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Pablo Picasso

Foto de Pablo Picasso (enero, 1962)


Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno
Nombre de nacimiento María de los Remedios Cipriano de la Santísima Trinidad
Martyr Patricio Clito Ruiz y Picasso
25 de octubre de 1881
Nacimiento
Málaga, España
8 de abril de 1973
Defunción
Mougins, Francia
Nacionalidad Española
Área Pintura artística, Dibujo, Escultura
Movimiento Cubismo
Las señoritas de Avignon (1907)
Obras destacadas
Guernica (1937)
Pablo Picasso (Málaga España, 25 de octubre de 1881 - Mougins Francia, 8 de abril de
1973), pintor, dibujante y escultor español. Inició su aprendizaje en el mundo de la pintura
a través de su padre, profesor de Bellas Artes.
Es uno de los grandes maestros del siglo XX, quizás el artista que más fama alcanzó
fuera del ámbito profesional, ya que existen más de 1500 obras suyas en museos que
reciben el nombre de “Museo Picasso”. Su nombre completo era Pablo Diego José
Francisco de Paula Juan Nepomuceno María de los Remedios Crispín Crispiniano de la
Santísima Trinidad Ruiz y Picasso. Quizás lo más trascendente del nombre con el cual se
hizo conocido, es que usaba el apellido materno.
Estaba emparentado con el militar español Juan Picasso González. Picasso sentía una
gran atracción hacia la cultura Chavín en Perú en la que, según él, se basaban muchas
de sus obras. Su vida está marcada por las guerras y su estilo supera todos los demás.
Considerado, junto a Miguel Ángel Buonarroti, la persona que más ha influido en la
historia del arte mundial, revolucionó el arte y en especial la pintura durante su larga
carrera. Sin duda el artista más importante del siglo XX, es también el que cuenta con
obras en más museos a lo largo de todo el mundo, además de encabezar el ranking
mundial en las subastas de arte.
Políticamente, Picasso se declaraba pacifista y comunista, y fue miembro del Partido
Comunista Francés hasta su muerte.
Falleció en Notre-Dame-de-Vie (Mougins, Francia) en 1973 a los 91 años de edad.
Obras
La obra de Picasso se suele dividir en los siguientes periodos:
Periodo de Barcelona
Tras haber vivido varios años en La Coruña, llegó a Barcelona en 1895. Su padre fue
nombrado profesor de la escuela de Bellas Artes de Barcelona en 1896. Por esta época
colaboró como dibujante en diferentes revistas catalanas y fundó la revista Arte joven que
fue un fracaso. Estando en Barcelona pintó cuadros.
Periodo Azul
Este periodo comienza en 1901, a causa del suicidio de un amigo suyo en París, y
termina en 1904. Es un periodo en el que utiliza un ambiente bohemio de las calles
parisinas, también mostrado en sus cuadros la gente en los salones de baile y en los
cafés la asimilación del post-impresionismo. En sus obras, Picasso casi siempre utiliza
tonos azules y representa personajes escuálidos con expresión trágica Dama en Eden
Concert (1903), La Vida (1903), Las dos hermanas (1904) así llamado por el predominio
de los tonos azules en las obras que realizó durante estos años, miseria humana, con
trabajadores extenuados, mendigos, alcohólicos y prostitutas, representados con cuerpos
y formas ligeramente alargadas al estilo de El Greco. El cuadro Habitación azul refleja el
trabajo de su evolución hacia el periodo azul.
Periodo Rosa
Poco después de establecerse en París, Picasso conoce su primera compañera. Desde
1905 su paleta se inclina hacia los tonos rosas y rojos, lo que dura hasta 1906.
En esta época Picasso fue menos trágico y representó escenas de circos, comediantes,
etc. Algunas de estas: Familia de Arlequín (1905) y tuvo una obra maestra, Gran
holandesa.
Protocubismo
En el verano de 1906, en Gosol, su obra entrará en una fase marcada por la influencia
africana. El retrato de Gertrude Stein revela un tratamiento del rostro, otra obra que marcó
este periodo fue Las señoritas de Avignon, tan radical en su estilo. Frente a la pintura trata
en esta obra la profundidad espacial y la forma de representación del desnudo femenino,
reestructurándolo por medio de líneas y ángulos.En este periodo Picasso se desvincula
de los cánones de arte relacionados en mostrar representaciones exactas de la realidad,
modificándolas, más precisamente transformándolas con parámetros geometricos.
Periodo Cubista
Transcurre entre 1908 a 1916. En este periodo Picasso tiene una manera de pintar
neoclásica, como la Mujer sentada y La Griega, y en otras obras como los delicados
retratos de su hijo Pablo. Busca una pintura pura, y para ello comenzó a observar los
objetos de su taller, de modo intelectual. A esta época pertenecen: El Retrato de Vollard
(1910), “le guitariste” (1910) y El aficionado (1912).
En la escultura consiguió dar la sensación de volúmenes. Esta se basó principalmente en
botijos y elementos de barro cocido, esculpido y después pintado.
Periodo Neoclasicista
Este periodo comienza en 1917 y termina en 1927. En este periodo hay una tendencia en
