CREACIÓN

DE
PERSONAJES
 expresion corporal y
movimiento estudio cuadrimensional
“Ustedes están aquí para estudiar, para observar, no para copiar.
Los artistas tienen que aprender a pensar y a sentir por si mismos
y descubrir nuevas formas.
No deben nunca contentarse con lo que haya hecho otro...”
C. Stanislavski.
Hacia una caracterización física.

La caracterización externa de un personaje debería surgir después de la correcta y completa

caracterización  interna del mismo, debería ser algo natural y sin complicaciones.
Pero ni stanislavski puede negar que existe una relación clara entre la caracterización interna y
externa del personaje, por lo tanto podríamos decir que también a partir de una caracterización
externa podemos crear parte de la psicología del personaje.
El vestuario del personaje.

Lo primero que me llama la atención en este tema es que en

un principio se tiene miedo de agotar todas las fuentes, de
“ensuciarse las manos”.
Hay que informarse y agotar todas las posibilidades, cuanta
más información tengamos de el mundo en general mas
“real” será lo que hagamos, el papel que interpretemos.
Mas adelante nos habla de la experiencia de un logro
artístico creador y como consigue ese logro a partir del
trabajo  y el esfuerzo diario, porque sin trabajo y esfuerzo no
se consigue nada  porque nadie es las veinticuatro horas del
día creativo ni imaginativo.
 PERSONAJES Y TIPOS

Hay actores que se enseñan a sí mismo. Lo que creen mejor de sí, lo exhiben al público. No se acercan al personaje
sino que hacen que el personaje se acerque a ellos. Otros siguen determinados clichés que han visto o aprendido. 
“… clichés generalizados que, en teoría, representan a unos personajes. Se han tomado de la vida;
existen en realidad, pero no contienen la esencia de un personaje y no están individualizados.”
“…pueden utilizarse las emociones, sensaciones e instintos propios incluso aunque se esté dentro de otro personaje ”
La importancia de la caracterización para el actor viene dada  porque es lo que oculta a este del público,
el actor puede desinhibirse porque no es él el que esta hablando o actuando sino un personaje del que el
actor no se hace responsable . No te están viendo a ti sino a el personaje. Para no ser un actor mentiroso
hay que tener en cuenta las fronteras del personaje, de la obra y de las circunstancias dadas.
 LA CONSECUCIÓN DE
EXPRESIVIDAD CORPORAL.

Lo que necesitamos en teatro es saber usar correctamente nuestro

cuerpo, no buscamos cuerpos atléticos que tienden a estar
desproporcionados, buscamos cuerpos fuertes y ágiles y que estén
en armonía, si bien la armonía no tiene porque ser un tópico de
belleza, la armonía la buscaremos nosotros  como ya he dicho con
el correcto uso de nuestro cuerpo.
Van a trabajar la Educación Física aunque no para conseguir un
cuerpo de forzudo de circo. También trabajarán el Baile (para
enderezar el cuerpo, descubrir el movimiento, la ampliación de
éste, para corregir los defectos de postura, para dejar recta la
columna); No buscamos belleza sino un instrumento de trabajo.
 Plasticidad del movimiento

Lo más importante en la expresión corporal en el escenario  es el “traspaso de energía”, movimientos que se
desencadenan, se suceden. Por ejemplo, si he de mover el brazo antes he de mover el hombro para preparar
el movimiento del antebrazo y después del brazo. Un movimiento en el que traspasamos la energía será un
movimiento fluido. Otra cosa muy importante en el movimiento escénico es el ritmo, puede ser un ritmo
marcado o el ritmo interno que cada uno se marque. La fluidez, marcada por el traspaso de energía, y un
ritmo marcado por una melodía será una danza. El movimiento en el escenario es danzado   pero
olvidaremos los movimientos antinaturales que a veces coge la danza y el baile.
CONTENCIÓN Y CONTROL

Debemos sujetar y controlar nuestro propio cuerpo

en escena, una sucesión de gestos no justificados
arruinaran nuestro trabajo.
Hay muchos actores, sobretodo cómicos, que hacen
un gesto que hace gracia y caen en la repetición de
dicho gesto destrozando así su actuación, este es un
claro ejemplo de descontrol corporal.
Siempre debemos controlar la situación dentro del
escenario, no nos debemos dejar llevar por la
emoción del momento, expresaremos mejor cuanto
más seguro llevemos los sentimientos de un
personaje.
 Dicción y canto
El teatro expresa, dice cosas así pues el teatro de “ palabra”, o
sea en el que se habla, es muy importante que el publico me
entienda y me oiga. Cuando comenzamos un trabajo nos hemos
de preguntar con cada frase que leemos: ¿De cuantas formas
diferentes puedo decir esta frase? Con esto ampliaremos
nuestro campo expresivo oral y tendremos  mas opciones para
elegir. Cada sonido, cada palabra necesita su propio
tratamiento, su propia lógica y su propia “idea”. La unión de
muchas ideas me dará pensamientos que serán el subtexto de
la escena o la obra que interpretemos.
Las palabras son como la música. Cuando hablemos debemos subir y bajar tonos y ritmos, nuestro lenguaje
será más amplio y más atractivo.
Lo que tenemos que tener claro, es que es imprescindible que se nos oiga y entienda perfectamente cuando
actuemos. Cada palabra será amada y mimada por el actor. Serán para nosotros nuestras propias palabras.
La palabra expresiva: acentuación.

Para que en teatro nuestra forma de expresarnos no resulte demasiado pesada y monótona podemos usar
una yuxtaposición de acentos, iremos alternando una palabra marcada y otra no.  Hay palabras que
condicionan a una determinada manera de decirla; así la palabra Maravilloso no se dirá igual que Horrible
porque no es lo mismo un hombre maravilloso que un hombre horrible.

"Es necesario establecer la interrelación, el

grado de énfasis, la calidad de la acentuación...
Hay que crear un plano tonal con la
perspectiva necesaria para dar movimiento y
vida a la frase.”
La perspectiva en la construcción del personaje.

“ Un actor vive, llora, ríe, en el escenario, pero al llorar y reír observa sus propias lagrimas y alegría.”

Tenemos que tener siempre claro hacia donde se dirige nuestro personaje, que es lo que quiere en cualquier
momento. Todo personaje tiene una forma de pensar determinada que lo llevara a hacer una cosa u otra,
es esto lo que tenemos que tener en cuenta. También debemos estar seguros de que es lo que siente
nuestro personaje en cada momento. Por otro lado debemos saber que siente  nuestro personaje siempre.
TEMPO - RITMO

Cada personaje tiene su propio T/R que chocara con los otros
personajes con los que interactúe y embellecerá la obra. Lo ideal
para un actor es que consiga la absoluta interiorización del T/R, a
través del entrenamiento y el trabajo diario.

El lenguaje también tiene su T/R, un ejemplo claro es la poesía, al

menos es el ejemplo mas claro. En poesía los ritmos y tiempos
están muy marcados, son los acentos los que marcan el ritmo de
una poesía. La prosa y la poesía se diferencian básicamente en que
son T/R diferentes. Los ritmos en poesía son mas marcados y
simétricos mientras que en prosa son mas libres.