TEMA_2: Arte Infantil: Producción y aprehensión Laura Herrera Cuadrado

INTRODUCCIÓN

En la infancia, como en la vida, el arte es un medio de expresión donde los

niños experimentan mediante la representación gráfica, que no es más que el
lenguaje de su pensamiento. Cuando un niño dibuja, pinta, modela es porque
previamente ha pensado en algo que a priori, a nosotros los adultos nos puede
parecer insignificante y sin embargo, para ellos es un reflejo de su propio yo, de
su personalidad, sus pensamientos, emociones, sentimientos…donde se refleja
el conocimiento sobre determinadas cosas y su relación entre ellas.

Por tanto los dibujos de los niños no son una representación real del mundo
que les rodea sino más bien una interpretación del mismo. Los dibujos de los
niños son el reflejo de sí mismos, ya que a través de ellos podemos analizar
características de su personalidad, de su comprensión sobre el mundo,
experiencias, emociones, etc. Además de que es un ejercicio que a ellos les
ayuda a expresar lo que no son capaces de contar mediante el lenguaje
hablado o escrito, sobre todo cuando hablamos de los primeros años de vida.

En el texto que a continuación se desarrolla se tratarán diversos puntos

relacionados con el arte infantil según los escritos de diversos autores,
centrándonos en las aportaciones teóricas sobre arte infantil, sus etapas y otros
aspectos de interés que nos ayuden a comprender el lenguaje artístico de los
niños.

1. AUTOEXPRRESIÓN Y CREATIVIDAD

Según Lowenfeld y Lambert(1992):

“La Expresión Artística es importante para el niño, lo es para su proceso

mental, su desarrollo perceptivo y afectivo, su progresiva toma de conciencia
personal y social y por supuesto para su desarrollo creador”.

“Para el niño la expresión artística es más que un pasatiempo, es una

comunicación significativa consigo mismo, es la selección de las cosas y
materiales con las que se identifica de su medio y la organización de todas
ellas en un todo nuevo y con sentido”.

La autoexpresión es la manifestación que refleja emociones, sentimientos y

pensamientos del individuo en la construcción de formas. Lo que importa es el
modo de expresión y no el contenido. Por ejemplo cuando un recién nacido
llora es la primera forma de expresión utilizada para mostrar sus sentimientos,
podríamos considerarlo como la forma más auténtica de autoexpresión.

Mediante la expresión de sentimientos y emociones en el dibujo los niños

sienten una gran satisfacción, incluso cuando el dibujo de este sea un
garabato.

Cada niño tiene su propia forma de expresarse, estas manifestaciones son

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únicas e irrepetibles y nuestra labor como educadores es guiar y orientar para

que el niño explore por sí mismo, sin imponer modelos cerrados en la creación
de sus producciones.

Debemos encontrar un equilibrio, de modo que el niño se formule preguntas

mediante estímulos que posteriormente sea capaz de resolver él mismo.
A edades muy tempranas el proceso creador es más importante que el
resultado, por ejemplo, cuando un niño toma por vez primera unas tijeras y
aprende a usarlas, no importa lo que recorte sino más bien el uso de la
herramienta, su manipulación, movimiento, cómo se transforma el material que
él mismo está modificando.

El aprendizaje no debe ser concebido únicamente como una acumulación de

conocimientos, sino mediante la comprensión del uso, funcionamiento,
transformación, etc. De este modo contribuiremos a un aprendizaje
significativo.

2. INDICADORES CREATIVOS Y TÉCNICAS PARA DETECTAR LA

CREATIVIDAD.

Los indicadores son aquellos criterios que nos ayudan a decidir aquello que es
creativo. Nos sirven para detectar la creatividad.

A continuación muestro una lista de algunos indicadores extraídos de un

artículo de la revista digital Innovación y experiencias educativas.

Tabla 1. Indicadores creativos.

Dar respuestas inusuales para la

edad y el medio en el que se
ORIGINALIDAD desenvuelve
Capacidad de producir gran número
de ideas. Son mentes que siempre
FLUIDEZ(CANTIDAD DE buscan nuevos caminos por lo que
PRODUCTOS): aportan gran abundancia de
creaciones.
Sus respuestas son múltiples,
CAPACIDAD DE SER DIFERENTE inusuales y diferentes.
La mente creativa no se conforma
con la formulación de la respuesta,
CAPACIDAD E ELABORACIÓN
requiere un proyecto de
investigación y entrega personal.
SENSIBILIDAD PARA LOS Se implica en los problemas de los
PROBLEMAS demás y empatiza con ellos.

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CAPACIDAD DE REDEFINIR Habilidad de transformar algo en

otra cosa y usarlo con otro fin.
Desintegrar un todo en sus partes
para descubrir nuevos sentidos y
CAPACIDAD DE ANÁLISIS
relaciones entre los elementos de un
conjunto.
Enlazar elementos varios para
CAPACIDAD DE SÍNTESIS formar un todo novedoso.