muchos artistas de vuelta al clasicismo. En su caso, una vuelta al desnudo monumental,
al dibujo de línea precisa como los retratos de Ingres, al equilibrio. Se puede observar
esta misma tendencia en otros artistas importantes de la época, que se adscriben al
neoclasicismo.
De todos modos, es en la música donde el neoclasicismo de entreguerras tiene más
fuerza. Data de este periodo la composición de Pulcinella, para orquesta de cámara y
solistas (1920), Apolo, dios de las musas (Apollon Musagète), para orquesta de cuerdas
(1928) y El beso del hada (Le Baiser de la fée), para orquesta (1928), de Ígor Stravinski.
Época Surrealista
Este periodo dura de 1928 a 1932. Las pinturas que destacan son Bañista en pie (1929),
Bañista al borde del mar (1930) y El sueño (1932). En esta época las formas son
distorsionadas, representando lo monstruoso o a evocaciones mitológicas y las esculturas
estaban hechas de hilo y de láminas de metal.
Picasso se alió con el movimiento surrealista en 1925; Bretón calificaba este
acercamiento de Picasso como «...surrealista dentro del cubismo...»
Se consideran surrealistas las obras del período Dinard (1928-1930), donde Picasso
combina lo monstruoso y lo sublime en la composición de figuras medio máquinas medio
monstruos, de aspecto gigantesco y a veces terrorífico. Esta monumentalidad surrealista
de Picasso puede ponerse en paralelo con la de Henry Moore.
En 1931 ilustró las metamorfosis de Ovidio dentro de un puro clasicismo.
Época expresionista
Con el comienzo de la Guerra Civil Española, Picasso fue nombrado director del Museo
del Prado, por el gobierno republicano. En 1937 pintó uno de sus cuadros más famosos,
el Guernica, es un alegato contra la guerra y el terror infligido a la población civil durante
el bombardeo aéreo alemán sobre Guernica. En estos años la mayor parte de las obras
expresan un sentimiento de angustia, como consecuencia de la problemática situación
que se vivía.
Otras obras fueron Mujeres llorando, y Mujeres sentadas, que refleja la tragedia de la
guerra.
El punto culminante de su expresionismo lo marcan sus cabezas de dos caras. En
escultura realiza las piezas más abstracta, sin método ni sistema.
Durante la II Guerra Mundial no se movió de Francia, siguiendo pintando en el París
ocupado por los nazis. Cuando terminó la guerra, se unió al partido comunista.
Periodo de Vallauris
Se traslada a Vallauris. En esta ciudad acabó su escultura El hombre del cordero que
mide 2,20 m de altura. Dicha figura se encuentra en la plaza del mercado de dicha ciudad
(1950, “Museo de Arte de Filadelfia”) y se dedicó por completo a la cerámica, donde
realiza cerca de 2000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo también importantes
esculturas: La cabra (1950, “Museo de Arte Moderno”), también en bronce; la obra que
llevó a cabo en 1964: maqueta de cabeza de mujer, una monumental escultura de 1966
en acero soldado; a lo largo de siete meses, creó notables series de grabados con el que
retornó a sus primitivos temas: el circo, escenas eróticas... En Vallauris nacieron sus dos
hijos, circunstancia que favoreció la presentación de cuadros más infantiles y maternales,
rebosando maternidad. También pintó enormes murales: La guerra y La Paz (1952),
Massacre en corée (1951), La Baignade (1957). Durante los últimos años pintó
variaciones de temas célebres.
Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los grandes
maestros del pasado como Diego Velázquez, Eugenio Delacroix y Eduardo Manet.
Además de en la pintura de cuadros Picasso trabajó también en cientos de litografías que
realizó en la imprenta de Fermande Moulot.
En 1963 se inauguró en Barcelona el Museo Picasso. En 1971 celebra Picasso su 90º
cumpleaños y le hicieron numerosos homenajes.
A lo largo de toda su vida la obra de Picasso se expuso en innumerables ocasiones.
La más inusual de su producción artística, fue la obra Autorretrato (1907); es una de las
últimas que hizo Picasso, sintiéndose identificado por el post-impresionismo. Forma parte
del Periodo Rosa. Los tonos rojizos dominan, oscuros o claros, en las distintas partes de
cuadro. En el fondo de la parte izquierda combina el color rosado como base junto con
café y azul, dando el efecto de oscuridad en la parte inferior. Luego con tonos rojos y
naranjas se va aclarando a medida que se sube. Los tonos de la cara llevan un gris como
base, que junto con los rojos, amarillos y naranjas forman el tono de la piel.
No se fija mucho en los detalles de la forma de la cara, sino que pone más énfasis en los
colores, jugando con los tonos para lograr más realismo al rostro. Se nota que Picasso
está empezando a atravesar por una época de cambio, ya que va dejando de lado la
perfección de la forma para fijarse más que nada en lo fundamental. Este es el cambio
que determinó la obra completa de Picasso, ya que tuvo una evolución que lo llevó al
cubismo.

