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CAPTUrgencias 6
LA EDUCACIÓN MUSICAL GENERAL DESDE

LA PERSPECTIVA DE LA CREATIVIDAD
Aslı Kaya1
1(Ph.D.), MuglaSitkıUniversidad de Kocman, correo electrónico: aslikaya@mu.edu.tr
Orquídea: 0000-0001-9453-5556
1. Introducción
T
A lo largo de la historia humana, los individuos y las sociedades inventaron y
desarrollaron nuevos sistemas y alteraron sus perspectivas y comportamientos para
sobrevivir. En la era actual, seguimos existiendo como individuos que pueden
pensar creativamente, producir soluciones alternativas a los desafíos o problemas y
resolverlos con un enfoque crítico. Sin embargo, con el tiempo, perdemos nuestra capacidad
de usar estas habilidades en la edad adulta. Aunque nuestras habilidades creativas podrían
verse suprimidas por el entorno, la profesión y la educación, podríamos comenzar a
utilizarlas o mejorarlas. Los métodos para lograr la creatividad que varían de un individuo o
cultura a otra son diferentes según el individuo, el grupo, la cultura y el objetivo.
La creatividad se describe generalmente como la sensibilidad a los problemas, los
desórdenes, la falta de conocimiento, los elementos que faltan, las incompatibilidades, la
capacidad de determinar los desafíos, buscar soluciones y estimaciones o desarrollar
hipótesis para los problemas, modificar o volver a probar estas hipótesis y plantear con
solución (Torrance, citado por Sungur, 1992). El pensamiento creativo es independiente,
activo y productivo. Las habilidades de pensamiento creativo permiten a los niños generar y
proponer nuevas ideas, construir y proponer hipótesis, emplear su imaginación y buscar
resultados innovadores alternativos (Wegerif, 2007).
El pensamiento creativo se definió como el pensamiento que permite a los estudiantes usar
su imaginación para generar ideas, preguntas e hipótesis, probar alternativas y analizar sus ideas,
resultados y procesos y los de sus compañeros. Todo el mundo tiene habilidades de pensamiento
creativo. Sin embargo, dado que los niños no son plenamente conscientes de la lógica rígida y los
puntos de vista convergentes, tienen rasgos diferentes, abiertos, originales, lúdicos, en otras
palabras, creativos (Kampylis & Berki, 2014).
149
150- -EDUCACIÓN ARTÍSTICA: UNA VISIÓN GENERAL
Los sistemas educativos deben mejorar la creatividad de las personas. Podría sugerirse
que la educación artística se encuentra entre los campos más adecuados que podrían
contribuir al desarrollo de la creatividad innata de los niños. Taggart, Whitby y Sharp (2004)
analizaron los currículos de arte en 21 países e informaron que la educación artística tenía
como objetivo mejorar las habilidades artísticas, desarrollar la participación en varios
trabajos artísticos, mejorar la conciencia cultural, compartir experiencias artísticas y capacitar
a consumidores y productores de arte activos. así como la mejora de rasgos personales y
sociales como la autoconfianza y la autoestima, la expresión individual, el trabajo en equipo,
el enfoque intercultural, la participación cultural y la creatividad.
Por lo tanto, la educación artística y musical es significativa en los sistemas educativos
basados en la creatividad. La música tiene importantes efectos sociales, culturales, económicos y
educativos en el desarrollo individual (Uçan, 2005). La educación musical desarrolla la
autoexpresión y la creatividad, el movimiento y las habilidades rítmicas, las emociones estéticas, el
conocimiento cultural, las habilidades lingüísticas, cognitivas y de pensamiento analítico de los
individuos (Bilen, 1995).
2. Creatividad
La creatividad es la chispa de la vida, y está en nuestra naturaleza, nacemos con ella. Es la vitalidad
que estimula el deseo de sanar y cambiar el presente de manera significativa, responsable,
inteligente y eficaz. Empleando la luz de la creatividad, ponemos distancia entre nosotros y el
pasado, entendemos el presente, imaginamos el futuro y nos conectamos para siempre. Juzgamos
estas acciones basándonos en la medida del éxito, las reacciones de los demás, la claridad del
propósito y las necesidades personales. La creatividad es una condición de nuestra especie.
Inventamos, cambiamos la acción, desarrollamos nuevos sistemas y creamos nuevos
conocimientos para mejorar las probabilidades de supervivencia. La creatividad humana es una
extensión u otra expresión de nuestro imperativo biológico (Segal, 2001).
La creatividad no es privilegio de unos pocos individuos, sino que es un

comportamiento significativo que todos pueden adoptar y es necesario en la vida
interpersonal, en las relaciones y en diversos eventos o situaciones (Yavuzer, 1989).
Todo el mundo es más o menos creativo, similar a la inteligencia, y la creatividad
de cada individuo se puede mejorar en mayor o menor grado (Sternberg & Lubart,
1995). Es un poder multidimensional que todos poseemos. Es un proceso que
implica la observación de nuevas posibilidades y oportunidades. No es una
habilidad independiente sino que está asociada a nuestra voluntad de volver a
observar y repensar las cosas a las que estamos acostumbrados (Robinson, 2001).
Así, la creatividad es un potencial en cada individuo y podría manifestarse y
mejorarse en condiciones adecuadas.
LA EDUCACIÓN MUSICAL GENERAL DESDE LA PERSPECTIVA DE LA CREATIVIDAD - -151
la producción de una obra de arte, sino también en la curiosidad e interés por las
soluciones ante un problema.
Csikszentmihalyi argumentó que el camino hacia una vida creativa se pavimenta
alimentando la curiosidad y el interés, lo cual es posible cuando un individuo se
sorprende a sí mismo o a alguien más todos los días, sigue sus intereses, se despierta
por la mañana para hacer algo que ella o él desea y pasa tiempo en ambientes que
estimulan la creatividad. (Csikszentmihalyi, citado por Santrock, 2012). Sungur (1992)
afirmó que un individuo creativo debe hacer preguntas sobre eventos, objetos y
hechos, e interactuar con emociones e ideas propias y externas.
Las personas creativas pueden adaptarse fácilmente a las situaciones a las que se
enfrentan, son flexibles, tienen fluidez en diversas ideas, emplean el material disponible
con varios métodos según sus necesidades, usan su imaginación para idear inventos
difíciles y no responden con soluciones ordinarias a los problemas. . Los individuos
creativos podrían analizar los detalles de un todo incorporado, diversificar las
experiencias aprendiendo sobre los privilegios de las cosas y de los individuos. Pueden
crear formas nuevas y significativas basadas en la síntesis de pequeños materiales y
varios elementos. Pueden exhibir consistencia organizacional al presentar soluciones
ordenadas, concisas y esenciales a los problemas, y pueden conectar cada etapa con un
enfoque lógico. Son conscientes de todos los estímulos sensoriales y sensibles a las
emociones, cultura, problemas, etc. de otros individuos (Lowenfeld, 1962). Así, podría
sugerirse que el desarrollo del potencial creativo de un individuo también mejora la
calidad de las relaciones del individuo con los demás. La comunicación y la interacción,
que se basan ambas en la creatividad, podrían tener un efecto positivo en toda la
sociedad.
Torrance (citado por Orhon, 2014) informó que la creatividad es necesaria no solo
para el desarrollo de nuevas ideas, sino también para la felicidad personal. Torrance
(citado por Yavuzer, 1989) creía que la creatividad de cada individuo es diferente y que
las habilidades creativas podrían mejorarse con actividades escolares que deberían
incluirse en los programas educativos. La creatividad es un potencial que se puede
mejorar en los procesos de educación y socialización.
3. La creatividad en la Educación Musical General
La educación musical es básicamente el proceso de adquisición, desarrollo o cambio del

