El Lenguaje de la Pintura.

Materiales y técnicas.
La pintura se compone de dos materiales básicos: unos pigmentos de color y un material de soporte. Los soportes más habituales son paredes, telas, madera y papel. Cualquier superficie sólida que pueda ser pintada. Cada soporte tiene sus propias condiciones, y se adapta mejor a unas técnicas que le son propias. Desde el Renacimiento el soporte más utilizado es la tela, que acostumbra a ser de lienzo, de algodón o de cáñamo. El papel es apto para el guache, la acuarela y el dibujo. Las técnicas se diferencian por el tipo de aglutinante de la pintura, la forma de fijarla al soporte y las cualidades plásticas del propio soporte. Las más utilizadas en el mundo occidental han sido pintura al fresco, pintura al temple (tremp) y al óleo. Otras tradicionales como la encáustica, la acuarela y el guache. Desde la segunda mitad del siglo XIX, se han introducido pinturas industriales fabricadas con compuestos químicos (pintura acrílica), y se han usado diversos materiales mezclados con pintura (tierra, ceniza…). También se considera pictórico el collage. Actualmente hay pocos pintores que elaboren sus propios colores, como se hacía antaño y cuyo resultado cromático caracterizaba a cada pintor.

Pintura al fresco.
Se utiliza esta técnica para decorar los muros. El muro se prepara con un revoco que contiene cal apagada y arena. La pintura se aplica mezclada con agua de cal cuando el revoco está todavía húmedo, lo que facilita su integración en el muro. Al secar se obtiene carbonato cálcico que es muy resistente a los agentes exteriores, por lo que la hace apta para decoraciones al aire libre. Por otra parte, el agua de cal tiende a blanquear los colores, por lo que los resultados son muy luminosos. Esta técnica de pintura exige rapidez en la ejecución (mientras el revoco está húmedo), por lo que hay que acometer la obra por tareas. Frecuentemente se realiza un diseño previo en cartones (sinopia - sinòpia), que luego se trasladarán a la pared. A veces, para evitar problemas de corregir errores, se recurre a la técnica del mezzofresco, que aplica la pintura a la pared cuando está casi seca y se remata la labor con colores diluidos con agua de cal.

Pintura al temple (tremp).
Su uso se remonta a Egipto y fue muy usada sobre tabla durante la Edad Media. Utiliza huevo como aglutinante, que puede estar mezclado con colas (como el látex de la higuera) o con aceite (temple graso). Da unos resultados brillantes. Como es de lento secado, el artista puede modelar cuidadosamente las figuras.

La encáustica.
Es una variante del temple, que aglutina los pigmentos con cera de abeja. El descubrimiento de las pinturas de Pompeya avivó el interés por este procedimiento. A la cera se le añaden resinas para endurecer. La paleta es metálica y se coloca sobre una estufa. Las espátulas y los pinceles metálicos deben estar calientes.

La vidriera. Una vez cortados los vidrios coloreados. seca rápidamente lo que obliga a una técnica rápida. que sirven para fijar el color al soporte. por lo que ambos elementos pueden utilizarse simultáneamente para extender el color. Posteriormente se encola el trabajo con papel para poder situarlo encima de un muro con una capa de argamasa. suelta. permitiendo al pintor retocar cuantas veces sea preciso. XVI su uso se generaliza sobre lienzos fijados en un bastidor de madera. La pintura acrílica. Su capacidad para cubrir un color sobre otro es inferior al temple o al óleo.La pintura al óleo. El guache utiliza un color más pastoso y las luces y los tonos claros se logran con el empleo del color blanco. El aglutinante es un aceite de origen vegetal (de linaza o llinosa. transparente y diluida. Ambas técnicas utilizan como aglutinantes substancias especiales solubles al agua y a la goma arábiga. Se trabaja del mismo modo que el mosaico: sobre un plano horizontal y un dibujo previo en el que se han diseñado los cortes de los vidrios y el sombreado que se ha de dar a las figuras. Su uso fue substituyendo a la pintura al temple a partir del siglo XV. Antes de empezar a pintar. El mayor inconveniente del óleo es su progresivo oscurecimiento. la tela ha sido preparada por una capa de imprimación. Mientras se trabaja los colores tienden a fundirse. vidrio o metal). o de nuez). La pintura. cuando los aceites no son de buena calidad. Una vez fraguada se desencolan los papeles de sujeción y transporte para proceder a la limpieza y acabado final. La Acuarela y el Guache (Gouache). La tonalidad típica es ligera. Hasta el siglo XVIII no es posible hablar propiamente de acuarela y guache. En la acuarela se tiene una ligera capa de color. Los acrílicos modernos utilizan como aglutinante el ácido acroleico. En el s. El mosaico de vidrio se lleva al hormo. que traslada siguiendo un dibujo previo hecho en papel. . Los mismos colores mezclados con idéntico aglutinante (goma arábiga = resina de acacia) se pueden utilizar tanto transparentes como opacos. aunque estas técnicas ya habían sido utilizadas por Durero. Éste es un emulgente (une agua con aceite). disuelta con agua. No utiliza pigmentos. Su secado es muy lento. el color se integra en el vidrio. El mosaico. El color lo proporcionan directamente las teselas (piezas pequeñas de piedra. se pintan las sombras o algún otro color con pigmentos que se fundan a muy alta temperatura. El artista dispone un número abundante de piezas de diverso color y tamaño. donde al fundirse. obteniendo el blanco y la luz por transparencia del blanco del papel.

