así pues, debemos
tener en cuenta que la cámara y los ojos del sujeto han estar, para
lograr un retrato estándar, a la misma altura. Cualquier punto de
vista diferente podría implicar posturas forzadas que, en un
principio, es preferible evitar.
Además, tenemos que prestar atención al enfoque. Aunque lo

normal es no tener problemas de profundidad de campo ‐
máxime si empleamos pequeñas compactas digitales‐ es
posible, aunque poco probable, que el enfoque pueda
perderse ligeramente, sobre todo si utilizamos objetivos con
distancias focales largas. Para evitar que la profundidad de
campo se convierta en un error, lo mejor es mantener el
punto de enfoque en los ojos del sujeto o, si no está de
frente, en el ojo más cercano o próximo a nuestro
objetivo, segunda opción será enfocar los labios
cuando no podamos ver los ojos.
Ciertamente, tendemos siempre a emplear las mismas técnicas al fotografiar a todo

tipo de ʺpersonajesʺ; unas técnicas que, si bien se basan en conceptos aplicables en todo
tipo de retratos, están pensadas para personas de una edad determinada, con unas
facciones determinadas y con una actitud determinada. Pensemos, si no, cómo le
diríamos a un perro ʺsonríeʺ, o cómo le pediríamos a un bebé que nos mire, o a un
anciano que no se gire porque se le ven las patas de gallo.
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Hemos de distinguir, pues, unos cuantos tipos de retrato que se apartan de lo que todo
el mundo entiende –valga la redundancia‐ por retrato. Hay, por ejemplo, el retrato de
animales, el de niños o bebés, el de personas mayores, y el retrato que no incluye el
rostro o que se aleja de la línea general.
Si, en la primera parte de este tema, comentábamos la importancia del punto de vista
en la fotografía de retrato general, ahora vamos a descubrir que hay un tipo de retrato
en que el punto de vista es mucho más importante: el de niños. Es evidente que los
niños tienen un concepto del mundo diferente al nuestro; por lo menos, lo ven todo
un metro ‐aproximadamente‐ por debajo de la mayoría de adultos. Por este motivo,
siempre que hagamos fotografía de niños hemos de rebajar nuestro punto de vista
hasta sus ojos. Esto, que parece sencillo, puede convertirse un caos si nuestro modelo
está en actitud de libre albedrío. El hecho de tener el suelo tan a su alcance provoca
que cualquier detalle de éste se lleve su atención, moviéndose imprevisiblemente y
agachándose cada dos por tres.
Si conseguimos tener controlado a nuestro modelo, tendremos la ocasión de realizar
excelentes tomas ‐cuidado con el flash, sus ojos son muy sensibles. La expresividad de
un niño es terriblemente fuerte en cualquiera de sus vertientes enfado, alegría, etc.‐,
por lo que no es necesario, o no suele serlo, forzar al niño con sonajeros o adminículos
similares que lo único que suelen conseguir es distraer y estresarlo ‐esto también es
aplicable al flash, insistimos, si abusamos de él. La mejor solución, aunque suene a
verdad de Perogrullo, es dejarle hacer, y disparar y disparar. Siempre será mejor llenar
una tarjeta que perder una toma. Utilizaremos focales largas, encuadrándole a una
cierta distancia, dejando que el niño tenga libertad de movimientos y no se sienta
agobiado.
Los retratos de personas mayores también son especiales. La experiencia de toda una
vida se refleja fácilmente en la mirada, por lo que la fuerza
expresiva es relativamente fácil hallarla. El problema, si es que
podemos llamarlo así, es encontrar la combinación de luces
adecuada. El rostro de una persona trasluce el paso de los años.
Aparecen arrugas, las imperfecciones se acentúan y los rasgos
faciales toman más intensidad. Este tipo de retratos ganan
mucho en blanco y negro, con luces duras y un alto contraste.
Los microsurcos entre las arrugas generan una excelente
combinación de luces y sombras, y la luz dura refuerza las
señales propias de cada rostro.
16
Los estudios son espacios especialmente acondicionados para la producción

fotográfica y su principal valor radica en su posibilidad de ejercer control total o
dominio de todas las variables; ya que se encuentra disponible para producir
independientemente del clima lo cual para las agendas de las agencias publicitarias
tiene gran valor. En el caso de las localizaciones o locaciones; representan mayor nivel
de riesgo, estas suelen estar ocasionalmente limitadas por el clima o los horarios, pero
su mayor fortaleza y valor está en que es real e incrementa la verosimilitud y la
confianza del observador añadiendo gran fuerza a la imagen resultante; deberemos
distinguir entre locaciones interiores y exteriores. Los tiempos de entrega del proyecto
fotográfico suelen ser una variable importante para decidir sobre alguna de las
opciones anteriores. La selección de la locación correcta o ideal se realiza a través de
un scoutting que puede además ser contratado a un asistente de producción
independiente (freelance) o al mismo estudio fotográfico.
Si deseas dirigir mejor al talento o mejorar la forma en la que has salido hasta hoy en
los retratos, debes tener presente estos 15 consejos.
Actitud. El modelo debe confiar en el fotógrafo y su crew y entregarse, dejarse llevar,

que no es fácil porque la cámara impone. Los modelos no son precisamente una belleza
perfecta, no cumplen siempre el canon de belleza establecido o el idealizado. ¿Y
porque están ahí entonces? Expresividad, ahí vive su secreto, son capaces de transmitir
pasión; desde rabia hasta alegría, desde el odio más desaforado hasta el amor más
tierno, son capaces de desenvolverse delante de una cámara igual que lo harían ante
su grupo de amigas más íntimas. Con su cuerpo y sus expresiones son capaces de
transmitir, ahí es donde está la parte escénica del modelo.
Seguridad en ti mismo. Estos elementos son una gran clave para ser más atractiva a la
cámara, pues una vez más la seguridad llama nuestra atención, y nuestro cuerpo
también tiene las armas para proyectar esa seguridad, así que no dudes mostrarte
seguro. “Hay que relajarse, para ser uno mismo. Las manos, una en el bolsillo, si no
sabes qué hacer con ellas, y deja el peso en una pierna”. Sólo faltará que el fotógrafo
dispare en el instante preciso.
Vístete con los colores que te favorecen. Ciertos colores complementan

agradablemente ciertos tonos de la piel, mientras que otros la hacen ver menos
agradable. Puedes tener una sensación de con cuales colores luces mejor, pero si no lo
sabes todavía, descúbrelo probando con varios colores.
17
Ocultar tus defectos. No será posible mostrar todo lo bueno que posees en una sola
imagen, pero sí puedes mostrar lo mejor de ti. También puedes ocultar fácilmente
aquellas que no te gustan. Por ejemplo, muestra el lado de la cara que más te favorece.
Determinar tu mejor ángulo. Usa el semi-perfil que mejor te haga ver. Mostrar un ojo
y medio a la cámara, crea misterio e interés, no siempre es fácil salir bien de frente o
de perfil completo. La actitud del modelo clásico es poner tu cuerpo 3/4 hacia la cámara
fotográfica con un pie delante del otro y un hombro más cercano a la cámara
fotográfica que el otro.
Líbrate de la papada (barbilla doble). Inclinar tu cabeza abajo levemente e intenta

colocarte de modo que la cámara fotográfica esté un poco más arriba de tu nivel del
ojo, ésto ocultará la papada eficazmente. Puedes también poner una mano debajo de
tu barbilla como si estuvieras reclinando tu cabeza en tu mano (apunta el lado del
pulgar de tu mano hacía ti). No reclines realmente peso sobre la mano. También
puedes intentar poner la lengua en tu paladar de tu boca. El tipo de cuello de tu escote
ayuda para que se vea más alargado y más delgado. Si tienes un cuello corto, evita
usar collares cortos, pues que acortaran más el cuello, acentuar el escote en V con
collares largos.
Levanta tu cuello. Un tip de los modelos es presentar una pose a 3/4 ante la cámara -
esto es dar vuelta a tu cabeza para exponer 3/4 de ella a la cámara fotográfica, y no una
foto frontal- y entonces levanta tu cuello e inclina levemente tu cabeza abajo. Esto
mejora la definición facial y ayudarás a mejorar las arrugas y la piel flácida. Evita subir
demasiado la cara y estirar el cuello de más, prueba a bajar un poco los hombros. Para
ser fotogénico baja siempre un poco la cara al nivel de la cámara y recuerda que no
debes exagerar -sobre actuar- los gestos faciales (esto incluye la sonrisa) pues el punto
es lucir bien y natural.
Relájate. Muchas personas salen mal en las fotos debido a que congelan su cuerpo y
ésto les hacer ver "poco espontaneas". Si sabes que te van a tomar una foto, respira
profundo y exhala naturalmente, relajando tus brazos y hombros. Sonreír o tener una
actitud es favorable. Contener la respiración mucho tiempo te hace aparecer muy tensa
y sofocada en la foto. Entre más relajada estés mejor será la foto.
Piensa en momentos felices. Imagina algo realmente divertido o pensar en alguien

cómo tu novia(o), tu esposa(o) o niño, así pues, conseguirás una sonrisa genuina. Si no
te gusta tu sonrisa o tus dientes, intentar una sonrisa más cerrada o de la parcialmente
18
cerrando tu boca. Abrir ligeramente tu boca puede hacer que tu expresión luzca más
natural.
Sonríe con la mirada. Mira a la cámara y piensa en un ser amado, olvida que es una
herramienta, ahora es una persona querida. Nada proyecta más felicidad y belleza
como unos ojos alegres. Sonreír, seducir, ser misteriosa, divertida o seria… Mejor con
los ojos que con la boca. Practica frente al espejo abriendo los ojos y una sonrisa
relajada hasta lograr una mirada sonriente. “Ríe o no, pero que te brillen los ojos,
interioriza la sensación que haga que se te ilumine la cara”.
Buena postura. Inclina muy ligeramente todo el cuerpo a la cámara, acerca un poco tu
rostro. La buena postura puede mejorar dramáticamente tu aspecto en las fotos. El
sentarse o estar parado de forma recta hace tu mirada más sana, más alerta y más
atractiva. Recuerda respirar normalmente y relajar tus hombros. Especialmente si
tienes mala postura, puede ser difícil estar de pie y recto y no parecer tieso, practica
esto frente al espejo. Las manos relajadas y con los dedos algo separados.
Ama y disfruta la cámara. Para iniciar enfoca tu atención en esto: la cámara te ama.
Muchas personas se ven muy fotogénicas porque disfrutan estar frente a la cámara y
que les tomen fotos, y es por eso que siempre se miran relajadas y lucen naturales, si a
ti te produce temor la cámara expresa un gesto natural de agrado y gusto y así
sonreirás siempre a la cámara.
Cerciórate de salir bien en las fotos. Si eres de las que a cada instante están viendo la
cámara para ver si saliste bien en las fotos harán que estés insatisfecho y en lugar de
mejorar tu aspecto parecerás incómodo. Espera al final de la sesión, las mejores fotos
se logran normalmente hasta el final de la sesión.
Sumir la panza. Sólo ayuda si estás sentado o con tu cuerpo inclinado sobre el
estómago, si lo exageras hará que parezcas poco atractivo porque tus costillas se
saldrán a través de la camisa, otras veces hará tu mirada levemente incómoda. Para
verse más delgado(a) viene bien ladear o girar de lado el cuerpo.
La fotogenia –según un fotógrafo- es una combinación de físico y actitud. “Lo más

fotogénico es que el fotógrafo encuentre muy atractiva a una persona y saque lo mejor
de ella”. Un solo rasgo bien aprovechado hacer surgir la magia. Con permiso de la luz,
o con su ayuda, a veces se hacen retratos en los que el fotografiado queda tan
19
favorecido que no se reconoce. “Son sorpresas de la luz, que a veces dibuja como no lo
esperas”.
Las poses para mujeres, hombres y parejas suelen mostrar patrones que buscan resaltar
las líneas; en las mujeres líneas curvas dominan las poses de su silueta, en los varones
las líneas rectas dominan su silueta, y combinaciones de ambas para la pareja, un
consejo para salir bien en la foto consiste en practicar previamente a la sesión de
fotografía frente al espejo. Veamos algunos ejemplos básicos de como posar ante la
cámara.
20
21
Las top model aprendieron a mostrarse

de manera favorable a la cámara,
algunas no fueron siempre como las
conocemos hoy, en parte su éxito está
lograr conocerse bien, y saber de
antemano sus mejores ángulos, las
poses y cuál es la iluminación que mejor
les favorece. Puedes iniciar a practicar
desde ya mismo frente a un espejo, y
domina la técnica. Verás increíbles
resultados en poco tiempo.
Retrato corporativo. El retrato colectivo o de grupos de personas es un género que fue

muy común en los primeros tiempos de la fotografía. Se utilizaba mucho para
documentar y registrar las promociones o generaciones académicas, grupos de
militares en traje de gala, retratos corporativos oficiales, la plantilla de una empresa o
el tajo de una mina y un sinfín de reuniones más o menos formales brindaban una
excusa excelente para inmortalizar la pertenencia a un grupo. Este tipo de retrato
muestra a las personas que forman a la institución, expresa el autentico valor de la
empresa. El retrato corporativo es -cada día- más importante tanto para las
organizaciones, y empresas, como para los profesionales. Hoy en día, mostrarse
profesional y personalmente tal como eres, se ha convertido en una necesidad para
conectar con las otras personas, con potenciales y reales clientes, con proveedores, para
búsqueda de empleo o para mostrar cómo y quiénes son las personas que componen
un equipo de trabajo. En la actualidad el Internet y las redes sociales son las grandes
responsables de esta necesidad de ser vistos de la manera más profesional y natural
posible, esa cercanía que es tan necesaria hoy en día. En otra perspectiva o punto de
vista el retrato corporativo en muchos casos se trata de la fotografía que hará que sus
clientes se formen una primera buena impresión suya o de su emprendimiento. La
mayoría de las personas desean hacer negocios con personas con quienes se identifican
plenamente de aquí la importancia de la fotografía corporativa y de los retratos
profesionales. Por tanto, debemos jugar a dos manos: en una tratamos el puesto de
trabajo y en otra, la persona en sí que lo ocupa. Debemos por tanto abarcar tanto el
retrato privado como el público, aquí debemos añadir la persona. En especial, cuanto
más bajo en la jerarquía de la empresa esté la persona, más debemos centrarnos en ella
y no en el puesto que ocupa. Dado que la fotografía comercial o industrial tiene como
objetivo servir al departamento de relaciones públicas (PR) en la creación de la imagen
22
corporativa de la empresa, la persona que debemos retratar debe mostrarse satisfecha

