BILBAOARTE 2021

Suspertzeko denbora

2020koa pandemiaren urtea izan bazen, 2021ekoa suspertzeko garai bihurtu zen. Fundación Bil-
baoArte Fundazioak bi premisatik abiatuta proiektatu du azken hamabi hilabeteotan egindako
lana: arazoei aurre egitea eta, ohiz kanpoko garai baten aurrean, irtenbideak modu berezian
ematea. Suspertzeko eta hobetzeko jarrera horrekin, jada 2020an zehar, baina modu irmoan
ekitaldi honetan guztian zehar, hau da, 2021ean zehar, ahalegin handiagoa egin da, ohiko hel-
buruei erantzuteaz gain, gure esku-hartzea indartuko duen lanerako plan bat burutzeko, aparteko
proiek­tu batzuk abian jarriz.

Jakinda sormen artistikoarena izan dela, hain zuzen ere, bat-batean hasi zen egoeraren aurrean
gehien zigortu eta ahuldu den sektoreetako bat, BilbaoArte Fundazioa behin eta berriz ahalegin-
du da gure eskura dauden laguntza guztiak ematen. Hori dela eta, lerro hauen ostean dagoen
urtekariak modu fidagarrian, baina ez nahikoan, islatzen du aurrera eraman den programazio
trinkoa. Programa handinahia da, beti ere aldakorrak diren egoeren mende zegoena, baina, aldi
berean, behar ziren prebentzio neurri guztiak mantentzeko prest zegoena, osasun-egoera orain-
dik kezkagarria zenean eta zaurgarritasun handiko hilabeteetan, batez ere urte hasieran.

Truke-bekak deritzen horien atalean izan ezik, batez ere munduko leku batetik bestera joateko
zailtasunak direla eta, BilbaoArte Fundazioak beken eta laguntzen eskaintza‑maila berari eutsi dio,
eta nabarmen handitu ditu erakusketen, jardueren eta mintegien atalak.

Emaitza gisa, 2021ean zehar BilbaoArtetik igaro diren pertsonen kopuruak bikoiztu egin ditu au-
rreko urteko zifrak. Ekaitzaren ondoren bezalako programa bereziekin, Soplo. Arnasketa Saiakerak
erakusketarekin –zeina Euskal Museoan, Berreginen Museoaren mende dagoen Aztarnategia es-
pazioan eta Barrainkuako eta Zabalguneko aretoetan proiektatu baitzen– eta BAGI! bezalako pro-
gramazio bereziekin, BilbaoArte Fundazioak babestutako eskaintzak nabarmen egin du gora da.

Guztira 18 erakusketa izan dira BilbaoArteko bulegoetan, beste 4 hiriko beste espazio batzuetan,
14 zinema-ziklo, 400 proiekzio baino gehiago eta 330 film inguru; 36 hitzaldi eta topaketa baino
gehiago eta jarduera-programa kopuru antzekoa: 26 tailer, 8 mintegi eta 3 ikastaro; zuzeneko
emanaldiak, 11 argitalpen eta banakako 125 esku‑hartze baino gehiago, hainbat artistaren esku-
tik, Esther Ferrerrengandik hasi eta Antoni Muntadasenganaino; horiek guztiek ematen dute 2021
BilbaoArte Fundazioan izan denaren berri, eta haren aztarna dira.

Aldi berean, gure tailerretatik 150 pertsona ingururi eman zaie estaldura, eta haien lan artistikoa
erakusketa-espazioetan, azoketan, galerietan eta museoetan proiektatu ahal izan da, bai tokian
bertan, bai estatu zein nazioarte mailan; hemendik laguntza eman zaie ere euskarri artistiko
baten beharra izan duten hainbat ekimen herritarri: horma‑irudiak, esku-hartze eskultorikoak,
garaikurrak, etab.

Ibilbide hau bereziki egin da aurten, inoiz baino beharrezkoagoa zelako. Baina adiskidetasunare-
kin eta babesarekin egindako ibilbidea izan da. Bilboko Udala bandera-ontzia da, izan ere, bere
laguntza erabakigarria baita, BBK Fundazioaren eta BilbaoArteren arteko akordioak bultzatutako
bekei eusteko, Bizkaiko Foru Aldundiak babestutako jardueren atalari ekarpen esanguratsu eta
funtsezkoa egiten baitio. Gero, jakina, hainbat pertsona, enpresa eta erakunde izan dira lagundu
dutenak, eta horien berri ere izango duzue hurrengo orrialdeetan; horien laguntzari esker, posible
izan da hau guztia, jarduera artistiko eta kulturala bultzatzea inoiz baino beharrezkoagoa zenean.

Azkenik, BilbaoArteren funtsa aipatu behar dugu, hau da, BilbaoArte posible egiten duten per­
tsonen talde artistikoa, artistak beraiek. Bekadun gisa, erabiltzaile gisa, ikusle gisa, kolaboratzaile
gisa, langile gisa… guztiek lagundu dute 2021 honetan ezbeharrari aurre egiten, zorroztasunetik,
sentsibilitatetik, talentutik eta inspiraziotik; Artea izeneko gainditze eta hausnarketa-espazio ho-
rren, kritikarako eta aurkikuntzarako gune horren lau ertzetatik.

Gonzalo Olabarria Villota

Bilboko Udaletxeko Kultura eta Gobernantza Zinegotzia

7
Tiempo de reactivación

Si 2020 fue el año de la pandemia, 2021 se convirtió en el tiempo de la reactivación. Encarar los
problemas y aportar soluciones de manera especial ante un tiempo anómalo han sido las dos
premisas desde las que la Fundación BilbaoArte Fundazioa ha proyectado su trabajo en estos
últimos doces meses. Bajo esta actitud de recuperación y mejora, ya a lo largo del año 2020 pero
de manera rotunda durante todo el presente ejercicio, 2021, se han redoblado los esfuerzos para
poder culminar un plan de trabajo que no sólo atendiera a los objetivos habituales sino que refor-
zara nuestra intervención poniendo en marcha una serie de proyectos extraordinarios.

Sensibles ante el hecho de que haya sido la creación artística uno de los sectores más castigados
y vulnerables a la situación sobrevenida, desde la Fundación BilbaoArte se ha insistido en facilitar
todos los apoyos posibles a nuestro alcance. En consecuencia, este anuario al que preceden estas
líneas ofrece un reflejo fidedigno aunque insuficiente de la intensa programación que se ha lleva-
do a cabo. Un ambicioso programa bajo circunstancias siempre cambiantes pero siempre atentas
a mantener todas las medidas de prevención necesarias ante una situación sanitaria todavía pre-
ocupante y con meses muy vulnerables, especialmente a comienzos de año.

Salvo en el apartado de las llamadas becas de intercambio, especialmente dadas las dificultades
de traslado de una a otra parte del mundo, la Fundación BilbaoArte ha mantenido idéntico nivel
de oferta de becas y ayudas y ha multiplicado notablemente su capítulo de exposiciones, activi-
dades y seminarios.

El resultado es que el número de personas que a lo largo de 2021 han pasado por BilbaoArte
duplican las cifras del año anterior. Programas especiales como Tras la tormenta y la exposición
Soplo. Arnasketa saiakerak proyectada en el Euskal Museoa, el espacio del Yacimiento dependiente
del Museo de Reproducciones y en las salas de Barrainkua y el Ensanche así como las programa-
ciones especiales como BAGI! han hecho que la oferta auspiciada desde la Fundación BilbaoArte
creciera de manera muy notable.

Un total de 18 exposiciones mostradas en las dependencias de BilbaoArte, más cuatro en otros

espacios de la ciudad, 14 ciclos de cine, más de 400 proyecciones y alrededor de 330 películas;
más de 36 conferencias y encuentros y un número semejante de programas de actividades: 26
talleres, ocho seminarios y tres cursos; actuaciones en directo, 11 publicaciones y más de 125
intervenciones individuales a cargo de artistas que van de Esther Ferrer a Antoni Muntadas dan
noticia y dejan huella de lo que ha sido 2021 en la Fundación BilbaoArte.

Al mismo tiempo desde nuestros talleres se ha dado cobertura a cerca de 150 personas cuyo traba-
jo artístico ha podido ser proyectado en espacios expositivos, ferias, galerías y museos tanto a nivel
local como nacional e internacional y desde aquí se ha apoyado diferentes iniciativas ciudadanas
en donde un soporte artístico ha sido necesario: murales, intervenciones escultóricas, trofeos,…

Este ha sido un recorrido especialmente intenso en este año porque era más necesario que nun-
ca. Pero es un recorrido efectuado con la compañía de la amistad y el apoyo. Desde el buque
insignia que es el Ayuntamiento de Bilbao, cuyo apoyo es decisivo, a la significativa y sustancial
aportación para sostener las becas impulsadas por el acuerdo entre la Fundación BBK y BilbaoAr-
te, al capítulo de actividades apoyadas por la Diputación Foral de Bizkaia. Luego, claro está, mul-
titud de personas, empresas e instituciones, de cuyo apoyo también en las siguientes páginas
puede encontrarse noticia, han hecho posible que cuando más necesario era impulsar la actividad
artística y cultural, gracias a esa ayuda, todo esto haya sido posible.

Finalmente debemos señalar lo que es el fundamento de BilbaoArte, el colectivo artístico de per-

sonas y el equipo laboral que hacen posible BilbaoArte. Todas y todos han contribuido a que
en este 2021 se haya plantado cara a la adversidad desde el rigor, la sensibilidad, el talento y la
inspiración; las cuatro esquinas de ese espacio de superación y reflexión, de crítica y de descubri-
miento llamado Arte.

Gonzalo Olabarria Villota

Concejal de Cultura y Gobernanza del Ayuntamiento de Bilbao

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Reactivation time

If 2020 was the year of the pandemic, 2021 has been the time of recovery. Tackling the problems
and providing special solutions for unusual times have been the two premises underpinning the
work of Fundación BilbaoArte Fundazioa in the last twelve months. In keeping with this recovery
and improvement approach, the emphasis, starting in 2020 and resoundingly so in 2021, has
been on stepping up the effort to produce a work plan that not only addressed the usual goals,
but would strengthen our intervention by implementing a series of extraordinary projects.

Aware of the fact that artistic creation has been one of the sectors most badly hit and most vulne-
rable in the ensuing situation, Fundación BilbaoArte has given great importance to providing all
the support possible within our reach. Consequently, the yearbook that follows this introduction
provide a credible, though insufficient reflection of the intense programme that has been carried
out. An ambitious programme under ever changing circumstances, but always mindful of ensu-
ring all the necessary prevention measures given the still worrying health situation and the great
vulnerability at the start of the year.

Except in the case of the exchange grants, as travel to different parts of the world was extremely
complicated, the Fundación BilbaoArte has offered the identical level of grants and assistance and
has significantly increased the number of exhibitions, activities and seminars organised.

Twice as many people have thus visited BilbaoArte in 2021 than in the previous year. Special pro-
grammes, such as Tras la tormenta and the Soplo. Arnasketa saiakerak exhibition held at the Euskal
Museoa, the Yacimiento space run by the Museum of Artistic Reproductions, and at the Barrainkua
and the Ensanche exhibition centres, along with special programmes such as BAGI!, have meant
that the offering sponsored by Fundación Bilbao Arte has experienced great growth.

A total of 18 exhibitions at the BilbaoArte premises, a further 4 in other spaces of the city, 14 se-
ries of films, over 400 screenings and around 300 films; over 36 talks and meetings and a similar
number of activity programmes: 26 workshops, 8 seminars and 3 courses; live performances, 11
publications and over 125 solo interventions by artists ranging from Esther Ferrer to Antoni Mun-
tadas have heralded and are the footprint of what 2021 has been at the Fundación BilbaoArte.

At the same time, our workshops have hosted nearly 150 people whose artistic work was show-
cased in exhibition spaces, fairs, galleries and museums locally, nationally and internationally. Di-
fferent grassroot initiatives murals, sculpture interventions, trophies… have also been supported
where artistic backing was necessary.

This has been a particularly important journey this year as it was more necessary ever. Yet it is
journey in the company of friendship and support. From the flagship that is Bilbao City Council,
whose support is decisive, to the significant and substantial contribution to funding the grants
thanks to the agreement between the BBK Foundation and BilbaoArte, to the chapter of activities
with the backing of Bizkaia Provincial Council. Then, of course, those many people, companies and
institutions, whose support is also reflected on the following pages, who, thanks to that support
and help, ensured that it was possible to give impetus to the cultural and artistic activity when it
was most necessary.

Finally, we should mention the artists, the artistic group of people thanks to whom BilbaoArte is
possible and who are its cornerstone. Whether as grant holders, as interns, as users, as viewers,
as contributors, or as workers… all of them have contributed to 2021 by facing aversity on the
basis of rigor, sensitivity, talent and inspiration; the four corners of that space of achievement and
reflection, of critique and of discovery called Art.

Gonzalo Olabarria Villota

Culture and Governance Councilor of Bilbao City Council

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 AURKIBIDEA
ÍNDICE
INDEX

07 Aurkezpena 141 Anaïs Boudot

Presentación 143 Veronica Domingo Alonso
Presentation 145 Mikel Erkiaga Herrán
147 Giorgos Gkareth Christou
19 Bekadun artistak 149 Laura Ibañez López
Artistas becados 151 Urtzi Ibargüen
Grant holder artists 153 Izaro Ierigi
155 Miriam Inza Pascual
21 Rocío Agudo
157 Mónica Mays
25 Miguel Alejos
159 Mara Ona
29 Elvira Amor
161 Christos Papasotiriou
33 Gari Arambarri Arregui
37 Urtzi Canto Combarro 163 Claudia Rebeca Lorenzo
41 Roberto Coromina 165 Ainhoa Resano
45 Fernando Cremades 167 Akane Saraiva Rando
49 Mikel Escobales Castro 169 Oihane Sánchez Duro
53 Helí García 171 Marianne Wasowska
57 Malu Hatoum 173 Adrián Castañeda & Los Picoletos
61 Leire Lacunza Miranda 175 Bruno Delgado Ramo & Paula Guerrero
65 Ibon Landa Amutxategi 177 Colectivo Vala
69 Miguel Ángel Madrigal
181 Ekoizpen propioko erakusketak
73 Julia Martos
Exposiciones de producción propia
77 Santiago Ortiz Przychodzka
Self produced exibitions
81 Sara Padilla Grimalt
85 Miquel Ponce Díaz 185 Desdoméstica
89 Carlos Ramírez-Pantanella 189 Eggs onna plate
93 Gin Ro 193 Zaldia zelan hil
97 Natalia Suárez Ortiz de Zárate 197 Invocar lo cursi
101 Amaya Suberviola 201 Under the shadow of Azkorri
105 Liben Svaart 205 Tele.(Gram) : frequencies of the forest
109 Jon Ander Terroba 209 I do have seen some objeto volador
113 Guillermo Velasco Páez no identificados do you?
117 Cristina Zafra Hernández
121 Begoña Zubero Apodaca 211 SOPLO. Arnasketa saiakerak
125 Maialenge & Bernarda B. G
219 Zentroa
129 Ekoizpen-artistak El centro
Artistas de producción The centre
Producción artists
223 BAGI! Bilbao Arte Gela Irekia
131 Álvaro Albaladejo
133 Maider Aldasoro Diaz 257 Jarduerak
135 Jenni Alvarado Actividades
137 Nerea Apodaka García Activities
139 Miren Barrena Rebe
 BEKADUN ARTISTAK
ARTISTAS BECADOS
GRANT HOLDER ARTISTS

Ekintzatik abiatuta, saio bat: pentsa­
tzeko grabatzea. Bideoaren inguruan
lan egiten dut, ez beti bideoarekin.
Ni grabatu, beste batzuei grabatu,
grabatua izan. Subjektuaren eta ka-
meraren arteko aurkakotasuna dese-
giten saiatzen naiz. Mugimendu bat
bilatzen dut, gorputzaren banaketa
bat, bestearen larruazalera hurbilke-
ta bat. Filmatzea ukitzea da. Zenbait
keinu: proiektorea kameraren parean,
gorputz-desira bat, automatismotik
afektura biraketa bat.
Hortik: Nire eskua objektuak eusten,
hauek gogoratzeko, irudiaren bidez
izendatzen. Nire eskua aurpegia es-
taltzen, bizkarraldea, ahurra. Polaroid
handitu bat, objektu biguna bihurtu-
ta. Nire besoen forma: bata luzatuta
kamerari eusten, hatz lodia askatuta
kliskagailua eragiteko, bestea uzkur-
tuta aurpegia estaltzeko. Nire besoe-
tako beste forma bati gogorarazten
dit: bata luzatuta argazki bati eusten
eta bestea uzkurtuta kamera nahikoa
urruntzeko. Nire besoetako beste for-
ma bati gogoratzen dit: kamera bati
eusten diodala itxurak egitea, zeinekin
nire eskuari argazki bat egiten diodan.
Rocío Agudo. Arte Garaikide Tekno-
logiko eta Performatiboko Masterra
(UPV/EHU, 2020), Licence 3 Arts Plas-
tiques-en (Université Rennes 2, 2016)
eta Arte Ederretako Gradua (Zara-
gozako Unibertsitatea, 2018); JAI,
praktika artistikoen Institutuan ere
trebatu da (Tabakalera, 2020). Cen-
troCentron (Madril), Center for Bas-
que Studiesen (University of Nevada,
AEB) eta Etopian (Zaragoza) egin ditu
egoitzak. Montehermoso Kulturunea
(Gasteiz) banakako erakusketa egin
du eta taldeka IAACC Pablo Serra-
no-n (Zaragoza) eta Artium (Gasteiz),
besteak beste.
A partir de la acción, un ensayo: gra-
bar para pensar. Trabajo sobre el
vídeo, no siempre con el vídeo. Gra-
barme, grabar a otres, ser grabade.
Trato de deshacer la oposición entre
sujeto y cámara. Busco un movimien-
to, una fragmentación del cuerpo, un
acercamiento a la piel de la otra. Fil-
mar es tocar. Una serie de gestos: el
proyector frente a la cámara, un de-
seo de cuerpo, un viraje del automa-
tismo al afecto.
Desde ahí: mi mano sosteniendo ob-
jetos para recordarlos, nombrándolos
mediante la imagen. Mi mano tapán-
dome la cara, dorso, palma. Una po-
laroid ampliada, convertida en un ob-
jeto blando. La forma de mis brazos:
uno estirado sosteniendo la cámara,
con el pulgar liberado para pulsar el
disparador, el otro encogido para ta-
parme la cara. Me recuerda a otra for-
ma de mis brazos: la de uno estirado
sujetando una foto y el otro encogido
para alejar la cámara lo suficiente. Me
recuerda a otra forma de mis brazos:
la de fingir que sostengo una cáma-
ra con la que me hago una foto a mi
propia mano.
Rocío Agudo. Máster en Arte Con-
temporáneo Tecnológico y Performa-
tivo (UPV/EHU, 2020), Licence 3 en
Arts Plastiques (Université Rennes 2,
2016) y Grado en Bellas Artes (Uni-
versidad de Zaragoza, 2018); también
se ha formado en JAI, Instituto de
prácticas artísticas (Tabakalera, 2020).
Ha realizado residencias en Centro-
Centro (Madrid), Center for Basque
Studies (University of Nevada, EEUU)
y Etopá­a (Zaragoza). Ha expuesto de
manera individual en el Centro Cul-
tural Montehermoso (Gasteiz) y de
manera colectiva en el IAACC Pablo
Serrano (Zaragoza) y en Artium (Gas-
teiz), entre otros.
Rocío Agudo
Zaragoza, 1996
From action, an essay: recording for
thinking. I am working on the video,
not always with the video. Recording
me, recording others, being record-
ed. I seek to unravel the opposition
between subject and camera. I search
for a movement, a fragmentation of
the body, approaching somebody
else’s skin. Filming is touching. A se-
ries of gestures: the projector in front
of the camera, a body desire, a shift
from automation to affection.
From there: My hand supporting ob-
jects to recall them, naming them
using the image. My hand covering
my face, back, palm. An enlarged po-
laroid, converted into a soft object.
How my arms are held: one stretched
out supporting the camera, with my
thumb poised to push the trigger,
the other pulled back to cover my
face. I recall another way of holding
my arms: one stretched out holding
the photo and the other pulled back
for the camera to be at the right dis-
tance. I recall another way of holding
my arms: that of pretending I am
holding a camera to take a photo of
my own hand.
Rocío Agudo. Master’s Degree in Per-
formance and Technological Contem-
porary Act (UPV/EHU, 2020), Licence
3 in Arts Plastiques Degree (Université
Rennes 2, 2016) and Degree in Fine
Arts (University of Zaragoza, 2018); she
also studied at JAI, Institute of Artistic
Practices (Tabakalera, 2020). She has
completed residencies at at Centro-
Centro (Madrid), Center for Basque
Studies (University of Nevada, USA)
and Etopá­a (Zaragoza). Rocio has had
a solo exhibition at the Montehermo-
so Cultural Centre (Vitoria-Gasteiz)
and was a part of group exhibitions at
IAACC Pablo Serrano (Zaragoza) and at
Artium (Vitoria-Gasteiz), among others.
21

Zaldiak, ur gainean zutik, ez zuen
mugimendurik txikiena ere egin. Lur
harritsuan, eguzkipean, gauza baten
itzelezko itxura zeukan.*
Zortzi tarima modular dira, 19 cm-
ko altuera dutenak. Oro har, lurrean
horizontalki jarrita daude, elkarrekin,
tartea arina da. Hala ere, laster altxa-
tu, bertikalean jartzen da, banandu
eta musika jarri da. Patroi baten bidez
hitz bera, Miguel, errepikatzen duten
12 panel ere badaude. Hauek tari-
mak baino gutxiago mugitzen dira,
horman edo pilatuta, gainjarri egiten
dira. Une batez proiektatutako zaldi
baten irudia agertzen da, ia hori exis-
titzen dela gogoratzen duen leiho bat
bezala, ahaztu ez dena. Eta beste une
batzuetan, halaber, miguel agertzen
da berriro, oraingoan minuskulaz, iru-
di baten forma delako bata bestearen
atzean, 130 inguru, azken bost hilabe-
teetan zehar hartuak, espazio berean,
tarimen, zaldiaren, Miguelen eta mi-
guelen espazio berean.
Horrela, lan hau «Gauza baten itze­
lezko itxura» izan liteke, edo «Miguel
Miguel Miguel Miguel Miguel Miguel
Miguel Miguel Miguel Miguel», edo
baita «jamón jamón jamón jamón
jamón jamón jamón» ere, izan daite-
keen zerbait, gerta daitekena. Egitura
hustuak, elipsiak eta formak, zeinen
iruditeriak mugarik gabeko aukera
anizkoitz baterantz seinalatzen duena.
* Duras, Marguerithe. Pazifikoaren aur-
kako dike bat. Alegia. 2008.
Miguel Alejos. Arte Ederretako Gra-
dua (Universitat Politécnica de Valèn-
cia) eta Ikerketa eta Sormena Artean
Masterra (UPV/EHU). Gas Natural
Fenosa Arte Garaikideko Museoko,
Uharte Zentroko edo IVAM Lankide­tza
Ikerketen Zentroko 2020ko egoitza
artistikoetan parte hartu du. Erakus-
ketak Montehermoso Zentroan, Ca-
rreras Mugica galerian, XXIII Mostra
Art: Públic Universitat València, Klau-
zura Projects UMPRUM Praga, FIG Bil-
bao edo ABC Madrid Museoan.
El caballo, erguido en la orilla, desde
donde se dominaba el agua, no había
hecho el más leve movimiento. En el
suelo pedregoso, bajo el sol, tenía la
apariencia imponente de una cosa.*
Son ocho tarimas modulares con una
altura de 19 cm. Colocadas horizon-
talmente sobre el suelo, juntas, la
separación es leve. Aunque por mo-
mentos se han levantado, colocado
en vertical, separado y puesto mú-
sica. También hay 12 paneles donde
un patrón repite una misma palabra,
Miguel. Estos se mueven menos que
las tarimas, en la pared o apilados,
se solapan. Por momentos aparece
la imagen proyectada de un caballo,
como una ventana que recuerda que
eso existe, que no se ha olvidado. Y
en otros momentos, también, vuelve
a aparecer miguel, esta vez en minús-
cula porque esa es la forma de una
imagen detrás de otra, unas 130, to-
madas a lo largo de los últimos me-
ses, en un mismo espacio, el mismo
espacio de las tarimas, del caballo, de
Miguel y de miguel.
Así, este trabajo podría ser «La apa-
riencia imponente de una cosa» o
también «Miguel Miguel Miguel Mi-
guel Miguel Miguel Miguel Miguel»
o también «jamón jamón jamón ja-
món jamón jamón» algo susceptible
de ser, de ocurrir. Estructuras vacia-
das, elipsis y formas cuyo imaginario
apunta indefinidamente hacia una
posibilidad múltiple.
* Duras, Marguerithe. Un dique contra
el Pacífico. Fábula. 2008.
Miguel Alejos. Grado en Bellas Artes
(Universitat Politécnica de València) y
Máster Investigación y Creación en
Arte (UPV/EHU). Ha participado en re-
sidencias artísticas en el Museo Arte
Contemporáneo Gas Natural Fenosa,
Centro Huarte o IVAM Centro de In-
vestigaciones colaborativas 2020. Ex-
posiciones en Centro Montehermoso,
Galería CarrerasMugica, XXIII Mostra
Art Públic Universitat València, Klau-
zura Projects UMPRUM Praga, FIG
Bilbao o el Museo ABC Madrid.
Miguel Alejos
Valentzia, 1995
On the bank above the water he could
see that the horse had not made the
least movement. Standing there on
the rocky earth in the hot sunlight, the
horse had the imposing appearance of
an inanimate object. *
They are eight modular daises, 19 cm
in height. Placed horizontally on the
floor, together, with just a slight sep-
aration. Though at times they have
been lifted, placed vertically, separat-
ed and music played. There are also
12 panels with a pattern repeating a
single word, Miguel. They move less
than the daises, on the wall or piled
up, they overlap. At times the project
image of a horse appears, as a win-
dow that recalls that it exists, that
it has not been forgotten. And at
other times, miguel also appears
again. This time in lower case be-
cause that is the form of an image
behind another, around 130, taken
over recent months, in the same size
as the daises, the horse, Miguel and
miguel.
Thus, this work could be "The impo­
sing appearance of a thing" or also
"Miguel Miguel Miguel Miguel Miguel
Miguel Miguel Miguel" or even "jamón
jamón jamón jamón jamón jamón"
something likely to be, to happen.
Hollowed-out structures, ellipses and
forms whose imaginary points ad in-
finitum towards a manifold possibility.
* Duras, Marguerite. The Seawall. A fa-
ble. 2008.
Miguel Alejos. Degree in Fine Arts
(Valencia Polytechnic University) and
Master’s Degree in Art Research and
Creation (UPV/EHU). Miguel has ta­
ken part in artistic residencies at the
Gas Natural Fenosa Contemporary
Art Museum, Huarte Centre or IVAM
Collaborative Research Centre 2020.
Exhibitions at the Montehermoso
Centre, CarrerasMugica Gallery, XX-
III Public Art Exhibition, University of
Valencia, Klauzura Projects UMPRUM
Prague, FIG Bilbao oand the ABC Ma-
drid Museum.
25

Formas de oir bere materialtasunetik
haratago doan eta zentzu ezberdine-
tara jotzen duen proiekzio batez hitz
egiten du, nola forma batek zapore
baten itxura eman dezakeen, lur go-
rriaren lodiera, edo zeramikaren dis-
tira gogoratu.
Nire lanak forma eta kolore-azal han-
dien bidez lantzen eta ikertzen du
bere hizkuntz propioa. Egonaldian
zehar, nire ikerketarekin jarraitu nahi
nuke, zeinek pinturaren materialtasu-
netik abiatzen den, hiru dimentsioko
espazioaren bidez obran erabat mur-
giltzearen erronkan sakontzeko.
Pintura batzuk egin nahi ditut, baita
metalezko eta zeramikazko objektu
batzuk ere. Aldi berean, lan-prozesua-
ren barruan marrazki batzuk egiten
ditut, serigrafia batzuetan editatu na-
hiko nituzkeenak. Lan-prozesua age-
rian uzteko modu bat da, eta azken
obran ezkutuan egon ohi da.
Elvira Amor Arte Ederretan lizentzia-
tua, Gaztela-Mantxako Unibertsita-
tean (Cuenca 2003-2009). Madrilen,
Cuencan, Buenos Airesen (Argentina),
Pueblan (Mexiko), Bruselan (Belgika)
eta Yogyakartan (Indonesia) bizi eta
ikasi du, hiri horietako bakoitzean
laginak eginez eta hainbat proiektu
garatuz. Bakarkako azken erakuske-
tak honako hauek dira: Salmón ladrillo
coral (García Galeria, Madril, 2018),
Anaranjado Delgado (Castellana22,
Madril, 2017). Parte hartu zuen bes-
te erakusketa kolektibo batzuk hauek
dira: S/T: Alvarez-Laviada, Amor, Barka-
te, Uriel (Moisés Pérez de Albéniz Ga-
leria, Madril, 2021); El abrazo, artistas
en diálogo Colección Yera-zen (Santa
Clara komentua, Sevilla, 2020); Mo-
dern Love Vol.1 (Quinto Piso, Mexiko
Hiria 2017), Wet Paint (Área 72, Valen­
tzia, 2016), Tachá espejo pone dibujo
(Lebensohn Fundazioa, Buenos Aires,
2013), edo Alga todo y espumas (CCE-
BA-AECID, Buenos Aires 2013).
Formas de oír habla de una proye­
cción en las obras que va más allá
de su propia materialidad y apela a
distintos sentidos, como una forma
puede dar la impresión de un sabor,
el espesor de la tierra roja, o recordar
el brillo de la cerámica.
Mi trabajo elabora e investiga su
propio lenguaje a través de formas y
grandes superficies de color. Durante
la estancia me gustaría continuar mi
investigación, que parte de la mate-
rialidad de la pintura, para profundi-
zar en el desafío de la inmersión total
en la obra a través del espacio tridi-
mensional.
Me planteo elaborar una serie de
pinturas, así como un conjunto de
objetos en metal, y cerámica. De for-
ma paralela dentro del proceso de
trabajo realizo una serie de dibujos
que me gustaría editar en una serie
de serigrafías. Es una manera de evi-
denciar el proceso de trabajo y que
habitualmente permanece oculta en
la obra final.
Elvira Amor es Licenciada en Bellas
Artes por la Universidad de Castilla-La
Mancha (Cuenca, 2003-2009). Ha vi-
vido y estudiado en Madrid, Cuenca,
Buenos Aires (Argentina), Puebla (Mé-
xico), Bruselas (Bélgica) y Yogyakarta
(Indonesia), realizando muestras en
cada una de estas ciudades, y de-
sarrollando distintos proyectos. Las
últimas exposiciones individuales
que ha realizado son: Salmón ladrillo
coral (García Galeria, Madrid, 2018),
Anaranjado Delgado ( Castellana22,
Madrid, 2017). Otras exposiciones co-
lectivas en las que participó son: S/T:
Álvarez-Laviada, Amor, Barkate, Uriel
(Galería Moisés Pérez de Albéniz, Ma-
drid, 2021); El abrazo, artistas en diá-
logo en la Colección Yera (Convento
de Santa Clara, Sevilla, 2020); Modern
Love Vol.1 (Quinto Piso, Ciudad de Mé-
xico 2017), Wet paint (Área 72, Valen-
cia, 2016), Tachá espejo pone dibujo
(Fundación Lebensohn, Buenos Aires,
2013), o Alga todo y espumas (CCE-
BA-AECID, Buenos Aires 2013).
Elvira Amor
Madril, 1982
Formas de oír is about a projection
in the works that goes far beyond its
own materiality and calls on different
senses, as a form can give the impres-
sion of a flavour, the thickness of red
earth or recall the shine of ceramics.
My work prepares and researches its
own language through large colour
surfaces and forms. During my stay,
I would like to continue my research,
which starts from the materiality of
the painting, to go further into the
challenge of the total immersion in
the work by means of the three-di-
mensional space.
I plan to prepare a series of paint-
ings, along with a set of metal and
ceramic objects. In tandem, the work
process involves producing a series
of drawings that I would like to edit
as a series of screen prints. It is a way
of showcasing the work process and
which usually remains hidden in the
final work.
Elvira Amor graduated in Fine Arts
from the University of Castilla-La
Mancha (Cuenca, 2003-2009). She
has lived and studied in Madrid,
Cuenca, Buenos Aires (Argentina),
Puebla (Mexico), Brussels (Belgium)
and Yogyakarta (Indonesia), with ex-
hibitions in each of these cities and
working on different projects. Her
latest solo exhibitions are: Salmón
ladrillo coral (García Gallery, Madrid,
2018), Anaranjado Delgado (Caste­
llana22, Madrid, 2017). Other group
exhibitions in which she took part are:
S/T: Álvarez-Laviada, Amor, Barkate,
Uriel (Moisés Pérez de Albéniz Gallery,
Madrid, 2021); El abrazo, artistas en
diálogo en la Colección Yera (Convent
of Santa Clara, Seville, 2020); Modern
Love Vol.1 (Quinto Piso, Mexico City
2017), Wet paint (Área 72, Valencia,
2016), Tachá espejo pone dibujo (Le­
bensohn Foundation, Buenos Aires,
2013), and Alga todo y espumas (CCE-
BA-AECID, Buenos Aires 2013).
29

Iteu desioa luzatzeko praktikaren al-
deko instalazio eta apustu bat da. Es-
kaladaren aukera performatiboak eta
estetikoak estimuetatik bilatzen ditu.
Heldu, eutsi eta sostengatu bezalako
nozioetan oinarritzen da, keinua afek­
tua aktibatzen eta heda­ tzen duen
enuntziatu gisa ulertzeko.
Keinua, desiraren potentzialtasun gi­
sa eta beste norabait doan ibilgailu
gisa ulertuta, gorputzetik kanpo, gero
eta lotura sendoagoa eta xaflakorra-
goa ez dena ezartzeko aukera ematen
duena. Aldi berean, keinua ob­ jektu,
posizio, gorputzaren bulkada eta hiz­
kuntzaren aukera gisa ere ulertzen
da: lurraldetik atera eta beste leku ba-
tera eramaten dut.
Galdera honi erantzuten saiatzen
naiz: zer lor dezaket ez dagoena bai-
no urrunago? Eta, era berean, keinu
afektiboa absentziatzat jotzen dut,
agortutako desira bati heltzeari, eta
norabide eta zabalera ugaritan apun-
tatzen duten desirazko objektuen
sorkuntzari.
Gari Arambarri Arregui. Bilbon bizi
eta lan egiten du. Artearen Historian
(2019) eta Arte Garaikide Teknologi-
ko eta Performatiboko Masterrean
(2020) Graduatua, biak UPV/EHUn.
BilbaoArten, Tabakaleran, LAB elkar-
gunean eta Dinamoan egin ditu
egoitzak.
Gari Arambarri Arregui
Iteu es una instalación y una apuesta
por la práctica de estirar el deseo. Ex-
plora las posibilidades performáticas
y estéticas de la escalada desde los
afectos. Se basa en nociones como
agarrar, sujetar y sostener para en-
tender el gesto como un enunciado
que activa y extiende el afecto.
El gesto, entendido como potencia-
lidad del deseo y como vehículo ha-
cia otro lado, un afuera del cuerpo
que permite establecer un vínculo
cada vez más sólido y no maleable.
A su vez, el gesto también concebi-
do como un objeto, una posición, un
impulso del cuerpo y una posibilidad
del lenguaje: lo saco del territorio y lo
llevo a otro lugar.
Intento responder a la pregunta de
qué puedo alcanzar más lejos de lo
que no está. Y, de la misma manera,
refiero el gesto afectivo a una ausen-
cia, a agarrarme a un deseo agotado,
y a la creación de objetos de deseo
que apunten en múltiples direcciones
y extensiones.
Gari Arambarri Arregui. Vive y tra-
baja en Bilbao. Graduado en Historia
del Arte (2019) y en el Máster en Arte
Contemporáneo, Tecnológico y Per-
formativo (2020), ambos en la UPV/
EHU. Ha realizado residencias en Bil-
baoArte, Tabakalera, Intersección LAB
y Dinamoa.
Azkoitia (Gipuzkoa), 1997
Iteu is an installation and an approach
to the practice of drawing out desire.
It explores the aesthetic and perfor-
mance possibilities of emotion-dri­
ven escalation. It is based on notions
including grasping, holding and su­
pporting to understand the gesture
as an utterance that activates and ex-
tends the emotion.
The gesture, taken as potentiality of
desire and as a vehicle towards an-
other side, an outside of the body
that allows an increasingly stronger
and non-pliable link. In turn, the ges-
ture is also conceived as an object, a
position, a bodily impulse and a pos-
sibility of the language: I take it from
the territory and I take it elsewhere.
I try to answer the question about
what I can achieve beyond what it is
not. And, in the same way, I refer the
emotional gesture to an absence, to
grasp an exhausted desire, and the
creation of objects of desire that point
to multiple directions and extensions.
Gari Arambarri Arregui lives and
works in Bilbao. Graduated in History
of Art (2019) and has a Master’s De-
gree in Performance and Technolog-
ical Contemporary Art (2020), both
from the UPV/EHU. He has completed
residencies at BilbaoArte, Tabakalera,
Intersección LAB and Dinamoa.
33

