BIOGRAFIA

Carl Philipp Emanuel Bach

Nacimiento 8 de marzo de 1714 Ver

Fallecimiento 14 de diciembre de 1788

A los diez años entró en la escuela de Santo Tomás de Leipzig, de la que su padre era Cantor desde
1723. Estudió Derecho en las universidades de Leipzig en 1731 y, a partir de 1734, en la
Universidad Viadrina de Fráncfort del Oder. Se licenció en 1738, a los 24 años, pero no desarrolló
ninguna carrera jurídica, dedicándose, en cambio, plenamente a la música. Ya había empezado a
componer en 1731.

Ese mismo año de 1738 fue nombrado clavecinista en la corte del príncipe heredero Federico de
Prusia ("Federico el Grande"). Al ascender al trono en 1740, Carl Philipp Emanuel formó parte de
su corte. Era por entonces uno de los clavecinistas más importantes de Europa. Su reputación
quedó definitivamente establecida por dos series de sonatas, dedicadas, respectivamente, a
Federico el Grande (Preußische Sonaten, 1742) y al gran duque de Wurtemberg
(Württembergische Sonaten, 1744).

En 1746 fue nombrado músico de cámara, y durante veintidós años compartió el favor real con
músicos como Carl Heinrich Graun, Johann Joachim Quantz y Johann Gottlieb Naumann. En este
tiempo que residió en Berlín, compuso principalmente obras para teclado y para flauta,
instrumento favorito de Federico II y del que el rey era un intérprete bastante aceptable.

Después de la muerte de su padre en 1750, Carl Philipp Emanuel pretendió el cargo de Cantor de
Santo Tomás, pero no se le concedió el puesto, probablemente porque el Concejo había quedado
cansado de los Bach. Carl Philipp Emanuel no asumió como heredero una parte de los bienes
familiares, especialmente gran cantidad de partituras y cantatas. Acogió en su casa a su joven
medio hermano Johann Christian, del que fue profesor entre 1750 y 1755. Se alejó de la corte,
donde se encontraba poco considerado, y se fue a residir a Zittau y después a Leipzig.

En 1753 publicó su Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen1 (Ensayo sobre el verdadero
arte de tocar los instrumentos de tecla), un tratado sistemático y magistral que tuvo enorme éxito.
Para el año 1780 había alcanzado la tercera edición. Es la base para los métodos de Muzio
Clementi y Johann Baptist Cramer. Sigue siendo todavía válido.

En 1768 Carl Philipp Emanuel Bach, tras la muerte de Georg Philipp Telemann, lo sucedió en el
cargo de maestro de capilla en Hamburgo. Esto hizo que se le conociese como el ‘Bach de
Hamburgo’, para diferenciarlo de su hermano Johann Christian, conocido como el ‘Bach de
Londres y de Milán’. En este nuevo cargo, tuvo que prestar mayor atención a la música sacra. Al
mismo tiempo, la carrera de Joseph Haydn estimuló su propia composición instrumental para toda
su gente.
 Franz Joseph Haydn

Nacimiento: 31 de marzo de 1732.

Fallecimiento: 31 de mayo de 1809,
Franz Joseph Haydn nació en la localidad de Rohrau el 31 de marzo de 1732 y murió en el arrabal
vienés de Gumpendorf, el 31 de mayo de 1809. Fue un músico virtuoso, un compositor de gran
magnitud considerado como uno de los máximos representantes del Clasicismo y el Padre de la
Sinfonía moderna. El segundo de doce hermanos, fruto del matrimonio formado por M. Haydn y
A.M. Koller, realizó sus primeros estudios en su ciudad natal, aunque a los pocos años, destacó en
el ámbito musical y sus progenitores aceptaron una oferta del director del coro, J. M. Frankh,
trasladando a su hijo a Hainburg para estudiar Música. Allí pudo iniciarse en el clavecín, violín y
compuso sus primeros cantos corales. Destacó como niño-cantor y al ser admirado por el Maestro
de Capilla, G. von Reutter, Haydn se trasladó al Coro de la Catedral de San Esteban de Viena,
propulsando así su incipiente pero brillante carrera profesional. En la capital del Imperio austríaco
inició una nueva etapa de su vida estudiando distintas asignaturas (latín, clases de canto, violín y
teclado). Vivió en Viena desde temprana edad y con el transcurso del tiempo evolucionó su técnica
comenzando la producción de sus primeras obras, promoviendo así su carrera musical en las
cortes de las principales familias aristocráticas europeas (Esterházy). A partir de 1756, fue
considerado uno de los Maestros de Viena. Tres años después fue nombrado vice-director de
orquesta por el Conde Morzín y posteriormente Maestro de Capilla, cargo que ostentó durante
treinta y cinco años. Durante este periodo se produce el matrimonio canónico de J. Haydn con M.
A. Keller. En 1790 viajó a Londres donde construyó diversas obras: “Sinfonías de Londres”, “El
Cuarteto Reiter” o “Rondo gitano para trío con piano”. En 1795, regresó a Viena dedicándose a la
realización de obras sacras para coro y orquesta. Finalmente a partir de 1802 contrajo una grave
enfermedad que le impidió seguir componiendo, consumiéndole la vida hasta que falleció en
1809, siendo enterrado en el Cementerio de Viena.
Franz Joseph Haydn fue iniciado el 11 de febrero de 1785 en Zur wahren Eintracht (Logia de La
Verdadera Concordia) de Viena. Realizó diversos trabajos rituales pertenecientes al Rito de
Zinnendorf y estuvo confeccionando algunos cantos de carácter ritual masónico como “La
Creación”, basada en el libro bíblico del Génesis. Su obra musical es amplísima destacando las
siguientes obras: ciento veinticinco sinfonías, treinta y un conciertos, setenta y siete cuartetos,
treinta tríos y más de trescientas composiciones para instrumentos de cuerda y viento. En lo
referente a la Música eclesiástica, el compositor austriaco produce catorce misas, un “Stabat
mater”, dos “Te Deums” y treinta y cuatro ofertorios e himnos. También destaca en el campo de la
escritura vocal resaltando algunas canciones de tres y cuatro partes. Construyó una veintena de
óperas (Acis y Galatea, La cantante…). Finalmente, las obras que han inmortalizado la figura de J.
Haydn, han sido “El Regreso de Tobías” (1775), “Las últimas Siete palabras de Cristo” (1787) y “La
Creación” (1791). En conclusión, F. J. Haydn es considerado un destacado compositor austriaco
muy laureado por la abundancia y calidad en sus obras que actualmente han sido clasificadas con
un destacado estilo y brillante composición.

Luigi Boccherini

Nacimiento: 19 de febrero de 1743

Fallecimiento: 28 de mayo de 1805
Nació el 19 de febrero de 1743 en Lucca, Toscana, en el seno de una familia de artistas, donde
pudo desarrollar su vocación. Su padre fue contrabajista y chelista y su hermana bailarina de
ballet. Su hermano Giovanni Gastone inicialmente participaba en el cuerpo de baile, pero más
tarde en la poesía y la escritura al grado en que llegó a escribir libretos para Antonio Salieri y
Joseph Haydn. Boccherini se interesó por el violonchelo desde temprana edad. Su padre le dio las
primeras clases. Posteriormente, Boccherini adquirió un nivel magistral en su instrumento, bajo la
tutela de Domenico Francesco Vannuci (1718-75), chelista, maestro de armonía y contrapunto, así
como compositor de música sacra.Progresó tanto que en las fiestas de Lucca de 1756 consta su
participación como violonchelista contando con tan solo catorce años de edad. También quedó su
nombre registrado como músico de capilla, tocando violonchelo y contrabajo, en los anuarios de
Lucca que datan del 22 de abril de 1755.
Durante sus primeros años de estancia en España, ejerció como instrumentista en la Compañía de
teatros de los Reales sitios (1768-1769).

