El Comic.

Arte con A mayúscula

Sandra Horcajo Peribáñez
Desde Fundación La Caixa, trabajamos con el objetivo de construir una sociedad más
equitativa, inclusiva y sostenible. Partiendo de esta premisa, desarrollamos esta
convocatoria que fomenta la inserción de los jóvenes comisarios en los circuitos
profesionales del arte mediante la posibilidad de producir y mostrar sus exposiciones, la
Fundación Banco Santander presenta la exposición “Cómic. Arte con A mayúscula”, de
Sandra Horcajo Peribáñez.

Nos sentimos orgullosos de haber apoyado a comisarios jóvenes para su inserción en los
circuitos profesionales abriéndoles la posibilidad de producir su primera exposición y
publicación de los catálogos correspondientes a la difusión de sus trabajos.

El proyecto “Cómic. Arte con A mayúscula” de Sandra Horcajo, analiza, a través de una
cuidada selección de obras del artista Roy Lichtenstein, el cómic bajo el concepto de arte,
buscando ser una fuente de información sobre el arte pop y los comics, enfocándose
en este artista. Pretende que el espectador pueda observar las pinturas de
Liechtenstein más de cerca al conocer sus orígenes en comics en sus pinturas más
icónicas.

Isabel Salgado Gispert

Directora del Área de Exposiciones y Colección

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INTRODUCCIÓN

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Introducción
La exposición “El cómic. Arte con A mayúscula” trata de hacer llegar a la sociedad, la
importancia del valor del cómic dentro del arte. Es decir colocar al cómic en su justo
lugar, como mucho más que una simple forma de entretenimiento para acercarse a un
fenómeno artístico, lo cual se trata de una de las evoluciones más interesantes dentro de
un género con frecuencia menospreciado y minimizado.

El debate de si el arte y el cómic tienen las mismas condiciones, sigue presente en la

actualidad. El cómic es un medio de expresión moderno, de gran riqueza narrativa y
plástica, que suele usar un lenguaje directo y espontáneo en el que participan
aportaciones de otros entornos del arte ya que hay texto, hay dibujo e historia. Esto ha
calado muy bien entre los jóvenes pero no en los lectores adultos.

En conclusión, la versatilidad del cómic como medio artístico está en un proceso de

redescubrimiento que ha visto a este medio expandirse como nunca. Experimentos en
formato, lenguaje, ilustración y narrativa como estos (y muchos más) le dan una vida
dentro del arte contemporáneo que apenas está siendo explorada.

Esta muestra artística exhibe una selección de obras destacadas de Roy

Fox Lichtenstein, uno de los máximos exponentes internacionales del Pop-Art. Artista
gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del
cómic. Lichtenstein es considerado como el pintor que llevo el cómic al museo.

La exposición se organiza intercalando las obras de este importante autor, con las
fuentes originales de donde sacaba la inspiración. Esta estructurada cronológicamente, lo
que permite una comprensión más completa de la obra de Lichtenstein.

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CÓMIC

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El cómic
El cómic es una representación gráfica que representa una historia mediante una serie de
viñetas. Ha sido considerado como precursor del cine. Es una combinación de cuatro
estilos artísticos: diseño, dibujo, caricatura y escritura, y con distintas herramientas:
guión, ilustración, color.

Definir qué es un cómic con exactitud y cuál es el límite claro de este formato abre
muchas posibilidades para la narración gráfica y expresión artística. Podríamos definirlo
como un medio de entretenimiento masivo y una forma de expresión dirigida al entorno
social y no valorada por la cultura del arte.

Detrás de las viñetas de un cómic, no hay solamente diversión y pasatiempo, sino algo
mucho más profundo, donde a veces una sola persona, y a veces muchas desean
difundir un mensaje, una visión de lo que ellos piensan a través del sistema de
comunicación visual.

El cómic es una forma de expresión que ya ha alcanzado el título de arte (por supuesto
con detractores). Desde el siglo XX, se le considera el noveno arte, después del cine y la
fotografía, aunque el cómic es anterior a estas dos.