Benito Quinquela Martín

Benito Quinquela Martín (1 de marzo de 1890; 28 de enero de 1977) fue un pintor


argentino nacido en La Boca, Buenos Aires. Quinquela Martín es considerado el pintor de
puertos -por excelencia- y es uno de los más populares pintores argentinos. Sus pinturas
portuarias muestran la actividad, vigor y rudeza de la vida diaria en la portuaria La Boca.
Primeros años
No ha podido determinarse con certeza su nacimiento porque fue abandonado el 20 de
marzo de 1890 en la Casa de los Expósitos, un orfanato con una nota que decía “Este
niño ha sido bautizado con el nombre de Benito Juan Martín”. Por su forma física, se
dedujo que habría nacido 10 días antes; por lo que se fijó aquella fecha para su
cumpleaños.
Con seis años, fue adoptado por Manuel Chinchella y Justina Molina, y él adoptó el
apellido de su padrastro (que luego sería fonetizado como “suena” en el italiano, al
castellano como Quinquela). “Mi vieja me conquistó en seguida –dicta Quinquela en su
autobiografía recogida por Andrés Muñoz y publicada en 1963– y desde el primer
momento encontró en mí un hijo y un aliado”. Justina Molina tenía sangre india, venía de
Gualeguaychú y era analfabeta, lo cual no le impedía atender la carbonería en el barrio
porteño de la Boca con perfecta eficiencia: se acordaba mejor que nadie del estado de
cuentas de cada cliente. Manuel Chinchella era un forzudo italiano que redondeaba los
ingresos de la carbonería con trabajos en el puerto, donde cargaba de a dos las bolsas de
60 kg. Su trato con el niño era un poco distante, de ruda ternura, pero cada tanto una
caricia cuando el padre llegaba del puerto le tiznaba la cara al “purrete” (niño).
A los 14 iba a una escuela nocturna de pintura en La Boca mientras de día trabajaba en la
carbonería familiar. Con 17 años entra al Conservatorio Pezzini Stiatessi, donde estudia
hasta 1920.
Exhibiciones internacionales
En 1910 hace pequeñas muestras de arte, en La Boca. Obtiene el 2º Premio del Salón
Nacional en 1920. Después de una exhibición en Mar del Plata en el mismo año, concurre
como representante argentino a una muestra en Río de Janeiro, Brasil, donde conoce a
personalidades locales, incluyendo al presidente Epitacio Pessoa.
Hacia la década de 1920 Marcelo T. de Alvear y su esposa estaban muy interesados en el
trabajo artístico de Quinquela Martín, y su admiración forjó una larga amistad. En 1922,
Quinquela Martín es asignado como canciller en el Consulado Argentino en Madrid,
España. En abril de 1923 exhibe en el Círculo de Bellas Artes de Madrid. Dos de sus
composiciones son adquiridas por la institución (Buque en reparación y Efecto de Sol), y
otras dos son compradas por el Museo de Arte Moderno de Madrid.
En 1925 se embarca para Francia debido -según sus propias palabras-;”Mi gira a Francia
fue ordenada por el presidente Alvear, quien gusta de mis trabajos y quería que los
juzgaran en Paris”. El Museo de Luxemburgo adquiere Tormenta en el astillero.
En 1927 está en Nueva York, donde expone parte de su trabajo en las Galerías Anderson.
Dos pinturas son compradas por Havemeyer, quien las dona al Museo Metropolitano de
Nueva York. Después de esta exhibición, hace otras más bajo la tutela del escultor
Georgette Blandi. Retorna a Buenos Aires, y es invitado a La Habana por el Conde Ribero
para exponer.
En 1929, viaja a Italia, expone en el Palacio de las Exposiciones en Roma. El Museo de
Arte Moderno de Roma adquiere varias pinturas, elegidas por Benito Mussolini durante la
muestra. Quinquela Martín hace su último periplo en 1930, a Londres, exhibiendo en la
Galería Burlington Gallery. Varios Museos británicos compran sus obras, incluyendo los
Museos de Artes de Londres, de Birmingham, de Sheffield, de Swansea, de Cardiff, de
Nueva Zelanda, y el Palacio de St. James.
Vuelto a casa, se hace filántropo donando muchas obras al barrio de La Boca y a la
propia ciudad de Buenos Aires.
Fallece en Buenos Aires el 28 de enero de 1977, y es sepultado en el Cementerio de la
Chacarita.
Trabajos famosos
Quizás sus más famosos trabajos sean: Tormenta en el Astillero (Museo de Luxemburgo,
Paris), Puente de la Boca (Palacio St. James, Londres), Crepúsculo en el astillero (Museo
de Bellas Artes, Buenos Aires).
Pieter Cornelis Mondrian
Nombre de nacimiento Pieter Cornelis Mondriaan
7 de marzo de 1872
Nacimiento
Amersfoort Países Bajos
1 de febrero de 1944
Defunción
Nueva York, Estados Unidos
Nacionalidad Holandesa
Área Pintor
Movimiento Neoplasticismo
Composición con Amarillo, Azul, y Rojo, 1939-42, óleo sobre
Obras destacadas
lienzo, 72,5 x 69 cm, Tate Gallery, Londres
Pieter Cornelis Mondriaan, conocido como Piet Mondrian, (*Amersfoort, 7 de marzo
1872 - † 1 de febrero Nueva York, 1944) fue un pintor vanguardista holandés; miembro de
De Stijl y fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg. Evolucionó desde el
naturalismo y el simbolismo hasta la abstracción de la cual es el principal representante
inaugural junto a los rusos Vasily Kandinsky y Kasimir Malevich.
Biografía
Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1907 estudió en la Academia Estatal de
Ámsterdam, siendo su maestro A. Allebé.
Comenzó su carrera como un maestro en la educación primaria, pero mientras enseñaba
también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período es naturalista
o impresionista, siendo en gran parte paisajes. Estas imágenes pastorales de su Holanda
nativa pintan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al
estilo de “La escuela de La Haya”, siendo en ese momento un sucesor de Jongkind, y
luego en una variedad de estilos y técnicas, documentando su búsqueda por un estilo
personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde
oscuro son las más representativas de su momento inicial, e ilustran la influencia de los
varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del
fovismo, colores a los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.
En exhibición en el Hague’s Gemeentemuseum varias pinturas son de este período,
incluyendo los trabajos postimpresionistas como “El Molino Rojo” y “Árboles a la Luz de la
luna”. Otra pintura, Avond (“Tarde”) (1908), que presenta una escena de parvas (o, niaras)
en un campo durante el crepúsculo es cuadro agorero de los desarrollos futuros de este
pintor, usando una paleta que consiste casi completamente en rojo, amarillo y azul.
Aunque en ningún sentido es abstracto, “Avond” es el más temprano de los trabajos de
Mondrian que da énfasis a los colores primarios.
Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie
de cuadros de 1905 a 1908, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y
casas con los reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un
proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis
en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la
naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a
saber las raíces de su abstracción futura.
Mondrian y su trabajo posterior fueron influenciados profundamente por los “Moderne
Kunstkring” 1911 en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la
simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Vida
tranquila con una olla de jengibre). La version cubista de 1911, y la abstracta de 1912, en
la segunda version el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.
Estuvo en París entre 1911 y 1914, recibiendo la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam.
Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En
torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyeron un
grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la “revolución cubista”. Es el pintor
más importante del grupo.
En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y
negro. En 1930 se unió al grupo “Cercle et carré” y en 1931 a Abstraction-Création. En
1938 se marchó a Londres y, en 1940, a los Estados Unidos.
En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos
estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.
La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e
influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y
escultura.
Filosofía estética de Mondrian