En 1770, Boccherini es nombrado violoncelista y compositor de la capilla real del infante Luis
Antonio. Con este nombramiento comienza la etapa de mayor creación musical del artista. Hacia
1770 empezó a componer música de cámara, cuartetos y quintetos para cuerda, obras con las que
ha sido ampliamente relacionado. Todas sus obras compuestas desde su llegada a Madrid
(incluidos sus seis cuartetos op. 6) y hasta el fallecimiento del infante, incluían la inscripción “A
H.R.H Don Luis, Infante de España”.

Yves Gérard estima que Boccherini había escrito alrededor de cien obras cuando en 1770 entró
formalmente al servicio de Don Luis de Borbón. Antes de esta fecha, había sido básicamente un
virtuoso y su producción temprana incluye sobre todo obras para su propio instrumento
(violonchelo).
El año 1785 cambia sustancialmente su vida: fallece su esposa Clementina en Arenas de San Pedro,
y meses después, el 7 de agosto, su patrón Don Luis. Tras su muerte, Boccherini solicita que no se
le retiren los ingresos que recibía de este, a lo que accede el rey Carlos III, nombrándolo violón de
la Real Capilla, aunque sin tomar posesión de la plaza en espera de alguna vacante. 4

Boccherini regresa a Madrid solo y con seis hijos: Joaquina, Luis Marcos, José Mariano, María
Teresa, Mariana e Isabel. Una vez restablecido, consigue dos importantes patronazgos: a través
del embajador de Prusia, Boccherini mandó algunos de sus trabajos al rey de Prusia, los cuales le
dedicó; y en un periodo corto de tiempo, el compositor recibió una carta del rey. En un decreto de
la corte datado del 21 de enero de 1786, es nombrado compositor de la Corte de Federico
Guillermo II de Prusia,1 quien era un violonchelista aficionado y fue su mecenas entre 1786 y
1797;3 se cree que poco tiempo después dejó España para vivir en Potsdam y Breslau, y tuvo una
relación íntima con los miembros de la corte.

En 1786 entra al servicio de María Josefa Pimentel, duquesa de Osuna y Condesa de Benavente
(1752–1834) como director de su orquesta y compositor, y a partir de 1787 establece su residencia
en la capital.

Hacia 1796 inició su correspondencia con el editor parisino Ignaz Pleyel (1757-1831) y también

trabajó para el Marqués de Benavente, guitarrista aficionado.

En 1797, Boccherini se casó en segundas nupcias con María del Pilar Joaquina Porretti, hija del
violonchelista y antiguo amigo suyo Domingo Porretti.

En los primeros meses de 1801 trabajó para el embajador francés de España, Lucien Bonaparte
(1775-1840), para amenizar las veladas en su residencia oficial, el palacio de San
Bernandino. Escribió varias obras que dedicó a Bonaparte, como los seis quintetos para piano en
1799, el 'stabat mater' en 1800 y 12 quintetos para dos violines, dos violas y violonchelo en 1802.4

A pesar de permanecer en Madrid la mayor parte de su vida, la mayoría de la obra de Boccherini,

incluyendo manuscritos autógrafos y copias, se conserva en Berlín y París. Parte de la explicación
se debe a que sus obras estaban destinadas a ser publicadas fuera de España, por lo que sus
manuscritos se remitieron a editores ingleses, franceses o alemanes.

Solo se conocen dos impresos con música de Boccherini que fueron producidos por imprentas
madrileñas, que fueron sus seis dúos para dos violines (G.56-61) y seis tríos de cuerda dedicados al
Príncipe de Asturias (G.89-94).

Carl Philipp Stamitz

(7 de mayo de 1745 — 9 de noviembre de 1801), compositor Bohemia (cultura) virtuoso del violín,
hijo de Johann Stamitz, violinista de la famosa orquesta de Mannheim. Viajó a París, donde
alcanzó renombre. Visitó como concertista los principales países de Europa. Compositor de óperas
(Der verliebte Vormund y Dardanus), 70 sinfonías, numerosos cuartetos, tríos y otras obras
musicales. Stamitz escribió sinfonías , sinfonías concertantes y conciertos para clarinete ,
violonchelo , flauta , oboe , fagot , trompa , violín , viola , viola d'amore y diferentes
combinaciones de estos instrumentos. Algunos de sus conciertos para clarinete y viola son
particularmente admirados. También escribió dúos , tríos y cuartetos . Dos óperas , Der verliebte
Vormund y Dardanus, ahora están perdidos. Estilísticamente, su música se asemeja a la de Mozart
o Haydn y se caracteriza por melodías atractivas , aunque su escritura para los instrumentos
solistas no es excesivamente virtuosa. Los movimientos iniciales de sus obras orquestales, que son
en forma de sonata , son generalmente seguidos por movimientos medios expresivos y líricos y
movimientos finales en forma de rondó .

Muzio Clementi
Nacimiento: 23 de enero de 1752
Fallecimiento: 10 de marzo de 1832

fue un pianista, compositor clásico, fabricante de pianos y editor musical italiano, reconocido
como el primero que escribió específicamente para piano. Es más conocido por sus Sonatinas y su
colección de estudios para piano Gradus ad Parnassum.

En 1766, Sir Peter Beckford (1740–1811), un acaudalado inglés primo del excéntrico William
Beckford, mostró interés en el talento musical del muchacho y trató de convencer a Nicolò para
llevarlo a su mansión de Blandford Forum en Dorset, Inglaterra; donde Beckford acordó proveer
pagos trimestrales para solventar la educación musical de Clementi. A cambio de esta educación,
Clementi se encargaba de los eventos musicales en la Mansión. Clementi pasó los siguientes siete
años dedicándose enteramente al estudio y práctica del clavicordio. Sus composiciones de este
período inicial, sin embargo, fueron pocas y casi todas se han perdido.

En 1770 Clementi se presenta por primera vez en público como pianista. La audiencia estuvo muy
impresionada con su ejecución, fue el comienzo en ese entonces de una de las carreras como
concertista de piano más exitosas en la historia. En 1774, Clementi fue liberado de sus
obligaciones para con Peter Beckford y se trasladó a Londres, donde entre otras realizaciones hizo
varias presentaciones en público como clavicordista, intervino en conciertos para cantante y arpa,
y sirvió como «director» — desde el teclado — al Teatro del Rey, en Haymarket, durante al menos
este período. Su renombre creció, al menos en parte a la popularidad de sus Sonatas Opus 2
recientemente publicadas. Su fama y prestigio aumentaron rápidamente y fue considerado por
muchos círculos musicales como el pianista virtuoso más grande del mundo.

Clementi inició una gira europea en 1781 que le permitió viajar por Francia, Alemania y Austria. En
Viena, Clementi convino con José II para entrar en un duelo musical con Wolfgang Amadeus
Mozart para entretenimiento del Emperador y sus invitados. Cada ejecutante fue invitado a
improvisar y a ejecutar selecciones de sus propias composiciones. La habilidad de ambos
compositores y su virtuosismo fue tan grande que el Emperador se vio forzado a declarar un
empate.

A partir de 1782 y en los siguientes veinte años Clementi permaneció en Inglaterra tocando el
piano, dirigiendo y enseñando. Dos de sus estudiantes alcanzaron un importante renombre:
Johann Baptist Cramer y John Field (quien, a su vez, ejerció una gran influencia sobre Frédéric
Chopin). Clementi también comenzó la manufactura de pianos, pero en 1807 esta fábrica fue
destruida por un incendio. Ese mismo año inició contactos con Ludwig van Beethoven, uno de sus
más grandes admiradores, quién le dio los plenos derechos de publicación de toda la música de
Beethoven. El nivel alcanzado por Clementi dentro de la historia de la música como editor e
intérprete de Ludwig van Beethoven no es ciertamente menor que como compositor (aunque
también fue criticado por algunos trabajos de editorial permisivos, por ejemplo, haciendo
«correcciones» armónicas a algunas obras de Beethoven). El hecho que Ludwig van Beethoven
empezara, en el final de su vida, a componer (en su mayoría música de cámara) especialmente
para el mercado británico, pudo haber estado relacionado con el hecho que su editor estaba
radicado allí. En 1810, Clementi dejó de realizar sus conciertos para dedicarle todo su tiempo a la
composición y a la fabricación de pianos. En 1830 se trasladó a las afueras en Lichfield y pasó sus
últimos años en Evesham, donde murió a los 80 años de edad. Fue enterrado en la abadía de
Westminster. Clementi se casó tres veces.