en sí misma. . las acota y nos permite reconocer la apariencia de las cosas. Sin embargo. Los apuntes son dibujos rápidos con los que el artista comienza a trabajar. A diferencia de la arquitectura. permite obtener los secundarios (naranja. Los colores se clasifican en: • COLORES CÁLIDOS que expanden la luz y tienen la sensación de avanzarse hacia el espectador: amarillo.htm?text=orange Por otra parte. violeta y verde) Por otra parte el color secundario es el complementario del color primario que no entra en la composición (violeta y amarillo. violeta y verde. el pintor dibujaba las formas de lo que deseaba representar y después aplicaba el color.naturamedic. por ejemplo). Frecuentemente se distingue en el análisis de una obra la forma del contenido sin tener en cuenta que la forma es. Esta autonomía del color está influida por los avances científicos del siglo XIX que permitieron elaborar una teoría de los colores. El boceto (esbós). con el trazo que delimita las formas. Existen tres colores fundamentales o primarios (amarillo. una parte fundamental del contenido. los no iniciados en esta materia piensan que la pintura se realiza en momentos de inspiración: plasmándose formas y colores en un proceso semiinconsciente. La línea es normativa. • COLORES FRÍOS que absorben la luz y alejan las formas: azul. a lápiz o al carboncillo. Se utiliza el término esbozado para referirse a la pintura que realiza una técnica rápida y de pincelada suelta. anaranjado y rojo. El rojo es excitante. En la pintura académica la línea era el paso previo al color. También se ha tratado a los colores por su influencia psíquica.com/cromoterapia.El proceso de creación. Es frecuente que el artista al final varíe algunas cosas respecto al boceto original. incluso independientemente de su ajuste a la realidad. como probaturas de ideas. mientras que el color es el elemento sensorial. Un boceto es un dibujo preparatorio en el que se capta en tamaño reducido la ejecución final. el azul. a los colores se les ha atribuido un valor simbólico. el proceso de creación suele ser resultado de un lento proceso preparatorio. Elementos formales del lenguaje pictórico. donde ambos tienen la misma intensidad. La forma hace distintos a los cuadros que comparten un mismo tema. Línea y el color. La línea es elemento que comporta un orden intelectual. mientras que el uso del color prima la libertad del artista. La mezcla de dos de estos colores primarios. sedante http://www. La línea se identifica con el dibujo. A partir del siglo XIX. Por esta razón. rojo y azul). algunos artistas prescinden del dibujo para explorar el color. El dibujo se ha considerado como el momento intelectualmente más elevado de la operación artística. Suelen realizarse sobre papel. la creación de la pintura no acaba hasta la última pincelada. donde la concepción de la obra y su realización son dos procesos separados.