comportamiento musical. Tiene como objetivo la adquisición de una cultura musical
mínima y general a través de la educación musical general instruida a personas de
todos los niveles y edades, desde preescolar hasta la universidad sin ninguna exclusión.
Al final del proceso, estructurado a partir de la vida musical de los individuos, una sana,
productiva y efectiva comunicación e interacción entre el individuo y el
se espera un ambiente musical (Uçan, 2005). En la creatividad es necesario un acto integrado

de reflexión y ejecución. El proceso creativo en la educación musical en general sigue el
mismo camino debido a la naturaleza de la educación musical. Sin embargo, para mejorar la
calidad de la educación musical y el potencial creativo de los estudiantes, es necesario
enfatizar la creatividad.
3.1. La importancia de la creatividad en la educación musical general
La educación debe demostrar el impacto de la creatividad y la energía creativa en el

contenido y la calidad de la vida humana (Hagness, citado por Beetlestone, 1998). Sungur
(1992) argumentó que el objetivo de la educación es formar individuos innovadores, que no
repitan el trabajo de generaciones anteriores, mientras que Orhon (2014) afirmó que su
objetivo es formar generaciones jóvenes que puedan aprender y desarrollar productos
beneficiosos para la sociedad.
Una sociedad de individuos creativos y calificados está abierta al desarrollo
científico, tecnológico y artístico. Así, los sistemas educativos que incluyen procesos
donde se emplean estrategias educativas para desarrollar el potencial creativo de los
individuos se encuentran entre las condiciones sine qua non de la educación
contemporánea. Es importante que todos los campos educativos apunten a apoyar y
mejorar la creatividad de las personas y a asegurar la formación de personas creativas.
Aunque la sociedad cree que la creatividad es exclusiva de los campos artísticos, la
creatividad no solo la requieren los artistas, sino también todos los individuos en todos los
campos. La creatividad y el proceso creativo deben ser considerados en todos los grados. Tal
enfoque no tendría como objetivo formar artistas sino permitir la autorrealización del niño a
través de la mejora de la creatividad. Esto afectaría tanto a la sociedad como al futuro y la
felicidad del niño. Cuando los niños piensan de manera diferente y creativa, es más probable
que establezcan conexiones creativas. Los cursos de música estructurados con este enfoque
podrían ampliar el horizonte de los estudiantes y mejorar sus habilidades de pensamiento
creativo.
La educación artística incluida en la educación formal comprende los procesos de
establecimiento de la comunicación con los objetos, los sonidos, el cuerpo y las palabras en
campos como la plástica, la música, la danza, el teatro y la literatura, empleando todos los
procesos emocionales e intelectuales de los niños, niñas y adolescentes, y la adquisición de
ciertas formas a través de nuevas organizaciones y formaciones. Al final de los procesos de
aprendizaje creativo, los participantes se darían cuenta de que sus experiencias incluían
expresiones creativas que conducían a la autoexpresión y autorrealización (San, 2000).
En la Educación artística y cultural en las escuelas de Europa, realizada por la Agencia Ejecutiva en
el ámbito Educativo, Audiovisual y Cultural (2009), se revisaron los planes de estudio de las artes en 30
países europeos y se revisaron las políticas europeas en materia de artes, cultura y educación.
la educación y la creatividad se determinaron con base en los currículos de artes. Se

enfatizó el potencial de la educación artística para reforzar la creatividad de los jóvenes
y también se enfatizó la importancia de la mejora continua de la calidad de la
educación. El estudio se centró en las artes visuales, la música, el teatro, la danza y las
artes mediáticas.
Los resultados del estudio revelaron los siguientes objetivos curriculares de educación
artística y cultural en los países europeos que se presentan en la Figura 1.
Figura 1: Los objetivos de los currículos artísticos y culturales en los países europeos
Fuente: https://op.europa.eu/en/publication-detail/-/publication/0e41e888-7d1b
- 4073-adea-502974017735
Aunque las metas de autoexpresión y desarrollo de la creatividad, que se encontraban entre

los primeros 6 objetivos de aprendizaje, estaban presentes en casi todos los currículos de
educación artística y cultural, este objetivo no estaba incluido en los currículos de educación
artística y cultural en cinco países.
Los resultados del estudio mencionado anteriormente demostraron que los países
desarrollaron sistemas educativos que incluyeron la creatividad en los planes de estudios de
educación artística. La educación musical se considera dentro del ámbito de la educación
artística. Uçan (2005) informó que la educación musical contribuyó a la satisfacción de las
necesidades estéticas del individuo y de la sociedad, satisfacción del instinto de creación
artística, desarrollo del gusto personal, logro de una vida musical sana, mejora de la eficacia
y productividad, y contribución a una vida privada y social más feliz a través de actividades e
interacciones musicales. Por lo tanto, es importante adoptar e implementar enfoques de
educación musical que prioricen la creatividad en la formación de personas creativas con
habilidades de autoexpresión en el arte y la música y que contribuyan al desarrollo de una
sociedad moderna.
3. 2. La importancia de la creatividad en los planes de estudio generales de música
La educación tradicional generalmente prioriza el pensamiento convergente, lo que