Wolfgang Amadeus Mozart

Nacimiento: 27 de enero de 1756

Fallecimiento: 5 de diciembre de 1791
más conocido como Wolfgang Amadeus Mozart, fue un compositor, pianista, director de orquesta
y profesor del antiguo Arzobispado de Salzburgo (anteriormente parte del Sacro Imperio Romano
Germánico, actualmente parte de Austria), maestro del Clasicismo, considerado como uno de los
músicos más influyentes y destacados de la historia.

La obra mozartiana abarca todos los géneros musicales de su época e incluye más de seiscientas
creaciones, en su mayoría reconocidas como obras maestras de la música sinfónica, concertante,
de cámara, para fortepiano, operística y coral, logrando una popularidad y difusión internacional.

En su niñez más temprana en Salzburgo, Mozart mostró una capacidad prodigiosa en el dominio
de instrumentos de teclado y del violín. Con tan solo cinco años ya componía obras musicales y sus
interpretaciones eran del aprecio de la aristocracia y realeza europea. A los diecisiete años fue
contratado como músico en la corte de Salzburgo, pero su inquietud le llevó a viajar en busca de
una mejor posición, siempre componiendo de forma prolífica. Durante su visita a Viena en 1781,
tras ser despedido de su puesto en la corte, decidió instalarse en esta ciudad, donde alcanzó la
fama que mantuvo el resto de su vida, a pesar de pasar por situaciones financieras difíciles. En sus
años finales, compuso muchas de sus sinfonías, conciertos y óperas más conocidas, así como su
Réquiem. Las circunstancias de su temprana muerte han sido objeto de numerosas especulaciones
y elevadas a la categoría de mito.

Según críticos de música como Nicholas Till, Mozart siempre aprendía vorazmente de otros
músicos y desarrolló un esplendor y una madurez de estilo que abarcó desde la luz y la elegancia, a
la oscuridad y la pasión —todo bien fundado por una visión de la humanidad «redimida por el
arte, perdonada y reconciliada con la naturaleza y lo absoluto»—.Su influencia en toda la música
occidental posterior es profunda; Ludwig van Beethoven escribió sus primeras composiciones a la
sombra de Mozart, de quien Joseph Haydn escribió que «la posteridad no verá tal talento otra vez
en cien años».

Ludwig van Beethoven

Nacimiento: diciembre de 1770

Fallecimiento: 26 de marzo de 1827
fue un compositor, director de orquesta, pianista y profesor de piano alemán. Su legado musical
abarca, cronológicamente, desde el Clasicismo hasta los inicios del Romanticismo. Es considerado
uno de los compositores más importantes de la historia de la música y su legado ha influido de
forma decisiva en la evolución posterior de este arte.

Siendo el último gran representante del clasicismo vienés (después de Christoph Willibald Gluck,
Joseph Haydn y Wolfgang Amadeus Mozart), Beethoven consiguió hacer trascender la música del
Romanticismo, influyendo en diversidad de obras musicales del siglo xix. Su arte se expresó en
numerosos géneros y aunque las sinfonías fueron la fuente principal de su popularidad
internacional, su impacto resultó ser principalmente significativo en sus obras para piano y música
de cámara.

Su producción incluye los géneros pianístico (treinta y dos sonatas para piano), de cámara
(incluyendo numerosas obras para conjuntos instrumentales de entre ocho y dos miembros),
concertante (conciertos para piano, para violín y triple), sacra (dos misas, un oratorio), lieder,
música incidental (la ópera Fidelio, un ballet, músicas para obras teatrales), y orquestal, en la que
ocupan lugar preponderante Nueve sinfonías.
 Romanticismo 1830 - 1900

Louis Spohr

Nacimiento 5 de abril de 1784

Fallecimiento 22 de octubre de 1859
fue un compositor, violinista y director de orquesta alemán. Aunque alemán y bautizado Ludwig,
Spohr siempre firmó sus obras con la forma francesa de su nombre, Louis, por lo que es
generalmente conocido como Louis Spohr. La obra de Spohr se encuentra a medio camino entre la
claridad y el formalismo del clasicismo, profundamente inspirada por Mozart, y la experimentación
asociada al romanticismo del segundo cuarto del siglo XIX.

Spohr fue uno de los compositores más famosos de su tiempo. Sus contemporáneos lo
consideraban un igual a Haydn, Mozart, y Beethoven, fama que también sostuvo durante las
décadas inmediatamente posteriores a su muerte. Sin embargo, la popularidad de su música
decayó rápidamente hacia finales del siglo XIX, sobre todo debido a sus manierismos y a sus
continuas repeticiones estilísticas, de tal forma que su fama póstuma es aún hoy en día mucho
más modesta, similar a la de Cherubini o Hummel (ambos, extremadamente famosos en su
tiempo, pero, hoy día, menos valorados). Para principios del siglo XX, su obra había dejado de ser
representada.

La publicación del catálogo temático Göthel a partir de los años 1980 marcó un renacer en el
interés musical de la obra y de la importancia histórica de Spohr. Esto propició la grabación y
representación de sus óperas y obras sinfónicas, lo cual ha permitido una valoración más
informada de su obra y de su influencia en sus contemporáneos. En sus mejores momentos, la
obra de Spohr es de calidad igual a la de los grandes compositores de su época.
 Karl Maria von Weber

(Karl o Carl Maria von Weber; Eutin, actual Alemania, 1786 - Londres, Gran Bretaña, 1826)
Compositor, pianista y director de orquesta alemán. Karl Maria von Weber es considerado, junto a
Schubert y Beethoven, el más destacado representante de la primera generación romántica de
músicos alemanes.
Nacido en un ambiente musical -su padre era violinista y maestro de capilla en Eutin, y su madre,
una buena cantante-, Weber fue un niño prodigio que a los doce años de edad dio a conocer sus
primeras obras. Alumno de Michael Haydn en Salzburgo y del abate Vogler en Viena, sus aptitudes
le hicieron sobresalir no sólo en la composición, sino también en la práctica del piano y la dirección
orquestal, disciplina ésta de la que llegó a ser un consumado especialista, ocupando desde 1816
hasta su muerte el cargo de director musical de la Ópera de Dresde.

Desde fecha temprana, Weber se sintió atraído por la creación operística, en la que cosecharía sus
mayores triunfos, hasta el punto de que su aportación en este terreno ha eclipsado sus valiosas
incursiones en otros géneros. En 1802 había compuesto ya tres óperas. En 1810 vio la luz Silvana,
un ambicioso trabajo en el que se anunciaban las características que definirían El cazador furtivo,
la obra que le valió ser considerado el padre de la ópera nacional alemana.
Partiendo del tradicional esquema del singspiel, caracterizado por la alternancia de partes
cantadas y declamadas, el compositor consiguió una partitura en la que las danzas y coros de
inspiración popular, al empapar toda la acción dramática, constituían la verdadera esencia de la
música.

Consciente del valor de su obra, Weber siguió la senda abierta en El cazador furtivo en su siguiente
trabajo escénico, Euryanthe, una «gran ópera heroico-romántica» que, pese a no despertar el
interés del público, ejerció una influencia decisiva en la evolución del joven Richard Wagner. La
tuberculosis puso fin a su vida prematuramente en Londres, donde se había trasladado para asistir
al estreno de su última aportación lírica, Oberón.
 Gioachino Rossini

Nacimiento 29 de febrero de 1792

Fallecimiento 13 de noviembre de 1868

fue un compositor italiano que ganó fama por sus 39 óperas, aunque también escribió muchas
canciones, algunas piezas de música de cámara y piano y algo de música sacra. Estableció nuevos
estándares tanto para la ópera cómica como para la seria antes de retirarse de la composición a
gran escala cuando aún estaba en la treintena de edad, en el apogeo de su popularidad.

