ÍNDICE

PRESENTACIÓN 3

EL PROCESO PARALELO DE BEUYS 4

EJES TEMÁTICOS 8

BEUYS Y MÁS ALLÁ. EL ENSEÑAR COMO ARTE 11

ENTREVISTA A JOSEPH BEUYS (FRAGMENTO) 13

BIOGRAFÍAS 14
BEUYS Y MÁS ALLÁ
JOSEPH BEUYS
LOTHAR BAUMGARTEN
JÖRG IMMENDORFF
IMI KNOEBEL
BLINKY PALERMO
KATHARINA SIEVERDING
NORBERT TADEUSZ

COORDENADAS
MARIO RANGEL FAZ
GRUPO SUMA
ATTE. LA DIRECCIÓN

GLOSARIO 19

Blinky Palermo (1943 - 1977)

Sin título, (detalle) 1973
de la “Carpeta de murales de Hamburger Kunstverein"
Litografía sobre papel de tina
Colección del Deutsche Bank

MARCO - Departamento de Educación 2

PRESENTACIÓN 1
El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta Beuys y más allá. El enseñar como
arte; un diálogo directo entre la obra en papel proveniente de la Colección Deutsche Bank del
artista Joseph Beuys (1921-1986) y la de seis de sus estudiantes: Lothar Baumgarten (1944),
Imi Knoebel (1940), Jörg Immendorff (1945), Blinky Palermo (1943-1976), Katharina Sieverding
(1944), y Norbert Tadeusz (1940).

La exposición documenta la notable labor de Beuys como maestro y

artista durante el periodo de la postguerra en Alemania y muestra las
muy diferentes posturas, técnicas y medios que impulsó a sus alumnos a
explorar en los 105 trabajos que la comprenden.

El diálogo se extiende al arte contemporáneo latinoamericano, al

vincularse con la exposición retrospectiva de la trayectoria de más de 30
años del artista y maestro mexicano Mario Rangel Faz (1956-2009).
Coordenadas, Mario Rangel Faz es presentada junto al trabajo de los
colectivos Grupo Suma y Atte. La Dirección, de los cuales fue miembro
fundador.

NOMBRE DE LA EXPOSICIÓN: Beuys y más allá. El enseñar como arte

En diálogo con la muestra Coordenadas, Mario Rangel Faz.

CURADURÍA: Por parte de Deutsche Bank, Friedhelm Hütte, Liz

Christensen y Christina März. Por parte del Museo Universitario de Arte
Contemporáneo (MUAC), Vicente Rojo Cama y Mariana Elizondo.

SALAS: 5 / Planta baja.

DURACIÓN: Del 28 de enero al 24 de abril de 2011.

TÉCNICAS: Dibujo, fotografía, grabado, collage, serigrafía, acuarela, tinta,

óleo, entre otras.

NÚMERO DE OBRAS: Beuys y más allá, 105 piezas. Coordenadas, 136 Atte. La Dirección /
Carlos Somonte
piezas. Día de muertos (detalle), 1983
Instalación
CATÁLOGO: Incluye textos de Friedhelm Hütte, Petra Richter y Christian
Viveros-Fauné. Disponible en Tienda MARCO.

1
Extracto del boletín de prensa editado por MARCO.

MARCO - Departamento de Educación 3

 EL PROCESO PARALELO DE BEUYS
Todo conocimiento humano procede del arte.
Joseph Beuys

La obra de Joseph Beuys trae a la mente un sinnúmero de ideas y conceptos que envuelven su
vida, enseñanza y piezas de arte, entrelazadas todas ellas con una carga de vivencias y
significados personales.

Para tener una idea de interpretación a sus piezas es importante conocer su vida. Joseph
Beuys nació en Krefeld, Alemania, el 12 de mayo de 1921. Durante la Segunda Guerra Mundial
fue piloto de un bombardero; en el invierno de 1943 su avión se estrelló en Crimea. Beuys
relata sobre esta situación relata la forma en que los tártaros le salvaron la vida al envolverle
el cuerpo con grasa y fieltro, lo que explica la aparición recurrente de estos materiales en su
obra. Participó en múltiples misiones de combate y posteriormente, en 1945, fue hecho
prisionero en Gran Bretaña hasta 1946.

En 1947 Joseph Beuys ingresó a la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf, Alemania, donde
estudió pintura y escultura hasta 1952. A partir de 1955, aproximadamente, vivió como
ermitaño y trabajó como peón en una granja. Pero su necesidad de continuar con la labor
artística le llevó a regesar a Düsseldorf, en 1961, ahora como docente de escultura, aunque fue
expulsado en 1972 por apoyar a estudiantes radicales. Seis años más tarde fue readmitido por
la Academia de Arte y continuó con su labor de enseñanza.

Sus esfuerzos a favor de la democracia

directa, el medio ambiente y otras causas
similares incluyeron la utilización de un local
de la Documenta de Kassel en 1972 como
oficina, la presentación, sin éxito, de su
propia candidatura para el Bundestag –
cámara del Parlamento– en 1976 y la
organización de una campaña para plantar
árboles en Düsseldorf.