En él se combinan elementos narrativos, semióticos y visuales fácilmente comparables a

los de la literatura, cine, las artes escénicas, la arquitectura y la pintura para generar un
medio donde mundos imaginarios toman carta de mundo reales. Pero son algunos de sus
elementos como la viñeta, el bocadillo, la cartelera o cartucho según sea el caso los que
le otorgan su aspecto característico, lo que identifica al cómic como tal.

“Un arte secuencial, porque organiza una complejidad de acciones e ideas en

una disposición encadenada de dibujos y palabras para contar una historia o
escenificar una idea”. Will Eisner

El cómic es un medio excelente de expresión cultural, que realiza una crónica y retrato de
los tiempos en que es creado. Es válido como medio de expresión social, ya que, es un
reflejo cultural de asuntos de trascendencia social. Es una de las más imaginativas y
diversas formas de expresión artística que actualmente es considerada una de las artes
más importantes de la era moderna. 

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Roy Lichtenstein | Comic Book Cover

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POP-ART

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Arte
El arte ha sido uno de los métodos de expresión del ser humano durante milenios. No
existe un concepto universal del arte, éste viene del mundo romano (ars-tecne). A lo que
hoy en día llamamos arte es la técnica. Para los griegos el arte es un ejercicio racional,
no deja de ser un conjunto de operaciones que se aprenden, que se pueden enseñar y
que se ponen en práctica. Por ello, podemos decir, que dependiendo de la época, el
concepto de arte cambia, es mutable. Unos objetos son considerados arte y otros no. El
arte tiene como meta representar algo. El artista quiere dar a conocer sus sentimientos a
través de su obra.

A partir de mediados del siglo XIX hasta nuestros días, se habla, en el arte
contemporáneo, de la “muerte del arte”, ya que hay obras que no representan nada (un
cuadro completamente negro).

Pop-Art
El arte ha sido uno de los métodos de expresión del ser humano durante milenios. A lo
largo de la historia, han surgido muchos estilos diferentes que han caracterizado las
etapas de la historia como, por ejemplo, el romanticismo, el barroco o el impresionismo.
El arte ha experimentado diversas modificaciones con el paso del tiempo. Actualmente,
muchos artistas realizan críticas o reflejan situaciones sociales a través de sus obras, y
uno de los movimientos artísticos más populares en este sentido durante las últimas
décadas, ha sido el pop art.

Se le denomina arte moderno por su estilo, aunque cronológicamente pertenece a la

época de arte contemporáneo, que comenzó después de la Segunda guerra mundial.
El arte pop hace oposición al expresionismo abstracto, la corriente
artística contemporánea dirigida a la parte elitista de la sociedad.

Una de las características más interesantes del arte contemporáneo es la reinterpretación

constante de muchos medios de expresión para romper sus límites, reconstruir sus reglas
y experimentar con ideas nuevas. El cómic es un ejemplo de ello: muchos artistas toman
el formato de la viñeta, ilustración y diálogo y exploran sus fronteras hasta crear obras de
arte realmente impactantes.

El arte pop es un movimiento artístico que surgió en Inglaterra y Estados Unidos durante
los años 50 y 60. Su nombre “pop” surge de la palabra popular debido a que este arte
tenia interés en aspectos de la cultura de las masas como la televisión, radio, publicidad y
productos de consumo que surgieron en esa época. Su desarrollo se atribuye primero a

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el independent group, un grupo de artistas escritores y críticos que formaba parte del
instituto de arte contemporáneo en Londres en 1952. Estos artistas británicos se
mostraron fascinados con la cultura de consumo de Estados Unidos evidenciado en los
medios y revistas que luego influenciaron su arte. En Estados Unidos el arte pop surgió el
arte pop en Nueva York durante los años 60 como una reacción directa a esta cultura de
consumo. Uno de los temas que más utilizaron estos artistas en sus trabajos fueron los
comics que se encontraban en su Edad de Oro para el tiempo en que comenzó el arte
pop.

El arte pop en su origen tenía el propósito de ser una crítica a la cultura popular, pero
el mensaje no era bien trasmitido en un principio.