Nacido en Pésaro de padres músicos, su padre trompetista y su madre cantante, Rossini comenzó
a componer a los 12 años y fue educado en la escuela de música de Bolonia. Su primera ópera se
representó en Venecia en 1810 cuando tenía 18 años. En 1815, se comprometió a escribir óperas y
dirigir teatros en Nápoles. En el período 1810-1823 escribió 34 óperas para la escena italiana que
se representaron en Venecia, Milán, Ferrara, Nápoles y otros lugares. Esta productividad requería
un enfoque casi formulado para algunos componentes (como las oberturas) y una cierta cantidad
de autopréstamo. Durante este período produjo sus obras más populares, incluidas las óperas
cómicas La italiana en Argel, El barbero de Sevilla y La Cenicienta, que llevó a su máxima expresión
la tradición de la ópera bufa que heredó de maestros como Domenico Cimarosa y Giovanni
Paisiello. También compuso obras de ópera seria como Otelo, Tancredi y Semiramide. Todas estas
atrajeron admiración por su innovación en melodía, color armónico e instrumental y de forma
dramática. En 1824, la Ópera de París lo contrató, para la que produjera una ópera para celebrar la
coronación de Carlos X, El viaje a Reims (reutilizada más tarde para su primera ópera en francés, El
conde Ory), revisiones de dos de sus óperas italianas, Le Siège de Corinthe y Mosè in Egitto, y en
1829 su última ópera, Guillermo Tell.

La retirada de Rossini de la ópera durante los últimos 40 años de su vida nunca ha sido
completamente explicada. Los factores que contribuyeron pudieron haber sido su mala salud, la
riqueza que le había aportado su éxito y el surgimiento de una grand opéra espectacular con
compositores como Giacomo Meyerbeer. Desde principios de la década de 1830 hasta 1855,
cuando dejó París y se estableció en Bolonia, Rossini escribió relativamente poco. A su regreso a
París en 1855 se hizo famoso por sus salones musicales de los sábados, a los que asistían
regularmente músicos y círculos artísticos y de moda de París, para los que escribió las
entretenidas piezas Péchés de vieillesse. Entre los invitados se incluyeron a Franz Liszt, Antón
Rubinstein, Giuseppe Verdi, Meyerbeer y Joseph Joachim. La última gran composición de Rossini
fue su Petite Messe Solennelle de 1863.

Franz Schubert

Nacimiento 31 de enero de 1797

Fallecimiento 19 de noviembre de 1828

fue un compositor austriaco de los principios del Romanticismo musical pero, a la vez, continuador
de la sonata clásica siguiendo el modelo de Ludwig van Beethoven. A pesar de su corta vida, dejó
un gran legado, que incluye más de seiscientas obras vocales seculares (principalmente lieder),
siete sinfonías completas, música sacra, óperas, música incidental y gran cantidad de obras para
piano y música de cámara. Entre sus obras principales figuran el Quinteto La trucha, la Sinfonía
inacabada, la Sinfonía Grande, las tres últimas sonatas para piano (D. 958, 959 y 960), la ópera
Fierrabras (D. 796), la música incidental de la obra de teatro Rosamunda (D. 797) y los ciclos de
canciones La bella molinera (D. 795) y Viaje de invierno (D. 911).

Nació en el suburbio Himmelpfortgrund de Viena, y sus dotes poco comunes para la música fueron
evidentes desde una edad temprana. Su padre le dio las primeras lecciones de violín y su hermano
mayor le dio lecciones de piano, pero Schubert pronto superó sus habilidades. En 1808, a la edad
de once años, entró como alumno en la escuela Stadtkonvikt, donde se familiarizó con la música
orquestal de Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven. Lo abandonó a
finales de 1813 y regresó a su hogar para vivir con su padre, donde comenzó a estudiar para
hacerse maestro de escuela. A pesar de esto, continuó sus estudios de composición con Antonio
Salieri. En 1821, la Gesellschaft der Musikfreunde lo admitió como miembro intérprete, lo que lo
ayudó a darse a conocer entre la ciudadanía vienesa. Dio un concierto de sus propias obras con
gran éxito de crítica en marzo de 1828, la única vez que lo hizo en su carrera. Murió ocho meses
después a los 31 años, y la causa oficialmente atribuida fue la fiebre tifoidea, aunque algunos
historiadores creen que fue por sífilis.

La valoración de su música mientras estaba vivo se limitó a un círculo relativamente pequeño de

admiradores en Viena, pero el interés en su obra aumentó significativamente en las décadas
posteriores a su muerte. Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Franz Liszt, Johannes Brahms y
otros compositores del siglo xix descubrieron y defendieron sus obras. Hoy, Schubert se encuentra
entre los mejores compositores de música clásica occidental, y su música sigue siendo popular.
 Hector Berlioz

Nacimiento 11 de diciembre de 1803

Fallecimiento 8 de marzo de 1869
fue un compositor francés y figura destacada del romanticismo. Su obra más conocida es la
Sinfonía fantástica, estrenada en 1830.
(fue un aficionado a la acupuntura) y envió al joven Héctor en 1821 a París a estudiar medicina.
Berlioz quedó horrorizado por el proceso de disección y a pesar de la desaprobación de su padre,
abandonó la carrera para estudiar música. Asistió al Conservatorio de París, donde estudió
composición y ópera, quedando muy impresionado por la obra y las innovaciones de su maestro
Jean-François Lesueur.

Se dice que Berlioz había sido un romántico innato, que experimentaba intensas emociones desde
la más tierna infancia, por ejemplo cuando leía pasajes de Virgilio, y más tarde en una serie de
aventuras amorosas.

A los 23 años se enamoró de la actriz irlandesa shakesperiana Harriet Smithson.

A Smithson las cartas de Berlioz le parecieron tan exageradamente apasionadas que lo rechazó por
completo. Sin embargo, fue la musa inspiradora de la sinfonía que Berlioz estaba preparando en
esa época.

En 1830, esta Sinfonía fantástica generada por esas emociones fue considerada «asombrosa y
vívida», pero Smithson no quiso asistir al debut en París. En aquel momento la naturaleza
autobiográfica de esta obra de música programática (que requería que los oyentes leyeran un
folleto con su «argumento» antes del concierto) se consideró con justicia sensacional e
innovadora.

En 1830 (el mismo año del debut de la sinfonía) Berlioz ganó el Premio de Roma, la beca más
importante del mundo de la música.
Debido al rechazo de Smithson, Berlioz se unió sentimentalmente a Marie Moke. Pero este
romance fue terminado abruptamente por la madre de Moke, quien la casó con el pianista y
fabricante de pianos Camille Pleyel.

Berlioz, que en esa época ya estaba becado en Roma, planeó cabalgar hasta París, disfrazarse de
sirvienta doméstica, matar a Moke, a su madre y a su novio pianista y suicidarse. Llegó a viajar un
par de miles de kilómetros hasta Niza, hasta que fue persuadido de abandonar la idea.

Después de su retorno a París —luego de dos años becado estudiando ópera italiana en Roma—,
se enteró de que Harriet Smithson finalmente había asistido a una presentación de la Sinfonía
Fantástica. Ella rápidamente se dio cuenta de que era una clara alegoría de las apasionadas cartas
que Berlioz le había escrito. Pronto se casaron, pero pocos años después, desilusionados, se
separaron.

Durante su vida, Berlioz fue más famoso como director de orquesta que como compositor.
Periódicamente daba ciclos de conciertos en Alemania e Inglaterra, donde dirigía óperas y música
sinfónica, tanto suya como de otros compositores.