Estas vivencias fueron fundamentales para el

cambio más importante de sus paradigmas
artísticos, el desplazamiento del centro de
Joseph Beuys, (1921 - 1986) interés creativo. Beuys no buscaba producir
Ifigenia / Tito Andrónico (detalle), 1985. objetos «obras», sino acciones. Su trabajo
Fotografía en positivo y negativo sobre film, objeto de vidrio
en marco metálico.
abarca desde performances –como Coyote:
Colección del Deutsche Bank Me gusta América y a América le gusto yo
(1974), en la que convivió con un coyote y un
cobertor de fieltro dentro del espacio de una galería neoyorkina– hasta esculturas como El
final del siglo XX (1983) constituida por 21 piezas de roca basalto taponadas con grasa y
objetos más convencionales, entre ellos dibujos y acuarelas.

En el trabajo de Beuys sobresale el uso recurrente de la grasa como material de modelado,

elemento que pudiera ser interpretado como el corazón de la plástica, una especie de centro
emisor de calor y energía. La relevancia de la grasa radica en su naturaleza física: al ser
amorfa, únicamente puede ser moldeada de manera temporal a partir de su temperatura. Es
decir, el calor y el frío le restituyen sus características metamórficas y, de acuerdo a esta gama

MARCO - Departamento de Educación 4

de lecturas, su situación física varía. Al ser un material permeable y transformable, tiene las
cualidades de movimiento –generado por la expansión– y concentración –provocado por la
temperatura.

Otro elemento fundamental que Beuys plantea en su trabajo como polaridad y filosofía es el
concepto del nómada. Dentro de la rutina en el reino del hombre urbano sedentario, el artista
buscó evocar el desplazamiento continuo, la existencia en un lugar como el origen de un
camino hacia todos los lugares, el goce del movimiento y la proyección hacia el volumen
completo del espacio. Esta parte conceptual va fuertemente enlazada con las polaridades de
arte y vida; arte y ciencia; cultura y naturaleza, nociones con
frecuencia presentes en la filosofía que Beuys procesó para
su propio pensamiento, con la cual buscaba una obra de
arte total y una imagen romántica del creador absoluto.

Alguien podría decir que, sin duda alguna, sus obras y

acciones se acercan más que ninguna otra a este concepto,
en especial por ese dominio del lenguaje que lleva a
emplear palabra e imagen en sus obras. De esta forma llega
a designar con el término proceso paralelo la importancia
del lenguaje en su trabajo: «el elemento material del arte
tiene que ir acompañado de la expresión verbal de lo
espiritual».
Joseph Beuys, (*1921 - 1986)
Cisnes, 1953
Considera además a la «acción» como parte de sus medios Acuarela, barniz y lápiz sobre papel
artísticos y de expresión y no como un mero recreo o un Colección del Deutsche Bank
acto de provocación y participación. Beuys consideró a la
acción como una experiencia catártica, un rito de iniciación donde, desde una perspectiva
antropológica, arte y ritual iban unidos de un modo dramático en operaciones chamánicas de
intensa concentración y hondo alcance espiritual.

Estos conceptos, entre otros, definieron su particular estilo de enseñanza dentro de la

Academia Estatal de Arte (Staatliche Kunstakademie) de Düsseldorf, Alemania. Ideas de
aliento a su espíritu vanguardista, el cual buscó convergir arte y vida sin dejar de lado la
proclama de que todo ser humano es depositario de una fuerza creativa. Para Beuys esa
«fuerza creativa universal» era «revelada en el trabajo» y, por tanto, la tarea del artista no es,
en su raíz, distinta de la de los no artistas.

La creatividad no está limitada a aquellos que ejercen una de las artes

tradicionales, e incluso en éstos no se limita al ejercicio de su arte. Hay en todos
un potencial de creatividad que queda cubierto por medio de la agresión de la
competencia y del éxito. El descubrir, investigar y desarrollar este potencial debe
ser tarea de la escuela. La política es arte también en este sentido: no como el
‘arte de lo posible’ sino de la liberación de todas las fuerzas creativas.
Joseph Beuys

MARCO - Departamento de Educación 5

 Beuys concibió que «todo conocimiento humano procede del arte». Esto se podría interpretar
como que toda capacidad procede en sí de la capacidad artística del ser humano, es decir, de
ser activo creativamente, por lo que declaró que «el concepto de ciencia es sólo una
ramificación de lo creativo en general (…) hay que fomentar una educación artística para el ser
humano, pero no como una materia relegada al mero ámbito de las
manualidades, sino emplazada estratégicamente en el centro del Imbricar:
currículum académico, como el medio más eficaz en la reproducción de la Entrelazar o
inteligencia técnica y el desarrollo de nuevas miradas sobre las cosas, un trabar un hecho,
campo para el ejercicio crítico de la configuración espacial». Conforme a circunstancia o
estas convicciones, para Beuys este tipo de enseñanza académica y idea, con otro u
entrenamiento era la forma en que se debía preparar adecuadamente a otros de modo
los futuros ciudadanos. Su inspiración era un concepto de estética que queden
ampliado de competencias necesarias para la solución de tareas políticas unidos
del futuro (urbanísticas, energéticas y sociales), que imbricaban en su estrechamente.
quehacer todos los medios de expresión humanos.

