Script Hablemos de compositoras:

Bienvenida.
Exposición de objetivos y temas de la charla.
Primera Compositora,

Kassia.
Kassia o Kassiani, nació aproximadamente entre 805 y 810, en
Constantinopla,

fue abadesa, poeta, compositora e himnógrafa.

También es una de las primeras compositoras medievales, (sin distinción de

género) cuyas partituras existen y pueden ser interpretadas por conjuntos y
músicxs modernos, aproximadamente cincuenta de sus himnos existen y
veintitrés están incluidos en los libros litúrgicos de la Iglesia Ortodoxa.

Su música está escrita en base al sistema tonal griego y sus composiciones

se usaron para ceremonias cortesanas, durante festivales o como música
paralitúrgica y litúrgica,todavía se usan hoy para misas en la iglesia
ortodoxa que aún se identifica con la herencia de la música bizantina; como
sistema de notación utilizó el bizantino (img 2) , uno de sus himnos más
famosos es "Miércoles Santo orthros (misa del miércoles) Troparion de
Kassiane", La música del himno, se ha definido como "un himno lento,
doloroso y quejumbroso ", puede durar entre diez y veinte minutos, según el
ritmo y el estilo de ejecución. Requiere un rango vocal muy amplio y se
considera una pieza muy exigente de canto bizantino en solitario. También
es cantada por coros al unísono, a menudo respaldada por un zumbido de
bajo vocal bizantino. Los fieles hacen hincapié en ir a la iglesia
específicamente "para escuchar a Kassiani" esa noche. En muchos lugares
de Grecia, el servicio de maitines de los novios del Gran Martes es popular
entre las trabajadoras sexuales, que no suelen ser vistas en la iglesia en
otras épocas del año. Vienen en gran número, para escuchar el Himno de
Kassiani, ya que ésta está asociado a esa religión, con "la mujer caída en
muchos pecados." Volviendo a su biografía, en 843 Kassia fundó un
convento en el oeste de Constantinopla, cerca de las murallas de la ciudad
y se convirtió en su primera abadesa, y como vivió allí, también viajó
brevemente a Italia, pero finalmente se instaló en la isla griega de Kasos
donde murió en algún momento entre 867 y 890. En la ciudad de Panaghia
hay una iglesia donde se pueden encontrar la tumba y el relicario de Kassia.