“la gente no comprendió la carga de ironía y ambigüedad, quizás vieron

el pop art como una celebración a la cultura de consumo, en lugar de
una sátira de lo banal, lo carente de contenido, lo trivial ,lo superficial.”
Bourot (1)

Uno de los artistas más destacados en el uso del comics en el arte pop  fue el americano
Roy Lichtenstein. La estética empleada, inspirada en la publicidad y el cómic revolucionó
los conceptos del arte en la década de 1960

Varias de las obras más reconocidas de Lichtenstein fueron creadas usando como
referencia paneles de comics de romance, los cuales, alcanzaron su mayor popularidad
durante los años 50. Pero en la obra de Lichtenstein solo incluye un panel o en una parte
seleccionada de un comic con un texto incompleto hacienda que nosotros tomemos en
consideración que era lo que ocurría en la escena. 

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(1) Bourlot,2010, p.95
Póster Amo la libertad (1982)

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LINCHTENSTEIN

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Roy Lichtenstein

R
oy Lichtenstein (1923-1997), es uno de los artistas impulsores de este movimiento. Es
referencia absoluta del Pop Art americano y del arte del siglo XX. Consiguió durante el
siglo pasado algo tan novedoso como convertir un cómic en una completa obra de arte, lo
que le llevó a mostrar sus obras por museos tan famosos como el Museo Salomon R.
Guggenheim o la Kunsthalle de Hamburgo en Alemania.

Como pintor y escultor encontró la inspiración en el arte popular: desde anuncios a

revistas o movimientos vanguardistas como el cubismo y el expresionismo abstracto. A
partir de fuentes tan diversas creaba sus obras caracterizadas por la ironía —a veces
disfrazada de superficialidad—, por los colores vivos, el lenguaje típico del cómic y el
dominio de la línea. Durante los últimos años tuvo mayor presencia a nivel social. En
España se encuentran dos de sus obras.

Era vulgarmente conocido como el pintor "de los puntitos", la peculiar técnica que
utilizaba para ampliar la trama de color de viñetas de cómic e imágenes comerciales, a
menudo con frases fuera de contexto, onomatopeyas o eslóganes.

"Es, como Andy Warhol, un ejemplo del artista industrial americano,

un hombre que produce diligentemente un flujo continuo de obra".
Robert Hughes

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Comenzó trabajando con tiras cómicas en las que reprodujo minuciosamente hasta los
puntos. Decía que su obra se diferenciaba de las tiras iniciales en que cada marca está
en un sitio distinto. Para él, el acto de mirar se basa en un modo de construir un patrón
unificado de visión, así que buscaba inducirnos a cuestionar nuestra escala artística de
valores.

Su afán por los cómics le llevó a reproducir a mano lo que en un primer momento podría
considerar realizado una máquina, así como a retratar el consumismo de la época y la
cultura de masas, lo que hizo que sus obras gustaran al gran público por la cercanía que
sentían hacia ellas. Utiliza para ello un estilo que imita el proceso de reproducción de
periódicos impresos. Revitalizó la escena artística estadounidense alterando la historia
del arte moderno. 

Sus primeras pinturas íntimas estaban en la línea de Paul Klee. De paisajes, pasó a
pintar inmensas caras pop, reminiscencia de alegres días adolescentes. Lichtenstein creó
pinturas, grabados, dibujos y esculturas llenas vida y humor ingenioso.

Amplió su paleta más allá del rojo, azul, amarillo, negro, blanco y verde, inventando y
combinando formas. No se limitó a aislar imágenes encontradas, sino a yuxtaponer,
superponer, fragmentar y recomponer. Sus virtuosas composiciones son un rico diálogo
de formas, intuitivamente modificadas y liberadas de sus fuentes originales.

“Al comic le debo mis elementos de estilo, no mis temas.” Lichtenstein (1)

Su legado de obras refleja complejos encuentros con el Cubismo, el Surrealismo, el

Futurismo, el Purismo y el Expresionismo. Reinterpretando estilos como si fueran chicle,
nos impresiona con sus efervescentes trabajos de gran poder visual.

“Da igual lo que pinte, enseguida te das cuenta de que es un

Lichtenstein. Da igual que pinte una escena de guerra basada en un cómic,
que pinte un paisaje, enseguida se ve que es un Lichtenstein y eso es algo
que no todos los artistas consiguen”. Jürgen Döring. (2)

Se considera que en su obra “casi nunca se llega al mundo del sentimiento o la

experiencia vivida”. Roy Lichtenstein nunca rebatió esta interpretación.