Capacidad para usar con la máxima

eficacia todos los elementos
CAPACIDA DE DAR COHERENCIA A
evitando que algo sea inútil y que a
LA ORGANIZACIÓN.
todo se le saque el máximo
provecho.
La mente creadora ve la distancia
entre lo que ideó y lo que realizó,
PERFECCIONAMIENTO por lo que comprende lo limitado de
sus logros y se lanza a constantes
rectificaciones.
Se anticipa a las necesidades de los
COMUNICACIÓN demás para darles forma y
expresión.
Son capaces de inventar productos
novedosos, que aportan algo
NIVEL DE INVENTIVA
interesante a la economía el tiempo
o el dinero.
CAPACIDA DE ABSTRACCIÓN Y Pasan con facilidad de un tipo de
FLEXIBILIDAD pensamiento a otro.
No le importa que los demás lo
CONFIANZA EN SÍ MISMO encuentren raro o diferente.

APERTURA A LO NUEVO Y
Le gustan los retos
DESCONOCIDO

Extraído de Moreno, V. (2009)

3. FACTORES QUE FACILITAN LA CAPACIDAD CREADORA

En primer lugar podríamos enumerar algunos factores que serían propicios

para que el niño potencie su creatividad.

• Ambiente de seguridad y respeto, tanto a nivel físico como psicológico.

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• Un espacio luminoso, con variados estímulos visuales, en donde el niño

pueda desplazarse libremente sin riesgos.
• Relación de respeto consigo mismo y con los demás.
• Clima de confianza y de no juicio.
• Aceptación de la diversidad que proporcione al niño confianza y
seguridad en sí mismo.
• Ambiente motivador libertad psicológica.
• Respeto y aceptación mutuos.
• Actitud de empatía entre el maestro y los alumnos.

3.1. Libros de siluetas, recortes y modelos.

Este tipo de materiales son muy comunes, sin embargo, algunos autores
ponen en duda su eficacia en el aprendizaje.

Cuando el niño colorea la silueta de un perro, finalmente, obtenemos en la

clase 30 perros iguales, sin embargo si le decimos al niño, que dibuje un
perro, cada uno creará o imaginará su propio perro. Aún así, a los niños les
gusta colorear siluetas, pero que a ellos les guste no significa que sea
bueno para ellos.

Si más tarde pedimos al niño que dibuje un perro, intentará imitar la silueta
del perro que dibujo en aquella libreta, no lo conseguirá y se frustrará o dirá
“yo no sé dibujar”

El niño que se acostumbra a rellenar siluetas pierde su capacidad creadora

y pierde confianza en sus propias creaciones. Si lo que pretendemos es que
el niño coloree sin salirse de una silueta, hagamos que no se salga de la
silueta de su propio perro. Una silueta creada por sí mismo.

3.2. Estereotipos.

¿Por qué la mayoría de los niños que viven en bloques de pisos pintan las
casas con un tejado triangular? La respuesta es que algún adulto en algún
momento le ha enseñado a dibujarla así, o el niño ha visto en innumerables
ocasiones la representación de una casa de este modo.

Existen multitud de estereotipos en el dibujo infantil, los soles, las flores, los
árboles etc.

3.3. Ayuda a los niños en sus creaciones.

Si por ejemplo un niño le pregunta a su madre cómo dibujar un paisaje de

primavera, y la madre realiza un ejemplo, la madre impondrá su propia
imaginación sobre un paisaje de primavera, y de este modo el niño también
lo hará, sin embargo, sería más educativo decirle al niño, ¿Cómo te
imaginas un día de primavera?¿Hay flores?¿de qué colores?¿Hay
animales?¿hace calor?¿hace frío?

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3.4. Desproporción en el tamaño.

Muchas veces podemos observar cómo el niño pinta

desproporcionadamente en sus creaciones. Hemos de tener en cuenta, que
para un adulto, el tamaño y su representación es una interpretación de la
realidad, por tanto para él, será más correcto cuanto más se acerque a la
realidad que nos rodea, sin embargo los niños relacionan el tamaño a las
relaciones emocionales que establecen con las personas y objetos, de este
modo, pintarán a su muñeco más grande que a ningún otro objeto, debido a
la importancia emocional que tiene para ellos.

En estos casos debemos hacer entender al niño que la muñeca no entrará

en la casa que hemos pintado anteriormente y que tampoco podrá dormir
con nosotros porque es demasiado grande. Hemos de dar razones que
ellos entiendan.

3.5. Comentar sus dibujos.

Por ejemplo, cuando preguntamos un niño por lo que ha dibujado y nos da

demasiados detalles, pero estos no se observan en el mismo, podemos
hacer preguntas sobre su dibujo, ¿dónde está el columpio del que me
hablabas?¿estaba sujeto a un árbol?¿cómo era ese árbol? pero nunca
criticaremos la forma en la que él lo ha dibujado.