Varios fueron sus encuentros con el compositor y virtuoso del violín Nicolo Paganini. De acuerdo
con las memorias del francés, Paganini, tras asistir a una representación de su Sinfonía fantástica,
le ofreció una importante suma para que le compusiera una pieza para viola. Algo reticente al
principio, a las pocas semanas Berlioz escribió una obra, una sinfonía concertante, inspirándose en
pasajes de la novela en verso de Lord Byron Childe-Harold's Pilgrimage. La obra no fue del gusto de
Paganini, quien la desechó por considerarla de escasa complejidad técnica.

En 1838, estrena su primera ópera, Benvenutto Cellini, cuyo libreto se basa en las memorias del
escultor florentino del siglo XVI del mismo nombre. La respuesta por parte del público y la crítica
es fría.

El dinero pagado por Paganini le permite pagar deudas y trabajar con mayor tranquilidad en su
siguiente obra, la "sinfonía dramática" Romeo y Julieta (cuyo "Sueño de Amor" será considerado
por el mismo Berlioz como su "composición favorita"). A su estreno asistió, entre otras
personalidades, Richard Wagner, quien quedó fuertemente impresionado, lo que no hizo más que
reforzar su gran admiración por el francés.

En 1840, el gobierno francés le encarga la composición de una obra que conmemore los diez años
de la Revolución de 1830. Así nace su Grande symphonie funèbre et triomphale, estrenada bajo la
conducción del mismo compositor en la plaza de la Bastilla.
 Felix Mendelssohn-Bartholdy

Nacimiento: 3 de febrero de 1809

Fallecimiento: 4 de noviembre de 1847
cuyo nombre completo era Jakob Ludwig Felix Mendelssohn Bartholdy, fue un compositor,
director de orquesta y pianista de música romántica alemán, y hermano de la también pianista y
compositora Fanny Mendelssohn.
Era nieto del filósofo Moses Mendelssohn y nació en el seno de una destacada familia judía que
más tarde se convirtió al luteranismo, adoptando el apellido Mendelssohn-Bartholdy. En su
infancia fue considerado un prodigio musical, pero sus padres no trataron de sacar partido de sus
habilidades. De hecho, su padre declinó la oportunidad de que Felix siguiera una carrera musical
hasta que quedó claro que tenía la firme intención de dedicarse seriamente a ella.1

Al temprano éxito en Alemania, le siguió un viaje a través de toda Europa; Mendelssohn fue
recibido particularmente bien en Inglaterra como compositor, director y solista, y sus diez visitas
allí, durante las que estrenó la mayoría de sus obras, formaron una parte importante de su carrera
adulta. Fundó el Conservatorio de Leipzig, un bastión de su lucha contra las perspectivas musicales
radicales de algunos de sus contemporáneos.

Las obras de Mendelssohn incluyen sinfonías, conciertos, oratorios, oberturas, música incidental,
música para piano, música para órgano y música de cámara. También tuvo un importante papel en
el resurgimiento del interés en la obra de Johann Sebastian Bach. Sus gustos musicales
esencialmente conservadores lo separaron de muchos de sus contemporáneos más aventurados,
como Franz Liszt, Richard Wagner o Hector Berlioz. Después de un largo periodo de denigración
debido al cambio de los gustos musicales y el antisemitismo a finales del siglo xix y comienzos del
xx, su originalidad creativa tiene un buen reconocimiento,2 ha sido evaluada de nuevo y se ha
convertido en uno de los compositores más populares del periodo romántico.

En 1811, cuando Felix tenía dos años, su familia se trasladó a Berlín, donde creció y se educó
dentro de un entorno con gran influencia intelectual. Los padres, además, habían recibido una
educación que les había proporcionado diversos conocimientos culturales; por ejemplo, la madre
hablaba varias lenguas, tocaba el piano y dibujaba de «modo admirable», habilidad esta última
que también poseía su hijo. Además, las grandes mentes de Alemania visitaron con frecuencia el
hogar familiar de Mendelssohn en Berlín, incluyendo a Wilhelm y Alexander von Humboldt. Su
hermana Rebecca se casó con el matemático belga Peter Gustav Lejeune Dirichlet. La educación
de los hermanos Mendelssohn fue muy rígida: los padres adecuaron la creación de un entorno de
trabajo para el desarrollo de sus hijos, con la finalidad de que aprovecharan la gran cultura que
podían darles con sus recursos económicos. Fanny se convirtió en una destacada pianista y en una
compositora aficionada, y en un principio Abraham llegó a pensar que ella, en lugar de su
hermano, debería haberse dedicado a la música. Sin embargo, en ese momento, no se consideró
apropiado (ya fuera por Abraham o Felix) que una mujer tuviera una carrera musical, por lo que
Fanny permaneció como una compositora aficionada. Seis de sus primeras canciones fueron
publicadas posteriormente con su consentimiento bajo el nombre de Félix.

Robert Schumann

Nacimiento: 8 de junio de 1810

Fallecimiento: 29 de julio de 1856

fue un compositor, pianista y crítico musical alemán del siglo xix, considerado uno de los más
importantes y representativos compositores del Romanticismo musical.

Schumann dejó sus estudios de derecho, con la intención de seguir una carrera como virtuoso
pianista. Su maestro Friedrich Wieck le había asegurado que podría convertirse en el mejor
pianista de Europa, pero una lesión en la mano terminó este sueño y centró sus energías musicales
en la composición. Se casó con la hija de Wieck, Clara, después de una larga y dura batalla legal
con el padre. Comenzó una asociación musical para toda la vida, ya que Clara era una pianista y
prodigio musical consolidada. Clara y Robert también mantuvieron una estrecha relación con el
compositor alemán Johannes Brahms.

Hasta 1840, Schumann compuso exclusivamente obras para piano. Más tarde, escribió para piano
y orquesta y muchos lieder. Compuso cuatro sinfonías, una ópera y otras obras orquestales,
corales y de cámara. Sus obras más conocidas incluyen Carnaval, Estudios sinfónicos, Escenas
infantiles, Kreisleriana y Fantasía en do. Fue conocido por llenar su música con personajes a través
de motivos, así como referencias a obras literarias. Estos personajes emanaron en su redacción
editorial en la Neue Zeitschrift für Musik, una publicación ubicada en Leipzig que cofundó.

Schumann sufrió una enfermedad mental que se manifestó por primera vez en 1833 como un
episodio depresivo melancólico severo, que se repitió varias veces alternando con fases de
«exaltación» y cada vez con más ideas delirantes de ser envenenado o amenazado con elementos
metálicos. Lo que ahora se cree que fue una combinación de trastorno bipolar y quizás
envenenamiento por mercurio condujo a períodos «maníacos» y «depresivos» en la productividad
compositiva de Schumann. Después de un intento de suicidio en 1854, Schumann fue admitido a
petición propia en un hospital psiquiátrico en Endenich, cerca de Bonn. Diagnosticado con
melancolía psicótica, murió de neumonía dos años después a la edad de 46 años, sin recuperarse
de su enfermedad mental. Su vida y obra reflejan en su máxima expresión la naturaleza del
Romanticismo: pasión, drama y alegría. En sus obras, de gran intensidad lírica, confluyen una
notable complejidad musical con la íntima unión de música y texto.
 Frédéric Chopin

Nacimiento: 1810, Żelazowa Wola

Fallecimiento: 17 de octubre de 1849

fue un profesor, compositor y virtuoso pianista polaco, considerado uno de los más importantes
de la historia y uno de los mayores representantes del Romanticismo musical.3 456 Su maravillosa
técnica, su refinamiento estilístico y su elaboración armónica se han comparado históricamente,
por su influencia en la música posterior, con las de Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van
Beethoven, Johannes Brahms, Franz Liszt o Serguéi Rajmáninov.

La descendencia pedagógica de Chopin llegó hasta pianistas como Maurizio Pollini y Alfred Cortot,
por medio de Georges Mathias y Emile Descombes, respectivamente.

