Formato de entrega Fase 2 Aisthesis y la estética expandida

Curso: Estética y procesos artísticos contemporáneos

Código: 404043

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1. Datos del estudiante:

Nombre del estudiante Andres leonardo Gomez Murillo

Código 408043
Número de grupo 13
Fecha de realización 01-10-2021
Ciudad Girardot.
Skype de contacto Leonardo_Murillo

2. Ensayo argumentativo sobre el sentido de los conceptos de

Aisthesis y de Estética expandida en la contemporaneidad:

En los textos sobre Aisthesis y estética expandida. Explican detalladamente como el arte se
puede ver de miles de maneras y como saber si lo que vemos es o no es arte. Ya que en la
historia de la humanidad se han realizado obras de arte magnificas y tan perfeccionistas
que en si podíamos interpretar lo que estamos viendo sobre la creación que realizo el
artista, dando paso a múltiples visiones que hacían al objeto. Al pasar de los tiempos
vemos como el arte tiene un cambio de belleza extraordinaria a pasar a algo feo y que no
se le ve ni un poco de sentido. Por lo cual el nuevo arte contemporáneo ha hecho que es
muy complicado comprender y entender la obra que hizo el artista terminando así se le
puede llamarlo una pieza de arte o no lo sea. Porque una pieza de arte se ve por todos los
ángulos y se pueden sacar muchas conclusiones y decir puntos de vistas en todo su
estructura.
En Aisthesis sorprende la interpretación insólita y en muchos casos, contraria a la lectura
tradicional hecha por el relato moderno. Desde la lectura de Winckelmann, sus
tratamientos de las fotografías de Atget, el libro desequilibra y llega a volcar esa lectura
tradicional. No establece otro relato canónico, pero hace ver que lo significativo no
siempre se alinea con los highlights de la historiografía y la museografía modernas.
En la lectura fabrizio y pinead argumentaron que el arte no se puede interpretarse por lo
que nosotros nos emocionemos si no que hay que tener esa sensación que nos transmite
la obra de arte. Manet es un caso especial por lo cual fue rechazado por los múltiples
intentos que tuvo pero fue totalmente rechazado por que el tema que el manejaba no
daba el punto de vista bueno de los amantes del arte en ese entonces. Y esto dando el
punto de vista que el arte que el tanto se emocionaba no era tan adecuada a lo que los
espectadores no lo entendieron o le dijeron que no les veía sentido a lo que el hacía.
Ranciere adopta un tono descriptivo, suficientemente detallado y fundamentado como
para extraer de los ciertos juicios e ideas. Se cuida de emular el estilo de los pensadores
que han descendido a la reflexión sobre el cine o las artes decorativas con ademan
aperturista. Su descripción es minuciosa y poética, porque mira con otros ojos las formas
menores del teatro, de la fotografía, la escritura, del diseño, señalando en ellas algunas de
las transformaciones fundamentales en el régimen de sensibilidad moderno, llegando a
afirmar lo siguiente: serán ante todo los artistas aplicados afirmando que los artistas
deseosos de educar a la sociedad mediante la forma de los edificios y los objetos de uso,
quienes lleven a la practica el concepto de esa necesidad interior o espiritualidad que
reivindicara kardinsky y en la que tantos comentaristas verán el privilegio del arte puro y
autónomo.
Ahora si se pretende conocer mucho más los antecedentes de la visión de Ranciere,
especialmente su manera de entender la relación entre estética y política, lo conveniente
es comenzar por el desacuerdo. Política y filosofía, su obra es fundamental y seguir con El
maestro ignorante. Cinco lecciones sobre la emancipación intelectual. La obra más extensa
ya se ha traducido de manera completa al español: destacando sus libros sobre la teoría
de la historia, la literatura y el cine. A lo cual no obstante, teniendo en cuenta lo
significativo que es su visión de la estética, visión realizada desde dentro a la manera de un
auto-análisis o una auto-comprensión, parece conveniente partir de tal punto para no
perderse en el placer de lo concreto.
Ranciere da su auto-comprensión de la estética académica tiene que ver con la manera en
que ha dibujado y relacionado los distintos perfiles e intereses que poseen hoy los
profesionales de la reflexión estética: en el fondo, la diferencia entre quienes prolongan
una estética de lo sublime, la mayor parte de los filósofos e historiadores del arte y todos
aquellos que argumentan la estética relacional. Artistas y profesionales de instituciones
artísticas, eso sería muy directo. Por otra parte, la critica que más impacto fue dirigiéndose
a las visiones aperturistas del arte, esas que pretenden ablandar las fronteras de un
supuesto núcleo de lo artístico a las formas expresivas que no forman parte del sistema de
las artes evidenciando así una jerarquía insoslayable.
Ahora con la reflexión que dio Ranciere fue algo bueno porque probablemente ese sea la
manera que se replantea la relación entre la estética y la historia del arte, en lo cual el
primer asume una revisión de los dogmas cristalizados por la crítica y la escritura histórica
del arte moderno y contemporáneo.
En si la Aisthesis y la estética son dos cosas diferentes pero entre ambas de
complementan. Por lo cual la Aisthesis busca lo bello que transmite un objeto a su
espectador y así poderlo ver por todos los ángulos. Mientras que la estética da una vista
más amplia sobre la obra de arte.
 3. Propuesta expositiva:

Línea narrativa que va a desarrollar en su exposición:

Seleccionare el tema del artivismo que es una palabra combinada por activista y artista, a lo cual
su significado es del arte con un contenido social explícito. Con el artivismo han hecho obras de
arte que reflejen las protestas de la globalización y los conflictos armados emergieron y
proliferaron. En pocas palabras son aquellos que empujan las agendas políticas a través del
arte, no significa arte político sino más bien que está involucrado muchas veces en arte callejero
o arte urbano.

Obra 1 Autor: Ai Weiwei.

Título: Coca Cola Vase.
Técnica: Cerámica y porcelana china.
Dimensiones: A: H. 5 3/4 in.
Lugar y año de realización: 1995 – China.
Contexto sociocultural del artista:
El mensaje de este artista es sobre el desgaste del
logotipo de la empresa de Coca-Cola pintada con
mucho cuidado en los jarrones de la dinastía Han.
Ya que esto muestra todo el capitalismo
estadounidense que tiene esa marca con la antigua
artesanía china.

Otros datos relevantes:

Estos jarrones entintados con la marca de Coca-
Cola, el artista Ai WeiWei muestra como su país
natal en totalidad tuvo un cambio extremo, porque
el capitalismo se ha metido de un modo silencioso
en china. Como Coca-Cola y como su logo ha dejado
gran influencia sobre este territorio. Aun así el
artista Ai WeiWei desde el año 2015 no vive en
china, ha hecho como Berlín su hogar gracias a sus
obras de arte ha sobresalido la problemática del
capitalismo de Coca-Cola ha cambiado su país de
origen. A lo cual sus jarrones muestran claramente
la otra cara que a nivel social y de los políticos
sobre el gran poder visual que impacta esa
 problemática sobre sus artes en los jarrones de la
dinastía de Han.

https://elephant.art/coca-cola-meets-china-ai-weiweis-
subversive-symbolism/

Esta obra de arte demuestra como en algo tan hermoso que fue creado hace miles de
años lo pueden usar para grabar sobre ella detalles para darle más presentación al
objeto o como en este caso usaron el jarrón para dar un punto de opinión sobre como
algo que es tradicional y representa muy bien la problemática del capitalismo sobre el
país chino y como este ha ensuciado por todas partes su imagen.

Obra 2 Autor: Cristina Donati Meyer

Título: Una pisciata vi seppellirà.
Técnica: mural.
Dimensiones: No dice.
Lugar y año de realización: fecha no dice – lugar
puente sobre el Naviglio Grande en Mila.
Contexto sociocultural del artista:
Esta artivista es muy famosa por sus grandes
pinturas y representación, destinadas a impugnar la
política del actual gobierno, siendo ella amenazada
y agredida verbalmente por personas que apoyan al
gobierno y están encontrá de lo que ella hace. A
ella la han destacado por ser una antiSalviniana o
una artivista para ser más claro con lo que ella está
haciendo.
Otros datos relevantes:
La artista es una joven milanés que últimamente
provoca muchas discusiones porque en su arte
expresa el rechazo que tiene contra el gobierno de
su país. Haciendo que en sus obras se vea el odio
que ella siente al gobierno que tiene afectado su
país.

https://www.lavocedinewyork.com/arts/arte-e-design/
2018/10/14/cristina-donati-mayer-lartivista-che-
 esorcizza-salvini-con-la-creativita/

Esta mural no muestra nada bonito ni bello pero solo se muestra una pintura de odio y
repudio a lo que se vive en Milán.