Pintura y formas de representación
mundua pinturaren bidez begiratzeko
eta islatzeko modu bat da. Lantzen di-
ren kontzeptuak gizakia labar-horma-
rantz edo erretaularantz mugitu du-
tenak dira. Lana argazkigintzatik eta
auto-analisitik abiatzen da, eta pintu-
raren bidez ebazten da. Bitarteko hori
gogobetegarriagoa eta erabakiga-
rriagoa izan da fase honetan. Pintura
gozamen kromatikotik abiatuta, (auto)
irudikapen ariketa bihurtzeraino.
Pinturak (auto)esplorazio forma ba-
ten gorputz fisiko gisa funtziona­tzen
du. Argazkigintzak eta antzinako ar-
tearen beste adierazpen artistiko
batzuek prozesuaren uneren batean
baliozkoak izan dira, orain pintura den
bezainbeste, agian materialtasunaga-
tik, kolore-intentsitateagatik eta proze-
suaren sormen-askatasunagatik.
Prozesua: Nahasten da pigmentua
ingurune batekin eta irabiatzen da
koloreko ore krematsua lortu arte,
koadroa egiten ari da jada. Gaine-
rakoa begiratzea da, asko begiratzea,
begietan irudikatzea, gero eskuan
hartzeko.
Urtzi Canto Combarro. Arte Ederre-
tan Lizen­ tziaduna (UPV/EHU), arte
grafikoetako eta irudi-laborategiko
inprimaketa-ikasketekin. Masterrak
ditu Kultura Kudeaketan, Sormen In-
dustrien Kudeaketan eta Marketinean
eta Komunikazioan. Bere argazkigin­
tzak Bizkaiko Arkeologia Museoko
(Bilbo) bildumako piezen erregistroan
lan egitera, Durangoko Arte eta His-
toria Museoan (2014) Antropia beza-
lako argazki-erakusketa indibidualak
egitera eta ERTIBIL 2016an hautatua
izatera eraman du. Era berean, argaz-
kigintza inguruko ikerketa-lan kriti-
koak egin ditu, hala nola Baliabideak
eta moduak argazki-erregistroan...,
UPV/EHUko iker­keta-saileko AUSART
aldizkarian argitaratuz (2018). Egiar
Aldizkariko Argitalpen Taldeko kide
izan da, BilbaoArte Fundazioaren
(2016) eta EREMUAK (2017) beka jaso
dituenak, eta artxibo-testuinguruan,
José Antonio Cáceres artista eta poeta
esperimentalaren Argazki Artxiboko
datu-basea garatu du.
Pintura y formas de representación es
un modo de mirar y reflejar el mundo
a través de la pintura. Los conceptos
que se trabajan son los que han movi-
do al hombre hacia la pared rupestre
o al retablo. El trabajo parte de la foto-
grafía y el auto-análisis, y se resuelve a
través de la pintura, un medio que ha
resultado más satisfactorio y resoluti-
vo en esta fase. La pintura ha partido
del disfrute cromático, hasta llegar a
convertirse en ejercicio de (auto)re-
presentación.
La pintura funciona como cuerpo fí-
sico de una forma de (auto)explora-
ción. La fotografía y otras expresiones
de arte antiguo. Han sido válidas en
algún momento del proceso, tanto
como ahora lo es la pintura, quizá por
su materialidad, intensidad de color y
a la libertad creativa del proceso.
Proceso: Mezclo el pigmento con un
medio y lo bato hasta obtener la pasta
cremosa de color, yá se está haciendo
el cuadro. El resto es mirar, mirar mu-
cho, representar(se) en los ojos para
hacerlo después en la mano.
Urtzi Canto Combarro. Licenciado
en Bellas Artes (UPV/EHU), con estu-
dios de impresión en artes gráficas
y laboratorio de imagen. Cuenta con
másteres en Gestión Cultural, Gestión
de Industrias Creativas y Marketing y
Comunicación. Su práctica fotográfica
le ha llevado a trabajar en el registro
de piezas de la colección del Museo
Arqueológico de Bizkaia (Bilbao), a
realizar exposiciones individuales de
fotografía, como Antropia en el Mu-
seo de Arte e Historia de Durango
(2014) y a ser seleccionado en ERTI-
BIL 2016. Así como a realizar trabajos
críticos de investigación fotográfica,
como Medios y modos en el registro
fotográfico… publicando en la Revista
AUSART del departamento de inves-
tigación de la UPV/EHU (2018). Ha
formado parte del Equipo Editorial
de la Revista EGIAR Aldizkaria, beca-
da por la Fundación BilbaoArte (2016)
y EREMUAK (2017), y en un contexto
archivístico, ha desarrollado la base
de datos del Archivo Fotográfico del
artista y poeta experimental José An-
tonio Cáceres
Urtzi Canto Combarro
Bilbo, 1984
Pintura y formas de representación is
a way of looking at and reflecting the
world through painting. The concepts
worked are those that made humans
turn to the cave wall or altarpiece. The
work starts from photography and
self-analysis, and is resolved through
painting, a medium that has been
more satisfactory and decisive in this
phase. The painting grew from the
chromatic enjoyment to an exercise in
(self)representation.
Painting acts as the physical body of
a form of (self)exploration. Photogra-
phy and other expressions of old art
were valid at some point of the pro-
cess, as painting now is, perhaps due
to its materiality, colour intensity and
creative freedom of the process.
Process: I mix the pigment with a me-
dium and I beat it until the creamy
colour paste is obtained, and the
painting is now being made. The rest
involves looking, looking a great deal,
represent(oneself) in one’s eyes to
then produce it with one’s hand.
Urtzi Canto Combarro. Graduated in
Fine Arts (UPV/EHU) and has studied
printing in graphic arts and image
laboratory. He has Master’s Degrees
in Cultural Ma­ nagement, Creative
Industries Ma­ nagement, and Mar-
keting & Communication. His pho-
tography has involved working on
recording the pieces of the Bizkaia
Museum of Archaeology collection
(Bilbao), solo photography, such
as Antropia at the Durango Art and
History Museum (2014) being short-
listed at ERTIBIL 2016. Along with
produ­ cing photography research
critiques, including Medios y modos
en el registro fotográfico:… published
in the AUSART Journal of the UPV/
EHU research department (2018). He
was a member of the EGIAR Aldizka-
ria Journal editorial team, on a grant
by the BilbaoArte Foundation (2016)
and EREMUAK (2017), and in an ar-
chival context, he worked on the data
base of the Photography Archive of
José Antonio Cáceres, the experi-
mental poet and artist.
37

Artearen Historia eta Pintura dira
lantzen ditudan gaiak. Nire interesa
Pintura, bere irudiak, pertzepzioa, pre-
sentziak eta absentziak zalantzan jar­
tzea da, hau da, bere izateko arrazoia.
Teknika eta euskarri desberdinak era-
biltzen ditut, batzuetan tradizioari leia-
lagoa, bestetan objektuak sortzen eta
espazioa okupatzen. Nire asmoa eus-
karria bera hausnartzea da. Berdin dio
pintura, eskultura edo instalazioa den:
hori gutxienekoa da. Proiektu bakoi­
tzera hobekien egokitzen diren tekni-
ka eta materialekin lan egiten dut.
BilbaoArte Fundazioari zeramika Cam­
paniformeari buruzko ikerketa-proiek-
tu hau aurkezten diot, eta XX. mendean
garatutako tradizio geometrikotik az-
tertu. Kasu honetan, 4.000 urtek eten
ez den hari gidari zuzen batekin be­
reizten gaituzte.
Hau izango litzateke aztertzeko abia-
puntua eta honako milurtetan zehar
(egindako) bidai hau nire proiektu ar-
tistikoan bihurtu: Geo-Campaniforme.
Gaur egun, kanpai-formako zera-
mikari begiratuta, nire ustez, lotura
zuzena du arte geometrikoarekin:
abangoardiena eta garaikidearena.
Interes horrek bultzatzen nau sakon­
tzera, ikertzera eta aztertzera. Ikerke-
ta horren emaitza pintura sorta bat
izango litzateke, mihise gaineko olioa,
zeramika eta grabatua erabiliz. Azken
emaitza poliptiko batean bistaratuko
litzateke, BilbaoArteko egoitzan ikertu
eta ekoitzitako eguneroko bisual ba-
tean: pintura, eskultura, grabatua eta
instalazioa.
Roberto Coromina. Arte Ederretan
lizentziatua Sant Jordi Fakultatean
(Bartzelona, 1989). Bakarkako eta tal-
dekako erakusketa askotan parte har-
tu du, baita arte azoketan ere. Bere
obra Zaragozako Diputazio Probintzia-
leko eta Leongo MUSACeko bildumen
parte da. Jasotako beka eta sarien ar-
tean, Bartzelonako VIII. Bienaleko bi-
garren saria eta Erromako Espainiako
Akademiaren 2017-2018ko Beka na-
barmentzen dira.
La Historia del Arte y la Pintura son
los temas sobre los que trabajo. Mi
interés es cuestionar la Pintura, sus
imágenes, percepción, presencias y
ausencias; en suma su razón de ser.
Utilizo diferentes técnicas y sopor-
tes, unas veces más fiel a la tradición,
otras creando objetos y ocupando el
espacio. Mi intención es reflexionar
sobre el propio soporte. No importa
si es pintura, escultura o instalación:
eso es lo de menos. Trabajo con las
técnicas y materiales que mejor se
adaptan a cada proyecto.
Presento a la Fundación BilbaoArte
este proyecto de investigación sobre
la cerámica Campaniforme y estu-
diarla desde la tradición geométrica
desarrollada en el siglo XX. En este
caso 4000 años nos separan con un
hilo conductor directo que no se ha
interrumpido, éste sería el punto de
partida a investigar y transformar este
viaje a lo largo de estos siglos en mi
proyecto artístico: Geo-Campaniforme.
Mirando hoy la cerámica campanifor-
me tiene, según mi parecer, una co-
nexión directa con el arte geométrico:
el de las vanguardias y el contempo-
ráneo. Es éste interés el que me lleva
a profundizar, investigar y estudiarlo.
El resultado de esta investigación se-
ría una serie de pinturas, utilizando
óleo sobre lienzo, cerámica y graba-
do. El resultado final se visualizaría
en un políptico, un diario visual con
lo investigado y producido durante la
residencia en BilbaoArte, pintura, es-
cultura, grabado e instalación.
Roberto Coromina. Licenciado en
Bellas Artes por la Facultad Sant Jordi
(Barcelona, 1989). Ha participado en
un gran número de exposiciones in-
dividuales y colectivas, así como ferias
de arte. Su obra forma parte de re-
conocidas colecciones en entidades
como la Diputación Provincial de Za-
ragoza o el MUSAC en León. Entre las
becas y premios recibidos, destacan
el segundo premio de la VIII Bienal de
Barcelona y la Beca de la Academia de
España en Roma en 2017-2018.
Roberto Coromina
Zaragoza, 1965
History of Art and Painting are the ar-
eas I work on. My interest is to ques-
tion painting, its images, perception,
presences and absences; in short,
its raison d’être. I use different tech-
niques and media, some more faith-
ful to tradition, other creating objects
and occupying space. My intention is
to reflect on the medium itself. It does
not matter whether it is painting,
sculpture or installation: that is the
least important aspect. I work with
the techniques and materials that
best adapt to each project.
I am submitting to the BilbaoArte
Foundation this research project on
Bell Beaker ceramics studied from
the geometric tradition developed in
the 20th century. In this case, 4000
years separate us but with a direct
connecting thread that has not been
interrupted, and which will be starting
point to research and transform this
journey down the centuries in my ar-
tistic project: Geo-Campaniforme.
In my opinion, from today’s perspec-
tive, Bell Beaker ceramics has a di-
rect connection with geometric art:
avant-garde and contemporary. This
is the interest that has driven me to
delve further, research and study
it. The result of this research would
be a series of paintings, using oil on
canvas, ceramics and engravings.
The final result will be displayed on
a polyptych, a visual diary with what
is researched and produced during
the residency at BilbaoArte, painting,
sculpture, engraving and installation.
Roberto Coromina. Graduated in
Fine Arts from the Sant Jordi Faculty
(Barcelona, 1989). He has taken part
in a large number of solo and group
exhibitions, as well as at art fairs. His
work is part of acclaimed collections
at entities of the ilk of Zaragoza Pro-
vincial Council of the MUSAC in León.
Roberto’s grants and prizes include
second prize at the VIII Barcelona Bi-
ennial and the Grant of the Spanish
Academy in Rome in 2017-2018.
41

Proiektu honen abiapuntua aurreko
urteetan erradioaktibitatearen ingu­
ruan egindako ikerketa da. Erradioak-
tibitateak Chernobyl edo Fukushima
bezalako lurralde oso espezifikoak
sortu dituen muturreko inguruneak
aztertzen aritu naiz, baina, ondoren,
nire ikerketa gure hiri-ingurunean ur-
tero jasotzen ditugun erradiazio-dosi
minimoetan ardaztu zen.
Lan horrek obsesio batera eraman
ninduen, erradioaktibitatea bezalako
hizkuntza konplexu bat ulertzeko.
Bere mikro-eskalatik propietateeta-
raino, horma bat zeharka dezake eta
gure gorputzarekin, baita gorputz-al-
diekin ere, elkarreragiten du. Atomo
baten desintegrazio-denbora defini­
tzeko erabilitako batezbesteko bizitza
terminoak erradioaktibitateak nola
funtzionatzen duen hobeto ulertzen
lagundu zidan: atomo batek produk-
tu berri bihurtzen jarraitzen du, ha-
rik eta egoera egonkor batera iritsi
eta jada erradioaktiboa ez den arte.
Erradio-nukleido batzuek segundo
gutxi batzuetako batez besteko bizi­
tza dute, baina beste batzuek ehunka
edo milioika urtekoa dute.
Norabide horrek, nire lanean, anto-
laketa-osagai eta egitura konplexu
berriak ikertzera eraman nau, eta
zientzian oinarritu naiz, beha dai-
tezkeen fenomenoen aniztasunean
oinarrizkoa denaren sinpletasuna bi-
latzen duen tresna gisa.
Fernando Cremadesek artea eta ar-
kitektura ikasi ditu Madrilgo Europako
Unibertsitatean, eta ikertzaile egoilia-
rra izan da New York Universityn. Bere
lana BilbaoArte Fundazioa, Arte Plasti-
koen Zirkuituak, INJUVE, Sant Andreu
Contemporani, LAboral Centro de
Arte y Creación Industrial, Matadero
Madrid, Museo de Artes Decorativas
de Madrid, COAM, Tabacalera, La Cár-
cel Centro de Creación de Segovia,
Kunstmuseum Liechtenstein eta AE-
DES Berlinen erakutsi da.
El punto de inicio de este proyecto
comienza a partir de mi investigación
de años anteriores en torno a la ra-
dioactividad. He estado estudiando
entornos extremos donde la radioac-
tividad ha generado territorios muy
específicos como Chernobyl o Fukus-
hima, pero posteriormente mi investi-
gación se fue centrando en las dosis
mínimas de radiación que recibimos
cada año en nuestro entorno urbano.
Este trabajo me llevó a una obse-
sión en poder entender un lenguaje
tan complejo como la radioactividad.
Desde su microescala hasta sus pro-
piedades, puede atravesar una pared
e interactúa con nuestro cuerpo, así
como sus tiempos. El término vida
media utilizado para definir el tiem-
po de desintegración de un átomo
me ayudó a comprender mejor cómo
funciona la radioactividad: un átomo
continúa transformándose en un
nuevo producto hasta que alcanza un
estado estable y ya no es radiactivo.
Algunos radionucleidos tienen una
vida media de unos pocos segundos,
pero otros tienen una vida media de
cientos o millones o miles de millones
de años.
Esta dirección en mi trabajo me ha
llevado a investigar nuevos compo-
nentes y estructuras de organización
complejas apoyándome en la ciencia
como herramienta que busca la sen-
cillez de lo elemental en la multiplici-
dad de los fenómenos observables.
Fernando Cremades ha estudiado
arte y arquitectura en la Universidad
Europea de Madrid y ha sido residente
investigador en la New York Univer-
sity. Su trabajo ha sido expuesto en
Fundación BilbaoArte, Circuitos de
Artes Plásticas, INJUVE, Sant Andreu
Contemporani, LAboral Centro de Arte
y Creación Industrial, Matadero Ma-
drid, Museo de Artes Decorativas de
Madrid, COAM, Tabacalera, La Cárcel
Centro de Creación de Segovia, Kunst-
museum Liechtenstein y AEDES Berlín.
Fernando Cremades
Madril, 1989
www.fernandocremades.com
The starting point of this project came
from my earlier research on radioac-
tivity. I had been studying extreme en-
vironments where radioactivity gener-
ated very specific territories such as
Chernobyl or Fukushima, but my re-
search was subsequently focused on
the minimum dose of radiation that
we receive in our urban environment
each year.
I then became obsessed with being
able to understand such a complex
language as radioactivity. From its
microscale to its properties, how it
can cross a wall and interact with our
body, along with its times. The term
half-life used to define the time it
takes an atom to break down helped
me to better understand how radi-
oactivity functions: an atom contin-
ues to transform into a new product
until it reaches a stable state and is
no longer radioactive. Some radio-
nuclides have a half-life of just a few
seconds, but others have a half-life of
hundreds, millions or billions of years.
That direction in my work has led
me to research new complex organ-
isation structures and components,
using science as a tool that seeks
the simplicity of the elemental in the
multiplicity of the observable phe-
nomena.
Fernando Cremades studied art and
architecture at the Europea Universi-
ty of Madrid and was a research resi-
dent at New York University. His work
has been exhibited at the Bilbao Arte
Foundation, Circuitos de Artes Plásti-
cas, INJUVE, Sant Andreu Contempo-
rani, LAboral Centro de Arte y Creación
Industrial, Matadero Madrid, Mu-
seo de Artes Decorativas de Madrid,
COAM, Tabacalera, La Cárcel Centro de
Creación de Segovia, Kunstmuseum
Liechtenstein and AEDES Berlin.
45

Phthalo green deep eraikitako eta aur-
kitutako elementuak konbinatzen di-
tuen lana da. Bi zirkulu, argi bat eta bi
gorputz. Zeinu baten gainjar­tzea eta
haren itxuraren oroitzapena praktika
material batera hurbiltzen dira, an­
tzemangarria eta sistema baten itxu-
raren azpian aterpetua. Asmo baten
edukia baino ez gutxiagoko ustako
jarrerak sortzen dituen prozesua.
Mugitzen, tolesten eta hedatzen di-
ren formak, mugitzen ari den erdigu-
ne batetik hurbil eta urrun egoteko.
Beste zentro batzuetaz emultsionatu-
tako zentro bat, egite aldakor baten
bidez alderdi berriak har ditzakeena.
Ardatz bat bertan behera utzi den
adierazpenaren itxura hartura, zei-
netan jokatzeko keinu era, irudi bat
bestetik bereizten dituen eragike-
ta baten proiektatzen den, eta, aldi
berean, berrartikulaturako operazio
berri batetik gaindituta eta jarduta.
Eta, horrela, edukien erreprodukzio
eta edizioaren bidez, zentzua sortzen
duten beste arlo batzuk esploratzea.
Mikel Escobaresek Arte Ederretan
graduatua da Madrilgo Unibertsitate
Konplutensean (2012), eta Arte Ga-
raikideko Historiaren eta eta Iku­sizko
Kulturako master bateratua egin zuen
Complutense Unibertsitatean eta
Madrilgo Unibertsitate Autonoman,
MNCARSen (2016). Bakarkako erakus-
ketak egin ditu Bartzelonako Blue-
project Fundazioan (2019); Montera
32, Madril (2016) eta Hassenheide 9,
Berlin (2016) . Tabakaleran, Donostia/
San Sebastian (2021), Artium-en, Vito-
ria/Gasteizen (2020), Wangjiangeko
campuseko gimnasioan eta Cheng-
du-n (2017) erakusketa kolektiboetan
parte hartu du. Halaber, egoitza artis-
tikoak egin ditu honako leku hauetan:
Gasworks, Londres (2021); Tabakale-
ra, Donostia (2020); Blueproject Fun-
dazioan, Bar­tzelona; BilbaoArte Fun-
dazioan, Bilbo (2017).
Mikel Escobales Castro
Phthalo green deep es un trabajo que
combina elementos construidos y
encontrados. Dos círculos, una luz y
dos cuerpos. El solapamiento de un
signo y el recuerdo de su aspecto se
acercan a una práctica material, pal-
pable y resguardada bajo la aparien-
cia de un sistema. Un proceso que
genera actitudes no menos supues-
tas que el contenido de una inten-
ción. Formas que se mueven, pliegan
y despliegan para estar cerca y lejos
de un centro en movimiento. Un cen-
tro emulsionado por otros centros y
que puede incluir nuevos aspectos a
través de un hacer cambiante, pare-
ciendo significar el abandono de un
eje en el que la forma gestual de ac-
tuar es proyectada en una operación
que separa una imagen de otra, a su
vez excediendo y operando desde la
rearticulación de una nueva. Y así,
mediante la reproducción y edición
de contenidos, explorar otras áreas
que producen sentido.
Mikel Escobales es graduado en Be-
llas Artes por la Universidad Complu-
tense de Madrid (2012) y ha realizado
el Máster conjunto de Historia del
Arte Contemporáneo y Cultura Visual
de la Universidad Complutense y la
Universidad Autónoma de Madrid en
el MNCARS (2016). Ha realizado expo-
siciones individuales en la Fundación
Blueproject, Barcelona (2019); Mon-
tera 32, Madrid (2016) y Hassenhei-
de 9, Berlin (2016). Además de par-
ticipar en exposiciones colectivas en
Tabakalera, Donostia/San Sebastián
(2021), Artium, Vitoria/Gasteiz (2020);
Gimnasio del Campus de Wangjiang,
Chengdu (2017) entre otras. También
ha realizado residencias artísticas en
Gasworks, Londres (2021); Tabakale-
ra, Donostia/Sebastián (2020); Funda-
ción Blueproject, Barcelona; Funda-
ción BilbaoArte, Bilbao (2017).
Aretxabaleta (Gipuzkoa), 1991
Phthalo green deep is a work that
combines built and found elements.
Two circles, one light and two bodies.
The overlapping of a sign and reca­
lling its aspect draw closer to a clois-
tered and palpable tangible practice
under the appearance of a system. A
process that generates no less per-
ceived attitudes than the content of
an intention. Forms that move, fold
and unfold to be near and far from a
moving centre. A centre emulsified by
other centres and which can include
new aspects by means of a shifting
change, which seems to signify the
leaving of an axis where the gestural
form of acting is projected in an oper-
ation that separates one image from
another, while outperforming and
­operating by rearticulating a new one.
And thus, by means of reproducing
and editing content, to explore other
areas that produce meaning.
Mikel Escobales graduated in Fine
Arts from the Complutense Univer-
sity of Madrid (2012) and complete
the Joint Master’s Degree in History of
Contemporary Art and Visual Culture
from the Complutense University and
the Autónoma University of Madrid at
MNCARS (2016). His solo shows have
been at the Blueproject Foundation,
Barcelona (2019); Montera 32, Ma-
drid (2016) and Hassenheide 9, Ber-
lin (2016). Along with being in group
exhibitions at Tabakalera, Donostia/
San Sebastián (2021), Artium, Vito-
ria/Gasteiz (2020); Wangjiang Cam-
pus Gymnasium, Chengdu (2017),
among others. His artistic residenc-
es have been at Gasworks, London
(2021); Tabakalera, Donostia/Sebas-
tián(2020); Blueproject Foundation,
Barcelona; BilbaoArte Foundation,
Bilbao (2017).
49

Nire lanean sorkuntza partzialki sun­
tsitzaile den ekintza gisa eta artifizioa
naturalaren kontrako eta ordezko
gisa jorratzen ditut. Zuhaitzaren edo
lurraren eraldaketak garrantzi sin-
boliko handia hartzen du. Zalantzan
jartzen dut nire artea, baita norba-
nako-sortzaileak bere gizartean eta
naturan duen zeregina ere.
Pretérito imperfecto: anaiak, lehen-
gusuak eta hirurok umez eraikitako
txabola txiki baten oroitzapenaren
inguruan sortzen da. Zuhaitz baten
adarren gainean atseden hartu be-
harrean, lau enborrek, horreo bateko
zutabeek bezala, lurretik metro erdira
eskas altxatzen zuten. Eraikuntza eta
suntsiketa, ametsa eta errealitatea, bat
datoz egur berrerabilien mihizta­ tze
zakar horretan. Funtsean, zuhaitz bi-
zigabe eta desmuntatu baten gainean
zegoen jostailuzko txabola bat zen.
Zuhaitz bizirik ez egoteak 80 eta
90eko hamarkadetako film estatuba-
tuar ezagunek inokulatutako haur­
tzaro estereotipatuaren irrikarekin
lotzen da. Horietan, protagonistak
sarritan jaisten ziren bere zuhaitze-
tako txabolatik, ibiltzeko edo pedalei
eragiteko natura erakargarri bezain
etsai baterantz –batzuetan naturaz
gaindikoa erakargarria bezain etsai.
Nire egungo irakurketak erakargarri-
tasun hori nerabezaroaren, giza natu-
raren eta sexualitateari eta heriotzari
buruzko misterioen aurkikuntzarekin
identifikatzen du.
Helí Garcíak Granadan habiarazi
zuen bere heziketa artistikoa, Poznan-
go (Polonia) Sztuk Pieknych Akade-
mian Lizentziatura amaituz. Orduda-
nik buru-belarri dihardu sorkuntzan.
Bere lana, kultur erakunde ugarik
bermatua, Europako hainbat herri­
aldetan egon da ikusgai, baita Japo-
nian, Taiwanen edo Estatu Batuetan
ere. Hasieratik, bere lana pinturaz ha-
ratago joan da, materialarekin zuze-
neko eta berehalako harremanari uko
egin gabe. Xehetasun ironikoz beteri-
ko diskurtsoan, boterea, harrokeria,
denboraren joana edo bakuntasun
bezalako kontzeptuen aipamenak
gertatzen dira.
En mi trabajo abordo la creación
como acto parcialmente destructivo
y el artificio como opuesto y sustitu-
to de lo natural. La transformación
del árbol o de la tierra adquiere gran
importancia simbólica. Cuestiono mi
propio arte, así como el papel del in-
dividuo-creador en su sociedad y en
la naturaleza.
Pretérito imperfecto gira en torno al
recuerdo de una pequeña cabaña
que mi hermano, mi primo y yo cons-
truimos de niños. En lugar de des-
cansar sobre las ramas de un árbol,
cuatro troncos, como las columnas de
un hórreo, la elevaban apenas medio
metro del suelo. Construcción y des-
trucción, sueño y realidad, convergen
en ese tosco ensamblaje de maderas
reutilizadas. Era, en esencia, una cha-
bola de juguete sobre un árbol inerte
y desmontado.
La ausencia del árbol vivo conecta
con el anhelo de una infancia este-
reotipada inoculada por conocidas
películas estadounidenses de los
años 80 y 90. En ellas, a menudo los
protagonistas bajaban de su cabaña
en el árbol para caminar o pedalear
hacia una naturaleza –a veces sobre-
natural- tan seductora como hostil. Mi
lectura actual identifica esa atracción
con el descubrimiento, en el marco
de la adolescencia, de la naturaleza
humana y de los misterios relativos a
la sexualidad y a la muerte.
Helí García comenzó su formación
artística en Granada, concluyendo la
Licenciatura en la Akademia Sztuk Pie-
knych de Poznan (Polonia). Se dedica
de lleno a la creación desde entonces.
Su obra, avalada por numerosas ins-
tituciones culturales, se ha expuesto
en varios países europeos, así como
en Japón, Taiwán o Estados Unidos.
Desde un principio, su práctica ha
trascendido la pintura, sin renunciar
al trato directo e inmediato con el ma-
terial. En un discurso lleno de matices
irónicos, se suceden las alusiones a
conceptos como el poder, la vanidad,
el paso del tiempo o la inocencia.
Helí García
Granada, 1983
www.heligarcia.es
My work address creation as a parti­
ally destructive act and the artifice as
opposite and substitute of the natu-
ral. The transformation of the tree or
of the land acquires a huge symbolic
importance. I question my own art,
along with the role of the individu-
al-creator in its society and in nature.
Pretérito imperfecto revolves around
the memory of a small hut that my
brother, my cousin and I built when
we were children. Instead of the hut
being in the branches of a tree, four
trunks, like the columns of a raised
granary, barely lifted it half a metre
from the floor. Construction and des­
truction, dream and reality, converge
in this crude assembly of reused
woods. It was, in essence, a play shack
on an inert and dismantled tree.
The lack of a live tree connects it with
the longing for a stereotyped child-
hood depicted in those US films of the
1980s and 1990s. The main characters
would often come down from their
treehouse to walk or cycle towards na-
ture –sometimes otherworldly– that
was as seductive as hostile. My cur-
rent reading identifies that attraction
with the discovery, as an adolescent,
of human nature and the mysteries
relating to sexuality and death.
Helí García began to study art in Gra-
nada and completed his degree at the
Akademia Sztuk Pieknych in Poznan
(Poland). He has worked fulltime as
an artist since then. This work, en-
dorsed by many cultural institutions,
has been exhibited in several Europe-
an countries, as well as in Japan, Tai-
wan or the United States. Right from
the start, his art has transcen­ ded
painting, without relinquishing the
immediate and direct treatment with
the material. In a discourse filled with
ironic nuances, there are allusions to
concepts such as power, vanity, the
passing of time and innocence.
53

No soy blanca proiektua, Bartzelo-
nako Unibertsitateko soinu-artea-
ren arloko Master Amaierako Lana
(TFM) ere bihurtu zena, 2021eko
ekainean defendatu nuena, Alegia
Performatibo bat da, eta jardue-
ra artistiko bat bilatzen du, ekintza
ekosofiko erradikal edo e.copunk
gisa. Lanaren zati bat, oraindik erai-
kitzen ari dena, «Yo no soy blanca»
izeneko konposizio akusmatikoa da,
Juruna indiarren sehaskako abes-
tien eta haien soinu-ekosistemaren
ikerketan oinarritua. Konposizioa,
Belo Monteko presa hidroelektrikoa
sun­tsitzen saiatzen den soinuzko
ipuin bat da, bere inplementaziotik,
Xingu ibaiaren emaria aldatu duena,
desager­tzearekin mehatxatzen due-
na Paráko, Brasileko Volta Biribilaren
inguruko ekosistema osoa, non Juru-
na eta Kaiapuak eta ehunka familia
bizi diren. Deleuzeren Alegiaren kon­
tzeptura jo nuen, bere ustez erreali-
tate desiragarri baten irudimena den
adierazpen gisa. Gorputzaren eta
soinuaren bidez, lurralde existentzial
autonomo bat osatzeko modu bat,
emakume indigenen ahotsekin, ba-
soko aho­ tsekin, beren animaliekin,
pertsona-anima­ liekin eta pertsone-
kin, eta nire ahotsarekin. Performan-
ce posibleak konposatzeko kasko so-
natzaile bat eraiki nuen, tecnococar
deitzen dudana eta Juruna txirula
bat, awã pãr˜e-a, 3Dtan bioplastikoz
inprimatua.
Malu Hatoum arte diziplinarreko ar-
tista bat da, gorputzaren ikerketan
interesa duena, eta ahotsa, batez ere,
entzute sakoneko gailu gisa. Soinu
Arteko Masterra Bartzelonako Uni-
bertsitatean (2019-2021). Erakusketa
nagusien artean honako hauek dau-
de: emakumeen eta Espazio Santuen
Soinu Instalazioaren Erakusketa, San-
ta Augusti Gizarte Etxea, 2019; John
Cageren Performance Four6, Hangar
Kultur Etxea, Bartzelona, 2019; Sono-
ra M.e.t.a.m.o.r.f.o.s.i instalazioaren
erakusketa – Sonidos de un mundo
en transformación, Sant Josep Kultur
Zentroa, Bartzelona, 2019.
No soy blanca el proyecto que tam-
bién se vuelve mi Trabajo final de
Máster (TFM) en Arte sonoro de la
universidad de Barcelona, que defen-
dí en junio de 2021, es una Fabulación
Performativa y trata de la búsqueda
de una práctica artística como acción
ecosófica radical o e.copunk. Parte de
la obra, todavía en construcción, es
una composición acusmática titulada
«Yo no soy blanca» basada en la in-
vestigación de las canciones de cuna
de los indios Juruna y su ecosistema
sonoro. La composición es un cuento
sonoro que intenta destruir la presa
hidroeléctrica de Belo Monte, que
desde su implementación ha alterado
el caudal del río Xingu, lo que amena-
za con la extinción de todo el ecosis-
tema alrededor de la Volta Redonda
en Pará, Brasil - donde los Juruna y
Kaiapos y cientos de familias viven.
Recurrí al concepto de Fabulación de
Deleuze como expresión que, según
él, es la imaginación de una realidad
deseable. Una forma de componer, a
través del cuerpo y el sonido, un te-
rritorio existencial autónomo, con las
voces de las mujeres indígenas, las
voces de la floresta con sus anima-
les, personas-animales y personas, y
mi voz. Para componer las posibles
performances construí un casco so-
nador, lo cual llamo tecnococar y una
flauta Juruna, la awã pãr˜e, ambos im-
presos en 3D con bioplástico.
Malu Hatoum es una artista interdis-
ciplinar interesada en la investigación
del cuerpo y sobre todo la voz como
dispositivos de escucha profunda.
Máster en Arte Sonoro en la Universi-
dad de Barcelona (2019-2021). Entre
sus principales exposiciones se en-
cuentran: Exhibición de la Instalación
Sonora Mujeres y Espacios Sagrados,
Centro Cívico Santa Augusti, 2019;
Performance Four6 de John Cage,
Centro Cultural Hangar, Barcelona,
2019; Exhibición de la Instalación So-
nora M.e.t.a.m.o.r.f.o.s.i – Sonidos de
un mundo en transformación, Centro
Cultural Sant Josep, Barcelona, 2019.
Malu Hatoum
Brasil, 1976
Facebook: MaluHatoum
No soy blanca (I am not white). The
project that also was part of my Mas-
ter’s Dissertation (TFM) in Sound Art
at Barcelona University, which I de-
fended in June 2021, is a performance
fable that seeks to search for an ar-
tistic practice as a radical ecosophy
action or e.copunk. Part of the world,
still in construction, is an acousmatic
composition entitled "Yo no soy blan-
ca" based on researching the lullabies
of the Juruna indigenous people and
their sound ecosystem. The compo-
sition is a tale in sound that tries to
destroy the Belo Monte hydroelectric
dam, that since it came into service
has altered the flow of the River Xin-
gu, which threatens the whole eco-
system around the Volta Redonda in
Pará (Brazil) with extinction – where
the Juruna and Kaiapos and hundreds
of families live. I resorted to Deleuze’
fable concept as an expression that,
according to him, is the imagination
of a desired reality. One way to com-
pose, using body and sound, an au-
tonomous existential territory, with
the voices of the indigenous women,
the voices of the forest with its ani-
mals, people-animals and people, and
my voice. I built a sound helmet which
I call tecnococar and a Juruna flaute,
the awã pãr˜e, both 3D printed using
bioplastic, to compose the possible
performances.
Malu Hatoum is an interdiscipli-
nary artist interested in researching
the body and particularly the voice
as deep-listening devices. Master’s
Degree in Sound Art at Barcelona
University (2019-2021). Her main ex-
hibitions include: Exhibition of the
Sonora Mujeres y Espacios Sagra-
dos installation, Santa Augusti Civic
Centre, 2019; Performance Four6 of
John Cage, Hangar Cultural Centre,
Barcelona, 2019; Exhi­bition of the
M.e.t.a.m.o.r.f.o.s.i – Sonidos de un
mundo en transformación sound in-
stallation, Sant Josep Cultural Centre,
Barcelona, 2019.
57

