El Lenguaje de la Pintura.

Materiales y técnicas.
La pintura se compone de dos materiales básicos: unos pigmentos de color y un material de soporte. Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo. El papel es apto para el guache, la acuarela y el dibujo. Las técnicas se diferencian por el tipo de aglutinante de la pintura, la forma de fijarla al soporte y las cualidades plásticas del propio soporte. Las más utilizadas en el mundo occidental han sido pintura al fresco, pintura al temple (tremp) y al óleo. Otras tradicionales como la encáustica, la acuarela y el guache. Desde la segunda mitad del siglo XIX, se han introducido pinturas industriales fabricadas con compuestos químicos (pintura acrílica), y se han usado diversos materiales mezclados con pintura (tierra, ceniza…). También se considera pictórico el collage. Actualmente hay pocos pintores que elaboren sus propios colores, como se hacía antaño y cuyo resultado cromático caracterizaba a cada pintor.

Pintura al fresco.
Se utiliza esta técnica para decorar los muros. El muro se prepara con un revoco que contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal cuando el revoco está todavía húmedo, lo que facilita su integración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico que es muy resistente a los agentes exteriores, por lo que la hace apta para decoraciones al aire libre. Por otra parte, el agua de cal tiende a blanquear los colores, por lo que los resultados son muy luminosos. Esta técnica de pintura exige rapidez en la ejecución (mientras el revoco está húmedo), por lo que hay que acometer la obra por tareas. Frecuentemente se realiza un diseño previo en cartones (sinopia - sinòpia), que luego se trasladarán a la pared. A veces, para evitar problemas de corregir errores, se recurre a la técnica del mezzofresco, que aplica la pintura a la pared cuando está casi seca y se remata la labor con colores diluidos con agua de cal.

Pintura al temple (tremp).
Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza huevo como aglutinante, que puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar cuidadosamente las figuras.

La encáustica.
Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

Su secado es muy lento. transparente y diluida.La pintura al óleo. donde al fundirse. . Una vez fraguada se desencolan los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final. seca rápidamente lo que obliga a una técnica rápida. cuando los aceites no son de buena calidad. se pintan las sombras o algún otro color con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. Antes de empezar a pintar. El artista dispone un número abundante de piezas de diverso color y tamaño. Posteriormente se encola el trabajo con papel para poder situarlo encima de un muro con una capa de argamasa. Su capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo. En el s. suelta. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. Ambas técnicas utilizan como aglutinantes substancias especiales solubles al agua y a la goma arábiga. vidrio o metal). que traslada siguiendo un dibujo previo hecho en papel. aunque estas técnicas ya habían sido utilizadas por Durero. La pintura acrílica. La vidriera. El mosaico. que sirven para fijar el color al soporte. obteniendo el blanco y la luz por transparencia del blanco del papel. Éste es un emulgente (une agua con aceite). disuelta con agua. El guache utiliza un color más pastoso y las luces y los tonos claros se logran con el empleo del color blanco. Mientras se trabaja los colores tienden a fundirse. Su uso fue substituyendo a la pintura al temple a partir del siglo XV. el color se integra en el vidrio. El aglutinante es un aceite de origen vegetal (de linaza o llinosa. Los mismos colores mezclados con idéntico aglutinante (goma arábiga = resina de acacia) se pueden utilizar tanto transparentes como opacos. Una vez cortados los vidrios coloreados. El color lo proporcionan directamente las teselas (piezas pequeñas de piedra. La tonalidad típica es ligera. No utiliza pigmentos. Se trabaja del mismo modo que el mosaico: sobre un plano horizontal y un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. Hasta el siglo XVIII no es posible hablar propiamente de acuarela y guache. por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. o de nuez). permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea preciso. La pintura. XVI su uso se generaliza sobre lienzos fijados en un bastidor de madera. la tela ha sido preparada por una capa de imprimación. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento. La Acuarela y el Guache (Gouache). El mosaico de vidrio se lleva al hormo. En la acuarela se tiene una ligera capa de color.

a lápiz o al carboncillo. violeta y verde) Por otra parte el color secundario es el complementario del color primario que no entra en la composición (violeta y amarillo. mientras que el color es el elemento sensorial. La mezcla de dos de estos colores primarios. permite obtener los secundarios (naranja. algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color. La línea es normativa. los no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente.htm?text=orange Por otra parte. • COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul. Elementos formales del lenguaje pictórico. Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final. las acota y nos permite reconocer la apariencia de las cosas. En la pintura académica la línea era el paso previo al color. el pintor dibujaba las formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. Sin embargo. rojo y azul). El rojo es excitante. La línea es elemento que comporta un orden intelectual.com/cromoterapia. la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. La línea se identifica con el dibujo. el azul. A diferencia de la arquitectura. Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. mientras que el uso del color prima la libertad del artista. a los colores se les ha atribuido un valor simbólico. el proceso de creación suele ser resultado de un lento proceso preparatorio. Por esta razón. una parte fundamental del contenido. donde la concepción de la obra y su realización son dos procesos separados. Suelen realizarse sobre papel. La forma hace distintos a los cuadros que comparten un mismo tema.naturamedic. donde ambos tienen la misma intensidad. Los colores se clasifican en: • COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo. Línea y el color. Esta autonomía del color está influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron elaborar una teoría de los colores. sedante http://www. como probaturas de ideas. Existen tres colores fundamentales o primarios (amarillo. A partir del siglo XIX. violeta y verde. Frecuentemente se distingue en el análisis de una obra la forma del contenido sin tener en cuenta que la forma es.El proceso de creación. anaranjado y rojo. por ejemplo). . Se utiliza el término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta. incluso independientemente de su ajuste a la realidad. en sí misma. El boceto (esbós). También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de la operación artística. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original. con el trazo que delimita las formas.

