AD3: Modos de aproximación a

la Historia del Arte

Melina Fernández Caraffini

Historia del Arte
Prof. Julio Pérez
Grado en Bellas Artes
2021-22
Actividad 3: El alumno/a deberá trabajar sobre la obra de los artistas Marina
Vargas, Guillermo Pérez Villlalta y Damien Hirst, realizando una reflexión de
trabajo personal sobre la influencia de la historia del arte en el trabajo de estos
tres artistas, centrándose, respectivamente, en la subversión del canon clásico
desde una perspectiva feminista (Vargas), la influencia de los trabajos geométricos
y perspectívicos del renacimiento y el manierismo (Villalta) y las posibilidades de
las relecturas contemporáneas de la vanitas y la naturaleza muerte (Hirst)

Estructura del trabajo:

1) Marina Vargas y el "anticlasicismo"

-Estudio sobre la obra de Marina Vargas.
-Estudio sobre la idea de clasicismo y el uso que hace Vargas de él en su obra en
relación con las cuestiones feministas con las que trabaja.

2) Guillermo Pérez Villalta: Renacimiento y manierismo en la pintura

contemporánea.
-Estudio sobre la obra de Guillermo Pérez Villalta
-Elementos específicos del Renacimiento y el Manierismo que utiliza en su obra.

3) Damien Hirst y la "vanitas contemporánea".

-Estudio sobre la obra de Damien Hirst y los "Young British Artist"
-La vanitas: significado y usos en el arte del barroco a Damien Hirst

Calculad unas 10 páginas en el desarrollo de las ideas (tres por cada artista
aproximadamente), en Times New Roman 12, interlineado 1,5. Disponéis de la
plantilla de la universidad para poder utilizarla.
Contents
Marina Vargas y el "anticlasicismo" ..................................................................... 4

Estudio sobre la obra de Marina Vargas. ........................................................... 4

Estudio sobre la idea de clasicismo y el uso que hace Vargas de él en su obra en

relación con las cuestiones feministas con las que trabaja. ................................... 5

Guillermo Pérez Villalta: Renacimiento y manierismo en la pintura contemporánea. . 7

Estudio sobre la obra de Guillermo Pérez Villalta ............................................... 7

Elementos específicos del Renacimiento y el Manierismo que utiliza en su

obra. ............................................................................................................. 8

Damien Hirst y la "vanitas contemporánea". ....................................................... 10

Estudio sobre la obra de Damien Hirst y los "Young British Artists" .................. 10

La vanitas: significado y usos en el arte del barroco a Damien Hirst ................... 11

Bibliography.................................................................................................... 13
Marina Vargas y el "anticlasicismo"

Estudio sobre la obra de Marina Vargas.

Marina Vargas es una artista visual nacida en Granada en 1980. Luego de recibirse de
la universidad de Granada con una licenciatura en 2003 y luego obtener un máster en
producción e investigación en artes en 2011 empezó una carrera en artes
multidisciplinares. Esta formación individual le dio la oportunidad de explorar y
experimentar con distintas técnicas en áreas del arte conceptual.

Sus obras contienen mensajes casi explícitos que, al ver más a fondo, se pueden
distinguir las distintas inspiraciones ideológicas como artistas que forman una lectura
perspicaz. A primera vista, en obras varias se puede ver la inspiración de elementos
clásicos o tradicionales, donde se exploran estos temas de los cánones antiguos y cómo
se pueden mostrar reflejados en este arte contemporáneo que presenta ideas nuevas y
modernas. Entre estas obras se pueden distinguir incluso una más grande variedad de
temas. Por ejemplo, su serie El culto a Diana (2012) tiene elementos distintivos
iconográficos de la mitología romana o griega y, como el nombre indica, centrándose
en la diosa de la caza Diana; se ven el arco que lleva la diosa al igual que los animales
salvajes que ayudan a distinguirla (lebreles, ciervos, toros…). Esta serie muestra
claramente el rasgo distintivo de la artista: utilizar elementos tradicionales y
representarlos de tal manera que sean propios del arte contemporáneo del que es parte.