3.6. Materiales.

Los materiales son importantes, pero no debemos sobrecargar al niño de

herramientas, lápices, ceras, rotuladores, porque entonces estaremos
desviando su atención sobre estos, en lugar de sobre los resultados de su
uso. Tampoco debemos ser demasiado exigentes en su cuidado, a veces
los niños presumen en exceso sobre esto y resulta que tienen miedo a que
se les gaste un determinado color, por tanto debilitará su trazo o su
intención más pura.

En general son aconsejables, la pintura de dedos, lápices, ceras y tizas de

colores, rotuladores, acuarelas, arcilla y plastilina, papeles de diferentes
tamaños y colores y finalmente un cajón desastre(tijeras, pegatinas,
maderas, cuerdas, telas, corcho, pegamento, celofán, botones, piedras,
hilo…)

3.7. Dibujos repetitivos.

Cuando un niño por ejemplo dibuja muchos coches, nunca debemos decirle
“basta ya de pintar coches, siempre pintas lo mismo”, sino aprovechar su
interés para llevar su imaginación a otros ámbitos, por ejemplo, ¿dónde
podríamos ir este verano con ese coche?

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4. ETAPAS DEL ARTE INFANTIL

El dibujo infantil comienza a ser estudiado a finales del siglo XIX, al ser una
actividad que empezaba a formar parte de la educación artística de los niños,
por tanto diversos psicólogos, artistas y pedagogos realizaron investigaciones
al respecto, obteniendo como resultado diferentes teorías que nos ayudarán a
mejorar el análisis de los dibujos de nuestros alumnos. A continuación se
muestran algunos de los autores más importantes:

4.1. Según Víktor Lowenfeld

Víktor Lowenfeld (1903–1960) nace en Austria y estudia arte y psicología.

Fue profesor de educación artística en la Universidad Estatal de
Pensilvania donde ayudó a definir y desarrollar el campo de la educación
artística en los Estados Unidos. Nos ha dejado escritos tan importantes
como Desarrollo de la capacidad creadora(1947) o El niño y su arte(1954).

En el primero de sus títulos el autor muestra una visión del arte infantil
dividido en diferentes etapas donde se analizan las diferentes
manifestaciones artísticas de los niños según su edad. En ellas se analizan
la interpretación de estos sobre su propia realidad a través de la figura
humana, el grafismo, el espacio y el color.

Las etapas son:

• ETAPA DEL GARABATO (DE LOS 2 A LOS 4 AÑOS)
• ETAPA PRE ESQUEMÁTICA (DE LOS 4 A LOS 7 AÑOS)
• ETAPA ESQUEMÁTICA (DE LOS 7 A LOS 9 AÑOS)
• ETAPA DEL REALISMO (DE LOS 9 A LOS 12 AÑOS)
• ETAPA DEL PSEUDONATURALISMO (DE LOS 12 A LOS
13 AÑOS)
• ETAPA DE LA DECISIÓN (DE LOS 13 A LOS 14 AÑOS)

ETAPA DEL GARABATO(2-4años)

En esta etapa no hay una auténtica motivación para representar objetos o

personas sino simplemente una motivación hacia el movimiento.
Lowenfeld profundiza en esta etapa hablando de hasta tres tipos diferentes
de garabateos:

• Etapa del garabateo desordenado. El niño comienza a garabatear en

torno a los 18 meses. Estos primeros dibujos no tienen sentido ni
representan nada, y son desordenados, porque el niño aún no tiene
ningún control sobre sus movimientos. Cuando dibuja, el niño hace
movimientos burdos, y al dibujar mueve todo el brazo. Es común que el
niño ni siquiera atienda cuando dibuja. En este momento, el niño aún no
muestra ningún interés por el color.
• Etapa del garabateo controlado. El niño se va dando cuenta de cómo
sus movimientos afectan al papel y se siente atraído al comprobar como

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su movimiento afecta a su entorno. En este momento ya le atraen los

cambios de color cuando garabatea. Al placer motriz, se le añade el
placer visual, que se originará con el movimiento ocular durante el
trazado. Según Arheim(1980, citado por Martinez y Gutiérrez, 2011),
“hacer visible algo que antes no estaba ahí es una experiencia
emocionante”(p. 28)
En esta etapa podemos encontrar diferentes movimientos en la
coordinación, la rotación, moviendo la mano alrededor de la muñeca y el
movimiento lineal desplazando el brazo. Como consecuencia
encontramos grafismos como curvas cíclicas, madejas o barridos.
Etapa del garabateo con nombre. El niño observa los garabatos y les
busca un significado: “eso es una casa”, “ese es un niño”. Pero esta
explicación es a posteriori; el niño no intentaba dibujar eso y no hay
concordancia de color (por ejemplo, lo que ha dibujado con su lápiz rojo
dice que es un árbol).
El niño reconoce su gesto viéndolo reflejado en sus dibujos. Según
Lucart (1980, citado por Martinez y Gutierrez, 2011).”El ojo conduce a la
mano”.(p.31). Existe una fragmentación y una modulación en el trazo
gracias al control de velocidad y a la madurez sensorio-motriz.