de su trabajo. Más que satisfecha, orgullosa de estar donde está. Un tratamiento, obvio,
es el épico, la sugerencia del retrato aúlico donde cada trabajador es un
soldado heroico, cuando los operarios son soldados rasos, los directores son generales
y reyes. Las fuentes de inspiración no son pocas. Sobre el tema del retrato hay que
repasar todo lo dicho en los temas de retrato. Especialmente lo relativo al equipo, la
iluminación y el tratamiento de la imagen. El reportaje debemos plantearlo con una
unidad estadística. Los retratos pueden ser posados o robados, pero siempre deben
mantener una relación entre ellos. Por ejemplo, podemos plantearlo como planos
enteros con cámara baja en su entorno de trabajo y con la misma luz frontal para todos,
lo que nos da una unidad de estilo que se reflejará en el mantenimiento de unas
constantes de imagen que contribuyen a identificar uno de los retratos sueltos como
perteneciente a este reportaje, con lo que dotamos de identidad corporativa al colectivo
de trabajadores, unificando la interpretación del reportaje. Hay dos planteamientos
posibles: el retrato in situ y en estudio. El retrato in situ quizá sea la más lógica de las
decisiones ya que proporciona como nexo común el entorno industrial-comercial de la
empresa para unificar la imagen. Que la fotografía sea in situ no significa que deba
realizarse con la ambientación del lugar. Si bien en los reportajes de instalaciones y de
procesos esto era así, iluminábamos con la luz ambiente que solo retocábamos en la
medida de lo indispensable para adaptar las condiciones luminosas de fabricación a
las condiciones de toma fotográfica, en el retrato somos libres de modificar esta
imagen. Por lo que toma la libertad de llevarte tus flashes y de colocar un paraguas
para dar luz principal a la base proporcionada por el ambiente. La otra manera de
trabajar consiste en montar un set en algún rincón apropiado. Para ello solo necesitas
un fondo portátil y un par de paraguas. Es normal que el rey quiera salir en su trono,
por lo que los mandos superiores es probable que haya que fotografiarlos en sus
despachos. Recuerda que en el retrato clásico cada puesto tiene su propio repertorio
de signos. En estas fotos trata de mostrarlos adecuadamente. Ten siempre presente
que la mesa es símbolo de la capacidad de decisión. Que la mano sobre la mesa, o
sobre la silla, aunque puede ser que algún psicólogo te diga éste es un signo de
inseguridad, en la tradición del retrato de estado indica el poder sobre la decisión. Solo
los reyes, los príncipes apoyan su mano sobre la mesa. Recuerda los símbolos del
trabajo. La fuente para toda la simbología es el tratado de 1593 de Cesare Ripa:
“Iconología”. Recordemos que no vamos a copiar lo que dice Ripa, sino a adaptarlo al
presente. No seas ajeno a la tradición cultural, especialmente a la del entorno de la
organización que fotografías. El retrato corporativo realmente es un género por si solo,
aunque aquí lo vemos como supeditado a la fotografía industrial podríamos tratarlo
23
con categoría independiente. El retrato no es un género, es una forma del arte. El

retrato corporativo -corporate headshot- es el retrato de la persona en la organización,
por tanto, trasciende la jerarquía que estamos estableciendo y en la que lo ubicamos
dentro de la fotografía industrial. El retrato corporativo es un género por sí sólo, la
fotografía industrial es una especialidad profesional. Un retrato corporativo -corporate
headshot- no necesariamente debe centrarse en una empresa o institución, sino que
habla de las personas de una organización, independientemente de que sea una
empresa, un equipo deportivo o una asociación de vecinos. La manera de tratar cada
caso debe supeditarse a las convenciones propias de cada uno y a los signos y
simbologías particulares. Por tanto, hemos de interesarnos por ellas, aprenderlas y
usarlas apropiadamente. Una de las formas más populares del retrato corporativo es
la fotografía de grupo. La fotografía típica de un equipo de fútbol, dos filas frontales a
cámara, la de atrás de pie y la delantera en cuclillas, es tópica. Puedes hacerla así, lo
cual te sitúa en un conocimiento adecuado de las formas tradicionales y te resuelve la
papeleta de qué hacer o puedes forzar tu imaginación y cambiar las posturas y la
organización del equipo. Ten muy presente estas ideas durante desarrollas tu proyecto
de retrato corporativo; guarda la unidad estilística mediante un uso de elementos
comunes. Estos elementos pueden ser los colores, POV y tiro de cámara, estilo de
iluminación, etc. Deja que tu imaginación gobierne aquí. Procura mantenerte dentro
de la tradición y del estilo de la organización. Siempre se original, pero sin romper
dramáticamente la expectativa de como desea verse el cliente. Si no será muy
complicado completar el cobro del proyecto. Ten siempre presente que no haces un
retrato con personas aisladas, sino el retrato de una organización, un colectivo, un
equipo a través de sus integrantes. Dale unidad visual a tu trabajo. Lo habitual en una
foto de grupo es que el centro esté ocupado por las personas de más alto rango dentro
de la organización. Dependiendo del caso concreto puede que no hacer caso de esta
regla puede hacer que te vean como una persona irrespetuosa a la que no hay que
volver a llamar para un trabajo. Por tanto, antes de dar rienda suelta a tu imaginación
y creatividad, entérate de las formas y reglas de cortesía del grupo al que te acercas.
Intentar ser original quizá esté bien para recibir puntos en tu cuenta de redes sociales
especializadas en fotografía profesional como Flickr u otras, pero es mejor si te da
puntos delante de tus futuros clientes. Dentro de las tradiciones podemos citar la
organización de los equipos deportivos y colegios: en filas frontales. La organización
del tipo de pintura corporativa que podríamos llamar Clase magistral, del que hay
bastantes ejemplos en la pintura de los países bajos y en la que aparece el profesor de
medicina impartiendo una clase a su curso. Otro tipo de modelo es el de la comida de
trabajo, en el que los miembros de la comunidad aparecen rodeando una mesa, este
24
tipo de imagen corporativa en la obligada en convenciones y congresos en los que

aprovechamos las comidas para tener a tiro a los asistentes. El modelo siempre nos
conduce, naturalmente, a la pintura de la santa cena. No siempre que haya personas
sentadas a una mesa deberíamos pensar en una reunión de apóstoles, pero a menudo
la intención última es esa. Otro modelo, más moderno es el de la conversación o
reunión de amigos. Es un tipo de retrato de grupo que refleja la clase social. Es típico
de la pintura inglesa del siglo XVIII y muestra al señor de la casa, con su familia y
amigos, charlando animadamente en uno de sus salones bajo la decoración de las obras
de arte adquiridas. Es un retrato de clase social, que muestra el poder económico y las
relaciones de la familia. Estos retratos a menudo son paisajes interiores con figura(s)
en los que es más importante la grandeza de la estancia y de las obras en ella
depositadas que la fiel imagen de la concurrencia y las personas en sí.
Hay un tipo de retrato corporativo que escapa a esta forma de presentarse, se trata de
la fotografía de identificación, la que se emplea para los papeles, documentos,
credenciales y los pases por ejemplo la foto de carnet, con la persona de busto, frontal,
con luz plana y un fondo neutro.
Los retratos corporativos se pueden clasificar en dos tipos; los editoriales y

los profesionales. En el caso de retrato editorial se suele incluir el entorno laboral, el
profesor en el aula o laboratorio, el cineasta en el plató de cine, el chef en la cocina, etc.
En el caso del retrato profesional, se suele resolver en un plató de fotografía de retratos
con fondos neutros de preferencia. Estos suelen ser los que usualmente se publican en
las redes sociales profesionales. Logremos producir un sentimiento de empatía, debes
mostrar tranquilidad a través de tu imagen. La marca y sus valores deben ser
potenciados con ser verdadero, verosímil, creíble, aspiracional y relevante. Será
oportuno cuidar algunos detalles como la mirada a la cámara, cuidar que los ojos
parezcan del mismo tamaño o altura, muestra una sonrisa natural y espontanea, o bien
una sonrisa muy suave y ligera. Evita curvar la espalada es mejor si está derecha y
hombros derechos, inclina un poco el tronco a la cámara, muestra las manos con todos
sus dedos. No te cortes el cabello antes de la sesión, deja pasar una o dos
semanas. Para cada proyecto de retratos con personas se hace necesario y mandatorio
que el modelo sea mayor de edad, que nos firme un consentimiento que incluya la
cesión de los derechos de la imagen para el fotógrafo y extendido a su(s) clientes. Los
menores de edad deben incluir el consentimiento de su tutor legal o un de sus padres.
El contrato firmado por todas las partes debe ser archivado con celo por muchos años.
Se sugiere observar un ejemplo a continuación:
25
CONTRATO DE CESIÓN DE DERECHOS DE IMAGEN
En Tegucigalpa, Honduras, a (fecha de hoy)
De una parte: Nombre del fotógrafo
con Tarjeta de Identidad número: 0801-2016-1234
y domiciliado en: Colonia, sector, bloque, calle, casa número
y en adelante el fotógrafo.
Y de otra: Nombre completo de la modelo
con Tarjeta de Identidad número: 0801-2016-4321
y domiciliado en: Colonia, sector, bloque, calle, casa número,
y en adelante el/la modelo por este contrato y expresamente.
El modelo autoriza al fotógrafo, así como a todas aquellas terceras personas físicas o
jurídicas a las que el fotógrafo pueda ceder los derechos de explotación sobre las
fotografías, o parte de las mismas, a que indistintamente puedan utilizar todas las
fotografías, o partes de las mismas en las que intervengo como modelo.
Mi autorización no tiene ámbito geográfico determinado por lo que el fotógrafo y otras

personas físicas o jurídicas a las que el fotógrafo pueda ceder los derechos de
explotación sobre las fotografías, o partes de las mismas, en las que intervengo como
modelo, podrán utilizar esas fotografías, o partes de las mismas, en todos los países
del mundo sin limitación geográfica de ninguna clase.
Mi autorización se refiere a la totalidad de usos que puedan tener las fotografías, o

partes de las mismas, en las que aparezco como modelo, utilizando los medios
técnicos conocidos en la actualidad y los que pudieran desarrollarse en el futuro, y
para cualquier aplicación. Todo ello con la única salvedad y limitación de aquellas
utilizaciones o aplicaciones que pudieran atentar al derecho al honor.
Mi autorización no fija ningún límite de tiempo para su concesión ni para la explotación

de las fotografías, o parte de las mismas, en las que aparezco como modelo, por lo
que mi autorización se considera concedida por un plazo de tiempo ilimitado.
26
Recibo ______________________________ como pago por la sesión fotográfica

realizada durante el/los día(s) _______________________, y la cesión de mis
derechos de imagen sobre las fotografías tomadas, aceptando estar conforme con el
citado acuerdo.
Firma del modelo Firma del fotógrafo
___________________________________ ______________________________________
El señor /La
señora:_________________________________________________________,
mayor de edad, con domicilio en ___________________________________ y
Tarjeta de Identidad.: __________________, manifiesta como testigo de la firma del
presente contrato de cesión de derechos de imagen que, el modelo dice entender
íntegramente el contenido y naturaleza de este contrato, estar de acuerdo con todos
sus puntos y que lo firma por su libre decisión, propia voluntad y sin que medie
fuerza ni coacción o intimidación de algún tipo.
Firma del testigo ___________________________
La fotografía de modas. Fotografía editorial.

La mejor forma de conocer a los fotógrafos de
moda o fashion será viendo sus proyectos, los
actuales y sus archivos históricos para
formarnos un concepto más amplio, descubrir
que existen puntos de vista distintos de tratar el
producto de un diseñador(a) de ropa, el
entorno, a la y el modelo, la iluminación, el
maquillaje, los colores, la forma, los ejes de
composición, la silueta, las texturas, lo
estilístico, la elegancia, la libertad, lo vulgar, lo
futurista, lo clásico, la época, la geografía, la
cultura, la sorpresa, el impacto visual, la controversia, los valores, los antivalores, la
propuesta creativa, el mensaje, el contenido, el marco, el soporte, en fin hay que tomar
en cuenta varios criterios antes de definir qué hacer, diseñar y visualizar la nueva
propuesta para el proyecto que sigue. Se considera que el primer fotógrafo de modas
fue Pierre-Louis Pierson, y a la primera "modelo" de fashion fue la Condesa
27
Castiglione; Virginia Oldoini de quien

se produjeron 288 retratos
fotográficos posando con sus vestidos
de la corte y de esta colección se
publicó un libro en 1856. Virginia
Oldoini fue una mujer muy celebre en
su época por ser considerada por
muchos nobles y reyes europeos como
la mujer más bella del mundo. Su
biografía ha inspirado al menos 4
películas; una italiana en 1942, otra
franco-italiana en 1954, una más de la
RAI en 2006 en dos partes (Ver parte
I) (Ver parte II), y también hay un
corto británico de 13 minutos llamado
"La comtesse de Castiglione" del año
2000. Para muchos
el fotógrafo Adolph de Meyer -1868 a
1949- es el padre de la fotografía de
moda moderna en Estados Unidos, se
le conoció como el Barón de Meyer y
también "el Debussy de la fotografía". Se trata de un género fotográfico dedicado a
ilustrar vestuario, ropa, y otros artículos o accesorios relacionados con la industria de
la moda. Inicialmente la ilustración se hacía de la mano de ilustradores o artistas de
modas. La fotografía de modas se desarrolló paralelamente con el siglo XX, se originó
en París, al igual que la alta costura. En el inicio, las modelos eran las esposas de los
propios diseñadores o mujeres distinguidas que deseaban lucir sus vestidos. El
retoque a mano con pinturas fue la tendencia de (1891) La Mode Pratique, periódico
donde aparecen publicadas las primeras fotografías de moda. Puedes disfrutar de un
interesante vídeo sobre la historia de la fotografía de modas, hacer click aquí. Estas
fotografías son publicadas, a menudo, en piezas publicitarias gráficas y aparecen
como publicidad o contenidos en revistas especializadas para damas o de la industria
de la moda, como Vogue, Bazaar o Elle, es aquí donde la fotografía de moda tomar
mayor fuerza en los años veinte. Puedes también disfrutar de un vídeo sobre la historia
de la moda. La fotografía de modas es un espejo de una sociedad idealizada según los
valores adoptados en cada época, y transmite la noción del lujo y el bienestar. Los
modelos posan ante la cámara en un escenario cuidadosamente planeado mientras el
fotógrafo se convierte en verdadero artista que transmite emociones a través de telas,
28
cortes y colores. Para organizar de manera cronológica la historia de la fotografía de

moda puedes ver una línea de tiempo que te facilitará. Ahora podemos observar desde
diferentes y variados puntos de vista profesionales y estéticos los vestuarios y
accesorios sobre los modelos. Para ampliar sobre este tema revisa un interesante
documento redactado por el fotógrafo español Nacho Suárez.
TAREA: Investigar sobre la biografía y la obra de los siguientes reconocidos

fotógrafos contemporáneos de retrato para fashion. Seleccione usted a 2 fotógrafos.
En una presentación Microsoft Power Point mostrar una biografía breve, y en una
pantalla completa colocar una fotografía (alta calidad) representativa y emblemática
de sus proyectos para retrato fashion, muestre las mejores 20 fotografías de éste(a)
en su presentación.
1. Jules Séeberger. 24. Paolo Roversi.
2. Adolph de Meyer. 25. Deborah Turbeville.
3. Martin Munkacsi. 26. Bruce Weber.
4. Horst Paul. 27. Andrea Giacobbe.
5. Man Ray. 28. Bill King.
6. Irvin Penn. 29. Sarah Moon.
7. Ellen Von Unwerth. 30. Peter Lindbergh.
8. Steve Hiett. 31. Jean-Baptiste Mondino.
9. Richard Avedon. 32. Tyen.
10. Guy Buordin. 33. Karl Lagerfeld.
11. David Lachapalle. 34. Annie Leibovitz.
12. Helmut Newton. 35. Mario Testino.
13. Albert Watson. 36. Markus Klinko.
14. Bill Silano. 37. Antoine Verglas.
15. Ara Gallant. 38. Claus Wickrath.
16. Herb Ritts. 39. Steve Landis.
17. Matthew Rolston. 40. Peter Gowland.
18. Ruven Afanador. 41. Patric Shaw.
19. Mario Sorrenti. 42. Serge Barbeau.
20. Patrick Demarchelier. 43. Béla Adler y Salvador
21. Russell James. Fresneda.
22. Steve Meisel. 44. Alfonso Ohnur.