Junto al trabajo de creación artística y transmisión de las reglas de los procesos configurativos,
el objetivo de la enseñanza académica de Beuys era la formación de conocimientos sobre
aspectos de su amplio concepto del arte, su «teoría plástica» y su idea de la «escultura social».

El éxito de su enseñanza se reflejó en el gran número de

estudiantes que tuvo, al igual que en la diversidad de orientaciones
artísticas de estos. A través de su heterodoxo modo de instruir y sus
detalladas correcciones desarrolló, en interacción con sus alumnos,
nuevas normas de enseñanza. Hacer caso omiso de un «plan de
estudios fijo», le permitió dar el impulso para que «cada uno creara
siguiendo su intención, pero cuestionándola para que algo se
aclarase». Beuys, al renunciar a la instrucción claramente formulada
y a un programa que estableciera reglas fijas, además de tareas
precisas, se distanció explícitamente de la tradición académica y de
su programa formalista de enseñanza. El método de Beuys no les
dejaba tiempo ni espacio libre a los estudiantes, además de
conducirlos con frecuencia a expresiones gráficas imitativas.

El rechazo de la enseñanza académica tradicional no significó una

renuncia a los elementos artísticos formales como el aprendizaje de
técnicas y el apego al natural, cuya «inmediata analogía con el
Joseph Beuys, (1921 - 1986) estudio académico del desnudo» era apoyada totalmente por Beuys.
Para Blinky, sin año. Dibujar un objeto hasta conocerlo a fondo, desarrollar la
Offset sobre papel según una fotografía sensibilidad para las proporciones, planificar y realizar de manera
de D. M. Marcovicz concentrada un tema, también eran parte del programa de
Colección del Deutsche Bank
actividades en clase. Beuys simplemente eliminó el «dibujar bello y
detallado» para en su lugar prestar especial atención a notas
concisas, a «esbozos de pensamientos momentáneos, a cuerpos plásticos que querían
encontrar una forma». Para Beuys, dibujar era «pensar materializando» por medio del que uno
podía apoderarse de todo y hacerlo perceptible, concepto que también se ve en su trabajo
como artista. 2

2
Extracto de texto «Joseph Beuys como maestro – desafío para el hallazgo de sí mismo» por Petra Richter,
publicado dentro del catálogo Beuys y más allá. El enseñar como arte, Deutshe Bank AG, Frankurt am Main,
Alemania, 2010.

MARCO - Departamento de Educación 6

A Beuys el pintor, escultor, utopista, diseñador gráfico, teórico del arte, político, poeta, hombre
de las cavernas, profesor, líder carismático, chamán, padre de familia, héroe de guerra
(condecorado dos veces con la Cruz de Hierro), reconvertido político pacifista y militante del
Partido Verde, no le interesaba exponer. Exhibir siempre fue para él una excusa para hablar
de la utopía del arte ante numerosas audiencias; se resistía a que su obra quedara confinada a
galerías, museos y páginas culturales de la prensa del espectáculo. Beuys fue un ácido crítico
del sistema artístico.

En conclusión, es posible decir que Joseph Beuys tuvo el deseo, como catedrático y como
artista, de experimentar con nuevos medios de expresión artística y nuevas realidades
sociales, mismas que contribuyeron a la fama y popularidad de su enseñanza y su clase,
distanciada cada vez más de las otras clases. Beuys se mostró abierto ante la politización de
los estudiantes a mediados de la década de 1970 y apoyó su movimiento de protesta que no
solamente favorecía y activaba las posiciones antiautoritarias, sino que estimulaba a una
polémica intelectual más fuerte en torno a la realidad social, así como al papel y función del
arte. Una de las grandes metas que mantuvo fue la unión de arte y vida. En este sentido es
posible hablar de un Beuys propiamente político, empeñado en encarnar el concepto de
«escultura social», que apunta a toda manifestación que ayude al mundo a recuperar su
espíritu y su solidaridad como gran motor de cambio y desarrollo de las condiciones de vida
humana.

Joseph Beuys, (1921 - 1986)

Ifigenia / Tito Andrónico (detalle), 1985.
Fotografía en positivo y negativo sobre film, objeto de vidrio en marco metálico.
Colección del Deutsche Bank

MARCO - Departamento de Educación 7

EJES TEMÁTICOS
Los ejes temáticos buscan articular los diferentes elementos y argumentos presentes en la
exposición a fin de organizarlos en forma coherente para el proceso de enseñanza-
aprendizaje y facilitar así que el público genere relaciones entre conocimientos previos y
nuevos.

En Beuys y más allá. El enseñar como arte es posible apreciar piezas en papel de la Colección
Deutsche Bank que nos muestran diferentes resultados de los estudiantes de Joseph Beuys,
quienes desarrollaron una amplia variedad de medios, estrategias, principios estéticos y
contenidos.