ETAPA PRE ESQUEMÁTICA (4-7 años)

El niño se siente tan atraído hacia el dibujo que puede llegar a concentrarse
en la tarea durante media hora. El niño comienza a elaborar esquemas en
sus dibujos. En este momento por primera vez intenta reflejar algo. Aquello
en lo que por primera vez siente interés es en la figura humana, y la
manera en lo que lo representa es en los llamados “renacuajos”, que
muchas veces son una cabeza de la que surgen dos piernas largas. La
importancia que le da a la cabeza viene de que el niño lo relaciona con los
principales sentidos, con la alimentación y con el reconocimiento de la cara
de los seres queridos. Al principio los rostros y los dibujos tienen pocos
elementos, y poco a poco los va aumentando de forma progresiva.
Encontramos dos formas fundamentales de la representación gráfica,
ideográfica, no figurativa e iconográfica, figurativa. Para representar dichas
formas el niño se servirá de óvalos, triángulos, cuadrados, rectas paralelas,
líneas curvas…

ETAPA ESQUEMÁTICA (7-9 años)

Los dibujos representan el concepto del objeto para el niño. Aún así,
algunos dibujos se asemejan más que otros a la realidad. Esto dependerá
de su experiencia personal. Trata de representar el objeto tal cual es,
incluidos los colores.
En este período el espacio se va ordenando poco a poco usando para ello
las líneas horizontales y verticales. Nacen las primeras relaciones
direccionales usando la ortogonalidad. En palabras de Arheim(1980, citado
por Martínez y Gutiérrez, 20011), “el ángulo rectoes el más simple porque

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crea un esquema simétrico, y es la base de la armazón vertical y horizontal

sobre la que descansa toda nuestra concepción del espacio”(p.47)

ETAPA DEL REALISMO (9-12 años)

Hacia los 9 años la representación esquemática y las líneas geométricas

no bastarán para permitir que el niño se exprese; intenta ahora enriquecer
su dibujo y adaptarlo a la realidad. El dibujo es más natural. Es la edad de
la pandilla, una época en que sus pares (sus iguales) adquieren una gran
importancia. Descubren su independencia social. Los chicos disfrutan con
sus reuniones y códigos propios, en ese mundo lleno de emociones que los
mayores no comprenden.
Según Martínez y Gutiérrez (2011), las características de la representación
gráfica que resumen estos cambios en la etapa son:
• Abandono gradual de códigos establecidos y sus reglas en etapas
precedentes.
• Cambio en el concepto simbólico hacia un realismo descriptivo, más
cercano a la percepción visual.
• Creación de representaciones con tendencia a la objetividad en
detrimento de un enfoque más subjetivo.

ETAPA DEL PSEUDONATURALISMO (12-13 años)

El producto final adquiere cada vez más importancia. El dibujo ya tiene una
perspectiva espacial, y el dibujo del cuerpo adquiere un mayor significado,
aumentando las características sexuales en el dibujo.
La representación del espacio es más consciente de la profundidad y
aparecen los solapamientos desapareciendo los rasgos del dibujo infantil.

ETAPA DE DECISIÓN (13-14 años)

El niño decide cuál técnica desea perfeccionar y elige una, según el

producto que desea obtener. Lo dibujado demuestra sentimientos.
En esta etapa el niño pierde el interés por el dibujo y la creación artística en
general. El descubrimiento del lenguaje oral y escrito como un sistema más
aceptado socialmente y que se adecúa más a sus necesidades, hace dejar
a la expresión artística en un segundo plano. El mayor reconocimiento
social de la figuración, los patrones estéticos que provienen del mundo
adulto especializado, como dibujantes de cómics, ilustradores, dibujos
animados, etc., y sobre todo la crítica hacia sus obras creadas, podrían ser
consecuencia de esta pérdida de motivación.

4.2. Según Luquet

Luquet, catedrático de filosofía nacido en Francia(1876-1965)estudia la

evolución del dibujo infantil partiendo de lo que más tenía a mano; los
dibujos de su hija. Entre sus obras destaca Los dibujos de un niño (1913) y
El dibujo infantil (1927).