23. Nick Knight. 45. Sergi Pons.
29
46. Outumuro. 51. Txema Yeste.

47. Antoni Bernad. 52. Javier Vallhonrat.
48. Miguel Reveriego.
49. Eugenio Recuenco.
50. José Manuel Ferrater.
La industria de la moda y del fashion han desarrollado un matrimonio muy fuerte
con la fotografía comercial, ese tipo de unión es tan fuerte que impacta en el
standard de belleza que adoptamos visualmente en nuestras campañas
publicitarias, y en los otros usos y aplicaciones de estos iconos de belleza
contemporánea.
La fotografía de fashion o de modas, también clasificada como alta costura y

catálogos abre un amplio mundo de posibilidades y estilos diferentes para
desarrollar proyectos que muestran estilos de vida, estados de ánimo, distintos
niveles de elegancia y contrastantes forman de percibir el buen gusto o la forma
en que nos podríamos vestir para diferentes eventos y ocasiones especiales. El
modelaje está ligado a la moda, a la industria del buen vestir. Para lograr vender
piezas de ropa habrá que verlas puestas en alguien más para imaginar cómo se
luce y viste.
Top models. Para atender esta necesidad

publicitaria se deberá mostrar la ropa en la
pasarela de los diseñadores de moda, y en
publicaciones impresas a través de fotografías
y ahora también de vídeos, así que finalmente
se demanda de modelos que trabajen bien la
pasarela en persona y la fotografía; poseer
cualidades ópticas fotogénicas, lograr que la
cámara te vea bien, que te haga lucir
favorablemente. Esta elevada demanda por
modelos que garanticen ser vistos, sirvió en los años 80 para acuñar el termino
Top Model otros dicen que surgió antes, en los 40- para mencionar a las modelos
que eran más cotizadas por los diseñadores de alta moda y que se beneficiaban
con los mejores contratos dentro de esta industria. Este prestigio les abre puertas
para otras industrias como la de la televisión y la del cine. Ahora es más común
verles entrando en otras esferas o industrias que antes no les miraban bien o que
estaban lejos de la alta costura, como el cine de Hollywood, la TV, industria
editorial, música. Para la alemana Claudia Schiffer, sólo en el caso de Gisele
30
Bündchen se podría utilizar

correctamente el término top model
de una forma similar. Las
supermodelos fueron un fenómeno
único gracias al cual Linda
Evangelista, Naomi Campbell,
Christy Turlington, Eva Herzigova o
Cindy Crawford trascendieron el
ámbito de influencia de su profesión
para convertirse en estrellas del
mundo del espectáculo. Salían con
actores, músicos, deportistas o
magos, protagonizaban películas y
vídeos musicales, abrían cadenas de
restaurantes y
se emprendían gracias a los vídeos
de aeróbics. Una modelo española
opina que fueron un grupo aparte.
Aunque el término se utiliza desde
los años cuarenta, antes de ellas, sólo
maniquíes puntuales (piensen en
modelos como Twiggy) conseguían hacerse un hueco en el imaginario colectivo.
No hay en la historia de la moda precedentes de un grupo de mujeres que salten
de la pasarela para meterse en tromba –y de la mano– en los salones del mundo
a la hora de cenar. En ese sentido, el milagro es probablemente irrepetible. Como
sucede cada año, la lista de los ingresos por modelaje de las Top
Models de Forbes se roba la mirada de todas y todos. Nadie debería de extrañarse
que la modelo brasileña de 32 años Gisele Caroline Nonnenmacher
Bündchen (oriunda de Horizontina, Brasil, 1980) esté colocada en el primer lugar
de ingresos por su actividad como modelo de fotografía, de vídeo, y de pasarela.
Existen 42 millones de dólares (3 menos que en 2012) que le respaldan y el favor
de millones de fans alrededor del mundo. El segundo lugar lo ocupa en esta
oportunidad la modelo australiana Miranda May Kerr (Nueva Gales del sur,
Australia, 1983) de 30 años que captó ingresos por 7.2 millones de dólares en el
último año, anunció también su deseo de no continuar colaborando como ángel
de Victoria's Secret. La también brasileña Adriana Lima (1981, Salvador de Bahía,
Brasil) se quedó en el tercer lugar con 6 millones de dólares por ingresos como
modelo, mientras el cuarto lugar fue alcanzado por la inglesa Katherine Ann
Moss (Londres, Inglaterra, 1974) logró ingresos por 5.7 millones. La novedad la
dio este año 2013 la entrada de la primera modelo asiática a la famosa lista en la
31
quinta posición; Liu Wen de 25 años (1988, Hunan, China) y con ingresos de 4.3
millones logró desfilar por primera oportunidad para Victoria's Secret en este año
y ser la imagen de Estée Lauder. Con 26 años (1987, Maryland, EUA) e ingresos
por 4 millones, esta chica de los Estados Unidos aparece en la sexta posición de
la lista Forbes 2013; Hilary Rhoda (Hilary St. Claire). A partir de 2007 logró ser la
imagen para Estée Lauder con un contrato muy jugoso. Carolyn Murphy (1974,
Florida, EUA)) con 3.6 millones es la séptima de la lista, esta modelo americana
había dejado de estar entre las 10 pero ha regresado este año nuevamente. Otra
nueva cara en la lista Forbes es la puertorriqueña Joan Smalls Rodríguezcon una
estatura de 1.79 m. (1988 Hatillo, Puerto Rico), ocupa el octavo lugar con 3.5
millones de dólares. Candice Swanepoel (1988, Mooi River, Suráfrica) ha logrado
ocupar un noveno lugar de la lista Forbes con sus ingresos por 3.3 millones de
dólares. En el décimo lugar -reaparece en la lista Forbes- Lara Catherina Stone
(1983, Geldrop, Holanda) con ingresos por 3.2 millones de dólares durante 2013.
Los pronósticos –elaborados en 2013- por Forbes sobre su lista 2014 ya están en
construcción y posiblemente podrían agregar a la próxima lista a Karlie Elizabeth
Kloss (1992, Missouri, EUA), y reaparecer a Katherine Upton (1982, Míchigan,
EUA), Doutzen Kroes (1982, Frisia, Holanda), y Alessandra Ambrosio (1981, Río
grande del sur, Brasil).
Chicas de calendario, las Pin Ups. Este es el nombre -Pin Up-
que se acuñó en los Estados Unidos para los
retratos idealizados de jóvenes blancas muy guapas y en
apuros o situaciones comprometedoras, ellas vestían de
forma sensual vestidos,
blusas y faldas, y trajes de
baño de la época entre
1930 a 1960, miraban y
sonreían a la cámara, siempre haciendo
contacto visual con el observador. Los
retratos surgían muchas veces a partir de
fotografías previas, y otras veces de modelos
en un estudio. Las modelos de
estos simpáticos retratos reciben el nombre
de Pin Up Girls. Estas imágenes llenaban las
páginas de los calendarios y literalmente
"colgaban" de la pared, y de allí su
nombre pin up. Estas chicas hábilmente
ilustradas con sus formas curvilíneas y
lencería sugerente pronto superaron al pastel
32
de manzana en términos de popularidad e incluso desarrollaron un potencial

considerable como exportación cultural durante los años 1940. Nunca mostrar
todo fue siempre el lema. Sonriendo preciosas a la cámara, las modelos rebosaban
la cantidad justa de atractivo sexual, evitando parecer demasiado sofisticadas o
avispadas. Su cutis rosado y atractivos inocentes todavía arrebatan, incluso en
esta época. Los gestos de sus rostros suelen mostrar inocencia, ingenuidad, hasta
mejillas sonrosadas por la sorpresa y la vergüenza, con algo de picardía. Bajo sus
faldas había lencería que propone, pero no muestra, esto es parte de la fórmula
de éxito, no mostrar más. De su amplia utilización se desarrollaron expresiones
muy locales como las "cheesecake" -1934- y, "girl of your dreams" y las "girl next door".
Durante el conflicto bélico de la segunda guerra mundial
sus imágenes acompañaron a los soldados de los E.U.A. para subir la moral de
las tropas en los escenarios de guerra. También se les ha llamado las 'chicas de
calendario' éstas han avivado el deseo masculino no solo desde calendarios
colgados en las paredes, sino también de portadas de revista, pósteres de páginas
centrales o incluso juegos de cartas. Lo que empezó siendo una forma de practicar
con óleos, pronto se extendió a muchos otros ámbitos: las chicas pasaron a dar
un toque elegante a los fuselajes de los medios de transporte del ejército y se
convirtieron en toda una marca de identidad de los talleres mecánicos y las
barracas militares. Han pasado muchos años y ni la época de la corrección política
les ha restado encanto. De este estilo de ilustración sobresalen más de veinte
importantes pintores, y sus mayores exponentes fueron los pintores e
ilustradores publicitarios Gillette A. Elvgren (1914-1980) norteamericano, y el
peruano Joaquín Alberto Vargas Chávez (1896-1982). Gil Elvgren, inicia su
trabajo a mediados de los años 30's, se le considera el mayor exponente de este
tipo de retratos.
Vargas, se vuelve una figura importante en los años 40 al

publicar varios de sus retratos en la revista Esquire y al ser
adoptadas y copiadas sus imágenes en los fuselajes de aviones
por los pilotos, llamando a su estilo de pin up como las "Varga
girls". Las técnicas usadas por Vargas eran la acuarela y el
pincel de aire o aerógrafo (airbrush). Vargas, es hijo del pionero
de la fotografía arequipeña Max T. Vargas, la situación
económica de su familia le permitió estudiar en Suiza y
Londres, y vivir luego la bohemia del París de antes de la
primera Guerra Mundial. Su matrimonio con Anna Mae duró hasta la muerte de
ella en 1974, él murió años más tarde a los 86 años de un accidente cerebro
vascular.
33
En el verano de 1933, durante un curso en el Minneapolis Art

Institute, Gillette A. Elvgren decide ser ilustrador y abandona
sus estudios de arquitectura, y también en ese otoño se casó
con Janet Cummins. Para 1938 llegó su primer trabajo
importante de ilustración publicitaria fue para Royal Crown
Soda, ese año también nació su primera hija; Karen. Años más
adelante -dos- y desde el Stevens/Gross Studio haría las
ilustraciones publicitarias para la Coca-Cola de las cuales se
sintió muy orgulloso. También realizó artes publicitarias para Naranja Crush,
Cerveza Schlitz, Sealy Mattress, General Electric, Sylvania, y Napa Auto Parts.
Su técnica, que le valió una reputación como el Norman Rockwell de las pin-ups,
sus ilustraciones se servían de fotografías de pin up girls que luego él pintaba,
creando un espléndido realismo o hiper-realidad.
Para completar el grupo de los más destacados pintores de Pin Ups hay que
sumar a Haddon Hubbard "Sunny" Sundblom (1899-1976), cuyos proyectos
publicitarios para Coca-Cola redefinieron al icónico Santa Claus o "Santa" para
los niños, también pintó portadas para revistas, "Sunny" fue un pintor
norteamericano de origen sueco, para el proyecto Coca-Cola su modelo fue un
vendedor jubilado -su vecino y amigo- de nombre Lou Prentice, Sunny produjo
varios cuadros navideños para este anunciante entre los años de 1931 y 1966. Las
chicas de sus pinturas poseían figuras muy femeninas con largas piernas, cabello
exuberante y pechos que desafían a la gravedad. En definitiva, ese estímulo
moral que -por aquellos días- alegraba la vista de los reclutas. Estos ilustradores
y pintores -a través de sus obras- influyeron la cultura popular en casi todo el
mundo, en la publicidad, el cine, fotografía, y editoriales de revistas. En la
mayoría de los países del mundo sus pinturas no suelen clasificarse hoy como
pornografía, pero si hay todavía algunos lugares donde su trabajo está limitado
en su uso y su publicación, para otros son parte importante de otra época recién
pasada y por tanto vistas como vintage art.
Iluminación.
Se parecen, pero no será lo mismo alumbrar una habitación para uso personal,
que "iluminar" para una fotografía la misma locación. La fotografía del griego
(photo=luz) es grabar (graphos=dibujar o grabar) con luz, la materia prima de una
foto es la luz, pero realmente no podemos ver la luz como tal, pues ésta es
energía electromagnética, podremos ver parte de sus efectos y reacciones de los
cuerpos ante su presencia. La luz al chocar con algún cuerpo se convierte en calor
34
y en color, de ahí que el color no está en las cosas en sí, sino en la misma luz
blanca. De hecho, los colores como los conocemos no existen son sólo un código
que nuestra mente le asigna a ciertas bandas de esta misma radiación lumínica.
Las luces no son tampoco todas iguales; las hay artificiales como las que usamos
en casa cada noche, y las hay también naturales como la bóveda celeste -con luna
y estrellas- durante la noche y el sol durante el día. Las luces -por su tono
dominante- se suelen medir para uso en fotografía y de vídeo a través de un
aparato que llama termocolorímetro que mide la luz por su temperatura en
grados Kelvin, para medir la intensidad de la luz se utiliza un aparato
llamado luxómetro, y trabaja con unidades en lux. Desde aquí se hará el balance
a blancos o balance de blancos (WB), que sirve para decirle a la cámara cual es el
tono exacto de blanco que domina la escena. Así es como se suele definir la
iluminación en la escena a fotografiar, las cámaras poseen internamente un
medidor de iluminación -exposímetro- que nos permite previsualizar el valor de
exposición (EV) adecuado para los propósitos del fotógrafo, generalmente ese
valor será EV0. Para obtener una lectura de la iluminación de la escena se utiliza
también un flashimetro, éste mide luz continua y luz de destellos perfectamente.
Las luces para estudio podrán ser continuas o de destello; mejor conocidas como
flashes. La manera más práctica para medir la iluminación, será estimar el brillo
que la luz refleja sobre los elementos de la escena. Importante tomar en cuenta
que la velocidad máxima de sincronización para flashes de estudio suele ser de
1/250 y la más común 1/200.
Para esto vamos a necesitar algo de equipo en nuestro estudio o plató de

fotografía. Una cámara DSLR, trípode o tripeé, zapata, un cable sincronizador,
flashes de estudio, pies o trípodes de luces, flashimetro y algunos accesorios de
las luces, ventilador, fondos de papel o tela, también vendrá bien contar con
modelos, vestuario, peinado y maquillaje, calzado, entre otros detalles a incluir
en la escena. Las lámparas de estudio suelen poseer en realidad 2 tipos de luz;
una lámpara de luz continúa llamada luz modeladora-piloto- y otra lámpara de
destellos; el flash en sí, la primera nos ayuda a visualizar mejor las zonas de alta
luz y las zonas de sombra, mientras preparamos nuestro montaje, pero no es una
referencia exacta, más bien es algo aproximado. La iluminación de la
escena podrá ser de clave alta (High Key) cuando predominan las altas luces, o
bien de clave baja (Low Key) o claro-oscuro según nuestra idea de lo que será
mejor para nuestro mensaje. Disfruta al máximo de la sesión fotográfica, antes
organiza con antelación y mucha dedicación el diseño de la iluminación para
obtener resultados satisfactorios a tu plan de trabajo recuerda crear una plantilla
o diagrama que muestre como vas a instalar el montaje de tu equipo de
35
iluminación al inicio de la sesión y ahórrate muchas molestias y contratiempos,

o bien descarga una versión para hacer tus diagramas de iluminación que
puedas utilizar desde tu computadora sin estar conectado en línea a través de
Adobe Photoshop. Otra opción para crear esquemas disponibles en línea gracias
a Photo Diagrams. La manera más básica para iniciar a iluminar será desarrollar
un esquema llamado el triángulo básico de la iluminación que incluye una luz
principal (Key), una luz de relleno (Fill) y una luz trasera o contraluz (Back) según
lo deseemos éstas podrán ser suaves, rebotadas o duras. También tenemos que
definir la temperatura de la luz; en este caso será luz de flash (6,000K) Para
previsualizar el EV –valor de exposición o nivel de exposición- debemos ahora
colocar el flashimetro con el ISO (sensibilidad) que tiene asignada la cámara
DSLR, orientamos el flashimetro hacia la cámara a unos 5 cm. del modelo
hacemos un destello de prueba y nos dará una combinación de diafragma (f) y
una velocidad de obturación igual o menor a 1/200. Hacemos éstos nuevos ajustes
en la cámara y ahora planificamos (encuadramos) a nuestro modelo, dirigimos
correctamente la pose deseada, hacemos foco en su ojo más próximo y listo.
Ahora resta tomar muchas fotos y mantener fluida la comunicación con tu
modelo. Espero que disfrutes de tu sesión fotográfica y logres muchas y mejores
imágenes.
Encuadres y valores de plano.

