ARTE

CLASE 1-ayudame a mirar

Participación en el foro.

CLASE 2-interpretamos obras.

Artículo: El lenguaje de las imágenes y la escuela: ¿es posible enseñar y

aprender a mirar? -autora: Ana Abramowski

Algunos elementos para pensar en el lenguaje de las imágenes en la

educación

Para avanzar en el terreno de la educación de la mirada les proponemos

prestar atención a cuatro tópicos: La polisemia de las imágenes, su poder, la
relación ver-saber y el vínculo de las imágenes con las palabras.

La polisemia de las imágenes:

Las imágenes poseen múltiples significados. Las diferentes observaciones y

espectadores que se renuevan contemplan diversas sensaciones, emociones,
entendimientos e Interpretaciones .No existe un solo significado para cada
imagen.

El poder de las imágenes:

Hay imágenes que nos estremecen de emoción, nos hacen llorar, provocan en
nosotros placer y disfrute o bien rechazo sobre algo que no es de nuestro
agrado y apartamos la mirada.

Las imágenes son transmisores de ideas, valores, de emociones además de

cumplir diferentes funciones como aportarnos conocimientos, movilizarnos,
promovernos diferentes sensaciones. Es por ello que las imágenes visuales
tienen un poder de atención hacia el observador.

La relación entre las palabras y las imágenes

Entre ambas se forman un vínculo expresando lo que vemos, es importante

tomarse su tiempo dejar que las imágenes transmitan sin interponer la palabra.
Detenerse, dar ese espacio entre una y otra y que las palabras sean esa ayuda
de entendimiento a lo que nos transmite esa imagen.

La relación entre ver y saber

Podemos cuestionar nuestros saberes frente a una imagen sobre algo que
desconocemos y sobre ella ir más allá. Es por esto que la simple pregunta
“¿qué ves?” puede inaugurar recorridos inesperados.
Texto: el arte en la enseñanza-autora Gabriela Augustowsky

Cap. 3-del aula al espacio publico

Salir de la escuela permite tomar contacto con el mundo del arte, sus obras,
instituciones, artistas, medios, acciones Preparar los sentidos para lo previsto,
lo inesperado, lo asombroso.

El museo no es una institución neutral, es un espacio, producto de sentido que

guía la mirada del visitante e incita a considerar ciertos componentes, aquí
existe un mediador que interviene en la interpretación e intervención de la obra.
En términos didácticos la oferta educativa de las instituciones, el dialogo entre
el museo y la escuela.

Pero además de instituciones tradicionales como museos, salas de exhibición,

etc. hay ámbitos por fuera de estos como los “espacios públicos”, hace
referencia a lugares y acciones humanas. Por lo tanto, hacer participar a los
chicos a espacios públicos, recorrerlos, transitarlos descubrirlos desde una
perspectiva crítica y experiencial significa sumergirse en su conflictividad,
complejidad, su dinamismo.

El espacio público es un marco de numerosas intervenciones artísticas y

prácticas, ser público artístico en el medio urbano no es solo mirar, implica
participar e involucrarse, así también para los estudiantes intervenir en el
entorno desde la escuela se construyen lazos con su contexto, con la
comunidad, y con sus propios procesos simbólicos y creativos.

El espacio público se ve embellecido por numerosas formas de arte callejero:

esténciles, grafitis, murales estas manifestaciones son una invitación a mirar la
ciudad con otros ojos parar pensar sobre lo que dicen las paredes y charlar. El
espacio público es también un lugar de la memoria colectiva, participan de
intensos debates que involucran el arte.

El arte en espacio público

Los recorridos habituales de los chicos por sus ciudades o pueblos los pone en
contacto directo con expresiones artísticas. Las salidas escolares son una
buena oportunidad para que las miren con nuevas herramientas conceptuales,
de manera más detenida, atenta y crítica, conocer y explorar. Tomando
contacto con los conflictos del “afuera “de la escuela para la enseñanza, el
entorno es un contenido impredecible a la vida y a la cultura.

Arte contextual, intervenciones en el medio urbano y el paisaje

El artista contextual no se ubica fuera de la realidad, sino que está en el medio

de ella, viviéndola, experimentándola para enseñar para mostrar, enseñar y
sobre todo enseñar otras formas de relación con el contexto. A lo largo del siglo
XX la vinculación arte-ciudad se ha reactivado a partir de varias
manifestaciones y movimientos vanguardistas. El espacio de la comunicación
de la ciudad es desde entonces objeto de numerosas intervenciones donde el
lenguaje ocupa un lugar esencial, las intervenciones en el paisaje denominadas
(land-art) utilizando como marco y materiales la naturaleza son obras que se
asocian con la consciencia ecológica y al redescubrimiento de las culturas y
pueblos originarios de los territorios.