MARRÓN TINIEBLA lehen planoko
beltza da.
Figura bat euskarri ezberdinetan
kokatzen da, forma aldatuz, bere
jatorria ahazten duen arte. Bere ga-
rraiobidea azetato bat da.
Collage bat kalkatzen dudanean,
bere erliebe materiala azalera bakar
batera murrizten dut. Azetato baten
gainean, haren itxura –larruazala–
beste euskarri eta material batera
eraldatzen dut. Formak errepikatu
egiten dira eta haien jatorritik aldent-
zen dira; ez da gertaera multzo baten
ondorioz, euskarri batean inskribatu-
tako arrasto batzuen ondorioz sor­
tzen den marrazki bat. Erreprodukzio
bat da, imitazio bat, bere oroimenetik
at dagoen arrasto baten itxura.
Pixkanaka, euskarria desagertu egin
da, lodierarik eta sakontasunik gabe-
ko gorputz batera hurbilduz. ­ Orain
linterna bat daukat, piztean begi
baten irudia proiektatzen duena.
Marraztutako fotolito bat sartu dut,
argiaren hormarantzko bidea ete-
ten duena. Irudia begiaren, argiaren
ibilbidea oztopatzen.
Leire Lacunza Miranda. Bilbon Ar-
tean graduatu ondoren, egoitza bat
egin zuen Pekingo Shangyuan Art
Museumen. 2018ko udan Tabakale-
rako Artistentzako tailerrean parte
hartu zuen eta orain UPV/EHUko
Pintura Masterra amaitzen ari da.
Parte hartu duen azken erakuske-
tak honako hauek dira: Paladín Ere-
muak-ren Harriak programaren ba-
rruan, Zure begiak bestearenak dira /
Tu reflejo es el mismo Bizkaiko Batzar
Nagusietan eta Balmasedako Horca-
sitas Jauregian horma margoa.
Leire Lacunza Miranda
MARRÓN TINIEBLA es el negro de un
primerísimo plano.
Una figura avanza situándose en dis-
tintos soportes, cambiando de forma
hasta que olvida su origen. Su medio
de transporte es un acetato.
Cuando calco un collage, reduzco su
relieve material a una sola superficie.
Sobre un acetato transporto su apa-
riencia –la piel– a un soporte y mate-
rial otro. Las formas se repiten y se
desvinculan de su origen; no es un
dibujo que se genera por un cúmu-
lo de acontecimientos, por una serie
de rastros inscritos en un soporte. Es
una reproducción, una imitación, la
apariencia de un rastro desvinculado
de su memoria.
Poco a poco se ha ido desvaneciendo
el soporte, acercándose a un cuerpo
sin espesor ni profundidad. Ahora
tengo una linterna que al encender-
la proyecta la imagen de un ojo. He
metido un fotolito dibujado que in-
terrumpe el curso de la luz hacia la
pared. La imagen interfiriendo en el
recorrido del ojo, de la luz.
Leire Lacunza Miranda. Después de
graduarse en Arte en Bilbao, realizó
una residencia en el Shangyuan Art
Museum de Pekín. En el verano de
2018 participó en el Taller para Artis-
tas de Tabakalera y ahora está termi-
nando el Master de Pintura en la UPV/
EHU. Las exposiciones más recientes
en las que ha participado son: Paladín
en el programa de Harriak de Ere-
muak, Zure begiak bestearenak dira /
Tu reflejo es el mismo en las JJGG de
Bizkaia y Pintura Mural en el Palacio
de Horcasitas en Balmaseda.
Donostia, 1996
MARRÓN TINIEBLA is the black of the
foreground.
A figure advances through different
media, changing form until its origin
is forgotten. Its means of transport is
acetate.
When I calculate a collage, I reduce
its material relief to a single surface.
I transport its appearance –the skin–
on acetate to another medium and
material. The forms repeat and are
disengaged from their origin; it is
not a drawing that is generated by an
accu­ mulation of events, by a series
of traits recorded in a medium. It is
a reproduction, an imitation, the ap-
pearance of a trait disengaged from
its memory.
The medium has gradually faded,
getting closer to a body without thick-
ness or depth. I now have a torch that
projects the image of an eye when it
is lit. I have placed a thin film with a
drawing on it that interrupts the light
to the wall. The image interfering with
the route of the eye, of light.
Leire Lacunza Miranda. After gradu-
ating in Art from Bilbao, she complet-
ed a residency at the Shangyuan Art
Museum in Beijing. In summer 2018,
she took part in the Tabakalera Artist
Workshop and is currently completed
the Master’s Degree in Painting at
the UPV/EHU. The most recent exhi-
bitions in which she has participated
are: Paladín in the Eremuak Harriak
Programme, Zure begiak bestearenak
dira / Tu reflejo es el mismo at the Biz-
kaia General Assemblies and Mural
Painting at the Palacio de Horcasitas
in Balmaseda.
61

Materialtasunaren bidez irudiak es-
pazioan duen pisuan lan egitean oi-
narritzen da bere praktika. Paperen
gainean inprimatutako irudi ugari di-
tuzten hainbat materialekin egindako
eskuzko prozesuarekin, irudiaren hur-
bilketa materialen bidez erantzuten
saiatzen da.
Hondarra abiapuntutzat hartuta, lana
materiaren ildoaren irudia markatze-
ra edo zeinu bihurtzera bideratzen
da, ia eskarigrafiaren zentzuan, mate-
riaren ildaskatik. Paper inprimatuaren
manipulazioa trazatu den egiaztape-
na bezala, irudiaren materialtasuna
azaltzeko.
Resto-Rastroren proiektuak irudiak
manipulatzea du helburu, une zirrara-
garri bat eta, agian, obraren amaiera
posible bat bilatzen duten keinu mu-
rritzen bidez. Enigma eta ebidentzia
artean jartzen den harridura-sentsa-
zioarekin lotutako une dardarkaria.
Ibon Landa Amutxategi. Arte Gra-
dua amaitu zuenetik hainbat tailerre-
tan parte hartu du. 2017an, Tabakale-
rako Artistentzako Tailerrean, Itziar
Okarizekin eta Jon Mikel Eubarekin;
2018an, Damaris Panekin, Rekalde
Are­toan; 2019an, EHUko Pintura Mas-
terrean; eta 2020an, Tabakalerako
Prak­tika Artistikoen Institutuan.
Bere azken erakusketen artean, Zure
begiak bestearenak dira (Bizkaiko Bat-
zar Nagusiak, 2020), JAI. Zerbait ger-
tatzeko derrigorrezko desbideratzea
(Artium Museoa, 2020), Paladin (Ha-
rriak programa, 2020) eta Ertibil '20
(Rekalde aretoa, 2020)
Ibon Landa Amutxategi
Su práctica se basa en trabajar en el
peso de la imagen en el espacio a
través de la materialidad. Mediante
procesos manuales con diversos ma-
teriales en los que abundan imágenes
impresas sobre papeles, intenta res-
ponder desde un acercamiento mate-
rial de la imagen.
Asumiendo lo residual como punto de
partida, el trabajo se enfoca a marcar
o signar la imagen, casi en el sentido
de la escarigrafía, del surco en la mate-
ria. La manipulación del papel impreso
como una verificación de que la ima-
gen ha sido trazada para desvelar su
materialidad. Colocando así, entre la
huella como gesto y la imagen como
forma deseada.
El proyecto de Resto-Rastro busca ma-
nipular imágenes mediante gestos
parcos que persiguen un momento
vibrante y quizás un posible final de
la obra. Un momento vibrante relacio-
nado con una sensación de extrañeza
que se coloca entre enigma y evidencia.
Ibon Landa Amutxategi. Desde que
terminó el Grado en Arte ha participa-
do en diversos talleres. En 2017 en el
Taller para Artistas de Tabakalera, con
Itziar Okariz y Jon Mikel Euba, en 2018
con Damaris Pan en Sala Rekalde, en
2019 en el Máster de Pintura de la
UPV y en 2020 en el Instituto de Prác-
ticas Artísticas de Tabakalera.
Entre sus exposiciones recientes de
encuentran Zure begiak bestearenak
dira (Juntas Generales Bizkaia, 2020),
JAI. Zerbait gertatzeko derrigorrezko
desbideratzea (Museo Artium, 2020),
Paladin (Programa Harriak, 2020) y
Ertibil’20 (Sala Rekalde, 2020)
Gasteiz, 1994
Ibon’s art is based on working on
the weight of the image in space by
means of materiality. He seeks to re-
spond from a material approach to
the image by means of manual pro-
cesses with different materials where
there are many images printed on
paper.
By assuming the residual as the start-
ing point, the work focuses on brand-
ing or signing the image, almost as
if scarifying, using the furrow on the
material. Handling the printed paper
as a verification that the image has
been laid out to reveal its materiality.
Thus, placing it between the footprint
as a gesture and the image as the de-
sired form.
The Resto-Rastro project seeks to han-
dle images using sparing gestures
pursuing a vibrant moment and per-
haps a possible end of the work. A
vibrant moment related to a sense of
strangeness that falls between enig-
ma and evidence.
Ibon Landa Amutxategi. Since Ibon
graduated in Art, he has taken part in
different workshops. In 2017, in the
Workshop for Tabakalera Artists, with
Itziar Okariz and Jon Mikel Euba, in
2018 with Damaris Pan at Sala Rekal­
de, in 2019 on the Master’s Degree
of Painting at the UPV and in 2020,
at the Tabakalera Artistic Practices
Institute.
His recent exhibitions include Zure
begiak bestearenak dira (Juntas Ge­
nerales Bizkaia, 2020), JAI. Zerbait ger-
tatzeko derrigorrezko desbideratzea
(Museo Artium, 2020), Paladin (Pro-
grama Harriak, 2020) and Ertibil’20
(Sala Rekalde, 2020)
65

Espazio arkitektoniko bat zerotik ha-
siko balitz:
Zergatik jarraitu hiri komun baten
hiri-eskema berarekin? Zergatik erre-
pikatu beste batzuen ondoan hazten
diren eraikinen ideia? Zergatik ez
pentsatu beste bolumetria bat hiri
berri baterako? Zergatik ez pentsatu
parametro iraultzaileagoak dituen hiri
bat? Zergatik ez egin beste inon aurki
daitekeen hiri bat?
Zergatik ez sortu hiri bat eskulturatik?
Zergatik ez sortu eskultura bizigarri
eta ibilerraz bat?
Hemen sortzen da proiektu artisti-
ko hau, LAS OTRAS ZORROTZAURRE
proposamen alternatibo batzuk be-
zala, erantzunak planteatzeko asmo-
rik gabe, baizik eta eraikuntzarako
aukerak sortaraztea ezarritako es-
kema logiko batetik haratago; ez da
irtenbideak sortzen dituen proiektu
bat, baizik eta daudenak agerian uz-
ten dituena.
LAS OTRAS ZORROTZAURRE-ren ar-
datz nagusia hiru dimentsioko propo-
samenak (eskulturak) sortzea da, hiri
utopikoak eraiki ahal izateko, Zorro­
tzaurre posibleak adierazteko mo-
duari buruzko ikerketa-bitakora gisa.
Miguel Ángel Madrigalek gure egu-
nerokotasunean ezagutu ditzakegun
forma eta objektuekin lan egiten du,
baina beste batzuekin modu arbitra-
rioan erlazionatzeko unean, horiei
buruz dugun pertzepzioa errotik al-
datuz etsi egiten dute. Espazioa eta
han sortzen diren harremanak iker­
tzen ditu bestearekin topo eginez.
Mexiko, Espainia, EU, Alemania, Ko-
lonbia, Kanada, Guatemala, Hondu-
ras, El Salvador, Nikaragua, Hong
Kong, Japonia, Frantzia, Australia,
Zeelanda Berria, Indonesia, Txina eta
Erresuma Batuko hainbat espaziotan
egin ditu erakusketak, besteak beste.
Miguel Ángel Madrigal
Si un espacio arquitectónico empe-
zara desde cero:
¿Por qué seguir con el mismo esque-
ma urbano de una ciudad común?
¿Por qué repetir la idea de edificios
que crecen al lado de otros? ¿Por qué
no pensar una nueva volumetría para
una nueva ciudad? ¿Por qué no pen-
sar una ciudad con nuevos paráme-
tros más revolucionarios? ¿Por qué
no hacer una ciudad que en ningún
otro lugar se pueda encontrar?
¿Por qué no crear una ciudad desde
la escultura? ¿Por qué no crear una
escultura habitable y transitable?
Aquí se gesta este proyecto artísti-
co, como una serie de propuestas
alternativas de cómo construir LAS
OTRAS ZORROTZAURRE, sin inten-
ción de plantear respuestas, sino más
bien desencadenar posibilidades de
construcción mas allá de un esque-
ma establecido y lógico; tampoco es
un proyecto que crea soluciones sino
que evidencia las que hay.
LAS OTRAS ZORROTZAURRE tiene
como eje principal la creación de pro-
puestas tridimensionales (esculturas)
que posibiliten la construcción de ciu-
dades utópicas, como una bitácora
de investigación sobre cómo mani-
festar las otras posibles Zorrotzaurre.
Miguel Ángel Madrigal, trabaja con
formas y objetos que podemos reco-
nocer en nuestra cotidianidad, pero al
momento de relacionarlos con otros
arbitrariamente, se resignifican cam-
biando radicalmente nuestra percep-
ción sobre ellos. Investiga sobre el es-
pacio y las relaciones que se crean en
éste mediante el encuentro con el otro.
Ha expuesto en varios espacios de Mé-
xico, España, EU, Alemania, Colombia,
Canadá, Guatemala, Honduras, El Sal-
vador, Nicaragua, Hong Kong, Japón,
Francia, Australia, Nueva Zelanda, In-
donesia, China y Reino unido por men-
cionar algunos.
Mexiko Hiria, 1974
Instagram: @miguelangelmadrigalp
If an architectural space began from
zero:
Why continue with the same urban
outline of a typical city? Why repeat
the idea of buildings that grow along-
side others? Why not think of new vol-
umetrics for a new city? Why not think
of a city with new more revolutionary
parameters? Why not produce a city
that cannot be found anywhere else?
Why not create a city from sculpture?
Why not create a passable and livea-
ble sculpture?
The seeds of this artist project lie
there, as a series of alternative pro-
posals of how to build LAS OTRAS
ZORROTZAURRE, (Zorrotzaurre is one
of the current urban regeneration pro-
jects in Bilbao) with the focus not on
finding answers, but rather to trigger
construction possibilities beyond an
established and logical layout; neither
is it a project that creates solution, but
rather highlights those that exist.
The centrepiece of LAS OTRAS ZOR-
ROTZAURRE is to create three-di-
mensional proposals (sculptures) that
enable the construction of utopian
cities, as a research log on how the
other possible Zorrotzaurres could
emerge.
Miguel Ángel Madrigal works with
forms and objects that are recognisa-
ble from our day-to-day life, yet when
they are related with others arbitrar-
ily, they take on a new meaning and
radically change our perception with
them. He investigates spaces and the
relations created there by means of
the meeting with the other.
His work has been exhibited in differ-
ent spaces of Mexico, Spain, EU, Ger-
many, Colombia, Canada, Guatemala,
Honduras, El Salvador, Nicaragua,
Hong Kong, Japan, France, Australia,
New Zealand, Indonesia, China and
the United Kingdom, to name a few.
69

21/10/04
Helena: –Ez dut uste zuk berak inoiz
egin ez zuen filma egin nahi zenuenik,
baizik eta galdera horiek eta filmatu
ezin zuela konturatzera eraman zuen
leku hori partekatu nahi zenuenik,
dantza purua ezin nuela kanpotik aur-
kitu eta are gutxiago filmatu. Horrek
liburua idaztera eraman zuen film bat
egin beharrean. Nik uste dut hor dela
non zuk puntu komunen bat aurkitu
duzun, eta nigan pentsatzera eraman
zaituela ere; guk elkarrekin lanean ari-
tu garenean izan dugun esperientzian,
zu kameratik eta ni gorputzetik. Asko-
tan biok izan dugun sentsazio hori,
dantza puru bat ezin dela filmatu. Eta
horrek beti eraman gaitu proiektua
beste zerbait bihurtzera, are gehiago
bion arteko elkarrizketa... Dantza huts
hori atzemateko asmoa kanpoko begi
gisa bizi izan duzu zuk –nahiz eta ez
nabilen esaten nik dantza huts hori
egiten dudanik (barre egiten du)–,
baina dantza atzemateko bilaketa ba-
teratu horrek eraman gaitu askotan
ezin dela ikustera. Beste gauza bat da.
Agian Maya Deren ere konturatu zen
eta galdetu zion bere buruari: «Zer
egiten dut nik hemen azkenean irudi
bat besterik ez den eta gorputzak bizi
duenarekin zerikusirik ez duen zerbait
grabatzen?». Beste zerbait kontatzeko
beldur hori. Nik uste dut esperientzia
horrek erakarri zaituela dela, «hau
ezin dut grabatu».
Julia Martosek Birkbeck-eko Uni-
bertsitatean (Londres) amaitu zuen
bere prestakuntza Programazioan
eta Zinema Komisariotzan 2021ean,
Botín de Comisariado y Gestión de
Museos Fundazioaren bekari esker.
Bere lana Estatu Batuetako, Euro-
pako eta Latinoamerikako jaialdietan
erakutsi da, testuinguru nazionale-
tan ez ezik (LOOP FESTIVAL) Bartzelo-
na (2020), Bendita Tú Jaialdia (2020),
Antic Teatre-en, Bartzelona (2018),
Festival Mes de Danza de Sevilla-n
(2017); C3An, Kordoba (2017), CACn,
Malaga, edo CCCBn (Bartzelona).
04/10/21
Helena: –No creo que tú quisieras ha-
cer la película que ella nunca hizo, sino
compartir esas preguntas y ese lugar
que le había llevado a darse cuenta de
que no podía filmar, de que no podía
encontrar y mucho menos filmar des-
de afuera esa danza pura. Eso que le
llevó a escribir el libro en vez de hacer
una película. Yo creo que es ahí donde
tú has encontrado algún punto en co-
mún, y lo que te ha llevado a pensar
en mí también, en la experiencia que
hemos tenido nosotras cuando hemos
estado trabajando juntas, tú desde la
cámara y yo desde el cuerpo. Esa sen-
sación que muchas veces hemos teni-
do las dos de que no se puede filmar
una danza pura. Y eso siempre nos ha
llevado a que el proyecto se transfor-
mara en otra cosa, más en un diálogo
entre las dos… La intención de captar
esa danza pura tú la has vivido como
ojo externo –aunque no te estoy di-
ciendo que yo haga esa danza pura
ni mucho menos (se ríe)–, pero es esa
búsqueda conjunta de captar la danza
la que nos ha llevado muchas veces a
ver que no se puede. Que es otra cosa.
Quizás Maya Deren también se dio
cuenta y se preguntó «¿qué hago yo
aquí grabando algo que al final sólo
es una imagen y no tiene nada que
ver con lo que vive el cuerpo?». Ese
miedo a contar otra cosa. Yo creo que
lo que te ha atraído es precisamente
esa experiencia de «esto no lo puedo
grabar».
Julia Martos finaliza su formación
en Programación y Comisariado de
Cine en la Universidad de Birkbeck
(Londres) en 2021, gracias a la beca
de la Fundación Botín de Comisaria-
do y Gestión de Museos. Su obra se
ha expuesto en festivales de EEUU,
Europa y Latinoamérica, además de
en contextos nacionales como en el
LOOP FESTIVAL Barcelona (2020), el
Festival Bendita Tú (2020), en el Antic
Teatre Barcelona (2018), en el Festi-
val Mes de Danza de Sevilla (2017), el
C3A Córdoba (2017), el CAC Málaga, o
CCCB en Barcelona.
Julia Martos
Kordoba, 1989
04/10/21
Helena: –I don’t think that you’d want
to make the film that she never made,
without sharing these questions and
that place that made her realise that
she could not film, could not find and
much less film that pure dance looking
in. That led her to write the book ins-
tead of making a film. I believe that is
where you have found something in
common, and which made you think
of me as well, in the experience that we
shared when we have worked together,
you behind the camera and I from the
body. That feeling that both of us ha-
ving often had that pure dance cannot
be filmed. And that has always meant
that the project would be transformed
into something else, more than a dia-
logue between both of us… You have
experienced that intent to capture that
pure dance as an external eye –althou-
gh I am not even claiming to create
pure dance (laughs)–, but it is that joint
search to capture dance that has often
allowed us to grasp that it cannot be
done. Which is something else. Maya
Deren may have also realised that and
wondered "what am I doing here recor-
ding something that when all said and
done is only an image and has nothing
to do with what the body experiences?".
That fear to tell a different thing. I belie-
ve that what has attracted you is preci-
sely that experience of "I can’t film this".
Julia Martos Completed her training
in Film Programming and Curating at
Birbeck University (London) in 2021,
thanks to a Museum Management
and Exhibition Curation Grant from
the Botín Foundation. Her work has
been exhibited at festivals in the USA,
Europe and Latin America, as well as
within Spain at the LOOP FESTIVAL
Barcelona (2020), the Festival Bendita
Tú (2020), the Antic Teatre Barcelona
(2018), at the Festival Mes de Danza
de Sevilla (2017), the C3A Córdoba
(2017), the CAC Málaga, or CCCB in
Barcelona.
73

Nire antsietateak gainditzeko ahalegi-
nean, hainbat hiritako kale eta espa-
ziotan zehar ibiltzen naiz, arraildurak
eta pitzadurak bilatuz, non arrotza
dena, gure pertzepzio estandarretik
haratago dagoena, gure errealitatean
iragazten den.
Guri ez dagokigunarekin eta kanpoko
mundua bizi denarekin jardutea inte-
resatzen zait, eta, horrela, ezkutukoa
azaltzeko, beloa korritzea, gure bel-
durrak sortzen dituena edo lasaita-
suna sortzen diguna argitzeko. Bes-
teak gugan duen eragina ezagutzean,
berria denaren aurrean gaudela kon-
tura gaitezke eta gure errealitatea de-
finitzen duten kontzeptuak gero eta
zaharkituagoak bihurtzen direla. Ma-
gikoa dena errealaren kontrako zer-
bait bezala ikusten dugu, baina magia
errealaren maila berean jar daiteke.
Espazioa igarotzea, aldi berean
buru-hausgarriaren mende egotea
eta hura birdefinitzeko dugun gai-
tasuna eskatzea da. Labirintoan bi-
zitzea hauta dezakegu, aldi berean
labirintotik ihes egiteko modua izan
daitekeena.
Santiago Ortiz Przychodzka Anbere-
sen bizi da, Belgikan. Ikusmen Arte-
tan lizentziadun da Bogotako Javerian
Unibertsitatean, eta Argazkigintzako
master batean graduatu Anberesko
Royal Academy of Fine Arts-en. Hain-
bat erakusketa kolektibotan parte
hartu du, besteak beste, Billboard
Project (MHKA, Museum of Contem-
porary Art Antwerp), FOMU (Fotomu-
seum Antwerpen), Espacio Odeon
(Bogota, Kolonbia).
Santiago Ortiz Przychodzka
En un esfuerzo por vencer mis ansie-
dades, recorro calles y espacios de di-
versas ciudades buscando las grietas
y fisuras por donde lo extraño, lo que
está más allá de nuestra percepción
estándar, se filtra en nuestra realidad.
Me interesa conversar con aquello
que no nos pertenece y que habita el
mundo exterior, y de esta forma co-
rrer el velo para desvelar lo oculto, lo
que produce nuestros miedos o nos
genera tranquilidad. Al reconocer el
efecto de lo otro sobre nosotros, po-
dremos darnos cuenta de que esta-
mos en frente de lo nuevo y que los
conceptos que definen nuestra reali-
dad se vuelven cada vez más obsole-
tos. Percibimos lo mágico como algo
opuesto a lo real, pero la magia pue-
de situarse al mismo nivel que lo real.
Transitar el espacio es simultánea-
mente estar sometido al rompecabe-
zas y reclamar nuestra capacidad de
redefinirlo. Podemos elegir habitar
el laberinto, que puede ser al mismo
tiempo la forma de escapar de él.
Santiago Ortiz Przychodzka vive y
trabaja en Amberes, Bélgica. Es li-
cenciado en Artes Visuales por la
Universidad Javeriana de Bogotá, y
graduado de un Máster en Fotografía
por la Royal Academy of Fine Arts de
Amberes. Ha participado en exposi-
ciones colectivas en Billboard Project
(MHKA, Museum of Contemporary
Art Antwerp), FOMU (Fotomuseum
Antwerpen), Espacio Odeon (Bogotá,
Colombia).
Bogotá, 1991
www.santiagoortizp.com
In an attempt to overcome my anx-
ieties, I walk along the streets and
through the spaces of different cit-
ies looking for the cracks and crev-
ices where the other and otherness,
which goes beyond our standard per-
ception, filters into our reality.
I am interested in conversing with
what does not belong to us and lives
in the outside world, and thus un-
masks the veil to reveal the hidden,
what causes our fears or creates
peace of mind. By recognising the ef-
fect of the other on us, we can realise
that we are facing the new and that
the concepts that define our reality is
becoming increasingly more obsolete.
We perceive the magical as something
opposite to the real, but magic can be
at the same level as the real.
Transiting space is simultaneously
undertaking a jigsaw and seeking our
ability to redefine it. We can choose
to live in the maze, but it can also the
way to escape from it.
Santiago Ortiz Przychodzka lives
and works in Ampers, Belgium. He
graduated in Visual Arts from the
Javeriana University of Bogota and
graduated with a Master’s Degree in
Photography from the Royal Acade-
my of Fine Arts in Antwerp. His work
has been exhibited in group shows at
“Billboard Project” (MHKA, Museum of
Contemporary Art Antwerp), FOMU
(Fotomuseum Antwerpen), Espacio
Odeon (Bogota, Colombia).
77

Kopuruz eta abiaduraz goren aldian
gaude, baina hegazkin distiratsu
honek bere atzean estela moduko
gabezia bat dauka: azeleratuz sentsa-
zioa galtzen dugu. Nire lana denboraz,
hizkuntzaz eta kontraesanez zikintzen
da, eta bi errealitate oso ezberdinen
artean tenkatuta ikustean irudikatzen
dugun paradoxaz kutsatzen da: gure
bizitzaren birtualizazio bizkorra eta
gorputz fisikoak, sentikorrak izaten
jarraitzea, denbora emozionalak eta
ikasteko denbora motelagoak behar
dituztenak.
BilbaoArten bizi naizen denbora hone-
tan, esperientzia kameratik eta hitze-
tik lantzen aritu naiz. Bitarteko analo-
gikoaren bidez, defendatzen ditudan
garai lasaietatik irudiarekin hitz egiten
dut. Harreraren esperientzia garran­
tzitsua da sortzen ditudan instalazioe-
tan. Espero dut artetik bizitza uler­
tzeko eta mugak gurutzatzeko modu
berriak emanaraz ditzakegula, baina
mentalaren eta gorputzaren artean
eraiki ditugun hormak eraitsi behar
ditugula. Nola egin orain, munduaren
bertsio arrazionalak esperientzia or-
dezkatzen duela dirudienean?
Transición a turbulencia egoera-al-
daketa da; hodei eta baso denboran
sakontzeko printzipioa, idatzitakoak,
filmatutakoak eta bizitakoak elkar
jotzen duten bilaketa. Esperientzia
ekarri eta sortzen duten hitzekin jo-
lasten naiz, eta denbora harrapatzeko
ezintasunarekin, bertan igeri egiteko
beharrarekin. Erdi ur bagara, gure
jakituriaz ahaztutako lekuren batean
elikatzeko, hazteko, olatuetan apur­
tzeko, bideko harkaitzera moldatzeko,
sufritu gabe erortzeko gaitasuna izan
behar dugu.
Sara Padilla Mallorcan jaio zen eta
Arte Ederrak ikasi zituen Cuencan;
ondoren, Bilbora joan zen Arte Garai-
kide Teknologiko eta Performatiboko
Masterra egiteko Leioan. Uhartera
itzultzean, ikus-entzunezkoetan eta
­ regresar a la isla continuó formán-
dinamizatzaile soziokultural gisa tre-
batzen jarraitu zuen. Gaur egun egoi­
tza hau BilbaoArten amaitzen ari da.
Estamos en el tiempo del apogeo
numérico en cantidad y en velocidad,
pero este avión brillante sujeta tras
de sí una carencia como estela: ace-
lerando perdemos sensación. Mi tra-
bajo se mancha de tiempo, lenguaje
y contradicciones, se contagia de la
paradoja que encarnamos al vernos
tensados entre dos realidades muy
diferentes: la virtualización acelerada
de nuestra vida y el hecho de seguir
siendo cuerpos físicos, sensibles, que
necesitan de unos tiempos emocio-
nales y de aprendizaje más lentos.
Este tiempo como residente en Bil-
baoArte me he dedicado a trabajar la
experiencia desde la cámara y la pala-
bra. A través del medio analógico dia-
logo con la imagen desde los tiempos
sosegados que defiendo. En las ins-
talaciones que genero la experiencia
de la recepción es importante. Confío
en que desde el arte podemos hacer
fructificar nuevas maneras de enten-
der la vida y de cruzar límites, pero
que debemos derribar los muros que
hemos construido entre lo mental y
lo corporal. ¿Cómo hacerlo ahora que
la versión racional del mundo parece
reemplazar a la experiencia?
Transición a turbulencia es un cambio
de estado; el principio de un ahondar
en el tiempo de nubes y bosque, una
búsqueda en la que lo escrito, lo fil-
mado y lo vivido colisionan. Juego con
las palabras que evocan y producen
experiencia y con la imposibilidad de
capturar el tiempo aún con la necesi-
dad de nadar en él. Si somos mitad
agua, debemos tener en algún lugar
olvidado de nuestra sabiduría la ca-
pacidad de nutrir, de hacer crecer, de
romper en olas, de amoldarnos a la
roca del camino, de caer sin sufrir.
Sara Padilla nació en Mallorca y estu-
dió Bellas Artes en Cuenca, después
se trasladó a Bilbao para cursar el
Máster en Arte Contemporáneo Tec-
nológico y Performativo en Leioa. Al
dome en audiovisuales y como dina-
mizadora sociocultural. Actualmente
está terminando esta residencia en
BilbaoArte.
Sara Padilla Grimalt
Mallorca, 1996
Instagram: @timotea.poacea
We are in the numerical heyday of
amount and speed, but this glossy
plane leaves a shortcoming in its
wake: feeling is lost when things ac-
celerate. My work is stained with time,
language and contradictions, is infect-
ed with the paradox that we embody
when we are torn between two very
different realities: the accelerated vir-
tualisation of our life and the fact of
continuing to be sensitive, physical
bodies that need slower learning and
emotional times.
I have spent my residency at Bil-
baoArte to work on the experience
from the camera and the word. Using
the analogue medium, I dialogue with
the image from the biased times I de-
fend. The experience of the reception
is important in the installations that I
generate. I believe that art is the way
for us to bring to fruition new ways of
understanding life and crossing lim-
its, but we must knock down the walls
that we have constructed between
the mental and the corporal. How can
that be done now that the rational
version of the world seems to replace
experience?
Transición a turbulencia is a change
of state; the principle of delving into
the time of clouds and forest, a search
where the written, the filmed and the
experienced collide. I play with the
words that evoke and produce ex-
perience and with the impossibility
of capturing time yet with the need
to swim in it. If we are half water, we
must have in some hidden spot of
our wisdom the capacity to nurture,
to flourish, to splash in the waves, to
shape ourselves on the rock of the
path, to fall without hurting ourselves.
Sara Padilla was born in Mallorca
and studied Fine Arts in Cuenca. She
then moved to Bilbao to study for a
Master’s Degree in Performance and
Technological Contemporary Art at
the University of the Basque Coun-
try. When she returned to the island,
she continued her audiovisual studies
and to train as a socio-cultural facilita-
tor. Sara is currently completing her
residency at BilbaoArte.
81

Proiektu honek izaera piktoriko eta
instalatiboa du, eta prozesu piktori-
koak sortutako hondakinaren ideiatik
abiatzen da, proposamenaren ardatz
egituratzaile gisa, eta proposamen
horretatik eratorritako hainbat ele-
mentu eta materialetan oinarrituta
planteatzen da. Ideia nagusia hon-
dakinaren edo soberakinaren kon­
tzeptua da; iraganeko ekintza batetik
edo urruneko gertaera batetik da-
tozen keinu edo materialen sotilaren
eta gutxienekoaren ideiarekin jolastu
nahi du proiektuak. Funtsezko bes-
te gaietako bat prozesua eta bertan
parte hartzen duten materialak dira.
Pintura funtsezko elementu gisa era-
biliz, baina, gainera, beste elementu
piktoriko batzuekin lotuz, hala nola
oihalarekin, zurarekin eta beste mate-
rial batzuekin. Prozesua erabiliko da
pintura lantzeko, eta aztarna eta erre-
gistro guztiak erakutsiko dira, bai eta
hura osatzen duten materialak ere.
Lan honek pintura osatzen duten
elementuetatik hurbiltzea dakar, pin-
turaren zati esanguratsu gisa erabiliz.
Azken proiektuen lan-ildoarekin ja-
rraituz, hondakinaren gaiari ikuspegi
objektibo eta instalatibo batetik ere
heldu nahi zaio. Azken batean, hel-
burua da pinturak materiala edo ob-
jektua bezalako gaiei dagokienez har
ditzakeen formak behatzea, pintura
eraikitzeko prozesuetatik abiatuta eta
estudioak jolasleku gisa duen espa-
zioari erreparatuta.
Miquel Poncek Arte Ederretako Gra-
dua eta Ekoizpen Artistikoko Maste-
rra ikasi ditu Valentziako Universitat
Politècnica Unibertsitatean. Besteak
beste, Alacant-eko Unibertsitateko
Museoan eta Madrilgo Casa de Ve-
lazquez egin ditu erakusketak. Bere
azken bakarkako erakusketa egin du,
Un espacio de construcción, Blanca
Soto Galerian (Madril, 2021).
Este proyecto de carácter pictórico e
instalativo parte de la idea de residuo
generado por el proceso pictórico
como eje vertebrador de la propues-
ta, que se plantea a partir de una
serie de elementos y materiales de-
rivados de este. La idea principal es
el concepto de resto o sobra; el pro-
yecto pretende jugar con la idea de lo
sutil y lo mínimo de aquellos gestos
o materiales que llegan de una ac-
ción pasada o de un acontecimiento
lejano. Otra de las cuestiones funda-
mentales es el proceso y los materia-
les involucrados en él. Utilizando la
pintura como elemento fundamental,
pero además vinculándola con otros
elementos pictóricos, como la tela,
la madera y otros materiales. Se uti-
lizará el proceso como manera de
abordar la pintura, mostrando todas
aquellas huellas y registros, así como
los materiales que lo configuran.
Este trabajo supone un acercamiento
a la pintura desde los elementos que
la constituyen, empleándolos como
parte significativa de ella. Continuan-
do con la línea de trabajo de los últi-
mos proyectos, se pretenderá abordar
la cuestión del residuo también desde
una visión objetual e instalativa. En
definitiva, el objetivo es observar las
formas que la pintura puede tomar
en relación con cuestiones como el
material o el objeto, partiendo de los
procesos de construcción de la pintu-
ra así como atendiendo al espacio del
estudio como lugar de juego.
Miquel Ponce ha estudiado el Grado
de Bellas Artes y el Máster en Produc-
ción Artística en la Universitat Poli-
tècnica de València. Ha expuesto en
espacios como el Museo de la Univer-
sidad de Alicante o la Casa de Veláz-
quez (Madrid), entre otros. Ha realiza-
do su última exposición individual, Un
espacio de construcción, en la Galería
Blanca Soto, Madrid, 2021.
Miquel Ponce Diaz
Valentzia, 1997
This installation and pictorial project
is based on the idea of waste gen-
erated by the pictorial process as
the common thread of the proposal,
which is approached using a series of
elements and materials arising from
this. The main idea is the concept
of remains or leftovers; the project
seeks to play with the ideal of the sub-
tleness or minimal of those gestures
or materials that come from a past
action or a distant event. Another of
the fundamental issues is the process
and the materials involved in it. Using
painting as a fundamental element,
but also linking it with other pictorial
elements, such as fabric, wood and
other materials. The process will be
used as a way of embarking on the
painting, showing all those tracks and
traces, along with the materials used.
This work is an approach to the
painting from its very elements, us-
ing them as a significant part of it.
Building on the line of work of recent
projects, the aim is to address the is-
sue of waste from an installation and
object view. In short, the goal is to
observe the forms that painting can
take in relation to issues such as the
material or the object, starting from
the processes to construct the paint-
ing, along with considering the space
of the studio as a playground.
Miquel Ponce graduated in Fine Arts
and has a Master’s in Artistic Produc-
tion from the Politècnica University of
Valencia. His work has been exhibited
at the Museum of Alicante University
or at Velázquez’s Birthplace (Madrid),
among others. His latest solo show,
Un espacio de construcción, was at the
Blanca Soto Gallery (Madrid) in 2021.
85