Al comparar los trabajos de los estudiantes con los de su mentor, resulta evidente que, a pesar
de los paralelismos estilísticos o temáticos con la obra de Beuys, no se les puede considerar
totalmente influenciados por ésta. Al contrario, el mismo Beuys declaró que su meta era
apoyar a sus estudiantes para que encontraran su camino de manera individual: «No me he
esforzado de ninguna manera en insistir sobre los demás acerca de lo que es o ha sido mi idea
del arte, sino que siempre he buscado las posibilidades que cada individuo posee». No
obstante, es este paralelismo de conceptos el que logra el vinculo con la exposición
Coordenadas, en la que Mario Rangel Faz, en diálogo con el Grupo Suma y Atte. La Dirección,
propicia esta convergencia de conceptos.

Las temáticas sugeridas buscan invitarnos a interpretar las obras expuestas en Beuys y más
allá. El enseñar como arte, y facilitar la divergencia, asociación y reflexión relativas a un
posible vínculo entre los contextos socioculturales de Alemania y México, por medio de la
imaginaria narración de estos dos maestros y sus respectivos alumnos.

Diálogo
Paralelismo
Joseph Beuys Coordenada Mario Rangel Faz
El enseñar como arte Enseñanza Coordenadas
Plástica Social
Política

Diálogo
Es un intercambio de ideas por cualquier medio directo o indirecto, natural o artificial. Puede
aludir a una amable conversación o incluso a una acalorada discusión entre dos o más
personas o grupos entre sí. En el caso de El enseñar como arte y Coordenadas, podría
considerarse un diálogo la vinculación entre las exposiciones y sus participantes. Hasta cierto
punto es posible imaginar el carácter de los personajes y asumir que las obras nos revelan
intenciones, estados de ánimo e incluso puntos de vista. Es en este paralelismo e intercambio
de ideas donde radica la importancia de esta «charla». El diálogo se caracteriza por una
búsqueda de la verdad, sin prejuicios que nos impidan contemplar las opiniones que no
compartimos.

MARCO - Departamento de Educación 8

Paralelismo
Para la escena artística de Alemania y México, el espíritu de cambio que se manifestó durante
las revueltas estudiantiles en los últimos años de la década de 1970 fueron de gran
importancia, ya que provocaron rebeldía social, crítica a lo convencional y la búsqueda de
cambiar la forma de pensamiento artístico tradicional, según el cual se definía al arte como la
forzosa creación de objetos. El resultado del trabajo de estos grupos de artistas fue el
nacimiento del performance y la acción, nuevas formas de expresión y liberación de las
técnicas artísticas convencionales.

Coordenada
El surgimiento de estos nuevos artistas propaga el novedoso concepto del abandono de la
imagen, la liberación de la comprensión tradicional de la obra de arte como objeto material y
la idea convencional de asociación entre idea y acción. Esta generación buscó transmitir el
concepto de conexión entre arte y vida como una coordenada donde convergen los dos
puntos. En el caso de Joseph Beuys, éste busca hacer conexiones entre arte y vida, arte y
ciencia, cultura y naturaleza, para dar salida a toda manifestación que ayude al mundo a
recuperar su espíritu y su solidaridad y se constituya como gran motor de cambio y desarrollo
de las condiciones de vida humana. Mario Rangel Faz, por su parte, busca la conexión entre
artistas provenientes de diversos horizontes culturales fomentando el transformar, formal o
políticamente, el sentido de producir arte.

Enseñanza
Beuys y Rangel entendían el arte como una fuerza formadora comprometida con la sociedad y
su realidad, manifestada por medio de uniones colectivas y acciones urbanas. Cada cual
imprime la enseñanza en el arte o en el arte en la enseñanza, lo cual proporciona a esta última
un punto de vista propio que incita a pensar sobre la realidad de la vida social actual.

La primera tarea de la educación es agitar la vida,

pero dejarla libre para que se desarrolle.
María Montessori

Plástica Social
Una de las líneas centrales de la teoría artística de Beuys es la de que “todo hombre es un
artista”. Con esta idea buscaba que cada persona, por medio de la exploración creativa
individual, contribuyera en la transformación positiva de la sociedad. Éste concepto, que Beuys
identificó con el nombre de Plástica social (Sociale Plaztik) debe ser comprendido en conjunto
con otra de sus propuestas, el Concepto Ampliado del Arte ( Erweiterter Kunstbergriff) de
acuerdo al cual “arte es todo lo que modifica la consciencia”. Por tal motivo, el arte no debería
restringirse a un sistema de manifestación específico (que comprendía las formas, técnicas,
materiales y conceptos formales del arte académico) y debería, en cambio, formar parte de la
vida cotidiana del hombre en la educación, la ciencia, la política, la economía y la actividad
intelectual. En el nuevo sistema social imaginado por Beuys, la creatividad humana sería el
verdadero capital de la nación.