HILDEGARD VON BINGEN

Como es sabido, la música occidental en la época medieval se
desarrolló principalmente en la iglesia, siendo utilizada en actividades
de carácter casi puramente litúrgico y dedicada a Dios, debido a los
medios de conservación de elementos eclesiásticos, hasta nuestros
días manuscritos de compositores masculinos y femeninos. como
Hildegarda von Bingen se conservan. Hildegard von Bingen nació en
1098 como la décima hija del noble libre Hildebert von Bermersheim y
su esposa Mechthild en Bermersheim cerca de Alzey. A la edad de
ocho años Hildegard fue entregada por sus padres a Jutta von
Sponheim, para su educación espiritual, y la ermita se adjuntó al
monasterio que se encuentra allí. En el monasterio, Hildegarda recibió
lecciones en la "Regula Benedicti", en la liturgia y en partes de las
"Artes Liberales" (retórica, dialéctica, aritmética, geometría,
astronomía, música y gramática). La joven Hildegard disfrutó de esta
educación y formación integral, ya que los monasterios benedictinos
eran baluartes de las ciencias y lugares de encuentro para las artes y
la educación en ese momento. Alrededor de los 15 años, Hildegard
hizo votos santos y se convirtió en benedictina, por lo que después de
la muerte de Jutta von Sponheim, Hildegard fue elegida por
unanimidad a la edad de 38 como la madre espiritual del convento de
mujeres, que estaba en proceso de desarrollo. . Cuatro años después,
recibió el encargo divino de documentar y proclamar todo lo que le fue
revelado en esta primera y posterior visión. Se crea su primer trabajo:
"SCIVIAS", traducido el título es: "Conoce los caminos". Hildegarda
explica su talento intuitivo para ver, como un conocimiento repentino
del significado de las Sagradas Escrituras. En su estado de visión, se
le revelan los secretos más profundos de las escrituras divinas.
Siempre le dio gran importancia al hecho de que no recibió sus
visiones en un éxtasis o en algún otro tipo de éxtasis, sino que
siempre estaba en un claro estado de vigilia. Una de sus
composiciones más importantes encuentra cabida en la colección de
cantos sagrados, transmitida con el nombre de Symphonia armonie
celestium revelationum ("Sinfonía de la armonía de las apariciones
celestiales") y contiene 77 cantos litúrgicos con melodías en notación
Neume, así como la drama litúrgico, Ordo virtutum, que expresa el
mundo visionario de pensamientos e imágenes de Hildegard. El
espectro de cánticos incluye antífonas, responsorios, himnos,
secuencias, un kyrie, un aleluya y dos sinfonías. Es necesario
comprender que la música en el siglo X fue, como ya se dijo,
principalmente utilizada con fines litúrgicos y eclesiásticos, como
también lo fue toda la educación de Hildegard von Bingen, la iglesia
tenía los medios económicos para hacer que textos, música y cientos
de otras cosas importantes para la humanidad, podrían registrarse y
almacenarse de tal manera que hoy podamos tener un registro escrito
de lo que sucedió hace siglos. En el siguiente ejemplo podemos ver un
extracto de este compendio de Hildegard, escrito en Neume, que en
contexto con el canto gregoriano, forma parte de la literatura litúrgica
de la época; este manuscrito pertenece a la colección de obras
literarias y musicales de Hildegard, y fue compilado en Bingen am
Rhein entre aproximadamente 1175 y 1190, parcialmente bajo su
supervisión directa. Lo realmente interesante de esta música es el tipo
de notación, explicado brevemente, los Neume eran una forma de la
edad media para escribir música, el canto gregoriano usó esta
notación durante siglos, que era la anterior a la notación del
pentagrama. la escritura expone la cantidad de sonidos, cómo se
articulan entre sí, así como la dirección tonal o melódica relativa e
imprecisa de los sonidos dentro de una escala. Es uno de los primeros
intentos sistemáticos de notación musical. LA ANTÍFONA QUE
ESCUCHAMOS SE LLAMA IN EVANGELIUM, LA ANTÍFONA ES UNA
FORMA MUSICAL, UNA MELODÍA CORTA Y SENCILLA, LA CUAL
ES CANTADA EN LAS CEREMONIAS DEL OFICIO LITURGICO
ENTRE MEDIO DE LAS LECTURAS DE LAS ESCRITURAS, O DE
LAS ENSEÑANZAS DE DICHA CEREMONIA

Beatriz de Día

Nacida en Provenza, Francia alrededor de 1140, Beatrice

era parte de un grupo de mujeres trovadoras, que eran
compositoras de música secular llamada trobairitz; El
trobairitz compuso, escribió versos, cantó y recitó en las
cortes de Occitania. En la historia de la música destacan
por ser los primeros compositores conocidos de música
profana occidental; todas las compositoras conocidas
anteriormente escribieron música sacra, como las
mencionadas Kassia y Hildegard von Bingen. El contexto
de su vida tiene como elemento el desarrollo del sistema
señorial y feudal, que conlleva el surgimiento de las cortes
del amor.Estas cortes del amor serán interpretadas por
los trovadores, quienes compusieron música y poesía
para todo tipo de público, desde el la partitura más
compleja, llena de dobles sentidos, hasta la melodía más
simple para que cualquiera pudiera entenderla. Yendo
hacia el término trovador, pueden definirse como
personajes principalmente de la nobleza, que con sus
canciones de amor sobre todo, pero también con sus
composiciones de propaganda política, sus debates y, en
definitiva, con su visión del mundo, mostraron el
comienzo. de una historia cultural y política. El concepto
de la música de los trovadores, consistía principalmente
en escribir en prosa relatos, sentimientos, entre otros
elementos importantes para la expresión y comunicación
social, que también podían tener carácter de difusión
(relatos, relatos, noticias, declaraciones de amor y
sentimientos). Existen diferentes tipos de estilos poéticos
de esta expresión musical, que fueron: Light Trova (o
plana), Closed Trova y Rich Trova. Este género no
pertenece a la música litúrgica ni eclesiástica, incluye
aproximadamente una veintena de estilos: se pueden
destacar la ballada, la pastorela, la tenson y el descort.
Una mujer dedicada a ser trovadora tenía que ser culta y
saber trobar (tener talento para componer música y
poesía). En el contexto de la época, es importante
destacar que solían ser educados en monasterios. Su
concepto era que la música era tan esencial como las
palabras. Además, las trovadoras debían poseer grandes
cualidades en el arte de entretener, hablar y escuchar, y
debían saber bailar al mismo tiempo. Leyeron autores de
su tiempo y del pasado, de los que sacaron ideas para
sus versos, ya sean técnicos o temáticos. Esta
composición de Beatriz de dia, refleja el dolor por el amor
no correspondido, aunque con un lenguaje muy
comedido, ya que la autora probablemente quiso reflejar
el vacío y la decepción al ser rechazada por su amiga.
Está escrito en forma epistolar. A chantar m'er de so
qu'ieu non volria Tan me rancur de lui cui sui amia, Car
ieu l'am mais que nuilla ren que sia: Vas lui no .m val
merces ni cortesía Ni ma beltatz ni mos pret ni mos sens,
C’atressi .m sui enganad’e trahïa Com degr ’esser, s’ieu
fos desavinens. El idioma en el que está escrito este
poema es el occitano, el idioma más utilizado en ese
momento en el sector europeo de las actuales Francia,
España e Italia, entre otros. El manuscrito también es
realmente interesante de ver, es evidente que ella usó
neume para escribir su música, una forma típica de
escribir en ese momento. Beatriz de dia murió en 1212,
hasta el día de hoy solo tenemos acceso a cinco de sus
obras