lleva a desalentar el pensamiento divergente y las habilidades creativas. Especialmente
en la educación formal, la información categorizada se instruye en patrones y se
prioriza la memorización de la información clasificada. Sin embargo, para que un
individuo se empape de la información en el mundo en constante cambio, la educación
debe promover el pensamiento independiente a través de la observación de las
interacciones entre los datos y el desarrollo de resultados interdisciplinarios y el
pensamiento divergente y crítico (San, 2004).
El sistema educativo turco se basa en la teoría constructivista. En el constructivismo, el
conocimiento no se adquiere de forma pasiva a través de los sentidos o de varios canales de
comunicación o que existe en el mundo exterior. Por el contrario, el conocimiento es
construido por el aprendiz. Así, las construcciones son personales (Açıkgöz, 2006). La
instrucción constructivista es un proceso creativo e interactivo. Los maestros enseñan a los
estudiantes dentro de un contexto particular. Las actividades en la mente de los profesores y
los estudiantes están sólo parcialmente definidas por el tema. El enfoque anima al profesor y
al estudiante a considerar la sociedad que necesita trabajar dentro de la colaboración
orgánica como individuos creativos (Garrison, 1998). Beetlestone (1998) argumentó que la
enseñanza creativa podría mejorar la calidad de la educación, llevar a un aprendizaje más
significativo, y los enfoques curriculares podrían conducir a caminos emocionantes. La
inclusión de procesos creativos es inevitable en el sistema educativo, ya que los cursos
estructurados con procesos creativos generarían ideas novedosas, hipótesis y alternativas de
solución innovadoras por parte de los estudiantes que emplean su imaginación.
En los ambientes educativos que instruyen el comportamiento musical, la creatividad y el
desarrollo de los procesos creativos deben ser priorizados en los contenidos de los cursos, la
determinación de métodos de instrucción, libros de texto y ambientes de aprendizaje.

Porque el desarrollo del comportamiento musical de un individuo, la autoexpresión
musical, la creatividad y la autoexpresión creativa son importantes.
Los objetivos específicos del plan de estudios del curso de música (grados 1° a 8°)
incluyen el desarrollo de la creatividad y el talento de los estudiantes a través de la música
(Ministerio de Educación Nacional [MNE], 2018a). Se adoptaron en el currículo enfoques de
educación musical que desarrollarían la sensibilidad estética de los estudiantes a través de la
música (escuchar, hablar, etc.) y hacer música (cantar, improvisar, componer, etc.). El plan de
estudios tenía como objetivo formar personas creativas con habilidades de autoexpresión
independientes y que pudieran crear obras novedosas en todos los niveles educativos.
Además, la autoconfianza y la creatividad de los estudiantes deben mejorar mediante
actitudes positivas hacia la música y la implementación de actividades musicales (canto,
prácticas creativas, investigación) basadas en sus intereses y habilidades (MNE, 2018b).
Los cursos de música deben incluir procesos que desarrollen la creatividad

musical y el potencial creativo de los estudiantes. La creatividad musical es una
habilidad que permite a los individuos expresar sus relaciones personales con los
sonidos mediante el empleo de habilidades cognitivas, físicas y psicológicas. La
creatividad musical está presente en todo acto musical como escuchar, tocar,
improvisar, dirigir, arreglar y componer (Padula, 2009). Además, los movimientos
creativos/danza también son importantes en el desarrollo del potencial creativo.
El plan de estudios del curso de música (MNE, 2018a, 2018b) incluye cuatro áreas básicas de
aprendizaje que son consistentes con el contenido de cada grado: escuchar-cantar, percepción y
conocimiento musical, creatividad musical y cultura musical. Los resultados de aprendizaje del
curso también se clasifican en función de estas áreas de aprendizaje.
El área de aprendizaje de escuchar-cantar incluye adquisiciones en escuchar música y

cantar. Los principales resultados del área son los siguientes:
● Escuchar música, identificar los recursos sonoros (instrumentos, etc.)

● Acompañamiento de la música y las canciones con percusión corporal e
instrumentos rítmicos sencillos
● Cantar canciones en el tono exacto
● Cantar canciones con dinámica y tempo precisos
● Cantar melodías con diferentes ritmos
● Actuar en grupo (canon, canciones a dos voces, etc.)
● Cantar las canciones adecuadas para el nivel del estudiante como lectura a primera vista.
● Interpretación de obras musicales.

La percepción y el conocimiento musical incluye la adquisición de los elementos

musicales básicos y los siguientes objetivos:
● La adquisición intuitiva de elementos musicales basados en las rimas, rimas de

contar, canciones escolares, etc. que los alumnos conocen antes de la enseñanza
de la notación teórica.
● Acompañamiento rítmico de las canciones
● La adquisición intuitiva de elementos musicales con repetición de ritmo/melodía, tempo,
dinámica, actividades de tono
● Enseñado de notación musical básica, símbolos relacionados, etc.
● Instrucción teórica y práctica de conocimientos sobre lectura y escritura

musical y expresión musical.
La creatividad musical incluye adquisiciones que conducen a la expresión creativa de la música por
parte del alumno y los siguientes objetivos principales:
● Transformación de las melodías en movimiento

● Animación de las historias con recursos sonoros
● Transformación de la frase rítmica y melódica en movimiento y
danza
● Crear frases rítmicas y melódicas y autocomposiciones para cantar
● Expresión de emociones con música, movimiento y danza.
● Expresión de emociones y opiniones sobre la música que escuchan.
La cultura musical comprende adquisiciones de conductas musicales asociadas al área afectiva, y
tiene como objetivos principales los siguientes:
● Respeto al himno nacional y actividades musicales sobre Mustafa Kemal

Atatürk.
● Cumplimiento de las normas de escucha de música específicas del entorno.
● Mejora del gusto musical y la cultura al escuchar diferentes géneros
musicales.
● Participación en la escuela y actividades musicales cercanas con gusto
● Conocimiento sobre música clásica occidental, obras y compositores de música
clásica turca
● Reconocimiento de la importancia del arte para Mustafa Kemal Atatürk.
Los logros del curso de música en varias áreas de aprendizaje se distribuyen en los
niveles de grado. La distribución de los logros del curso de música para los grados
1-12 se presenta en la Tabla 1.
Tabla 1:La distribución de los logros del curso de música para los niveles de grado 1-12
Grado Escuchando- percepción musical Musical Música Total