Ilustración realizada en el estilo neoplasticista de Piet Mondrian.


El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y
filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena
Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un
conocimiento de la naturaleza más profundo que sólo el proporcionado por los medios
empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la
búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo
cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».
En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la
estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar
con el no-color blanco (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de
líneas de no-color negro (ausencia de colores) y, en tal trama, planos geométricos
(frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados
por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las
características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en
general todo lo formal expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la
reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de
indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota
de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.
Busca, en suma, un “arte puro”, despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es
crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar
tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que,
cuando Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924,
inclinando los rectángulos. Mondrian abandonó De Stijl.
Valoración
Mondrian fue un contribuyente importante en el movimiento y grupo de arte De Stijl, que
fue fundado por Theo Van Doesburg. A pesar de ser muy conocido, a menudo ha sido
parodiado y trivializado. Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que
desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no
figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo,
amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado
de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de
ese punto hasta el final de su vida.
Obras
 Árbol rojo (1909-1910)
 Árbol verde (1911)
 Composición oval (Estudio de árbol) (1913)
 Composición en rojo, amarillo y azul (1921)
 Cuadro I (1921), Col. Müller-Widmann, Basilea.
 Composición II; composición con azul y rojo (1929).
 Broadway Boogie-Woogie (1942-1943)
 Victory Boogie-Woogie (1943-1944)

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