Recibió el nombre de Fryderyk Franciszek Chopin.La fecha de su nacimiento es incierta: el propio

compositor (y su familia) declaraba haber nacido el 1 de marzo de 1810 y siempre celebró su
cumpleaños en aquella fecha.nota 48 Pero en su partida bautismal figura como nacido el 22 de
febrero. Lo más probable es que esto último fuese un error del sacerdote. Esta discordancia se
discute hasta el día de hoy,9 aunque el 1 de marzo es la fecha generalmente aceptada.10

Frédéric Chopin y sus hermanas crecieron en un entorno en el que el gusto por la cultura en
general y, la música en particular, era considerable. Su primera maestra de piano fue su hermana
Ludwika, con quien luego tocaba duetos para piano a cuatro manos. Al destacar pronto sus
excepcionales cualidades, a los seis años sus padres lo pusieron en manos del maestro Wojciech
Żywny, pianista, amante de la música de Johann Sebastian Bach (hecho entonces poco común) y
de Wolfgang Amadeus Mozart, y que basaba sus enseñanzas principalmente en dichos
compositores. Fue su profesor de 1816 a 1821.17 Un año más tarde, cuando tenía siete años de
edad, compuso su primera obra. Como no sabía escribir muy bien, la pieza la escribió su padre. Se
trataba de la Polonesa en sol menor para piano, publicada en noviembre de 1817 en el taller de
grabado del padre J. J. Cybulski, director de la Escuela de organistas y uno de los pocos editores de
música polacos de su tiempo. Ese mismo año compuso otra Polonesa en si bemol mayor. Su
siguiente obra, una Polonesa en la bemol mayor de 1821, dedicada a Żywny, es el primero de sus
manuscritos que se conserva.17 A estas siguieron otras polonesas, además de marchas y
variaciones. Algunas de estas composiciones se han perdido.

A los ocho años tocaba el piano con maestría, improvisaba y componía con soltura: dio su primer
concierto público el 24 de febrero de 1818 en el palacio de la familia Radziwill de Varsovia, donde
tocó el Concierto en mi menor de Vojtech Jirovec. Pronto se hizo conocido en el ambiente local de
la ciudad, considerado por todos como un niño prodigio y llamado el «pequeño Chopin». Comenzó
a dar recitales en las recepciones de los salones aristocráticos de la ciudad, para las familias
Czartoryski, Grabowski, Sapieha, Mokronowski, Czerwertynski, Zamoyski, Radziwill, Lubecki,
Zajaczek, Skarbek y Tenczynski, tal como hiciese Mozart a la misma edad. Así se ganó un número
creciente de admiradores.
En 1817, el gobernador ruso de Varsovia requisó el palacio Sajón para uso militar y el Liceo de
Varsovia se estableció en el Palacio Kazimierz (hoy el rectorado de la Universidad de Varsovia). La
familia Chopin se mudó a un edificio, que aún sobrevive, adyacente al palacio Kazimierz. Durante
este período, a veces invitaron a Frédéric al palacio Belwederski como compañero de juegos del
hijo del gobernante del Zarato de Polonia, el gran duque Constantino Pávlovich de Rusia. Tocó el
piano y compuso una marcha para Constantino Pávlovich. Julian Ursyn Niemcewicz, en su
dramática égloga, «Nasze Przebiegi» (1818), atestigua la popularidad del «pequeño Chopin».18

También desde su niñez se manifestó ya un hecho que marcó su vida: su frágil salud y su
propensión a las enfermedades. Desde niño había sufrido inflamaciones de los ganglios del cuello
y había tenido que soportar frecuentes sangrías.

Niccolò Paganini

Nacimiento: 27 de octubre de 1782

Fallecimiento: 27 de mayo de 1840

fue un compositor italiano. Es considerado uno de los arquetipos del virtuosismo del violín y uno
de los máximos representantes del movimiento instrumental del Romanticismo. Contribuyó con
sus aportaciones al desarrollo de la "técnica moderna del violín". Los 24 caprichos para violín son
una de sus obras más conocidas y han servido de inspiración a numerosos compositores. Además
del violín compuso música para mandolina, guitarra, viola y fagot. Destacan sus duetos para violín
y guitarra y sus composiciones para cuarteto de cuerdas.
En 1801 compuso más de veinte obras en las que combina la guitarra con otros instrumentos. De
1805 a 1813 fue director musical en la corte de Maria Anna Elisa Bacciocchi, princesa de Lucca y
Piombino y hermana de Napoleón.

En 1813 abandonó Lucca y comenzó a hacer giras por Italia, donde su forma de interpretar atrajo
la atención de quienes le escuchaban. En 1828 fue a Viena, más tarde a París y en 1831 a Londres.
En París conoció al pianista y compositor húngaro Franz Liszt, quien fascinado por su técnica,
desarrolló un correlato pianístico inspirado en lo que Paganini había hecho con el violín. En 1833
en la ciudad de París le encargó a Héctor Berlioz un concierto para viola y orquesta; el compositor
francés realizó Harold en Italia, pero Paganini nunca la interpretó; al parecer no estuvo conforme
con los primeros avances de la composición. Sin embargo, sí asistió al estreno, y se arrepintió de
no haber participado como solista. Berlioz narra lo sucedido:

“El concierto terminó y yo estaba exhausto y sudoroso, temblando de excitación todavía, cuando
Paganini, seguido por su hijo Aquiles, subió al escenario gesticulando violentamente, había
perdido completamente su voz, por la enfermedad que finalmente lo mató, y como nadie podía
entender sus gestos, le hizo una seña a su hijo, que subió a una silla, puso el oído en la boca de su
padre y escuchó atentamente. Aquiles bajó de la silla y volteando hacia mí, me dijo: Mi padre
desea asegurarle, señor, que nunca en su vida ha estado más poderosamente impresionado en un
concierto, que lo ha usted conmovido y que, si no se contuviera, se inclinaría ante usted para
agradecerle esta música” Paganini renunció a las giras en 1834.

Fue además tutor del violinista italiano Antonio Bazzini, a quien motivó para que iniciara su carrera
como concertista. Su técnica asombraba tanto al público de la época que llegaron a pensar que
existía algún influjo diabólico sobre él, porque a su vez, su apariencia se notaba algo extraña, y sus
adelantos musicales eran una verdadera obra de arte. Se decía que en la mayoría de sus apuntes
aparecía una nota extraña la cual decía "nota 13". Podía interpretar obras de gran dificultad
únicamente con una de las cuatro cuerdas del violín (retirando primero las otras tres, de manera
que estas no se rompieran durante su actuación), y continuar tocando a dos o tres voces, de forma
que parecían varios los violines que sonaban. Además en la mayoría de sus espectáculos usaba la
improvisación. Esto indica lo cercano que estaba su arte al mundo del espectáculo. Sus obras
incluyen 24 caprichos para violín (1802-1817), seis conciertos y varias sonatas. Además creó
numerosas obras en las que involucraba de alguna manera a la guitarra, exactamente 200 piezas.

Llegó a poseer cinco violines, dos Stradivarius, dos Amati y un Guarnerius (su violín favorito)
llamado Il Cannone.

Su salud se fue deteriorando a causa de una tuberculosis diagnosticada en 1819. En los años 1834
y 1840 padeció dos fuertes episodios de hemoptisis, siendo el segundo el que precipitó su muerte.
Durante el avance de la enfermedad, que pasó de sus pulmones a la laringe, padeció afonía
crónica los dos últimos años de su vida. El músico además se medicaba con mercurio para tratar la
sífilis que también padecía.

En 1836, Paganini regresó a París para montar un casino, la empresa fue un fracaso que lo dejó en
la ruina; debió subastar sus efectos personales, incluidos sus instrumentos musicales, para
recuperar sus pérdidas. En la Navidad de 1838, partió de París hacia Marsella y, tras una breve
estancia, viajó a Niza donde su estado de salud empeoró. En mayo de 1840, el obispo de Niza
envió a Paganini un párroco local para que recibiera los últimos sacramentos, el músico consideró
que era algo prematuro y se negó. Una semana después, el 27 de mayo de 1840, en la casa del
presidente del Senado, Paganini sufrió una hemorragia interna y murió antes de que se pudiera
llamar a un sacerdote.