cantando y el conocimiento creatividad cultura
F % F % F % F % F %
1 11 46 3 13 5 21 5 21 24 100
2 7 39 5 28 2 11 4 22 18 100
3 7 32 7 32 4 18 4 18 22 100
4 5 24 6 29 5 24 5 24 21 100
5 6 26 7 30 6 26 4 17 23 100
6 7 30 4 17 6 26 6 26 23 100
7 7 32 4 18 5 23 6 27 22 100
8 10 40 2 8 4 dieciséis 9 36 25 100
9 11 46 3 13 5 21 5 21 24 100
10 7 39 5 28 2 11 4 22 18 100
11 7 32 7 32 4 18 4 18 22 100
12 5 24 6 29 5 24 5 24 21 100
Fuente: MNE, 2018a, MNE, 2018b.
El análisis de los logros del plan de estudios del curso de música basado en las áreas de
aprendizaje reveló que las adquisiciones en las áreas de aprendizaje de creatividad musical y
cultura musical no se incluyen en cantidades suficientes. Sin embargo, nuestros valores y
competencias, que establecerán la conexión e integridad entre los conocimientos,
habilidades y comportamientos que se pretenden adquirir a través de los programas,
pueden ser alcanzados a través de las adquisiciones que se enriquecerán en las áreas de
aprendizaje de creatividad musical y cultura musical. .
Los Planes de Estudio del Ministerio de Educación Nacional pueden cambiar según las
condiciones del día y pueden actualizarse con revisiones constantes y se crean en una
estructura renovable. Por lo tanto, los planes de estudio del Ministerio de Educación Nacional
deben revisarse con el objetivo de formar personas que puedan producir
conocimiento, emplear el conocimiento en la vida diaria, resolver problemas, pensar

críticamente, ser emprendedor, decidido, con habilidades de comunicación, empatizar,
contribuir a la sociedad y la cultura, etc. La revisión del plan de estudios del curso de música
debe realizarse en función de las habilidades objetivo, logros en áreas de aprendizaje, y
logros basados en calificaciones y su idoneidad.
Los resultados del aprendizaje deben planificarse para incluir logros y prácticas
adicionales asociados con el potencial creativo, la percepción estética, los hábitos de
escuchar música, la cultura musical y la asociación de la música con otras artes. Además, es
importante desarrollar procesos de aprendizaje donde los estudiantes puedan descubrir y
aprender y asociar el conocimiento con varias actividades/aplicaciones. Por lo tanto, se debe
incluir una sección detallada sobre los procesos de aprendizaje e instrucción en el curso de
música sobre comprensión auditiva, ritmo, improvisación y canto coral con métodos y
técnicas especiales de instrucción musical.
3.3. La creatividad en los enfoques de la educación musical contemporánea
Los principios de implementación para el plan de estudios del curso de música deben incluir
el empleo de varios métodos de instrucción por parte del maestro, como conferencias,
preguntas y respuestas, entrevistas, debates, investigación y análisis, juegos, drama,
aprender haciendo, producción, compartir tareas y exhibición. para asegurar la participación
activa de los estudiantes en las actividades. Se podría sugerir que los métodos especiales de
instrucción musical, como la escucha, el ritmo, la improvisación y el canto coral, permitirían a
los estudiantes amar el curso de música y conducirían a una instrucción eficaz. El proceso de
instrucción debe equilibrarse entre la filosofía del desarrollo de las sensibilidades estéticas
de los estudiantes a través de la música (escuchar, hablar, etc.) y la filosofía de la educación
con interpretación musical (cantar, improvisar, componer, etc.) (MNE, 2018a) .
Los métodos de instrucción musical juegan un papel clave en la adquisición efectiva de

los conocimientos y habilidades requeridos por los estudiantes. El método de instrucción
musical es el enfoque regular seleccionado e implementado con conciencia para alcanzar la
meta del proceso de instrucción musical o las actividades de enseñanza-aprendizaje musical
(Uçan, 2005). Acerca de la implementación del plan de estudios del curso de música MNE
(2018a) sugirió el empleo de métodos y enfoques como Dalcroze, Orff, Kodály los métodos
comunes en la educación musical, especialmente para la adquisición de comprensión
musical y habilidades musicales a través del aprendizaje activo, y el tradicional los métodos
de educación e instrucción deberían.
Muchos métodos y enfoques educativos de renombre mundial se emplean
en la educación musical. Entre ellos, los métodos o enfoques más utilizados hoy en
día que promueven la creatividad es la participación activa incluyen que
Dalcroze, Kodály, Pedagogía de la música y el movimiento de Orff-Schulwerk y Teoría del
aprendizaje musical de Gordon.
El enfoque de Dalcroze fue desarrollado por Emile Jacques Dalcroze. La escucha

musical, la lectura, la escritura y el habla, los elementos musicales (tempo, dinámica,
compás, compás, ritmo, etc.) se instruyen con movimientos y movimientos corporales.
Así, no solo el sentido del ritmo del alumno, sino también la percepción musical general
mejora sistemáticamente a través de los movimientos (Dittus, 2017). El objetivo no es
solo entrenar el cuerpo, sino también crear emociones e ideas rítmicas con la
interacción cerebro-cuerpo creada por la música para una educación musical
permanente (Yıldız, 2002).
Según el sistema Dalcroze, cuando hay armonía entre las actividades
cognitivas y físicas, los niños disfrutan del trabajo. Enfocar la atención es el punto
más importante en este proceso. El estudiante debe reflejar la música
directamente en el cuerpo. Luego, el estudiante debe usar la inteligencia para
analizar y comprender la música que escucha. Finalmente, es el turno del
movimiento. El cuerpo se mueve, y el grado en que los niños participan en la
música mediante el movimiento refleja su atención e interés. El niño disfruta
innatamente de la invención y el movimiento. La armonía entre las actividades
cognitivas y los movimientos físicos permiten que el niño disfrute de la actividad
musical y se relaje (Yıldırım, 1995).
El enfoque de Dalcroze es una combinación de música, sonidos y movimientos. El
elemento musical más dominante asociado con la vida son los movimientos corporales
rítmicos. Por lo tanto, el primer paso en el enfoque de instrucción es el ritmo y los
movimientos físicos se enfatizan en el método. Se sugirió que los cursos de música,
donde los estudiantes hacen música, se mueven y bailan activamente, serían más
efectivos. Por lo tanto, las experiencias musicales de los estudiantes son
multidimensionales y emplean tanto el oído como el cuerpo. El enfoque de Dalcroze
prioriza la acción y el movimiento en comparación con el conocimiento teórico, y dado
que todo lo que el estudiante experimenta es una base para aprender el conocimiento
teórico, el estudiante experimenta principalmente el movimiento (Choksy, Abramson,
Gillespie, Woods y York, 2001).
En el enfoque de Dalcroze, los estudiantes instalan la música que escuchan
en su cuerpo, sienten la música y se sumergen en su ritmo. Acompañan la música
con sus movimientos corporales e interpretan la música. Así, utilizan su cuerpo
como instrumento para interpretar sonidos. La importancia del enfoque es la
concentración y luego la sensibilidad (Bozkaya, 2001).
El enfoque de Dalcroze incluye tres partes principales: euritmia, solfeo e
improvisación (Choksy et al., 2001). La euritmia incluye la instrucción
y la práctica del ritmo y la dinámica en ritmo con movimiento, el solfeo incluye la