En los muros, grafitis y nuevas formas de ate callejero

En los espacios públicos tienen lugar las manifestaciones políticas, sociales y

culturales que dependen del contexto histórico. Uno de los elementos que
conforman y desbordan hoy los espacios públicos de la ciudad son las
numerosas manifestaciones denominadas grafitis o arte callejero, la historia de
los grafitis en Latinoamérica están ligados a la historia de las pintadas políticas,
son inscripciones en espacios públicos.

LAND ART: es una corriente del arte contemporáneo en la que el paisaje y la

obra de arte están estrechamente enlazados. Utiliza a la naturaleza como
material (madera, tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.).
INTERESANTE PRODUCCION ARTISTICA, PARA TOMAR CONCIENCIA
SOBRE DIVERSOS TEMAS DE NATURALEZA, COMO POR EJEMPLO
OBRAS CON LA INTENCIONALIDAD DE EXPRESARSE EN CONTRA DE LA
CONAMINACION.

Actividad

-A partir de la lectura del apartado “Monumentos, espacios y marcas de la

memoria”. Desarrollar el valor que tiene para ustedes como estudiantes la
interpretación de obras vinculadas a nuestra historia reciente

Me parece una obra interesante cargada de reflexión y emoción. Es parte de la

lectura de nuestra historia, de la memoria como bien se nombra en el texto,
termino de verdad y justicia. Recuerdo de aquel pasado horroroso que no hay
que olvidar, para que nunca más se vuelva a repetir. Muy representativo de
todas las víctimas de del terrorismo de estado y el lugar en el que se
representa, él Rio de la plata. La figura de Pablo Míguez, quien fue un
desaparecido cuando tan solo tenía 14 años. Como estudiante tiene un valor
importante para seguir enseñando de generación en generación, tener
presente la memoria de aquellos hechos, de defender la democracia, defender
los derechos humanos.

-Desarrollar en relación a la “Visita al museo” un escrito que argumente

cual es el sentido de esta experiencia estética en la niñez. Tener en
cuenta que los niños/ espectadores deben “siempre” cumplir un rol
protagónico en dicha salida educativa.
 El sentido de dicha experiencia para que los niños es para que debatan sobre
las obras reflexionen, aprendan sobre diferentes obras, las diferentes maneras
de interpretar el arte. La participación de los niños interpretando a través de la
mirada, las palabras, especulaciones sobre el mensaje que transmite cada una
de ellas. Es un espacio de reflexión para que los participantes den sus
opiniones, conocimientos produciendo un intercambio de información. Se crea
una relación entre el espectador y la obra generando abundancia información.

CLASE 3- autorretrato

Autorretratos: La propuesta es que observen detenidamente cada

autorretrato. Uno pone en primer plano el uso de los colores y la pincelada, otro
tiende a la geometrización del rostro, otro muestra el rostro de frente y perfil
(distintos ángulos) en la misma imagen. Y en el caso de Frida, las emociones
se materializan en la representación del cuerpo y el fondo. Todos son
autorretratos, pero cada artista propone su propio modo de representar. Las
miradas a la hora de crear son diversas. Tal como lo trabajamos en la clase
anterior con la observación e interpretación de obras.

CLASE 4-del aula al espacio público-autora- Gabriela Augustowsky

Actividad elección de un mural, participación en el padlet.

CLASE 5-TRIDIMENCION

Trabajo práctico Nª5: Tridimensión: Creamos nuestros propios Monstruos

La última propuesta de producción, ante de iniciar el receso, es la realización

de una escultura tomando la experimentación de Antonio Berni.

En esta tarea es central observar los dos videos sobre sus producciones, uno
sobre los monstruos creados por él -les pido que se detengan a mirar los
materiales con los que están hechos, las formas y colores- el otro video, es del
Programa Seguimos Educando. En él van a poder ver como se propone una
actividad a partir de las obras tridimensionales de Berni. Si bien está destinado
a Nivel Inicial creo que puede aportar mucho a la comprensión de la propuesta.
Y sirve como ejemplo de cómo llevar esta idea al aula.

CLASE 6-

El arte en la enseñanza
La propuesta de esta nueva actividad es pensar algunas cuestiones instaladas
en el “sentido común” respecto del Arte en la escuela tomando como base el
recorrido realizado. Es decir, las experiencias vinculadas a las lecturas de la
bibliografía dada y las experiencias estéticas de producción realizadas.