com/2005/03/18/sobre_el_color/ El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores. o el empleo de fotografías y diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura hiperrealista). Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico. El elemento esencial de la composición es la distribución de los elementos en el espacio. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. Fue ampliamente seguida en el Barroco. la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras: Perspectiva jerárquica. El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de colores de diferente intensidad lumínica. La cualidad de un color se ve modificada por los colores que lo rodean.com/funda/color11. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. El tamaño de los personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y la pérdida de nitidez de los contornos. mientras que el negro es la ausencia de luz. Empleada por la pintura grecorromana y posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. aunque no lo sean en sentido estricto.http://www. Consiste en utilizar diversos sistemas perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está pintada. El tamaño de los objetos es proporcional a su proximidad. Se basa en la confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga. La composición es la forma en que un pintor organiza de manera lógica todos los elementos plásticos para que cumplan su función en el cuadro. que se sitúa detrás del cuadro. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados. Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de la composición. La composición. Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. Responde a una formulación científica de base matemática. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía. Perspectiva aérea. no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos. A lo largo de la historia. Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la perspectiva lineal. Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil. Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco. Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente. se le da el nombre de sfumato. Perspectiva naturalis o perspectiva curva.htm http://www. el uso simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo).freakevolution. . Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta.newsartesvisuales. Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único). Empleada en la pintura religiosa medieval.

La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro (composición centrípeta). circunferencia. proporción. sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos aspectos formales con el tema. neoclásico…). que tienden a abrir el espacio del cuadro. el primer iconólogo. mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o líneas sinuosas. son los colores. Busca el significado oculto. . Composiciones unitarias o no unitarias. Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. una serie de formas reconocibles. Elementos significativos del lenguaje pictórico. de contraste. objetos y colores con una lógica interna. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria. La iconología. Trata de reconocer lo representado. más o menos detallada. cuadrado…). no explícito. A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración. `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede resumir en cuatro niveles semánticos. En la pintura abstracta. donde las formas no tienen un referente real. En su lugar. La iconografía. La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra. donde predomina el dibujo. Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa. Niveles semánticos. la composición también ordena las figuras. romanticismo). En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra. Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento. o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo). trazos. Erwin Panoksky. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales o verticales. o figuras geométricas las que caracterizan la composición. siguiendo figuras geométricas simples (triángulo. de acuerdo con los criterios de simetría. En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la pintura. y tienen una intención de significado evidente. En relación a este espacio podemos definir distintos tipos de composición: Composiciones cerradas o abiertas. por el contrario en las composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco.Al margen de lo representado.

Aparece en el siglo XVII. En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro. la pincelada. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina. También se incluyen los bodegones (natura morta) y los paisajes. Es probablemente el género más antiguo. • PINTURA RELIGIOSA. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más compleja. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. EL RETRATO. su temática es algo presente desde el Renacimiento. La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado iconográfico. la ordenación de las formas… adquieren siempre un carácter significativo.Nivel semántico primario o natural. históricos. • • • . el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas. el retrato familiar. el retrato psicológico… PINTURA DE GÉNERO. ya ininterrumpidamente. de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico. • Nivel del significado intrínseco. como desde el punto de vista de la personalidad del autor. sociales…) Este nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico. aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia. desaparece durante la Alta Edad Media. Los objetos representados se identifican con los objetos reales. la textura. tanto desde el punto de vista de significado escondido o simbólico de algunos objetos o figuras. • Nivel sintagmático. bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano (generalmente femenino). para volverse a cultivar. Los géneros pictóricos. El enorme poder económico. político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella. cuando la burguesía comienza a encargar cuadros y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. • Nivel secundario o convencional. PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos. con el florecimiento de las ciudades góticas. el autorretrato. Trata de explorar los significados derivados de la forma En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura.

Modificaciones. 4.2. 1. Análisis de significado.1. Género.3. Elementos que permiten identificar la obra con un estilo. tipología y localización. Estado actual del edificio. que pretendía denunciar situaciones de injusticia. 3. En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica.4. 1. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se establece entre las pinturas y el lugar que ocupan. Perspectiva. CICLOS PICTÓRICOS.5. 4. Elementos iconográficos representados. Datos Generales de la obra. 2. Influencias o relaciones formales con otras obras. 1. 3. 2.2. 2. Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática).• • PINTURA TESTIMONIAL. Composición.2. . restauración… 2. 3.2. Pautas para el análisis de una obra pictórica. Tipología compositiva. Influencia de otras obras. el modelado de las figuras.1. los ropajes… 2. Análisis formal. 1. La línea y el color. Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha concebido. Movimiento.1. Valoración y conclusión. La luz. Nombre.3.1. como la pintura realista. Identificación. que servía para propaganda del régimen.3. Importancia de la obra como referente a obras posteriores.1.2.3. 1. 2.2.2.2. 3. 2. Breve reseña del autor 1. ampliaciones. Material y técnica empleada. época o autor. Suponen programas iconográficos que pueden ser bastante complejos. 4.

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