El obispo de Niza prohibió su entierro en tierra consagrada por su reputación de hereje y no por su
mentada asociación con el diablo, como se ha dicho. Su cuerpo fue embalsamado y almacenado
en el sótano de la casa donde había fallecido. En 1853 fue enterrado en el cementerio de Gaione y
después de cuatro años y un llamamiento al Papa, la Iglesia permitió que su cuerpo fuera
transportado a Génova, pero no fue sepultado hasta 1876 en el cementerio de la Villetta di Parma.
En 1893, el violinista checo František Ondříček convenció al nieto de Paganini, Attila, de que le
permitiera ver el cuerpo del violinista; después de este episodio, el cuerpo de Paganini fue
finalmente enterrado en un nuevo cementerio en Parma en 1896.
 César Franck

Nacimiento: 10 de diciembre de 1822

Fallecimiento: 8 de noviembre de 1890

fue un compositor y organista francés de origen belga. César entró a temprana edad en el
Conservatorio de Lieja, asistiendo a las clases de piano de Jahleau y a las de solfeo de Duguet. Sus
progresos eran rápidos gracias a su sorprendente memoria, a un oído muy fino y a unos dedos
largos y afilados que abarcaban sin dificultad los acordes más amplios. En 1833, inició estudios de
armonía con Daussoigne. Al año siguiente, su obstinado padre logró que tocara (teniendo
solamente doce años de edad) ante el rey Leopoldo I de Bélgica. Solamente sería el primer paso.
Ambicionando para su hijo la fama alcanzada por virtuosos como Paganini o Liszt, Nicolas Joseph
abandonó Valonia con toda su familia y, a comienzos de 1835, se instaló en París.

El conservatorio de esta ciudad no permitía el acceso de extranjeros, por lo que tuvo que solicitar
la nacionalidad francesa. Durante la espera, César estuvo bajo la tutela de dos excelentes
profesores, Zimmermann y Reicha, los cuales le auguraron un gran futuro. Obtenida la
nacionalidad, César ingresó en el Conservatorio de París el 4 de octubre de 1837, a los catorce
años. Concienzudo y minucioso, supo obtener un galardón cada año.

Los éxitos le abrieron nuevos horizontes, permitiéndole dar nuevos conciertos. A partir de ese
momento, su padre se convirtió en su empresario, obligándole a componer una obra tras otra que
le permitiesen actuar en público. De 1837 a 1844 la historia de César Franck es la de las decisiones
tomadas por su progenitor, quien logró introducirlo en los salones de los constructores de pianos
Pape y Erard y en diversos círculos privados. Nicolas Joseph llegaría al extremo de sacar a sus hijos
del conservatorio, donde, en su opinión, perdían el tiempo.

En 1846, y con 24 años, César Franck, que hasta entonces se había sometido sin oposición alguna a
los deseos de su padre, se rebela de pronto contra él. Desde hacía dos meses el joven compositor
daba clases en un pensionado de París. Entre sus alumnas había una que atraía visiblemente su
interés: Eugénie-Félicité Jaillot-Desmousseaux, hija de unos actores de la Comédie Française.

César discute violentamente con su padre y abandona el hogar familiar para instalarse en la rue
Blanche, muy cerca de los Desmousseaux. Contra la voluntad paterna, el 22 de febrero de 1848
César Franck contrae matrimonio con Félicité; para llegar a la iglesia, los novios tienen que sortear
las barricadas que la revolución había levantado en París.

Comienzan así los años oscuros. Durante veinte años, el músico llevaría una vida de pequeño
burgués en la que los problemas del vivir cotidiano eran los únicos acontecimientos. Cada año,
cinco o seis conciertos en Orleans como «pianista acompañante» servían para apuntalar su
precaria economía. Era una existencia ahogada entre el peso de la lucha incesante por sobrevivir y
la dedicación a la familia: cuatro hijos nacidos entre 1848 y 1853, dos de los cuales morirían a
temprana edad. Fue la de César Franck durante esos años una vida apagada y sin brillo, en la que
compuso muy pocas obras y, prácticamente, ninguna de especial importancia.
Un inesperado acontecimiento iba a transfigurar esa vida gris. En 1853, su amigo el abbé Dancel le
ofrece el puesto de organista en su iglesia de San Juan y San Francisco en el Marais y pone a su
disposición un excelente y moderno órgano, uno de los primeros instrumento construidos por
Aristide Cavaillé-Coll.

Iglesia de Santa Clotilde de París, donde Franck fue organista 42 años.

En 1858 Franck cambia de destino, convirtiéndose en organista de la iglesia de Santa Clotilde,

dotada también de un magnífico Cavaillé-Coll. Franck se sentaría ante este instrumento
excepcional hasta el fin de sus días. En él interpretaría, el 17 de noviembre de 1864, su compendio
de Seis piezas para órgano, obra que significó el despertar de la música organística en Francia.

Poco a poco, el nombre de César Franck comienza a renacer, abriéndose para él las puertas de las
salas de conciertos y las de las iglesias en las inauguraciones de órganos nuevos. El notable cambio
culmina en 1872, fecha en que es nombrado profesor de órgano en el Conservatorio. Una
acontecimiento que, al fin, le asegura un salario digno y le permite recobrarse de los malos
momentos de la guerra franco-prusiana, en los que había perdido a la mayor parte de sus
alumnos.

Se inicia entonces el período en que ven la luz sus grandes obras maestras. Si su oratorio Les
béatitudes le había ocupado diez años (1868-78), en esta nueva época logra concluir cada verano
una composición magistral. Animado de verdadera fiebre creadora, Franck parece querer
recuperar el tiempo perdido. Un estado de ánimo que es, sin duda, estimulado por el contacto
constante con sus alumnos –Vincent d'Indy, Henri Duparc, Ernest Chausson, Bréville…–, miembros
de lo que algunos llamaron despectivamente la «banda de Franck». Los componentes del grupo
desarrollaron importantes programas de conciertos públicos, propiciados por la creación de la
célebre Société Nationale de Musique, fundada apenas concluyó la guerra de 1870 y a la que
Franck se asoció desde el primer momento.

En las salas de la Société se estrenaría la mayor parte de las obras que Franck compuso en los años
siguientes: en 1882, El cazador maldito; en 1884, el Preludio, coral y fuga y Los Djinns; en 1885, las
Variaciones sinfónicas; en 1886, la Sonata para violín y piano; en 1887, Preludio, aria y final; en
1888, Psyché y la Sinfonía en re menor; en 1889, el Cuarteto de cuerdas.

A los 68 años, César Franck era aún un músico lleno de inspiración y proyectos. En el verano boreal
de 1890 compuso en Nemours una excepcional trilogía: los Tres corales para órgano, que
constituirían su auténtico testamento musical y espiritual. Hasta el momento había gozado de
buena salud, pero desde esa fecha comenzó a sentirse fatigado. En mayo de 1890 había sufrido un
accidente de tráfico: el simón en el que viajaba fue embestido por un ómnibus. En el choque, el
músico se había desvanecido, pero su fuerte constitución le permitió un rápido restablecimiento.

El verano en Nemours le hizo recobrar las fuerzas, por lo que, a pesar de las advertencias de la
familia y de su médico, el 4 de octubre decidió reemprender las clases. El 18 de ese mes dio la que
sería su última lección. Un resfriado le obligó a guardar cama y pronto se le declaró una pleuresía,
que se complicó con una pericarditis. En noviembre su salud empeoró. El día 7 le rondó por la
cabeza la idea de componer una fuga, llenando de desasosiego su ánimo. El sábado día 8, a las 5
de la mañana, la vida de César Franck se extinguía.
 Clara Schumann

Nacimiento: 13 de septiembre de 1819

Fallecimiento: 20 de mayo de 1896

conocida como Clara Schumann, fue una pianista, compositora y profesora de piano alemana. Fue
una de las grandes concertistas europeas del siglo xix y su carrera fue clave en la difusión de las
composiciones de su marido, Robert Schumann. Considerada como una de las pianistas más
distinguidas de la era romántica, ejerció su influencia en una carrera de conciertos de 61 años, y
cambió el formato y el repertorio del recital de piano de exhibiciones desde el virtuosismo a
programas de obras serias. También compuso piezas para piano en solitario, un Concierto para
piano (op. 7), música de cámara, piezas corales y canciones.