"estilísticamente, mi trabajo carece de contenido emocional. Eso es lo que

quiero". Roy Lichetenstein.

(1) Bourlot,2010, p.93

(2) Jürgen Döring. Exposicón de Roy Lichtenstein, el maestro del Pop-Art. 14
Fundación Canal. Madrid 2018.
EXPOSICIÓN

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 Look Mickey
Realizada en 1961 y de gran tamaño, este óleo sobre lienzo (121,9 x 175,3) de trazos
dubitativos significó mucho para Lichtenstein, ya que con él tuvo lugar la ruptura con lo
que había creado hasta ese momento. De este modo, critica la producción en cadena del
dibujo artístico que se estaba empezando a desarrollar en aquella época.

En esta obra, Lichtenstein recurre a un libro de historietas de 1960 (Donald Duck Lost
and Found), en el que aparecen Mickey Mouse y el Pato Donald teniendo un percance
mientras pescan. Sin embargo, altera significativamente la fuente original, incluyendo la
modificación de la combinación de colores y la perspectiva. Refinó la paleta a sólo
colores primarios y blanco y simplificó la composición convirtiéndola en una imagen más
unificada. Adopto una línea del libro para el bocadillo e hizo que los personajes fueran
más brillantes y bloqueados.

La consideró su primera pintura pop, ya que utilizó por primera vez las técnicas pictóricas
de este movimiento. En 1990 Roy y Dorothy Lichtenstein, regalaron esta obra, en honor
al 50 aniversario de la National Gallery of Art, Washington.

Lo que distinguió a este artista de sus contemporáneos fue el uso de puntos de pintura,
pintados a mano pero de aspecto mecánico, para crear áreas de tono y color, lo que con
el tiempo se convertiría en su técnica característica. Esta obra es un ejemplo temprano
de este método. Look Mickey fue pionera en la hoy famosa combinación de temas de
cómics con el aspecto final de una impresión comercial.

En respuesta a obras como Look Mickey, Lichtenstein fue criticado por "falsificar"

imágenes comerciales. Incluso fue llamado "uno de los peores artistas de Estados
Unidos" por un crítico de arte del New York Times. Lichtenstein, sin embargo, inyectó a
su arte un humor negro que invirtió las imágenes que transpuso. Al ampliar las escenas
cómicas y levantarlas de sus contextos iniciales, presentó una versión astuta de la
imagen cliché.

En Look Mickey, Lichtenstein nos confronta con una escena en la que el punch line llega
a expensas de un icono popular: el siempre irascible Pato Donald. Salimos con una
sensación de ambigüedad, no la simple broma que anticipamos, ya que nos identificamos
con el narrador, Mickey, y la víctima, Donald. La paradoja es esencial para el arte pop.

"No estoy convencido de que sea arte" "Muchas de las cosas de

Lichtenstein están tan cerca del original que en realidad tienen
una gran deuda con el trabajo del artista original" .
Gibbons entrevista a la BBC 2013
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Arriba: «Whaam!» (1963). Roy Lichtensteins. Oóleo y acrílico sobre lienzo, 170 x 400 cm
Abajo: viñeta original del cómic Al-American Men of War #89. Irv Novick  y Russ Heath

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Whaam!
Considerada por los críticos del arte como una de las obras más importantes del artista,
este díptico de Roy Lichtenstein es una de las cumbres del Pop Art. Esta pintura fue
creada a partir de imágenes de cómics de guerra.  En este caso, el original era una viñeta
de All-American Men of War, una publicación de DC Comics, que aparecía en el número 89
de la serie, en una historia titulada The Star Jockey, obra del dibujante Irv Novick.

Roy Lichtenstein reprodujo a gran tamaño esta potente imagen de un avión disparando
un misil contra el enemigo, mejorando el diseño, haciéndolo más nítido y limpio,
prescindiendo de algunos colores y eliminando detalles accesorios, como las referencias
al paisaje, algunos textos y el resto de aviones, y dándole mucha más importancia a la
explosión, de modo que los dos paneles quedasen perfectamente equilibrados. La idea
de dividir la imagen en dos es un gran acierto. Le da un aspecto monumental al cuadro,
que ya de por sí es enorme, haciéndolo aún más impactante: dos lienzos independientes
que quedan vinculados entre sí por el color azul del cielo y por la diagonal que forma la
trayectoria del misil, la vida a la izquierda y la muerte a la derecha. Pero aparte de estos
cambios estilísticos, lo importante es la idea de fondo. Lichtenstein toma una imagen de
la cultura popular y la descontextualiza, haciendo que todos nos fijemos en ella,
convirtiéndola en una descomunal obra de arte.