La pantalla es un plano rectangular con una distribución proporcional -relación
de aspecto- de 3:4 para TV estándar, o de 16:9 pantalla panorámica o alta
definición (2K y 4K), y 3:2 en fotografía. Conocer y distinguir cada uno de los
valores que formaran nuestro lenguaje para narrar secuencialmente la historia,
demanda dominio del lenguaje visual. En esta oportunidad no le entraremos a
tratar de definir que es un plano o un encuadre, pues hay millones de opiniones
encontradas sobre este punto, pero en lo que sí vamos a avanzar es en reconocer
cuales son los encuadres que serán el ABC del lenguaje del fotógrafo y del
productor audiovisual. Las coyunturas; hombro, codo, cadera, rodilla, y la altura
de una frente serán los límites a tener presentes cada vez que encuadremos
correctamente un plano. Reconocerlos, es la primera tarea a cumplir y la siguiente
será dominarlos y asegurarse de encuadrar correctamente a las personas -el
talento- que están frente a tu cámara. En esta oportunidad empezaremos a
conocerlos en cierto orden y secuencia desde el plano más próximo e inmediato
a la cámara hasta el más lejano y distante, los revisaremos desde el más "cerrado"
al más "abierto", desde el poseedor de mayor distancia intima a la más
impersonal:
36
Extreme Close Up (ECU): Como ocurría con otro tipo de planos, el contexto de la
escena definirá que se trate de un plano detalle o no. Los detalles se agrandan al
máximo y la carga emocional alcanza su punto álgido. El ECU suele confundirse
con el concepto de foto macro, y no es lo mismo. Como su nombre indica, el ECU
muestra un pequeño detalle que, en un plano "normal" pasaría desapercibido. En
esta parte se concentra la máxima capacidad expresiva, y los gestos se intensifican
por la distancia mínima que existe entre la cámara y el protagonista, permitiendo
enfatizar el detalle que deseamos resaltar.
Big Close Up (BCU): La cabeza llena aproximadamente la pantalla. El BCU suele

caracterizarse por la desaparición de la parte superior de la cabeza y la fijación
del límite inferior en la barbilla del personaje. La carga emotiva se acentúa y la
atención en el personaje es prácticamente total.
Close Up (CU): El CU es el perfecto para el retrato del rostro. Agranda el detalle

y miniaturiza el conjunto de la escena, eliminando de una vez por toda la
importancia del fondo. Es tremendamente útil recurrir a encuadres verticales,
reservando los horizontales para cuando tomemos imágenes en las que el rostro
se acompaña con poses de las manos o deseemos jugar con el aire de la imagen. El
plano CU tiene como base la unión del brazo con el tronco del cuerpo, finalice
con aire sobre la cabeza o cabellera de la altura de una frente.
37
Bust Shot (BS): Ideal para retrato artístico, y para retrato de carácter o
psicológico, aquel que permite ver el interior de la persona. Su base inicia en la
línea del pliegue del codo y arriba lo limita el aire del tamaño de una frente sobre
la cabellera o cabeza. Permite apreciar la expresión del cuerpo junto al rostro.
38
Medium Shot (MS): Se produce a la altura de la cintura, y empieza a ser

considerado un plano de retrato. Con el MS cedemos más importancia todavía a
los aspectos emocionales del sujeto. En esta ocasión cortamos a los personajes por
encima de la cintura, o según la línea que defina el vestuario y arriba con aire del
tamaño de una frente sobre la cabeza. En este plano influirá el hecho de hacer la
fotografía en formato vertical u horizontal. Eligiendo el primer caso, el personaje
ocupará la gran mayoría de la escena y el fondo pasará desapercibido.
Western Shot (WS): Tiene su origen con las películas sobre la conquista viejo
oeste americano, y no fue hasta entonces cuando se comenzó a hablar de este
plano como tal. Apareció porque se requería un tipo de plano medio que
capturase al sujeto con desperdicio del fondo pero que permitiese ver el
39
desenfunde del revolver. Inicia sobre la línea de la rodilla hasta la cabeza,

respetando el aire sobre de ésta.
Full Shot (FS): Los pies y la cabeza de la figura humana limitan prácticamente
con los bordes inferior y superior del cuadro de la imagen.
Cuando tengas que realizar retratos no dejes en el olvido estos sencillos

encuadres, todos tus amigos, familiares y modelos notaran un trabajo más
profesional y ordenado, seguro que volverán a invitarte a muchas más reuniones.
Agradezco a Ana Ochoa y a la Licda. Leyla Bendaña por su apoyo incondicional.
40
Poses, gestos, y postura del cuerpo humano para retratos.
El lenguaje corporal, guarda muchas semejanzas con

la comunicación no verbal: por lenguaje corporal
entendemos, de hecho, todos aquellos de
movimientos, posturas, poses y gestos que expresan
un mensaje a las personas que observan. Este es un
lenguaje no hablado y es, generalmente inconsciente,
pero puede ser voluntario, dirigido y arbitrario.
Se ha descubierto que existen movimientos mínimos

que son inseparables de una palabra (por ejemplo, en
los Estados Unidos, al efectuar una pregunta, abren
los ojos y levantan el mentón y mano), pero también
posturas que contradicen lo que se dice en lugar de
subrayarlo (por ejemplo, un hombre tratará de
demostrar que es fuerte y masculino con gestos
bruscos y rápidos, mientras que una voz suave y una mirada sumisa, nos indicarán que
es una persona pasiva y débil).
Las posturas que adopte un grupo de personas al charlar nos dan también mucha
información sobre ellos mismos. Por ejemplo, si el grupo se coloca en círculo, es casi
seguro que todo el grupo es parejo. Pero cuando hay un líder, tenderá a situarse en la
cabeza del grupo (pensemos en los patos al volar que van en forma de «V», pues bien, la
postura del grupo será ahora algo así). Generalmente, la persona que hable y gesticule
más, será la de status social más alto, y el que interrumpe, el que desea dominar.
Hablando de status social, parece ser que dos personas del mismo status suelen adoptar,
al hablar, las mismas posturas, pero no ocurre así entre el asistente administrativo y el
director, o el facilitador y el/la estudiante.
Está comprobado que al hablar con alguien estamos moviéndonos continuamente.

Aunque no miremos a nuestro interlocutor, la forma de sentarnos frente a él o la manera
de colocar los brazos pueden mostrarle que sentimos interés por lo que nos dice (si
cruzamos los brazos sobre el pecho, nos hace pensar que nos están escuchando mejor
que con los brazos colgando a los lados del tronco). También se ha observado que cuando
dos personas discuten, y coinciden en opinión, acabarán adoptando la misma postura,
pero no ocurre así si no se ponen de acuerdo con el tema. Diremos, por último, que el
lenguaje del cuerpo no es un lenguaje universal, pues depende estrechamente de las
culturas.
Existen algunos detalles a los que debemos prestarle atención durante la sesión, el
primero es que el cabello no agregue molestas sombras sobre el rostro, el segundo tiene
que ver con la posición de la cabeza que a veces queda muy baja o muy alta, otro muy
41
valioso tiene que ver con los ojos, éstos son el punto focal de los retratos y el contacto
visual a la cámara será la mejor opción, pero también podrá ver a alguien más arriba,
abajo o a un lado fuera de cuadro, los retratos que cuentan una historia demandan poses
reflexivas, los ojos no deben mostrar varios reflejos de las luces lo ideal será mostrar
ningún reflejo o bien un solo reflejo bien definido sobre todo en aquellos retratos con
planos muy cerrados o cercanos, sugerir que la sonrisa se haga en tres intensidades; una
sonrisa amplia; colocando la punta de la lengua en el techo de la boca y abriendo
ligeramente la boca, una sonrisa ligera y sin ninguna sonrisa; también puede probar
colocando el labio inferior separado del superior y mostrando una sutil línea blanca de
los dientes, estirar el cuello hacia la cámara y bajar la barbilla y bajar el rostro levemente
-evitando comprimir el cuello pues aparece una doble barbilla- algunos llaman a esta
pose cuello de pavo, la modelo se ve mejor si mantiene la espalda en arco y los hombros
estirados hacía atrás ligeramente aquí se debe cuidar la línea de los dos hombros, los
brazos muy bonitos podrán lucirse sin mangas pero para el resto se sugiere usar mangas
largas en colores obscuros, las manos son un detalle muy complejo, deberán tomar o
sostener algo así cuentan algo al observador, pueden abrazar o descansar sobre algo y
evitando que cuelguen. La línea del busto puede suavizarse para retratos profesionales,
familiares o de carácter serio y puede destacarse cuando es para su esposo o novio o bien
para modelar. La pancita o barriguita aparece siempre que el modelo se sienta o está de
frente, y todavía más cuando se inclina sobre su abdomen así que habrá que observar
con cuidado y no exagerar el hecho de sumirla demás para que se vea plana, las caderas
deben aparecer disminuidas y nunca muy aumentadas para ésto deben mostrarse
siempre de lado o perfil y nunca de frente.
En las siguientes imágenes podremos ver y estudiar algunas sugerencias que pueden ser
aprovechadas en nuestros proyectos futuros de retratos.
42
Las poses se deberán combinar y mezclar con la manera en que el centro de

interés, sujeto del retrato o modelo, mira hacia la cámara; significa la manera en
que los ojos del retratado harán contacto visual con cada uno de los observadores.
Será oportuno prestar atención a las figuras geométricas básicas como el
triángulo, el diamante o rombo, el círculo, la línea vertical, horizontal, diagonal,
la forma de algunas letras, la curva de la belleza o la S de la belleza, el arco, y
aspectos de la composición visual como la espiral dentro de la zona aurea, la ley
de tercios, los puntos fuertes, la simetría, la asimetría, vendrá bien que observes
muchos catálogos de modas, revistas especializadas en moda, libros de fotógrafos
de modas, y conocer algo de la industria textil y de la alta costura. Veamos los
siguientes ejemplos e identifiquemos la pose adoptada en cada una.
43
La manera más simple de distinguirlos será a partir un conteo de los ojos. Vamos
a notar que si rotamos sobre un eje vertical al modelo de un lado hacia el otro,
desde el punto de vista del observador quedará dentro de su campo visual solo
medio ojo, un ojo completo, o un ojo y medio, o los dos ojos. Así que veremos
algunos ejemplos que nos permitirán planear mejor la escena del retrato.
Vamos a llamar de frente o frontal cuando son visibles los dos ojos, semi perfil
cuando se pueden observar 2 ojos, o bien 1 ojo y medio, de perfil cuando solo
observamos un ojo, y escorzo cuando desde el hombro o espalda podemos
observar 1 ojo, o bien 1 ojo y medio. Cuando en el semiperfil o frontal observamos
que la mirada del modelo se dirige hacia afuera del cuadro, ésto es que el/la
modelo no mira a la cámara, se le llama también perfil delantero.
POV. La cámara debe mantener una
relación con la mirada, o la altura de
los ojos de nuestro modelo. A esta
relación la llamaremos POV (point of
view) o punto de vista. Cuando la
mirada del modelo está en el mismo
nivel de la cámara se expresa una
relación de igualdad, cuando la
mirada del modelo mira hacia arriba,
a la cámara en un POV alto se establece una relación de
sumisión o subordinación, cuando la mirada del modelo mira hacia abajo la
relación que establece es de dominio, la cámara se encuentra en un POV bajo, o
punto de vista bajo.
Analicemos un poco mejor las poses sugeridas en los ejemplos a continuación,

lleva siempre en tu maleta de equipo fotográfico un pequeño catálogo con
ejemplos para ir resolviendo de manera más profesional los cada sesión de
fotografía y obtener resultados más satisfactorios.
44
3/Cuartos o semi perfil.
Poses de retrato para parejas y grupos.
45
Poses para mujer recostada.
HDR. Las cámaras de fotografía poseen un diseño limitado para captar el rango
dinámico de los tonos de cada color, de las luces y de las sombras. El ojo humano posee
una mayor capacidad para detectar estos cambios de tono a simple vista superando lo
que las cámaras de la actualidad registran. Lo que nos deja espacio para intentar
mejorar el rango limitado de tonos que la cámara capturó o registro inicialmente. Es
muy probable que tu teléfono inteligente posea una opción para simular una mejora
del rango dinámico nativo de sus fotos.
46
Imagen digital con alto rango dinámico HDR
El HDR es un término fotográfico abreviado de High Dynamic Range (rango dinámico

ampliado) con el que a través de mezclar varias fotografías y algo de post proceso en
un programa de edición de imágenes; como Adobe Lightroom o Photoshop,
aumentamos los tonos nativos de la fotografía original (EV0), añadiendo más tonos de
sombra y de luces así como tonos de color, todo esto mejorará el contraste de la imagen
final haciéndola más cercana a la capacidad nativa del ojo humano. Bajo la sombrilla y
criterio -buen gusto- de quien desarrolle este proceso. Los fotógrafos, cineastas y otros
profesionales creativos que trabajan con imágenes deben ser selectivos a la hora de
decidir qué es destacable en una escena porque trabajan con un rango dinámico
limitado.
Bracketing: Sub exposición + EV0 + sobre exposición.
Iniciemos reconociendo el horquillado (braketing) que consiste en tomar de tres a siete

(o más) tomas del mismo tema con variaciones de los parámetros del diafragma; bien
sea en diferencia de pasos completos, medios pasos o tercios de pasos. Así vamos a
obtener una imagen con el valor de exposición cero y adicionalmente algunas
imágenes sobreexpuestas y subexpuestas del mismo tema. Se recomienda que esta
toma se realice con el apoyo de un trípode (tripié) y únicamente modificando la
apertura del diafragma y manteniendo el resto de parámetros intactos. Puede intentar
tomar de (3-7) tres a siete fotografías como mínimo, aunque también es posible que
47
necesite más exposiciones dependiendo del rango dinámico de la escena. El número

mínimo de fotografías debería ser tres. También cuidaremos que todo lo que está
frente a la cámara se mantenga inmóvil y sin cambios, así no se registrarán variaciones
durante la producción. A fin de obtener una combinación HDR ideal, lo óptimo es que
al capturar las fotos el valor de exposición de cada una de las partes de la escena sea
adecuada, de modo que no existan detalles apagados ni con poca exposición en
ninguna de las fotos.
También se podrá generar un braketing opcional en el post proceso al producir en tu

cámara DSRL un archivo de imagen RAW del tema, que luego será modificado con la
opción Adobe camera RAW generando variaciones de diagrama desde la
computadora. Existen muchas cámaras que te ofrecen la opción de aplicar
el braketing automático generando 3 fotos del tema, esto al final resulta ser muy bajo
para propósitos de HDR. Una con el valor de exposición cero, otra sub expuesta y una
más sobre expuesta con un paso completo de diferencia, tú puedes indicar si la
variación será de un tercio o medio paso. Lo idóneo será lograr diferencias de valor de
exposición por 1 o 2 pasos.
Una ventaja de trabajar a través de Adobe Photoshop, está en el uso del

comando Combinar para HDR Pro que permite crear imágenes HDR mediante la
combinación de varias fotografías capturadas con distintos valores de exposición.
48
Puesto que una imagen HDR contiene niveles de brillo que superan la capacidad de
visualización de un monitor estándar de 24 bits. Photoshop permite ajustar la
previsualización HDR. Si necesitas imprimir o utilizar herramientas y filtros que no
funcionan con imágenes HDR, puede convertirlos a imágenes de 16 u 8 bits por
canal. El comando Combinar para HDR Pro mezcla varias imágenes con exposiciones
diferentes del mismo tema y captura el rango dinámico completo en una única imagen
HDR. Con solo un archivo de 32 bits por canal podrá almacenar todos los datos de la
imagen HDR. También vamos a valorar de manera correcta un consejo profesional que
nos será muy útil. Si el horquillado HDR es menor a 3 pasos completos en separación
total (-1.5, 0, +1.5), utilice únicamente las exposiciones más oscuras y más claras para
generar el HDR. En este tipo de casos, para generar una combinación de exposiciones
de calidad, no es necesario capturar imágenes con exposición media o cero. En caso de
que la separación entre el valor de exposición más oscuro y más claro supere los 3
pasos completos, se hará necesario una compensación de exposición adicional para
procesar una buena calidad en la foto HDR. Si utiliza el horquillado de exposición con
valor de ± 1.5 en sus fotografías, ignore los valores de exposición media y cero. Otro
consejo útil es que si habitualmente captura sus fotos HDR de manera estándar
utilizando un horquillado con valor de ± 2.0, solo necesitará tres fotos para realizar la
mezcla en HDR.
Para iniciar nuestro proyecto en la etapa de edición sigamos los siguientes pasos:
Desde Photoshop selecciona la fotografía Archivo > Automatizar > Combinar para
HDR Pro. En el cuadro de diálogo Combinar para HDR Pro, haz clic en Explorar para
seleccionar imágenes específicas, haz clic en Añadir archivos abiertos o
elije Usar > Carpeta. (Para quitar un elemento en concreto, selecciónalo primero en la
lista de archivos y haz clic en Quitar). Ya puedes darle clic a OK para aceptar. Un
segundo cuadro de diálogo Combinar para HDR Pro te muestra miniaturas de las
imágenes de origen y una previsualización del resultado combinado. En la esquina
superior derecha de la previsualización, selecciona la profundidad de bits para la
imagen combinada. Las imágenes HDR contienen niveles de luminancia que superan
con creces el rango dinámico que una imagen de 16 bits / 8 bits por canal pueden
almacenar. Para producir una imagen con el rango dinámico que desea, ajuste la
exposición y el contraste al convertir una imagen de 32 bits por canal a una menor
profundidad de bits.
49
A. Inserción de un punto y selección de la opción Vértice.