Además de elementos tradicionales, se ve una lectura específica del mundo moderno y

de las partes más críticas de él. Utiliza un dramatismo brutal de la mano de un
sentimentalismo femenino y delicado que presentan sus obras como una contradicción
que capta la atención del espectador de manera efectiva. Ejemplos de esto serían sus
obras The Honey Games (2005), Jardín de suplicio (2008) o Rawwar (2011) donde se
ven piezas que mezclan armas de fuego con motivos puramente femeninos con el
objetivo de incluir a la mujer y su habilidad de mostrar brutalidad y agresividad de
manera bella o elegante. Otra interpretación para este conjunto sería embellecer la
brutalidad en lugar de brutalizar la belleza que representa a la mujer. Esta lectura
consigue, en todo caso, idealizar o romantizar este lado de la vida.

Continuando, de todas formas, con la inclusividad de la mujer en las obras de Vargas,

consiguiendo asimismo una lectura feminista de muchos de sus trabajos, podemos ver
como se critica esta idea de la belleza que representa la mujer. En su serie Nadie es
inmune (2013) se pueden ver obras que desafían la perfecta inocencia y belleza con la
que se suele representar a la mujer en obras de arte clásicos y cánones vistos
previamente y transformar esto en una imagen repulsiva.

Estudio sobre la idea de clasicismo y el uso que hace Vargas de él en su obra en

relación con las cuestiones feministas con las que trabaja.

Partiendo de la idea feminista que se muestra en las piezas de Vargas discutidos en el

apartado anterior, se puede continuar y profundizar la visión que se le hace a su obra en
relación con los cánones clásicos de la belleza y de la feminidad a la vez que consigue
humanizar estos.

El clasicismo fue un movimiento artístico basado en aquellos valores tradicionales que

se le pueden atribuir a los periodos de la antigua Roma y Grecia entre el siglo V a.C. y
el siglo II d.C. En este movimiento se buscaba el ideal humano a través de la perfecta
armonía entre todos los elementos que pueden formar una obra. Muchas de las figuras
que se mostraban perfectas e ideales eran mujeres y esta idea del cuerpo perfecto, a
pesar de haber ido evolucionando, prevalece en nuestro día a día causando esa idea de
feminidad convirtiéndose en una parte prominente en la vida de la mujer. Esta idea se
ve representada mediante la serie Ni animal ni tampoco ángel (2015). En la serie se
pueden ver trece esculturas clásicas, como el torso de Belvedere o el busto de Apolo,
las cuales se ven inmersas en poliuretano expandido, algunos de tonos rosados y otros
en blanco.

En esta exposición, la utilización de esculturas clásicas ayuda a criticar o dudar de

aquellas figuras simbólicas al igual que históricas que continuamos viendo como
importantes que han oprimido a la figura de la mujer durante todo este tiempo. Pero
contradiciendo todo su poder, se dan vuelta los roles de sujeto pasivo y activo, donde
la feminidad representada a través de aquellos bultos rosados toma control de las figuras
tradicionales.

La imagen de los roles de género invertidos en figuras a través de la historia se ve

también en las piedades invertidas; esculturas imitando las piedades clásicas donde la
virgen María sostiene el cuerpo de Jesucristo luego de haber sido crucificado. La obra
de Vargas muestra seis versiones de la virgen siendo la que es sujeta por su hijo. En
estas figuras se puede ver como humaniza el tema de la muerte, ya que, lo usual y más
natural es que los hijos vean a sus padres morir y no de la manera opuesta. Las
esculturas cuestionan la idea de la religión y los cánones que ha proporcionado para la
mujer y su sufrimiento, siendo a quienes les cae todo el peso emocional de una
experiencia traumática como la muerte de un hijo en sus manos mientras que el hombre
está expenso de ello. Para añadir, muchas de las representaciones de la piedad muestran
todavía a esa virgen como una imagen bella, deshumanizando su dolor al no mostrarlo
en sus expresiones, como en la piedad de Miguel Ángel.