FRANCESCA CACCINI
Ahora saltamos a otra época, más avanzada y donde la
música se desarrolla en ámbitos más diversos, el barroco,
con Francesca Caccini; nacida en 1587 en Italia, era hija
de un cantante y compositor, elemento principal de su
interés musical; Ella y su familia se mudaron a Florencia y
su primera actuación fue en la boda de María de Médicis
con Enrique IV de Francia, en 1600. Estaba a punto de
conseguir un trabajo en la corte, pero hubo personas que
se opusieron. Aun así, su fama no se hizo esperar y los
historiadores dicen que Claudio Monteverdi fue un gran
amante del canto de Francesca. Al comienzo de su
carrera actuó con sus padres, hermano y hermana, pero
luego formó un grupo con su hermana Settimia y la
intérprete romana Vittoria Archilei. Durante este tiempo
comenzó a desarrollar su habilidad como compositora.
Junto con el libretista Michelangelo Buonaroti (sobrino del
artista) escribió música para muchos intermedios en la
Corte de los Medici y también comenzó a escribir óperas;
No hay que olvidar que en ese momento, la ópera era un
género relativamente nuevo, considerando que la primera
ópera, "Orfeo", se estrenó en 1607. Antes de 1618 era
una de las trabajadoras mejor pagadas de la corte y
cobraba más que su padre. . En 1625, obtuvo uno de sus
mayores éxitos con la ópera La liberazione di Ruggiero
dall'isola d'Alcina, compuesta para la visita del príncipe
Ladislaus Sigismondo, ópera que también se representó
en Varsovia en 1628, siendo esta la primera ópera italiana
realizado fuera de sus fronteras. La liberazione di
Ruggiero dall'isola d'Alcina (1625) es la primera ópera
registrada, fue escrita por una mujer. El libreto trata sobre
el personaje Alcina, que es una maga sexual malvada,
mientras que su antagonista Melissa es andrógina y
buena, la andrógina está representada por un hombre,
Atlante. Melissa lucha por liberar a Ruggiero de los
encantamientos de Alcina. Algo destacable para la época
en esta ópera, es que no incluye un castrato, la partitura
de la pieza se inclina hacia las voces más altas, con seis
sopranos, dos altos, siete tenores y un solo bajo. Los
críticos modernos han interpretado la música como una
declaración sobre el género; O las mujeres, como
Melissa, deben abandonar su feminidad para triunfar o,
como Alcina, el personaje principal, las mujeres pueden
seguir siendo dominantes debido al perpetuo atractivo de
su música. La música de Caccinis revela haber tenido un
cuidado extraordinario con la notación de la música,
prestando especial atención a la ubicación rítmica de las
sílabas y palabras, especialmente dentro de los
ornamentos, al fraseo indicado por los insultos y a la
notación precisa de, a menudo, muy largas y
melódicamente fluidas. melismas vocales. En su música
de ella es la armonía, más que el contrapunto, lo que
comunica el afecto con más fuerza. Es importante resaltar
el rol de la mujer en ese momento, desde el punto de vista
del rol de género, ser una compositora de la corte no
figuraba en la obra femenina, por lo que Francesca
Caccini puede ser considerada una revolucionaria en el
campo, además de la calidad de su música y que no solo
se interpretó en Italia, su país de origen, sino que
traspasó fronteras y siglos hasta nuestros días.
Escribió cinco óperas:
El Stiava 1607 Ballo delle Zigane 1615
Il Primo book delle musiche a 1-2 voci e basso continuó
en 1618 La liberazione di Ruggiero dall'isola d'Alcina 1625
de las cuales sólo hay un registro escrito completo de este
último, y hay registro de otras dieciséis obras. Francesca
Caccini falleció aproximadamente en 1641.