Se afirma con frecuencia que en mi clase todo es sólo conceptual o político, sin
embargo mi interés está en crear una base de amplios conocimientos teóricos,
para lograr una producción de obras con un contenido sensible y de fácil
captación. La base de mi enseñanza está en comenzar con el lenguaje y hacer que
resulten obras con relación entre pensar y actuar. Lo más importante para mí es
que el ser humano llegue a tener un criterio desde la concepción de lo que
produce, de cómo puede contribuir a la coherencia de la totalidad y que no

MARCO - Departamento de Educación 9

 solamente cree objetos, sino que sea escultor o arquitecto de todo organismo
social. El futuro orden social se configurará según las leyes que rigen el arte.
Joseph Beuys

Política
La crítica y la rebeldía se hacen presentes en las obras de los artistas de la muestra, si se toma
en cuenta el material utilizado, los lugares en donde se presentaban las acciones y hasta el
mensaje mismo. Cada grupo artístico, influenciado por acontecimientos sociales –como el
movimiento estudiantil de 1968 en México y la posguerra alemana–, muestra desde distintos
ángulos problemas recurrentes en las sociedades contemporáneas. En conjunto pueden ser
interpretados como parte de un discurso que comprende cierto toque de oposición a los
lineamientos políticos y las normas sociales de su época, así como a las situaciones históricas
que vivieron.
Un arte social quiere decir cultivar las relaciones entre los hombres:
es casi un acto de vida.
Joseph Beuys

Atte. La Dirección / Carlos Somonte

Gracias a las lindas suyas, 1984
Performance, instalación y música original

MARCO - Departamento de Educación 10

BEUYS Y MÁS ALLÁ. EL ENSEÑAR COMO ARTE
PRESENTACIÓN3

Ser docente es mi más importante obra de arte.

Joseph Beuys

El Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey presenta la exposición Beuys y más allá. El

enseñar como arte; una selección de trabajos en papel proveniente de la Colección Deutsche
Bank del artista alemán Joseph Beuys (1921-1986) y de seis de sus discípulos más destacados:
Lothar Baumgarten, Imi Knoebel, Jörg Immendorff, Blinky Palermo, Katharina Sieverding, y
Norbert Tadeusz.

Joseph Beuys fue un maestro y mentor muy significativo para muchos de sus estudiantes
pertenecientes a la generación de la postguerra en Alemania. Además, es reconocido como
uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX por su contribución a los
movimientos vanguardista de las décadas de los 60 y 70 a través de su innovador trabajo.

Beuys encontró en la enseñanza una plataforma para exponer sus ideas acerca de su papel
como artista y sobre el arte como capital social y cultural, las cuales abogaban por un
acercamiento más amplio y democrático al arte. Beuys concebía la enseñanza como parte
integral su labor como artista. Él participaba, incluso, junto a sus alumnos en acciones e
intervenciones públicas, las cuales eran con frecuencia controversiales.

Beuys y más allá está vinculada a la retrospectiva del artista y

maestro mexicano Mario Rangel Faz (1956-2009).
Coordenadas, Mario Rangel Faz es presentada junto al trabajo
de los colectivos Grupo Suma y Atte. La Dirección, de los
cuales fue miembro fundador. A pesar de que Beuys y Faz no
pertenecieron a la misma generación, existen claras
similitudes en su devoción hacia el dibujo como forma de crear
«ideas visibles». Ambos desafiaron el status quo y los valores
institucionales tradicionales a través de sus actos y
colaboraciones.

Beuys y más allá. El enseñar como arte presenta 105 obras,

entre dibujos, grabados y fotografías (…) Piezas en que es
evidente cómo Beuys, en su faceta de mentor, animaba a sus
discípulos a seguir su propio modo de trabajar.

Curada por Vicente Rojo Cama y Mariana Elizondo y originada

en el Museo Universitario de Arte Contemporáneo,
Coordenadas, Mario Rangel Faz presenta grabados y acrílicos
de Rangel Faz; diversas obras en técnica mixta del Grupo
Suma y los performances e instalaciones del colectivo Atte. La
Dirección. Blinky Palermo, (1943 1977)
Zeebrügge (detalle), 1964
Acuarela y lápiz sobre papel,
La muestra Beuys y más allá, que permanecerá en MARCO de dos piezas
hasta el 15 de mayo de 2011, se ha presentado ya en Santiago Colección del Deutsche Bank
de Chile, Buenos Aires y en la Ciudad de México; luego viajará
3
Extracto del boletín de prensa editado por MARCO.

MARCO - Departamento de Educación 11

a Bogotá, Sao Paulo y Lima. En cada sede se selecciona y vincula la obra de un artista del país
anfitrión.

Acerca de Deutsche Bank

Deutsche Bank es un banco de inversión líder a nivel mundial con una fuerte y rentable
franquicia de clientes privados. Líder en Alemania y Europa, el banco crece continuamente en
América del Norte, Asia y en los principales mercados emergentes. Con 77,053 empleados en
72 países, Deutsche Bank compite por ser el principal proveedor mundial de soluciones
financieras para clientes exigentes generando valor excepcional para sus accionistas y las
personas.
www.db.com

Acerca de Deutsche Bank Americas Foundation

Deutsche Bank Americas Foundation administra las actividades filantrópicas del Deutsche
Bank en los Estados Unidos, América Latina y Canadá. Además de ofrecer concreta ayuda, la
meta de la fundación es proveer el acceso al arte y a la cultura a las comunidades y promover
un intercambio de expresión creativa.
www.community.db.com

Vicente Rojo Cama

Doradilla, ca. 1987
Grabado
35 x 27 cm

MARCO - Departamento de Educación 12

ENTREVISTA A JOSEPH BEUYS4 (FRAGMENTO)
Por Elizabeth Rona en octubre de 1981.