Nire gorputzeko izerdia izozten dut
txanpon formarekin, eta gero ko-
brezko txapa metalikoen gainean
ur­tzen uzten ditut. Uste dut pentsa-
mendu itxia dagoela materian eta ha-
ren eraldaketan, eta prozesu kaloriko
eta kimikoak ideiei forma emateko
modu sinboliko bat direla. Izerdiaren
gazitasunak metalekin –Kontrako
kimikoekin– Kontaktuan erreakzio-
natzen du, eta bultzada elektrikoa
sortzen du. Energia mota berri bat,
materiari autonomia ematen diona
eta adierazpenaren eta objektuaren
eduki sinbolikoaren arteko erlazioa
zalantzan jartzen duena. Izerdi izoz-
tua ahalegin fisiko gorpuztu hutsa
da: kopuru kristalizatu bat, bere des-
integrazioan, euskarrian prozesu ko-
rrosibo bat martxan jartzen duena.
Termodinamikan, egonkortasun han-
diagoa edo barne-energia txikiagoa
aurkitzeko material baten bilaketa
bezala ezagutzen dena.
Marshall McLuhanek zioen dirua fun­
tsean metafora dela. Materiaren eta
hizkuntzaren arteko meta-objektu
matematiko bat, aldi berean infor-
mazioa itzuli eta transmititzen duena.
Eta egungo joera post-kapitalistak
desmaterializazioa badakar, instala-
zioak desoreka termiko eta kimikoen
joko bat jartzen du martxan, diruaren
eraikuntza konbentzionalari buruz ez
ezik, objektuen eta zientzien histori-
kotasunari buruz ere ikertzeko.
Carlos Ramírez-Pantanella arkitektoa
eta Arte Ederretako lizentziaduna da
Madrilgo Europako Unibertsitatean,
eta Arte Garaikideko Masterra Arte
Ederren Zirkuluko SUR Eskolan (Beca
Acciona 2019-2021). Arkitektura lan-
dako fenomeno gisa lantzen du, eta
ibilbideen ez-materialtasuna adieraz-
ten duten ekintza eta keinu minimoen
bidez jarduten du bertan. Bere lana
Madrilgo Sala de Arte Joven-an, LABo-
ral Centro de Arte y Creación Indus-
trial, C Arte C, Haus der Kulturen der
Welt Berlin, AEDES Gallery Berlin, Ci
rculo de Bellas Artes eta Madrilgo Arki-
tektoen Elkargo Ofizialean erakutsi da.
Carlos Ramírez-Pantanella
Congelo mi propio sudor corporal
con la forma de monedas para des-
pués dejarlas derretir sobre chapas
metálicas de cobre. Creo que exis-
te un pensamiento encerrado en la
materia y en su transformación, y los
procesos calóricos y químicos son
una manera simbólica de dar forma
a las ideas. La salinidad del sudor re-
acciona en contacto con los metales –
sus opuestos alquímicos– generando
un impulso eléctrico. Una nueva for-
ma de energía que otorga autonomía
a la materia y que pone en cuestión
la relación entre la expresión y el con-
tenido simbólico del objeto. El sudor
congelado es puro esfuerzo físico
corporeizado: una cantidad cristali-
zada que, en su desintegración, pone
en marcha un proceso corrosivo en el
soporte. Aquello que en termodiná-
mica se conoce como la propia bús-
queda de un material para hallar su
mayor forma de estabilidad o menor
energía interna.
Decía Marshall McLuhan que el dinero
es esencialmente metáfora. Un me-
ta-objeto matemático, a caballo entre
materia y lenguaje, que al mismo tiem-
po traduce y transmite información. Y
si la tendencia actual post-capitalista
implica su desmaterialización, la ins-
talación pone en marcha un juego de
desequilibrios térmicos y alquímicos
para investigar no sólo sobre la cons-
trucción convencional del dinero sino
también sobre la historicidad de los
objetos y de las ciencias.
Carlos Ramírez-Pantanella es arqui-
tecto y licenciado en Bellas Artes por
la Universidad Europea de Madrid y
Máster en Arte Contemporáneo por
la Escuela SUR del Círculo de Bellas
Artes (Beca Acciona 2019-2021). Tra-
baja la arquitectura como un fenóme-
no de campo y opera en él a través
de acciones y gestos mínimos que ex-
presan lo inmaterial de los trayectos.
Su trabajo ha sido expuesto en la Sala
de Arte Joven de la Com. de Madrid,
LABoral Centro de Arte y Creación In-
dustrial, C Arte C, Haus der Kulturen
der Welt Berlin, AEDES Gallery Berlin,
Círculo de Bellas Artes y en el Colegio
Oficial de Arquitectos de Madrid.
Madril, 1989
www.carlosramirezpantanella.com
I freeze my own body sweat with the
shape of coins and then let them
melt over copper sheets. I believe
that there is an enclosed thought in
matter and its transformations, and
caloric and chemical processes are a
symbolic way of revealing it and giv-
ing shape to ideas. Sweat's salinity
reacts in contact with metals –their
alchemical opposites– generating
electrical impulses. A new form of en-
ergy that gives autonomy to matter
and calls into question the relation-
ship between the symbolic content of
the object and its expression. Frozen
sweat is pure physical effort embod-
ied: a crystallized quantity of human
labor that, in through its disintegra-
tion, activates a corrosive process
on the support. Corrosion is consid-
ered materiality itself searching for
its hightes form of stability or lowest
internal energy.
Marshall McLuhan classified money
as media. A mathematical meta-ob-
ject, located halfway between matter
and language, acting as translator
and transmitter. And if the current
post-capitalist trend implies its dema-
terialization, this installation aims to
put it on stage a set of thermal and
alchemical imbalances, in order to
research not only about currency's
conventional construction but also
the historicity of objects and science.
Carlos Ramírez-Pantanella studied
Art and Architecture at Universidad
Europea de Madrid and holds a Mas-
ter's in Contemporary Art from SUR
Escuela - Círculo de Bellas Artes (Ac-
ciona Scholarship Award 2019-2021).
He works architecture as a field phe-
nomenon and operates in it through
minimal actions and gestures ex-
pressing immaterial trajectories of
objects and thresholds. His work has
been exhibited at the Sala de Arte
Joven de la Com. Madrid, LABoral
Center for Industrial Art and Creation,
C Arte C, Haus der Kulturen der Welt
Berlin, AEDES Gallery Berlin, Círculo
de Bellas Artes and at the Official Col-
lege of Architects of Madrid.
89

Duela hiru urtetik hona, ikerketa artis-
tikoen gai nagusia Espainiar Estatuko
mendekoa ikustaraztea da, prozesu
historikoen ondorioz, kolonialta-
sun-migrazioko procesu historikoak
latinoamerikarekiko direla ta, Walter
Mignoloren askapenaren estetikaren
pentsamendua esparru teoriko gisa
erabiliz.
En lo oscuro/Mal de ojo egoitzan egin-
dako prozesuak dira, Malaspina Es-
pedizioaren artxiboaz eta Madrilgo
Amerikako Museoaren pinturez jabe-
tuta, Abya Yalako (Amerika) emaku-
meen bistaratzeetan zentratzen naiz.
Nola erabili artxibo koloniala?
Abya Yalaren indigenen eta mesti-
zoen begiak, Europako hainbat gizo-
nek ordezkatuak...
Nola erabili fitxategia?
Haien esperientzia da horiek
bistaratzea.
Nortzuk dira? Nola dute izena?
Bere bi begiek erronkaz begiratzen
naute, begiratzen didate eta okular-
zentrismoari aurre egiten diote.
...beren bi begiekin ikusten dituzte... de-
safio egiten dute!
Gin Rok (Georgina Rodríguez Ayala)
Diseinu Industriala ikasi zuen Mexiko
Hirian, eta 2017an ohorezko aipame-
na jaso zuen EFTIko Roberto Villagraz
Bekan) Madrilen, Espainian, Welcome
to the parking proiektuarekin. Sari
horrekin, Argazkigintza Garaikideko
eta Proiektu Pertsonaletako Masterra
egin zuen. Beste erakusketa kolekti-
bo ba­tzuen artean, nabarmen­tzekoak
dira: El sueño de un Arquitecto (Madril,
2018) eta Activaciones an­tcoloniales
y experiencias diaspóricas en el Cen-
tro de Residencias Matadero, (Madril,
2019).
Mexiko Hiriaren eta Madrilen artean
bizi eta lan egiten du.
Desde hace tres años el tema central
de investigaciones artísticas es la vi-
sualización de la subalternad en el Es-
tado Español, debido a los procesos
históricos como la colonialidad-mi-
gración con relación a latinoamérica,
usando como marco teórico el pensa-
miento de la estética de la liberación
de Walter Mignolo.
En lo oscuro/Mal de ojo son los proce-
sos realizados en la residencia, apro-
piándome del archivo de la Expedi-
ción Malaspina y pinturas del Museo
de América en Madrid, me enfoque
en las visualizaciones de las mujeres
de Abya Yala (América).
¿Cómo utilizar el archivo colonial?
Ojos de indígenas y mestizas de Abya
Yala representadas por diversos hom-
bres europeos...
¿Cómo usar el archivo?
La visualización de ellas es la expe-
riencia de ellos.
¿Quiénes son ellas? ¿Cómo se llaman?
Sus dos ojos me retan, me miran y en-
frentan el ocularcentrismo.
...ellas ven con sus dos ojos sin mira-
mientos... ellas desafían!
Gin Ro (Georgina Rodríguez Ayala)
estudió Diseño Industrial en Ciudad
de México, en el 2017 recibe mención
de honor en la Beca Roberto Villagraz
de EFTI) en Madrid, España, con el
proyecto Welcome to the parking. Con
esta distinción, realizó el Máster de
Fotografía Contemporánea y de Pro-
yectos Personales. Entre otras expo-
siciones colectivas, destacan: El sueño
de un Arquitecto (Madrid, 2018) y Ac-
tivaciones anticoloniales y experiencias
diaspóricas en el Centro de Residen-
cias Matadero, (Madrid, 2019).
Trabaja y vive entre Ciudad de México
y Madrid.
Gin Ro
Mexiko Hiria, 1986
www.ginro.xyz
For the last three years, the central
theme of my artistic research is high-
lighting the subordinate in the Span-
ish State, due to historical processes
such as the colonisation-migration in
relation to Latin America, using the
philosophy of Walter Mignolo’s aes-
thetics liberation as the theoretical
framework.
En lo oscuro/Mal de ojo are the pro-
cesses produced during the residen-
cy. Using the archive of the Malaspina
Expedition and paintings of the Mu-
seum of The Americas in Madrid, I fo-
cused on the depictions of the Abya
Yala women (The Americas).
How is the colonial archive used?
Eyes of indigenous and mixed-race
women from Abya Yala represented
by different European men…
How is the archive used?
The depiction of the women of the ex-
perience of the men.
Who are the women? What are their
names?
Their two eyes challenge me, look at
me and confront the ocularcentrism.
...the women see with their two eyes
with no timidity... they challenge!
Gin Ro (Georgina Rodríguez Ayala)
studied Industrial Design in Mexico
City. In 2017, she received an honour-
able mention for her Welcome to the
parking project in the EFTI Roberto
Villagraz Scholarship (Madrid, Spain).
Thanks to this accolade, Gin Ro em-
barked on the Master’s Degree in
Contemporary Photography and Per-
sonal Projects. Her group exhibitions
include: El sueño de un Arquitecto
(Madrid, 2018) and Activaciones anti-
coloniales y experiencias diaspóricas at
the Centro de Residencias Matadero,
(Madrid, 2019).
Gin works and lives between Mexico
City and Madrid.
93

Mundu guztia baiezko batekin hasi zen.
Molekula batek baietz esan zion beste
molekula bati, eta bizitza jaio zen.
Clarice Lispectorren La hora de la es-
trella nire liburu kuttunenetako baten
hastapenekin hasten naiz. Paragrafo
hauen gailurrean jartzen dut hemen,
bere sinpletasunarekiko miresmenez,
eta automatikoki lotzen dut marraz-
teko ekintzarekin: paperari baietz
esaten dion arkatz bat imajinatzen
dut, eta hortik sortzen da gainerako
guztia. Marrazkiaren sinpletasuna ere
miresten dut. Bere izaera primarioak
argi eta garbi erakusten du duen
ahalmen infinitua. Apaltasun horre-
tatik zerbait solemnea lor daiteke, ni
asmo horrekin identifikatzen naiz.
Marrazkia den gertakari berria ohiko
gaian sartu da, pinturan, alegia. Pintu-
ran gelditu ondoren, marrazten hasi
nintzen, gero pinturara itzuli nintzen
berritasun sentsazio batekin.
Zirriborro bat egitea, lerro bat ma-
rraztea, edozein funtzio edo esanahi
ez duten egintzak dira, egintza bera
gertatzen ez bada. Niretzat hori bizi­
tzeko modu garbia da, kargarik ga-
bekoa. Gero espero dut zer aterako
den hortik.
Oro har, pintatuz, masa-arrastatze
bakoitzak modu zehatz batean igaro
behar du, modu egokian gertatu arte.
Pintura-marra bat ez da tramite bat,
zerbait amaitutako pintura bat izate-
ra iristen bada, trazu bakoitzak izaera
propioa duelako da, halako eran ger-
tatu den zerbait, eta ez beste modu
batean, eta, horren ondorioz, piezak
karaktere kopuru horri dagokion
izaera du, hau da, modu egokiagoan
edo ez hain egokian gertatzen diren
trazuak. Eta marrazketan berdin.
Natalia Suárez Ortiz de Zárate Bilbon
bizi da. Pinturan eta marrazkian oina-
rritzen da bere lana, nahiz eta arte
eszenikoen mundua ere arakatzen
duen Tripak konpainiaren barruan.
Natalia Suárez Ortiz de Zárate
Todo en el mundo comenzó con un sí.
Una molécula dijo sí a otra molécula y
nació la vida.
Comienzo con este principio de uno
de mis libros preferidos, La hora de la
estrella, de Clarice Lispector. Lo pon-
go aquí en la cima de estos párrafos,
con admiración hacia su sencillez, y
automáticamente lo relaciono con el
acto de dibujar: imagino un lápiz que
le dice sí al papel, y de ahí nace todo
lo demás. Del dibujo también admiro
su sencillez. Su carácter primario deja
ver con claridad el potencial infinito
que tiene. Desde esa humildad se
puede aspirar a algo solemne, yo me
identifico con esa aspiración.
El suceso reciente que es el dibujo
ha irrumpido en el asunto habitual
que es la pintura. Tras un parón en
pintura, comencé a dibujar, después
volví a la pintura con una sensación
de novedad.
Hacer un borrón, trazar una línea, son
actos desprovistos de cualquier fun-
ción o significado que no sean que el
acto en sí ocurra. Para mí eso supone
una manera muy limpia de vivir algo,
muy libre de carga. Luego espero
atenta a lo que pueda salir de ahí.
En general, pintando, cada arrastre
de masa tiene que pasar de una ma-
nera concreta, hasta que sea la mane-
ra acertada. Un trazo de pintura no es
un trámite, si algo llega a ser una pin-
tura acabada lo es porque cada trazo
tiene un carácter propio, algo que ha
ocurrido de tal forma y no de otra, y
eso hace que la pieza tenga el carác-
ter que corresponde a esa suma de
caracteres que son esos trazos que
ocurren de maneras más o menos
acertadas. Y en dibujo es igual.
Natalia Suárez Ortiz de Zárate vive
en Bilbao. Su trabajo se centra en la
pintura y el dibujo, aunque también
explora el mundo de las artes escéni-
cas dentro de la compañía Tripak.
Gasteiz, 1994
Everything in the world begins with a
yes. One molecule said yes to another
molecule and life was born.
This is the opening line of one of my
favourite books, La hora de la estrella
by Clarice Lispector. I am starting with
this quote, which I admire for its sim-
plicity, and then I automatically relate
it to the act of drawing: I imagine a
pencil that says yes to the paper and
everything else is born from there. I
also admire the simplicity of drawing.
Its primary nature clearly shows its in-
finite potential. It can aspire from that
humility to something majestic and I
identify with that aspiration.
The recent occurrence that is the
drawing has erupted in the usual sub-
ject that is the painting. After taking a
break from painting, I began to draw,
then I returned to painting refreshed.
Wiping the slate clean, drawing a
line are acts devoid of any function
or meaning unless for the very act
itself. I think that is a very clean way
of experiencing something, free from
burden. I then wait and see what can
emerge from there.
In general, when painting, each ap-
plication has to be in a specific way
until it is the right way. A paint stroke
is not a step. If something becomes
a finished painting, it is because each
stroke has its own nature, something
that has occurred in one way and not
another. That means that the piece
has the character that is the outcome
of those sum of characters that are
those strokes that are more or less
right. And it is the same in drawing.
Natalia Suárez Ortiz de Zárate lives
in Bilbao. Her work focuses on paint-
ing and drawing, even though she ex-
plores the world of performing arts as
part of the Tripak company.
97

Pinturan interesatzen zitzaizkidan
ezaugarri eta kualitate formal des-
berdinek irudi-konposizioak sortzeko
estrategia bat plantearazi zidaten,
jolas bat balitz bezala. Jarraibideak
ordenagailuaren idazmahaia lan bir-
tualerako mahai bezala erabiltzean
zetzan, leiho ezberdinak gainjarriz,
handitu edo murriztu, gainjarri, islatu
edo konputagailuaren aurretiko ikus-
menak ahalbidetzen dituen edozein
ekintza mugatu egin daitezkeen iru-
dizko edukiontzi-modulu bezala. Hel-
burua da konposizio bat egituratzea,
nire helburuak beteko dituen irudi ze-
hatz bat osatzeko, eta, ondoren, pin-
tura-lengoaia batera itzultzea, horrek
dakarren intuizio-marjinarekin.
Proiektu honen ernamuina mar-
go-pantailaren ideia da, jatorrizko
mar­go-leihoaren berrikuspen gisa.
Pantaila bi dimentsioko plano be-
rean gainjarritako errealitateen ku-
mulu bat bezala, leihoaren aurrean,
hiru dimentsioko errealitatearen
enkoadraketa gisa.
Irudikapenarekin pertsona batek
gertatu zaion istorio bat kontatzen
dizunean bezala gertatzen da. Bertsio
bakarra dagoenean, sinesgarritasuna
du. Hala ere, gertaera bera deskriba­
tzen duten bertsio ezberdinak iristen
bazaizkigu, automatikoki ukatu egiten
da haren egiazkotasuna. Errealitate
bakar bat irudikatzen denean (leiho
gisa), engainua ez da agerikoa, logika
espazial gisa ulertzen dugunari eran­
tzuten baitio. Bata bestearen gainean
jarritako errealitate bat baino gehiago
irudikatzen direnean (pantaila gisa),
ordea, errealitate horiek beren artean
deuseztatu egiten dira, beren bi di-
mentsioak agerian utziz.
Amaya Suberviola Bilbon bizi eta lan
egiten du. Arte graduatua pintura
master batekin (UPV/EHU). SC Gallery
(Bilbo), Galeria Lumbreras (Bilbo) eta
Marian Cramer Projects (Amsterdam)
erakutsi du bere lana.
Diferentes características y cualidades
formales que me interesaban en la
pintura, hicieron plantearme una es-
trategia para generar composiciones
de imágenes como si de un juego se
tratase. Las pautas consistían en utili-
zar el escritorio del ordenador como
mesa de trabajo virtual, superponien-
do diferentes ventanas como módu-
los contenedores de imágenes que
se pueden ampliar o reducir, super-
poner, reflejar o cualquiera de las ac-
ciones limitadas que permite la vista
previa de una computadora. El fin es
estructurar una composición que de
como resultado una imagen concreta
que cumpla con mis objetivos, y pos-
teriormente traducirla a un lenguaje
pictórico con el correspondiente mar-
gen de intuición que ello conlleva.
El interés germen de este proyecto
es la idea de cuadro-pantalla como
revisión del original cuadro-ventana.
Pantalla como un cúmulo de realida-
des superpuestas en un mismo plano
bidimensional, frente a ventana como
encuadre de realidad tridimensional.
Con la representación ocurre lo mis-
mo que cuando una persona te na-
rra una historia que le ha ocurrido.
Cuando existe una sola versión, ésta
posee credibilidad. Sin embargo, si
nos llegan diferentes versiones que
describen un mismo hecho, auto-
maticamente se niega su veracidad.
Cuando se representa una sola reali-
dad (modo ventana) el engaño no es
evidente porque responde a lo que
entendemos por una lógica espacial.
Mientras que cuando se represen-
tan varias realidades superpuestas
(modo pantalla), ellas mismas se anu-
lan entre sí evidenciando su bidimen-
sionalidad.
Amaya Suberviola vive y trabaja en
Bilbao. Graduada en Arte con un Más-
ter de pintura (UPV/EHU). Su obra se
ha mostrado en galerías como SC
Gallery (Bilbao), Galería Lumbreras
(Bilbao) o Marian Cramer Projects
(Amsterdam).
Amaya Suberviola
Nafarroa, 1993
Instagram @amayasuberviola
Different formal qualities and char-
acteristics that interested me in
painting resulted in my embarking
on a strategy to generate image
compositions as if it were a game.
The guidelines consisted of using the
computer desktop as a virtual desk,
superimposing different windows as
image container modules that can be
enlarged or reduced, superimposed,
mirrored or any of the limited actions
possible on a computer’s preview fea-
ture. The aim is to structure a com-
position resulting in a specific image
that complies with my objectives and,
subsequently, translate it into a picto-
rial language with that margin of lee-
way involved.
The seed of this project lies in the idea
of the screen-painting as a review of
the original window-painting. The
screen is an accumulation of superim-
posed realities in a single two-dimen-
sional plane, compared to a window
as framing three-dimensional reality.
The same thing happens with depic-
tion when a person tells a story of
what has happened to them. When
there is a single version, that has
credibility. However, if we hear dif-
ferent versions describing the same
fact, the first automatically loses ve-
racity. When a single reality (window
mode) is shown, the deception is not
obvious because it is in line to what
we understand by spatial logic. While
when different superimposed reali-
ties (screen mode) are depicted, they
cancel each other out and highlight
their two-dimensionality.
Amaya Suberviola lives and works in
Bilbao. She graduated in Art and has
a Master’s Degree in Painting (UPV/
EHU). Her work has been exhibited at
galleries including SC Gallery (Bilbao),
Galería Lumbreras (Bilbao) and Mari-
an Cramer Projects (Amsterdam).
101

fuego.beta gorputzak informazioa
prozesatzeko eta Machine Learning
kontzeptua ahotsaren eta presentzia
eszenikoaren iragazkitik pasatzeko di-
tuen aukerei buruzko ekintza bat da.
Giza makina honek aztertzen duen
arazoa da benetan komunikatzeko
dugun gaitasuna eta publikoaren eta
pribatuaren mugak.
Ekintza etengabeko atzeraelikadura
da, eta aurreko hitzezko eta gorpu­
tzezko erantzuna hobetzea du hel-
buru, espazioaren erreberberazioari
eta publikoaren interakzioari buruzko
informazioa lortuz. Zazpi ekintzetako
bakoitza lau fasetan banatzen da,
bakoitza ordubetekoa, hogeita zortzi
orduko iraupena du guztira. Ekin­tza-
ordu bakoitzerako partitura bat ja-
rraituz, Svaartek espazio huts batean
berrabiarazte-prozesu bati aurre egin
behar dio, giza jokabide-kodeak berri-
kasi eta berreraikitzen saiatuz.
Performance hau BilbaoArteko Ate
Irekietan gauzatzen da lehen aldiz eta
zuzenean ikus daiteke Fundazioaren
YouTube kanalaren bidez.
Liben Svaart soinu- eta performer-ar-
tista da, musika autodidaktaz gain.
UPV/EHUn Arte Garaikide, Teknolo-
giko eta Performatiboko Masterrean
graduatu zen, eta bertan garatu zuen
Saioa Olmoren tutoretzapeko fuego,
proiektu honen aurrekaria. Ikus-en­
tzunezkoen eta performatiboen ar-
loan lan egiten du, sentsibilitatetik eta
inframince-tik. Pasioaren eta kalkula-
tutakoaren arteko oreka aurkitzen du,
bai animazio-piezetan, bai ekintzetan.
Bere prozesuak soinuaren bidez gi-
datzen ditu, eta horrek garrantzi han-
dia du bere proiektuetan.
fuego.beta es una acción sobre las po-
sibilidades del cuerpo para procesar
información y pasar el concepto de
Machine Learning por el filtro de la voz
y la presencia escénica. El problema
que analiza esta máquina humana es
nuestra capacidad de comunicarnos
efectivamente y los límites de lo pú-
blico y lo privado.
La acción es una retroalimentación
continua donde se trata de mejorar la
respuesta verbal y corporal anterior,
obteniendo información de la rever-
beración del espacio y de la posible
interacción del público. Cada una de
las siete acciones se dividen en cuatro
fases de una hora cada una, tenien-
do una duración final de veintiocho
horas. Siguiendo una partitura para
cada hora de acción, Svaart se enfren-
ta en un espacio vacío a un proceso
de reinicio, tratando de reaprender y
reconstruir los códigos de conducta
humanos.
Esta performance se ejecuta por vez
primera en las Puertas Abiertas de
BilbaoArte y se puede ver en directo
mediante el canal de YouTube de la
Fundación.
Liben Svaart es artista sonora y per-
former, además de música autodi-
dacta. Es graduada en el Máster en
Arte Contemporáneo, Tecnológico y
Performativo por la UPV/EHU donde
desarrolló el antecedente del pre-
sente proyecto fuego, tutorizado por
Saioa Olmo. Trabaja en el ámbito au-
diovisual y performativo desde la sen-
sibilidad, desde lo infraleve. Encuen-
tra el equilibrio entre lo visceral y lo
calculado tanto en sus piezas de ani-
mación como en sus acciones. Guía
sus procesos mediante el sonido, que
guarda una senda importancia en sus
proyectos.
Liben Svaart
Leioa (Bizkaia), 1994
Instagram: @libensvaart
fuego.beta is an action on the body’s
possibilities to process information
and filter the Machine Learning con-
cept through voice and scenic pres-
ence. The problem that this human
machine analyses is our capacity to
communicate effectively and the lim-
its of the public and the private.
The action is constant feedback seek-
ing to improve the previous corporal
and verbal response, obtaining infor-
mation from the reverberation of the
space and of the possible interaction
of the audience. Each of the seven
actions are divided into four phas-
es lasting an hour each, and twen-
ty-eight hours in total. Following a
score for each hour of action, Svaart
faces an empty space in a rebooting
space, seeking to relearn and recon-
struct the human conduct codes.
This performance was put on for the
first time at BilbaoArte’s Open Doors
and can be seen on the Foundation’s
YouTube channel.
Liben Svaart is a sound artist and
performer, as well as being a self-
taught musician. She has a Master’s
Degree in Performance and Techno-
logical Contemporary Art from the
UPV/EHU, where she produced the
forerunner of fuego and supervised
by Saioa Olmo. Liben works in the per-
formance and audiovisual from sensi-
tivity, from the infrathin. She finds the
balance between the visceral and the
calculated in her animation works and
her actions. She uses sound to guide
her processes and which is of great
importance in her projects.
105

1) «forma izena, batzuetan, formak
sortzeko balio duten tresnei ematen
zaie, adibidez, eskultoreek, buztingi-
leek, armazainek eta beste batzuek
erabiltzen dituzten formei. «F» forma
bezala izenda dezagun; formak erai-
kitzeko erabiltzen dira, eta aldi berean
formak dira (C). Sarritan, eskultoreen
formekin gertatzen den bezala, euren
laguntzarekin sortuko diren formen
negatiboak dira».
2) Saltar–caer–imagen BilbaoArteren
estudioan gertatzen da. Saltar–caer–
imagen beste espazio batzuetan ere
gerta daiteke. Jauzi egitea eta eror­
tzea ez dira gauza bera. Kamera tripo-
de baten gainean jartzen da posizio
zehatz batean, mahaitik salto egiten
dut irudiaren eremuan sartzeko, eta
gorputza nik jaurtitako objektuaren
ondora erortzen da. Lur bigungarri
baten gainera erortzen naiz. Mugi-
mendua zehaztasun handiagoz edo
txikiagoz izozten da. Irudia sortzen
duen ekintza arrapatzen da.
3) «BATSO BATSO BATSO BATSO» edo
«Jamon jamon jamon monja».
*Tatarkiewicz, W. (2015). Historia de seis
ideas. 8. Edizioa (2.a ed) Tecnos
Jon Ander Terroba Expósito Arte
Ederretan graduatua da, eta Arte
Ikerketa eta Sorkuntza Masterra du
(UPV/EHU). 2019an Donostiako Ta-
bakalerako artistentzako tailerrean
parte hartu zuen. Bere lanetako ba­
tzuk honako hauek dira, Palomas ver-
des akzioa Azalan (La Sierra, Araba,
2019) edo erakusketa kolektiboak:
Final Fantasy, Aire Galeria (Bilbo,
2021) edo GetxoArteko laborategia
programa (Getxo, 2017). 2019an, Ale-
jandro López Merarekin batera, Jipío
kolektiboa sortu zuen, eta elkarrekin
lan egin zuten, nahiz eta batzuetan
bakoitzaren lanetik bereizi ezin den.
1) «El nombre de forma se le da a
veces a los instrumentos que sirven
para producir formas, p.ej., las formas
que usan los escultores, alfareros, ar-
meros y otros. Denominémosla como
formas «F»; se emplean para cons-
truir formas, y son al mismo tiempo
formas (C). A menudo como sucede
con las formas de los escultores, son
los negativos de las formas que serán
creadas con su ayuda».
2) Saltar–caer–imagen sucede en el
estudio de BilbaoArte. Saltar–caer–
imagen también podrá suceder en
otros espacios. Saltar no es lo mismo
que caer. La cámara sobre un trípode
se coloca en una posición concreta,
salto desde la mesa para entrar en el
campo de la imagen y el cuerpo cae
junto al objeto que también yo he
lanzado. Caigo sobre un suelo acol-
chado. Se congela el movimiento con
más o menos precisión. Se captura la
acción que genera imagen.
3) «BATSO BATSO BATSO BATSO» o
también «Jamon jamon jamon monja»
* Tatarkiewicz, W. (2015). Historia de
seis ideas. Edición 8 (2.a ed.). Tecnos.
Jon Ander Terroba Expósito es Gra-
duado en Bellas Artes con Máster
en Investigación y Creación en Arte
(UPV/EHU). En 2019 participó en el
taller para artistas de Tabakalera (Do-
nostia). Algunos de sus trabajos son,
la acción: Palomas verdes en Azala (La
Sierra, Araba, 2019) o exposiciones
colectivas como: Final fantasy, Aire
Galeria (Bilbao, 2021) o el progra-
ma laboratorio de GetxoArte (Getxo,
2017). En 2019 junto a Alejandro
López Mera forma el colectivo Jipío en
el que desarrollan un trabajo conjun-
to, aunque en ocasiones indistingui-
ble del trabajo de cada uno.
Jon Ander Terroba
Galdakao (Bizkaia), 1996
1) «The name of form is sometimes
given to the instruments used for
produce forms, e.g., the forms that
sculptors, potters, gunsmiths and
others use. Let us call it "F" as forms;
used to construct forms and are like-
wise forms (C). As is the case of the
forms of sculptors, they are often the
negatives of the forms that will be
created with their help».
2) Saltar–caer–imagen (jump–fall–im-
age) occurs in the BilbaoArte studio.
Saltar–caer–imagen can also happen
in other spaces. Jump is not the same
as fall. The camera on a tripod is
placed in a specific position, jumping
from the table to enter in the field of
the image and the body falls next to
the object that I have also thrown. I
fall on a cushioned floor. Movement is
frozen more or less precisely. That ac-
tion is captured and generates image.
3) «BATSO BATSO BATSO BATSO» or
also «Jamon jamon jamon monja»
* Tatarkiewicz, W. (2015). Historia de
seis ideas. Edición 8 (2nd ed.). Tecnos.
Jon Ander Terroba Expósito gradu-
ated in Fine Arts and has a Master’s
Degree in Art Research and Creation
(UPV/EHU). In 2019, he took part in
the Tabakalera artists workshop (Don-
ostia). Some of his works are, action:
Palomas verdes in Azala (La Sierra,
Araba, 2019) or group shows includ-
ing Final fantasy, Aire Gallery (Bilbao,
2021) and the GetxoArte laboratory
programme (Getxo, 2017). In 2019,
he formed the Jipío group with Ale-
jandro López Mera, where they work
together and sometimes their work is
indistinguishable from each other’s.
109

Etxeko konfinamendu-aldiak iraun
duen hilabeteetan, denok aurkitu
ditugu denbora-tarte luzeak gure
eguneroko errutinan, lehen jardue-
raren batera edo kanpoko aisialdira
bideratuak. Gehien-gehienok den-
bora-tarte horiek ikus-entzunezko
edukiarekin betetzera jo dugu, ho-
rretarako erabili ohi genuen denbo-
ra-pasa luzeagoz: ordenagailua eta
telebista, filmen online plataformak
eta tele­sailak edo sare sozialak. Ho-
rrek ekarri nau gogora txikitan te-
lebista aurrean ematen nuen den-
bora (ez zen gutxi), eta han ikusten
nuena nolabait nire heziketaren eta
naizen helduaren parte izan da gaur
arte. Nire ustez, marrazkietako edo
zientzia-fik­ziozko filmetako istorio
zoroen ordu luze horiek erregistro
bat sortu dute nire buruan. Haren
bidez bizitzaren eguneroko egoerak
iragazten, nire jokabidea sortzeko
eta gauzak interpretatzeko modu
bakar eta berezi bat ematen. Tele-
bista aurrean eman dudan denbora
ez zen denbora galdua, orain badakit
dokumentatzen ari nintzela, lanerako
erabil dezakedan artxibo bat sortzen.
Faktore horiek telebistaren aurrean
hazi zen belaunaldi oso batentzat
hain garrantzi­tsuak izan direla ikus-
teak, eta gero Internetek irentsi egin
zuela ikusteak, hezkuntza-prozesuari
buruz lan egin nahi izatera eraman
nau, haurtzaroko hezkuntzaren
baldintzatzaileei buruz, eta horiek
etorkizuneko helduaren nortasunari
buruz duten garrantziari buruz eta
ustez prestatu zen gizarteko bizitzan
duten egunerokotasunari buruz.
Guillermo Velasco Páez. Arte Ede-
rretan Graduatua (Sevillako Uniber­
tsitatea) eta Diziplina Arteko Ekoiz­pen
Artistikoko Masterra (Malagako Uni-
bertsitatea).
Guillermo Velasco Páez
Durante los meses que ha durado el
periodo de confinamiento en el ho-
gar, todos nos hemos encontrado
con largos vacíos de tiempo en nues-
tra rutina diaria antes destinados a
alguna actividad o al ocio en el exte-
rior. La gran mayoría hemos recurri-
do a llenar esos espacios temporales
con contenido audiovisual, en una
búsqueda de entretenimiento du-
rante un mayor tiempo prolongado
del que habitualmente dedicábamos
a ello; el ordenador y televisión, pla-
taformas online de películas y series
o redes sociales. Este hecho me ha
llevado a rememorar el tiempo que
de pequeño, durante mi infancia,
pasaba delante de la tele (que no
era poco) y como lo que allí veía de
alguna forma ha sido y es hasta hoy
parte de mi educación y del adulto
que soy. Creo que esas largas horas
de historias locas de dibujos o pelí-
culas de ciencia ficción han genera-
do en mi cabeza un registro por el
que filtro las situaciones cotidianas
de la vida, forjando mi conducta y
otorgándome una manera única y
peculiar de interpretar las cosas. El
tiempo que he pasado delante de
la tele no era tiempo perdido, aho-
ra sé que estaba documentándome,
creando un archivo que puedo utili-
zar para mi trabajo. Ver como estos
factores han sido tan relevantes para
una generación completa que se
crio frente a la televisión y que des-
pués fue engullida por internet, me
ha llevado a querer trabajar sobre el
proceso educativo, los condicionan-
tes de la educación en la infancia y la
importancia que estos tienen sobre
la personalidad del futuro adulto y su
día a día en la vida en sociedad para
la que supuestamente se le preparó.
Guillermo Velasco Páez. Graduado
en Bellas Artes (Universidad de Se-
villa) y Máster en Producción Artís-
tica Interdisciplinar (Universidad de
Málaga).
Kordoba, 1992
Instagram @guillermovelascopaez
During the months of being locked
down at home, we all found ourselves
with a great deal of time on our hands
in our daily routine that we had pre-
viously used for an activity or enter-
tainment outside the home. The vast
majority of us have resorted to filling
that time with audiovisual content, in
search for entertainment for longer
than we would have usually spent on
it; that involved the computer and tel-
evision, online platforms of films and
series, or social media. This made me
recall the time that I spent as a child
watching television (which was often
a great deal) and how what I watched
has somehow been and still is part
of my education and the adult I am.
I believe that those many hours of
crazy cartoons or science fiction films
have created records in my mind that
I use to filter life’s everyday situations,
forging my behaviour and giving me a
unique and specific way of interpret-
ing things. The time I spent watching
television was not wasted. I now know
that I was documenting, creating an
archive that I can use for my work.
Seeing how those factors have been
so relevant for a whole generation
who grew up in front of the television
and was later guzzled up by internet,
has driven me to work on the educa-
tional process, the conditioning fac-
tors of education in childhood and
their importance on the personality of
the future adult and their daily life in
society for which education has sup-
posedly prepared the adults.
Guillermo Velasco Páez. Graduate
in Fine Arts (University of Seville) and
Master’s Degree in Interdisciplinary
Artistic Production (Malaga University).
113