instrucción de la melodía y la armonía en el pentagrama, y la improvisación incluye el
desarrollo de las habilidades de improvisación del alumno con el ritmo y la música
mediante el apoyo de los movimientos inventados por el alumno con sonidos e
instrumentos
En el enfoque de Dalcroze, las bases de la creatividad se sientan con la improvisación.
El profesor improvisa sobre un piano o una percusión, y los alumnos improvisan con
movimientos. El habla, las palmas, el canto, la narración y la percusión son los instrumentos
que se utilizan en la improvisación. La improvisación satisface las necesidades de los
estudiantes como la investigación, el descubrimiento y la libertad de expresión, y permite la
expresión musical espontánea (Gürgen, 2006). El movimiento físico y la audición durante el
entrenamiento del dominio musical y la improvisación permiten que los niños experimenten
todas sus habilidades, imaginación y creatividad, desarrollen la coordinación estética y
motora, mejoren la concentración y la escucha (Blom, citado por Erdal, 2005).
En las aulas donde se adopta el enfoque de Dalcroze, los estudiantes improvisan

con varios métodos. Expresan la música con movimientos improvisados. Al comienzo
de la clase, el enfoque está en el análisis con el oído, el cuerpo y la vista, se experimenta
la improvisación con varios métodos durante la clase, y al final de la clase, los
elementos analizados se sintetizan con actuaciones improvisadas. En las
improvisaciones de los principiantes, la medida y el tempo ayudan a las
improvisaciones individuales o grupales. En las clases avanzadas, el ritmo y el sonido se
integran en oraciones, períodos y variaciones musicales cada vez más complejas. Los
estudiantes realizan improvisaciones complejas donde se combinan ritmo y sonido, y
luego improvisan con instrumentos (flauta, cuerdas, piano) (Choksy et al., 2001).
El enfoque de Dalcroze mejora el sentido del ritmo y las ideas rítmicas de los
niños. Ayuda al auto-reconocimiento mejorando sus rasgos sensoriales, psicomotores,
intuitivos y cognitivos. Fortalece y mejora la atención y la memoria musical. Desarrolla
habilidades auditivas internas. Les permite transformar expresiones musicales en
expresiones psicomotrices (Uçan, Yıldız & Bayraktar, 1999). El enfoque se basa en el
movimiento, y este último se asocia con la comprensión musical, la escucha, la
expresión y el sentido de uno mismo. Permite a los estudiantes experimentar la música
precisamente a través del movimiento al mejorar la sensibilidad del individuo y el
conocimiento de la dinámica musical. Proporciona un puente entre lo concreto y lo
abstracto en la comprensión musical.
El Método Kodály fue desarrollado por Zoltan Kodály, colegas y estudiantes
en Hungría y se enfoca en los requisitos y condiciones para leer y escribir música.
Zoltan Kodály estableció ciertos principios de educación musical,
y estos fueron desarrollados más tarde por sus colegas y estudiantes. Después de que
Kodály se interesara por la pedagogía musical, los principios básicos del enfoque se
determinaron e implementaron en las escuelas generales de Hungría a fines de la década de
1920 (Instituto Kodály, 2021).
Los objetivos de la educación musical determinados por Kodály incluían la
maximización de la capacidad musical de cada niño, la instrucción del lenguaje de la
música a los niños y permitirles leer, escribir y producir en ese idioma. El método tiene
como objetivo presentar a los niños los productos de la lengua y la cultura nativas
(canciones populares, etc.) y las obras de arte más grandes del mundo, y capacitar a los
niños que aman la música y la vida basándose en la confianza de su conocimiento
musical mientras escuchan, estudiar y analizar música (Choksy et al., 2001). Kodály creía
que la sencillez, la belleza y la propiedad patrimonial de las canciones populares las
convertían en el mejor material para satisfacer las necesidades físicas, psicológicas y de
desarrollo de los jóvenes (Houlahan & Tacka, 2015).
De acuerdo con el método que tenía como objetivo inculcar una verdadera
cultura musical en todos y formar una audiencia lo más grande posible, cada individuo
que habla, escribe y entiende un idioma podría aprender el idioma de la música. Cantar
es la habilidad más importante de un músico. Las canciones populares son el idioma
nativo musical del niño y también deben ser una herramienta en la educación posterior
del niño. Solo la música con valor artístico debe usarse en la educación (Instituto
Kodály, 2021). Kodaly enfatizó que los niños podrían mejorar sus voces escuchando
modelos de cantantes ya que desarrollan habilidades lingüísticas escuchando/
escuchando constantemente, y argumentó que los niños podrían aprender mejor con
sus propios instrumentos naturales, es decir, sus voces (Howard, 1996).
La filosofía básica del método Kodály incluía lo siguiente (Choksy
et al., 2001):
● Todo individuo alfabetizado podría alfabetizarse en música.

● Cantar es la mejor base para un músico.
● La educación musical es eficaz cuando se inicia a una edad temprana.
● La herencia lingüística de los niños, las canciones populares son su idioma nativo de música. Por
lo tanto, las canciones populares deben emplearse como un instrumento de educación
temprana.
● La instrucción musical debe llevarse a cabo con música del más alto valor artístico y
canciones folclóricas.
● La música debe ser el centro del programa en el que se basa la educación.
La solfa tónica, los signos de las manos (fonomima), las sílabas de duración rítmica y la notación de
palo son las herramientas de aprendizaje empleadas en el método Kodály. Los signos manuales
fueron desarrollados por John Curwen en 1870 y las sílabas de duración rítmica fueron
desarrolladas por Jacques Chevé en el siglo XIX y fueron adaptadas por el enfoque (Choksy et al.,
2001). Además, las prácticas de habilidades de audición interna desarrollan y apoyan la
comprensión musical, el sentimiento, el análisis y la memoria basados en intervalos, tonalidades,
formas, etc.
La habilidad de improvisación es una habilidad natural para los niños; sin