¿Cómo prevé la evolución del arte del mañana?

Ya he dicho que el propio concepto de arte se amplía y ya no atañe únicamente a la actividad

de los pintores, de los escultores, de los poetas, de los músicos, de los hombres de teatro, de
los arquitectos, etc., sino que concierne a todo el trabajo humano. Tal es, a mi parecer, el
necesario desenvolvimiento del arte, desde el punto de vista conceptual (esta necesidad es
filosófica).

En la práctica, esto quiere decir que toda persona activa debería aprender igualmente una
nueva disciplina artística, quiero decir la del arte social, la de la escultura social. Una disciplina
dentro del arte que, respecto a lo que existe en las esferas de la música, de la arquitectura, de
las Bellas Artes, no ha existido todavía. Un arte social quiere decir cultivar las relaciones entre
los hombres: es casi un acto de vida.

Para alcanzar esta próxima etapa urge poseer mayor energía e intensidad. Una obra de arte
social plantea un problema de energía. Sólo entonces superaremos la crisis. Tales son la toma
de conciencia, el saber, la intuición de la vanguardia.

La vanguardia es el grupo de personas que asume esta responsabilidad y se esfuerza,

mediante múltiples tentativas, por superar la crisis, elaborando múltiples modelos en las
esferas de la actividad artística, de la actividad sociológica, de la problemática democrática,
etc. Esta circunstancia debe aportarnos una posibilidad real de
cambiar el sistema social. En razón de este concepto de arte
antropológico, cada hombre es un artista. En cada hombre
existe una capacidad creadora virtual. Esto no quiere decir que
cada hombre sea un pintor o un escultor, sino que existe una
creatividad latente en todas las esferas del trabajo humano.

Una consecuencia, a mi entender, es que no se debe concebir

el propio trabajo sólo para uno mismo. Cada cual debería
pensar poco en sí mismo y dar lo mejor a los demás. La
humanidad será entonces mucho más productiva. La cultura
del «tener» ha terminado. La cultura de la cualidad del «ser»
es la forma del futuro. Pero en el «ser» el hombre debe dar lo
más que pueda a su prójimo. Y ha de recibir, a su vez, en la
medida en que ha dado. Es un sistema de recíproca ayuda.

Lothar Baumgarten, (1944)

Sin título (Tronco de árbol con
sombra), 1978
Litografía offset según fotografía
Colección del Deutsche Bank

4 Extracto y traducción del libro Joseph Beuys: is It About a Bicycle? (Edición Francesa).

MARCO - Departamento de Educación 13

BIOGRAFÍAS 5
BEUYS Y MÁS ALLÁ. EL ENSEÑAR COMO ARTE

JOSEPH BEUYS

1921–1986, Krefeld, Alemania.

Es considerado uno de los artistas más relevantes de la segunda mitad del siglo XX; tanto sus
obras y acciones como su pensamiento constituyen un cuerpo creativo de gran influencia y
debate en la actualidad. Beuys propuso superar el dominante pensamiento materialista,
basado sobre presupuestos racionalistas y en un desarrollo tecnológico depredador, por
medio de su concepción ampliada del arte, en la que cada individuo participaría en la
modelación de una nueva «escultura social».

Beuys generó obras innovadoras en relación al manejo del espacio, las técnicas y los
materiales, aunque nunca abandonó al dibujo como forma esencial de expresión. Asimismo,
produjo un volumen importante de obra gráfica, que va desde el registro de un delicado gesto
lineal hasta la fotografía intervenida con plastas de color y grafismos. La generación de los
alumnos de Beuys ha recurrido también asiduamente a las artes gráficas, recobrando el auge
que este género experimentó antes de la Segunda Guerra Mundial en el centro y norte de
Europa a partir de movimientos como el expresionismo, el dadaísmo y la escuela Bauhaus.

LOTHAR BAUMGARTEN

1944, Rheinsberg, Alemania. Vive y trabaja en Düsseldorf, Alemania.

Es uno de los primeros artistas que desde finales de los años sesenta introdujo los hechos de la
representación de las culturas minoritarias y la ausencia de ellas en la representación cultural
occidental. Baumgarten comenzó su acercamiento a diferentes grupos sociales desde
pequeño, ya que siendo hijo de un antropólogo convivió algunos años con los indígenas de una
tribu de la Amazonia venezolana. Estudió en Staatliche Akademie für Bildende Künste,
Karlsruhe, Alemania en 1968 y en Staatliche Kunstakademie, Düsseldorf, Alemania, de 1969 a
1971. Participó junto con Joseph Beuys en Documenta V, VII, IX y X, en 1972, 1982, 1992 y 1997,
respectivamente.

Sus trabajos individuales incluyen objetos, imágenes y textos, que invitan a reflexionar sobre
los cambios que se producen en el paisaje con el paso de la historia. Además se interesó en la
etnografía a través de la lectura de Claude Lévi-Strauss, uno de cuyos principios
metodológicos es la oposición entre naturaleza y cultura, tema hacia el que orientó su trabajo
y se refleja en sus primeras obras.