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Este autor, nos muestra diferentes etapas:

• REALISMO FORTUITO (2-3 años)

• REALISMO FRUSTRADO (3-5 años)
• REALISMO INTELECTUAL (5/6-8 años)
• REALISMO VISUAL (7-12 años)

REALISMO FORTUITO (2-3 años)

El niño no tiene intención de dibujar algo concreto, son garabatos que a

medida que va dibujando puede que les ponga nombre o que les recuerde a
algo en ese momento y le den un significado fortuito: por ejemplo hace un
garabato y cuando termina lo mira y lo deja, o bien puede decir: es una
mariposa, porque es probable que de repente le recuerde a una mariposa,
sin que su intención al dibujar fuese realizar algo concreto.

REALISMO FRUSTRADO (3-5 años)

Es la etapa en la que quiere dibuja algo pero aún no puede organizarlo

adecuadamente y el dibujo sale distorsionado o mal dibujado o con
elementos extraños. Es la etapa que otro autores denomina la del renacuajo
o monigote, porque el niño quería dibujar una figura humana y dibuja un
círculo y dos palotes de piernas, puede complementar algunos detalles pero
el dibujo es simple y desorganizado, los brazos pueden salir de la cabeza,
por ejemplo y a la vez, si le decimos y ¿el pelo?, añadir el pelo y
confundirse con los brazos.

REALISMO INTELECTUAL (5/6-8 años)

Es un dibujo muy parecido a la realidad, o por lo menos lo intentan pero aún

no puede dibujar con la perspectiva necesaria para que el dibujo se acerque
a un parecido real, de hecho pueden pintar vestidas a las personas pero
con ropa interior visible o con los genitales. Representan realidades
superpuestas.

REALISMO VISUAL (7-12 años)

Es a partir de los 7 u 8 años cuando buscan que el dibujo se parezca lo más

posible al modelo real. Y ya tienen suficientes habilidades y capacidades
para lograrlo, puede ser un dibujo muy bien trazado o no tanto pero la
realidad queda reflejada en el dibujo.

4.3. Según Burt.

Burt, fue un psicólogo inglés(1883-1971)que contribuyó a diversos estudios

sobre psicología educativa y diferencia en sus investigaciones siete etapas
en el desarrollo del dibujo infantil:

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• GARABATEO (2-3 años)

• LA LÍNEA (4 años)
• SIMBOLISMO DESCRIPTIVO (5-6 años)
• REALISMO (7-9 años)
• REALISMO VISUAL (10-11 años)
• REPRESIÓN (11-14 años)
• RENACIMIENTO ARTÍSTICO (adolescencia)

GARABATEO (2-3 años)

Se caracteriza por sus trazados deliberados donde el niño comienza a

intentar reproducir objetos de la realidad.

LA LÍNEA (4 años)

El niño comienza a controlar el lápiz y representa la figura humana

mediante la yuxtaposición.

SIMBOLISMO DESCRIPTIVO (5-6 años)

La figura humana surge como un esquema indefinido e imperfecto, ya que

las partes del cuerpo parecen desproporcionadas.

REALISMO (7-9 años)

Se basa en la descripción y representación de la realidad mediante el uso

de símbolos añadiendo detalles que se acerquen más a ella.

REALISMO VISUAL (10-11 años)

El dibujo infantil comienza a mostrar un desarrollo en la técnica que da

lugar al dibujo bidimensional, respecto al contorno y silueta, y el dibujo
tridimensional, que muestra ya el perfil de los objetos, y el niño dibuja
paisajes en los que utiliza la perspectiva y la superposición.

REPRESIÓN (11-14 años)

Los dibujos son más elaborados donde se usan elementos geométricos y

existe un dominio técnico en la perspectiva.

RENACIMIENTO ARTÍSTICO (adolescencia)

Estos dibujos tienen una importancia en el aspecto técnico y estético, y con

ellos el niño tiene gran interés por contar algo.

4.4. Según Ives y Gardner

William Ives y Howard Gardner realizan un análisis en función de las

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influencias culturales en el desarrollo del dibujo infantil que los lleva a

identifica tres etapas.

DOMINIO DE LOS PATRONES UNIVERSALES (1-5 años)

Los dibujos presentan las características comunes en cualquier tipo de

cultura, los garabatos, trazos más definidos, figuras y objetos.

FLORECIMIENTO DEL DIBUJO (5-7 años)

Período de transición, los niños han adquirido a través del lenguaje el

dominio de las formas simbólicas dominantes de su cultura. Dependiendo
de las normas vigentes en la escritura, los niños comienzan a dibujar desde
la izquierda o a la inversa, y desde arriba hacia abajo.

APOGEO DE INFLUENCIAS CULTURALES(desde 7 años)

El niño tiende a adoptar las características propias de su cultura, como

esquemas, modelos y clasificaciones, y la característica común es la
búsqueda de un realismo visual.