Bárbara Strozzi, también llamada Bárbara Valle, (Venecia, 6 de

agosto de 1619 - Padua, 11 de noviembre de 1677) fue
una cantante y compositora italiana del BarrocoHija de Isabella Garzoni,
una sirvienta más conocida como ‘La Greghetta’, y de padre
desconocido, fue adoptada por el poeta y libretista Giulio Strozzi.
Gracias a este reconocimiento, Strozzi pudo recibir educación
como cantante y estudiar composición con el
compositor, organista y cantante Francesco Cavalli.3
La gran mayoría de sus trabajos
eran cantatas para soprano solista y bajo continuo, por lo que es
posible pensar que fueron escritas para ser interpretadas por ella
misma. Su música está profundamente arraigada en la técnica
denominada Seconda prattica, cuyo principal ejemplo es la obra
de Claudio Monteverdi. Sin embargo, sus trabajos presentan
mayor énfasis lírico, basados posiblemente en la extensión de su
propia voz. Muchas de las letras de sus piezas fueron escritas por
su padre Giulio.
Strozzi escribió arias, cantatas dramáticas, madrigales y dúos.
Entre 1644 y 1664, publicó ocho libros de música, incluyendo más
cantatas que cualquier otro compositor del siglo XVII.1

Sophia WESTENHOLZ
Sofía María Westenholz De Wikipedia, la enciclopedia
libre Saltar a la navegación Saltar a la búsqueda Sophia
Maria Westenholz (de soltera Elenore Sophia Maria
Fritscher; 10 de julio de 1759 - 4 de octubre de 1838) fue
una compositora, músico, cantante y educadora musical
alemana. Nacida en Neubrandenburg, se crió en una
familia privilegiada y pasó la mayor parte de su vida en las
cortes de Schwerin y Ludwigslust, capitales del Ducado
de Mecklenburg-Schwerin. A instancias del duque Luis,
estudió piano y canto con Konzertmeister Johann Wilhelm
Hertel en Schwerin a partir de los diez años. Cuando tenía
dieciséis años, fue empleada como cantante en la capilla
de la corte Mecklenburg-Schwerin en Ludwigslust. Se
convirtió en la segunda esposa del maestro de capilla Carl
August Friedrich Westenholz en el verano de 1777;
tuvieron ocho hijos juntos. [1] En la década de 1780,
Westenholz recibió un gran reconocimiento en Berlín,
Leipzig, Ludwigslust y Rostock, acumulando seguidores
que incluían al compositor Ernst Wilhelm Wolf y Carl
Friedrich Cramer. Wolf es citado diciendo “Sra. Los
modales de Westenholz son los del gran Bach de
Hamburgo ". En una reseña de sus seis sonatas, que Wolf
había dedicado a Sophie Westenholz, Cramer también
elogió el equilibrio en la expresión musical de su
interpretación. [2] Cuando Carl Westenholz murió en
1789, Sophia recibió el título de Kapellmeisterin en
Ludwigslust. Tras su muerte, continuó su carrera como
cantante, profesora y pianista. Enseñó música a las
princesas Ludwigslust y compuso e interpretó sus propias
obras en la corte. Además de su reputación como
pianista, también se hizo conocida por actuar como
intérprete de armónica de vidrio en varios conciertos. [3]
Después de 1800, comenzó a centrarse en cultivar las
composiciones, y varias de sus obras aparecieron
impresas en 1806. Johann Friedrich Reichardt la describió
como "uno de los principales músicos de Europa". [1] Se
retiró en 1821 después de haber obtenido una pensión y
continuó sirviendo como cantante de la corte hasta su
muerte. [3] Obras Westenholz se inspiró en las obras de
Johann Abraham Peter Schulz y Johann Friedrich
Reichardt y escribió canciones tanto en estilo trófico como
folklórico. [1] Sus trabajos incluyen: Lieder con melodías
sin adornos: Das Grab Die Erscheinung Frühlingsreigen
Meine Wünsche Lieder con melodías ornamentadas: Das
Glücke der Liebe Huldigung Lied der Liebe Lieder que
representan el estilo romántico temprano: Morgenlied
Weine nicht, es ist vergebens Trost der Hoffnung Der
Bund [4] [5]
Isabella Colbran
Isabella Colbran
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Isabella Colbran

Retrato de Isabella Colbran (1817), por Johann Heinrich Schmidt

(Museo Teatrale alla Scala).

