El Lenguaje de la Pintura.

Materiales y técnicas.
La pintura se compone de dos materiales básicos: unos pigmentos de color y un material de soporte. Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo. El papel es apto para el guache, la acuarela y el dibujo. Las técnicas se diferencian por el tipo de aglutinante de la pintura, la forma de fijarla al soporte y las cualidades plásticas del propio soporte. Las más utilizadas en el mundo occidental han sido pintura al fresco, pintura al temple (tremp) y al óleo. Otras tradicionales como la encáustica, la acuarela y el guache. Desde la segunda mitad del siglo XIX, se han introducido pinturas industriales fabricadas con compuestos químicos (pintura acrílica), y se han usado diversos materiales mezclados con pintura (tierra, ceniza…). También se considera pictórico el collage. Actualmente hay pocos pintores que elaboren sus propios colores, como se hacía antaño y cuyo resultado cromático caracterizaba a cada pintor.

Pintura al fresco.
Se utiliza esta técnica para decorar los muros. El muro se prepara con un revoco que contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal cuando el revoco está todavía húmedo, lo que facilita su integración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico que es muy resistente a los agentes exteriores, por lo que la hace apta para decoraciones al aire libre. Por otra parte, el agua de cal tiende a blanquear los colores, por lo que los resultados son muy luminosos. Esta técnica de pintura exige rapidez en la ejecución (mientras el revoco está húmedo), por lo que hay que acometer la obra por tareas. Frecuentemente se realiza un diseño previo en cartones (sinopia - sinòpia), que luego se trasladarán a la pared. A veces, para evitar problemas de corregir errores, se recurre a la técnica del mezzofresco, que aplica la pintura a la pared cuando está casi seca y se remata la labor con colores diluidos con agua de cal.

Pintura al temple (tremp).
Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza huevo como aglutinante, que puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar cuidadosamente las figuras.

La encáustica.
Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

cuando los aceites no son de buena calidad. Los mismos colores mezclados con idéntico aglutinante (goma arábiga = resina de acacia) se pueden utilizar tanto transparentes como opacos. obteniendo el blanco y la luz por transparencia del blanco del papel. suelta. La pintura. Posteriormente se encola el trabajo con papel para poder situarlo encima de un muro con una capa de argamasa. Mientras se trabaja los colores tienden a fundirse. En la acuarela se tiene una ligera capa de color. La pintura acrílica. El mosaico. disuelta con agua. la tela ha sido preparada por una capa de imprimación. Hasta el siglo XVIII no es posible hablar propiamente de acuarela y guache.La pintura al óleo. El mosaico de vidrio se lleva al hormo. Una vez fraguada se desencolan los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final. o de nuez). donde al fundirse. que traslada siguiendo un dibujo previo hecho en papel. Éste es un emulgente (une agua con aceite). Su capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo. el color se integra en el vidrio. . El artista dispone un número abundante de piezas de diverso color y tamaño. que sirven para fijar el color al soporte. La Acuarela y el Guache (Gouache). Se trabaja del mismo modo que el mosaico: sobre un plano horizontal y un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. vidrio o metal). El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento. XVI su uso se generaliza sobre lienzos fijados en un bastidor de madera. Una vez cortados los vidrios coloreados. se pintan las sombras o algún otro color con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. Su secado es muy lento. Ambas técnicas utilizan como aglutinantes substancias especiales solubles al agua y a la goma arábiga. seca rápidamente lo que obliga a una técnica rápida. No utiliza pigmentos. permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea preciso. La tonalidad típica es ligera. aunque estas técnicas ya habían sido utilizadas por Durero. En el s. El color lo proporcionan directamente las teselas (piezas pequeñas de piedra. Antes de empezar a pintar. Su uso fue substituyendo a la pintura al temple a partir del siglo XV. La vidriera. transparente y diluida. El guache utiliza un color más pastoso y las luces y los tonos claros se logran con el empleo del color blanco. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. El aglutinante es un aceite de origen vegetal (de linaza o llinosa.

Por esta razón. Línea y el color. • COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul. El boceto (esbós). Esta autonomía del color está influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron elaborar una teoría de los colores. Suelen realizarse sobre papel. los no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente. la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. violeta y verde. Existen tres colores fundamentales o primarios (amarillo. a los colores se les ha atribuido un valor simbólico. La mezcla de dos de estos colores primarios.htm?text=orange Por otra parte. Sin embargo.com/cromoterapia. rojo y azul). donde la concepción de la obra y su realización son dos procesos separados.El proceso de creación. el azul. en sí misma. incluso independientemente de su ajuste a la realidad. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de la operación artística. El rojo es excitante. En la pintura académica la línea era el paso previo al color. el proceso de creación suele ser resultado de un lento proceso preparatorio. Elementos formales del lenguaje pictórico. A diferencia de la arquitectura. permite obtener los secundarios (naranja. Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final. donde ambos tienen la misma intensidad. Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. La línea se identifica con el dibujo. Frecuentemente se distingue en el análisis de una obra la forma del contenido sin tener en cuenta que la forma es. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original. Se utiliza el término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta. el pintor dibujaba las formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color. A partir del siglo XIX. algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color. con el trazo que delimita las formas. La línea es elemento que comporta un orden intelectual. Los colores se clasifican en: • COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo. También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica. La línea es normativa. como probaturas de ideas. mientras que el uso del color prima la libertad del artista. por ejemplo). a lápiz o al carboncillo. La forma hace distintos a los cuadros que comparten un mismo tema. anaranjado y rojo. violeta y verde) Por otra parte el color secundario es el complementario del color primario que no entra en la composición (violeta y amarillo. las acota y nos permite reconocer la apariencia de las cosas. mientras que el color es el elemento sensorial. . sedante http://www. una parte fundamental del contenido.naturamedic.