5. RASGOS QUE DEFINEN EL DIBUJO INFANTIL

! El principio de la aplicación múltiple. Por el que una misma forma puede

servir para representar muchas cosas diferentes. Este fenómeno al que
también se ha denominado proceso de esquematización consiste en utilizar
una figura simple, por ejemplo un círculo, un rectángulo, un triángulo, u
otras formas no necesariamente geométricas para representar una gran
variedad de objetos o partes del cuerpo humano. Con un reducido”
vocabulario gráfico” se pueden representar muchas cosas diferentes. La
misma forma circular sirve para definir el sol, el cuerpo de los pájaros, o la
cabeza de las personas. Por su parte, las líneas rectas sirven para
representar los rayos del sol, las patas de los animales, o los brazos y
manos de las personas, indistintamente.
Este proceso es de una gran utilidad al dibujante, tanto pequeño como
adulto, por su economía de medios y su eficacia comunicativa.

! Líneas de base. Es una línea horizontal que cruza de parte a parte la zona
inferior del dibujo, sobre la que se apoyan los personajes y objetos.
La línea base es un procedimiento gráfico muy útil para resolver el problema
de la representación del espacio tridimensional. La división en zonas o
franjas horizontales de la superficie que representación indicará con toda
claridad, lo que está abajo, qué elementos hay próximos al espectador y
cuáles están más alejados, de acuerdo con la siguiente regla: la zona
inferior del dibujo significa cerca, la zona superior del dibujo significa lejos.
El filo del papel también puede ejercer de línea de base.

Estrada(1987), realiza una investigación demostrando que casi las tres

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cuartas partes del total de los niños elegidos para el experimento

concretamente el 76% con dos años de edad, carecen de línea de base ,
sin embargo a los tres años el porcentaje se reduce al 12%. A partir de
entonces se recurrirá a diferentes modos de usar la línea base según la
edad. Apoyarán sus figuras justo en el borde inferior del papel sin dibujar
explícitamente una línea de base, el 52% a los cuatro años y dibujarán una
línea de base alejada unos centímetros del límite inferior del papel, el 33% a
los seis años.

! Perpendicularidad. La relación entre un objeto y la base en la que se

apoya es perpendicular, sea cual sea la orientación espacial concreta que
tenga esa base. Por ello, siempre que esa línea base se aleje de la
horizontal, los objetos o personajes que sobre ella se dibujen serán
perpendiculares a su base propia, aunque en el conjunto de la escena
parezcan inclinados o torcidos. Este principio explica la curiosa orientación
oblicua de la típica chimenea y quizás del humo que sale de la chimenea,
sobre el tejado a dos aguas de las casas. En ocasiones, también los árboles
brotarán perpendiculares d las inclinadas laderas de las montañas.

! Importancia del tamaño. Las figuras humanas, las partes del cuerpo o los
objetos más importantes, ya sea desde su punto de vista emocional,
funcional o semántico, deben tener un tamaño mayor que los elementos
secundarios. Por ejemplo, el brazo que ejecuta una acción se dibujará más
grande que el que no hace nada, o las partes del cuerpo de mayor
importancia expresiva, como los ojos y la boca, y por supuesto la cabeza en
relación con el cuerpo, adquirirán unas proporciones desmesuradas. En
algunas ocasiones solo se dibuja, y con un tamaño considerable el objeto o
parte del cuerpo que realiza la acción.

! Principio de aislamiento. Para representar un conjunto compuesto de

elementos similares ya sean los dedos de la mano, todos y cada uno de los
múltiples pelos de la cabeza o la infinidad de briznas de yerba o de césped
que cubren el campo se preferirá, normalmente, dibujar los elementos
constitutivos, uno a uno, y en su disposición característica, como si se
tratase de unidades aisladas, antes que someterlos o dibujarlos en una
forma general que represente globalmente al conjunto. De este modo, el
cabello que cubre la cabeza será dibujado pelo a pelo, o bien cada una de
las flores o de los árboles exhibirá todas sus hojas o frutas.

! Principio de imperativo territorial. Cada elemento que aparece en el

dibujo dispone de un espacio propio e inviolable. En el dibujo infantil es muy
raro que aparezcan ocultamientos o superposiciones. Todo lo que tenga
que verse en el dibujo se mostrará en toda su extensión y con sus perfiles
característicos. Por ello, los sombreros no se introducen en la cabeza sino
que son tangentes al pelo, y los objetos, juguetes o herramientas que se
sostienen en las manos, se dibujan rozando la punta de los dedos. Si es
necesario, el lomo de los caballos se prolongará hasta dar cabida a dos
jinetes.

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! Principio de la forma ejemplar. De entre los posibles modos de

representación de un objeto se preferirá aquel que mejor describe sus
principales cualidades visuales. Esto significa que cada parte de un objeto o
personaje, y cada objeto y personaje dentro de la misma escena aparecerá
representado desde el punto de vista que mayor información proporcione
sobre este elemento, aunque ello contradiga su situación concreta en ese
conjunto. En general, las representaciones se aproximarán, con gran
exactitud a la proyección ortogonal de ese objeto o elemento. Así los
caballos aparecen normalmente de perfil, las manos con todos los dedos
extendidos y los aviones mostrarán rotundamente toda la superficie de sus
dos alas.