Kosmikat katuaren irudi garaikidea-
ren inguruko proiektua da. Katuaren
Interneteko espantsioaren eta dis-
tribuzioari buruzko hausnarketa du
helburu, eta nolakoa den Interneteko
erabiltzaileen eta edukiaren arteko
harremana. Horretarako, artistak, sa-
rean sorturiko elementu ezberdinetaz
baliatzen da, hala nola, memeak, in-
fluencerrak edo gaur egun felinoak es-
tereotipatu edo sinbolizatzen dituzten
objektuak. Hauek, eszena ironikoak
eraikitzeko erabiliko ditu, Cosmic Cat
eragin nabariarekin. Kontzeptu honen
bitartez, egun Interneten katuei buruz
aurki dezakegun edukiari ekarpena
eman nahi zaio, eta bertan duten
etorkizunari buruzki gogoeta egin.
Eszena hauen arrazoia, katuek inter-
neten izan duten arrakasta izugarria
eta honen garapenaren zergatia
aurkitzea da (2015 urtean sare trafi-
koaren %15 izan ziren).
Tim Berners-Lee, webgunearen as-
matzailea, bere 25. urteurrenean:
–Zein gauzatarako ez zuen inoiz pen­
tsatu Internet erabiliko zenik, baina
jendeak Internet erabiltzeko arrazoi
nagusietako bat bihurtu dena?
–Katutxoak
Cristina Zafra Hernández Kazeta-
ritzan graduatua Euskal Herriko Uni-
bertsitatean (UPV/EHU) 2017an, EL
CORREOren Multimedia Kazetaritza
Masterra 2018an eta 3D Animazioko,
Jokoetako eta Ingurune Elkarre-
ragileetako goi-mailako teknikaria
2020an. Diseinu grafikoan, edizio di-
gitalean, bideo-edizioan eta argazki-
gintzan espezializatua.
Cristina Zafra Hernández
Kosmikat es un proyecto que gira en
torno a la imagen contemporánea
del gato. En él se trata de reflexionar
sobre su expansión y distribución en
Internet y en la manera en la que los
usuarios se relacionan con dicho con-
tenido. Para ello, la artista se vale de
elementos surgidos en la red, como
pueden ser memes, influencers u ob-
jetos que simbolizan o estereotipan a
estos felinos actualmente, para crear
una serie de escenas irónicas influen-
ciadas por el concepto Cosmic Cat;
que tratan de hacer una aportación al
contenido actual relacionado con ga-
tos en Internet y una reflexión sobre
el futuro de esta imagen.
La razón de crear estas escenas, sur-
ge de la necesidad de dar respuesta
a por qué los gatos tienen tanto éxito
en Internet (el 15% del tráfico mun-
dial en 2015) y de por qué ha evolu-
cionado este contenido de la manera
en la que lo ha hecho.
Tim Berners-Lee, inventor de la web,
en su 25 aniversario:
–¿Cuál fue una de las cosas para las
que nunca pensó que se usaría Inter-
net, pero en realidad se ha convertido
en una de las principales razones por
las que la gente usa Internet?
–Gatitos
Cristina Zafra Hernández graduada
en Periodismo por la Universidad el
País Vasco (UPV/EHU) en 2017, Más-
ter de Periodismo Multimedia de EL
CORREO en 2018 y Técnico Superior
de Animación 3D, Juegos y Entornos
Interactivos en 2020. Especializada
en diseño gráfico, edición digital, edi-
ción de vídeo y fotografía.
Gorliz (Bizkaia), 1993
Instagram: @kosmikat_ba
Kosmikat is a project that revolves
around the contemporary image of
the cat. It seeks to reflect on its ex-
pansion and distribution online and
the way that users relate to that con-
tent. The artist therefore uses online
elements, including memes, influenc-
ers or objects that currently symbol-
ise or stereotype those felines, to
create a series or ironic scenes in-
fluenced by the Cosmic Cat concept;
which seek to make a contribution to
the current content related to cats
online and a reflection on the future
of the image.
The reason for creating these scenes
emerges from the need to find out
why cats have been so successful
online (15% of global traffic in 2015)
and why that content has evolved in
way it has.
Tim Berners-Lee, inventor of the in-
ternet, on its 25th anniversary:
–What was one of the things you nev-
er though the internet would be used
for, but has actually become one of the
main reasons people use the internet?
–Kittens
Cristina Zafra Hernández graduat-
ed in Journalism from the University
of the Basque Country (UPV/EHU) in
2017, completed a EL CORREO Mas-
ter’s in Multimedia Journalism in 2018
and qualified as a Higher Technician
in 3D Animation, Interactive Games
and Environments in 2020. Special-
ised in graphic design, digital publish-
ing, video editing and photography.
117

Paisaia eta pertsonak denboran
sartuta gaude, lehen emozioak des-
tilatzen dituzunean, han denbora
errealagoa dela ondorioztatzen duzu,
berehalakoagoa, bizigarriagoa dela,
izan ere, han denboraren pertzepzioa
errotik alda daitekelako segundo ba-
tean. Aldi berean, denbora historia
bezala sentitzen duzu, milaka urteko
zibilizazio sofistikatu bat bezala, behin
eta berriz errepikatzen den anker-
keriak eta petrolio merkataritzak
mendera ezin dutena. Baina zibiliza-
zioa ez da kontzeptu abstraktu bat,
kultura batek osatzen du, bizitzeko
modu batek, gizarte-egitura batek,
eta, jakina, horren egileak dira beren
egunerokotasunean, historia hurbila
eraikitzen duten pertsonak, kasu ho-
netan, iraunkortasun, erresilientzia
eta ausardia benetan miresgarriekin.
Ez da proiektu erabat dokumentala,
nahiz eta bere hanketako bat erregis-
tro honetan sendo oinarritzen den,
ez da kazetaritzako argazki-lan bat,
nahiz eta inoiz ez nuen gatazka-ere-
muetatik hain gertu dagoen mate-
rialarekin lan egin, ikus-entzunezko
pieza batzuen bidez oso presente
dagoen errealitate baten interpreta-
zio plastiko bat izan nahi du, zeinetaz
itxuraz datu amaigabeak iristen zaiz­
kiguna, baina benetan etengabeko
distortsioan bildurik. Kalidoskopio
bat, angelu handitik teleobjektibora,
ikuslea errepikapen historiko gaiz-
toan dagoen orainaldi baten ziurga-
betasun- eta dualtasun-sentsaziora
hurbiltzeko.
Begoña Zubero argazkilari gisa tre-
batu zen Madrilen eta New Yorken.
Bere ibilbidean zehar hainbat genero
igaro ditu, hiriko espazioen eta natura
hilen argazki errealistatik argazki sub-
jektiboaren abstrakzioa esperimen-
tazioraino. Bere lehen proiektuetatik,
tesiaren argazki ezin hobea egin du
teknikaren, formaren eta estetikaren
aldetik, eta dokumentazioari eta iker-
ketari esker, garrantzi intelektual han-
diko irudiak egin ahal izan ditu.
Begoña Zubero Apodaca
Tanto el paisaje como las personas
estamos incrustados en el tiempo,
cuando destilas las primeras emo-
ciones concluyes que allí el tiempo
es mas real, mas inminente, mas vital,
por que allí la percepcion del mismo
puede cambiar redicalmente en un
segundo. A su vez sientes el tiempo
como historia, como una civilización
milenaria y sofisticada a la que ni la
reiterada atrocidad ni el mercadeo
petrolífero logran doblegar. Pero la
civilización no es un concepto abs-
tracto, la conforma una cultura, un
modo de vivir, una estructura social,
obviamente los artífices de la misma
son las personas que en su cotidiani-
dad, en su día a día van construyendo
la historia reciente, en este caso, con
una tenacidad, una resiliencia y una
valentía realmente admirables.
No es un proyecto estrictamente do-
cumental, aunque una de sus patas
se apoya firmemente en este registro,
no es un trabajo de foto periodismo,
aunque jamás había trabajado con
material tan cercano a zonas de con-
flicto, quiere ser una interpretación
plástica a través de diversas piezas
audiovisuales de una realidad muy
presente, de la que aparentemente
nos llegan infinitos datos, pero real-
mente envueltos en una distorsión
continua. Un calidoscopio desde el
gran angular hasta el teleobjetivo
para acercar al espectador a la sensa-
ción de incertidumbre y de dualidad
de un presente en perversa repeti-
ción histórica.
Begoña Zubero se formó como fo-
tógrafa en Madrid y Nueva York. A
lo largo de su carrera ha transitado
distintos géneros, desde la fotogra-
fía realista de sus espacios urbanos
y naturalezas muertas hasta su expe-
rimentación con la abstracción de la
fotografía subjetiva. Desde sus prime-
ros proyectos ha desarrollado una fo-
tografía de tesis de impecable factura
técnica, formal y estética, en la que la
documentación e investigación le han
permitido elaborar unas imágenes de
gran calado intelectual.
Bilbo, 1962
www.bzubero.es
Both landscape and people are em-
bedded in time, when you distil the
first emotions, you conclude that
time is more real, more imminent,
more vital there, because the per-
ception of it can radically change in
a second. You sometimes feel time
as history, as a sophisticated and
age-old civilisation that neither the
repeated atrocity nor the oil market
have managed to crush. Yet civili-
sation is not an abstract concept. It
consists of a culture, a way of living,
a social structure. Its artifices are ob-
viously the people that in their every-
day lives, in their day-to-day routine
are constructing recent history, in
this case, with really admirable te-
nacity, resilience and bravery.
It is not a strictly documentary pro-
ject, even though part of it is firmly
based on that genre. Nor is photo-
journalism, even though I had nev-
er worked with material so close to
conflict zones. It seeks to be a plastic
interpretation using very different
audiovisual pieces of a very pres-
ent reality, from which infinite data
apparently reaches us, but really
shrouded in continuous distortion.
A kaleidoscope from the wide angle
to the zoom so that the viewer can
experience the feeling of uncertainty
and duality of a present in a perverse
historical repetition.
Begoña Zubero trained as a pho-
tographer in Madrid and New York.
During her career, she has worked in
different genres, from realistic pho-
tography of urban spaces and still-
lifes to her experimentation with the
abstraction of subjective photogra-
phy. From her early projects, her
photography has been technically,
formally and aesthetically impecca-
ble, where documentation and re-
search have allowed her to produce
images of great intellectual depth.
121

PETATXOKAJOI 2021
Logelako kaxoietatik argazki zaharrak
atera bitartean, amak edota amonak
kontatu dizkigun istorioak elkarbana-
tu dizkiogu elkarri hilabeteotan eta
ohe gainera igo dira. Gure familietan
gertatutakoak ageri dira bertan, ora-
indik gu ez gineneko osatu gaituzten
pasarte eta momentuak.
Eskoitza, Albeniz, Arrasate, Donos-
tia; Bil­boko logela batean topatu
dira. Gure haurtzarotik hasi, amen
gaztarotik pasa eta gure aitxitxe eta
amoñiren bizitzetara heldu gara. Bi
toki daude egindako ohean. Kalean
zein etxean aurkitutako objektuekin
eraiki dugu gela, deslotzean afektua
bilatuz. Kaxoiak kalean gauez aurkitu-
takoak dira, adibidez, eta gau horiek
ere badute zer esana. Zenbat istorio
dauden oraindik idatzi gabe, zenbat
istorio berri kontatu genitzakeen isto-
rio horien bitartez.
Mila esker Pili, Ana eta Doloresi.
Maialenge. Arte gradua (UPV-EHU,
2020). Eremuak programaren Ha-
rriak egitasmoan Bernarda B.G-rekin
lankidetzan ibilia. Egun, Pintura Mas-
terrean UPV-EHUn. 2020an Bizkaia
Aretoan GRAL-en erakusketan parte
hartu eta 2021an hainbat esposizio
kolektibo egingo ditu: GORRIA/ROJO
(ZAWP, Bilbo), Sopas&Sorber (Arozte-
gi Aretoa, Bergara), Orain arte/Has-
ta ahora (Sala Vital, Vitoria/Gasteiz),
EME (Barakaldoko Udal Erakusketa
Aretoa), etb.
Bernarda Beñat G. Arte gradua
(Leioa, UPV-EHU 2020). Collage-pin-
tura eta eskultura oinarritzat, egune-
rokoak eta ezagun diren objektuen
bitartez lengoaia eta teknika arrun-
tak aztertzen ditu, baztertutakoare-
kin jolasteko eta bere burua jolas
gisa baztertzeko. 2020ko Eremuak
programaren Harriak egitasmoan
M. Gallastegirekin lankidetzan ibilia.
Urte berean ere, Iván Gómezen La
prospección de Kairós proiektuan ko-
laboratzaile Alhondiga Azkuna Zen-
troan (Bilbo).
Maialenge & Bernarda B. G.
Eskoriatza (Gipuzkoa), 1998 - Donostia, 1994
PARCHECAJÓN 2021
Estos últimos meses, mientras sacá-
bamos fotos antiguas de los cajones
de la habitación, se han subido a esta
cama las historias que nos hemos
compartido de nuestras madres y
abuelas. En ellas aparecen los hechos
ocurridos en nuestras familias, los
episodios y momentos que nos han
conformado cuando todavía no era-
mos nosotras.
Eskoitza, Albeniz, Arrasate, Donostia;
se han encontrado en una habitación
de Bilbao. Partiendo de nuestra infan-
cia, recorriendo la juventud de nues-
tras madres, llegamos a las vivencias
de nuestros Aitxitxe y Amoñi (abuelo
y abuela). Hay dos lugares en la cama
construida. Buscando afecto en el
desligue, hemos construido el cuarto
con objetos encontrados en la calle
así como dentro de casa. Los cajo-
nes son de una noche en la calle, por
ejemplo, y esas noches también tie-
nen mucho que decir. Cuantas histo-
rias aún sin escribir, cuantas historias
nuevas posibles derivantes de estas.
Muchas gracias a Pili, Ana y Dolores.
Maialenge. Graduada en el Grado de
Artes (UPV-EHU, 2020). Participante
en el proyecto Harriak del programa
Eremuak 2020 en colaboración con
Bernarda Beñat G. Hoy día, realiza el
Máster de Pintura de la UPV-EHU. En
2020 participó también en el exposi-
ción de los TFG-s en Bizkaia Aretoa
y en el 2021 realizará diversas ex-
posiciones colectivas: GORRIA/ROJO
(ZAWP, Bilbo), Sopas&Sorber (Arozte-
gi Aretoa, Bergara), Orain arte/Has-
ta ahora (Sala Vital, Vitoria/Gasteiz),
EME (Sala Municipal de Exposiciones,
Barakaldo),...
Bernarda Beñat G. Se graduó en Ar-
tes (Bilbao, UPV-EHU 2020). Partien-
do de la pintura –y la escultura– colla-
ge, experimenta lenguajes y técnicas
ordinarias a través de objetos comu-
nes y reconocibles, jugando con lo re-
chazado y dejándose rechazar como
juego. Participante en el proyecto Ha-
rriak del programa Eremuak 2020 en
colaboración con M. Gallastegi. Cola-
boradorx en el proyecto La Prospec-
ción de Kairós del artista Iván Gómez
en AzkunaZentroa Alhóndiga (Bilbao).
PARCHECAJÓN 2021
Those last months, while we took
old photos from the drawers of the
bedroom, the stories that we shared
of our mothers and grandmothers
were told in this bed. They contained
the facts that occurred in our fami-
lies, the episodes and moments that
shaped us when we were still yet not
ourselves.
Eskoitza, Albeniz, Arrasate, Donostia;
they have all been there in a room of
Bilbao. Starting from our childhood,
through the youth of our mothers,
we reach the experiences of our
Aitxitxe and Amoñi (grandfather and
grandmother). There are two places
in the built bed. Seeking affection in
the disengaging, we have created the
room with items found in the street
and withing the house. The dra­wers
are from a night in the street, for
exam­ple, and those nights also have
a great deal to say. So many stories
still to be written, so many new stories
that may lead from them.
Thank you Pili, Ana and Dolores.
Maialenge. Graduated in Art (UPV-
EHU, 2020). Took part in the Harriak
project in the Eremuak 2020 pro-
gramme with Bernarda Beñat G. She
is currently studying for her Master’s
Degree in Painting at the UPV-EHU. In
2020, Maialenge also took part in the
TFG-s exhibition at Bizkaia Areta and
will be exhibiting at different collective
shops in 2021: GORRIA/ROJO (ZAWP,
Bilbo), Sopas&Sorber (Aroztegi Aretoa,
Bergara), Orain arte/Hasta ahora (Sala
Vital, Vitoria/Gasteiz), EME (Municipal
Exhibition Room, Barakaldo), ...
Bernarda Beñat G. Graduated in Art
(Bilbao, UPV-EHU 2020). Starting from
painting –and sculpture– collage,
Bernarda experiments with ordinary
techniques and languages using
common and recognisable objects,
playing with rejection and be allowed
to be rejected as a game. Took part
in the Harriak project in the Eremuak
2020 programme with M. Gallastegi.
Contributor to the La Prospección de
Kairós project of the artist Iván Gómez
at AzkunaZentroa Alhóndiga (Bilbao).
125
 EKOIZPEN-ARTISTAK
ARTISTAS DE PRODUCCIÓN
PRODUCCIÓN ARTISTS

Titulurik gabea (Anas Platyrhynchos)
eta Titulurik gabea (hermafrodita),
Rafael Botí Fundazioan (Kordoba)
egindako Error de cálculo (2021) tal-
de-erakusketarako berariaz sortu
dira, eta Jesús Alcaidek komisariatu
du. Erakusketak bere ekoizpen plas-
tikoan unibertso zientifikoari lotutako
ikerketa- eta produkzio-interesak eta
-prozesuak integratzen dituzten artis-
ten lana batzen ditu. Errorearen bidez
baino ezin daitekeela aurrera egin eta
zientziaren eta artearen arloan iker-
keta garatu ulertuta.
Álvaro Albaladejok garatutako proiek-
tua bere aurreko lanarekiko deribazio
plastiko eta kontzeptuala da. Sortu-
tako piezak eskuliburu anatomikoko
marrazkietan inspiratuta daude. Ma-
rrazki horiek zehaztasun zehatzekoak
izaten dira, baina akatsez eta ñabar-
dura zehaztugabez betetako deskri-
bapena proposatzen dute.
Bere kasuan, Albaladejok PLAko ha-
rizpietan inprimatutako lan batzuk
dakartza, inprimagailu bolumetri-
koaren bidez. Eskultura horiek anima-
lien ugaltze-aparatuen barne-eskemei
dagozkie, zeinen forma edo funtziona-
mendua sofistikatua den, ez-ohikoa,
aldagarria edo espezie desberdinen
ziklo biologikoan bereiz daitekeena.
Ahate zakilak, argonauta, babosa eta
barraskiloen ugaltze-aparatu herma-
froditak. Bestalde, pieza horiek akats
deskriptiboak dituzte modelatzean,
edo baita ekoizpenean erregistra­
tzekoak ere; ekoizpena, xehe-xehea,
glitchez, erredundantziez, inkohe-
rentzia anatomikoz eta piezen irakur-
keta irekitzen duten hainbat akatsez
beteta dago.
Álvaro Albaladejo Kordoban bizi eta
lan egiten du. Hainbat erakusketa in-
dibidual eta kolektibotan parte hartu
zuen: Medianoche después del desier-
to, INICIARTE, Sevilla; Espejismo en
Groenlandia, Galería Artnueve, Murt-
zia; Entre las formas que van hacia la
sierpe y las formas que tienden al cris-
tal, CAAC, Sevilla; y Tocar la tierra, C3A,
Kordoba 2020an. Azoka eta sariak:
Arco, Estampa eta Swab 2021ean, eta
finalista VI. Alhambra Arte Emergente
ARCO 2022 Sarirako.
Sin título (Anas Platyrhynchos) y Sin
título (hermafrodita), han sido conce-
bidas específicamente para la exposi-
ción colectiva Error de cálculo (2021)
realizada en la Fundación Rafael Botí
(Córdoba) y comisariada por Jesús Al-
caide. La muestra aúna el trabajo de
artistas que integran en su produc-
ción plástica intereses y procesos de
investigación y producción vinculados
al universo científico. Entendiendo
que sólo a través del error es posible
el avance y la investigación en el cam-
po científico y artístico.
El proyecto desarrollado por Álvaro
Albaladejo supone una deriva plástica
y conceptual en relación a su traba-
jo anterior. Las piezas producidas se
inspiran en dibujos de manual anató-
mico. Estos dibujos suelen ser de una
precisión meticulosa aunque propo-
nen una descripción cargada de erro-
res y matices inconcretos. En su caso,
Albaladejo trae una serie de obras im-
presas en filamento de PLA, mediante
impresora volumétrica. Estas escul-
turas corresponden a esquemas in-
ternos de aparatos reproductores de
animales cuya forma o funcionamien-
to es sofisticado, no habitual, mutable
o incluso escindible en el ciclo bioló-
gico de los distintos especímenes. En-
contramos penes de pato, argonauta,
aparatos reproductores hermafrodi-
tas de babosas y caracoles. Por otra
parte, estas piezas contienen fallos
descriptivos en su modelado o inclu-
so de registro en su producción; la
producción, meticulosa, está llena de
glitch, redundancias, incoherencias
anatómicas y diversos errores que
abren la lectura de las piezas.
Álvaro Albaladejo vive y trabaja en
Córdoba. Participó en diversas ex-
posiciones individuales y colectivas:
Medianoche después del desierto, INI-
CIARTE, Sevilla; Espejismo en Groen-
landia, Galería Artnueve, Murcia; Entre
las formas que van hacia la sierpe y las
formas que tienden al cristal, CAAC, Se-
villa; y Tocar la tierra, C3A, Córdoba en
2020. En ferias y premios como: Arco,
Estampa y Swab en 2021 y finalista
para el VI Premio Alhambra de Arte
Emergente ARCO 2022.
Álvaro Albaladejo
Granada, 1983
Sin título (Anas Platyrhynchos) and
Sin título (hermafrodita), have been
specifically conceived for the group
exhibition Error de cálculo (2021) held
at the Rafael Botí Foundation (Córdo-
ba) and curated by Jesús Alcaide. The
exhibition brings together the work
of artists who integrate in their plastic
works interests and processes of re-
search and production linked to the
scientific universe. Understanding
that only through error is it possible
to advance and research in the scien-
tific and artistic fields.
The project developed by Álvaro Al-
baladejo is a plastic and conceptual
drift in relation to his previous work.
The pieces produced are inspired by
drawings from an anatomical hand-
book. These drawings are usually
meticulously precise although they
propose a description full of errors
and inconcrete nuances. In his case,
Albaladejo brings a series of works
printed in PLA filament, using a volu-
metric printer. These sculptures cor-
respond to internal schemes of ani-
mal reproductive apparatuses whose
form or functioning is sophisticated,
unusual, mutable or even splittable
in the biological cycle of the different
specimens. We find duck penises, ar-
gonauts, hermaphrodite reproductive
apparatuses of slugs and snails. On
the other hand, these pieces contain
descriptive flaws in their modeling or
even registration in their production;
the production, meticulous, is full of
glitch, redundancies, anatomical in-
consistencies and various errors that
open the interpretation of the pieces.
Álvaro Albaladejo lives and works in
Córdoba. He participated in several
solo and group exhibitions: Median-
oche después del desierto, INICIARTE,
Sevilla; Espejismo en Groenlandia,
Galería Artnueve, Murcia; Entre las
formas que van hacia la sierpe y las
formas que tienden al cristal, CAAC,
Sevilla; and Tocar la tierra, C3A, Cór-
doba in 2020. Fairs and awards: Arco,
Estampa and Swab in 2021 and final-
ist for the VI Alhambra Emerging Art
Award ARCO 2022.
131

Belarrak badaki hizketan,
jarrai goxorantz.
Aurrean Goxo desiren bilera bat izan
da, fantasia bat bizitza aspergarri
baten barruan. Unibertso baten erai-
kuntza, nire baitan egon daitekeen
gauzarik jatorrena asetzeko.
Erabiltzen dituzten gorputzen egune-
rokotasuna aldatzen edo asaldatzen
duten hainbat jantzi-tramankuluren
bidez eraikitzen da proiektua. Ba­
tzuetan, tramankulu horiek gorputzak
elkartuta egotera behartzen dituzte,
elkarri gogor musu ematera, jolastera
ere bai, eta batzuetan apur bat arris-
kuan ere jartzen dituzte. Denak ase­
tzen dira eta denak akitzen.
Tramankulu horien eraikitzeari pro-
baketaren akzioak jarraitzen dio,
bideoz edo argazkiz grabatzen ditu-
danak. Beste izaki eder batzuek ere
laguntzen dituzte. Kasu honetan, txi-
meletak. Edo bi zomorro hegaldun.
Agian hadak.
BilbaoArteko egonaldian Aurrean
Goxo pro­ iektuaren parte izan diren
hegodun jantzi batzuk egin ditut. Ho-
rietako batzuk dagoeneko erakutsi di-
tut, esaterako, Poliki Gaizto irudikoak,
Azkuna Zentroaren erakusketan, Ba­
bestu, Apoyo a la creación 2020-2021
markoaren barruan. Beste ba­ tzuk
etortzeke daude oraindik.
Maider Aldasoro Diaz Arte Ederre-
tan graduatua da UPV/EHUn + Arte
eta Sorkuntza Ikerketa Masterra Ma-
drilgo Unibertsitate Konpluten­tsean.
Bere praktikak bideoa, jantzien di-
seinua, tramankuluen eraikuntza,
bideo-performancea eta animazioa
nahasten ditu. Erakusketa kolekti-
boetan parte hartu du, hala nola XXX-
VI Erakusketa Arte Gaztea Errioxan
2020, Ertibil Bizkaia 2021. 2020-2021
urtean zehar egoitza bat egin du
Azkuna Zentroa Alhóndiga Bilbaon,
Babestu, Sorkuntzarako Laguntza
markoaren barruan, eta, egindako
amaierako erakusketa indibidual ba-
tekin amaituz zentro berean.
Belarrak badaki hizketan,
jarrai goxorantz.
Aurrean Goxo ha sido una reunión de
deseos, una fantasía dentro de una
vida aburrida. Una construcción de
un universo para saciar lo más genui-
no que puede haber en mí.
El proyecto se construye a través de
una serie de prendas-artefactos que
modifiquen o alteren la cotidianidad
de los cuerpos que los utilizan. A
veces estos artefactos obligan a los
cuerpos a permanecer unidos, a be-
sarse muy fuerte, también a jugar y
a veces también los ponen un poco
en peligro. Todos ellos sacian y todos
ellos agotan.
A la construcción de estos artilugios
le sucede la acción o la puesta a prue-
ba de los mismos, que grabo en vídeo
o fotografío. También van acompaña-
dos por otros seres preciosos. En este
caso unas mariposas. O unos bichillos
alados. Tal vez hadas.
Durante mi estancia en BilbaoArte he
construido una serie de trajes alados
que han formado parte del proyecto
Aurrean Goxo. Algunos de ellos los he
enseñado ya, como los de la imagen
Poliki Gaizto, en la expo de Azkuna
Zentroa, dentro del marco Babestu,
Apoyo a la creación 2020-2021. Otras
están aún por venir.
Maider Aldasoro Diaz es gradua-
da en Bellas Artes por la UPV/EHU
+ Máster en Investigación en Arte y
Creación en la Universidad Complu-
tense de Madrid. Su práctica mez-
cla el video, el diseño de vestuario,
la construcción de artilugios, la vi-
deo-performance y la animación. Ha
participado en exposiciones colec-
tivas como XXXVI Muestra de Arte
Joven en la Rioja 2020, Ertibil Bizkaia
2021. Durante el año 2020-2021 ha
realizado una residencia en Azkuna
Zentroa Alhóndiga Bilbao dentro del
marco Babestu, Apoyo a la creación,
culminando con una exposición indi-
vidual en el mismo centro.
Maider Aldasoro Diaz
Mexiko Hiria, 1992
Belarrak badaki hizketan,
jarrai goxorantz.
Aurrean Goxo has been a meeting of
desires, a fantasy within a boring life.
Constructing a universe to satiate the
most genuine in me.
The project is constructing using a se-
ries of devices-garments that modify
or alter the ordinariness of the bodies
that use them. Those devices some-
times require the bodies to stay unit-
ed, to kiss deeply, to play and some-
times even put them in a little danger.
They all satiate and they all exhaust.
Constructing those gadgets is fol-
lowed by action or testing them,
which I video or photography. They
are all accompanied by other beauti-
ful beings. In this case, butterflies. Or
winged creatures. Perhaps fairies.
During my stay at BilbaoArte, I have
built a series of winged suits as part
of the Aurrean Goxo project. I have al-
ready shown some of them, such as
those in the Poliki Gaizto photo, at the
Azkuna Zentroa exhibition, as part of
Babestu, Apoyo a la creación 2020-
2021. Others are still to come.
Maider Aldasoro Diaz graduated in
Fine Arts from the UPV/EHU and has
a Master’s Degree in Creation and
Art Research from the Complutense
University of Madrid. Her art mixes
video, costume design, constructing
gadgets, video performance and an-
imation. She has been part of group
exhibitions including XXXVI Muestra
de Arte Joven en la Rioja 2020, Erti-
bil Bizkaia 2021. During 2020-2021,
she completed a residency at Azkuna
Zentroa Alhóndiga Bilbao as part of
Babestu, Apoyo a la creación, and cul-
minating with a solo exhibition at the
same centre.
133

Objeto catalizador, magnitude han-
diagoko beste proiektu baten parte
da, Rotoscópica deritzona, zeinetan,
gaur egun, artista lanean ari da. Ro-
toscópica berrelikapen makina bat da,
sormen-prozesutik bertatik sor­ tzen
dena, haren deriba bat izanda. Erre-
tratu piktoriko batzuekin hasten da,
zeinetan maskara edo jantzi moduko
egitura batzuk erabiltzen dituen. Hu-
rrengo erretraturako jantzi berri bat
konfiguratzeko zirriborroak egitean,
artistak zenbait objektu zeramikazko
materialean erreproduzitzea era-
bakitzen du, eskaiolazko moldeen
bidez. Horrela, lan-prozesuak jan­
tzi horietatik haratago zabaltzen du
perspektiba, eta erreprodukzioak,
zeramika-piezen errepikapenekin ba­
tera, itxuratzen dute proiektuaren
lehengaia.
Zeramika horietatik abiatuta, oihal es-
tanpatuekin eta beste ehun batzuekin
batera, eskultura, pintura eta bideoa
lantzen da aldi berean. Horrela, mul­
tzoak formatu instalatiboa hartzen
du, garatu ahala pixkanaka eraikitzen
joango dena.
Jenni Alvarado. Arte Ederretan lizen­
tziatu nintzen UPV/EHU-n. Harrezke-
ro, nire proiektu artistikoak pintura-
ren inguruan garatu dira batik bat.
Aldi berean, ikus-entzunezko hainbat
lan egin ditut, eta horrek bi hizkun­
tzen arteko elkarrizketa sortu dit.
(2010) Ertibileko erakusketa kolekti-
borako hautatua, (2011) Clone Maga-
zine aldizkarirako hautatua, Ilustrazio
berezia, (2015) Eusko Jaurlaritzaren
arte plastiko eta bisualen ekoizpene-
rako beka. (2018) Euskal Herriko Uni-
bertsitatean pintura masterra, (2019)
Bizkaiko Fo­ru Aldundiaren arte plasti-
ko eta bisualen ekoizpenerako beka,
erritu-objektuaren eta totem faltsua-
ren inguruan lanean jarraitzeko.
Objeto catalizador, forma parte de
otro proyecto de mayor magnitud
que se llama Rotoscópica, en el cual la
artista está trabajando actualmente.
Rotoscópica es una maquinaria de re-
troalimentación que surge del propio
proceso creativo, siendo una deriva
del mismo. Comienza con unos retra-
tos pictóricos en los que utiliza unas
estructuras a modo de máscara o tra-
jes. Al realizar los bocetos para la con-
figuración de un nuevo vestuario para
el siguiente retrato, la artista decide
reproducir algunos objetos en ma-
terial cerámico mediante moldes de
escayola. De este modo, el proceso
de trabajo amplía la perspectiva más
allá de estos trajes, y la reproducción
junto con la repetición de las piezas
cerámicas configuran la materia pri-
ma del proyecto.
A partir de estas cerámicas junto a
telas estampadas y otros tejidos, se
trabaja simultáneamente la escultura,
la pintura y el vídeo. De este modo, el
conjunto adquiere un formato insta-
lativo, que se irá construyendo de ma-
nera progresiva según se desarrolle.
Jenni Alvarado. Me licencié en Bellas
Artes en la UPV/EHU. Desde enton-
ces mis proyectos artísticos se han
desarrollado sobre todo en torno a la
pintura. Al mismo tiempo he llevado
a cabo diferentes trabajos de ámbito
audiovisual, y esto me ha generado
un diálogo entre ambos lenguajes,
(2010) Seleccionada para la exposi-
ción colectiva de Ertibil, (2011) Selec-
cionada para la revista Clone Magazi-
ne – especial ilustración, (2015) Beca
a la producción de artes plásticas y
visuales de Gobierno Vasco, (2018)
Máster de pintura en la Universidad
del País Vasco, (2019) Beca a la pro-
ducción de artes plásticas y visuales
de la Diputación Foral de Bizkaia para
continuar trabajando en torno al Ob-
jeto ritual y al Falso Tótem.
Jenni Alvarado
Durango (Bizkaia), 1981
Objeto catalizador, it is part of another
larger project called Rotoscópica, on
which the artist is currently working.
Rotoscópica is a feedback machinery
that emerges from the creative pro-
cess itself and is a derivative of it. It
begins with pictorial portraits where
structures are used as masks or cos-
tumes. When producing sketches for
the new garments for the following
portrait, the artist decided to make
certain items in ceramic using plas-
ter moulds. The work process thus
expanded its perspective beyond
those garments, and the reproduc-
tion along with the repetition of the
ceramic items are the raw material of
the project.
Using those ceramics along with
printed and other fabrics, she simul-
taneously works with sculpture, paint-
ing and video. The ensemble thus
acquires an installation format, which
will be progressively constructed as it
developed.
Jenni Alvarado. I graduated in Fine
Arts from the UPV/EHU. My artistic
projects have since then have mainly
involved painting. At the same time,
I have worked on different audiovis-
ual works and that has generated a
dialogue between both languages.
(2010) Selected for the Ertibil collec-
tive exhibition. (2011) Selected for the
Clone Magazine – Illustration special
issue. (2015) Basque Government
grant for visual and plastic art produc-
tion. (2018) Master’s Degree in Paint-
ing at the University of the Basque
Country. (2019) Bizkaia Provincial
Council grant for visual and plastic art
production to continue working on
Objeto ritual and Falso Tótem.
135

Eskulturatik, totemetik eta bere zero
mailatik, fetitxetik. TOYS. AMA, PE-
REGRINA eta FUERZAtik eratorritako
lan-prozesuak garatzea proposatzen
du, besteak beste, eskulturatik, totem­
etik eta haren zero mailatik, fetitxetik,
sortutako izenburu sinboliko horien
azpian ezkutatuta dagoen ikerketa-il-
doarekin jarraitzeko. Formatu sorta
horietatik abiatuta, lan-ildo berri bati
jarraitzea proposatu nuen. Alde bate-
tik, hasierako asmoa daga, lantza eta
labana formadun gorputz objektual
batzuk garatzea izan zen Bitxia. Horre-
la deitzen ditut, erasorako aurrez eza-
rritako objektu zorrotzak baitira, baina
ez dute horretarako balio; izan ere,
punten ordez irudiak moldatuz erabi-
lera eta funtzio hori bereizten saiatu
bainaiz, oso pieza delikatuak eginez,
erasotzeko erabiltzean apurtu egin-
go liratekeenak, edo haien ezaugarri
diren urregile izaerako artisau-xehe-
tasun ñimiñoak hondatuko liratekee-
nak. Beste helburuetako bat formatu
mota desberdinekin lan egitea izan
zen, eskala handiago batera erama-
tea lortu arte, gorputz batek (daga)
aktibatutako erabilgarriak izateari utz
ziezaioten, eskultura gorpuzdunagoak
(daga pertsona) bihur zitezen. Bes-
talde, ahalegin hau artisau-lana tes-
tuingurutik kanpo uzteko ariketa dela
uste dut, kasu honetan pintura eta
eskultura arte-diziplina gisa hartzen
dituen maila berean kokatuz. Zentzu
horretan, Gisela Breitling-en (1939-
2018) «Artearen Hizkuntza, isiltasuna
eta diskurtsoa gogoetatik gertu nago.
Lan hau arte garaikidearen, artisautza
tradizionalaren, labanen eta sinbolo-
gia totemikoen arteko hibridazio-na-
hasketa gisa kalifikatu da».
Giza funtzionamendurako mekanismo
ezkutu batzuen garrantziari buruzko
ikerketa bat, hainbat erabilera eta
esanahi izan ditzaketen gorputz objek­
tualekin egindako lan bat, kultur leku
inkontzienteetatik, erakarpen eta se-
dukzio mekanismoetatik egiten diren
elkarteekin, horiek ez baitituzte argitu
nahi eta ezkutuan baitaude.
Nerea Apodaka García
Desde la escultura, el tótem y su grado
cero, el fetiche. TOYS. Plantea desarro-
llar procesos de trabajo provenientes
de AMA, PEREGRINA y FUERZA, entre
otros, para continuar la línea de inves-
tigación que permanece oculta bajo
estos títulos simbólicos que fueron
concebidos desde la escultura, el tó-
tem y su grado cero, el fetiche. A partir
de este conjunto de formatos propuse
continuar una nueva línea de trabajo.
Por una parte, la intención inicial fue
desarrollar una serie de cuerpos obje-
tuales en forma de dagas, lanzas y cu-
chillos – joya. Los denomino así ya que
son objetos punzantes con la función
de uso preestablecida de ataque, pero
no sirven para ello, ya que he tratado
de desvincular ese uso y función mo-
delando figuras en el lugar de puntas,
haciendo piezas muy delicadas que al
usarlas para atacar se romperían, o
estropearían los minúsculos detalles
artesanales de carácter orfebre que
los caracterizan. Otro de los objetivos
fue trabajar con distintos tipos de for-
matos hasta conseguir trasladarlos
a una escala mayor, tratando de que
dejasen de ser útiles activados por un
cuerpo (daga) para que consiguieran
convertirse en esculturas más corpo-
rales (persona daga). Por otro lado,
considero este empeño un ejercicio
de descontextualización del trabajo
artesanal, situándolo al mismo nivel en
este caso que la pintura y la escultu-
ra como disciplinas artísticas. En este
sentido me encuentro cercana a las
reflexiones de Gisela Breitling (1939-
2018), «Lenguaje, silencio y discurso
del Arte. Este trabajo ha sido calificado
como una mezcla de hibridación entre
el arte contemporáneo, la artesanía
tradicional, los cuchillos y las simbolo-
gías totémicas».
Una investigación en torno a la impor-
tancia de ciertos mecanismos ocultos
de funcionamiento humano, un traba-
jo con cuerpos objetuales que podrían
tener diverso uso y significado con
asociaciones que se realizan desde lu-
gares culturales inconscientes, desde
mecanismos de atracción y seducción
que se resisten a ser desvelados y per-
manecen ocultos.
Laudio (Araba), 1992
From sculpture, the totem and its
degree zero, the fetish. TOYS. It pro-
poses to develop work processes
from AMA, PEREGRINA and FUERZA,
among others, to continue the line of
research that remains hidden under
these symbolic titles that were con-
ceived from sculpture, the totem and
its degree zero, the fetish. From this
set of formats I proposed to continue
a new line of work. On the one hand,
the initial intention was to develop a
series of object bodies in the form
of daggers, spears and knives - jew-
ellery. I call them this because they
are sharp objects with the pre-estab-
lished function of attack, but they are
not used for that purpose, as I have
tried to dissociate that use and func-
tion by modelling figures in the place
of points, making very delicate pieces
which, when used to attack, would
break or spoil the tiny handcrafted
details of a goldsmith's character that
characterise them. Another of my
objectives was to work with different
types of formats until I managed to
transfer them to a larger scale, trying
to turn them from being useful tools
activated by a body (dagger) into
more corporeal sculptures (dagger
person). On the other hand, I consid-
er this endeavour to be an exercise in
decontextualising craft work, placing
it on the same level as painting and
sculpture as artistic disciplines. In this
sense I find myself close to the reflec-
tions of Gisela Breitling (1939-2018),
"Language, silence and discourse in
Art. This work has been described as
a mixture of hybridisation between
contemporary art, traditional crafts,
knives and totemic symbologies".
An investigation into the importance
of certain hidden mechanisms of hu-
man functioning, a work with objec-
tual bodies that could have different
uses and meanings with associations
that are made from unconscious cul-
tural places, from mechanisms of at-
traction and seduction that resist be-
ing revealed and remain hidden.
137