Vargas, con esta serie de esculturas, consigue no solo humanizar o naturalizar la muerte
como se ha mencionado anteriormente, pero le da una oportunidad a la figura masculina
de mostrar dolor y sentimientos a través de algo común como es la muerte de un padre
o madre. De esta manera se puede abrir una conversación sobre la masculinidad y las
figuras que la representan, los daños emocionales que puede causar y cómo la religión
ha sido un componente importante a la hora de promocionar esta imagen.

La artista tiene una alta capacidad para poder crear una crítica de los ideales o las
ideologías pasadas e históricas utilizando a la vez elementos propios del clasicismo,
barroco o neobarroco que construyeron aquellos ideales o los promocionaron. Gracias
a esto, sus obras han llegado a abrir conversaciones críticas donde se cuestiona lo
tradicional manteniendo ese lado o idea de belleza que lo acompaña.
Guillermo Pérez Villalta: Renacimiento y manierismo en la
pintura contemporánea.

Estudio sobre la obra de Guillermo Pérez Villalta

Nacido el doce de mayo de 1948 en Tarifa, Villalta se convirtió en un artista visual

multidisciplinar posteriormente a haber estudiado arquitectura. El artista, conocido
mayormente por su pintura, se convirtió en una figura representativa del
posmodernismo y neomanierismo español, es decir que forma parte del grupo de
pintores romanos de la primera mitad de los años 80. Pero, además, también forma parte
del grupo La Nueva figuración madrileña, desarrollado en Madrid a principios de los
años 70.

Con todos aquellos elementos distintivos de la época, Guillermo Pérez Villalta

consiguió un estilo de pintura representativo para su obra figurativa. Siendo parte del
debate abstracción-figuración que tomaba gran parte del mundo del arte del siglo XX,
este artista optó por una mezcla de figuras que se presentan de manera abstracta y
geométrica que se puede ver en la mayoría de su obra. Para añadir, tomando gran
inspiración de sus años como estudiante de arquitectura, se pueden distinguir piezas en
donde la profundidad, la perspectiva y los distintos planos utilizados tienen una
complejidad distintiva a pesar de la simpleza de los trazos que forman la obra, como
por ejemplo Personajes a la salida de un concierto de rock (1979).

Continuando con esa obra como ejemplo, se puede ver en su obra, además de técnicas
complejas y colores característicos de sus mayores inspiraciones, temas de la vida
moderna y cotidiana. Entre ideas más abstractas como el mundo de los sueños como en
la pieza de Vísperas de pascua (2000), se encuentran pinturas que muestran la vida tal
y como la conocemos, casi consiguiendo romantizar y encontrar la importancia del día
a día. Villalta consigue esto a través de este estilo característico que había sido
mencionado, ya que consigue darles una nueva visión y perspectiva a estas acciones
que todos conocemos y vivimos. Además, Villalta consigue sacar inspiración directa
de la época moderna del mundo occidental angloamericano y la manera en la que ha
influenciado su visión del mundo, dándole un espíritu más liberal e irónico.

Además de darle voz a la cotidianidad del mundo actual y de su época de oro como
artista en los años 70 a 90, Villalta consigue asimismo explorar las distintas ideas que
se le presentan y busca con ello enfrentarse al espectador. Esto es notorio en lo que yo
considero su exposición Magnum Opus en la sala Alcalá 31, El arte como laberinto
(2021), donde manipuló la sala para crear una especie de laberinto y jugó en contra de
lo que cualquier espectador creería ver en una galería común.

Las obras de Pérez Villalta consiguen en su totalidad utilizar nuestros conocimientos

actuales y reconfigurarlos para adaptarse a su estilo; utilizando figuras contorsionadas
o espacios que se considerarían físicamente imposibles. De esta manera, el espectador
obtiene nuevas perspectivas hacia ese conocimiento previo y consigue así reconsiderar
su estado y visión.