embargo, las habilidades que adquieren mientras cantan, aprenden a leer y
escribir música y comprenden la forma de las canciones en el repertorio
proporcionan un modelo para la composición. Houlahan & Tacka (2015)
informaron que en las clases de Kodály se emplean dos tipos de actividades de
improvisación y composición. En el primer tipo de actividad, los alumnos
improvisan los ritmos o melodías sin describirlos. En el segundo, la
improvisación es consciente y emplea elementos rítmicos y melódicos. Las
habilidades creativas deben desarrollarse manipulando las estructuras
rítmicas y melódicas familiares antes de que los estudiantes puedan
componer. Además, para el desarrollo de las habilidades de creatividad
musical de los alumnos,
Kodály afirmó que los estudiantes deben tener un oído bien entrenado para
improvisar y componer música, las composiciones de los niños con un oído no entrenado
suelen ser diferentes a su imaginación, o aquellos que no dominan la alfabetización musical
podrían hacer un esfuerzo para componer armonías simples. (Houlahan & Tacka, 2015).
Se informó que el método musical Kodály podría emplearse de manera efectiva

en todas las etapas de la educación en Turquía (Uçan et al., 1999). En resumen, la
filosofía educativa de Kodály se basó en el nivel de desarrollo del niño, instrucción a
temprana edad con juegos, empleo del canto en la comprensión y aprendizaje de la
música, con énfasis en la lectura y escritura de notas, entrenamiento del oído,
movimiento rítmico, canto y escuchando Su objetivo es desarrollar la capacidad de
apreciar y escuchar música activamente, formar una buena audiencia y un público que
entienda la música, no los artistas. La creatividad y la improvisación, por otro lado, se
emplean principalmente después de que los niños se vuelven alfabetizados
musicalmente.
Orff-Schulwerk Music and Movement Pedagogy se basó en el trabajo de Carl
Orff y Gunild Keetman en la década de 1920. La esencia de Orff-Schulwerk es el
alma y la música natural, simple y primitiva. Así, Orff-Schulwerk acepta que cada
niño tiene un talento único, y el objetivo de la música y el movimiento
la educación no es únicamente formación musical sino también formación de personas (American
Orff-Schulwerk Center, 2007).
Orff-Schulwerk es una forma de instrucción y aprendizaje musical y se basa

en los intereses de un niño, como cantar, aplaudir, bailar y mantener el ritmo
(American Orff-Schulwerk Center, 2007). La música elemental incluye la integración
del movimiento, la danza y el habla, está cerca del mundo, natural y físico, que
todos pueden experimentar; y por lo tanto, adecuado para un niño. Cualquiera
puede tocar esta música y convertirse en intérprete, no solo en oyente (Orff, 2008).
Así, la música elemental permite desarrollar las potencialidades existentes en el
individuo en un proceso creativo que incluye música, movimiento, ritmo y con un
sentido de movimiento e impulso musical natural e innato.
Kugler (2010) analizó el ritmo y la melodía en el método Orff-Schulwerk de la
siguiente manera: El ritmo es un elemento siempre presente, básico, esencial e
integrador en la música. Se emplea en percusión corporal, formas de danza e
instrumentos de percusión. La melodía incluye expresiones vocales espontáneas y
puede observarse en discursos cargados de emociones, cantos, recitaciones, tararear,
cantar o en estudios que tienen como objetivo explorar el xilófono.
Otro elemento, el movimiento/danza, se produce por el impulso de jugar en los
niños y el impulso de actuar en los adultos. Los participantes podían trasladar los
descubrimientos físicos o las improvisaciones y experiencias a un instrumento o
música. Así, el movimiento, el ritmo y el habla -completándose- permiten al individuo
descubrir los fenómenos existentes y nuevos, improvisar y crear un producto. Tocar un
instrumento no es el objetivo principal del método Orff-Schulwerk. Los instrumentos
deben ser no especializados, simples, aquellos que puedan ser considerados como
parte del cuerpo, que permitan grandes movimientos corporales para producir sonidos
y tocados con un movimiento corporal natural. Además, cada instrumento podría ser
un instrumento Orff-Schulwerk elemental siempre que la técnica de ejecución sea
simple. Sin embargo, la calidad del sonido de los instrumentos es importante,
Las improvisaciones no se limitan a las improvisaciones instrumentales en el Orff-

Schulwerk. También incluye improvisaciones de movimiento durante el autodescubrimiento
del cuerpo y los movimientos y se convirtió en una autoexpresión a través de los
movimientos. La creatividad existe no solo en los procesos cognitivos, sino también en el
comportamiento físico. El pensamiento creativo se manifiesta en los dominios cognitivo,
afectivo y físico (Orhon, 2014). Según Kugler (2010), Orff enfatizó que la clase debe comenzar
con todas las líneas de improvisación y enumeró los siguientes principios pedagógicos y de
aprendizaje en el Orff-Schulwerk: Se deben emplear líneas de base orientadas al proceso que
lleven del descubrimiento a la improvisación y
el aprendizaje debe lograrse con contenidos predeterminados o improvisados

(pregunta-respuesta, reflexión, tablas de rondó) y la interacción en grupo. Además,
el instructor debe estar abierto a diferentes caminos para diferentes niveles. Se
deben incorporar el movimiento, el habla, el canto y tocar un instrumento y se
debe permitir que surjan unos de otros, y este proceso debe conducir a
presentaciones o productos resumidos. Se debe adoptar el principio de
construcción o modelo y se deben emplear unidades pequeñas y predecibles para
reducir la coerción o el miedo a la creación, y no se deben descuidar los principios
de presentación musical aceptados mundialmente.
En este método orientado al estudiante, los maestros deben preparar a los niños
para el aprendizaje, brindarles pistas y guiarlos. Por lo tanto, el método es beneficioso
para el desarrollo, organización e implementación de la instrucción y el aprendizaje
musical eficaz (Uçan et al., 1999). En resumen, en todas las actividades de creatividad e
improvisación, el instruido debe permitir suficiente tiempo y oportunidades durante el
proceso de descubrimiento del individuo; sin embargo, en la siguiente etapa, se debe
apoyar al individuo para evitar la mediocridad y lograr descubrimientos de calidad.
Asimismo, el desarrollo del producto por parte del individuo aseguraría un aprendizaje
permanente. Sin embargo, el proceso de aprendizaje no debe ser dictado por el
docente, sino descubierto por los alumnos, y depender de la improvisación. Después de
la presentación, Se debe proporcionar retroalimentación orientada al proceso basada
en el producto y múltiples perspectivas, sin juicio ni crítica. Porque cada individuo
presenta un nuevo producto basado en el tema instruido en el curso a través de un
proceso único. Por lo tanto, cada producto es único, original y valioso.
La teoría del aprendizaje musical de Gordon fue desarrollada por Edwin E. Gordon en
base a su investigación sobre la inclinación musical, la psicología y la educación y las pruebas
que desarrolló sobre la aptitud y la habilidad musical.
La teoría se finalizó como resultado del trabajo, las observaciones y los
estudios de Gordon en un entorno académico en los Estados Unidos sobre la base
de datos científicos. Se basa en el aprendizaje musical de un infante o un niño más
que ser un método para profesores de música. La teoría se basó en las similitudes
entre el aprendizaje del idioma nativo y la formación musical. Un bebé oye y
escucha el idioma nativo constantemente después del nacimiento. Cuando el niño
está listo, puede hablar sin ningún conocimiento gramatical imitando los sonidos y
las palabras disponibles en el entorno. El aprendizaje musical debe basarse en
repertorios de canciones para desarrollar el conocimiento musical del infante, al
igual que el aprendizaje del idioma. Este conocimiento sería la base de la
predisposición a la música. A medida que la familiaridad y el significado de la
música aumentan para el niño con el tiempo,
In Gordon Musical Learning Theory, breathing, movement, listening,