5
Extracto de http://www.muac.unam.mx/

MARCO - Departamento de Educación 14

JÖRG IMMENDORFF

1945–2007, Düsseldorf, Alemania.

Discípulo de Joseph Beuys, formado en la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf. Fue uno de
los más destacados pintores alemanes de la posguerra. Se le encuadra dentro de la escuela de
los denominados nuevos fauves. En sus primeras pinturas refleja su preocupación por la
política en torno al mundo del arte, agregando en sus dibujos textos con léxico referente a la
crítica de arte.
Cabe destacar su presencia dentro de la Colección del Museo MARCO, al ser ganador del
premio MARCO 1996 con la pieza Accumulation 2, primera obra extranjera acreedora a este
reconocimiento.

IMI KNOEBEL

1940, Dessau, Alemania. Actualmente vive y trabaja como artista independiente en Düsseldorf,
Alemania.

De 1964 hasta 1971, estudió con Joseph Beuys en la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf,
siendo compañeros suyos Blinky Palermo (con quien compartió taller), Jörg Immendorff y
Katharina Sieverding.

Es conocido por su pintura además de su escultura minimalista y abstracta. Su obra explora la

relación entre espacio, soporte pictórico y color. El estilo y las preocupaciones técnicas de su
pintura y escultura han llevado a que se compare su obra con los principios de vanguardia
tanto de Kazimir Malévich como la de Bauhaus.

BLINKY PALERMO

1943–1976, Leipzig, Alemania.

Peter Schwarze, conocido también como Blinky Palermo, recibió su extravagante apodo en
1964, durante sus estudios con Joseph Beuys en la Academia Estatal de Arte de Düsseldorf por
su supuesto parecido físico con el mafioso estadounidense y promotor de boxeo, famoso en la
época por «ser el propietario» de Sonny Liston.

De su trabajo se pueden distinguir lienzos monocromáticos y «pinturas de tejido» hechas con

simples tiras de material coloreado, cortado, cosido y estirado sobre un marco. En un
momento posterior de su carrera, desarrollaría su obra in situ para grandes instalaciones
arquitectónicas, a menudo incorporando dibujos murales. Sus obras tienen una relación
superficial con el constructivismo y el minimalismo, pero la sensibilidad de vanguardia
también resulta minada por un sofisticado sentido del humor y su insistencia en lo pictórico y
expresivo, como se evidencia en sus títulos poéticos.

MARCO - Departamento de Educación 15

KATHARINA SIEVERDING

1944, Praga, Republica Checa. Actualmente vive en Berlín, Alemania.

Comenzó a estudiar arte en 1967 en la Staatliche Kunstakademie en Düsseldorf. Sus inicios

fueron con la escultura y después pasó a la fotografía, técnica que ha definido su carrera.

Los trabajos de Sieverding consisten en su mayoría autorretratos, siendo algunos de ellos

abstractos, definiendo su estilo el uso de técnicas para resaltar la silueta y el contraste. En su
trabajo encontramos plasmados a menudo temas sobre la sociedad y el individuo, además de
valerse de la fotografía para hacer denuncias y declaraciones políticas teniendo como base el
uso de conceptos como la historia alemana y americana.

NORBERT TADEUSZ

1940, Dortmund, Alemania. Actualmente vive y trabaja en Düsseldorf, Alemania y Castelnuovo

d'Elsa, Italia.

Es considerado el alumno de Beuys cuyo trabajo es más similar y cercano al de su maestro,

siguiendo sus pasos y despertando polémica con su trabajo. Sus obras revelan, junto a su
hermosura, una mirada muy personal, no obstante que es capaz de hacernos recordar la
fluidez y gracia lineal de su profesor. Tadeusz se ha mantenido fiel a la llamada pintura
objetiva –incluso al ser partícipe de periodos importantes de movimientos como la
abstracción–, aunque su lenguaje visual pudiera considerarse de difícil percepción.

Tadeusz tuvo la oportunidad de enseñar y trabajar en su obra siendo catedrático de Arte

Monumental en el College of the Visual Arts en Braunschweig entre 1991 y 2003, en donde la
exploración del mundo a través del arte fue su mayor motivación.

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COORDENADAS

MARIO RANGEL FAZ

1956-2009, Distrito Federal, México.

Pintor y grabador con pulcritud y maestría en los procesos de impresión,

por lo cual es considerado uno de los grabadores más importantes de su
generación. Miembro fundador de dos iniciativas colectivas: Grupo
SUMA y el colectivo Atte. La Dirección, los cuales manejaron conceptos
comunes y efectivos que se proyectaron en la esfera pública, integrando
la experimentación de modelos para la educación artística de audiencias
no necesariamente asociadas con el arte, a la vez que integraron
dinámicas en función de un pulso pedagógico para su formación
profesional.