Elementos específicos del Renacimiento y el Manierismo que utiliza

en su obra.

En las obras del artista se pueden ver influencias de artistas pasados, como ha sido
mencionado anteriormente. Estas influencias vienen desde la época del renacimiento
tanto como del manierismo.

El renacimiento, un movimiento artístico y cultural europeo originado en el 1400 que

definió la edad moderna de la época. Este movimiento en especifico se centra en el ser
humano como el centro del universo, la figura principal en el mundo y la importancia
del individuo. Estos ideales vinieron acompañados de avances en el ámbito científico y
en la glorificación de la época clásica gracias a sus valores.

Este estilo se ve reflejado en la obra de Villalta por esa humanización en el arte que
rebaja los temas clásicos de Dios o la religión católica-cristiana y habla sobre el ser
humano como tópico central. Por otra parte, se ve la inspiración tomada directamente
de la arquitectura del siglo XV que va de la mano de la carrera de Villalta como
arquitecto. Estas obras como La Plaza (2016) o León Battista Alberti en su estudio
(2015) consiguen reflejar las influencias de la arquitectura clásica y cómo volvía en la
época del Renacimiento donde las pinturas de escenas costumbristas, al igual que
aquellas de nobles, empezaron a tomar más protagonismo. Añadiendo a esto, se puede
ver influencia específicamente flamenca renacentista, particularmente inspirado en las
obras de El Bosco, por ejemplo se puede ver en la pieza Territorio Hermético (1987),
una obra que difiere del estilo habituado por el pintor. La obra muestra dos paisajes que
se podrían atribuir específicamente a esta época. La forma rómbica divide los dos
paisajes de manera que cada uno se ven adentrados en una pirámide respectiva, el de
arriba simulando el paraíso y el de abajo el infierno. A través de la composición al igual
que el estilo de pintura y el tema, se distingue la clara inspiración del Bosco al igual
que de la pintura flamenca renacentista en esta obra en específico.

El otro movimiento del que Villalta consigue la mayor parte de su estilo e inspiración
es del arte manierista. Este movimiento del 1520, posterior al renacimiento, expandió
en la idea de la humanización del arte y de reflejar escenas costumbristas y cotidianas
a través del equilibrio, el refinamiento y la sofisticación, idealizando así lo natural del
día a día hasta el punto en el que se alejan de ello, cosa que se puede ver en las obras
de Villalta. “Significa que tienes que pintar figuras, realismo y yo detesto copiar la
realidad. ¿Para qué hacerlo si ya existe? Me gusta lo imaginativo, la invención, hacer
figuras que no tengan que ser anatómicamente perfectas. Lo que yo llamo clasicidad,
que no clasicismo, que es lo que permanece en el arte a lo largo del tiempo. Es algo
sereno, bello, claro. Es lo esencial. Mondrian y Barnett Newman tienen
esa clasicidad” (Villalta, 2021). Obras como Éxtasis en la siesta (1979) desfiguran al
sujeto e imposibilita el espacio aun manteniéndolo en un rango de imagen que es
reconocible como alguien durmiendo la siesta.

Para concluir, este artista es capaz de explorar distintos estilos históricos para poder
adaptarlos a su propio estilo y así continuar evolucionando. A pesar de la gran
utilización de elementos vanguardistas y modernos con inspiraciones como Giorgio de
Chirico, sus obras aún transmiten imágenes clásicas distinguibles.
Damien Hirst y la "vanitas contemporánea".