DE LA LÍNEA AL BARRO Bapore Atelie-
rrek antolatutako erakusketa kolekti-
boa da. Balmasedako Horcasitas jau-
regian egin zen, 2021eko martxoaren
5etik apirilaren 23ra bitartean. Haszi
programan aukeratutako lehena naiz,
UPV/EHUrekin elkarlanean.
Erakusketak oso obra ezberdinak aur-
kezten ditu, baina neurri batean ma-
terial eta teknikagatik erlazionatuak,
kasu honetan zeramika. Ni ez naiz
zeramikaria: material astunak (hormi-
goia, morteroa, zementua...), beste ari-
nago batzuk (aldizkari papera, zuntzak,
erretxina) eta pertsonalagoak diren
beste batzuk (trastelekuan aurkitutako
objektuak, familiakoak...) erabiltzen
ditut. Hala ere, moldeen joko amaiga-
bean (forma positiboa, molde negati-
boa, forma positiboa...) buztina sarri
erabiltzen dut: bai forma positiboa
modelatzeko, bai negatiboaren arrail
edo zimurduraren bat zuzentzeko.
Lantegian nire gorputzaz oso kon­
tziente naiz, higadura fisikoaz, etenga-
beko mugimenduaz. Ia kirol bat bezala
da, non arrazoia, indarra eta bulkada-
rekin lehiatzen den. Nire energia ikusi,
ukitu, altxatu eta kargatu ahal dudan
zer­baitetan gauzatzen dut. Badirudi
eskulturari buruz dudan ikuspuntua
gauzatu egin dela, hain zuzen ere, nire
kirol-ekipamendua eta anatomiaren
bidez, nire gorputza beti presente da-
goen formak sortuz (kontzeptualki eta
formalki). Nire gorputz propioarekin
egiten ditudan moldeetatik abiatzen
naiz eta entrenatzeko erabiltzen di-
tudan objektuak eransten ditut. Gor-
putzarekin erlazionatutako irudiak ere
erabiltzen ditut.
Miren Barrena Rebe. Arte Ederrak
ikasi zuen (2015-2019) eta Ikerketa
eta Sormena Artean masterra egiten
du (2019-2021) Leioan. Bilboko ikas-
toletan akrobazia klaseak ematen lan
egiten du. Besteak beste, Andoain­
eko Bastero Kulturgunean (Paladin,
2020; Harriak deitutako programaren
barruan, Eremuak) eta Bilboko Aire
galerian (Final Fantasy, 2021) erakut-
si egin du. Aurten ERTIBIL 2021ean
aukeratua izan da, berak egindako
Homezinema bideorengatik.
Gaur egun Tabakalerako Praktika Artis-
tikoen Institutuan dago (Donostia) eta
June Crespo artistaren laguntzailea da.
DE LA LÍNEA AL BARRO es una exposi-
ción colectiva organizada por Bapore
Atelier y que tuvo lugar en el palacio
Horcasitas de Balmaseda entre el 5
de marzo al 23 de abril de 2021. Soy
la primera seleccionada en el pro-
grama Haszi, en colaboración con la
UPV/EHU.
La exposición presenta obras muy di-
ferentes pero relacionadas de alguna
manera por la técnica y el material,
en este caso la cerámica. Yo no soy
ceramista: uso materiales pesados
(hormigón, mortero, cemento…), otros
más ligeros (papel de revistas, textiles,
resinas) y otros más personales (obje-
tos encontrados en el trastero, de la
familia…). Sin embargo, en el eterno
juego de los moldes (forma positiva,
molde negativo, forma positiva…) uso
el barro frecuentemente: tanto para
modelar la forma positiva como para
corregir cualquier grieta o rugosidad
del negativo.
En el taller, soy muy consciente de mi
cuerpo, del desgaste físico, del con-
tinuo movimiento. Casi es como un
deporte, donde la razón compite con
la fuerza y el impulso. Materializo mi
energía en algo que veo y puedo to-
car y levantar y cargar. Parece que mi
concepción de la escultura como ejer-
cicio físico se ha materializado, preci-
samente, a través de mi equipamien-
to deportivo y mi anatomía, creando
formas donde mi cuerpo está siempre
presente (conceptual y formalmente).
Parto de moldes que hago con mi
propio cuerpo e incorporo objetos
que uso para entrenar. También utilizo
imágenes relacionadas con el cuerpo.
Miren Barrena Rebe. Estudió Bellas
Artes (2015-2019) y cursa el mas-
ter Investigación y Creación en Arte
(2019-2021) en Leioa. Trabaja dando
clases de acrobacias aéreas en ikas-
tolas de Bilbao.
Ha expuesto en el Kulturgune Baste-
ro de Andoain (Paladin, 2020; dentro
del programa Harriak, de Eremuak) y
en la galería Aire de Bilbao (Final Fan-
tasy, 2021), entre otros. Este año ha
sido seleccionada en ERTIBIL 2021,
por su video Homezinema.
Actualmente se encuentra en el Ins-
tituto de Prácticas Artísticas de Ta-
bakalera (Donostia) y es asistente de
la artista June Crespo.
Miren Barrena Rebe
Donostia, 1996
Instagram: @miren.barrena
DE LA LÍNEA AL BARRO is a group
exhibition organised by Bapore Atel-
ier and which was on at the Palacio
Horcasitas of Balmaseda between 5
March to 23 April 2021. I was the first
selected in the Haszi Programme, in
conjunction with the UPV/EHU.
The exhibition features very different
works, but somehow related in tech-
nique and material, which in this case
is pottery. I am not a potter: I use
heavy materials (concrete, mortar, ce-
ment…), other lighter ones (magazine
paper, textiles, resins) and other more
personal ones (objects found in the
attic, from the family…). However, in
the eternal game of the moulds (pos-
itive form, negative mould, positive
form…), I often use clay: to model the
positive form and to correct any crack
or roughness of the negative.
In the workshop, I am very aware of
my body, of physical exhaustion, of
constant movement. It is nearly a
sport, where reason competes with
strength and drive. I embody my
energy in something that I can see,
touch, lift and lug. My idea of sculp-
ture as physical exercise seems to
have materialised, precisely, though
my sports gear and my anatomy, cre-
ating forms where my body is always
present (conceptually and formally). I
use moulds made with my own body
and I add objects that I use to train.
I also use images related with the
body.
Miren Barrena Rebe. Studied Fine
Arts (2015-2019) and a Master’s De-
gree in Research and Creation in Art
(2019-2021) at the Basque Country.
She teaches at aerial acrobats at
schools in Bilbao.
Her work has been exhibited at Kul-
turgune Bastero in Andoain (Paladin,
2020; within the Eremuak Harriak pro-
gramme) and at the Aire gallery in Bil-
bao (Final Fantasy, 2021), among others.
This year, she was shortlisted at ERTIBIL
2021, for her Homezinema video.
Miren is currently at the Tabakalera
Institute of Artistic Practices (Donos-
tia) where she is an assistant of the
artist June Crespo.
139

Dia a dia, azken urteetan beira gai-
nean errebelatutako irudiekin hasi-
tako artistaren interesa jarraitzen du,
baina bere ohiko kezketatik at pauso
bat ematen du. Gaur egun irudiekin
dugun harremanari buruzko hausnar-
keta da. Oharren papera hartzen du-
ten bidalitako eta jasotako argazkiak,
pantaila-argazkiak, mugikorrak auto-
matikoki nabarmentzen dituenak...
Denbora errealeko erregistro bat
osatzen duen arrosarioa, gure oroi-
menaren gehigarri bat. Katuaren
argazkia(k), Google Maps-en harra-
paketatik igarotzen diren paisaiak,
errepide ertzeko janari gogoangarri
baten argazkia, erakusketa bateko
gordetako zati bat, gauerako bidea,
itsa­soko azken eguna, lore bat, han
eta hemengo eguraldia…
Gure posta-trukea elkarren ondoan ja-
rrita, egunerokoa bihurtu da. Proiektu
hau etengabeko fluxu horretatik irudi
jakin batzuk ateratzeko, denbora gel-
ditzeko, gauzatzeko, disko gogorretik
ateratzeko beharretik sortzen da.
Beraz, helburua beira eta gelatina
fotosentikorraren gainean irudi txiki
batzuk egitea da, telefono mugikorra-
ren eta tableten formatuan. Formatu
harrigarri bat, bere izkina biribilduekin
XIX. mendeko argazki-txartelen for-
matua ere ekartzen duena gogora.
Anaïs Boudot. 2010ean Argazkila-
ritza Eskola Nazionalean eta 2013an
Fresnoyko estudioan graduatutako
argazkilari frantziarra, gaur egun ar-
gazkigintzako baliabideen esplora-
zioaren inguruan lanean jarraitzen du.
Analogikoaren eta digitalaren artean
etengabe aurrera eta atzera ibiltzean,
bitarteko horren forma espezifikoak
zalantzan jartzea du helburu, eta hi-
bridazioaren esparruan murgiltzen
da. Paisaia eta argia, espazio mentalen
oroitzapenak, oroitzapenaren espa-
rruan, bere lanaren bihotzean daude.
Dia a dia sigue el interés de la artista
iniciado en los últimos años por las
imágenes reveladas sobre vidrio pero
da un paso al margen de sus preocu-
paciones habituales. Es una reflexión
sobre la relación actual que mantene-
mos con las imágenes. Fotos enviadas
y recibidas, capturas de pantalla que
hacen de notas, las destacadas por el
móvil de forma automática…
Un rosario que va constituyendo un
registro en tiempo real, un apéndice
de nuestra memoria. La(s) foto(s) del
gato, los paisajes que pasan por la
captura de Google Maps, la foto de
una comida memorable al borde de
la carretera, un fragmento guardado
en una exposición, el camino hacia la
noche, el último día de mar, una flor, el
tiempo aquí y allá…
Nuestra correspondencia por imá-
genes yuxtapuestas, se ha vuelto
cotidiana. Este proyecto surge de la
necesidad de extraer determinadas
imágenes de este flujo continuo, pa-
rar el tiempo, para materializarlas,
para sacarlas del disco duro.
Por lo tanto, el propósito es hacer
una serie de pequeñas imágenes so-
bre vidrio y gelatina fotosensible en
formato de teléfono móvil y tabletas.
Un formato que sorprendentemente
con sus esquinas redondeadas evoca
también el formato de las tarjetas fo-
tográficas del siglo XIX.
Anaïs Boudot. Fotógrafa francesa
graduada en la Escuela Nacional de
Fotografía en 2010 y en el estudio de
Fresnoy en 2013, continúa hoy tra-
bajando en torno a la exploración de
los medios fotográficos. Al ir y venir
constantemente entre el analógico y
lo digital, busca cuestionar las formas
específicas de este medio y se aven-
tura en el campo de la hibridación.
El paisaje y la luz, evocaciones de es-
pacios mentales, en el ámbito del re-
cuerdo, se encuentran en el corazón
de su obra.
Anaïs Boudot
Mentz (Frantzia), 1984
The artist’s interest in Dia a dia in re-
cent years for images developed on
glass continues, but is no longer part
of her main concerns. It is a reflec-
tion on our current relationship with
images. Photos sent and received,
screenshots acting as notes, the ones
highlighted by mobiles automatical-
ly…
A rosary that is going to create a re-
cord in real time, an appendage to
our memory. The photo(s) of the cat,
the landscapes captured by Goog-
le Maps, the photo of a memorable
meal by the roadside, a fragment
saved in an exhibition, the path to-
wards the night, the last day at sea, a
flower, time here and there…
Our corresponding using juxtaposed
images has become routine. This pro-
ject surges from the need to extract
certain images from this constant
flow, stop time, to materialise them
and to take them from the hard disk.
Therefore, the proposal is to make a
series of small images on glass pho-
tosensitive gelatine in a tablet and
mobile phone format. A format that
surprisingly with its rounded corners
also evokes the format of the photo
cards of the 19th century.
Anaïs Boudot. French photographer
who graduated from the École Na-
tionale Supérieure de la Photographie
in 2010 and from the Fresnoy studio
in 2013. Anaïs continues to work on
exploring photographic media. By
constantly toing and froing between
the analogue and the digital, she
seeks to question the specific forms
of this medium and is venturing into
the field of hybridity. The heart of her
work lies in the countryside and light,
evocations of mental spaces and in
the field of memory.
141

Triple Valla
Foku itsugarrien sistemak, altzairuzko
kableen sareak, altuera ezberdine-
tako hesolak, antitrepa mailak eta
kokots-kontzertinak dira «paperik
gabeko» etorkinek miseriatik ihes egi-
teko aurre egin behar dituzten ozto-
poetako batzuk, ia zeharkaezinak.
Proiektu hau migrazioaren arazo po-
litiko-sozialean jartzen du fokua, hesi
hirukoitzen errealitate gordin eta ez-
tabaidagarria irudikatu nahi izanez,
bizitasun handiko irudiak bateratzen
diren unibertso sortzaile baten bi-
dez, bai bere balio aztoratzaileagatik,
bai bere karga emotiboa eta fantasia
plastikoagatik.
Lanaren lehenengo fasea teknika
grafikoen bidez gauzatu da, bigarren
fasea aldiz, nahiz eta grabatu berriak
izan, beste lan piktorikoekin hedatzen
da, 3D mihiseen gainean, kateatuak
daudenak, mugako bilbaduraren si-
mulazio gisa.
Azken fase honetan, inbertitutako
orrazien eta Melillako hesian ezartzen
ari diren beste egitura batzuen iru-
diak daude, gobernuak egiten ari den
mugako bilbaduraren erreformaren
ondorioz, kontzertinek eragindako
efektu lazgarriak leuntzeko asmoz.
Verónica Domingo Alonso. Arte
doktoregaia, ikerketa eta bere jar-
duera artistikoak uztartzen ditu, baita
kultur kudeaketaren, komisariatua-
ren eta unibertsitate, museo eta arte
zentroetako irakaskuntzaren arloko
freelance lana ere.
Maila nazionalean nahiz internazio-
nalean hainbat sari jaso ditu, Espai-
niako, Frantziako, Alemaniako, Bul-
gariako, Eskoziako, Ingalaterrako,
Turkiako eta Japoniako leku ezberdi-
netan erakusketak eginez. Txanpon
eta Txirrineko Lantegi Nazionalean,
Mallorcako Miró Fundazioan, Txanpo-
naren Etxea Museoan eta BilbaoAr-
te Fundazioan bekaduna. Hainbat
erakunde publiko eta pribatuetan du
obra, hala nola, Trama Art Museumen
(Tokio), San Fernandoko Arte Ederren
Akademian, Bizkaiko Foru Aldundian,
Bilboko I­tsasmuseumen, Real Casa
de la Moneda, Alacanteko udalean,
CIEC Fundazioan…
Verónica Domingo Alonso
Triple Valla
Sistemas de focos cegadores, entra-
mados de cables de acero, estacas
de distintas alturas, mallas antitrepa
y concertinas barbadas son algunos
de los obstáculos, prácticamente in-
franqueables, a los que se enfrentan
los inmigrantes «sin papeles» en su
huida de la miseria.
Este proyecto pone el foco de aten-
ción en la problemática político-social
de la migración pretendiendo repre-
sentar la cruda y controvertida reali-
dad de las triples vallas mediante un
universo creativo en el que armoni-
cen imágenes de gran vitalidad, tanto
por su valor perturbador como por su
carga emotiva y su fantasía plástica.
La fase I del trabajo se ha llevado
a cabo mediante técnicas gráficas
mientras que la fase II, aunque tam-
bién cuenta con nuevos grabados,
se amplía con obras pictóricas sobre
lienzos 3D encadenados a modo de
simulación de entramado fronterizo.
En esta última fase se incluyen imá-
genes de peines invertidos y otras es-
tructuras que se están instalando en
la Valla de Melilla, como consecuencia
de la reforma del entramado fronte-
rizo que el gobierno está llevando a
cabo, en un intento de suavizar los
desgarradores efectos causados por
las concertinas.
Verónica Domingo Alonso. Docto-
randa en Arte, compagina la investi-
gación con sus actividades artísticas
y su trabajo como freelance en el ám-
bito de la gestión cultural, el comisa-
riado y la docencia en universidades,
museos y centros de arte.
Ha recibido numerosos galardones a
nivel nacional e internacional, habien-
do expuesto en diferentes partes de
España, Francia, Italia, Alemania, Bul-
garia, Escocia, Inglaterra, Turquía y
Japón. Becada por la Fábrica Nacional
de Moneda y Timbre, Fundació Miró
Mallorca, Museo Casa de la Moneda y
Fundación BilbaoArte. Tiene obra en
diferentes entidades públicas y priva-
das como Tama Art Museum (Tokio),
La Real Academia de Bellas Artes de
San Fernando, Diputación Foral de
Bizkaia, Itsasmuseum Bilbao, Real
Casa de la Moneda, Ayuntamiento de
Alicante, Fundación CIEC...
Bilbo, 1989
www.veronicadomingoalonso.com
Triple Valla
Systems of blinding spotlights, steel
cable structures, stakes at differ-
ent heights, anti-climb fencings and
barbed razor wire are some of the,
practically impassable, obstacles that
the "undocumented" immigrants face
as they flee from misery.
This project focuses on the social-po-
litical problems of migration by seek-
ing to depict the crude and contro-
versial reality of the triple fences by
means of a creative universe that
harmonises highly vital images, due
to both their disturbing value and
to their emotional burden and their
plastic fantasy.
Phase I of the work was carried out
using graphic techniques, while in
Phase II, even though new record-
ings were also used, the project was
expanded using pictorial works on 3D
canvases linked together as if a bor-
der fence.
This last phase includes images of in-
verted combs and other structures
that are being added to the Melilla
Fence, as the result of the changes
that the government is making to the
border fence, in an attempt to soften
the wrenching effects of the razor wire.
Verónica Domingo Alonso. With a
PhD in Art, Verónica combines re-
search with her artistic activities and
her work as a freelancer in cultural
management, curating, lecturing at
universities, museums and art centres.
She has won numerous national
and international awards and has
exhibited in different parts of Spain,
France, Italy, Germany, Bulgaria,
Scotland, England, Turkey and Japan.
Scholarships from Fábrica Nacional
de Moneda y Timbre, Fundació Miró
Mallorca, Museo Casa de la Moneda
and BilbaoArte Foundation. Her work
is on display at different private and
public entities, including Tama Art
Museum (Tokyo), The San Fernando
Royal Academy of Fine Arts, Bizkaia
Provincial Council, Itsasmuseum Bil-
bao, the Spanish Royal Mint, Alicante
City Council, CIEC Foundation...
143

Ezinbestean. Nire proposamenaren oi-
narria pinturaren eta argazkiaren arte-
ko gurutzaketa ikertzean datza.
Udan, paisaiarekin harremandutako
egoitza artistiko bat burutu nuen.
Helburua interes piktoriko-fotogra-
fiko hutsetik paisaira hurbiltzea zen,
horretarako nire Polaroid SuperColor
365CLa erabiliz. Egonaldiaren ondo-
ren, kamera honek sortzen zituen
argazkietako kolore aldaketek paisaia
tramite gisa plazaratzen zidatela uler-
tu nuen. Kolorera hurbiltzeko igarobi-
de modura, alegia. Horrela, argazki-
gintzari dagokionez, kolore aldaketen
bidez, pinturak 8 x 8 cm-ko irudietan
erabateko ahalmen eraldatzailea har­
tzen zuen. Paisaia eraldaketa piktori-
ko batek baztertzen zuen; horregatik,
kamera tresna plastiko gisa ulertu dut,
eta argazkilaritza, berriz, pintura posi-
ble gisa.
Proposamen honen bidez –itxuraz
erakusketa baterako datatuta egon
arren– margoa bitarteko zeharrargie-
tan eta argazki-paper ezberdinetan
nola egokitzen den ikertu nahi dut.
Nire irudiak material horien gainean
inprimatzea planteatzen dut, eta
pintura aplikatuz, opakutasunen eta
bateraezintasun plastikoen bidez zer
eraikitzen (edo deseraikitzen) duen
behatzea.
Mikel Erkiaga Herrán. Batez ere pai-
saietan edo bodegoietan oinarrituz,
argazkiaren eta pinturaren arteko he-
sia lausotzen saiatzen da bere lana.
Arte Ederretan Graduatua UPV/EHUn,
Pintura Masterra egin zuen unibertsi-
tate berean. Bere lana banaka aurkez-
tu du Juan Manuel Lumbreras galerian
(2019), eta modu kolektiboan, SOPLO.
Arnasketa saiakerak edo Gallery. Deli-
very «Bizi izandako bizitza elkarbanatu»
besteak beste. GetxoArte 2021eko
programaren barruan hainbat jardue-
ra egin ditu, eta Arropaineko Arraguan
egoitza artistiko bat egin du. Hildo
beretik, 2022an bere piezak Rekalde
Aretoko Barriek programaren barruan
erakutsiko ditu.
De manera inevitable. Mi propuesta se
basa en investigar el cruce entre foto-
grafía y pintura.
En verano realicé una residencia artís-
tica en la que el objetivo era acercarme
al paisaje desde un interés puramente
pictórico-fotográfico, utilizando mi
Polaroid SuperColor 365CL para ello.
Tras la estancia, observé que las alte-
raciones de color que producía esta
cámara me hacían entender el paisaje
como un trámite para aproximarme al
color. Así, lo pictórico en lo fotográfico
cogía en estas imágenes de 8 x 8 cm
una capacidad transformadora total.
El paisaje quedaba relegado por una
transformación pictórica; lo que me
ha llevado a entender la cámara como
una herramienta plástica y la fotogra-
fía como posible pintura.
Con la presente propuesta –aunque
aparentemente fechada para una
exposición– quiero investigar cómo
se adapta la pintura sobre distintos
medios traslúcidos y papeles fotográ-
ficos. Planteo imprimir mis imágenes
sobre estos materiales, y observar qué
construye (o deconstruye) la pintura a
través de transparencias, opacidades
e incompatibilidades plásticas.
Mikel Erkiaga Herrán, apoyándose
mayormente en temas como el paisa-
je o los bodegones, su trabajo intenta
diluir la barrera entre fotografía y pin-
tura. Graduado en Bellas Artes por la
UPV/EHU, cursó el Máster en Pintura
en la misma universidad. Ha presen-
tado su trabajo de manera individual
en la galería Juan Manuel Lumbreras
(2019), y de forma colectiva en expo-
siciones como Soplo. Arnasketa saiake-
rak o Gallery. Delivery «Compartir la vida
vivida» entre otras. Ha llevado a cabo
distintas actividades dentro del pro-
grama GetxoArte 2021, y ha realizado
una residencia artística en Arropaine-
ko Arragua. En 2022 expondrá sus pie-
zas dentro del programa Barriek de la
Sala Rekalde.
Mikel Erkiaga Herrán
Bilbo, 1994
www.mikelerkiaga.com
De manera inevitable. My proposal is
based on researching the crossroads
between photography and painting.
In summer, I was on an artistic resi-
dency where the aim was to approach
the landscape from a purely photo-
graphic-pictorial interest, using my
Polaroid SuperColor 365CL. After my
residency, I noted that the colour alter-
nations produced by the camera made
me understand the landscape as a
step to approaching the colour. Thus,
the pictorial in photography took on a
total transforming capacity in these 8
x 8 cm images. The landscape was rel-
egated by a pictorial transformation;
which has led to my seeing the camera
as a plastic tool and photography as a
possible painting.
My aim with this proposal – even
though apparently dated for an ex-
hibition – is to research how paint
is adapted on different translucid
media and photo paper. I propound
printing my images on those mate-
rials and observing what paints con-
structs (or deconstructs) through
plastic transparencies, opacities and
incompatibilities.
Mikel Erkiaga Herrán strives to blur
the barrier between photography
painting by mainly focusing his work
on landscapes and still-lifes. After
graduating in Fine Arts from the Uni-
versity of the Basque Country (UPV/
EHU), he obtained a Master’s Degree
in Painting from the same university.
He had a solo exhibition of his work
at the Juan Manuel Lumbreras gallery
(2019) and he has been part of group
exhibitions including Soplo. Arnasketa
saiakerak and Gallery. Delivery "Com-
partir la vida vivida". He has carried
out different activities as part of the
GetxoArte 2021 programme and
completed an artistic residency at Ar-
ropaineko Arragua. In 2022, his work
was exhibited as part of the Barriek
programme at the Sala Rekalde.
145

Nire prozesu artistikoa garunaren az-
terketak eskain diezadakeen ezagu­
tza, arretarekin, distrakzioarekin eta
ataza askotarikoarekin lotzen diren
sistema kognitiboak kontuan hartu-
ta eraiki eta aberastu nahi dut. Tes-
tuinguru horretan, arreta galtzearen
adierazpenak ere interesatzen zaizkit,
eskala makro-sozial batean, eta, batez
ere, erabilera teknologikoarekin zeri-
kusia dutenak.
Irudikapen horietan saiatu nintzen
espazio fisikoaren eta espazio digi-
talaren arteko harremana sortzen,
Gorputza maila kognitibo eta indibi-
dualean distrakzio lurraldea den tes-
tuinguru bat sortzen, maila sozial eta
masiboan. Emotikono edo informazio
eta komunikazio teknologiekin lotu-
tako beste zeinu batzuk sinbolo mo-
dura ekuazioak sortzeko erabiltzen
dira. Ekuazio horiek, ikusleek interpre-
tatzean, imajinario kolektibo baten
pertzepzioak adieraz ditzakete, egun-
go zeinu edo sinbolo horiek interpre-
tatzerakoan. Emojiek, stickerrekin,
GIFekin eta memekin batera, beste
kategoria bat osatzen dute, grafico-
nes. Irudikapen horiek materialtasun
digital batekoak izan ohi dira, lan ho-
nek zeinu horiek bere testuinguru di-
gitaletik atera eta beste materialtasun
nabariago bat eman nahi die.
Giorgos Gkareth Christou Zipre eta
Euskal Herriaren artean bizi eta lan
egiten du, Arte Ederretan graduatu
zen ULLn eta pintura eta muralismo
tekniketan espezializatu da. Hainbat
proiektu artistiko kudeatzen eta an-
tolatzen lan egiten du. UPV/EHUn
InCreArte masterra egin ondoren,
prozesu artistikoan distrakzioa iker­
tzeko interesa agertu zitzaion, baita
esperimentazio zientifikoaren be-
rezko teknikak praktikan sartzeko
aukera ere. Gaur egun, doktore-tesia
egiten ari da UPV/EHUn, ildo beretik.
h Arka-n bere tailer artistikoan ari da
lanean, Bilbon, Fika kalea 75, 48004.
Giorgos Gkareth Christou
Quiero construir y enriquecer mi pro-
ceso artístico teniendo en cuenta el
conocimiento que me puede ofrecer
el estudio del cerebro, sobre los siste-
mas cognitivos que se relacionan con
la atención, la distracción y la multi-
tarea. En este contexto también me
interesan aquellas expresiones de la
distracción a una escala macro-social,
y sobre todo las que tienen una rela-
ción con el uso tecnológico.
En estas representaciones trate de
crear una relación entre el espacio fí-
sico y el espacio digital. Crear un con-
texto donde el cuerpo es un territorio
de distracciones a nivel cognitivo e
individual, a nivel social y masivo. Sím-
bolos como emoticonos u otros sig-
nos relacionados con las tecnologías
de información y comunicación se
usan para crear ecuaciones. Ecuacio-
nes que al ser interpretadas por los
espectadores, pueden señalar per-
cepciones de un imaginario colectivo
a la hora de interpretar a estos signos
o símbolos actuales. Los emojis , jun-
to con los stickers, los GIFs y los me-
mes conforman una categoría mayor,
la de los graficones. Estas representa-
ciones suelen ser de una materialidad
digital, este trabajo quiere sacar estos
signos de su contexto digital y darles
otra materialidad más tangible.
Giorgos Gkareth Christou vive y
trabaja entre Chipre y País Vasco, se
graduó en Bellas Artes en la ULL y se
ha especializado en pintura y técnicas
de muralismo. Trabajo en la gestión
y la organización de varios proyectos
artísticos. Tras realizar el máster de
InCreArte en la UPV/EHU, se interesó
en investigar la distracción en el pro-
ceso artístico, así como la posibilidad
de incluir en su práctica técnicas pro-
pias de la experimentación científica.
Actualmente está realizando su tesis
doctoral en la UPV/EHU, en esta mis-
ma línea. Está trabajando en su taller
artístico h Arka en Bilbao, calle Fika,
75, 48004.
Larnaka (Zipre), 1988
h_Arka.lab
I want to build and enrich my artistic
process taking in account the knowl-
edge I can learn from studying the
mind, the cognitive system related
to attention, distraction and multi-
tasking. In this context, I am also in-
terested in those expressions of dis-
traction on a macro-social scale and
particularly those related to the use of
technology.
These representations seek to create
a relationship between the physical
space and the digital space. Creating
a context where the body is a territory
of individual and cognitive, social and
mass distractions. Symbols such as
emoticons or other signs related to
the information and communication
technologies are used to create equa-
tions. Equations that when interpret-
ed by the recipients may signal per-
ceptions of a collective thinking when
interpreting those signs or symbols of
the present. The emojis, together with
the stickers, GIFs and memes make
up a larger category, that of the gra-
ficones Those representations usually
have a digital materiality and this work
wants to remove those signs from the
digital context and give them another
more tangible materiality.
Giorgos Gkareth Christou lives
and works between Cyprus and the
Basque Country. He graduated in
Fine Arts from the ULL and special-
ised in mural techniques and paint-
ing. He has worked on managing and
organising different artistic projects.
After obtaining his Master’s Degree
in Art Research and Creation at the
UPV/EHU, he embarked on research
distraction in the artistic process,
along with the possibility of including
scientific experimentation techniques
in his work. He currently is working on
his PhD thesis in that field at the UPV/
EHU. He works at his h Arka workshop
at Fika Street, 75, 48004 Bilbao.
147
Foto: Txema Aguiriano.