Información personal

Nacimiento 2 de febrero de 1785

Madrid (España)

Fallecimiento 7 de octubre de 1845 (60 años)

Castenaso (Italia)
o Bolonia (Estados Pontificios)

Causa de la
Enfermedad
muerte

Sepultura Cementerio de la Cartuja de

Bolonia

Nacionalidad Española
Isabel Ángela Colbran (Madrid; 28 de febrero de 17841 -
Bolonia; 7 de octubre de 1845), fue considerada la
mejor mezzosoprano y soprano dramático- coloratura de su
tiempo, aunque aparentemente era un soprano sfogato. También
fue compositora y dejó escritos 4 volúmenes de
canciones. Gioachino Rossini la consideró su musa y una de las
mejores intérpretes de su obra. ESPOSA DE ROSSINI

Isabella Colbran era hija de Teresa Ortola y del violinista Giovanni Colbran, músico de la corte del
2
Rey de España. Recibió su primera formación de F. Pareja y G. Marinelli, y con Girolamo
Crescenti, en París. En 1801 debuta en París y en 1807 en Milán. En 1811 es contratada por el
agente Domenico Barbaja (1778-1841), que sería su amante, para el Teatro San Carlo de Nápoles.
En 1815 la soprano abandona a Barbaja. En la cúspide de su carrera colaboró estrechamente con
Rossini (1792-1868), que compuso para ella el papel principal de Elisabetta, regina d'Inghilterra. La
colaboración musical con el compositor continuó con los papeles
de Desdémona en Otello (1816), Lisetta en La Gazzetta (1816), Armida (1817), Elcia en Moisés en
Egipto (1818), Zoraide de Ricciardo e Zoraide (1818), el titular de Ermione (1819), Elena en La
donna del Lago (1819), Anna en Maometto Secondo (1820) y el titular de Zelmira (1822)
y Semiramide (1823).
En 1821 dejó Nápoles y se fue a Londres con Rossini, con quien se casó el 22 de marzo de 1822.
Al año siguiente volvieron a Venecia donde el compositor escribió el papel titular
de Semiramide para Isabella, que recibió mala crítica del público y la prensa. Semiramide sería la
última ópera que Rossini compuso para Italia y para La Colbran. Se mudaron luego a París.
Durante el periodo francés el matrimonio de La Colbran con Rossini pasó por frecuentes
desavenencias domésticas. En 1837 Isabella y Rossini dejaron París para vivir en Italia donde el
compositor sufrió de neurastenia.
La Colbran murió finalmente en octubre de 1845 a los sesenta años de edad, luego de lo cual
Rossini se casaría con Olympe Pélissier. Su tumba está en el Cimitero Monumentale de la Cartuja
de Bolonia, junto a su padre Giovanni y los padres de Rossini. Era tía materna de Julia Espín y
Colbrandt (1838 - 1906), quien fuera uno de los amores platónicos de Gustavo Adolfo
Bécquer (1836-1870).
Isabella Colbran escribió cuatro colecciones de canciones que dedicó a la zarina rusa, su maestro
Girolamo Crescentini, la reina de España y la princesa Eugenia de Beauharnais.