audiation, and listening to oneself and others are important. Rhythmic duration
syllables, rhythmic/melodic patterns, and movable do are used. Musical education
is conducted in two sections: informal (0-6 years old) and formal (over 6 years old).
In informal education, the child is not expected to perform. The instructor
attempts to include the child in the musical conversation by singing. The instructor
assists the student in the acquisition of musical knowledge by providing examples
only by listening/singing (audio/oral). In formal education, the child is expected to
perform, and a certain program is applied to initiate musical literacy and
instrument education (Borsacchi, 2017).
El aprendizaje de las habilidades musicales es gradual. No se inicia un nuevo
paso antes de completar el paso anterior, y se asegura la finalización del proceso
de aprendizaje volviendo al paso anterior cuando sea necesario. La educación
informal se describe como “audición preparatoria”. Gordon (2013) analizó la
educación informal en tres etapas básicas: aculturación, imitación y asimilación,
que incluían pasos propios.
1. Aculturación: Absorción, respuesta aleatoria, respuesta con propósito

2. Imitación: despojarse del egocentrismo, descifrar el código
3. Asimilación: Introspección, coordinación
La educación formal se analizó en dos pasos básicos de discriminación y aprendizaje

por inferencia, que incluían pasos propios (Gordon, citado por Bluestine, 2000).
1. Aprendizaje por discriminación: Audio/oral, asociación verbal, síntesis parcial,

asociación simbólica, síntesis compuesta.
2. Aprendizaje por inferencia: Generalización, creatividad/improvisación,
comprensión teórica.
En la Teoría del aprendizaje musical de Gordon, la creatividad/improvisación se inicia

después de que los niños tengan conocimientos musicales y adquieran habilidades
musicales. Gordon (1989) afirmó que se debe dominar un repertorio musical completo
que incluya patrones tonales y rítmicos para improvisar, y que la improvisación y la
creatividad son el producto del empleo de patrones rítmicos y melódicos en el
repertorio musical con un enfoque lógico y razonable. Azzara (1999) informó que la
interpretación improvisada se basa en varias estructuras básicas como la tonalidad, el
desarrollo armónico, la medida, la forma; y así, la creatividad tiene menos limitaciones
que la improvisación.
4. Conclusión
Una persona con habilidades de pensamiento creativo podría abordar los problemas
desde diferentes perspectivas, adaptar los objetos de la vida diaria con diferentes
métodos o crear nuevos productos y encontrar soluciones prácticas y significativas a los
problemas. Así, las habilidades creativas mejoran e inciden positivamente en la vida del
individuo. La creatividad, factor indispensable en el desarrollo personal y social, no es
independiente de la educación. La creatividad es el elemento básico en los sistemas
educativos de las naciones desarrolladas. El objetivo principal es el desarrollo de la
creatividad de los individuos.
Eurydice European Education Information Network (2018, p. 217, 218) afirmó
lo siguiente sobre el sistema educativo turco: “… Sobre la base del Marco
Estratégico para la Cooperación Europea en Educación y Formación de 2020, se
deben promover factores como la innovación y la creatividad son independientes
del nivel educativo. (...) Existen centros nacionales de recursos para la creatividad,
la innovación y el espíritu empresarial con misiones importantes como la
promoción de la educación científica y matemática, el aumento del interés de
estudiantes y docentes en matemáticas, ciencia y tecnología, y la promoción de la
colaboración docente”. Además, los objetivos estratégicos de Educación y
Formación para 2020 incluían “el aprendizaje permanente y la movilidad, la mejora
de la calidad y la eficacia de la educación y la instrucción, la promoción de la
igualdad, la cohesión social y la ciudadanía activa,
El sistema educativo turco hizo hincapié en el desarrollo de la creatividad en
todos los niveles de la educación. En la era actual, donde el mundo cambia y se
desarrolla constantemente, es importante capacitar a personas que sean conscientes
de estos cambios, interactúen con otros para mantenerse al día y seguir los desarrollos.
La educación artística es, sin duda, uno de los campos que formaría individuos con
potencial creativo y con habilidades de pensamiento autónomo, multidimensional,
interdisciplinario y crítico, que podrían cuestionar y apoyar el desarrollo de este
potencial.
La educación artística tiene como objetivo desarrollar el pensamiento independiente y
productivo, el espíritu empresarial y las actividades creativas. La observación, la
investigación, el descubrimiento, la implementación, la experimentación, la inspección y la
conclusión, los elementos principales de la educación artística básica, son casi similares a los
métodos de investigación científica y preparan a los niños y jóvenes para las condiciones
científicas y tecnológicas (San, 2000). Así, la educación musical, rama de la educación
artística, es importante para el desarrollo del potencial creativo de los individuos.
En la educación musical se emplean varios métodos y técnicas para mejorar la
creatividad de los estudiantes. Métodos como Dalcroze, Kodály, Orff-Schulwerk
La pedagogía de la música y el movimiento y la teoría del aprendizaje