B. Ajustar un nuevo punto vuelve la curva angular en el punto en que se utiliza la opción Vértice.
Selecciona uno de los siguientes métodos de asignación de tonos: Adaptación local,

ajusta la tonalidad HDR mediante el ajuste de las áreas de brillo local de toda la
imagen. Resplandor de borde, radio especifica el tamaño de las áreas de brillo local.
Intensidad especifica la separación que debe haber entre los valores tonales de dos
píxeles antes de que ya no partan de la misma área de brillo. Tono y detalle, el rango
dinámico se maximiza con un valor 1.0 en el ajuste Gamma. Los valores inferiores
destacarán los medios tonos, mientras que los ajustes con valores más elevados
destacan iluminaciones y sombras. Los valores de exposición reflejan los números F.
Arrastra el regulador Detalle para ajustar el enfoque y los reguladores Sombra e
Iluminación para iluminar u oscurecer estas regiones. Color, intensidad ajusta la
intensidad de colores sutiles y minimiza el recorte de colores muy saturados.
Saturación ajusta la intensidad de todos los colores de -100 (monocromo) hasta +100
(doble saturación). Curva de tonos, muestra una curva ajustable sobre un histograma
que muestra los valores de luminancia en el original, la imagen HDR de 32 bits. Las
marcas rojas del eje horizontal se muestran en incrementos de un valor de exposición
(aproximadamente un número F de apertura de diafragma o un paso completo).
50
Los siguientes consejos te ayudarán a resolver algunos ajustes que te vendrán bien
durante la edición. Las curvas de respuesta indican la manera en la que los sensores
de la cámara interpretan los distintos niveles de entrada de luz. Por defecto, el cuadro
de diálogo Combinar para HDR Pro calcula automáticamente una curva de respuesta
de la cámara con la gama tonal de las imágenes que se están combinando. Puedes
guardar la curva de respuesta actual y aplicarla después a otro grupo de imágenes
combinadas. En la esquina superior derecha del cuadro de diálogo Combinar para
HDR Pro, haz clic en el menú Curva de respuesta y, a continuación, elija Guardar
curva de respuesta. (Para volver a aplicar la curva más tarde, elija Cargar curva de
respuesta). Frecuentemente el rango dinámico de las imágenes HDR supera la
capacidad del monitor de vídeo de las PC. Y puede ser que las imágenes HDR abiertas
en Photoshop parezcan oscuras o con baja saturación de color. Photoshop nos permite
ajustar la previsualización para que el monitor muestre imágenes HDR cuyas sombras
e iluminaciones no parezcan descoloridas o demasiado oscuras. Los ajustes de
previsualización se almacenan en el archivo de imagen HDR (solo PSD, PSB y TIFF) y
se aplican siempre que el archivo se abra en Photoshop. Estos ajustes no modifican al
archivo de imagen HDR: toda la información de la imagen HDR permanece intacta.
Emplea el ajuste Exposición (Imagen > Ajustes > Exposición) para editar la exposición
de la imagen HDR de 32 bits por canal. [Para observar las lecturas de 32 bits en el
panel Información, haz clic en el icono del gotero o cuentagotas del panel Información
y selecciona 32 bits en el menú emergente.]
Abre una imagen HDR de 32 bits por canal en Photoshop y elije Vista > Opciones de
previsualización de 32 bits. En el cuadro de diálogo Opciones de previsualización de
32 bits, selecciona una opción del menú Método: Exposición y gamma. Luego de esto,
ajusta el brillo y el contraste. Compresión de iluminaciones: Comprime los valores de
iluminaciones de la imagen HDR para que estén dentro del rango de valores de
luminancia del archivo de imagen de 8 ó 16 bits por canal. Si seleccionas Exposición y
gamma, mueva los reguladores Exposición y Gamma para ajustar el brillo y el
contraste de la previsualización de la imagen. Finalmente haz clic en OK.
51
Prácticas de retrato:
Proyecto No.1
Objetivo: Proyecto individual. Replica de 1 pintura de pin ups en
estudio. Selecciona un cuadro pintado por algunos de los
ilustradores que desarrollaron este estilo. Verifica que nadie más
en tu clase tiene el mismo cuadro. Vas a desarrollar el casting para
seleccionar el talento idóneo para este proyecto selecciona el
talento idóneo una modelo mayor de 21 años, guapa, delgada, que
deseen pasar un buen rato en tu sesión. La modelo debe firmar su
Contrato de cesión de derechos de imagen. Construye el inventario
de los props, accesorios de la época, maquillaje, calzado y vestuario
-outfit- según la ilustración y asegúrate de tener todo listo para la hora y fecha de tu
photoshoot. Analiza la iluminación propuesta por este cuadro hiper realista; dirección de
la Key, fill y back light. Desarrolla un diagrama digital de la iluminación para tu set en
digital, y recuerda llevarlo impreso a tu sesión, será tu pase de entrada al laboratorio de
fotografía. Define y verifica el color y material de fondo. Verifica el color de fondo que se
debe utilizar, deberás asegurar contar con el fondo correcto –el estudio cuenta con
algunos. Si necesitas otro especial deberás proveer tú mismo o cambiarlo a través un post
proceso digital-. Finalmente deberás hacer corrección de color, editar los errores y
defectos, preparar el archivo para impresión en papel fotográfico en la medida correcta;
formato vertical 7”x10”. Emularás la portada de VOGUE Honduras, incluirá además al
estilo del contenido de una portada la leyenda; (Nombre de la modelo) por (Nombre del
fotógrafo), y en la esquina inferior derecha coloca un código de barras.
52
Proyecto No.2
Objetivo: Proyecto individual. No son replicas, pero se recomienda
trabajar en base a los ejemplos de poses estudiados previamente en la
clase. Organizar equipo de trabajo 3-5 estudiantes. Desarrollar un
photoshoot de fashion con roles específicos para cada miembro del equipo.
Presentar –como equipo- 10 fotografías impresas en papel fotográfico
semi opaco o semi mate 7”x10” poli cromáticas en formato vertical.
Deberá incluir fotografías en planos; (5) full shot, (3) bust shots y (2) planos
de detalles. La entrega se hará en un álbum con excelente presentación, incluir un CD y
copia firmada del contrato de cesión de derechos de sus modelos.
53
Fotografía de Productos. Actualmente el desarrollo de las campañas BTL y el

Internet han creado una gran demanda de fotografías que apoyen la
visualización de los productos ofrecidos para que éstos sean fácilmente
reconocidos por los consumidores, además la publicación periódica de catálogos
de productos de temporada, descuentos, lanzamientos de campañas,
relanzamientos y demás suelen ir apoyados visualmente a través de fotografías
que muestren de manera convincente lo que vamos a encontrarnos en los puntos
de venta. De allí que exista actualmente una gran oferta de fotografías
digitalizadas disponibles ya con todo y derechos de publicación y aplicaciones
de Internet, acudir a estas es como buscar un traje en un almacén, nunca quedará
igual de bien como uno hecho a la medida.
Los catálogos para venta de productos y servicios aparecieron en el año 1744 en

los EUA, se le atribuye a Benjamín Franklin el primero donde vendía libros. En
1881, surgió el catálogo de herramientas de Hammacher Schelemmer, en 1872
aparece el primer catálogo de tienda, lo hizo Montgomery Ward, el famoso
catálogo de Sears, Roebuck & company apareció casi diez años después, en 1893.
Antes del internet y del comercio electrónico así se construía un catálogo
impreso. En nuestra región existan publicaciones -suplementos, insertos- en las
páginas interiores de los periódicos con ofertas especiales de los supermercados
o insertos de almacenes y demás; todos éstos descansan en la fotografía de
productos.
La fotografía de productos -product shot- ha venido a substituir en algunos casos

a las ilustraciones en este tipo de productos virtuales en dos dimensiones, que no
solo incluyen imágenes fieles sino también en algunos casos información técnica
según sea el caso. Cuanto mayor certeza sienta el consumidor sobre su capacidad
de reconocer fielmente el producto que observó virtualmente en un catálogo de
papel o pantalla, comparado con aquel que se encuentra en el mueble de
exhibición del punto de venta, más confiado se sentirá de llevarlo a casa.
Actualmente, el desarrollo de las campañas BTL y el Internet han creado una

gran demanda de fotografías que apoyen la visualización de los productos
ofrecidos para que estos sean fácilmente reconocidos por los consumidores,
además la publicación periódica de catálogos de productos de temporada,
descuentos, lanzamientos de campañas, relanzamientos y demás suelen ir
apoyados visualmente a través de fotografías que muestren de manera
convincente lo que vamos a encontrarnos en los puntos de venta. De allí, que
exista actualmente una gran oferta de fotografías digitalizadas disponibles ya con
54
todo y derechos de publicación y aplicaciones de Internet, acudir a estas es como

buscar un traje en un almacén, nunca quedará igual de bien como uno hecho a la
medida.
Lo anterior nos muestra -de alguna manera- que para el comprador final la
fotografía de los productos o product shot resulta vital a la hora de tomar
decisiones sobre el producto o servicio a elegir para satisfacer una necesidad
dentro de todas las opciones que dispone el mercado. Este tipo de fotografías se
concentran en contestar la pregunta ¿Qué es esto? Las fotos de productos se
pueden separar en dos grupos importantes; los Product Shot donde el producto
se muestra tal cual será hallado en los supermercados, farmacias, tiendas
especializadas u otras, y las fotos que muestran al producto o servicio en pleno
uso o mostrando la manera en que nos beneficiarán o nos harán disfrutarlos; a
estos se les llama fotografía de Dispersión Creativa o de producto en uso.
Es como mostrar al súper héroe de un comic cuando hace su brillante aparición

en el momento crucial de la historia y éste aparece mostrando en una pose su
fortaleza, sus cualidades, sus colores identificativos, su vestuario único,
invitando o retando a ser provocado para entrar en acción. Aunque esto
pareciera algo exagerado, de alguna manera nos permite tener una visión que
deberíamos recordar al momento de presentar la imagen de un satisfactor a los
futuros consumidores; el producto es algo aspiracional, vive en el mundo de los
anhelos y de los ideales, y es allí donde debe parecer que está, en otras palabras,
debemos mostrar que es algo de otro mundo, debe despertar deseos y motivar o
activar las necesidades latentes y pasivas que llevamos dentro. No perdamos de
vista a los empaques primarios y secundarios, pues deberemos tratar de
mostrarlos para que sean rápidamente reconocidos y evitar cualquier instante de
duda o confusión. En aquellos casos que el mismo envase o empaque limiten la
visibilidad del contenido deberemos optar por mostrarlo. Además de la mera
clasificación de la fotografía de productos, deberemos prestar atención a varias
condiciones técnicas muy relacionadas al Product Shot; la iluminación, las
texturas, la óptica del objetivo, la temperatura del ambiente, el color y textura de
fondo, etcétera.
55
Maquetas. Dummies. (Mock‐Up) Son substitutos o

reemplazos de productos reales que suelen usarse
durante la producción de la fotografía, son copias
o replicas tridimensionales, son muy semejantes a
los productos reales. Suelen resolver limitaciones
que el producto real presenta durante la sesión de
fotografía como sus proporciones con respecto al
entorno o bien para lograr mostrar detalles
importantes en mayor escala, o para resolver
problemas de textura o de limitaciones de los
materiales del producto ante la temperatura de las
luces o del clima de trabajo, o simplemente
sustituir vidrio y cristal con algún tipo de material
plástico que resista a las exigencias de
producción. Como Ud. puede ver que resuelven una gran cantidad de obstáculos
razón por la que son muy utilizados. Las maquetas se acostumbran a usar para
presentar productos que se encuentran en construcción o que todavía están en
etapa de diseño y no se ha construido o fabricado una primera pieza todavía. Son
muy usadas para representar una población a pequeña escala o para mostrar un
nuevo residencial o bien una catástrofe natural, en fin, cuando el clima o bien la
distancia no permiten hacer una toma de este tipo o simplemente solo existe en
la mente de un creativo de la agencia publicitaria.
Si lo que buscamos es gozar de la completa la atención -corta y escurridiza- del

observador y que ésta se fije en el producto como tal, será sabio que la linea del
horizonte no distraiga a nuestra atención, para que ésta se enfoque solamente en
el packaging de nuestro producto. ¿Cómo hacer, entonces, para que no aparezca
el horizonte en nuestra imagen y captar toda la atención? Vamos a utilizar un
humilde y genial trozo (pliego) de cartulina Iris para construir un fondo neutro:
56
blanco, gris o negro. Pero también podrán seleccionar algún color que refuerce o
que apoye la paleta de color de la etiqueta o bien del empaque. Hay que ser
cuidadoso en evitar que el color del empaque y el de la cartulina no sean tan
parecidos que tiendan a no definir los bordes del producto, será una mejor
decisión procurar un contraste más alto entre los colores.
La iluminación de productos bien podría resolverse con un esquema básico de

luces de relleno (fill) que produzcan sombras suaves, para que éstas no se
proyecten en la cartulina, puedes colocar sombrillas blancas para atenuar,
sombrillas plateadas rebotadas, o todavía mejor si utilizas unas cajas de luz de
tipo soft box. La sombra siempre deberá quedar proyectada en la base para evitar
que la cámara la capte. Otra buena manera de resolver será colocar una caja con
ventanas traslucidas blancas a los lados y arriba. Vale aclarar que el reflejo-brillo-
de las luces no deberá ocultar textos o información importante de las etiquetas.
Fondo o ciclorama. El fondo para estos proyectos puede ser la mesa de productos
como tal con su lamina blanca semi traslucida, pero si se trata de un producto de
mayor tamaño el fondo más frecuente es una bobina de papel Iris que suele tener
mayor tamaño, o bien un fondo de tela pintado a mano, un fondo de vinilo mate.
Existen muchos materiales con texturas varias que cumplen perfectamente el
objetivo de éste. Telas panorámicas de gran tamaño, superficie curvada y color
uniforme que está situada en el fondo y en los laterales del escenario de un
estudio, debe ocultar el horizonte.
Debes ser muy cuidadoso al momento de alinear los bordes verticales de tu

producto con el marco vertical de tu toma, puedes apoyarte en la plantilla de la
ley de tercios o en otra plantilla de cuadricula que la interfaz de tu cámara tenga
disponible. De igual forma vigilar atentamente la línea horizontal, y el área de
seguridad circundante o aire.
Se recomienda trabajar con una óptica de telefoto corto para asegurar que no
habrá aberraciones ópticas que alteren la forma de los productos, ni de los textos
de poseen las etiquetas. También será recomendable lograr imágenes con mucha
profundidad de campo para que todos los detalles aparezcan bien definidos.
Las fotos de productos las podemos separar en grupos que permitan diferenciar
entre estas diferentes técnicas, usos, mercados, iluminación, equipo de
producción, crew de producción, etc. Para el caso podríamos hacer una lista
inicial:
57
Estilismo gastronómico:
a. Alimentos listos para su uso y disfrute.