Obra 3 Autor: Bleepsgr

Título: "The Stars and the Starfish"
Técnica: arte callejero mural.
Dimensiones: no dice.
Lugar y año de realización: 12 de octubre 2011 -
Contexto sociocultural del artista:
El artista griego pinto esta nueva pieza que la
nombro The Stars and the Starfish en las calles de
Atenas.
Esta pieza cuestiona la madurez que tiene la unión
europea a que se representan como una niña está
intentando alcanzar una estrella de mar posando a
Grecia, el cual es el eslabón débil de la actual crisis
europea que cae del cielo hasta el fondo del mar.
Otros datos relevantes:

Bleepsgr es un artista griego el cual crea arte callejero

político, pinturas e instalaciones, él es un artista del
movimiento artivista. Todas sus obras de arte son arte
callejero y estas se encuentran en las calles de Atenas
pero también se encuentran algunas en toda Grecia y
algunas partes de Europa.
https://streetartnews.net/2011/10/bleepsgr-stars-and-
starfish-new-mural.html
Este mural son uno más de las obras de arte que el artista realizo en las calles de
Atenas, Grecia. Dejando a la vista lo más noble que puede tener el mundo si no la
inocencia de los niños y como quitan es parte inocente que tienen los europeos.

Obra 4 Autor: Daniel Arzola.

Título: No Soy Tu Chiste.
Técnica: Ilustración.
Dimensiones:
Lugar y año de realización: Venezuela, 23 de enero
del año 2013.
Contexto sociocultural del artista:
Es una campaña que inicio en Venezuela, a lo cual
plantea la sensibilización sobre la comunidad LGBTI.
El cual se trata de unas ilustraciones que hacen
parte de la campaña esto basándose en psicología
del color. Esto el respondiendo a todos los ataques
de violencia contra todas las personas de esta
comunidad LGBTI en Venezuela y en 30 países del
mundo.

Otros datos relevantes:

Estas ilustraciones ha sido una pieza importante
para la comunidad LGBTI. No soy tu chiste está
escrito en tres idiomas español, Inglés y Portugués.
Esta campaña posee 50 afiches ilustrados el cual en
cada uno mostrando puntos de vistas como lo son
el Bullying, homofobia y el matrimonio en personas
del mismo sexo. Esto fue que inspiraron al artista
para crear estas piezas. Todo esto inicio con un
ataque a un joven de 18 años el cual lo quemaron
vivo porque era parte de esta comunidad de
Maracay. El cual sus diversas ilustraciones iniciaron
por las redes sociales más conocidas y muchos
 medios de telecomunicación. A lo cual esta
campaña se expandió por más partes de
Latinoamérica llegando que el artista Daniel Arzola
ganara una merecida mención honorifica al premio
de Derechos humanos de la Embajada de Canadá.

https://es.wikipedia.org/wiki/Daniel_Arzola

Son unas ilustraciones que por medio del bello arte de las ilustraciones digitales y con los
multicolores que este se aplica, es un claro ejemplo como no solo por medio de dibujos si no de
dibujos y letras se puede luchar por algo. Además es un buen arte que hace parte de la
campaña para combatir contra el maltrato que se le hacen a la comunidad LGBTI.

Obra 5
Autor: Louis Gan.
Título: Brother and Sister On Swing.
Técnica: arte callejero mural.
Dimensiones: No dice.
Lugar y año de realización: Chulia Street Ghaut en
malasia, 2008.
Contexto sociocultural del artista:
En cada mural el artista plasmo obras de arte de
instantáneas del día a día y además de mezclas en
ellos mobiliarios urbano o doméstico. Como por
ejemplo sillas, motos, columpios. Gracias a su gran
creatividad muchas personas pueden observar que
le transmite cada obra de arte que realizo en las
calles de la ciudad de Georgetown.

Otros datos relevantes:

De todos los murales que visitan los turistas es el de
hermanos que están columpiado. El cuál es el mejor arte
que se encuentra en el Street art en penang, también es
una obra de arte que puedes interactuar con él y ser
parte de este mismo.
https://lavidasondosviajes.com/malasia/street-art-en-
 george-town-penang-arte-urbano/
#Street_Art_en_Penang_los_mejores_murales
Es una obra de arte que aborda el diario vivir de las personas que viven en esa ciudad, al cual
puedes interactuar con ellos. En ella se muestran dos niños que se ven felices e inocentes
montados sobre un columpio. Es un arte bello e inocente a lo cual muestra la felicidad de los
niños de esa ciudad al estar viviendo en un lugar tranquilo que no hay problema alguno. Ya que
ese lugar de parte de la Unesco quedo nombrado como un patrimonio cultural.