Estudio sobre la obra de Damien Hirst y los "Young British Artists"

Damien Hirst es un artista británico nacido en 1965 que formó parte del grupo Young
British Artists (YBAs). Conocido como un artista conceptual multidisciplinario al igual
que un empresario y coleccionista de arte, Hirst consiguió ser uno de los artistas más
conocidos en su área por las exposiciones en las que ha participado o creado gracias a
los riesgos que toma con ellas.
Por otra parte, los Young British Artists son un grupo de artistas británicos
contemporáneos que originó en 1990, la mayoría viniendo del Colegio de las Artes
Goldsmith de Londres. El grupo ganó fama prominente con una serie de exposiciones
y eventos de la galería Saatchi en 1992 y gracias a las obras que provocaban al
espectador de manera importante con temas y materiales originales. Además, la
exposición Sensation en 1997 consiguió lanzar a varios de los artistas presentes,
principalmente Damien Hirst, a la fama y al éxito financiero.

Explorando distintos temas y estilos de trabajo, se puede ver un gran interés por la
naturaleza de los seres vivos en los trabajos de Hirst, sobre todo en aquellos del ser
humano y cómo nos relacionamos con el mundo en general. Sus obras más destacadas
que muestran esto serían Jumping the Shark (1991) o The Acquired Inability to Escape
(1991), aunque además tiene obras donde explora el cuerpo humano en su naturaleza
más pura como Anatomy of an Angel (2008). Otras de sus obras inspiradas en modelos
de estudio anatómico se deben a las visitas que hacía como adolescente al campus de
medicina al departamento de anatomía para poder dibujar cuerpos al natural. En esta
época es cuando empezó a originar su interés por la muerte como concepto y cómo la
mortalidad puede crear un impacto y reacción por parte de la audiencia.

Además de todas estas ideas de arte natural, Hirst exploró también con distintos colores
y la idea de representaciones abstractas como en su serie de pinturas dots (2016) o los
spinning paintings (1992), donde experimenta con técnicas inusuales para poder
representar ideas como la relación del artista con el espectador y el verdadero creador.
La vanitas: significado y usos en el arte del barroco a Damien Hirst

Como se ha discutido anteriormente, Hirst ha conseguido un interés profundo por la

idea de la muerte y cómo puede afectar al espectador. Esta idea se puede ver en la era
barroca a través de las vanitas. Las vanitas son un género artístico prominente en el
barroco que buscan, con alegorías, expresar la idea de la vanidad de la vida misma y
la importancia de la muerte como razón para vivir la vida. El género se podría
encapsular con la frase Memento Mori, es decir, recuerda que vas a morir.

Con esto en mente se puede ver la obra de Hirst con directa inspiración en estas ideas.
Él mismo mencionó: “Puedes asustar a la gente con la muerte o una idea de su propia
mortalidad, o quizá en realidad les pueda dar fuerza”, con esto se entiende que ve a la
muerte como un motor para vivir más que algo para temer. La obra que define toda
esta idea en su totalidad es Por el amor de Dios (2007).

La obra se creó con una calavera de platino fundido recubierto de 8,601 diamantes. En
total esto costó nueve millones de libras para producir y se subastó por cincuenta
millones (alrededor de cien millones de dólares). Con esta obra Hirst consiguió agitar
el mundo del arte con su arriesgada inversión para poder representar esta idea que
tanto buscaba representar.

La simbología mostrada a través de la obra cuestiona nuestro consumismo y codicia.

Al utilizar la calavera se representa la fugacidad de la vida a través de la muerte y
cómo debemos disfrutar la vida mientras sigamos en ella. Pero la pieza además está
llena de ironía; consigue llamar la atención de aquellos coleccionistas que ignoran los
mensajes del arte que compran y explotan al artista y a los que los rodean, de todas
formas son una élite que tiene el dinero suficiente como para que aquello no sea su
problema. Pero, la calavera, les demuestra que todos tenemos el mismo destino y que
la muerte no discrimina, aunque el poder económico (los diamantes) se mantenga
luego de su muerte. Es decir, disfruta de la vida, incluso si es a través de este
consumismo, pero se responsable.

Hirst consigue explorar y expandir en esta idea de la muerte como motor para vivir,
utiliza elementos e iconografía propia de las mismas vanitas y consigue darle una
imagen nueva a través de la escultura y la utilización de elementos más modernos
como vienen a ser los diamantes.
 Bibliography

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