i. Ice Cream o helado.
ii. Panadería típica y tradicional.
iii. Snacks. iv. Asados.
v. Horneados.
vi. Ensaladas y frutas.
b. Alimentos en preparación.
i Pizza y pastas.
ii Aves horneadas.
c. Bodegones de alimentos.
2. Estilismo gastronómico de Bebidas.
a. Bebidas frías.
1 Vinos.
2 Néctares.
3 Cócteles.
b. Bebidas calientes.
1 Café.
2 Chocolate.
3 Té o infusiones.
3. Maquinarias.
4. Vehículos automotores (automóviles).
5. Aviones.
6. Arquitectura.
i. Casas urbanas.
ii. Casas rurales.
iii. Diseño de interiores.
iv. Edificios.
7. Fashion (Vestuario de Moda).
a. Calzado.
b. Maquillaje y perfumería.
8. Objetos metálicos y de vidrio (Texturas).
9. Otros.
58
Food styling. Estilismo gastronómico. Es el resultado final de la relación entre

el arte, la elegancia y la
alimentación reunidos sobre
un plano virtual de dos
dimensiones, el producto es
la imagen que ha de seducir,
y estimular; a pesar de ser
ésta mediatizada ingresará a
la mente por una única vía, el
sentido de la vista. Hay en
uso muchos
términos asociados que en
general se refieren prácticamente a lo mismo como el estilismo gastronómico, la
composición culinaria, el diseño gastronómico, el estilismo de alimentos, en fin
y otros que surgen frecuentemente por todas partes. Para hacerlo fácil, me
quedo con food styling, y desde ya le pido las disculpas del caso a Miguel de
Cervantes. El food styling es el heredero del bodegón pictórico de frutas de la
temporada, con verduras, bebidas de la región,
botellas, lácteos, pescado, etcétera. Para
muchos se trata de un arte, el conocimiento
sobre cómo preparar, diseñar, y disponer
alimentos para la
cámara, mostrándolos visualmente apetitosos.
Involucra el dominio de técnicas especiales
para destacar las propiedades de los alimentos
y presentarlos completamente irresistibles -en
su pleno y total esplendor- a través del sentido
de la vista. Los alimentos y bebidas deben lucir
siempre perfectos, higiénicos deseables para comunicar un objetivo comercial o
no, es un producto comunicacional en sí. El food styling busca que los alimentos
y la vajilla sean el material perfecto para poner a volar la imaginación, el deseo
y el apetito del observador. Cada plato deberá mostrar congruencia, contrastes
o armonía de color, texturas interesantes que despierten el antojo de los
espectadores y sobre todo que resalten las propiedades del platillo. Una de las
cosas más importantes en el food styling es ser siempre fieles a la receta original
pero utilizando ingredientes únicos y técnicas que logren una imagen perfecta.
La persona que se especializa en esta labor se le conoce comúnmente como
estilista de alimentos, food stylist, home economist, ecónomo, diseñador
59
gastronómico, y en fin con muchos otros más. Su objetivo es lograr comidas y

bebidas atractivas a la vista. Es un creativo apasionado por la cocina, con
habilidades y conocimientos de las técnicas, del comportamiento, reacciones de
la química de los ingredientes. Éste debe dominar distintas metodologías para
atraer y captar la atención del consumidor a pesar de la mediatización visual
limitada a las dos dimensiones de un plano. Se carece de los estímulos que
presencialmente se captan mediante los sentidos del olfato y del gusto, los
protagonistas de nuestra sensación de placer durante la alimentación. El
objetivo de la imagen es que el observador desee comerse la página o la pantalla
que está observando. Esta disciplina se ha ido
expandiendo rápidamente alrededor del mundo entero, y se ha vuelto popular
gracias al papel tan importante que juega la comida dentro de la sociedad. Te
comparto algunas reglas básicas de la fotografía en la composición culinaria:
• La simplicidad.
• Más cerca, es mejor.
• Cuidar el espacio circundante alrededor del centro de interés.
• Ley de tercios aplicada correctamente.
• Regla de los impares, destacar en grupos de tres unidades.
• Contrastar por semejanza; todos son homogéneos menos uno.
Durante la década de los noventas sobre todo

en Australia -Donna Hay- surgieron las nuevas
reglas para el food styling y se estableció una
tendencia que incluye el uso destacado del foco
selectivo en el primer plano y desenfoque total en
los demás planos y fondo, el plato es el
protagonista de la historia, la simpleza, texturas
sensuales -food porn- el uso de luz natural y
lámparas de tungsteno, y de regreso a los
materiales de naturales. La vanguardia en
fotógrafos de alimentos la mantiene por ahora Carl
Warner. El restaurante que marca la vanguardia
culinaria está en Barcelona, España -ElBulli- y su chef más reconocido en todo el
mundo como nada menos que "el mejor" es Ferran Adrià Acosta quien suele
hacer dupla con el fotógrafo francés Francesc Guillamet. En Brasil sobresale el
trabajo de este equipo quienes forman su propio estudio de fotografía de
60
alimentos, Studio SC. Además –en la actualidad- el mejor restaurante

de Latinoamérica es Maní, lo dirigen Helena Rizzo y Daniel Redondo y se
encuentra en São Paulo. El crew de un proyecto de food styling involucra en
mucho al cliente, quien es la persona que ha solicitado el mismo, un director de
arte (visualizador gráfico), fotógrafo de alimentos, estilista de alimentos, un chef
asistente, y un prop stylist. Las herramientas de esta actividad son variadas y
muchas, pero siempre es posible definir una lista básica de props o atrezzo.
• Superficies y texturas varias.
• Fondos.
• Platos, cubiertos, vasos, copas, etc.
• Tablas para cortar.
• Recipientes, botellas, bandejas.
• Materia prima, ingredientes originales de la receta.
Adicionalmente el estilista de alimentos -food stylist- deberá dominar
conocimientos previos indispensables para lograr la imagen correcta, conocer
la marca y el producto, conocer su reacción a las luces, reacción a las
temperaturas, reacción al oxígeno, dominio de la psicología del color,
composición visual, diagramación, publicidad gráfica y televisiva, entre otros.
A mi gusto -personal- el vapor deberá lograrse en producción y no en pos
proceso. Las texturas se deberán escoger cuidadosamente para seleccionar los
platos, la cerámica, madera o manteles que se usaran en los fondos, así como el
acabado de los alimentos mismos para lograr representar la frescura, o bien la
temperatura que deben representar, si deseamos un ambiente rural y rustico o
algo mejor acabado y fino. De aquí que el trabajo de la iluminación venga a
complementar las texturas de las superficies. Se acostumbra a trabajar con luces
suaves que producen sombras suaves y la inclinación suele ser muy inclinada a
ras de la superficie de trabajo para proveer de avances tonales ricos en brillos
sutiles y delicados, y sombras suaves. Esta labor de fotografiar alimentos,
incluye también a las bebidas; que tienen como objetivo brindar una sensación
de restauración a quien la consume. Cuando el clima esta frio se recurre a una
bebida caliente para calentarnos y cuando el clima o temperatura es caliente se
recurre a una bebida fría refrescante. O bien “al calor de un café bien conversado”
humeante y espumoso como diría Gabo.
61
Bebidas. No hay nada

mejor que tomar un café
caliente una fría tarde,
además de restaurar
nuestra temperatura
interna, nos anima para
terminar la jornada y seguir
adelante. También resulta
restaurador tomarse una
limonada con hielo una
caliente mañana de
primavera o de verano. Las
bebidas, además de
ayudarnos a sentirnos más
a gusto –en nuestro interior-
con el clima que nos rodea
conllevan otros beneficios.
Las fotografías para bebidas
demandan el dominio
técnicas profesionales, para
empezar el uso de
substitutos de materiales
que resistan las rudas demandas de un estudio de fotografía, escalas tonales más
exactas a los procesos de impresión, condensación de agua en las superficies de
los recipientes con líquidos fríos, las gotitas y gotas, la escarcha, cubos de hielo,
espuma y demás que los hacen irresistibles al observador. Fondo blanco
iluminado ligeramente "quemado" o sobre expuesto –clave alta- acompañado de
la materia prima que nos refuerza su original calidad, sobre un tablero de
superficie brillante que duplica en el reflejo la presencia de la bebida. Los cubos
de hielo refuerzan la sensación visual de temperatura baja. La transparencia del
color rojo es vital para atraer la mirada al centro de interés y jugar con los tonos
en las áreas de los hielos. En otros casos la fotografía de bebidas en
envases metálicos, de cartón plastificado, botellas de color oscuro u otros que no
nos permiten ver su interior para verificar su calidad y pureza, para resolverlo se
demanda de otro recipiente transparente que nos deje ver todas estas bondades.
Un poco de hielo y algunas gotas colocadas estratégicamente. La transparencia
deberá ser reforzada en muchos casos, pues algunas bebidas oscuras no tienen
62
escala tonal que resulte atractiva para mantener la mirada del observador por
más tiempo sobre la imagen propuesta.
Pero también podríamos fotografiar bebidas calientes para restaurarnos en un
día de mucho frío, o para prepararnos al inicio de una faena de trabajo. Los
elementos que rodean a una taza del café están reforzando todo el aroma, la
tradición, y el ritual de tomarse creo que cada lugar desarrolla algún
acompañamiento local a la hora de disfrutar su café o la hora del té. Importante
resultará observar la manera en que distintas culturas y personas disfrutan del
café, en un cafetín, en una sala de estar, en una cocina, en un lobby, bajo la sombra
del alero o porche de una casa de campo, etcétera.
Repositorio en línea de imágenes digitales de alimentos. Tatespotting.

Fundada en enero de 2007 bajo la idea que comemos primero con los ojos, este
sitio trata sobre una obsesiva y compulsiva colección de imágenes llamativas que
enlazan con algo deliciosamente interesante en el otro lado. Piense en
Tastespotting como una cena muy gráfica de recetas, referencias, experiencias,
historias, artículos, productos, y cualquier otra cosa que inspira un gusto
exquisito. En este repositorio en línea todo el mundo aporta algo a la fiesta donde
la comunidad de usuarios propone y presenta las imágenes / los vínculos de toda
la web y el equipo editorial revisa las presentaciones. Lo que finalmente se
consigue en el sitio es un conjunto armónico y refinado de las contribuciones de
la comunidad.
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Fotografía editorial. Cuentos clásicos.

Recuerdas aquellas noches en que
llegabas a la cama sin sueño y en que
todavía lleno de energía necesitabas
una historia que te transportara a
lugares nuevos y distintos, una historia
de otro mundo, de otra época diferente,
con personajes mágicos, con nuevas
situaciones nunca antes vividas. De
manera personal todos vamos
atesorando en nuestro corazón y
nuestra mente fragmentos de algunos
cuentos clásicos como favoritos, nos
identificamos con algunos de sus
personajes y éstos han dejado una
marca en el imaginario colectivo que
nos resulta imborrable. Traen incluida
al menos una lección, una moraleja que
nos ayuda a entender mejor a los demás y muchas veces a nuestros deseos,
temores y a nosotros mismos. Los cuentos que nos contaban por las noches y que
releímos en la adolescencia fueron redactados por grandes escritores
europeos, árabes y asiáticos. Otros fueron compilados de la tradición oral de la
edad media y luego escritos por primera vez en proyectos que reunieron las
historias por primera vez. Estas historias no fueron siempre escritas pensando en
los niños pequeños, sino para públicos de mayores, y sus advertencias eran para
evitar caer en riesgos de ataques sexuales. Muchas de las historias originales
también fueron adaptadas para los menores y cambiaron un poco y no sólo para
la pantalla de cine como acostumbra Disney, sino también por los editores de
libros infantiles. Los cuentos clásicos tienen la virtud -algunos- que ahora mismo
están bajo licencia de dominio público. Los cuentos clásicos siguen inspirando a
nuevas generaciones, ahora de
fotógrafos. Algunos
fotógrafos contemporáneos han
asumido el reto de volver a poner ante
los ojos del espectador nuevamente su
visión de cómo se cuentan cuentos a
través de la lente de sus cámaras,
aprovechando las virtudes y
bondades de los actuales
64
equipos, apps y software de retoque de imágenes digitales. La prestigiada

fotógrafa Annie Leibovitz desarrolló una serie, muy bien lograda, para la
compañía Disney con resultados asombrosos, la muestra se llama Disney dream.
No es el único proyecto de este tipo, otros fotógrafos europeos también han
desarrollado sus propuestas creativas para varios para los cuentos clásicos. Abajo
algunos proyectos del fotógrafo español Manuel de los Galanes, quien llamó a su
exposición de Madrid "No tan felices". Los cuentos clásicos atribuyen su
calificativo a la tradición que se ha forjado en torno a los mismos, y sobre todo a
cómo se han transmitido desde una generación a otra. La evolución del tiempo
ha supuesto que las historias de carácter mítico pasen a convertirse en leyenda, y
finalmente en cuento. No es de extrañar que ya en el período del "renacimiento"
podamos hallar textos como los de Giambattista Basile, el cual en su
Pentamerone ya alude a clásicos como la Cenicienta, a la cual denominaba La
Gata Cenicienta, y es que Cendrillon,
Cinderella o simplemente Cenicienta
representa un determinado valor que
se mantiene constante pese al paso del
tiempo y la evolución de las
sociedades: más puede la hermosura
que billetes y escrituras. Con
posterioridad, en el siglo XVII, Charles
Perrault nos obsequiaba con una serie
de cuentos que bebían directamente de fuentes primitivas. Así, no podemos
olvidar la famosa Le Petit Chaperon Rouge, en la cual la hermosa niña desatiende
los consejos sociales y acaba engullida por el lobo, en clara alusión a la
advertencia para niños de no hacer caso a los desconocidos. Con posterioridad,
en el Siglo XIX, los folkloristas Jacob y Wilhem Grimm recopilaban cuentos y nos
proporcionaban nuevas versiones de la ya mencionada Caperucita Roja, de
Blanca nieves o de Pulgarcito. Es muy interesante saber apreciar las diferencias
que se establecen entre distintas versiones de un mismo relato ya que nos
proporcionan visiones diferentes de la realidad y sin duda alguna éstos nos
enriquecen en nuestro constante crecimiento como personas. En este breve
recorrido histórico que incluye a algunos cuentistas de los que se han elaborado
versiones para niños –ya que desde un enfoque más amplio habría que incluir
otros clásicos como por ejemplo, El Conde Lucanor, de Hans Christian Andersen.
La aportación del autor danés al mundo de los cuentos para adultos y que luego
se han transpuesto al mundo infantil es notable y decisiva. Si no, remitámonos a
las pruebas: El patito feo, El soldadito de plomo, El traje nuevo del emperador, la
65
niña de los fósforos, La Sirenita, etc. Todos estos títulos unidos a los anteriores
vienen a conformar un potente corpus de clásicos que en este caso se han
orientado hacia el público infantil, y en los cuales podemos encontrar diversos
valores relacionados con la diversidad, con la humildad, con la bondad, con la
astucia, etc. Y de igual manera, hallamos valores menos positivos -antivalores-
como son la envidia, el egocentrismo, el abandono familiar, etcétera. Espero que
encuentres algo de inspiración y que se manifieste en tu propia versión de tu
cuento favorito de hadas, lobos, duendes, dragones, príncipes, castillos, bosques,
gatos, en fin. ¿Cuál es tu cuento clásico preferido? ¿Por qué te resulta tan
especial?
El cartel (afiche o poster). Jules Chéret, un francés nacido