Su voz[editar]
La voz de la Colbran era elogiada por su gran potencia y unidad de registros, tenía la rara habilidad
de cantar roles de diferente tessitura, de mezzosoprano grave a soprano aguda coloratura. Su
registro vocal iba del sol3 al mi6. Rossini la consideró su musa y una de las mejores intérpretes de
su obra.
En el año 2009 la mezzosoprano norteamericana Joyce DiDonato grabó un recital homenaje con
las obras que Rossini compuso para la Colbran.
Clara Schumann
Clara Wieck (Leipzig, 13 de septiembre de 1819-Fráncfort del Meno, 20 de mayo de 1896),
conocida como Clara Schumann, fue una pianista, compositora y profesora de
piano alemana. Fue una de las grandes concertistas europeas del siglo XIX y su carrera fue
clave en la difusión de las composiciones de su marido, Robert Schumann. Considerada como
una de las pianistas más distinguidas de la era romántica, ejerció su influencia en una carrera
de conciertos de 61 años, y cambió el formato y el repertorio del recital de piano de
exhibiciones desde el virtuosismo a programas de obras serias. También compuso piezas
para piano en solitario, un Concierto para piano (op. 7), música de cámara, piezas corales y
canciones.
Creció en Leipzig, donde su padre, Friedrich Wieck, era pianista y maestro profesional, y su
madre una cantante consumada. Fue una niña prodigio, entrenada por su padre. Comenzó a
viajar a los once años y tuvo éxito en París y Viena, entre otras ciudades. Se casó con el
compositor Robert Schumann y la pareja tuvo ocho hijos. Juntos, alentaron a Johannes
Brahms y mantuvieron una estrecha relación con él. Estrenó muchas obras de su esposo y de
Brahms en público.
Después de la muerte prematura de Robert Schumann, continuó sus giras de conciertos en
Europa durante décadas, con frecuencia con el violinista Joseph Joachim y otros músicos de
cámara. A partir de 1878, fue una influyente educadora de piano en el Conservatorio Hoch en
Fráncfort, donde atrajo a estudiantes internacionales. Editó la publicación de la obra de su
esposo. Murió en Fráncfort, pero fue enterrada en Bonn junto a su marido.
Varias películas se han centrado en su vida, como la primera Träumerei de 1944 o una de
2008, Geliebte Clara, dirigida por Helma Sanders-Brahms. Una imagen de Clara Schumann de
una litografía de 1835 de Andreas Staub apareció en el billete de 100 marcos alemanes de
1989 a 2002. El interés en sus composiciones comenzó a resucitar a finales del siglo XX y su
bicentenario de 2019 impulsó nuevos libros y exposiciones.

Últimos años
En 1885, Schumann interpretó el Concierto para piano en re menor de
Mozart, bajo la dirección, una vez más, de Joachim, y tocó nuevamente sus
propias cadencias. Al día siguiente, interpretó el Concierto para piano de su
esposo con la dirección de Bargiel. «Creo que toqué más fresca que
nunca», le escribió a Brahms, «lo que me gustó mucho del concierto fue que
pude darle a Woldemar la dirección del mismo, que había anhelado esa
oportunidad durante años».63
Tocó su último concierto público en Fráncfort el 12 de marzo de 1891. La
última obra que interpretó fue Variaciones sobre un tema de Haydn de
Brahms, en una versión para dos pianos, con James Kwast.67
El 26 de marzo de 1896, sufrió un derrame cerebral y falleció el 20 de mayo
a los 76 años.68 Fue enterrada en Bonn en el Alter Friedhof junto a Robert,
según su propio deseo.
"la música para CLARA" DE Elizabeth subercaseaux
ALMA MAHLER
Alma María Schindler nació1879 en Viena, Austria, hija de la
cantante Anna von Bergen y del pintor Emil Jakob Schindler. Alma creció en
un entorno privilegiado que frecuentaban grandes artistas. Después de la
muerte de su padre, Emil Schindler (1892), su madre, Anna, se volvió a
casar con uno de los últimos discípulos de su marido, Carl Moll. Entre los
amigos de su padrastro estaba Gustav Klimt, que le dio su "primer beso"
cuando ella tenía 16 años y él 34. Esto hubiera sido una anécdota sin
importancia de no haber sido él el autor del cuadro de besos más conocido
del mundo, titulado así, El beso. Siendo joven, Alma tuvo una serie de
flirteos, entre ellos uno con Klimt, otro con el director teatral Max
Burckhard y también con el compositor Alexander von Zemlinsky.2
Se casó con personajes notables del siglo XX: el compositor Gustav Mahler,
el arquitecto Walter Gropius y el novelista Franz Werfel.

