2do Básico Expresión Artística

Las circunstancias dadas

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La palabra es la acción principal del espectáculo y debe mantenerse
arraigada al personaje. Esto exige la comprensión absoluta de las ideas del texto.

El estudio del actor debe incluir la época en la que fue escrita la obra, su
literatura e iconografía. Todo éste material se entrega una vez que el grupo se
haya familiarizado con sus personajes y el texto para evitar enviciar la fantasía
del actor.

Para generar una atmósfera óptima el director debe tener instintos

pedagógicos que le permitan una sutil corrección que comulgue con la idea del
director.

El estudio se inicia entonces a partir de la disección de la obra en escenas

y las circunstancias dadas en las mismas. Se empieza por conocer la época en la
que vive el personaje y el ambiente en el que se desenvuelve, las relaciones con
los otros personajes y entender que éstos tienen pasado y tendrán un futuro,
develar incógnitas, fantasear y reflexionar.

La forma más idónea de llegar a la esencia de la obra es en la

esquematización de los hechos, sucesos y fábulas, sus consecuencias e
interacciones. Una vez que se conocen, el director propone la comparación entre
las situaciones que se presentan en la obra con ejemplos tomados de la vida
cotidiana. Estos lugares comunes van desde los sucesos principales a los más
particulares. De esta manera, el director refuerza en la mente del actor la lógica
y la continuidad de los sucesos y parte hacia la construcción del personaje
suscitando una serie de preguntas en el actor: ¿qué?, ¿cómo?, ¿dónde?,
¿cuándo?, ¿por qué? y ¿Qué habría hecho usted si le hubiese
ocurrido tal o cual cosa?.

La identificación de sucesos de la obra en una secuencia lógica de

continuidad con situaciones reales (de menor escala generalmente) que haya
vivido el actor sirve para que las acciones del personaje nazcan a partir de las
acciones propias del comediante logrando una representación orgánica. Cada
estímulo debe generar una respuesta. Las preguntas empiezan a surgir del
propio actor ¿Qué hago? ¿Por qué lo hago?. El beneficio que reporta el
estudio de los sucesos en las primeras etapas del ensayo es esclarecer y
determinar cuál es el conflicto dramático, los sucesos más internos, otorgar la
justa valoración de los hechos con el fin de infiltrar la experiencia personal a la
formación de la obra. Las circunstancias dadas es todo lo que pasó antes e
inmediatamente antes de la escena. ¿Por qué está sucediendo esto? ¿Por
qué haces lo que estás haciendo? ¿Cuál es la razón del
comportamiento de tu personaje? ¿Qué precedió a esta escena?

Las circunstancias dadas son una de las bases fundamentales para

improvisar una escena en el trabajo de ensayos, y deben ser muy concretas. El
camino para crear las necesidades para un actor son las circunstancias dadas.
Esto es lo previo. Pero también se puede trabajar en función del futuro. Por
ejemplo, si estoy cansado por algo que debo hacer mañana y no me gusta.

Circunstancias previas

¿Cuáles son las circunstancias dadas que el actor debe

preparar de antemano antes de iniciar la escena? ¿Qué haría en ese
lugar como resultado de esas circunstancias si la escena tal como
está escrita no llega a producirse? Un actor ha estudiado las
circunstancias previas de su personaje y ahora está allí, en su cabeza, de donde
salieron y en donde pretenden quedarse. Mientras las circunstancias previas
permanezcan en la cabeza el actor no podrá trabajar. Por lo tanto es necesario
sacarlas de allí. ¿Qué hacer? Salvando las distancias del género, se podría
decir que lo mismo que haría el cómico que quiere demostrar al público que
tuvo un accidente y muestra un guardabarros que saca en su dormitorio de
debajo de la cama. ¿Cuál es la primera actividad del personaje en la
escena? Al recurrir al texto segundo (las acotaciones), nos vamos a encontrar
con muy diversas clases de autores. Hay muchos autores en los que el texto
segundo se puede dejar de lado, pero cuando se trata de buenos dramaturgos
estas acotaciones están allí por algo, definiendo con precisión lo que quieren
mostrar. No se trata solamente de comprender la situación que se presenta en la
obra, sino de descubrir el cómo cada personaje vive esa situación. ¿Cuál es tu
objetivo en la escena? Si yo no tengo muy en claro lo que el personaje quiere,
ALGO VA A ACTUARSE SOLO cuando improvise una escena, esto es
indefectiblemente así.