A veces se dice que el arte “sirve para que los chicos se expresen libremente”,
otras para que lxs  chicxs “expresen lo que sienten”, también se dice que el arte
“es lindo cuando sirve para decorar un espacio”,  o que sirve para mostrarles a
los padres lo “bien que dibujan lxs chicxs”.  Todas estas frases, a la luz de las
lecturas, de los trabajos prácticos subidos al padlet pueden ser interpeladas y
cuestionadas.

Para sumar a esta reflexión, la especialista en Didáctica de la plástica, Mariana

Spravkin, plantea “con relación a la enseñanza de las plásticas hay una
distorsión de las ideas de libre expresión que condujo a pensar que sería
suficiente con un hacer adecuadamente libre por parte de los alumnos como
fuente de todo aprendizaje. Según esta autora: La libertad y la expresión no
son dones, sino, más bien conquistas, que se logran progresivamente
superando distintos tipos de limitaciones.  Conquistas que el ser humano
puede alcanzar en determinadas condiciones y que se ejercen en la medida
que se construyen la interacción concreta con un determinado lenguaje”. (Por
la senda de la experiencia estética, Violante).

Tres Tópicos importantes de Spravkin

 La presencia del arte en general y la plástica en particular en la escuela

es la de instalar y desarrollar un quehacer social,

 Otra perspectiva desde donde abordar la enseñanza de las artes

visuales en la escuela sería la del espectador. La escuela apunta a que
los niños construyan el lugar de espectadores tanto para con sus
propias producciones como con las de sus compañeros y de otros
creadores

 una tercera perspectiva para la enseñanza de las artes visuales en la

escuela que es la del arte como producción social, el arte socialmente
contextualizado en tiempo y en espacio, ligado a aquello que le pasa al
arte insertado en una sociedad determinada y a cómo va cambiando con
el tiempo. Que los alumnos vean en el arte y sus producciones lo
diverso y heterogéneo que el arte es, cómo lo que hoy se considera arte
es distinto a las concepciones que han tenido otras personas.
CLASE -7 experiencias estéticas-autora Elena Olivera

¿El arte es para todos?

Palabras claves del texto: experiencia estética-estética-anestesia-habito

estético –importancia en la sociedad contemporánea.

Cap. V –actualidad de la experiencia estética

Estética-sinónimo de sensibilidad

Anestésica-indica crisis de percepción

Considera lo especifico de ambos términos “estética”-como disciplina que

estudia la belleza y “el arte” y “anestésica” como termino para que un cuerpo se
vuelva inerme al dolor.

-Tener una experiencia estética es hacer un recorte de un principio y un fin.

Nada más alejado de una experiencia que el estado anestésico en el que todo
fluye indiferenciadamente, el estado anestésico corresponde al individuo
urbano sometido a todo tipo de estímulos dentro y fuera del hogar.

El arte es el lugar más adecuado para activar una mirada anestesiada y

ejercitar una mirada lúcida al mundo al mundo. Es curioso que tengamos que ir
al museo o galería de arte para percibir lo que nos rodea, caminamos por la
vida con anteojeras, naturalizando todo.

Restaurar la perceptibilidad implica recuperar el amor al arte y desarrollar un

habito estético, hablar de habito supone hablar de tiempo. El hábito se cultiva.
Dice de Duve: en el arte como en el amor nuestros sentimientos están
determinados por experiencias pasadas, nuestra pertenencia a una clase
social, educación y herencia.

El habito estético es un habito de desaceleración que nos enseña a

demorarnos en la obra. El nuevo espectador no debería nunca olvidar que el
museo y otros espacios de exhibición de obras de arte son lugares de
desaceleración, aptos para lograr una mirada lúcida de lo que nos rodea. Los
cambios del siglo XX no solo han transformado el concepto tradicional de obra
de arte sino también el concepto tradicional de PUBLICO, el espectador no solo
está posicionado como receptor sino también como emisor por la categoría de
d la participación en una obra determinada por el artista vemos imponerse la de
interacción con una obra abierta que se completa de forma momentánea
gracias a la colaboración del espectador, conduce a una superación tradicional
de artista-publico.

Actividad:

¿El arte es para todos?

Estamos convencidas de que el arte es para todos, ya que tiene un efecto liberador,
creativo y de desarrollo personal. Cuando decimos liberador, nos referimos a salir de lo
que plantea la autora, Elena Oliveras como “estado anestésico”, es decir dejar ese estado
en el que todo fluye indiferenciadamente para lograr una experiencia estética haciendo
un recorte de este flujo con un principio y un fin.

Tiene un efecto creativo ya que el arte como experiencia en la escuela nos enseña a
crear con sentidos propios, pero a la vez inevitablemente involucrados con nuestros
sentimientos, el entorno que nos rodea, nuestras propias experiencias, nuestra cultura,
clase social.