en París el 31 de mayo de 1836, fue un pintor y litógrafo que
desarrolló las técnicas que permitieron al poster o afiche
moderno desarrollarse al nivel de arte y su primer uso fue
publicitario. Inicialmente sus trabajos fueron a solicitud de
cabarets, teatros, bebidas alcohólicas, productos de
cuidado personal, cosméticos y ferrocarriles. Parte del éxito
está en la creativa forma de unir al texto con la imagen, y
en las técnicas litográficas en base a tres piedras de colores
básicos; rojos, amarillo y azul. Entre los muchos artistas que
estudiaron con él estaba también Henry Mary
Raymond de Toulose-Lautrec-Montfa, quien creó los
afiches para el célebre Moulin Rouge en 1891. Durante
la revolución rusa, los bolcheviques y el grupo que
dirigió Vladimir Ilich Lenin desarrollaron su uso en la
política y nació el afiche propagandístico –heredero
directo del lubok imperial ruso- que se desarrollaría con
formas propias en los países del bloque socialista, los
más sobresalientes artistas rusos del afiche son
Aleksandr Ródchenko, Gustav Klutsis, y El Lissistzki en
los inicios del siglo XX.
El afiche va la guerra, y su papel allí también fue protagónico, desde los ejércitos
alemanes, británicos, rusos y estadounidenses, entre muchos otros que han visto
en el afiche una pieza importante para fortalecer el amor a la patria y para reclutar
voluntarios para las tropas que irán a los escenarios bélicos. Su estreno se dio
durante la I guerra mundial y destaca de esta época el afiche que diseñó James
66
Montgomery Flagg “I want you for U.S. Army”, el afiche se mantiene en servicio
activo desde la revolución rusa hasta la II guerra mundial.
Los carteles cinematográficos, son usados por la industria del cine para la
promoción publicitaria de sus películas. En 1895
iniciamos el póster de películas con los hermanos
Lumiére y su corto L’Arroseur arrosé (El regador
mojado). Estas piezas no son un único diseño y tamaño,
se usan en distintos idiomas, mercados y soportes. A
inicios del siglo XX las ilustraciones de algunas escenas
se volvieron el tema del cartel en la gran mayoría de los
casos. En muchas salas de cine podemos ver movie
trailers de los próximos estrenos de manera
interminable en pantallas planas de alta definición, y
éstas cada vez son más, y menos el espacio para el
póster.
HDR. High Dynamic Range. Se trata de una técnica para procesar imágenes
digitales sacadas de una cámara digital y que busca abarcar el mayor rango de
niveles de exposición en todas las zonas a través de un pos proceso, a partir de -
al menos tres imágenes digitales- de un objeto o paisaje estático tomadas con
horquillado. Esto se consigue mediante la mezcla de varias fotos de la misma
imagen con diferentes exposiciones. En procesamiento de imágenes digitales en
computadora, las imágenes de alto rango dinámico (HDR) son un conjunto de
técnicas que permiten un mejor rango dinámico de luminancias entre las zonas
de altas luces y las más oscuras de una imagen del que las técnicas de imagen
digital estándar o métodos fotográficos pueden ofrecer de origen (400 tonos). La
fotografía de alto rango dinámico permite obtener imágenes más similares en la
escala de luces y sombras a las visualizadas por el ojo humano (1000 tonos), que
cuando observa el mundo que nos
rodea es capaz de distinguir detalles en
zonas con una diferencia de
iluminación muy superior a la
soportada por otros formatos como la
película o los formatos de imágenes
comprimidas. Este rango dinámico
más extenso permite a las imágenes
HDR representar con más exactitud el
extenso rango de niveles de intensidad
67
encontrados en escenas reales, que van desde luz solar directa hasta la débil luz
de las estrellas.
Los dos principales orígenes de las imágenes HDR son el renderizado en

computadora y la mezcla de múltiples fotografías en pos proceso con Adobe
Photoshop. Las técnicas de mapeo tonal o mapeo de tonos, que reducen todo el
contraste para facilitar que las cámaras digitales con menor rango dinámico
muestren imágenes HDR, pueden aplicarse para producir imágenes conservando
o exagerando el contraste localmente para realizar un efecto artístico.
Bancos de imágenes profesionales. Getty Images. Es el repositorio pionero de

los archivos fotográficos de muy alta calidad. Fue fundada en 1995, la empresa
trabaja originalmente con los fotógrafos más conocidos del mundo. La empresa,
con base en Seattle, Washington. La empresa tiene múltiples vías que permiten al
fotógrafo suscribirse a la comprar sus imágenes. Dirige tu comunicación inicial al
departamento correcto. Getty Images tiene –al menos- cuatro departamentos
básicos para las atender al fotógrafo, contacta al correcto:
• Creativas/publicitarias.
• Realizadores/imágenes en movimiento.
• Noticias/deportes/entretenimiento
• Archivo.
Cada uno de ellos tiene diferentes procesos de envío. Regístrate con Getty o envía
una solicitud a través correo electrónico. Si buscas vender tu trabajo tanto en el
departamento de imágenes creativas/publicitarias o de realizadores/en
movimiento, deberás registrarte con ellos. Este es un proceso básico para crear un
nombre o clave de usuario y biografía. Si deseas enviar imágenes de noticias,
deportes o entretenimiento a su departamento editorial, primero deberás
establecer una relación con ellos. Para hacerlo, envía una solicitud vía correo
electrónico con una nota de prensa, referencias profesionales y enlaces en línea de
tu trabajo. Si tienes una colección de material de archivo, ponte en contacto y
detalla la lista de tu inventario. Prepara tus envíos. Getty Images, como una de
68
las mejores agencias de fotografías solicita las mejores imágenes disponibles. El

tipo de imágenes que ellos buscan tienen "fuerte apariencia conceptual" junto con
un atractivo emocional que "tiene más posibilidades de realizar ventas múltiples
y globales". Como fotógrafo verifica que tus fotografías no luzcan comunes,
genéricas, amateur o poco profesionales. Imagina qué directores de arte, agencias
de publicidad y profesionales de la mercadotecnia observarán tu trabajo. Getty,
también detalla una lista de requerimientos técnicos para el envío de las
imágenes. Éstas deben ser enviadas como archivo de imagen TIFF de 47.5-52, sin
comprimir, en paleta de colores RGB de 24 bit en 8 bits por canal. Deberán estar
libres de propiedad y modelo donde se necesite. Las fotografías deberán ser
sacadas con cámaras DSLR aprobadas previamente por Getty. Realizar una
prueba. Luego de registrarse en el sitio, se te solicitará que realices una pequeña
prueba para mostrarte cómo funciona la empresa. Cuando lo completes, podrás
enviarle un enlace a tu trabajo en línea. Envía tu trabajo a través de los programas
especializados de la empresa. Desde el mes de marzo de 2009, el archivo completo
de Flickr hizo su debut en Getty Images. Getty misma seleccionó aquellas
imágenes dentro del gran archivo de Flickr. Ahora simplemente carga aquellas
que desees al sitio Flickr y crea un perfil detallado. Vende a Getty Images. Si tus
fotografías son aprobadas por Getty Images, generalmente te pagarán con
respecto a las ventas de las fotografías a otras empresas. Recibirás regalías -pagos
derivados de la venta- que puedes verificar a través de tu perfil en el sitio web. Si
estás buscando vender imágenes a su departamento editorial, ellos establecerán
un contrato separado contigo si te contratan como fotógrafo independiente.
69
Composición visual. La imagen

fotográfica es producto de la intención
de un compositor que organizó,
ordenó y diagramó los distintos
elementos icnográficos que comparten
el espacio dentro del visor de la
cámara. Para lograr expresar lo que se
pretende decir a través de la imagen,
el fotógrafo debe conocer y dominar
las técnicas de composición que hemos
venido construyendo como cultura
global a lo largo de la historia. Estas
tienen que ver con los distintos
leguajes visuales que hemos
desarrollado a través de la historia del
arte, los movimientos artísticos, las
propuestas de maestros y artistas de la plástica y el diseño gráfico, y además de
lo que otras culturas distintas a la nuestra han generado dentro de códigos o
lenguajes o forma de representar imágenes y formas de interpretarles.
Algunas de las herramientas que vamos a utilizar para componer nuestra

fotografía son ya conocidas por nosotros, a través de nuestro andar por el mundo
del diseño gráfico, el dibujo y otras. En una composición debemos buscar la
máxima eficacia comunicativa, impactar visualmente al público observador de la
imagen fotográfica. Realmente no existe una norma específica que nos asegure el
éxito de nuestra composición, pero sí unas pautas, que si se conocen pueden
hacer más eficaz nuestra comunicación.
• Contraste: Permite resaltar el peso visual, lo podemos

conseguir por medio de diversos medios: tonos, colores,
contornos y escala. Contraste de tonos. Se obtiene contraste
entre elementos que poseen tonos (claridad, oscuridad)
opuestos. En este caso, el mayor peso lo tendrá el elemento
más oscuro, destacando el más claro sobre él con más
intensidad cuanto mayor sea la diferencia tonal. Contraste
de colores. El contraste creado entre dos colores será mayor
cuanto más alejados estén en el círculo cromático. Los colores opuestos
contrastan mucho, mientras que los análogos apenas lo hacen, perdiendo
importancia visual ambos. Dos elementos con colores complementarios se
70
refuerzan entre sí, al igual que un color cálido y otro frío. Contraste de escala. Es el
producido por el uso de elementos a diferentes escalas de las normales o de
proporciones irreales, consiguiéndose el contraste por negación de la percepción
aprendida. Sí es frecuente en fotografía y pintura, consiguiendo atraer la atención
del espectador de forma muy efectiva.
• Formas y siluetas: Línea que da forma o figura a un cuerpo. La forma es el más

importante de todos estos elementos: Para reconocer un
objeto nos basta su silueta. Es una de las características
físicas de los objetos. La silueta o forma de un objeto basta
en muchos casos para reconocerla a primera vista. De
hecho, la silueta del perfil bastara para reconocer y
distinguir a una persona. Para fortalecer este concepto se
deberá agregar contraste entre el fondo y la silueta. La
proporción de las formas establecerá la relación visual
entre ellas definiendo la perspectiva.
• Simetría y asimetría: Muchos de los temas que se

fotografían habitualmente tienen uno o varios planos de
simetría. Personas, animales, objetos, incluso la línea del
horizonte puede actuar en tal sentido. La imagen resulta
agradable si los motivos situados a ambos lados del eje
de simetría tienen el mismo ʺpeso visualʺ. La
composición simétrica es sencilla, solemne y formal; pero
fría y demasiado mecánica. La composición asimétrica,
posee numerosas las variantes que pueden incluirse en
este apartado. Se las conoce con el nombre de las formas
de letras o figuras que adoptan. Las más utilizadas son
la triangular y las realizadas en forma de S, L, o C., que parece ser que son las
que más a gusto recorre nuestra vista.
• Ley de tercios: Es la norma más clásica en la

composición, tanto en pintura como en fotografía. Se
basa en dividir el formato rectangular en tres bandas
iguales, tanto vertical como horizontalmente. Existen
71
variantes más complejas basadas en la utilización de la sección o zona áurea

clásica, pero sus resultados son similares.
Las dos líneas verticales u horizontales, con que imaginariamente dividimos el
encuadre, determinan la posición principal de los elementos alargados
(horizonte, edificios, etc.) y en los cuatro puntos de intersección de estas líneas se
sitúan los puntos de interés de la imagen. No es necesario ocupar todas las líneas
ni los puntos, sino situar sobre cualquiera de ellos el elemento principal. De esta
regla se desprende la conocida norma en fotografía de paisajes, de no situar
nunca el horizonte en el centro del fotograma.
• Ritmo: El ritmo es un componente esencial en casi cualquier imagen.

Entendemos el ritmo plásticamente en la relación que establecemos entre forma
y espacio con un orden determinado. El ritmo es el resultado de la repetición de
líneas, formas, volúmenes, tonos y colores. La repetición de un motivo aumenta
la armonía de una escena. El ritmo permite además unir los diferentes elementos
de la escena para conferirles unidad y
fluidez. Las composiciones con ritmo
excesivamente rígido, como las olas,
cartones de huevos, campos de dunas,
terrenos de cultivo, etc., conviene
romperlas con algún pequeño objeto
discordante que atenúe su rigidez y
proporcione un centro de interés.
• P.O.V. Punto de vista. Lo normal es fotografiar colocado frente al motivo, de pie,

con la cámara a nivel de los ojos y con el plano focal perpendicular al suelo. El
tema se puede captar así sin distorsiones y de forma clara y descriptiva, pero se
obtienen imágenes estandarizadas y poco originales. Una de las formas de
conseguir encuadres originales de temas vulgares, consiste en saltarnos esta
norma a la torera y cambiar el punto de vista. Cuando optamos por un punto de
vista elevado (picada o vista de pájaro), podemos excluir la línea del horizonte y
utilizar el suelo como fondo. Esto proporciona imágenes muy originales, pero,
por lo general, el sujeto principal queda poco destacado sobre el fondo y, si se
fotografían personas, se verán con la cabeza enorme y distorsionada. Si
fotografiamos a nivel del suelo y hacia arriba (vista de hormiga), el horizonte e
incluso el suelo pueden no aparecer en la foto. El sujeto, principal resalta mucho
más que en el caso anterior, pero pueden aparecer luces parásitas si se utiliza
iluminación cenital. En retrato destaca demasiado la mandíbula y los agujeros de
la nariz, por lo que está totalmente desaconsejado. Todos los defectos y
72
deformaciones producidas la variar el ángulo de la toma, pueden exagerarse

intencionadamente utilizando objetivos de corta distancia focal (grandes
angulares). También pueden amortiguarse las distorsiones e incluso suprimirse,
empleando cámaras de gran formato y efectuando descentramientos del objetivo
o del respaldo.
Texturas. La sensación de textura se logra mediante una adecuada iluminación.