El claroscuro (clarobscur) es la forma de disponer en una pintura contrastes marcados de luz y sombra mediante la yuxtaposición de colores de diferente intensidad lumínica. Desde el siglo XIX se han introducido nuevas formas de representación como la perspectiva plana (yuxtaposición de los diferentes elementos en un plano único). El tamaño de los objetos es proporcional a su proximidad. Son fundamentales para captar los efectos de la luz: el blanco es la luz absoluta. Cuando en esta yuxtaposición los límites de los colores no son claros y aparecen como difuminados. Utilizada por primera vez por Leonardo da Vinci como mejora de la perspectiva lineal. Su descubrimiento se atribuye a Brunelleschi. A lo largo de la historia.com/2005/03/18/sobre_el_color/ El blanco y el negro se utilizan en la pintura como colores. La composición. El tamaño de los personajes o su ubicación en el cuadro está en función de su importancia simbólica. Perspectiva ilusioria o Trompe l’oeil.http://www. Perspectiva naturalis o perspectiva curva. Se basa en la confluencia de todas las líneas de la composición llamado punto de fuga. aunque no lo sean en sentido estricto. mientras que el negro es la ausencia de luz. Fue ampliamente seguida en el Barroco. no en un punto sino en un eje de simetría o en diversos puntos. Los colores son dispuestos por el pintor en función de criterios de tonalidad o de armonía. Se puede considerar la composición como la sintaxis del lenguaje pictórico. Perspectiva aérea. El elemento esencial de la composición es la distribución de los elementos en el espacio.newsartesvisuales. . Las líneas de un cuadro tienden a confluir en el centro de la composición. Perspectiva artificialis o perspectiva lineal. la perspectiva se ha manifestado de diferentes maneras: Perspectiva jerárquica. Responde a una formulación científica de base matemática. Fue muy utilizada por los decoradores de cúpulas del Barroco. La cualidad de un color se ve modificada por los colores que lo rodean. Tiene en cuenta la variación de los colores en relación a la distancia y la pérdida de nitidez de los contornos.com/funda/color11.htm http://www. La composición es la forma en que un pintor organiza de manera lógica todos los elementos plásticos para que cumplan su función en el cuadro. La representación del espacio imaginario se realiza a través de la perspectiva. Consiste en utilizar diversos sistemas perspectivos combinados y todo tipo de recursos para simular como real lo que está pintada.freakevolution. Empleada en la pintura religiosa medieval. Empleada por la pintura grecorromana y posteriormente por la pintura flamenca del siglo XV. se le da el nombre de sfumato. o el empleo de fotografías y diapositivas para conseguir efectos de un realismo espectacular (pintura hiperrealista). Cuando se analiza el color de un cuadro ha de tenerse en cuenta que los colores no se perciben aisladamente. el uso simultáneo de diferentes puntos de vista (cubismo). que se sitúa detrás del cuadro.

donde predomina el dibujo. cuadrado…). que tienden a abrir el espacio del cuadro. sería preferible intentar comprender el sentido que el artista quería dar a su obra o relacionar estos aspectos formales con el tema. Elementos significativos del lenguaje pictórico. En relación a este espacio podemos definir distintos tipos de composición: Composiciones cerradas o abiertas. de acuerdo con los criterios de simetría. una serie de formas reconocibles. . la composición también ordena las figuras. La composición centrífuga o abierta se organiza a partir de un elemento lateral o exterior a la obra. siguiendo figuras geométricas simples (triángulo. donde las formas no tienen un referente real. En una composición unitaria todos los elementos interaccionan y se vuelven necesarios para la estructura general de la obra. En su lugar. de contraste. Las composiciones cerradas y estáticas son características de estilos rigurosos (renacimiento. circunferencia. Cuando interesa más la individualización de los diferentes elementos (como sucede en los bodegones) se trata de una composición no unitaria. La sensación de quietud o de reposo se acentúa cuando la pintura se organiza en líneas rectas horizontales o verticales. romanticismo). o figuras geométricas las que caracterizan la composición. trazos. A veces se confunde la explicación del significado de la obra a la enumeración. La iconografía. Busca el significado oculto. Niveles semánticos. el primer iconólogo. Composiciones unitarias o no unitarias. La composición cerrada se organiza en torno de un eje central hacia el que parecen dirigirse todos los elementos del cuadro (composición centrípeta). mientras que la sensación de movimiento se logra con composiciones en diagonal o líneas sinuosas.Al margen de lo representado. son los colores. Estas consideraciones sobre la composición se aplican con claridad en la pintura figurativa. proporción. Composiciones estáticas o composiciones dinámicas. La iconología. objetos y colores con una lógica interna. por el contrario en las composiciones abiertas y dinámicas tiende a predominar el color (barroco. o en base a formas geométricas cerradas (el triángulo y el círculo). En la pintura abstracta. neoclásico…). y tienen una intención de significado evidente. En la Historia del Arte hay dos disciplinas complementarias para desvelar los significados de la pintura. más o menos detallada. Trata de reconocer lo representado. Erwin Panoksky. `propuso un método de análisis para comprender el significado de la pintura que en síntesis se puede resumir en cuatro niveles semánticos. no explícito.