Es una falacia que se pueda partir de una investigación "libre", porque lo

que es supuestamente libre puede ser a veces un gran error. Puedo estar
actuando como lo haría el personaje con quien me enfrento, y no mi propio
personajes, simplemente porque quizá yo me parezca más al otro. De esta
manera nunca estaría siendo "libre" en la investigación.

Estudio del subtexto y la acción del personaje. Descubrir un verbo en

infinitivo que defina la acción. La pregunta es: ¿Qué vengo a hacer?, y la
respuesta a este "que vengo a hacer" debe ser lo más sensorial posible. Buscar
un verbo de mucha acción y que nos otorgue algo fuerte a nivel sensorial.
Aunque parezca tonto, es interesante trabajar con un diccionario de la
conjugación. No es lo mismo "reencontrarse" con la mujer de uno, que
"reconquistarla", por dar un ejemplo simple. Clarificar el subtexto.

Memoria emotiva
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La memoria emocional incluye la memoria afectiva, la memoria de los afectos y la
sensorial. La memoria sensorial queda incluida, es el camino por el cual el actor llega a
esa emoción. Hay un recuerdo con el que trabaja, personal, viejo, emocional, y este
recuerdo va accediendo a través del trabajo de todos los elementos sensoriales que lo
rodeaban.

No me diga me gusta, no me gusta, no me diga terciopelo, dígame algo suave, algo

frio, (donde, en que parte del cuerpo) no me diga tengo miedo, ninguna
generalización.

La palabra, de manera de capturar lo sensorial y que esta se ligue a la emoción. De lo

que se trata en el actor es de vivir una experiencia, no solo de imitarla, no simular
vivir, no sugerir, no indicarla sino vivirla. 

Y la habilidad del actor es la de crear el objeto que provocó el temor, que siempre es
un objeto "imaginario" que no esta aquí. Por eso se apunta a crear objetos imaginarios,
en la vida toda reacción es real y respondemos con todos los sentidos, aun cuando no
haya una reacción aparente puedo demostrar lo que me pasa, puedo quedarme
impávido y la reacción no notarse, eso no es valido para el teatro porque en el teatro la
reacción tiene que ser evidente.

Si magico

FE ESCÉNICA.
E. VAKHTANGOV.
 La habilidad del actor o actriz para mostrar hacia las circunstancias sugeridas en una obra
una actitud tan seria como si existiera realmente, es llamada por Stanislavski FE
ESCÉNICA.
La fe escénica predica la veracidad de la pasión, realizada no sólo por el dramaturgo a
través de la verosimilitud de las situaciones y la verdad del diálogo, sino establecida
también por el actor o actriz por medio de la credibilidad de su comportamiento en escena.
El actor o actriz deben tomar como verdad cualquier cosa que pueda crear en su propia
fantasía.
Así, en los mismo cimientos del teatro, reside la fe escénica del actor o actriz y sus
habilidades para transformar una ficción teatral en una verdad nueva para ellos y para el
público.
Mientras más haya de esta ficción en escena, más amplia y rica serán las potencialidades
creativas del actor o actriz.

Nivel de actuación el personaje

Niveles en el escenario
 Arriba: el actor se encuentra de pie y su espalda está posición recta.
 Medio: el intérprete asume una posición de cuclillas (piernas flexionadas) o
próxima a ella.
 Abajo: el cuerpo del ejecutante de la acción reposa completamente sobre el
escenario o adquiere una posición cercana.

En el género dramático, el autor lleva el desarrollo de la acción a la escena: los hechos no

se relatan, sino que se representan. Su forma expresiva es el diálogo y los personajes
adquieren vida gracias a unos actores que lo escenifican. Suele llamarse drama a aquella
obra que incluye temáticas, pasajes o elementos serios o graves, especialmente cuando
tiene un "final trágico", pero el término hace referencia también a las obras cómicas (al
menos en la cultura occidental, donde se considera que nació del término drama). Como
género incluye, pues, tanto a la tragedia como a la comedia.

Formas Mayores

Qué es Tragedia:
La tragedia es un género dramático caracterizado por la representación de
temas graves y elevados que conducen a su protagonista a un desenlace
fatídico.
Asimismo, como tragedia también podemos referirnos a una obra
dramática donde predominan rasgos de la tragedia griega clásica. 