En su momento fue coordinador editorial y de impresión sobre

diferentes carpetas de grabado, compilando el trabajo de varios artistas.
Asimismo, colaboró con artistas de otras disciplinas realizando
escenografías para puestas en escena de danza y teatro, además de
participar como jurado en concursos de performance y acciones Mario Rangel Faz
multidisciplinarias. Sin título, ca. 2000
Técnica mixta
240 x 150 cm
Colección particular

GRUPO SUMA
(1976–1982)

Formándose para participar en la X Bienal de Paris, en el año de

1976, este colectivo no se imaginó hacer historia. Nació en la ENAP
(Escuela Nacional de Artes Plásticas) y en sus inicios estaba
conformado por 22 integrantes, entre ellos Oscar Águilar Olea, José
Barbosa, Paloma Díaz Abreu, René Freire, Oliverio Hinojosa,
Armandino Lozano, Gabriel Macotela, César Nuñez y Miriam
Ramírez.

Podría considerarse al Grupo Suma como precursor de los géneros

artísticos que hoy predominan en el arte, siendo utilizados por
primera vez en nuestro país por estos artistas no tradicionales.
Ejemplo de estos géneros son la instalación, el libro de artista o el
activismo artístico, que ahora son comunes.

Grupo Suma impulsó a lo largo de seis años una propuesta creativa Grupo Suma / Vicente Rojo Cama
basada en la idea de llevar el arte a la calle, con el empleo de Sin título, s/f
Técnica mixta
recursos gráficos de uso cotidiano y popular. Cabe resaltar que en 70 x 55 cm
ese entonces a las personas involucradas en tales movimientos
artísticos se les consideraba vagos, una apreciación muy distinta a la
actual. Hoy, al Grupo Sumo se le reconoce como uno de los
colectivos que marcaron la diferencia en el área del graffiti y el
street art.

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ATTE. LA DIRECCIÓN
(1982–1992)

Este colectivo fue creado en 1982 por seis artistas:

María Guerra (1957-1999). Fotógrafa, video artista, performer y
curadora
Dominique Liquois (1957). Poeta, pintora y crítica de arte
Mario Rangel Faz (1956-2009). Pintor, grabador y performer
Vicente Rojo Cama (1960). Compositor electroacústico, diseñador
gráfico y artista visual
Carlos Somonte (1956). Fotógrafo y director de video
Eloy Tarcisio (1955). Pintor, artista conceptual y performer.

Atte. La Dirección continuó con el camino y trabajo del Grupo Suma, en

su mayoría con acciones y performances provocadores que tuvieron el
propósito de dotar de nuevos significados y lecturas a hechos o
situaciones sin relaciones aparentes o ajenas entre sí, usando en
ocasiones galerías y museos como escenario. Sus trabajos entrelazan sin
distinción la simbología popular, el absurdo cotidiano, las
contradicciones de la vida, los sentimientos encontrados, la violencia Atte. La Direccion
sorda, la repetición rutinaria, la distorsión de objetivos y el entramado Paseguirasíprefierolamuerte, 1987,
Reproducción, 2010
de las relaciones humanas. Pasto artificial, pasto natural y neón
300 x 300 cm
A partir de una cuidadosa planeación y producción previa, sus acciones Colección particular
se realizaban una sola vez. En orden de romper con las formas
establecidas de expresión artística, experimentaron con textos, videos y
sonidos, además de usar materiales efímeros como el fuego, el hielo, el
vidrio y el pasto, y evidenciaron así la fugacidad y singularidad de sus trabajos.

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GLOSARIO
Abstracción
Arte abstracto es el estilo artístico que enfatiza los aspectos cromáticos, formales y
estructurales, acentuando formas naturales. El arte abstracto deja de considerar justificada
la necesidad de la representación figurativa y tiende a sustituirla por un lenguaje visual
autónomo, dotado de sus propias significaciones. El arte abstracto usa un lenguaje visual de
forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de
referencias visuales del mundo real.

Constructivismo
Modelo de comportamiento que mantiene una persona, tanto en los aspectos cognitivos,
sociales y afectivos, según la posición constructivista. El conocimiento no es una copia de la
realidad sino una construcción del ser humano y se realiza con los esquemas que la persona
ya posee (conocimientos previos), o sea con lo que ya construyó en su relación con el medio
que lo rodea.

Escultura abstracta
Persigue los mismos fines que la pintura abstracta: aplica las formas de sus pinturas en un
arte de tres dimensiones y desarrolla una iconografía de formas en la que trata de
representar el principio formativo de la realidad.

Escultura minimalista
Su objetivo es potenciar la pureza del lenguaje dando como resultado obras y objetos lo
más simple posible.

Minimalismo
Tendencia abstracta que surge a comienzos de los años sesenta. El minimalismo reduce el
contenido y la forma de la obra de arte a un vocabulario escaso de formas, simple.
Comprende esculturas que se reducen a los elementos del volumen, estructuras claras y
geométricas ligadas al espacio que las circunda, libres de todo adorno decorativo,
generalmente compuestas por módulos prefabricados con materiales industriales: plástico,
aluminio, cobre, madera, tubos fluorescentes, ladrillos, piezas de cerámica, etc.

Pintura objetiva
Surge alrededor de 1840. Su finalidad es la representación objetiva, verosímil de la realidad.
En cierta medida es una reacción frente a los excesos del Romanticismo, ya que rechaza el
sentimentalismo y la temática histórica, extrayendo su inspiración de la realidad cotidiana.

Investigación y recursos didácticos

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