! Simultaneidad. Cada parte de la figura se dibujará de acuerdo con el punto

de vista que más se aproxime a la “forma ejemplar” de esa parte. Por
consiguiente las orejas y los ojos se presentarán habitualmente de frente,
ya esté el conjunto de la cabeza de frente o perfil. Las manos tenderán a
mostrar su cara interior completa. Los pies se presentarán siempre de perfil
aunque el conjunto de la figura humana aparezca de frente.

! El abatimiento. Los elementos eminentemente verticales, tales como las

personas, las casas o los árboles, serán dibujados frontalmente y los
elementos eminentemente horizontales, como los campos cultivados, las
piscinas, las mesas, las carreteras aparecerán “a vista de pájaro”, de tal
manera que siempre se presente el espectador la superficie más extensa
del objeto.

! Visión de rayos x. Por el que se dibuja todo lo que sea necesario describir
explícitamente en la imagen, aunque para ello haya que hacer
“transparentes” las paredes de las casa o de los automóviles. De este
modo, se pondrá contemplar tanto el interior como el exterior de los edificios
y vehículos. Las edades más proclives a este rasgo son desde los seis a los
ocho años de edad.

6. DESCRIPCIÓN FORMAL.

Los puntos que deben aparecer en el análisis son:

• Presentación del niño. Edad, entorno socio-cultural. Aspectos que nos

ayuden a conocerlo.
• Relacionar con una etapa según Víktor Lowenfeld(1947).
• Analizar rasgos característicos estudiados en el apartado anterior, líneas
de base, aislamiento, abatimiento, tamaño de las figuras, etc.
• Analizar otros aspectos como el trazo, la técnica, el color o los
comentarios que el niño haya realizado sobre el dibujo y algunos de los
aspectos que se apuntan a continuación.

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TEMA_2: Arte Infantil: Producción y aprehensión Laura Herrera Cuadrado

Además podemos atender a las siguientes sugerencias si queremos ampliar

el análisis. Hemos de tener en cuenta que este apartado es más
interpretativo y no debemos hacer juicios de valor ni mucho menos
diagnósticos.

Cabe señalar y remarcar que debemos evitar caer en el error de

generalizar, muchas veces los dibujos no significan nada o son solo la
expresión de un malestar puntual.

Recordemos que los niños pueden ir modificando o alternando su forma de

dibujar según el momento que estén viviendo. La clave está en detectar
posibles miedos, ansiedades y preocupaciones para poder ayudarlos a
superarlas.

Para ello podemos observar:

• El modo de sujetar el lápiz.

Sujeción suelta: tenemos delante a un niño relajado y tranquilo.

Sujeción firme y apretada: denota tensión o nerviosismo.

• Cómo ocupa el espacio. Como no podría ser de otro modo, debido al

egocentrismo propio de los niños, observamos que el niño suele
dibujarse siempre en el centro de la hoja, un modo de percibirse el
centro del mundo, algo natural en los pequeños, mientras que alrededor
ubica a las representaciones simbólicas relacionadas con su yo.

La forma en que ocupa el espacio nos habla sobre la manera en la que

el niño actúa ante el mundo.

Si dibuja en toda la hoja es un niño más extrovertido, dinámico,

participativo.

Si solo ocupa una parte de la hoja estaremos delante de un niño más

retraído, tímido e inhibido.

• Cómo es el trazo, fuerte, débil. La forma en que utilizan los lápices,

colores o rotuladores dice mucho acerca de su personalidad. Los
apasionados rompen más de una cera y hunden las puntas de los
rotuladores. Sus trazos en el papel son enérgicos, fuertes, rítmicos. Los
sensibles casi temen apoyar los colores en el papel y sus líneas son
suaves. Los inseguros o perfeccionistas dibujan las líneas en pequeños
trazos discontinuos y borran a menudo.

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TEMA_2: Arte Infantil: Producción y aprehensión Laura Herrera Cuadrado

• Lo que cuenta el niño de su dibujo. Aporta mucha información sobre

lo que siente. A veces, basta con escucharle mientras dibuja, pues
suelen hacerlo con exclamaciones o canturreos. En caso de preguntar,
conviene tener cuidado de no inducir las respuestas para que sea él
quien exprese sus sentimientos.

• Qué forma tienen los trazos: curvos, angulosos... Los trazos

continuos de formas redondeadas demuestran un estado afectivo
sereno, conciliador. Suelen denotar un espíritu dócil.

Los trazos interrumpidos de formas quebradas y

puntiagudas demuestran tensión, impulsividad y desconfianza hacia los
demás.