La música de Alma[editar]
La fama de Alma Mahler se debe (lamentablemente incluso hasta en la
actualidad) , mayoritariamente a sus matrimonios y sus affaires con los más
grandes artistas de su época, el más notable de ellos Gustav Mahler, de
quien tomó su apellido. Como compositora, escribió muy poco, ya que la
insistencia de Gustav para que ella no se dedicase a la composición fue
tanta, que optó por abandonar la composición, "El rol del compositor, el rol
del trabajador, me corresponde a mí, el tuyo es el de un compañera
cariñosa y comprensiva ... Estoy pidiendo mucho, y puedo y se me es
permitido hacerlo porque sé lo que tengo para entregar y eso lo que daré a
cambio ".7Debido a que escribió poca música es considerada por algunas
personas nada más que una figura menor, sólo 16 lieder prevalecen hasta
hoy.
Ya joven, Alma era una dotada pianista; estudió composición con Alexander
von Zemlinsky en 1897, escribió algunos lieder y empezó un trío. A veces
ha sido descrita como "muy ambiciosa y sedienta de poder".
Su música aún se interpreta en la actualidad, por diversas y diversos
artistas, especialmente sus Lieder, tanto con acompañamiento orquestal así
como con acompañamiento al piano.
La traducción al español de sus Lieder ha sido publicada en 2009 por la
editorial Hiperion, en conjunto con los Lieder de Gustav Mahler.
LILI BOULANGER
Marie-Juliette Olga Boulanger (París, 21 de agosto de 1893 - 15 de marzo
de 1918), más conocida como Lili Boulanger, fue
una compositora francesa.
Lili Boulanger demostró desde temprana edad grandes habilidades
musicales, propiciadas por el ambiente musical del hogar donde se crio. Su
abuela fue la cantante Julliette Boulanger, y su padre, Ernest
Boulanger (que ganó el Premio de Roma en 1835) era compositor y
profesor de canto en el Conservatorio de París, donde impartió clases a la
madre de Lili, Raïssa Mischetsky. Su hermana Nadia ya destacaba como
alumna de composición en el mismo conservatorio cuando Lili ingresó en
1912, también en la especialidad de composición, con el profesor Paul
Vidal. Aunque esta fue su gran vocación, también tocaba el violín,
el violonchelo, el arpa, el piano y el órgano.
A los dos años de edad Lili sufrió una neumonía que provocó que
su sistema inmunitario quedara permanentemente perjudicado, viéndose
afectada por enfermedades gastrointestinales de forma reiterada, lo que
condicionó por completo su vida y su producción musical.1
Fue Gabriel Fauré, amigo de la familia, quien impartió sus primeras clases
de piano a Lili. También le encantaba cantar, por lo que Fauré, fascinado
por las dotes musicales de la niña, le llevaba sus canciones para leerlas
juntos.2 A los 6 años ya recibía clases de armonía y su hermana Nadia la
introdujo en el arte de la fuga. Después de que su hermana llegara dos
veces a la final del prestigioso Premio de Roma con
las cantatas Selma y Roussalka, Lili decidió presentarse en 1912, y,
además de ingresar en el Conservatorio en la clase de composición de Paul
Vidal, recibió clases del profesor Georges Caussade para prepararse. Tras
caer enferma y tener que retirarse en el primer intento, se presentó de
nuevo en 1913, ganando y convirtiéndose en la primera mujer en conseguir
este importante galardón. Lo hizo con la cantata Faust et Hélène,
compuesta para la ocasión y dedicada a su hermana. La obra se estrenó
públicamente el 16 de noviembre del mismo año, con buen recibimiento del
público y la crítica.
Lili fue la primera mujer en obtener el Premio de Roma3, con el que
consiguió un contrato de un año con la editorial Ricordi. Se trasladó a
la Villa Medici, un gran complejo arquitectónico de la ciudad de Roma donde
se alojaban los ganadores del premio. Con el estallido de la Primera Guerra
Mundial en 1914 tuvo que volver a París.4 Al saber que por el estado de su
salud no podría ser enfermera de guerra decidió fundar el Comité
Francoamericano del Conservatorio Nacional, una organización encargada
de dar apoyo moral a los músicos combatientes en la Gran Guerra, para
mantenerlos comunicados entre ellos y de ayudar a sus familias.5 También
editó y realizó críticas de obras de estos músicos. En el comité se
involucraron músicos como Charles Widor, Camille Saint-Saëns, Gabriel
Fauré, Gustave Charpentier, Théodore Dubois, Émile Paladhile y Paul Vidal,
que participaron como miembros honorarios.
En 1916 volvió a Roma durante unos meses, y tras un diagnóstico que le
hizo saber que solo le quedaban dos años de vida, se apresuró a intentar
terminar algunas de sus composiciones más importantes, como los salmos
24 y 129 y la ópera La princesse Maleine, que desgraciadamente no
consigue acabar. Sin embargo su actividad compositiva se vio interrumpida
por el deterioro de su salud, obligándola a volver a París, donde pasó sus
últimos dos años. Murió a los 24 años por lo que ahora se conoce
como enfermedad de Crohn (una enfermedad intestinal crónica) y fue
enterrada en el cementerio de Montmatre, donde también yace Nadia.
Durante toda su vida recibió el apoyo incondicional de su hermana, sin la
cual probablemente no habría podido conseguir tanto en tan poco tiempo de
vida.6 Nadia fundó en 1939 la Lili Boulanger Memorial Fund, en Boston, con
el objetivo de mantener viva la memoria y el legado de Lili y apoyar a
jóvenes músicos prometedores.7