Fue ampliamente seguida en el Barroco. Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía. El elemento esencial de la composición es la distribución de los elementos en el espacio. El tamaño de los objetos es proporcional a su proximidad. La composición. que se sitúa detrás del cuadro. A lo largo de la historia. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. o el empleo de fotografías y diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura hiperrealista).com/2005/03/18/sobre_el_color/ El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores.com/funda/color11. Perspectiva naturalis o perspectiva curva. Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de la composición. no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos.freakevolution. Se basa en la confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. Responde a una formulación científica de base matemática. Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta. Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico. El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de colores de diferente intensidad lumínica. aunque no lo sean en sentido estricto. Empleada por la pintura grecorromana y posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. . Perspectiva artificialis o perspectiva lineal.htm http://www. Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente.newsartesvisuales. Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco. Consiste en utilizar diversos sistemas perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está pintada. la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras: Perspectiva jerárquica. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y la pérdida de nitidez de los contornos. el uso simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo). Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la perspectiva lineal. Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único). La composición es la forma en que un pintor organiza de manera lógica todos los elementos plásticos para que cumplan su función en el cuadro. se le da el nombre de sfumato. mientras que el negro es la ausencia de luz. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados. El tamaño de los personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica. Perspectiva aérea. Empleada en la pintura religiosa medieval.http://www. La cualidad de un color se ve modificada por los colores que lo rodean.

En relación a este espacio podemos definir distintos tipos de composición: Composiciones cerradas o abiertas. son los colores. Elementos significativos del lenguaje pictórico. romanticismo). sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos aspectos formales con el tema. Composiciones unitarias o no unitarias. trazos. mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o líneas sinuosas. más o menos detallada.Al margen de lo representado. de contraste. Erwin Panoksky. Niveles semánticos. no explícito. Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento. Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración. . o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo). una serie de formas reconocibles. En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la pintura. Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa. En su lugar. donde predomina el dibujo. el primer iconólogo. por el contrario en las composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco. que tienden a abrir el espacio del cuadro. Busca el significado oculto. La iconología. Trata de reconocer lo representado. y tienen una intención de significado evidente. de acuerdo con los criterios de simetría. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales o verticales. neoclásico…). o figuras geométricas las que caracterizan la composición. La iconografía. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria. la composición también ordena las figuras. siguiendo figuras geométricas simples (triángulo. En la pintura abstracta. proporción. En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra. `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede resumir en cuatro niveles semánticos. objetos y colores con una lógica interna. donde las formas no tienen un referente real. circunferencia. La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra. cuadrado…). La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro (composición centrípeta).

Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos. el autorretrato. bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano (generalmente femenino). desaparece durante la Alta Edad Media. como desde el punto de vista de la personalidad del autor. • Nivel sintagmático. el retrato psicológico… PINTURA DE GÉNERO.Nivel semántico primario o natural. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más compleja. su temática es algo presente desde el Renacimiento. PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia. EL RETRATO. cuando la burguesía comienza a encargar cuadros y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos. político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX. la textura. la ordenación de las formas… adquieren siempre un carácter significativo. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina. el retrato familiar. Trata de explorar los significados derivados de la forma En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura. Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos. • • • . • Nivel secundario o convencional. El enorme poder económico. La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado iconográfico. También se incluyen los bodegones (natura morta) y los paisajes. Es probablemente el género más antiguo. históricos. la pincelada. con el florecimiento de las ciudades góticas. para volverse a cultivar. Aparece en el siglo XVII. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella. tanto desde el punto de vista de significado escondido o simbólico de algunos objetos o figuras. el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas. En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías. • Nivel del significado intrínseco. ya ininterrumpidamente. • PINTURA RELIGIOSA. sociales…) Este nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico. Los objetos representados se identifican con los objetos reales. Los géneros pictóricos. de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico.

2. Importancia de la obra como referente a obras posteriores.1. La línea y el color.3. 2. época o autor.1. Influencia de otras obras. Nombre. . tipología y localización. 2. 3. 4.2.3.1.2. CICLOS PICTÓRICOS. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se establece entre las pinturas y el lugar que ocupan. restauración… 2. Género. Análisis formal. En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica. 4. 2. Elementos iconográficos representados.3.2. 1. que pretendía denunciar situaciones de injusticia. La luz. 2.4. Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática). Elementos que permiten identificar la obra con un estilo. Perspectiva. que servía para propaganda del régimen. Movimiento.2. Tipología compositiva. como la pintura realista. Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha concebido. Identificación. 4.1. 1. los ropajes… 2. Estado actual del edificio. Material y técnica empleada. Valoración y conclusión. Suponen programas iconográficos que pueden ser bastante complejos. Pautas para el análisis de una obra pictórica.2. Breve reseña del autor 1. Análisis de significado. el modelado de las figuras.5.1. 3. 3. Modificaciones. Datos Generales de la obra. 1. 1.3. Influencias o relaciones formales con otras obras. 1. 3. 2.2. ampliaciones.2.• • PINTURA TESTIMONIAL. Composición.

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