Aparece en el siglo XVII. El enorme poder económico. EL RETRATO. tanto desde el punto de vista de significado escondido o simbólico de algunos objetos o figuras. aunque la pintura paisajística puede considerarse como un género con entidad propia. cuando la burguesía comienza a encargar cuadros y quiere que éstos reflejen sus valores y su forma de vida. de los convencionalismos de la época…Este nivel se corresponde con el análisis iconológico. político y cultural de la Iglesia Católica explica la primacía casi absoluta de este género desde el final de la Antigüedad clásica hasta el siglo XIX. Los géneros pictóricos. la textura. para volverse a cultivar. • • • . bien por la libertad con que se perdona el desnudo humano (generalmente femenino). sociales…) Este nivel se corresponde con el de un análisis iconográfico. También se incluyen los bodegones (natura morta) y los paisajes. el retrato familiar. el retrato áulico que enaltece el poder de reyes y papas. Aunque la mitología romana sea una manifestación de la religiosidad grecolatina.Nivel semántico primario o natural. Se incorpora este género bien por la apropiación de sus valores alegóricos. • Nivel del significado intrínseco. Introducido en la época helenística y desarrollado por los romanos. • Nivel sintagmático. Los objetos representados se identifican con los objetos reales. históricos. el retrato psicológico… PINTURA DE GÉNERO. • PINTURA RELIGIOSA. la ordenación de las formas… adquieren siempre un carácter significativo. La obra es un síntoma o un reflejo exterior a ella. Está constituido por los significados culturales añadidos (religiosos. la pincelada. PINTURA MITOLÓGICA Y ALEGÓRICA. Trata de explorar los significados derivados de la forma o de la propia materialidad del cuadro. La pintura figurativa se ha clasificado en géneros a partir de su significado iconográfico. En la tradición occidental se identifica con la pintura de temática cristiana o judía: escenas del Antiguo y del Nuevo Testamento e imágenes de santos. Dentro de este género se distinguen los retratos subordinados a una composición más compleja. el autorretrato. como desde el punto de vista de la personalidad del autor. desaparece durante la Alta Edad Media. Trata de explorar los significados derivados de la forma En la pintura abstracta el nivel sintagmático es fundamental para la comprensión de la pintura. En el Renacimiento y en el Barroco son frecuentes las alegorías. Es probablemente el género más antiguo. • Nivel secundario o convencional. su temática es algo presente desde el Renacimiento. con el florecimiento de las ciudades góticas. ya ininterrumpidamente.

CICLOS PICTÓRICOS. En este tipo de obras se incluyen tanto la pintura histórica. 1. Valoración y conclusión. 4. Material y técnica empleada.1. Movimiento. Relación de los elementos formales y significativos (interpretación sintagmática). 3. 1. 2.3.2. La línea y el color. el modelado de las figuras.2. Perspectiva.1. Identificación.5. Influencias o relaciones formales con otras obras. 1. los ropajes… 2. Análisis formal. Suponen programas iconográficos que pueden ser bastante complejos. . 2. Datos Generales de la obra. 4.2.2.1. 2.2. como la pintura realista.4. Nombre. Pautas para el análisis de una obra pictórica. tipología y localización.1. época o autor. 1. 2. 4. 3. 2. Elementos iconográficos representados. La luz. Estado actual del edificio. Composición. ampliaciones.1. Análisis de significado. Tipología compositiva. Género.3. restauración… 2. 3.2. que servía para propaganda del régimen.• • PINTURA TESTIMONIAL. Elementos que permiten identificar la obra con un estilo. 3. Importancia de la obra como referente a obras posteriores. Modificaciones. Interpretación iconológica de su significado según la época y sociedad en que se ha concebido. Influencia de otras obras. 1.2.3. Breve reseña del autor 1. que pretendía denunciar situaciones de injusticia. Son conjuntos de cuadros que adquieren su significado completo por la relación que se establece entre las pinturas y el lugar que ocupan.3.2.

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