ANDRÓMEDA sei minutu inguruko
animaziozko film laburra da, stop mo-
tion teknikarekin egina. Garapen-fa-
sean dago.
Istorioa protagonisten objektuen bi-
dez kontatzen da.
Erlojuak 4:37 AM markatzen ditu. Festa
bat amaitzen ari da, jendea badoa eta
goiza hasten da. Apartamentuaren ja-
beak emakume bat aurkitzen du ohean
lo. Esnatu egiten da. Hitz egiten hasten
dira, berak etxera joan nahi du, baina
jabeak geratzeko esaten dio behin eta
berriz: «Arriskutsua izan daiteke horre-
la irtetea ordu hauetan...». «Geratzen
bazara dibertitu egingo gara...»
–EZ, eskerrik asko.
–Ez, banoa.
–EZ!
Bere ezezkoak alde batera utzita, bor-
txatzen saiatzen da.
Film honen helburua emakumeen
aurkako indarkeria eguneroko egoe-
ra eta espazioetan ere gertatzen dela
erakustea da. Elkarrizketaren, soinua-
ren eta objektuen arteko elkarrekin­
tzan ardaztean, gai hau publikoari
aurkezten zaio beste ikuspuntu bate-
tik, ikusleek bere irudimena eta itxaro-
penak zalantzan jar ditzaten. Ikusleak
logelan gertatzen ari dena entzun
eta imajinatu besterik ez du egingo.
Stop motion teknikaren erabilerak
objektu eta espazio komunak eta eza-
gugarriak sortzea ahalbide­ tzen du,
haien materialtasunarekin eta esana-
hiarekin jolastuz alda daitezkeenak.
Kamerak gidatuta, pantailatik kanpo
ekintza entzuten dugun bitartean
uzkurtzen, hazten, deformatzen eta
ehunduraz aldatzen diren objektuak
eta espazioak ikusten ditugu.
Laura Ibáñez López Artean Gradua-
tua da UPV/EHUn. Animazioko maste-
rra (School of Arts Gent – KASK, 2018).
2020an Animated Women erakusketa-
rako eta COVID EXIT erakusketarako
aukeratua izan da.
2020an Andrómeda garatzeko gara-
pen azterlana (VAF- Vlaams audivi-
sueel founds) jaso zuen. Proiektua
Mr. Kropka, Arzu Saglam soinu-disei-
natzailea eta Femke Stellaert eta Ben-
jamin Mouchette aktoreak osatutako
taldearekin sortzen ari da, Swaefeko
Emmak eta Mark James Roelsek men-
torizatuta.
ANDRÓMEDA es un cortometraje de
animación de unos seis minutos de
duración, realizado con la técnica de
stop motion. Se encuentra en fase de
desarrollo.
La historia se cuenta a través de los
objetos de los protagonistas.
El reloj marca las 4:37 AM. Una fiesta
está llegando a su fin, la gente se va
y la mañana comienza. El dueño del
apartamento encuentra a una mujer
dormida en su cama. Ella se despierta.
Comienzan a hablar, ella quiere irse a
casa pero él insiste en que se quede:
«puede ser peligroso salir así a estas
horas….». «Nos vamos a divertir si te
quedas ...».
–NO, gracias.
–NO, me voy.
–¡NO!
Él, ignorando sus negativas, intenta
violarla.
El objetivo de esta película es mostrar
cómo la violencia contra las mujeres
ocurre también en situaciones y es-
pacios cotidianos. Al centrarse en la
interacción entre el diálogo, el sonido
y los objetos, este tema se presenta
al público desde un punto de vista
diferente que hará que la audiencia
cuestione su propia imaginación y ex-
pectativas. El espectador simplemen-
te escuchará e imaginará lo que está
sucediendo en el dormitorio. El uso
de la técnica stop motion hace posi-
ble la creación de objetos y espacios
comunes y reconocibles que pueden
modificarse jugando con su mate-
rialidad y significado. Guiados por
la cámara vemos objetos y espacios
que se encogen, crecen, se deforman
y cambian de textura mientras escu-
chamos la acción fuera de la pantalla.
Laura Ibáñez López es Graduada en
Arte por la UPV/EHU. Master en Ani-
mación (School of Arts Gent – KASK,
2018). En 2020 ha sido seleccionada
para la exposición Animated Women y
para la Exposición COVID EXIT.
En 2020 recibió la Beca Estudio de
desarrollo (VAF- Vlaams audivisueel
founds) para el desarrollo de Andró-
meda. El proyecto se está constru-
yendo con un equipo formado por el
codirector y guionista Mr. Kropka, la
diseñadora de sonido Arzu Saglam y
los actores Femke Stellaert y Benja-
min Mouchette, y mentorizado por
Emma de Swaef y Mark James Roels.
Laura Ibáñez López
Bocos (Burgos), 1992
www.cargocollective.com/pakitalouter
ANDRÓMEDA is an animation short
film around six minutes in length and
made using the stop motion tech-
nique. It is in the development phase.
The story is told through the objects
of the characters.
The clock shows 4.37 A.M. A party is
ending; people are leaving and the
day begins. The owner of the flat finds
a woman asleep in his bed. He wakes
up. They begin to talk; she wants to go
home, but he insists she stays: "it may
be dangerous to go out now…" "We are
going to have fun if you stay...".
–NO, thank you
–NO, I’m going.
–NO!
Ignoring her refusals, he tries to rape
her.
This film aims to show how violence
against women also happens in
everyday situations and spaces. By
focusing on the interaction between
the dialogue, sound and objects, this
theme is presented to the audience
from a different perspective to make
the audience question its own imag-
ination and expectations. The view
simply has to listen and imagine what
is happening in the bedroom. The use
of the stop motion technique makes
it possible to create recognisable and
common objects and places that can
be modified by playing with their ma-
teriality and meaning. Guided by the
camera, we see objects and spaces
that shrink, grown, warp and change
texture while we listen to the action
off screen.
Laura Ibáñez López graduated in Art
from the UPV/EHU. Master’s Degree
in Animation (School of Arts Gent –
KASK, 2018). In 2020, she was select-
ed for the Animated Women exhibition
and for the COVID EXIT Exhibition.
In 2020, she received the Develop-
ment Study Grant (VAF- Vlaams audi-
visueel founds) to work on Andróme-
da. Work on the project is underway
with a team made up of the co-direc-
tor and screenwriter Mr. Kropka, the
sound designer Arzu Saglam and the
actors Femke Stellaert and Benjamin
Mouchette, and mentored by Emma
de Swaef and Mark James Roels.
149

Pentsamendu-sistemetan arkitektura
beti egon zen presente, beti eman
zituen garrantzi politiko nabarmene-
ko egitura handiak eratzen amitu zi-
tuzten kontzeptuak. Ez zuen alferrik
idatzi Derridak (ez hitzez hitz) gai ar-
kitektonikoa pentsamenduaren bera-
ren aukera bat zela, tokiaren arazoari
buruzko pentsamendua gauzatzeko
premia bat, bakoitzak hartzen duen
lekua; espazio fisikoan eta politikoan
leku bat izatearen eta horren alde
egitearen arazoa. Horrela, proiektuak
mugimendu modernoaren metafora
arkitektonikoa berrirakurtzea plan-
teatzen du, etorkizuneko gizarte bati
begiratuz (jada oso oraina), diseinu
digitalean eta 3D inprimaketan oina-
rritutako prozesu artistiko bat plan-
teatuz, diseinuaren, arkitekturaren,
industriaren eta artearen bitartean
mugitzen diren eta espazio komun
baten parte gisa funtzionatzen duten
pieza batzuk eraikitzen amaitzeko, pa-
rametro eskultoriko batzuk lortzeko
garatutako arkitekturaren, eraikun­
tzaren eta espazioaren ilusio arkitek-
toniko bat.
Pieza horiek guztiak, jatorrian fabri-
kazio digitalari lotutako prototipa­
tze-tekniketatik sortuak, irudimen
sozio-politikoko ariketa baten eta eza-
rri aurretik etorkizuna asmatzeko dei
baten oinarri dira. Pieza txikiak dira,
ondo antolatuta, modernitatearen
zibilizazio-utopietara bideratutako ka-
tedralak eraiki ditzaketenak.
Urtzi Ibarguen Arte Ederretan li-
zentziaduna da UPV/EHU-n, eta Arte
eta Baliabide Berrien Komisariotzako
Masterrean tituluduna Bartzelonako
Ramón Llull Unibertsitatean. Azken
urte hauetan, bere sormen-lana
prozesu eta material teknologiko eta
tradizionalak uztartzen dituzten bide
berriak aztertzea, berriz irakurtzea
eta sortzea da.
Bere lana Amarika Aretoan, Koldo
Mitxelena Kulturgunean, BilbaoArte
Fundazioan edo Can Xalanten izan
da ikusgai, ekoizpen, prestakuntza
eta elkarlanerako hainbat beka jaso
izan ditu.
En los sistemas de pensamiento la
arquitectura siempre estuvo presen-
te, siempre proporcionó conceptos
que acabaron por formar grandes
estructuras con inmensa relevancia
polí­tica. No en vano escrib­ía Derrida
(no literalmente) que la cuestión ar-
quitectónica era una posibilidad del
pensamiento mismo, una necesidad
de materialización del pensamiento
acerca del problema del lugar, del
lugar que ocupamos cada uno; del
problema de tener y abogar por un
lugar en el espacio fí­sico y polí­tico.
Así­, el proyecto plantea una relectu-
ra de la metáfora arquitectónica del
movimiento moderno mediante una
mirada a una sociedad del futuro (ya
muy presente), planteando un pro-
ceso artí­ stico basado en el diseño
digital y la impresión 3D para acabar
de construir una serie de piezas que
se mueven entre el diseño, la arqui-
tectura, la industria y el arte, y que
funcionan como parte de un espacio
común, una ilusión arquitectónica,
constructiva y espacial evolucionada
hacia unos parámetros escultóricos.
Todas estas piezas, en su origen crea-
das a partir de técnicas de prototipa-
do vinculadas a la fabricación digital,
son la base de un ejercicio de imagi-
nación socio-política y una llamada a
inventar el futuro antes de que se nos
implante. Son piezas pequeñas que
bien dispuestas puedan erigir cate-
drales orientadas a las utopí­as civili-
zatorias de la modernidad.
Urtzi Ibarguen es licenciado en Be-
llas Artes por la UPV/EHU y titulado
en el Máster en Comisariado en Arte y
Nuevos Medios por la Universidad Ra-
món Llull de Barcelona. Estos últimos
años su trabajo creativo se centra en
el estudio, la re-lectura y la creación
de nuevos caminos que entrelazan
procesos y materiales tecnológicos y
tradicionales.
Su obra ha sido expuesta en diferen-
tes centros y espacios de arte como
La Sala Amarika, Koldo Mitxelena Kul-
turgunea, la Fundación BilbaoArte o
Can Xalant, habiendo obtenido varias
becas de producción, formación y co-
laboración.
Urtzi Ibargüen
Errenteria (Gipuzkoa), 1978
www.urtziibarguen.com
Architecture was always present in the
systems of thought and always provid-
ed concepts that ended up forming
large structures with immense politi-
cal relevance. After all, Derrida wrote
(not literally) that the architecture was
a possibility of thought itself, a need
to materialise the thought about the
problem of place, of the place that we
each occupy; a problem of having and
advocating for a place in political and
physical space. Thus, the project pro-
poses a re-reading of the architectural
metaphor of the modern movement
by means of considering a society of
the future (already very present), by
formulating an artistic process based
on digital design and 3D printing to
end up constructing a series of piec-
es that shift between design, archi-
tecture, industry and art, and which
function as part of a common space,
a spatial, constructive and architectur-
al illusion evolved towards sculptural
parameters.
All these pieces, originally created
using prototype techniques linked to
digital manufacturing, are the basis of
a socio-political imagination exercise
and a call to invent the future before
it becomes implanted. They are small
pieces that arranged properly call
erect cathedrals aimed at the civiliz-
ing utopias of modernity.
Urtzi Ibarguen graduated in Fine Arts
from the UPV/EHU and has a Master’s
Degree in New Media and Art Curaing
from the Ramón Llull University of
Barcelona. In recent year, his creative
work has been focused on studying,
re-reading and creating new paths
that interlink technological and tradi-
tional processes and materials.
His work has been exhibited at differ-
ent art centres and spaces, including
La Sala Amarika, Koldo Mitxelena Kul-
turgunea, the BilbaoArte Foundation
and Can Xalant. He has also been
awarded different production, train-
ing and cooperation grants.
151
Foto: Txema Aguiriano.

Cuatro x veinte
Lan honek aurreko lanetan dagoen
gorputzetan dauden formengatik
daukan interesa azpimarratzen du.
Beste ekintza batzuetatik ateratako
gorputz-irudiei erreferentzia egi-
ten dieten hiru egitura geometriko
eraiki eta erabiltzen ditut. Estruktura
hauetara neonezko argiak atxikitu-
tak doaz, forma ilunpean marraztea
ahalbidetzen dutenak. Jarrera eta
formaren arteko tentsioari jarraiki,
hainbat erpin dituen kubo bat sortu
nahi dugu, CuboLaban (Kinesfera)
ideiari jarraituz. Labanen kuboa iru-
dimenezko esfera tridimentsional
moduko bat da, gorputza inguratzen
duena. Labanek kubo hau sortu zuen
dantzako espazioaren eta espazio
arkitektonikoarekiko harremanaren
inguruan egindako lanagatik. Kubo
honen erpin bakoitzak aukera eman
zidan kameraren perspektiba ezber-
dinak definitzeko, haietatik gorputzari
argazkiak ateratzeko, egiturak erama-
nez. Horrela neonezko argiek ilunta-
sunean marrazten dituzten forma ez-
berdinak atzemanez. Argazkiak bideo
bihur­tzen dira erritmo jakin batekin,
erritmo berdineko beste bideo bati
kontrajarriz instalatzen dena, baina
oraingoan esaldi desberdinak proiek-
tatuz. Irudi horietatik tamaina handi-
ko lau serigrafia egin ditu.
Izaro Ieregik performancetik egiten
du lan, eskultura-nozioarekin, gor-
putzaren potentzialtasunera egoki­
tzeko. Gorputzetan eta identitateetan
bortitzari buruzkoa denak kezkatzen
dio, ahulak eta aldakorrak aurkeztuta.
2010ean Arte Ederretan lizentziatu
zen (UPV/EHU). Prestakuntza zabaldu
du JAI (Praktika Artistikoen Institu-
tua) erakundean, eta, gaur egun, DAI
(Dutch Art Institute) programa egiten
ari da. Bakar erakusketa eta kolek­tibo
askotan parte hartu du. Erti­bil biga-
rren saria jaso zuen 2018an, eta hiru-
garren saria 2019an.
Cuatro x veinte
Este trabajo insiste en el interés por-
las formas en los cuerpos que per-
forman presente en anteriores tra-
bajos. Construyo y hago uso de tres
estructuras geométricas que hacen
referencia a figuras corporales extraí-
das de otras acciones. A estas estruc-
turas van instaladas luces de neon
que permiten dibujar la forma en la
oscuridad. Siguiendo este deseo de
buscar la tensión entre postura y for-
ma, genero un Cubo con diferentes
vértices, siguiendo la idea del Cubo
Laban (Kinesfera). El Cubo de Laban
se trata de una especie de esfera tri-
dimensional imaginaria que rodea el
cuerpo. Laban llego a crear este cubo
por su trabajo en torno al espacio
en danza y la relación con el espacio
arquitectónico. Cada vértice de este
cubo me permitió definir diferentes
perspectivas de la cámara desde don-
de fotografiar el cuerpo portando las
estructuras. Captando así, las diferen-
tes formas que las luces de neon di-
bujan en la oscuridad.Las fotografías
se convierten en video con un ritmo
específico que se instala en contrapo-
sición a otro video de idéntico ritmo,
pero esta vez proyectando diferentes
frases. De estas imágenes realiza cua-
tro serigrafías de gran tamaño.
Izaro Ieregi trabaja desde la perfor-
mance con noción escultórica para
remitir a la potencialidad del cuerpo.
Le inquieta aquello que versa sobre
lo violento en los cuerpos y las iden-
tidades, presentándolas vulnerables
y cambiantes. En 2010 se licenció en
Bellas Artes (UPV/EHU). Amplia su
formación en JAI (Instituto de prácti-
cas artísticas) y actualmente cursa el
programa DAI (Dutch Art Institute).
Ha participado en numerosas exposi-
ciones tanto individuales como colec-
tivas. Recibe el segundo premio Ertibil
en 2018 y el tercer premio en 2019.
Izaro Ieregi
Algorta (Bizkaia), 1987
Cuatro x veinte
This work stresses the interest in the
performing bodies already seen in
earlier works. I build and use three
geometrical structures that refer to
corporal figures extracted from other
actions. Neon lights are fitted to the
structure and allow the form to be
seen in the darkness. Building on this
vein of finding the tension between
posture and form, I generate a cube
with different vertexes, following the
idea of the Laban Cube (Kinesfera).
The Laban Cube is a type of imaginary
3D sphere surrounding the body. La-
ban created this cube for his work
around space in dance and the rela-
tionship with the architectural space.
Each vertex of this cube allowed me
to define different perspective of the
camera to photograph the body bear-
ing the structures. The different forms
that the neon lights draw in the dark-
ness are thus captured. The photo-
graphs become a video with a specific
rhythm installed in contrast to anoth-
er video with an identical rhythm, but
this time projecting different phrases.
Four large-sized screen prints are
made of those images.
Izaro Ieregi works in performance
with sculptural notion to refer to
the potential of the body. He is con-
cerned about those aspects that re-
volve around violence to bodies and
identities, and shows them to be vul-
nerable and changing. In 2010, he
graduated in Fine Arts (UPV/EHU). He
continued to study at JAI (Institute of
Artistic Practices) and is currently at
DAI (Dutch Art Institute). He has taken
part in numerous solo and group ex-
hibitions. He came second in the Erti­
bil awards in 2018 and third in 2019.
153

Errege emerituak 2020an 2016 eta
2018 artean zerga-zorragatik Oga-
sunarekin egin zuen erregulariza-
zio entsutetzua da proiektu honen
zargatietako bat. Kargua utzi eta
bortxaezintasuna galdu ondoren,
erregularizazio horrek iruzurra onar­
tzen du, baina delitua saihesten du,
Ogasunak berak eskatu aurretik egin
zelako. 2021ean egindako bigarren
ordainketa batek ez du bakarrik iru-
zurra handiagoa izan zela agerian
uzten, baizik eta lehen erregulariza-
zioa modu bidegabean egingo zela.
Horrek argi uzten du batzuentzat
diruaren pufoak diruarekin ezabatu
daitezkeela eta kito.
Money can erase anything erakuske-
tak, 508x381mm-ko (Koroaren ta-
maina inperiala) binilo gaineko zilar
urragarriz serigrafiatuak, Juan Carlos
I-ari lotutako hainbat ustelkeria kasu
erakusten ditu, bere abdikazioaren
aurretik eta ondoren, bortxaezina eta
bortxaezinak ez izanik, beraz, kasu
horiek diruarekin ezabatu diren beza-
la, estanpak desagertzeko arriskuan
daude, txanpon-arraskaren kolpez.
Kasu guztiei buruzko informazioa
prentsatik aterata izan da, bertan
aditzak baldintzapean jokatzen dira
beti zalantzari eusteko eta Koroaren
aurkako irain-deliturik ez egiteko.
Miriam Inza Sorkuntzan eta Di-
seinuan Graduatua da (UPV/EHU,
2017) Ikerketa eta Sormena Artean
Masterrarekin (UPV/EHU, 2018). Ko-
munikazio-ekintzak eta horiek nola
oztopatu interesatzen zaizkio, eta,
beste bizitza baten inprentera izan
balitz ere, orain doktorego-tesia egi-
tea erabaki du. Bere lanean ez da na-
barmentzen ezeri buruz bure iritzia
emateko beharra. Ze beharrik dut nik
gai honetan sartzeko? Bat ere ez. «Lo
siento mucho, me he equivocado, no
volverá a ocurrir».
La sonada regularización con Hacien-
da que realizó el rey emérito en 2020
por su deuda tributaria entre 2016 y
2018 es uno de los acontecimientos
que motiva este proyecto. Tras abdi-
car de su cargo y perder así su inviola-
bilidad, dicha regularización admite el
fraude, pero elude el delito, por reali-
zarse antes de que la propia Hacienda
se lo solicite. Un segundo pago reali-
zado en 2021 pone en evidencia no
solo que el fraude había sido mayor,
sino que la primera regularización se
habría realizado de manera indebida.
Esto hace patente que, para algunos,
los pufos del dinero pueden ser bo-
rrados con dinero y punto.
Money can erase anything expone,
serigrafiados con plata rascable so-
bre vinilo de 508x381mm (tamaño
imperial Corona), diversos casos de
corrupción asociados a Juan Carlos
I antes y después de su abdicación,
siendo inviolable y sin serlo, de mane-
ra que, igual que esos casos han sido
borrados con dinero, las estampas es-
tán en riesgo de desaparecer a golpe
de rasca de moneda.
La información de todos los casos
ha sido extraída de la prensa, donde
los verbos se conjugan en condicio-
nal para mantener siempre la duda
y no incurrir en delito de Injurias a
la Corona.
Miriam Inza es Graduada en Crea-
ción y Diseño (UPV/EHU, 2017) con
Máster en Investigación y Creación
en Arte (UPV/EHU, 2018). Le inte-
resan los actos de comunicación y
cómo interferirlos y, si bien en otra
vida hubiera sido imprentera, en esta
ha decidido hacer una tesis doctoral.
En su trabajo no destaca la necesidad
de dar su opinión sobre nada ¿qué ne-
cesidad tengo yo de meterme en este
tema? Ninguna. «Lo siento mucho, me
he equivocado, no volverá a ocurrir».
Miriam Inza Pascual
Urretxu (Gizpuzkoa), 1995
The much-talked-about tax adjust-
ment that the emeritus King of Spain
agreed with the Spanish tax authority
for his tax debt between 2016 and
2018 is one of the events behind this
project. After he abdicated and thus
lost his immunity, the tax adjustment
acknowledges fraud, but avoids the
crime, as it was filed between the
tax authority requested it. A second
payment in 2021 highlighted not
only that the fraud had been great-
er, but that the first adjustment had
not been made correctly. Money clear
talks when it comes to erasing certain
people’s dirty tricks.
Money can erase anything, screen
printed using scratch-off silver on
508x381 vinyl (Imperial Crown size),
exhibits different cases of corruption
associated with King Juan Carlos I be-
fore and after his abdication, when he
held and cease to hold immunity. In
the same way that those cases have
been erased with money, the prints
are in danger of disappearing with
the swipe of a coin.
The information on all the cases were
taken from the press, where verbs
were in the conditional so there was
always the doubt and the crime of in-
sulting and slandering the Crown was
not committed.
Miriam Inza graduated in Creation
and Design (UPV/EHU, 2017) and has
a Master’s Degree in Art Research
and Creation (UPV/EHU, 2018). She
is interested in communication acts
and how to encroach on them, even
though they would have been printed
in the past. She has decided to turn
this into her PhD thesis. Her work is
not noted for her needing to given
her opinion about anything. Why do
I need to get involved in this matter?
None. "Lo siento mucho, me he equivo-
cado, no volverá a ocurrir".
155

Bucolic Gang formulazio eskultoriko
proiektu bat da, non neo-barrokoaren
bidez Bilboko zirkulazio botaniko eta
herrikoak jarraitzen dira, bere defini-
zio propioari, bitarrei eta protagonis-
moari eusten dion mugimendu po-
rotsu eta plurala.
Korronte artistikoari dagokionez, ba-
rrokoa, politizatuago eta arraziona-
lagotzat hartzen ziren estetikengatik
ordezkatua izan zen, azalekotzat,
apaingarritzat eta joritsuegitzat sail­
katuz. Hemen, berriz, gehiegikeri hori,
«perla irregularra» etimologiatik abia-
tuta, ertzak lausotzeko, perspektiba
sartzeko eta landare-ikonografien bi-
dez mugimendua sortzeko modu gisa
proposatzen da.
Neobarroko hitza Édouard Glissant
poeta eta filosofo martinikargandik
hartzen da maileguan, eta honek
estetika europarrak aipatzeko era-
biltzen du, non kolonialismoak eta
heteropatriarkatuak desagerrarazi ez
dituen ezagutzak aurki daitezkeen,
xurgatuak edo desplazatuak izan di-
renak baizik, tandem konplexu batean
zenbait lengoaia kosmologiko aldi
berean existitzea eraginez. Bucolic
Gangek, berreskuratze mugimenduak
sortzeko, lengoaia horien arrastoak
bilatzen ditu hiriko zirkulazioetan.
Ursula K. Le Guinen saiakera batean,
objektu zorrotzak dituen Heroia:
lantzak, balak eta lehergailuak baino,
poltsa proposatzen du historiaren
protagonista gisa; eta esaten du le-
henengo asmakizun kulturalak bildu-
tako produktuentzako edukiontzi bat
izan behar zirela, eta baita beso-eus-
karri edo sare antzekoak. Energia
kanporatzen zuen tresna baino lehen,
seguruenik, energia etxera eramaten
zuen erreminta sortu genuen.
Bucolic Gangen egindako objektuak,
Etxera energia ekarri eta eramateko
mugimendu horien arrastoari jarrai­
tzetik sortzen dira, txatar-saskietan
dauden pilatutako, zeharkatutako eta
sakabanatutako arrastoak, epikoaren
eta linealaren ertzetan geratzen dena.
Bilbo hiriaren hiru arrasto pilatu
ziren: zirkulazio botanikoak mono-
laborantzetan eta bertakotutako
landaretan, baztertutako objektuen
artean herriko zirkulazioak, eta eza-
gutza-zirkulazioak artisau-lanbidee-
tan eta hiltegietan.
Bucolic Gang es un proyecto de for-
mulación escultural en el que se si-
guen circulaciones botánicas y verna-
culares de la ciudad de Bilbao a través
del neobarroco, un movimiento poro-
so y plural que resiste su propia defi-
nición, los binarios y el protagonismo.
En cuanto a corriente artística el ba-
rroco fue reemplazado por estéticas
consideradas más politizadas y ra-
cionales, quedando clasificado como
superficial, ornamental e innecesa-
riamente exuberante, mientras que
aquí esa excesividad, partiendo de su
etimología «perla irregular», se pro-
pone como una manera de difuminar
los bordes, introducir perspectiva y
generar movimiento a través de sus
iconografías vegetales.
Se toma prestado el término neo-
barroco del poeta y filósofo martini-
queño Édouard Glissant quien lo usa
para referirse a estéticas europeas en
las que se pueden encontrar conoci-
mientos que no han sido erradicados
por el colonialismo y el heteropatriar-
cado, sino absorbidos o desplazados,
haciendo que varios lenguajes cos-
mológicos existan simultáneamente
en un complejo tándem. Bucolic Gang
busca rastros de esos lenguajes en las
circulaciones de la ciudad para gene-
rar movimientos de recuperación.
Hay un ensayo de Ursula K. Le Guin
en el que propone la bolsa como pro-
tagonista de la Historia en lugar de
serlo el Héroe con objetos punzantes:
lanzas, balas y explosivos; y comenta
que los primeros inventos culturales
debían de ser un contenedor para
productos recolectados, y alguna for-
ma de cabestrillo o red. Antes de la
herramienta que expulsa energía ha-
cia fuera, probablemente creamos la
herramienta que lleva energía a casa.
En Bucolic Gang los objetos realizados
surgen de seguirle el rastro a esos
movimientos de llevar y traer energía
a Casa, rastros de acumulación, pe-
netración y distribución en cestas de
chatarra, de aquello que se queda en
los márgenes de lo épico y linear.
Se acumularon tres rastros de la ciu-
dad de Bilbao: circulaciones botánicas
en monocultivos y plantas naturaliza-
das, circulaciones vernaculares entre
objetos descartados, y circulaciones
de conocimiento en oficios artesana-
les y mataderos.
Mónica Mays
Madril, 1990
www.monicamays.com
Bucolic Gang is a structural formu-
lation project where botanical and
vernacular circulations of the city
of Bilbao are followed through the
Neo-Baroque, a pluralist and porous
movement that is hard to define, bi-
naries and the spotlight.
As regards the artistic movement, the
Baroque was replaced by aesthetics
considered to be more politicised and
rational. It was classified as super-
ficial, decorative and unnecessarily
flamboyant. While here that exces-
siveness, starting from its "irregular
pearl" etymology, is put forward as
a way of blurring edges, introducing
perspective and generating move-
ment through its plant iconography.
The term Neo-Baroque is borrowed
from Édouard Glissant, the Martini-
can poet and philosopher, who uses
it to refer to European aesthetics
where knowledge can be found that
has not been eradicated by colonial-
ism and heteropatriarchy, but rather
absorbed or shifted, so that several
cosmological languages exist simulta-
neously in a complex tandem. Bucolic
Gang searches for traces of those lan-
guages in the circulations of the city
to generate recovery movements.
There is an essay by Ursula K. Le Guin
who argues that the carrier bag was
at the centre of History instead of the
hero with sharp objects: spears, bul-
lets and explosives; and argues that
the earliest cultural items had to have
been a container to hold the products
gathered, and some type of sling or
network. Before that tool that expelled
energy outwards, we probably created
the tool taking energy to the home.
In Bucolic Gan, the objects made
emerge from following the trail to
those movements of taking and bring-
ing energy to the home, traits of accu-
mulation, penetration and distribution
in junk baskets, of what remains on
the edges of the epic and linear.
Three traits of the city of Bilbao were
gathered: botanical circulations in mo-
no-crops and naturalised plants, ver-
nacular circulations among discarded
objects, and circulations of knowledge
in crafts and slaughterhouses.
157

Visiones de Ediacara mami profetiko,
magiko, natural eta arkaiko bat du-
ten eskulturak biltzen dituzte, arrotza
zaigun baina iruditeria unibertsalaren
parte den natura existitzen den lekue-
tatik etorritako formen bilduma.
Izenak Garai Ediacarikoari egiten dio
erreferentzia, Kanbriar Leherketaren
aurreko lehen organismoak sortu zi-
rela dirudienean. Mikroorganismoen,
zati geologikoen, elementu primiti-
boen eta, oro har, denboraz kanpoko
mundu bat iradokitzen duten beste
sinbolo batzuen irudien artean gra-
bitatuz zirrimarratu dut proiektu hau,
irudimenezko izakienak, zeinetatik
aztarna batzuk berreskuratu baitira.
Eskulturen familia hau intuiziozko
prozesu batetik sortu da, zerami-
ka-tekniketan eskuratutako ezagutza
berriek aberastu dutena. Lokatza be-
zalako material malgu baten aurki-
kuntzak bakarrik Ediacararen forma
bitxiak irudikatzeko aukera eman dit.
Izaki horiek denboraz kanpoko ja-
torria dute, eta iturri arkaiko beretik
edaten dute. Iturri horretatik datoz
gizakiak edozein objektu erritual sor­
tzeko egiten duen praktika magikoak,
eta propietate animistak esleitzen
zaizkio, zeinen bidez errepresentazio
horrek objektuen misterioa berega-
natzen laguntzen baitu.
Beraz, Visiones de Ediacara erlikia ga-
raikideen multzo bat besterik ez dira,
gizakiaren esentzia ulertzeko nire be-
harretik eta paisaia ikusezinen denbo-
raz kanpoko munduei lotutako bilake-
ta imajinario batetik sortuak.
Mara Ona Bilbon bizirauten du, non
Zeramika: Artea eta Funtzioa Maste-
rra egin duen. Arte Ederrak ikasi zi-
tuen Cuencan (2016) eta Eskulturari
Aplikatutako Arteak Zaragozan (2011).
Erakusketa askotan parte hartu du,
berrikienak: En la zona intermedia eta
Visiones de Ediacara, La Casa Amari-
lla galerian (Zaragoza), 2021ean, eta
2020an; Antologías de un patio, Bi-
zkaia Aretoan UPV/EHU; GEA, Bizkai-
ko Batzar Nagusietako Erakusketa
Aretoan eta JUSTMAD, Madrilgo Feria
de Arte Emergente Azokan.
Visiones de Ediacara reúne esculturas
con un núcleo profético, mágico, na-
tural y arcaico, un compendio de for-
mas venidas de lugares donde exis-
te una naturaleza que nos es ajena,
pero que forma parte del imaginario
universal.
El nombre hace alusión al Perío-
do Ediacárico, cuando parece que
surgieron los primeros organismos
antes de la Explosión Cámbrica. He
bosquejado este proyecto gravitando
entre imágenes de microorganismos,
fragmentos geológicos, elementos
primitivos y otros símbolos que en su
conjunto sugieren un mundo atem-
poral, de seres imaginarios, del cual
se han rescatado algunos vestigios.
Esta familia de esculturas nace de un
proceso intuitivo que se ha visto en-
riquecido por nuevos conocimientos
adquiridos en las técnicas cerámicas.
Sólo el descubrimiento de un mate-
rial tan dúctil como el barro me ha
permitido imaginar las extrañas for-
mas de Ediacara.
Estos seres comparten un origen
atemporal, que bebe de la misma
fuente arcaica de donde proceden
las prácticas mágicas del ser humano
en su labor de crear cualquier objeto
ritual, al cual se le atribuyen propie-
dades animistas mediante las cuales
esa representación ayuda a asimilar
el misterio de las mismas.
Así pues, las Visiones de Ediacara no
son más que un conjunto de reliquias
contemporáneas, que surgen de mi
necesidad de entender la esencia
del ser humano y de una búsqueda
imaginaria conectada a los mundos
atemporales de paisajes invisibles.
Mara Ona sobrevive en Bilbao, don-
de ha cursado el Máster en Cerámica:
Arte y Función. Estudió Bellas Artes
en Cuenca (2016) y Artes Aplicadas
a la Escultura en Zaragoza (2011). Ha
expuesto en numerosas exposicio-
nes, las más actuales, En la zona in-
termedia y Visiones de Ediacara en la
galería La Casa Amarilla (Zaragoza) en
2021 y en 2020, Antologías de un pa-
tio, Bizkaia Aretoa UPV/EHU; GEA, Sala
Exposiciones de las Juntas Generales
de Bizkaia y JUSTMAD, Feria de Arte
Emergente, Madrid.
Mara Ona
Zaragoza, 1990
Visiones de Ediacara gathers together
sculptures with an archaic, natural,
magical and prophetic core, a com-
pendium of forms from places where
the nature is far from what we are
used to, but which is part of universal
imagery.
The name refers to the Ediacaran Peri-
od, when it seems that the first organ-
isms appeared prior to the Cambrian
Explosion. I worked on the outline of
this project by gravitating between
images of microorganisms, geologi-
cal fragments, primitive elements and
other symbols that overall suggest a
timeless world, of imaginary beings,
of which some traces have been res-
cued. This family of sculptures are the
result of an intuitive process that has
been enriched by new skills acquired
from pottery techniques. Only the
discovery of a material as ductile as
clay has allowed me to imagine the
strange Ediacaran forms.
Those beings share a timeless origin,
that drinks from same ancient source
as those of the magical practices of
the human in their work to create
any ritual object, to which animistic
properties are attributed by means
of which that representation helps to
grasp their mystery.
However, the Visiones de Ediacara are
merely a set of contemporary relics,
which emerge from my need to un-
derstand the essence of the human
and of an imaginary search connect-
ed to the timeless world of invisible
landscapes.
Mara Ona survives in Bilbao, where
she studied for a Master’s Degree in
Ceramics: Art and Fuction. She stud-
ied Fine Arts in Cuenca (2016) and
Arts Applied to Sculpture in Zaragoza
(2011). Her work has been exhibited
in numerous exhibitions, the latest
of which are En la zona intermedia
and Visiones de Ediacara at the La
Casa Amarilla Gallery (Zaragoza) in
2021 and in 2020, Antologías de un
patio, Bizkaia Aretoa UPV/EHU; GEA,
Exhibition Room of Bizkaia General
Assemblies and JUSTMAD, Emerging
Art Fair, Madrid.
159

Deconstruction lanak eraikuntzaren
pertzepzioa du ardatz, giza sare za-
bal batean agertzeko duen modua
aintzat hartuta. Hainbat instalazioren
bidez, paisaia publikotik erauzten di-
ren formak eta irudiak interpretatzen
saiatzen naiz. Obra bakoitza ingurune
jakin batekin lotutako kanpoko espe-
rientzia eta egoeretatik sortzen da.
Espazio publikoa erabiltzen dut, leku
jakin bat ulertzeko nire modua zehaz-
ten duen informazio-iturri mugagabe
gisa eta, aldi berean, nire lanen azken
emaitzari forma ematen dio. Baldin­
tza horietan kokatzen naizenean,
irisgarritasunaren esanahia aztertzen
dut, eta barruko eta kanpoko espa-
zioen arteko mugak behatzen ditut.
Prozesu horretan zehar atzemandako
ideiak irudikatze askoz ere sinplea-
go eta murriztuago bilakatzen dira.
Materialtasunak ikusleen aurrean
aurki daitezkeen objektuena izaten
jarraitzen badu ere, nire lanen fun­
tzioa ez da praktikoa izaten. Koloreek
eta formek eraikuntza-lan batean
aurki daitezkeen objektuen eta maki-
nen estetikari jarraitzen diote. Beraz,
obrek eskala handiko jostailuen antz
handiagoa dute, eta ez hainbeste egi-
turazko tresna astunena. Konposizio
bakoitza multzo komun baten par-
te­da, baina, aldi berean, espazioan
pieza indibidual gisa egon daitezke.
Batasuna gauza esanguratsu bihur­
tzen da nire praktikan, garapen eta
bilakaera mekanismo oso bat heda­
tzen duen entitate bat baita.
Christos Papasotiriou Bartzelonan
bizi da eta lan egiten du, eta hainbat
egonaldi-programatan eta erakus-
ketetan parte hartu du, hala nola:
Under the Ceiling Above the Ground
(Sabaiaren azpian Zeruaren gainean),
Christos Papasotiriou eta Natalia Do-
mínguez artisten erakusketa, SNEHTA
egoitza - Atenas 2021. Egonaldia Ge-
nalguacil XV. Encuentros de Arte Arte
Topaketetan, Málaga 2020. Multiplied
(Biderkatuta), Erakusketa kolektiboa,
Troebel Neintje - Anberes 2019. Affor-
dable Art Fair (Arte Eskuragarriaren
Azoka), Tour eta Taxis - Brusela 2018.
To Be (Izatea), Bakarkako erakusketa,
88 Galeria - Anberes 2017.
La obra Deconstruction se centra en
la percepción de la construcción tal y
como se muestra en una amplia red
humana. A través de varias instalacio-
nes, procuro interpretar las formas e
imágenes que se extraen del paisaje
público. Cada obra brota de expe-
riencias y situaciones externas, rela-
cionadas con un entorno concreto.
Utilizo el espacio público como fuen-
te ilimitada de información que deter-
mina mi forma de entender un lugar
determinado y, al mismo tiempo, da
forma al resultado final de mis obras.
Al situarme en estas condiciones, exa-
mino el significado de la accesibilidad
y observo los límites entre el espacio
interior y el exterior.
Las ideas captadas en este proceso
acostumbran a traducirse en una vi-
sualización mucho más simple y sus-
tractiva. Aunque la materialidad sigue
siendo la misma que la de los objetos
que pueden encontrarse a la vista del
público, mis obras suelen tener una
función no práctica. Los colores y las
formas siguen la estética de los obje-
tos y las máquinas que se pueden en-
contrar en una obra de construcción.
Por lo tanto, las obras se asemejan
más a juguetes a gran escala que a
herramientas estructurales pesadas.
Cada composición forma parte de
un conjunto común, pero, al mismo
tiempo, puede erigirse en el espacio
como una pieza individual. La unidad
se convierte en algo significativo en
mi práctica, es una entidad que, a su
vez, despliega todo un mecanismo de
desarrollo y evolución.
Christos Papasotiriou reside y tra-
baja en Barcelona, ha participado
en varios programas de residencia y
exposiciones como: Under the Ceiling
Above the Ground (Bajo el Techo So-
bre el Cielo) muestra de los artistas
Christos Papasotiriou y Natalia Do-
mínguez, Residencia SNEHTA - Atenas
2021. Genalguacil XV Encuentros de
Arte Residencia, Málaga 2020. Multi-
plied (Multiplicado), Exposición colec-
tiva, Troebel Neintje - Amberes 2019.
Affordable Art Fair (Feria de Arte Ase-
quible), Tour y Taxis - Bruselas 2018.
To Be (Ser), Exposición individual, Ga-
lería 88 - Amberes 2017.
Christos Papasotiriou
Atenas (Grezia), 1989
The work Deconstruction focuses on
the perception of construction as it
is displayed into a broad human net-
work. Through various installations
I attempt to interpret forms and im-
ages dragged out of the public land-
scape. Each artwork emerges from
external experiences and situations
related to a specific environment. I
use the public space as an unlimit-
ed source of information that deter-
mines my understanding of a certain
location and at the same time shapes
the final outcome of my works. By
placing myself into these conditions
I examine the meaning of accessibil-
ity and I observe the boundaries be-
tween inside and outside space.
The ideas captured during this pro-
cess are usually being translated
into a much simpler and subtractive
display. Even though the materiality
remains the same as objects that can
be found in public view, my artworks
tend to have a non practical function.
The colors and the shapes follow the
aesthetics of items and machines that
can be found in a construction site.
Therefore the works look more like
large scale toys rather than heavy
structural tools. Each composition
consist a significant part of a com-
mon ensemble but, at the same time,
can stand in space as an individual
work. The unit becomes significant in
my practice, it is an entity that conse-
quently unfolds a whole mechanism
of development and evolution
Christos Papasotiriou lives and
works in Barcelona, he has participat-
ed in various residency programs and
exhibitions such as: Under the Ceiling
Above the Ground show of the artists
Christos Papasotiriou and Natalia
Domínguez, SNEHTA Residency - Ath-
ens 2021. Genalguacil XV Encuentros
de Arte Residency, Malaga 2020. Mul-
tiplied, Group show, Troebel Neintje
- Antwerp 2019. Affordable Art Fair,
Tour and Taxis - Brussels 2018. To Be,
Solo Show, Gallery 88 - Antwerp 2017.
161