• Tachaduras y borrones. En muchas ocasiones nos encontramos con

niños que borran una y otra vez aquello que han dibujado, que lo tachan,
que lo repiten una y otra vez, niños que nunca se acaban de sentir
satisfechos con lo que han hecho. Se trata de niños con baja
autoestima, que manifiestan a través de sus dibujos una falta de
confianza en sí mismos, y su inseguridad provoca que borren y tachen
sus dibujos constantemente.

• El color. Los colores intensos y vivos como el rojo, naranja y amarillo

hablan de un niño vital, dinámico y exigente. Los colores azules y verdes
denotan una naturaleza tranquila y equilibrada. Serán propios de niños
reflexivos y sensibles.

El negro suele ser un color mal interpretado por los adultos. Los padres
se preocupan cuando los dibujos de sus hijos contiene mucho negro
pues suelen asociarlo a algo malo o trágico. En realidad, el color negro
es propio de un niño seguro y con confianza en sí mismo. El rojo y el
negro son colores que ofrecen el mayor contraste con el blanco del
papel lo que les hace ser colores muy utilizados por los niños. No tienen
que ser “malos” a priori.

• Los temas de los dibujos. El dibujo libre, es decir, que los niños
dibujen lo que ellos deseen, es una buena forma de que expresen sus
deseos y motivaciones en un momento dado, donde nos podremos
hacer una idea de sus intereses, gustos, aficiones…pero los temas que
más nos ayudan a conocer mejor cómo se ven ellos ante el mundo son:
un árbol, la figura humana y la familia . Cuando los temas son muy
repetitivos, hay que incentivarlos para que dibujen otros motivos.

• El tamaño. Cuando en un dibujo, un elemento está claramente

desproporcionado, requiere que le prestemos cierta atención. Lo normal
es que el niño dibuje más grande lo que más le importa, pero cuando la
desproporción es exagerada, puede significar agresividad o temor. Si el
niño se dibuja a sí mismo pequeño y con trazo suave, sugiere timidez.

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TEMA_2: Arte Infantil: Producción y aprehensión Laura Herrera Cuadrado

Los niños que sienten celos hacia sus hermanos los dibujan diminutos,
en un lado de la hoja e incluso los omiten.

Los que prefieren formatos pequeños para dibujar son niños con
capacidad de concentración, aunque también denotan falta de confianza.
Al contrario, los que prefieren grandes hojas de papel suelen ser
dispersos pero con una gran autoestima.

El espacio superior de la hoja representa la cabeza, la imaginación, el

intelecto. La parte inferior nos informa de las necesidades físicas y
materiales que puede tener el niño. El lado izquierdo nos indica que sus
pensamientos giran alrededor del pasado (preocupación, regresión o
apego a algún recuerdo). La parte central representa el momento actual
y la zona derecha es el espacio de proyección o del futuro.

Los niños que dibujan sólo en la parte inferior y a la izquierda de la hoja

pueden tener problemas de imaginación o alguna inhibición para poder
dibujar.

• La técnica. En cuanto a la técnica los niños que prefieren los lapiceros o

rotuladores son reflexivos y analíticos. Les importa el resultado final de
su dibujo.

Los que se inclinan por las ceras blandas y las témperas son niños más
sensoriales y manuales. Les suele gustar mancharse o por lo menos, no
les importa.

Los creativos no dudan en utilizar todos los colores de la caja aunque no

siempre correspondan a la realidad. Utilizan el color de forma simbólica.
También pegan a menudo trocitos de papel cortados con tijeras o
rasgados para hacer collages.

Los realistas se preocupan por centrar muy bien sus dibujos en la hoja y
de ponerles la línea del suelo para que todo esté bien apoyado. Es
probable que dibujen sólo con lapiceros y que apliquen el color conforme
a lo que ven.

• El tiempo que tarda en realizar el dibujo. El tiempo que tarda en

dibujar y entregar su producción artística, además de demostrar su
habilidad psicomotriz nos da también cierta idea de cómo es este niño:
ansioso, impaciente, tranquilo, calmado o relajado.

Los niños que van demasiado deprisa y entregan el dibujo antes de

terminarlo demuestran su impaciencia, por lo que tratan de deshacerse
de la tarea lo antes posible, quizás porque hayan perdido el interés en el
dibujo o por que ya no les resulta placentero.

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TEMA_2: Arte Infantil: Producción y aprehensión Laura Herrera Cuadrado

Por el contrario, aquellos niños que van lentos, excesivamente despacio

y se entretienen en los detalles irrelevantes, pueden estar indicando
cierta inestabilidad, inseguridad o baja autoestima. Normalmente son
niños que están muy pendientes de lo que los demás piensan sobre
ellos y esto les genera mucha inseguridad, influenciables y vulnerables

7. FUENTES DOCUMENTALES.

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Recuperado de https://goo.gl/rL6DhG
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• MARÍN, R. (1988). El dibujo infantil: tendencias y problemas en la
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