En general con una iluminación oblicua directa al sujeto se incrementará la
textura de los detalles más pronunciados. Con una iluminación oblicua difusa
se revela la textura de los detalles más finos. Combinando ambas iluminaciones
mediante reflectores convenientemente ubicados de mostrará no solamente los
detalles más evidentes sino también los finos. Mediante la luz oblicua muchas
texturas aparentemente sin interés se transforman en temas muy decorativos,
por ejemplo, la rugosidad de una montaña, un tronco de árbol, o la arena
modelada por el agua. El primer análisis que realiza el ojo en la percepción,
queda reafirmado o contrastado a través del tacto, que nos transmite otra
información.
La textura está relacionada con la

composición de una sustancia a través de
variaciones diminutas en la superficie
del material. Con la luz, es el elemento
clave en la percepción del espacio por su capacidad para orientar la visión
estereoscópica. Se produce mediante la repetición de luces y sombras en un
espacio gráfico, motivos iguales o similares que se repiten en el soporte. Con
todo, la mayor parte de nuestra experiencia textural es óptica, no táctil. Mucho
de lo que percibimos como textura está pintado, fotografiado, filmado...
simulando una materia que realmente no está presente. Es un hecho que se da
también en la naturaleza, ya que muchos animales adoptan o tienen aspecto de
lo que les rodea para defenderse de los enemigos, se confunden con la textura
de contexto.
La perspectiva: La representación de la profundidad en

una superficie plana siempre fue el problema de pintores y
dibujantes. El procedimiento más conocido, la perspectiva
lineal, utiliza una serie de principios geométricos para lograr
las proporciones correctas entre objetos a medida que su
tamaño aparente disminuye al aumentar la distancia y para
hacer que las líneas paralelas parezcan converger a medida
73
que se alejan. La cámara produce estos efectos automáticamente. El enfoque

selectivo de sujetos en diferentes planos también logra este efecto. En ciertas
ocasiones vasta cambiar un poco el ángulo de la toma para incrementar aún más
la sensación de la perspectiva lineal. Esto se logra mediante lo que se conoce
como punto de fuga, es decir dejando fuera del fotograma el punto de
convergencia de las líneas paralelas.
Volumen: Lo que da a los objetos fotografiados su aspecto sólido, es sobretodo el

juego de luces y de sombras. La fotografía es capaz de reproducir con
extraordinaria fidelidad la textura y el volumen ya que es muy sensible a las
ligeras variaciones de luz y de sombra, medio utilizado para poner en relieve
dichas cualidades. La calidad y dirección de la luz son determinantes a la hora de
representar el modelado mediante sombras y texturas. Mediante la yuxtaposición
de los elementos contrarios como lo blando y lo rígido; lo suave y la inclinación
son cualidades que toman más fuerza si se presentan juntas.
PSICOLOGIA DEL COLOR
El color desprende diferentes expresiones del ambiente, que pueden

transmitirnos la sensación de calma, plenitud, alegría, violencia, maldad, etc. La
psicología de los colores fue estudiada por grandes maestros a lo largo de
nuestra historia, como por ejemplo Goethe y Kandinsky.
Aquellos colores que escogemos a la hora de vestir no sólo hablan

de nuestra alegría, estado anímico, de nuestros deseos de
impresionar o lucir atractivos; sino que también reflejan lo que
somos, anhelamos, pensamos. Son la viva expresión de nuestra
psiquis. El uso estudiado de cualquiera de los colores fríos (azules,
violetas y verdes) y los cálidos (rojos, amarillos y naranjas) produce
reacciones psicológicas que uno debe aprender a manejar a favor de
lo que quiera transmitir. El color es uno de los elementos que ha
recibido mucha atención por psicólogos y publicistas. Daniel Starch, uno de los
pioneros en el campo de la investigación publicitaria, sostuvo que en primer
lugar hay que señalar que la reacción ante un color es la mezcla de mecanismos
instintivos del aprendizaje social. Como ejemplo tenemos el color rojo que acelera
la circulación sanguínea y la respiración (perspectiva fisiológica) y al mismo
tiempo posee un valor simbólico desde una perspectiva cultural (el matrimonio
en China). Bams, otro autor interesante, indica que el color es un factor vital que
ejerce influencia, emociona y aun puede perturbar el estado de la conciencia, por
74
él se estimula la tensión y el interés, se impulsa un deseo, se crea una sensación

de ambiente, actúa la imaginación y se produce un sentimiento de simpatía o
repulsión. Durante la II Guerra Mundial los alemanes realizaron experimentos
con los colores. En uno de ellos construyeron ambientes circulares pintados de
rojo, los individuos sometidos a ese encierro resultaron dementes en pocos días
debido a la influencia de la forma y especialmente del color. La vista está
acostumbrada a diferenciar formas y colores, frente a esa experiencia se
produjeron alucinaciones que trastornaron sus mentes. Otro experimento que
realizaron fue el de obligar a las personas a levantar pesos mientras colocaban
cartulinas de diversos colores frente a ellas; los hombres levantaban con facilidad
los pesos cuando tenían frente a ellos colores fuertes como el rojo, pero no podían
levantarlos cuando se les presentaba el verde. El color es algo más que una simple
moda, es un recurso psicológico y maravilloso de manifestar la personalidad. Los
colores emiten radiaciones y algunas personas son más susceptibles que otras a
ellas, pero todos tienen características peculiares que influyen en nuestras
reacciones. La cultura que poseen las diversas sociedades juega un rol importante
en la apreciación de los colores, así el luto se representa con negro en la cultura
occidental, pero en Japón el blanco es el que transmite el dolor ante la pérdida de
un ser querido. Como convención cultural también encontramos el color en la
codificación que hacen los enamorados, quienes para expresar amor lo
representan con rojo; el desprecio, con amarillo; la esperanza, con verde.
Blanco: Es el que mayor sensibilidad posee frente a la luz. Es la suma

o síntesis de todos los colores, y el símbolo de lo absoluto, de la
unidad y de la inocencia, significa paz o rendición. Mezclado con
cualquier color reduce su croma y cambia sus potencias psíquicas, la del blanco
es siempre positiva y afirmativa. Los cuerpos blancos nos dan la idea de pureza
y modestia. El blanco crea una impresión luminosa de vacío, positivo infinito.
Negro. Símbolo del error, del mal, el misterio y en ocasiones simbólica

algo impuro y maligno. Es la muerte, es la ausencia del color. También
transmite nobleza y elegancia.
Gris. Es el centro de todo ya que se encuentra entre la transición entre el blanco

y el negro, y el producto de la mezcla de ambos. Simboliza neutralidad,
indecisión y ausencia de energía. Muchas veces
también expresa tristeza, duda y melancolía. El
color gris es una fusión de alegrías y penas, del
75
bien y del mal. Da la impresión de frialdad metálica, pero también sensación de

brillantez, lujo y elegancia.
Amarillo. Es el color más intelectual y puede ser asociado con una gran
inteligencia o con una gran deficiencia mental; Van Gogh tenía por él una especial
predilección, particularmente en los últimos años de su crisis. Este primario
significa envidia, ira, cobardía, y los bajos impulsos, y con el rojo y el naranja
constituye los colores de la emoción. También evoca satanismo (es el color del
azufre) y traición. Es el color de la luz, el sol, la acción, el poder y simboliza
arrogancia, oro, fuerza, voluntad y estimulo. Mezclado con negro constituye un
matiz verdoso muy poco grato y que sugiere enemistad, disimulo, crimen,
brutalidad, recelo y bajas pasiones. Mezclado con blanco puede expresar
cobardía, debilidad o miedo y también riqueza, cuando tiene una
leve tendencia verdosa. Los amarillos también suelen interpretarse
como joviales, afectivos, excitantes e impulsivos. Están relacionados
con la naturaleza. Psicológicamente se asocia con el deseo de
liberación.
Rojo. Se lo considera con una personalidad extrovertida, que

vive hacia afuera, tiene un temperamento vital, ambicioso y material, y se deja
llevar por el impulso, más que por la reflexión. Simboliza sangre, fuego, calor,
revolución, alegría, acción, pasión, fuerza, disputa, desconfianza,
destrucción e impulso, así mismo crueldad y rabia. Es el color de los maniáticos
y de marte, y también el de los generales y los emperadores romanos y evoca la
guerra, el diablo y el mal. Como es el color que requiere la atención en mayor
grado y el más saliente, habrá que controlar su extensión e intensidad por su
potencia de excitación en las grandes áreas cansa rápidamente. Mezclado con
blanco es frivolidad, inocencia, y alegría juvenil, y en
su mezcla con el negro estimula la imaginación y
sugiere dolor, dominio y tiranía. Expresa sensualidad,
virilidad y energía, considerado símbolo de una pasión
ardiente y desbordada. Por su asociación con el sol y el
calor es un color propio de las personas que desean
experiencias fuertes.
Naranja. Es un poco más cálido que el amarillo y actúa como

estimulante de los tímidos, tristes o linfáticos. Simboliza entusiasmo y
exaltación y cuando es muy encendido o rojizo, ardor y pasión.
Utilizado en pequeñas extensiones o con acento, es un color utilísimo,
76
pero en grandes áreas es demasiado atrevido y puede crear una impresión

impulsiva que puede ser agresiva. Posee una fuerza activa, radiante y expresiva,
de carácter estimulante y cualidad dinámica positiva y energética. Mezclado con
el negro sugiere engaño, conspiración e intolerancia y cuando es muy oscuro,
opresión.
Lomografía. La historia de este término inicia en San Petersburgo -Rusia- en

una soleada mañana de 1982. El General Igor Petrowitsch Kornitzky, la mano
derecha del ministro de Defensa e Industria de la antigua URSS, golpeó el
recargado escritorio de Michail Panfilowitsch Panfiloff con una camarita
japonesa conocida como Cosina CX-1, que poseía una óptica de COSINON
f=33mm F=3.5 de 3 grupos de 4 elementos.
El Sr. Panfiloff, director la poderosa LOMO, la Unión de

Ópticos y Mecánicos de Leningrado, examinó de cerca
la cámara, observando su nítida lente de cristal, su gran
sensibilidad a la luz y la robusta carcasa. Los dos
caballeros, al entender el buen trabajo de diseño y
fabricación, y el potencial de esta extraña joya,
ordenaron copiar inmediatamente el diseño y mejorarlo con objeto de producir
la mayor cantidad posible para el gozo y disfrute de su mercado cautivo, todo el
bloque soviético y sus países socialistas.
77
La lomografía, se inspira en el fabricante de

ópticas LOMO PLC que produjo la LOMO
LC-A, (Lomo Kompakt Automat) cámara de 35
mm. compacta y automática, su objetivo de
una lente fue expresamente diseñada por el
profesor Radionov. Se trata de una pequeña
lente de distancia focal muy corta llamada
Minitar 1. Esta lente -resultó un diseño mal logrado que posee
aberraciones cromáticas y oscurecimiento en los bordes- se caracteriza
por imprimir una importante intensificación de los colores en el objeto
fotografiado. Como los colores tienen mayor presencia en el centro de la
foto se da un efecto de túnel y, además, tenemos otro efecto -o defecto,
según- de oscurecimiento en las esquinas de la imagen, produciendo un
efecto parecido a un halo al rededor del centro. Resultado final; imágenes
fotográficas diferentes que van a impactar a más
de una generación de fotógrafos alrededor del
mundo desde 1984 a 2005. Aparentemente la
diferencia más visible entre las dos cámaras está
en la pieza frontal que también cubre el visor y
la lente, pero en lugar de utilizar el botón de
abajo para abrir o cerrar la tapa, con la Cosina CX-1 lo que tienes que hacer
es girar toda la pieza frontal para abrir la cubierta, según testimonio de
sus usuarios. En 2005 se recibió la mala noticia, para muchos, la fábrica
rusa LOMO cesaba toda la producción de la cámara Lomo LC-A. Como
su producción total se hizo más específica y precisaba de alta tecnología,
no podían soportar la fabricación de una sola y pequeña cámara. Pero, en
2005 la Fábrica Óptica de China Phenix se tomó la tarea de construir el
cuerpo de la nueva Lomo. Usando el cuerpo original como una plantilla,
el resultado la nueva LC-A+ diseñada para sustituir a la original, esta
pequeña cámara análoga (anacronismo total) asegurará que esas
nostálgicas imágenes mágicas y el look “Lomo” que conocemos seguirán
haciendo de las suyas otro buen rato. Estas imágenes han creado un
movimiento de seguidores por todo el mundo, pues han generado cierta
nostalgia y romanticismo por ser imágenes poco realistas, con áreas
desenfocadas dada su limitada capacidad de enfoque, colores saturados
en algunas zonas y oscurecidas gradualmente desde el borde al centro,
quedando el centro más brillante que el resto de la imagen.
78
¿Cómo se enganchó occidente con esta cámara?

La culpa es de dos estudiantes de Viena
(Austria) que pasaron vacaciones en
Checoslovaquia durante 1991, Matthias Fiegl y
Wolfgang Stranzinger aprovecharon los precios
de ganga, se hicieron de un par de LOMO y
jugaron con sus 2 cámaras durante el viaje, de regreso en casa les
sorprendió el resultado tan inesperado. LOMO, la fábrica rusa de cámaras
análogas nunca pasó a fabricar cámaras digitales, pero este efecto tan
disfrutado por muchos puede ser fácilmente logrado con cámaras
digitales y a través de un post proceso a través de software para
manipular imágenes como el Adobe Photoshop. Éste -Lomography-
también es el nombre que ha adoptado una comunidad global con
verdadera pasión por la fotografía creativa y experimental con películas
analógicas. Te invito a conocer una curiosa cámara que toma fotos en
película de 35 mm, pero de 360 grados llamada "lomography spinner
360°". El repositorio de imágenes digitales en línea Flickr le ha creado un
lugar especial para disfrutar globalmente de la experiencia.
79

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com | Mauricio Pineda

Este nuevo curso da continuidad a los conocimientos adquiridos durante su curso

Tu creatividad, tu capacidad de visualizar proyectos, de producir según diseño,

Sobre tu profesor, éste ha sido Director Creativo, copywriter, ha supervisado

Espero que dispongas lo mejor de ti, de manera que tu trabajo hable

Esa cualidad de ser una imagen confiable

Empezaremos describiendo en forma general el proceso de la producción de una

o presentar el producto como si se tratara de un súper héroe, o mostrar cómo se

Algunos fotógrafos también disponen en Internet de catálogos actualizados de sus

Bancos de imágenes. Los plazos de entrega muy cortos suelen

minutos tienes una foto en la mano, aunque existe el

Flickr. Es un sitio web gratuito o pagado, según, que permite

Picasa. La empresa que lo originó, Picasa, Inc. nació como

Valiéndonos de los layouts -documentos

Cuando cada personaje de la fotografía ha sido descrito correctamente y se tienen

De la sesión de fotografía –photoshoot- saldrá

Según lo acordado en la reunión de pre producción se entregarán –finalmente- a

Breve historia de la fotografía comercial en América Latina. El desarrollo

A partir de ese momento, los años 70, tenemos la sensación de

Esto, sin embargo, aparece en los avisos en forma de viñeta la

Cambios en la concepción del mensaje publicitario, por

Así fueron las cosas hasta los años finales de la

El marketing directo creció y el uso de fotografías publicitarias en ese

de los cambios tecnológicos, los medios digitales permiten hoy recrear la

Cientos de imágenes verosímiles como reproducción de una situación real son

De construcción del universo de la imagen. La idea actual es que la fotografía

Desde esta perspectiva la fotografía publicitaria debería salir de estrechas

Pictorialismo, Fotografía objetiva, Fotografía Documental, Dinamismo,

En la actualidad, la fotografía se ha desarrollado principalmente en tres sectores,

otro tenemos la fotografía como manifestación artística, con fines expresivos e

El reportaje comprende la fotografía documental y la de prensa gráfica, y por lo

Por el contrario, la fotografía artística es totalmente subjetiva, ya

El retrato. Latín: retractus. Un retrato es una fotografía, pintura, u otra representación

El arte del retrato floreció en las esculturas romanas, en las que

El retrato fotográfico es un género donde se reúnen toda una serie de iniciativas

Con posterioridad el género fue evolucionando de forma paralela al devenir de la

La persona: el centro de interés. El principio de un retrato suele consistir en ubicar

En este tipo de fotos es también relevante la elección de la hora. Resulta recomendable

La principal parte del retrato se encuentra ‐en la mayoría de

Además, tenemos que prestar atención al enfoque. Aunque lo

Ciertamente, tendemos siempre a emplear las mismas técnicas al fotografiar a todo

Los estudios son espacios especialmente acondicionados para la producción

Actitud. El modelo debe confiar en el fotógrafo y su crew y entregarse, dejarse llevar,

Vístete con los colores que te favorecen. Ciertos colores complementan

Líbrate de la papada (barbilla doble). Inclinar tu cabeza abajo levemente e intenta

Piensa en momentos felices. Imagina algo realmente divertido o pensar en alguien

La fotogenia –según un fotógrafo- es una combinación de físico y actitud. “Lo más

Las top model aprendieron a mostrarse

Retrato corporativo. El retrato colectivo o de grupos de personas es un género que fue

corporativa de la empresa, la persona que debemos retratar debe mostrarse satisfecha

con categoría independiente. El retrato no es un género, es una forma del arte. El

tipo de imagen corporativa en la obligada en convenciones y congresos en los que

Los retratos corporativos se pueden clasificar en dos tipos; los editoriales y

CONTRATO DE CESIÓN DE DERECHOS DE IMAGEN

En Tegucigalpa, Honduras, a (fecha de hoy)

De una parte: Nombre del fotógrafo

con Tarjeta de Identidad número: 0801-2016-1234

y domiciliado en: Colonia, sector, bloque, calle, casa número

Y de otra: Nombre completo de la modelo

con Tarjeta de Identidad número: 0801-2016-4321

y domiciliado en: Colonia, sector, bloque, calle, casa número,

y en adelante el/la modelo por este contrato y expresamente.

Mi autorización no tiene ámbito geográfico determinado por lo que el fotógrafo y otras