También el arte nos proporciona un desarrollo personal debido a que, al permitirnos

salir de ese estado anestésico y poder restaurar la perceptibilidad, podemos lograr un
hábito estético, que se cultiva y que requiere de tiempo. Este hábito consiste en la
desaceleración, en detenerse en la obra y lograr una mirada lúcida, y no solo nos
referimos a lugares donde indiscutiblemente hay arte como galerías, museos y espacios
de exposición, sino también nuestro alrededor, como por ejemplo el arte urbano el que
frecuentamos cotidianamente e ignoramos por saturación de imágenes.

Respecto a las obras de arte contemporáneo lo vinculamos con el texto cuando la autora
habla sobre los cambios del siglo xx, los cuales no solo transformaron el concepto
tradicional de obras de artes, sino también el concepto de público. Como podemos
apreciar en las obras del artista Leandro Erlich el público interactúa momentáneamente
con la obra, siendo partícipe de ellas.

CLASE 8- Vanguardias artísticas: Expresionismo

Las claves de las vanguardias artísticas siglo XX

El expresionismo se desarrolló en Alemania, durante los primeros años del

siglo XX, antes de la Primera Guerra Mundial y en medio de las llamadas
“Vanguardias históricas”. no fue una corriente artística o literaria e incluso
musical, si no una manera de sentir el mundo. La estética configurada por los
expresionistas responde a la primera guerra mundial tras las pinturas y
esculturas de los artistas expresionistas se esconde un grito (angustia, terror,
miseria, y opresión). El expresionismo es una corriente de oposición que niega
el positivismo.

La evolución del expresionismo, en primer lugar, el grupo DIE BRUKE- (el

puente), fueron grandes grabadores en madera, en esos años Sigmund Freud
revoluciona con su teoría a cerca de la sexualidad, temas tabúes para la época
pasaron a tratarse en los contextos artístico. Defendió una postura más intuitiva
y subjetiva del arte, en la que tuviese un rol protagónico la interioridad del
artista. Dándole prioridad a la expresión y a los sentimientos frente a la
realidad, se decantan por el empleo de colores exaltados y contrastados.
Juegan con la deformidad de las figuras

El Jinete Azul surgió en Múnich en 1911 agrupando a Wassili Kandinsky, Paul

Klee entre otros

El arte del Jinete azul es más exquisito, subjetivo y espiritual que el de El

Puente Les importa más el cómo de la representación que el qué. Los
miembros del grupo mostraron su interés por el misticismo, el simbolismo y
las formas de arte que consideraban más genuinas. Los artistas del grupo
se caracterizan por no utilizar ni formas tan duras ni asociaciones
cromáticas tan contrastantes (como los del grupo El Puente, por ejemplo).
Es un expresionismo más lírico, menos “violento” a la hora de transmitir
estados de ánimo.

• Los artistas creían que el significado y el sentido de cada cuadro están

en manos del propio espectador. El artista da forma a la emotividad en
su obra y, a su vez, el cuadro causa en quien lo observa determinados
sentimientos.

Sus componentes evolucionarán rápidamente a formas abstractas, como es

el caso de Kandinsky. La representación del objeto en sus pinturas es
secundaria, ya que la belleza residía en la riqueza cromática y en la
simplificación formal.

• La vanguardia se puede pensar como cuestionamiento a las ideas sobre

arte que tiene una época, a la forma de representar, al uso de materiales,
colores y formas.

Surrealismo

El surrealismo es un movimiento artístico y literario de vanguardia

fundado en 1924 por André Breton, que consistió en la expresión del
subconsciente por medio de la literatura, la pintura, la escultura, la
fotografía y el cine.

El surrealismo reaccionaba contra el racionalismo burgués y el canon artístico

tradicional, valiéndose de las teorías psicoanalíticas. De ese propósito, surgen
sus principales características

Automatismo psíquico: consiste en hacer emerger las imágenes del

subconsciente de forma automática, a través de recursos como los estados de
trance, la hipnosis

Expresión de subconsciente: el surrealismo se aproxima al inconsciente

mediante la exploración del subconsciente. Para ello representaba realidades
absurdas, oníricas y fantásticas, en la cual se proyectaban mitos, fábulas,
sueños y fantasías.

Creación del cadáver exquisito: técnica colectiva en la que cada participante

escribía una línea o trazaba un dibujo sin ver lo que había hecho el anterior.
Permitía a la vez estimular el automatismo psíquico y favorecer la colaboración
entre artistas.

Entre los más famosos pintores del surrealismo podemos nombrar a Salvador
Dalí, Joan Miró, René Magritte