Whaam! es en ocasiones encasillado en el mismo género de anti-guerra que

el Guernica de Picasso. Las creaciones con expresiones textuales como título pronto se
convertirían en una marca del trabajo de Roy Lichtenstein.

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 Cómic “Girls’ Romances #97, 1963 (DC)

”
“Kiss V”. Roy Lichtesteins. (1963). Acrílico (91,4 x 91,4 cm.).

Kiss V
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Considerada la obra más famosa de la Serie Kiss, de Roy Lichtesteins. En ella puede
observarse claramente el uso que hace el artista del cómic para dotarlo de nuevos
significados. Utiliza como recurso las características líneas de este tipo de lenguaje, los
colores primarios industriales típicos de las revistas y los puntos Benday tan
característicos de estos dibujos, simulando así la impresión de alta velocidad.

En este caso la obra se basa en la revista para jóvenes adolescentes titulada Girls’
Romances, aunque la obra resultante sea una composición muy elaborada en acrílico
sobre lienzo, donde cada punto es minuciosamente tratado por el artista. Esta obra
sacada de un cómico, icono de la sociedad de consumo, fue manipulada por el artista
para convertirla en el nuevo ideal de belleza para una sociedad adolescente, cada vez
más consumista

Cabe destacar también que, a diferencia de cuando leemos un cómic, en esta obra
pictórica no conocemos el contexto, no sabemos detalles de la trama, si los personajes
son amigos o amantes, si las lágrimas son de emoción o provocadas por el desamor,
quedando entonces la interpretación final en manos del espectador.

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 “Girls 'Romances”. #78. 1961. DC Comícs

“In the car!”. Roy Lichtesteins. (1963). Óleo sobre lienzo. Dimensiones(172 x 203,5 cm.)

In the car

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In the Car es una de varias obras de Roy Lichtenstein recortadas tan de cerca, que el
cabello fluye más allá de los bordes del lienzo. La pintura fue parte de la segunda
exposición individual de Lichtenstein en la Galería Leo Castelli del 28 de septiembre al 24
de octubre de 1963  Como con la mayoría de sus primeros cómics románticos, este
consistía en un tema de "chico y chica". La obra se describe como una representación
gráfica de un solo cuadro tenso y melodramático de un diálogo romántico entre un
hombre y una mujer.

Esta imagen es típica del trabajo de Lichtenstein y demuestra su fascinación por las
mujeres en medio de las aventuras amorosas con hombres que las trataban
injustamente. El panel original del cómic donde se inspiró este trabajo muestra a una
mujer enojada consigo misma por eludir sus compromisos anteriores para viajar en un
automóvil con un hombre aparentemente irresistible. Muchas de sus otras pinturas tratan
sobre el tema melodramático similar de una mujer adulando a un hombre, o sufriendo la
tragedia de su romance. El look de la mujer también es bastante fiel al estilo de
Lichtenstein, ya que tendía a preferir mujeres de cómic muy uniformes con un estilo muy
estereotipado sobre ellas.

En su estilo típico de "arte encontrado" que se inspiró directamente en los cómics de la

época. Este trabajo en concreto está basado en un panel ilustrado por , Tony Abruzzo  en
los cómics de la serie Girls 'Romances. La ilustración original incluía una burbuja de
pensamiento que decía: "Me prometí a mí misma que no faltaría a mi cita - Que no me
subiría [al auto] con él - Sin embargo, antes de darme cuenta ...".