Comedia
La comedia se caracteriza por el uso del humor para transformar, exagerar
y ridiculizar el drama para situaciones cómicas y generalmente tienen un
desenlace feliz.
El género de la comedia suele usar las equivocaciones y malentendidos
para transformarlos en disparates, estas situaciones son conocidas
como quid pro quo.

Qué es Drama:
El drama es un género literario caracterizado por la representación de
acciones y situaciones humanas conflictivas, que ha sido concebido para
su escenificación, bien sea teatral, bien televisiva o cinematográfica. En este
sentido, drama también puede hacer referencia a la obra dramática en sí.

Formas Menores
COMEDIA MUSICAL

COREOGRAFÍA - CANTO - INTERPRETACIÓN

PUESTA EN ESCENA

La Comedia Musical, mejor conocida como “Musical” o “Teatro Musical”, es un

género típico de la cultura anglosajona. Se trata de una forma de teatro que
combina la música, canciones, diálogos y baile para contar una historia.

Entremés
Un entremés es una pieza u obra teatral cómica en un acto, escrita en verso o
prosa, que se solía representar entre la primera y la segunda jornada de las
comedias del teatro clásico español, y que fue creada por el autor Lope de
Rueda.
Monólogo es un discurso que genera una sola persona, dirigido tanto hacia un solo receptor
como hacia varios receptores (lectores, auditorio, a una cosa, a un personaje o a un narrador).
El monólogo es un recurso utilizado en todos los géneros literarios que puede encontrarse
tanto en poesía, cuento, periodismo, revistas, guiones, discusión, teatro, como en novelas.

¿Qué hace un actor o actriz de teatro?

El actor o actriz de teatro es el profesional cuya tarea es la de entretener a

un público actuando, cantando o bailando. Interpretan a personajes en una
obra bajo la dirección de un equipo creativo para dar vida a un texto teatral.

La profesión del actor es muy antigua: se sabe que en el siglo VI a. C. el

dramaturgo griego Tespis fue el primer actor de la historia en interpretar a un
personaje sobre un escenario.

El director de escena (también, director de teatro) es la persona responsable, en el

ámbito de las artes escénicas (principalmente, el teatro y la ópera),1 de supervisar y dirigir
la escenificación de una obra, unificando criterios y conductas de variados esfuerzos y
aspectos de la producción, como los decorados, los vestuarios, los efectos especiales,
la iluminación, los movimientos de los actores y en ocasiones incluso las coreografías,
cuando estas no tienen ya un coreógrafo que se ocupe de ellas.2
La función del director es asegurar la calidad y realización del producto teatral. El director
trabaja con intérpretes que pueden ser actores, cantantes o bailarines y con el resto del
equipo artístico, coordinando investigación, tramoya, diseñador de
vestuario, utilería, diseño de iluminación, actuación, escenógrafo, regidor, diseño del
sonido para la producción. El director puede también trabajar con el dramaturgo mientras
se avanza. En el teatro contemporáneo, el director suele ser el visionario, tomando
decisiones de los conceptos artísticos e interpretativos del texto

Productor
El/La productor/a se ocupa de la gestión económica y la organización de un teatro,
de una compañía o de un espectáculo teatral. Tiene una visión global y externa a la
creación y, por lo tanto, puede guiar los/las diferentes profesionales que participan por
tal de que tenga unos resultados óptimos.
Dramaturgo
Se conoce como dramaturgia al arte de componer y representar una historia sobre el
escenario. A su vez, un dramaturgo es aquel que escribe las obras con el fin de ser
representadas en un teatro o también se encarga de adaptar historias a este formato.
¿Qué es un cuentacuentos?
Tal como dice su nombre, el cuentacuentos es una persona que narra a otros
con el objetivo de divertir, recrear, rescatar y difundir historias que nos hablan
sobre nuestras vidas y nuestras raíces. Ellos transmiten nuestra cultura y
promueven el amor por los relatos y la lectura.

Existen tantos tipos de cuentacuentos como formas de contar una historia: algunos
se apoyan en libros previamente escritos y otros recogen relatos de la tradición
oral; hay quienes usan elementos para dar énfasis al relato (como escenografías,
disfraces, instrumentos u objetos), y muchos solo hacen uso de la voz y el cuerpo
para transportar a su público al mundo de la imaginación.