Creció en Leipzig, donde su padre, Friedrich Wieck, era pianista y maestro profesional, y su madre
una cantante consumada. Fue una niña prodigio, entrenada por su padre. Comenzó a viajar a los
once años y tuvo éxito en París y Viena, entre otras ciudades. Se casó con el compositor Robert
Schumann y la pareja tuvo ocho hijos. Juntos, alentaron a Johannes Brahms y mantuvieron una
estrecha relación con él. Estrenó muchas obras de su esposo y de Brahms en público.

Después de la muerte prematura de Robert Schumann, continuó sus giras de conciertos en Europa
durante décadas, con frecuencia con el violinista Joseph Joachim y otros músicos de cámara. A
partir de 1878, fue una influyente educadora de piano en el Conservatorio Hoch en Fráncfort,
donde atrajo a estudiantes internacionales. Editó la publicación de la obra de su esposo. Murió en
Fráncfort, pero fue enterrada en Bonn junto a su marido.

Varias películas se han centrado en su vida, como la primera Träumerei de 1944 o una de 2008,
Geliebte Clara, dirigida por Helma Sanders-Brahms. Una imagen de Clara Schumann de una
litografía de 1835 de Andreas Staub apareció en el billete de 100 marcos alemanes de 1989 a
2002. El interés en sus composiciones comenzó a resucitar a finales del siglo xx y su bicentenario
de 2019 impulsó nuevos libros y exposiciones.
 Fanny Mendelssohn

Nacimiento: 14 de noviembre de 1805

Fallecimiento: 14 de mayo de 1847

también conocida como Fanny Mendelssohn Bartholdy y por matrimonio Fanny Mendelssohn
Hensel, fue una compositora y pianista del Romanticismo temprano. Sus composiciones incluyen
un trío para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125
piezas para piano y más de 250 lieder, la mayoría de las cuales se publicaron de forma póstuma.
Aunque fue elogiada por su destreza para tocar el piano, rara vez ofreció conciertos en público.

Nacida en el seno de una familia judía, Fanny se crio en Berlín —donde, junto a su hermano
menor, Felix Mendelssohn, recibió una educación musical completa de profesores como Ludwig
Berger y Carl Friedrich Zelter—. Debido a la condición social de la mujer en su época, varias de sus
obras fueron publicadas bajo el nombre de su hermano en sus colecciones opus 8 y 9. En 1829, se
casó con el artista Wilhelm Hensel y en 1830 tuvieron a su único hijo, Sebastian Hensel. En 1846, a
pesar de la continua ambivalencia de su familia hacia sus ambiciones musicales, Fanny publicó una
colección de canciones como su opus 1. En 1847 murió de un derrame cerebral.

Desde la década de 1990, su vida y sus obras han sido objeto de investigaciones más detalladas. Su
Sonata de Pascua fue atribuida incorrectamente a su hermano en 1970, antes de que un nuevo
análisis de documentos en 2010 corrigiera el error. El 29 de mayo de 2018 se inauguró el Museo
Fanny & Felix Mendelssohn en Hamburgo.

Ella mostró una notable habilidad musical y comenzó a escribir música. Recibió sus primeras clases
de piano de su madre, quien pudo haber aprendido la tradición berlinesa de Bach a través de los
escritos de Johann Kirnberger, uno de sus alumnos. Por lo tanto, a los 14 años ya podía tocar los
24 preludios de El clave bien temperado de memoria, y lo hizo con motivo del cumpleaños de su
padre en 1819.12 Según su madre, Fanny había nacido «con los dedos para tocar fugas de Bach».
Más allá de la inspiración de su madre, también pudo haber sido influenciada por los modelos
representados por sus tías abuelas Fanny von Arnstein y Sarah Levy, ambas amantes de la música
(la primera patrona de un conocido salón y la segunda una hábil teclista por derecho propio).

Fanny Mendelssohn, circa 1821, pintada por Carl Joseph Begas.

Después de estudiar brevemente con la pianista Marie Bigot en París, Fanny y su hermano Felix
recibieron lecciones de piano de Ludwig Berger y formación en composición de Carl Friedrich
Zelter desde 1819. En un momento dado, Zelter favoreció a Fanny sobre Felix, y en 1816 le
escribió una carta a Johann Wolfgang von Goethe hablándole sobre Abraham Mendelssohn,
llegando a decir que tenía hijos adorables y que «su hija mayor podría darte algo de Sebastian
Bach. Esta niña es realmente algo especial». En octubre de 1820, los hermanos se unieron a la
Sing-Akademie zu Berlin, que entonces dirigía Zelter. Años después, en una carta de 1831 a
Goethe, Zelter describió la habilidad de Fanny como pianista con el mayor elogio para una mujer
en ese momento: «toca como un hombre».Los visitantes de la casa Mendelssohn a principios de la
década de 1820, incluidos Ignaz Moscheles y George Thomas Smart, quedaron igualmente
impresionados por ambos hermanos.La favorable situación económica de la familia permitió que
los niños recibieran una sólida cultura general. Tanto Fanny como Felix estudiaban desde las cinco
de la mañana hasta las últimas horas de la tarde. Este horario riguroso era una tradición familiar
desde la época de su abuelo.

Fanny Mendelssohn compuso más de 450 piezas musicales. Sus composiciones incluyen un trío
para piano, un cuarteto para piano, una obertura orquestal, cuatro cantatas, más de 125 piezas
para piano y más de 250 lieder.10 Varias de sus canciones se publicaron originalmente bajo el
nombre de Felix en sus colecciones opus 8 y 9.54 Sus obras para piano son a menudo en forma de
canciones y muchas llevan el nombre Lied für Klavier (Canción para piano), análogo a Canciones
sin palabras (Lieder ohne Worte) de su hermano. Este estilo de música para piano fue desarrollado
con mayor éxito por él, cuyo primer conjunto (op. 19b) apareció entre 1829 y 1830, y un segundo
conjunto (op. 30) apareció entre 1833 y 1834. Los conjuntos de Fanny de Lieder für Klavier se
escribieron en el período de 1836 y 1837, aproximadamente al mismo tiempo que el op. 38 de su
hermano, Felix.

La mayoría de las composiciones de Fanny Mendelssohn se limitan a piezas para piano y lieder, ya
que creía que sus habilidades no se extendían a composiciones más grandes e intrincadas.
Indudablemente, también se vio obstaculizada por el hecho de que, a diferencia de su hermano,
nunca había estudiado ni tocado ningún instrumento de cuerda, experiencia que la habría
ayudado a escribir obras de cámara u orquestales. En 1835, después de completar su cuarteto
para cuerdas, le escribió a Felix: «Carezco de la capacidad para sostener las ideas adecuadamente
y darles la consistencia necesaria. Por lo tanto, los lieder me convienen más, en los que, si es
necesario, puede ser suficiente una simple idea sin mucho potencial de desarrollo». Fue un
ejemplo temprano de mujeres compositoras de cuartetos de cuerda. También había escrito
anteriormente, con la ayuda de Zelter, un cuarteto para piano en 1822 (su primera obra de gran
formato) y, a pesar de sus reservas en su carta a su hermano, escribió en su último año un trío
para piano (op. 11).4959 Su Sonata de Pascua, escrita en 1828, fue publicada de forma póstuma.
Cuando fue descubierta en 1970, fue atribuida erróneamente a su hermano, antes de que el
examen del manuscrito y una mención a la obra en su diario establecieran finalmente en 2010 que
era de su autoría.