Hay algunas diferencias entre el panel original y el dolor de Lichtenstein, aunque no

tantas. Por un lado, las líneas de velocidad, aunque están presentes en el panel original,
adquieren un aspecto más duro en la pintura. Los colores también son más brillantes,
más básicos y menos realistas. Por ejemplo, el cabello del hombre ya no es marrón, sino
de un color azulado distintivo, y aunque el cabello de la mujer es de un rubio de aspecto
más natural en el cómic original, su cabello es de un amarillo mucho más brillante y poco
realista en la versión de Lichtenstein. Del mismo modo, el abrigo de la mujer es de un
amarillo mucho más brillante que el naranja plano del original. Las expresiones en los
rostros de los sujetos también se modifican sutilmente para representar más una
sensación de irritación, como si estuvieran sentados uno al lado del otro en el automóvil
después de un desacuerdo y se hubieran resignado a un estado de silencio.

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"Run for Love!", Tony Abruzzo , en Secret Hearts # 83 (noviembre de 1962), DC Comics 

“Drowning Girl ”. Roy Lichtenstein. (1963). Óleo y acrílico sobre lienzo. 

Dimensiones (172 x 170 cm.)

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Drowning Girl 
Drowning Girl (también conocida como Secret Hearts o I Don't Care! I Rather Sink ) es
una pintura de 1963 en óleo y acrílico sobre lienzo de Roy Lichtenstein. La pintura se
considera una de las obras más importantes de Lichtenstein, quizás a la par con su
aclamado díptico de 1963 ¡Whaam! . Una de las pinturas más representativas
delmovimiento pop art , Drowning Girl fue adquirida por el Museo de Arte Moderno en
1971.

La pintura ha sido descrita como una "obra maestra del melodrama " y es una de las
primeras imágenes del artista que representa a mujeres en situaciones trágicas, un tema
al que volvió a menudo a mediados de la década de 1960. Muestra a una mujer con los
ojos llorosos en un mar turbulento. Ella está angustiada emocionalmente, aparentemente
por un romance. Usando las convenciones del arte de los cómics , una burbuja de
pensamiento dice: "¡No me importa! ¡Prefiero hundirme, que llamar a Brad para pedir
ayuda!". El nombre de Brad lo uso en varias obras, afirmando que sonaba varonil y
heróico. 

Este elemento narrativo resalta el melodrama cliché, mientras que sus gráficos,
incluidos los puntos de Ben-Day que hacen eco del efecto del proceso de impresión,
reiteran el tema de Lichtenstein del trabajo pictórico que imita la reproducción
mecanizada.

La obra deriva de la página de inicio de "Run for Love!", Ilustrada por Tony Abruzzo y con
las letras de Ira Schnapp , en Secret Hearts # 83 (noviembre de 1962), DC Comics Tanto
los elementos gráficos como narrativos de la obra se recortan de la imagen
original. También toma prestado de Hokusai 's La gran onda de Kanagawa y de los
elementos de los artistas modernistas Jean Arp y Joan Miró .

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Bibliografía

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 El cómic Como Medio Artistico - Informe de Libros - HikaruByouga
(clubensayos.com)
 Roy Lichtenstein: el pintor que llevó el cómic al museo - Artelista Magazine
 El cómic y el arte visual: un mundo de posibilidades - Arte Contemporáneo
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 La exposición de Roy Lichtenstein, el maestro del Pop Art – VEIN Magazine
 Pop art: características, artistas y obras principales - Cultura Genial
 Roy Lichtenstein - Historia Arte (HA!) (historia-arte.com)
 La pintura en el cómic - hoyesarte.com
 El cronista del Arte: El cómic del arte pop
 El noveno arte – Entre tanto tebeo 
 El noveno arte en el aula de ELE: el cómic como recurso en la enseñanza y
el aprendizaje de idiomas - Dialnet
 Roy Lichtenstein y la tira cómica: ¿genio o plagiario?
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 https://archive.artic.edu/lichtenstein/themes/Look-Mickey
 https://blogs.20minutos.es/trasdos/tag/look-mickey/
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 muyinteresante.es/cultura/arte-cultura/fotos/9-obras-geniales-de-roy-
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 cesarlopezgomez.com/los-besos-de-roy-lichtenstein-o-el-comic-elevado-a-
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 https://www.moma.org/learn/moma_learning/lichtenstein-drowning-girl-1963/
 Bourlot,Cintia. “Pop Art: El movimiento artistico de mayor cercanía con el
pueblo?” Producción en Diseño y Comunicación Vol 36 (2010)

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