Estilo y obras[editar]
Su hermana Nadia explica que debido a la relación cercana entre Lili y su
padre, su muerte en 1900 es el origen de la necesidad de expresarse a
través de la escritura musical8. Escribe su primera obra, Lettre de mort, en
1906, posiblemente en recuerdo de su padre9. Su corta esperanza de vida
pudo ser el motivo de que muchas de sus obras sean religiosas o de
inspiración bíblica. La guerra también influye con respecto a la elección de
los textos de sus obras, como se puede comprobar en La princesse
Maleine, basada en la obra de Maeterlinck, o Vieille prière bouddhique, cuyo
texto es una oración budista que reza por la paz y la bondad. Faust et
Hélène, la cantata que la llevó a conquistar el Premio de Roma, basa su
argumento y libreto en un fragmento de la adaptación
del Fausto de Goethe por el escritor francés Eugène Adenis10.
En muchas ocasiones sus obras reflejan su estado de ánimo, marcado por
muchos momentos de depresión, como por ejemplo Dans l’immense
tristesse.
Recibió influencias de Fauré11, Massenet y Debussy, sobre todo en
cuestiones formales, pero además del estilo típicamente francés de principio
de siglo también tiene tendencias vanguardistas, siendo una referencia para
compositores como Messiaen o Honegger. Su lenguaje destaca por su
fuerza contrapuntística, la tendencia a la modalidad (con fijación por
el modo frigio) y una extraordinaria madurez, por encima de la normal en
una persona de su edad. A pesar de su cortos años de vida tuvo tiempo
para experimentar y alejarse de la tonalidad. En su última obra, Pie Jesu,
explora la politonalidad. Fue compuesta en 1918 y dictada a su
hermana Nadia12, ya que la enfermedad de Lili estaba tan avanzada que no
era capaz de transcribirla al papel por sí misma. Está considerada una de
sus obras más importantes, junto a los salmos 24, 129 y 130 y Vieille prière
bouddhique.
Las obras y el trabajo que hoy conocemos de Lili se mantuvieron y
perduraron gracias a su hermana Nadia, que se encargó de darlas a
conocer. Sin embargo muchas de ellas se perdieron o fueron destruidas por
la propia compositora, y de otras solo quedan los bocetos.13

Germaine Tailleferre
Germaine Tailleferre (Saint-Maur-des-Fossés, Val-de-Marne, 19 de
abril de 1892 - París, 7 de noviembre de 1983) fue
una compositora francesa.
«Una Marie Laurencin para el oído», decía Jean Cocteau de Germaine
Tailleferre, la única mujer del célebre Groupe des Six (junto con Georges
Auric, Louis Durey, Arthur Honegger, Darius Milhaud y Francis Poulenc).
Esta expresión pretendía establecer una correspondencia entre las
acuarelas decorativas de Laurencin y la música de Tailleferre, pero no era
muy apropiada. Ingenuidad, frescura, femeneidad, son cualidades que se
asocian con Tailleferre desde su llegada al Groupe des Six; pero siguiendo
con el juego de las comparaciones, debería asociarse la música de
Tailleferrer con la fauvista Sonia Delaunay más que con la dulce Laurencin
ya que en una parte de su obra se encuentra auténtico vigor, a veces
teñido, a pesar de unas armonías de gran sensualidad, de una inesperada
austeridad.
Durante mucho tiempo se consideró que la obra de Tailleferre se reducía a
una serie de obras para piano, compuestas en el periodo de entreguerras, y
que su carrera de compositora se acababa en la Segunda Guerra Mundial.
Así se ignoraba u olvidaba que, además de esas pequeñas piezas,
compuso mucho más: obras de cámara, dos conciertos para piano, tres
estudios para piano y orquesta, un concierto para violín, su
destacado Concerto grosso pour deux pianos, huit voix solistes, quatuor de
saxophones et orchestre, cuatro ballets, cuatro operas, dos operetas,
muchas «mélodies», y eso sin contar las numerosas obras para pequeños
ensambles o grandes orquestas como el espléndido Concerto pour deux
guitares et orchestre, recientemente recobrado y grabado en 2004 en
Alemania por Chris Bilobram y Christina Altmann. La mayoría de sus obras
mayores fueron escritas entre 1945 y su muerte en 1983. Hasta hace muy
poco gran parte de su obra permanecía inédita y solo recientemente se ha
podido conocer ampliamente y se ha comenzado a situar a la autora en el
lugar que se merece.