musical de Gordon se utilizan comúnmente en la educación musical,
especialmente para la adquisición de la comprensión y las habilidades
musicales a través del aprendizaje activo. Estos métodos, que establecen
una base musical, se centran en el desarrollo del potencial creativo, así
como en las habilidades de escuchar, interpretar, leer y escribir música. La
selección del método o del proceso para desarrollar el potencial creativo
del alumno en ambientes educativos está asociada a la preparación de los
alumnos y al enfoque del instructor. Es importante que el docente use su
propia sensibilidad interna para dirigir al alumno a escucharse a sí mismo
y descubrir su propia música internamente, sin desviarse del papel de
guía, y para crear un ambiente sin prejuicios y generar confianza con el
alumno. Por lo tanto,
Además del empleo de estos métodos directamente en el sistema general de
educación musical, también se deben considerar cuidadosamente sus filosofías y el proceso
de guiar a los estudiantes hacia la creatividad. Además, la aplicabilidad de estos métodos en
términos de materiales, entorno físico e instalaciones, los niveles de preparación de los
estudiantes, la suficiencia de la duración de las lecciones de música, la competencia de los
docentes y varios otros aspectos a veces pueden generar interrogantes entre los docentes.
Por lo tanto, también es importante formar profesores de música con potencial creativo, que
puedan emplear y adaptar estos métodos en función de las condiciones actuales para
desarrollar el potencial musical y creativo de los estudiantes. Los docentes que puedan
adoptar estos métodos deben estar específicamente capacitados en cursos que apunten a
desarrollar el potencial creativo e incluyan métodos y enfoques de educación musical
contemporánea que apoyen la creatividad. Además, los programas de formación de
profesores de música de pregrado deben formar a profesores en formación que estén
equipados con métodos y enfoques de educación musical contemporáneos que apoyen la
creatividad y que puedan mejorar su potencial creativo.
Se deben desarrollar escenarios, cursos, estudios y proyectos que apoyen la
creatividad de los estudiantes de la educación formal con un enfoque interdisciplinario, y se
debe capacitar a los estudiantes para que adquieran una perspectiva creativa. Así, los
estudiantes podrían reforzar sus experiencias con habilidades creativas en diferentes
campos y situaciones, lo que a su vez contribuiría a la creatividad de la sociedad en
diferentes campos y afectaría positivamente el desarrollo social.
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LA EDUCACIÓN MUSICAL GENERAL DESDE

palabras, creativos (Kampylis & Berki, 2014).

Por lo tanto, la educación artística y musical es significativa en los sistemas educativos

basados en la creatividad. La música tiene importantes efectos sociales, culturales, económicos y

educativos en el desarrollo individual (Uçan, 2005). La educación musical desarrolla la

autoexpresión y la creatividad, el movimiento y las habilidades rítmicas, las emociones estéticas, el

conocimiento cultural, las habilidades lingüísticas, cognitivas y de pensamiento analítico de los

individuos (Bilen, 1995).

que estimula el deseo de sanar y cambiar el presente de manera significativa, responsable,

inteligente y eficaz. Empleando la luz de la creatividad, ponemos distancia entre nosotros y el

propósito y las necesidades personales. La creatividad es una condición de nuestra especie.

Inventamos, cambiamos la acción, desarrollamos nuevos sistemas y creamos nuevos

conocimientos para mejorar las probabilidades de supervivencia. La creatividad humana es una

extensión u otra expresión de nuestro imperativo biológico (Segal, 2001).

La creatividad no es privilegio de unos pocos individuos, sino que es un

3. La creatividad en la Educación Musical General

La educación musical es básicamente el proceso de adquisición, desarrollo o cambio del

se espera un ambiente musical (Uçan, 2005). En la creatividad es necesario un acto integrado

3.1. La importancia de la creatividad en la educación musical general

La educación debe demostrar el impacto de la creatividad y la energía creativa en el

la educación y la creatividad se determinaron con base en los currículos de artes. Se

Aunque las metas de autoexpresión y desarrollo de la creatividad, que se encontraban entre

3. 2. La importancia de la creatividad en los planes de estudio generales de música

La educación tradicional generalmente prioriza el pensamiento convergente, lo que

En los ambientes educativos que instruyen el comportamiento musical, la creatividad y el

determinación de métodos de instrucción, libros de texto y ambientes de aprendizaje.

Los cursos de música deben incluir procesos que desarrollen la creatividad

curso también se clasifican en función de estas áreas de aprendizaje.

El área de aprendizaje de escuchar-cantar incluye adquisiciones en escuchar música y

● Escuchar música, identificar los recursos sonoros (instrumentos, etc.)

● Interpretación de obras musicales.

La percepción y el conocimiento musical incluye la adquisición de los elementos

● La adquisición intuitiva de elementos musicales basados en las rimas, rimas de

dinámica, actividades de tono

● Enseñado de notación musical básica, símbolos relacionados, etc.

● Instrucción teórica y práctica de conocimientos sobre lectura y escritura

parte del alumno y los siguientes objetivos principales:

● Transformación de las melodías en movimiento

La cultura musical comprende adquisiciones de conductas musicales asociadas al área afectiva, y

tiene como objetivos principales los siguientes:

● Respeto al himno nacional y actividades musicales sobre Mustafa Kemal

Grado Escuchando- percepción musical Musical Música Total

conocimiento, emplear el conocimiento en la vida diaria, resolver problemas, pensar

3.3. La creatividad en los enfoques de la educación musical contemporánea

Los métodos de instrucción musical juegan un papel clave en la adquisición efectiva de

Dalcroze, Kodály, Pedagogía de la música y el movimiento de Orff-Schulwerk y Teoría del

aprendizaje musical de Gordon.

El enfoque de Dalcroze fue desarrollado por Emile Jacques Dalcroze. La escucha

y la práctica del ritmo y la dinámica en ritmo con movimiento, el solfeo incluye la

En las aulas donde se adopta el enfoque de Dalcroze, los estudiantes improvisan

● Todo individuo alfabetizado podría alfabetizarse en música.

lo tanto, las canciones populares deben emplearse como un instrumento de educación

2001). Además, las prácticas de habilidades de audición interna desarrollan y apoyan la

comprensión musical, el sentimiento, el análisis y la memoria basados en intervalos, tonalidades,

La habilidad de improvisación es una habilidad natural para los niños; sin

Se informó que el método musical Kodály podría emplearse de manera efectiva

la educación no es únicamente formación musical sino también formación de personas (American

Orff-Schulwerk Center, 2007).

Orff-Schulwerk es una forma de instrucción y aprendizaje musical y se basa

Las improvisaciones no se limitan a las improvisaciones instrumentales en el Orff-

el aprendizaje debe lograrse con contenidos predeterminados o improvisados

In Gordon Musical Learning Theory, breathing, movement, listening,