Collage horiek musikari dagokionez
pentsatzen ditut, printzipioz, logika
sinple bati erantzuten baitiote, bai-
na teknika garatu ahala konplexutuz
doana. Variaciones en solsticio. 25.
Bariazio terminoa interesatzen zait;
teknika formal bat ezartzen baitu,
non beti elementu berberak erabiliz,
horiek modu aldatuan errepikatzen
diren, eta konbinazio desberdinak
sortzen dira, aldez aurretik zehaztu
gabeko lekuetara eramaten naute-
nak. Horrek prozesua argitzea eta
materialki definitzea eragiten du.
Zentzu honetan aldakuntzek gai bera-
ri bueltak ematea ahalbidetzen dute,
non forma alde batetik konplexuagoa
bihurtzen den eta gaia sinplifikatu egi-
ten den elementu abstraktu bihurtu
arte. Teknika honek materialen ekono-
mia batera iristen laguntzen dit, non
helburua elementu bakoitzak pape-
rean bere leku egokia aurkitzea den.
Aldez aurretik sinplea dirudien keinu
horrek eskulturara hurbiltzen nau;
izan ere, eskulturan eta nire eskultu-
ra-prozesuan forma eta espazioari,
inguruari eta koloreari, egiturari eta
antolaketari buruzko gaiak jorratzen
saiatzen naiz. Teknika hori interesa­
tzen zait, zuzena delako; alabaina,
ebakitako paperak kolorearen gaine-
ko marrazkia eta zuzeneko eraikun­
tza errazten dizkit, koloreak aurrez
aurre jarriz.
Claudia Rebeca Lorenzo artista Bil-
bon bizi da. Ikerketa eta Sormena Ar-
tean Masterra egin zuen UPV/EHUn
(Bilbo), eta Kalostra (Donostia) arte
esperimentaleko eskolan eta MAC-
BAren (Bartzelona) Ikasketa Indepen-
denteen Programan parte hartu du,
Paul B. Preciadok zuzenduta. 2019an
Tabakaleran (Donostia) artista egoilia-
rra izan da. Bere erakusketa berrie-
nen artean Estudiotik at. Cinco años
de creación nabarmentzen da, Ta-
bakalera, Generaciones 2020, La Casa
Encendida, Madril eta BI, DOS, TWO,
Azkuna Zentroa (Bilbao).
Claudia Rebeca Lorenzo
Pienso estos collages en términos
de música, ya que responden a una
lógica en principio simple, pero que
se va complejizando conforme se va
desarrollando la técnica. Variaciones
en solsticio. 25.
Me interesa el término variación,
ya que instaura una técnica formal
donde usando siempre los mismos
elementos, éstos son repetidos de
una forma alterada dando lugar a
diferentes combinaciones que me
llevan a lugares que de antemano no
están predeterminados. Esto hace
que el proceso se desvele y se vaya
definiendo materialmente. En este
sentido las variaciones permiten dar
vueltas a un mismo tema, donde la
forma se vuelve más compleja por
un lado y el tema se simplifica hasta
convertirlo en un elemento abstracto.
Esta técnica me ayuda a llegar a una
economía de materiales donde el fin
es que cada elemento encuentre su
lugar adecuado en el papel.
Este gesto a priori sencillo me acerca
a la escultura ya que tanto en ellos
como en mi proceso escultórico in-
tento abordar cuestiones de forma
y de espacio, de contorno y de color,
de estructura y de organización. Me
interesa esta técnica por lo directa
que es, ya que el papel recortado me
facilita el dibujo sobre el color y una
construcción directa mediante la con-
frontación de colores.
Claudia Rebeca Lorenzo es artista
residente en Bilbao. Realizó el Master
de investigación y creación en Arte en
la UPV/EHU (Bilbao) y ha participado
en la escuela de arte experimental
Kalostra (San Sebastián) y en el Pro-
grama de Estudios Independientes
del MACBA (Barcelona) dirigido por
Paul B. Preciado. En 2019 ha sido ar-
tista en residencia en Tabakalera (San
Sebastián). Entre sus exposiciones
más recientes destacan Estudiotik at.
Cinco años de creación, Tabakalera,
Generaciones 2020, La Casa Encen-
dida, Madrid y BI, DOS, TWO, Azkuna
Zentroa (Bilbao).
Logroño, 1988
I think of those collages in terms of
music, as they are in keeping with a
logic that is initially simple, but which
becomes more complex as the tech-
nique develops. Variaciones en solsti-
cio. 25.
I am interested in the term variation,
as it introduces a formal technique
where the same elements are always
used. They are repeated in an altered
form, leading to different combina-
tions that take me to places that are
not predetermined beforehand. This
reveals the process and it is materially
defined. In this regard, the variations
mean the same theme can be gone
over and over again, with the form
becoming more complex, while the
theme is simplified until it becomes
an abstract element. This technique
helps me to achieve an economy of
materials where the end is the ele-
ment finding its appropriate place on
the paper.
This simple a priori gesture brings
me to the sculpture as I seek to ad-
dress questions of form and space,
of contour and colour, of structure
and of organisation both in the piec-
es and in my sculptural process. I am
interested in this technique as it is
direct, as the cut-out paper makes
it easier for me to draw on colour
and to directly construct by means of
confronting colours.
Claudia Rebeca Lorenzo is an artist
resident in Bilbao. She has a Master’s
Degree in Research and Creation in
Art at the UPV/EHU (Bilbao) and has
taken part in the Kalostra Experimen-
tal Art School (San Sebastián) and in
the MACBA Independent Studies Pro-
gramme (Barcelona) run by Paul B.
Preciado. In 2019, she was the artist
in residence at Tabakalera (San Se-
bastián). Her most recent exhibitions
include Estudiotik at. Cinco años de
creación, Tabakalera, Generaciones
2020, La Casa Encendida, Madrid and
BI, DOS, TWO, Azkuna Zentroa (Bilbao).
163

ELLAS Bilboko Auzo Garaietako
emakumeen diziplina anitzeko proie-
ktu partizipatiboa da. Familiako albu-
mak babesten dituzten emakumeen
azken belaunaldiarekin topaketa bat.
Ondarearen eta ahanzturaren arteko
defentsa. Fotogramaz eta oroitzape-
nez baliatuta, pribatutik arlo publiko-
ra eta indibidualetik arlo kolektibora
egindako lekualdatzea.
Zer gertatzen da idatzi gabeko oroi­
tzapen horren zaindariek bere liburu
pribatuak horiek kontatzeko irekitzen
dituztenean?
Zer gertatzen da album batek inti-
mitatearen mugak zeharkatzen di-
tuenean eta espazio publiko batean
erakusten denean?
Oroitzapenen artxibo horiek garai
bakoitzeko unibertsala islatzen du-
ten molde nagusiak, estereotipoak,
poseak eta errepikapenak ezkutatzen
dituzte. Etxekotutako objektuak eta
objektu hezitzaileak dira, baina baita
auzo baten oroitzapenen puzzleko
pieza paregabeak ere.
ELLAS etxeko argazkietan, oroitza-
penen distiran eta eragiten dituzten
pitzaduretan gordetako oroimenean
egindako bilaketa da. Isildutako, tabu
eta estigmara baztertutako istorioak
azaltzea eta oroitzapen pribatu hori
hedatzea, gogoetazko plano garaikide
eta publiko batean kokatzeko, oroitza-
pena transmititzeko bide berriak ire-
kitzeko asmoz. Oroitzapenen kosmos
bat, begirada zurruna iraultzen duen
album kolektibo berri bat eraikitzen
duena. Agian album bat ez delako be-
rez agortzen, erakusten duena baino
askoz gehiago esaten duelako.
Ainhoa Resano. Ikus-entzunezko
Komunikazioan lizentziaduna UPV/
EHU-n, Bilboko Argazkigintza Garaiki-
deko Zentroan egile-argazkigintzako
Masterra. Diziplina anitzeko artista
eta argazkilaria. ELLAS proiektuaren
egilea eta koordinatzailea. Bilbon
bizi da, bertan garatu ditu bere lan
pertsonal gehienak eta arte eszeni-
koetako argazkilari profesional gisa
egindako ibilbidea.
ELLAS es un proyecto multidiscipli-
nar y participativo de las mujeres de
los Barrios Altos de Bilbao. Un en-
cuentro con la última generación de
mujeres que custodian álbumes fa-
miliares. Una línea de defensa entre
el patrimonio y el olvido. Un trasvase
fotográfico y de memoria de lo priva-
do a lo público y de lo individual a lo
colectivo.
¿Qué ocurre cuando las guardianas
de esa memoria no escrita abren sus
álbumes privados para contarlos?
¿Qué ocurre cuando un álbum cruza
las fronteras de lo íntimo y se expone
en un espacio público?
Estos archivos de la memoria escon-
den moldes dominantes, estereoti-
pos, poses y repeticiones que reflejan
el universal de cada época. Son obje-
tos domesticados y domesticadores,
pero también piezas únicas del puzzle
de la memoria de un barrio.
ELLAS es una búsqueda en la me-
moria conservada en las fotografías
domésticas, en el destello de sus
recuerdos y en las fisuras que pro-
vocan. Exponer historias silenciadas,
relegadas al tabú y al estigma y des-
plegar esa memoria privada, para
situarla en un plano reflexivo, con-
temporáneo y público, aspirando a
abrir nuevos canales de transmisión
del recuerdo. Un cosmos de memo-
rias, que construyen un nuevo álbum
colectivo que subvierte la mirada rí-
gida. Porque quizás un álbum no se
agota en sí mismo, dice mucho más
de lo que muestra.
Ainhoa Resano. Licenciada en Co-
municación Audiovisual por la UPV/
EHU, Máster de fotografía de autor
en el Centro de Fotografía Contem-
poránea de Bilbao. Artista multidis-
ciplinar y fotógrafa. Autora y coor-
dinadora del proyecto ELLAS. Vive
en Bilbao donde ha desarrollado la
mayor parte de sus trabajos perso-
nales y su trayectoria como fotógrafa
profesional de artes escénicas.
Ainhoa Resano
Iruña, 1974
ELLAS is a multidisciplinary and
participatory project of the women
of the Bilbao's Barrios Altos. An en-
counter with the last generation of
women who keep family albums. A
line of defense between heritage
and oblivion. A photographic and
memory transfer from the private to
the public and from the individual to
the collective.
What happens when the guardians
of this unwritten memory open their
private albums to tell their story?
What happens when an album cross-
es the boundaries of the intimate
and is exhibited in a public space?
These archives of memory hide dom-
inant molds, stereotypes, poses and
repetitions that reflect the universal
of each era. They are domesticated
and domesticating objects, but also
unique pieces of the puzzle of the
memory of a neighbourhood.
ELLAS is a search in the memory pre-
served in domestic photographs, in
the sparkle of their memories and in
the fissures they provoke. Exposing
silenced stories, relegated to taboo
and stigma, and unfolding this pri-
vate memory, to place it in a reflec-
tive, contemporary and public level,
aspiring to open new channels of
memory transmission. A cosmos of
memories that build a new collective
album that subverts the rigid gaze.
Because perhaps an album is not ex-
hausted in itself, it says much more
than what it shows.
Ainhoa Resano. Graduated in Audio-
visual Communication at UPV/EHU,
Master of photography at the Center
for Contemporary Photography in
Bilbao. Multidisciplinary artist and
photographer. Author and coordina-
tor of the project ELLAS. Lives in Bil-
bao where she has developed most
of her personal work and her career
as a professional performing arts
photographer.
165

Todo pasó entre dos.
Kolitza eta Arbalitzaren artean. Esti
eta bion artean. Martin Mendia eta
Pio Bermejillo kaleen artean. Mikro-
fonoaren eta bozgorailuaren artean.
koparen eta egurraren artean.
Bihurgunean.
Bi gorputz bi puntu bezala ulertu
nituen.
Euren distantziagatik hauen artean
sortzen den espazioan pentsatu
nuen. Oinez goazenean, paraleloki
ibiltzen gara, elkarrizketa bat izatea
gogaikarria ez bada. Urrats bakoitza
elkarrekin ematen dugu, baina zorua-
ri ere begiratzen diogu, eta horrek
gure urratsen norabidea edo distan­
tzia aldatzen du. Baina non zapalt-
zen duten erabaki edo bulkada txiki
horiek banaka hartzen ditugu, eta ez
elkarrekin. Batzen gaituena gure dis-
tantzia da, eta distantzia bakoitzetik
desberdin ikusten da.
Gorputz bakoitza indibiduala da, gau-
za ezberdinak begiratzen ditugu eta
leku desberdinetatik gatoz, eta horrek
gauza batzuei besteei baino gehiago
erreparatzea eragiten du. Ez dugu
sentitzen dugun guztia partekatzen,
batek «-etik» begiratzen zuen, bes-
teak «-rantz».
Gelditu ere egiten gara, Gelditu gero
ahalegin bat egiteko, gure arnasketa
bizkortzen sentitzeko , aurrerantz in-
darra egin, altuera jakin batera iristea.
Gelditu egin ginen bihurguneari begi-
ratzeko, gauzak, mugitu gabe, mugi­
tzen begiratzeko.
Honela delineatu zen harana, hemen-
dik abiatu zen Embocadas, ibitzetik,
marratzetik, gelditzetik eta mugitzetik.
Elkarrizketatik, kanpotik eta barrutik.
Momentuak izan ziren.
Erreboteak izan ziren.
Akane Saraiva Rando Balmasedan
bizi da, eta Arte Graduan lizentziatu
zen 2020an UPV/EHU-n. 2017an, Ta-
bakalerako artistentzako tailerrean
parte hartu zuen, eta Arte Praktiken
Institutuaren (JAI) lehen edizioan
hartu nuen parte. Erakusketa kolekti-
boetan parte hartu zuen, hala nola Un
mundo sin cualidades, Carreras Mugi-
ca, Bilbo, 2020-2021. Un imaginario
colectivo, Horkasitas Jauregia, Balma-
seda, 2021.
Todo pasó entre dos.
Entre el Kolitza y el Arbalitza. Entre Esti
y yo. Entre las calles Martin Mendia y
Pio Bermejillo. Entre el micrófono y el
altavoz. Entre la copa y la madera.
En la curva.
Entendí dos cuerpos como dos
puntos.
Pensé en el espacio que se crea en-
tre estos por su distancia. Cuando
caminamos andamos paralelamente,
si no es molesto mantener una con-
versación. Cada paso lo damos jun-
tas, pero también miramos el suelo y
eso cambia la dirección o distancia de
nuestros pasos. Pero estas pequeñas
decisiones o impulsos de donde pisar
los hacemos individualmente, y no en
conjunto. Lo que nos une es nuestra
distancia, y desde cada distancia se ve
diferente.
Cada cuerpo es individual, miramos
cosas diferentes y provenimos de si-
tios distintos y eso hace que cada una
se fije más en unas cosas que en otras.
No compartimos todo lo que senti-
mos, una miraba desde, la otra hacia.
También nos detenemos.
Detenernos para luego hacer un es-
fuerzo, para sentir nuestra respira-
ción acelerarse, hacer fuerza hacia
delante, llegar a cierta altura. Nos de-
tuvimos para mirar la curva, para mi-
rar las cosas moverse sin movernos.
Así se delineo el valle, de aquí partió
Embocadas, del caminar, del trazar,
del parar y del mover.
De la conversación, de dentro y fuera.
Fueron momentos.
Fueron rebotes.
Akane Saraiva Rando vive en Balma-
seda, se licencio en el Grado de Arte
en el 2020 por UPV/EHU.
En 2017 participo en el Taller para
artistas en Tabakalera, y tomo parte
en la primera edición del Instituto de
Prácticas Artísticas (JAI). Ha participa-
do en exposiciones colectivas como
Un mundo sin cualidades, Carreras
Mugica, Bilbao, 2020-2021. Un ima-
ginario colectivo, Palacio Horkasitas,
Balmaseda, 2021.
Akane Saraiva Rando
Galdames (Bizkaia), 1997
Todo pasó entre dos.
Between the Kolitza and the Arbalitza.
Between Esti and I. Between the Mar-
tin Mendia and Pio Bermejillo streets.
Between the microphone and the
loudspeaker. Between the cup and
wood.
On the curve.
I saw two bodies as two points.
I thought about the space created
between then due to their distance.
When walking, we do so side by side,
or it is not easy to have a conversation.
We take each step together, but we
also look at the floor and that changes
the direction or distance of our steps.
Yet we make those small decisions
or follow those impulses of where to
tread individually and not together.
We are united by our distance and it
is seen differently from each distance.
Each body is individual. We look
at things differently and we come
from different places. That means
that everyone looks at somethings
more than others. We do not share
everything we feel; one looks from,
the other towards.
We also stop.
We stop to then make an effort, to feel
ourselves breathing faster, to make
an effort forward, to reach a certain
height. We stopped to look at the
curve, to look at the things move with-
out ourselves moving.
The valley was so outlined. Emboca-
das started from here, from walking,
from charting, from stopping and
from moving.
From the conversation, inside and
out. They were moments.
They were rebounds.
Akane Saraiva Rando lives in Bal-
maseda and graduated in Art from
the UPV/EHU in 2020.
In 2017, she took part in the Taba­
kalera Workshop for Artists and in
the I Institute for Artistic Practices
(JAI). Her group exhibitions include
Un mundo sin cualidades, Carreras
Mugica, Bilbao, 2020-2021. Un imag-
inario colectivo, Palacio Horkasitas,
Balmaseda, 2021.
167

Humus moribus. Gabinete de semillas
raras Euskal Herriko testuinguru kul-
tural espezifikoaren azterketa prakti-
ka artistikoaren gaitzat hartzen duen
proiektu teoriko-praktikoa da.
Hau hazien bilduma bat da, posibleak,
fikziozkoak, kimerikoak. Hazi bakoi­
tzaren formak hazkuntzan zehar izan
lezakeen portaera adierazten du,
ingurunean identifikatutako kultu-
ra-ereduei dagokienez.
Erreferentzia gisa hartzen dut siste-
ma ekonomiko baten erreprodukzioa
berrikusten duen pentsamendu-le-
rroa, eskala handian planetaren ba-
liabideak ebakitzen dituena eta, eska-
la ertain eta txikian, bizitzeko molde
(eta modu) desberdinak prekariza­
tzen dituena. Horretarako, inspirazio
iturri da Donna Haraway pentsalari
feministaren azken lana. Harengan-
dik hartu dut humusidad esamoldea.
Alde horretatik, humusidea ezaugarri
bat da, lurzoru (testuinguru) aberastu
baterako beharrezkoak diren mante-
nugaiak birsortzeko jada zaharkituta
dagoenaren deskonposizio-zikloak
konnotatzeaz gain, katalogazio-aha-
legin guztietatik ihes egiten duenari
balioa ematen diona.
Oihane Sánchez Duro. Arte Garaiki-
deko Ikerketa Doktorea UPV/EHU-n,
eta Arte Ederretako Fakultateko
irakaslea, non Arte Garaikide Tekno-
logiko eta Performatiboko Masterra
eta Arteko Gradua egin zituen.
Nazioarteko egonaldiak egin ditu
Renon (Nevada, Estatu Batuak) eta
Guanajuaton (Guanajuato, Mexiko).
Hainbat laguntza, beka eta sari jaso
ditu arte plastiko eta bisualen arloan,
sorkuntzaren (2021) eta argitalpe-
nen (2020, 2021) modalitateetan,
Eusko Jaurlaritzak emanda; Ertibil,
Bizkaiko Ikusizko Arteen Erakusketa
Ibiltaria, (2017, 2021); BilbaoArte Fun-
dazioaren ekoizpenerako laguntza
(2021) eta Bizkaiko Foru Aldundia-
ren sorkuntzarako laguntza (2015).
Talde-erakusketetan zein bakarkako
erakusketetan parte hartu du, eta
hainbat jaialdi eta programa artistiko-
tan parte hartu du.
Humus moribus. Gabinete de semillas
raras es un proyecto teórico-práctico
que adopta el análisis del contexto cul-
tural específico del País Vasco como
tema de la práctica artística.
Éste es un compendio de semillas,
posibles, ficticias, quiméricas. La for-
ma de cada semilla alude al tipo de
comportamiento que ésta podría
desplegar durante su crecimiento, en
relación a los diferentes modelos cul-
turales identificados en el entorno.
Tomo como referente la línea de pen-
samiento que revisa la reproducción
de un sistema económico que, a gran
escala, esquilma los recursos del pla-
neta y que, a mediana y pequeña es-
cala, precariza las diversas formas (y
modos) de vida. Para ello, resulta de
inspiración el trabajo reciente de la
pensadora feminista Donna Haraway,
de quien he tomado la expresión hu-
musidad.
En este sentido, la humusidad se pre-
senta como una cualidad que, además
de connotar los ciclos de descomposi-
ción de lo ya caduco para la regenera-
ción de los nutrientes necesarios para
un suelo (contexto) enriquecido, pone
en valor aquello que escapa de cual-
quier intento de catalogación.
Oihane Sánchez Duro. Doctora en
Investigación en Arte Contemporá-
neo por la UPV/EHU, y profesora en
la Facultad de Bellas Artes, donde
cursó el Máster en Arte Contempo-
ráneo Tecnológico y Performativo y
el Grado en Arte.
Ha realizado estancias internaciona-
les en Reno (Nevada, Estados Unidos)
y en Guanajuato (Guanajuato, Méxi-
co). Ha recibido diversas ayudas, be-
cas y premios en el área de las Artes
Plásticas y Visuales en las modalida-
des de creación (2021) y de publica-
ciones (2020, 2021) concedidas por
Gobierno vasco/Eusko Jaurlaritza;
Ertibil, Muestra Itinerante de Artes
Visuales de Bizkaia, (2017, 2021); la
ayuda a la producción de la Funda-
ción BilbaoArte (2021) y la ayuda a
la creación de la Diputación Foral de
Bizkaia/Bizkaiko Foru Aldundia (2015).
Ha participado tanto en exposiciones
colectivas como en muestras indivi-
duales, y participado en diversos fes-
tivales y programas artísticos.
Oihane Sánchez Duro
Sestao (Bizkaia), 1991
www.oihanesanchezduro.com
Humus moribus. Gabinete de semillas
raras is a theoretical-practical project
that adopts the analysis of the specific
cultural context of the Basque Coun-
try as a theme of artistic practice.
This is a compendium of chimerical,
fictitious and possible seeds. The
form of each seed alludes to a type
of behaviour that could be deployed
during its growth, in relation to the
different cultural models identified in
the surrounding area.
My reference is the line of thought
that reviews the reproduction of an
economic system that, on a large
scale, exhausts the resources of the
planet and which, on a medium and
small scale, makes the different ways
(and means) of life more precarious.
Therefore, the recent work of Donna
Haraway, the feminist thinker, has
inspired me and from whom I have
borrowed the expression humusidad.
In this regard, humusidad is seen as
a quality that enhances anything that
escapes from any attempt at classi-
fication, apart from connotating the
decomposition cycles for the already
expired to regenerate the necessary
nutrients for an enriched soil (context).
Oihane Sánchez Duro. PhD in Con-
temporary Art Research at the Univer-
sity of the UPV/EHU, and lecturer at
the Fine Arts Faculty, where she com-
pleted her Master’s in Performance
and Technological Contemporary Art
and her Art Degree.
She spent time abroad in Reno (Ne-
vada, United States) and in Guanajua-
to (Guanajuato, Mexico). Oihane has
received different funding, grants and
awards in the Visual and Plastic Arts in
the categories of creation (2021) and
publications (2020, 2021) awarded by
the Basque Government/Eusko Jaur-
laritza; Ertibil, Bizkaia Travelling Visual
Art Exhibition, (2017, 2021); produc-
tion funding from BilbaoArte Founda-
tion (2021) and funding for creation
from Bizkaia Provincial Council/Bizkai-
ko Foru Aldundia (2015). She has also
taken part in group exhibitions and
had her solo shows, and participated
in different artistic programmes and
festivals.
169

Perspectivismos - ejercicios de
no contacto
Kontaktatu gabeko herriek, edo isola-
tutako herriek, mendebaldeko gizar-
tearekin inolako harremanik ez izaten
jarraitzen dute. Hala ere, horiek aur-
kitzeko, behatzeko eta argazkiak ate-
ratzeko saiakerak etengabe ugaltzen
dira, keinu horiek desagertzera zuze-
nean behartzen dituztela jakinda ere.
Proiektu honek, ikusezintasuna auke-
ratu zutenak irudikatzen baino gehia-
go, gure presentziaren marka eraman
gabe jarraitzen dutenek sortutako
fantasian du interesa. Mendebaldeko
pentsamenduaren eta ezezagunaren
arteko harremana zalantzan jarriz, ko-
lonialismoaren eta antropozenoaren
jatorriak aurki litezkeen hipotesia for-
mulatzen du.
Bildutako irudiak, Interneten aurki-
tutakoak, helikopteroetatik, itsason­
tzietatik, autobus turistikoetatik hartu
ziren. Klorofilaz egindako prozesu ba-
tekin inprimatuta, argazkiak, finkatuta
ez daudenak, argipean ote dauden
zaintzen jarraitzen da. Iluntasunean
kokatuta, UV izpiak erabiltzen dituen
linternatxo bati esker egiten dira ikus-
gai, eta bisitariak erabil dezake edo
ez, jakinda irudiak begiratzeko behar
den argia izango dela hauek desage-
rraraziko dituena.
Marianne Wasowska antropologian
graduatu zen Paris X-en (Nanterre)
eta Arlesko (Frantzia) Argazkigintzako
Goi Eskola Nazionalan (ENSP) integra-
tu zen. 2015etik Studio Hans Lucase-
ko kidea da eta prentsarako lan egi-
ten du argazkilari eta fotoeditore gisa.
2016-2017an, Frantziako Akademiako
kide artista izan zen Madrilen, Veláz-
quez Etxean, eta hurrengo urtean Bil-
baoArte Fundazioaren produkzio-be-
ka bat jaso zuen. Bere lana Łódź
FotoFestiwal, Encontros de Imagem
de Braga, PhotoEspaña-N aurkeztu
da, besteak beste.
Gaur egun Frantzia eta Mexiko artean
bizi eta lan egiten du.
Perspectivismos - ejercicios de
no contacto
Los pueblos no contactados, o pue-
blos aislados, siguen rechazando
cualquier contacto con la sociedad oc-
cidental. Sin embargo los intentos de
encontrarlos, observarlos, fotografiar-
los no dejan de multiplicarse, a sabien-
das de que estos gestos contribuyen
de manera directa a su desaparición.
Este proyecto, más que empeñarse
en representar los que eligieron la
invisibilidad, se interesa en la fantasía
generada por los que siguen sin llevar
la marca de nuestra presencia. Cues-
tionando la relación del pensamiento
occidental a lo desconocido, formula
la hipótesis que allí podrían hallarse
los orígenes del colonialismo y del
antropoceno.
Las imágenes reunidas, encontradas
en internet, fueron tomadas desde
helicópteros, barcos, buses turísticos.
Impresas con un proceso a base de
clorofila, las fotografías, que no están
fijadas, se siguen velando si están ex-
puestas a la luz. Ubicadas en la oscu-
ridad, se hacen visibles gracias a una
linternita de rayos UV que el visitante
puede elegir de usar o no, sabiendo
que la luz necesaria para mirar las
imágenes será también la que provo-
cará su desaparición.
Marianne Wasowska se graduó en
antropología en Paris X (Nanterre) e
integró luego la Escuela Nacional Su-
perior de Fotografía de Arles, Francia
(ENSP). Desde 2015 es miembro del
Studio Hans Lucas y trabaja para la
prensa como fotógrafa y fotoeditora.
En 2016-2017 fue miembro artista de
la Academia de Francia en Madrid, en
la Casa de Velázquez, y recibió al año
siguiente una beca de producción de
la Fundación BilbaoArte. Su trabajo
ha sido expuesto en el FotoFestiwal
de Łódź, Encontros de Imagem de
Braga, PhotoEspaña, entre otros.
Actualmente vive y trabaja entre Fran-
cia y México.
Marianne Wasowska
Paris (Frantzia), 1988
Perspectivismos - ejercicios de
no contacto
The disconnected peoples, or isolated
peoples, continue to reject any con-
tact with western society. However,
the attempts to find them, observe
them and photograph them continue
to multiply, mindful that those ges-
tures directly contribute to their dis-
appearance.
This project, more than striving in de-
picting those that chose invisibility, is
interested in the fantasy generated
by those who continue without the
mark of our presence. Questioning
the relationship of western thought
with the unknown formulates the hy-
pothesis that the origins of colonial-
ism and of the Anthropocene can be
found there.
The images gathered, found online,
were taken from helicopters, boats,
tourist buses. Printed using a pro-
cess based on chlorophyll, the photo-
graphs, which are not fixed, continue
to be revealed if they exposed to light.
Located in the dark, they become vis-
ible thanks to a UV ray torch that the
visitor can opt or not to use, knowing
that the light needed to look at the
images will also be what causes them
to disappear.
Marianne Wasowska graduated in
Anthropology from Paris X (Nanterre)
and then entered the Arles Nation-
al School of Photography, France
(ENSP). Since 2015, she has been a
member of Studio Hans Lucas and
works for the press as a photogra-
pher and photo-editor.
From 2016 to 2017, she was an artist
member of the Academy of France
in Madrid, at Velázquez’s Birthplace
Museum and the following year, she
was awarded a production grant by
BilbaoArte Foundation. Her work has
been exhibited at Łódź FotoFestiwal,
Encontros de Imagem in Braga, Pho-
toEspaña, among others.
She is currently living and working be-
tween France and Mexico
171

The Hammer Party
Orain nire mailua krudelki haserretzen
da zure presondegiaren aurka. Harritik
txiki-txiki egiten dute jauzi: zer axola dit? 1
Friedrich Nietzschek, bere bizitzaren
ilunabarrean, bere beligerantzia inte-
lektual eta literarioa maximizatzen du,
hainbat testutan aurkeztuz eta mailua-
ren filosofia motelduz, mendebaldeko
filosofiarekiko, moralarekiko edo erli-
jioarekiko kritika sendoa eginez. Kriti-
ka horren helburu nagusia balio bat
sun­tsitzea eta ondoren berreraikitzea
da –Alemaniarrak esango lukeen trans-
balorazioa–, eta horrek gizakia esklabo
egiten duten (auto)teoria dogmati-
ko eta kaltegarri guztiekiko haustura
dakar. Salaketa publikoaren ildo beretik
doa The Hammer Party, Adrián Casta-
ñeda eta Los Picoletosen lanak batzen
dituen erakusketa proposamena.
Artistek migrazio-fluxuek Europako
lu­rraldean dituzten zailtasunetan eta
migratzaileek behin eta berriz – modu
fisiko eta ukiezinean – Giza eskubide
unibertsalen artikulu asko harrapatzen
dituzten indarkeria instituzionaletan
oinarritzen dute beren diskurtsoa; ar-
tikulu horiek guztiak Parisen berretsi
zituen Nazio Batuen Erakundearen
Batzar Nagusiak (1948ko abenduaren
10eko 217 A-III Ebazpena), hain zuzen
ere II. Mundu Gerra amaitu eta hiru ur-
tera. Alde horretatik, The Hammer Par-
ty-k herritarren eskubideen urrakor-
tasunaren bi ikuspegi desberdin
aurkezten ditu, hala nola migra­tzaileen
erregularizazio-prozesuak: alde bate-
tik, behatzailearena, autokritika-lana
egiten duena, non bere pribilegioak
aztertu eta zalantzan jartzen dituen
(Adrián Castañeda), eta administrazio
publikoaren oztopo burokratikoak (Pi-
coletoek) lehen eskutik ezagutzen du-
ten esperientziatik. Bi kasuetan galdera
bera da: zer esan nahi du erregulariza-
tuta egoteak?
1
Nietzsche, Friedrich: Así habló Zara-
tustra. Alianza Editorial. Madrid, 2003,
138 or. itzulpena
Adonay Bermúdez.
Adrián Castañeda
www.adriancastaneda.net
Los Picoletos:
Dante Litvak & Fabro Tranchida
www.lospicoletos.com
Adrián Castañeda & Los Picoletos
Salamanca, 1990 - Buenos Aires, 1990 - Buenos Aires, 1987
The Hammer Party
Ahora mi martillo se enfurece cruelmen-
te contra su prisión. De la piedra saltan
pedazos: ¿qué me importa? 1
Ya en el ocaso de su vida Friedrich
Nietzsche maximiza su beligerancia
intelectual y literaria, presentándonos
en diversos textos y a ralentí su filoso-
fía del martillo, que se traduce en una
contundente crítica hacia la filosofía
occidental, la moral o la religión. Dicha
crítica, cuyo objetivo principal es la des-
trucción y posterior reconstrucción de
un valor –la transvaloración, que diría
el alemán–, supone una ruptura con
todas las teorías dogmáticas y nocivas
que (auto)esclavizan al ser humano. En
esta misma línea de denuncia pública
se localiza The Hammer Party, una pro-
puesta expositiva que aúna el trabajo
de Adrián Castañeda y Los Picoletos.
Los artistas centran su discurso en las
dificultades de los flujos migratorios en
el territorio europeo y en las violencias
institucionales ejercidas sobre los mi-
grantes que atropellan una y otra vez –
de manera física e intangible– muchos
de los artículos de los derechos huma-
nos universales; todos ellos ratifica-
dos en París por la Asamblea General
de la Organización de las Nacionales
Unidas (resolución 217 A-III del 10 de
diciembre de 1948), justo tres años
después de que acabase la II Guerra
Mundial. En este sentido, The Hammer
Party presenta dos ópticas diferentes
de una vulnerabilidad de los derechos
ciudadanos como son los procesos
de regularización de los migrantes:
por un lado, la del observador que
realiza una labor de autocrítica don-
de se analiza y cuestiona sus propios
privilegios (Adrián Castañeda) y desde
la experiencia que conoce de primera
mano las trabas burocráticas de la ad-
ministración pública (Los Picoletos). En
ambos casos la pregunta es la misma:
¿qué significa estar regularizado?
1
Nietzsche, Friedrich: Así habló Zara-
tustra. Alianza Editorial. Madrid, 2003,
pág. 138.
Adonay Bermúdez.
Adrián Castañeda
www.adriancastaneda.net
Los Picoletos:
Dante Litvak & Fabro Tranchida
www.lospicoletos.com
The Hammer Party
Now rageth my hammer ruthlessly
against its prison. From the stone fly
the fragments: what’s that to me? 1
In the twilight of his life, Friedrich
Nietzsche drew on his intellectual
belligerence and expressed it in dif-
ferent texts and embodied it in his
philosophy of the hammer. His harsh
criticism of western philosophy, mor-
als and religion was the result. That
criticism, whose main goal was to de-
stroy and subsequent reconstruct a
value –transvaluation as coined from
the German– was a break from all the
toxic and dogmatic theories that (self)
enslave the human being. The Ham-
mer Party, an exhibition proposal,
which combines the work of Adrián
Castañeda and Los Picoletos, is in
that vein of public denunciation.
The artists focus their discourse on
the problems of the migratory flows
in Europe and on the institutional vio-
lence of the migrants that repeatedly
run roughshod –physically and intan-
gibly– over many of the articles of the
universal human rights; all of which
were ratified in Paris by the UN Gen-
eral Assembly (Resolution 217 A-III of
10 December 1948), just three years
after the end of World War II. The
Hammer Party presents two differ-
ent optics of a vulnerability of citizen
rights, which are the migrant regular-
isation processes: on the one hand,
that of the observer who embarks on
self-criticism where his own privileges
are analysed and questioned (Adrián
Castañeda) and, on the other hand,
from the first-hand experience of the
bureaucratic obstacles of the public
administration (Los Picoletos). In both
cases, the question is the same: What
does being regularised mean?
1
Nietzsche, Friedrich: Thus Spake
Zarathustra. Page 88 of translation by
Thomas Common.
Adonay Bermúdez.
Adrián Castañeda
www.adriancastaneda.net
Los Picoletos:
Dante Litvak & Fabro Tranchida
www.lospicoletos.com
173

Las Synergy-ak zine proiekzio heda-
tuaren eta zuzeneko musika sorkunt-
zaren inguruan boloak egiten ditu.
Hedabide horiek ekitaldian hitz egi-
ten dute, mugitzen ari den irudiaren,
soinu-dimentsioaren eta horiek be-
ren materialtasunean espazioa nola
betetzen duten eta nola eraldatzen
dituzten sinergiak bilatzeko. Super-8
eta 16mm formatura murriztutako
film klasiko laburren irudi proiek-
tatuan esku hartzen dugu, pelikula
horiek materialtzat hartuta, kontaki-
zunaz haratago. Ildo honetan, musika
existitzen diren abestiak birziklatuz
sortzen da, Dj kontrolagailu baten bi-
dez sortutako loop eta uhin mistoak.
Bi praktiken mugak igarotzen ditugu
eta zinema-aretoaren eta dantzale-
kuaren artean espazio berri bat era­
tzea bilatzen dugu.
Las Synergys Paula Guerrero, musika
sortzailea, Dj eta fanzinera, eta Bruno
Delgado Ramo, zinegilea, proiektugi-
lea eta proiektista dira. Gure proiektua
BilbaoArte Fundazioan (2021), Zabala
16/3 (Bilbo, 2021), Zinema Periferi-
koaren Mostra (A Coruña) jaialdian
(Esperanza Collado eta Javier Mon-
terorekin lankidetzan) eta MUIPAVen
jardunaldietan erakutsi da, MPECVe-
kin batera, Sacudir Enjambres (Cuen-
ca). Banaka, honako testuinguru
hauetan erakutsi dugu gure lana:
Liaison of Independent Filmmakers
of Toronto (2021), PIX Gallery (Toron-
to, 2021), Centre Arts Santa Mònica
(Bartzelona, 2021), Cinémas Diffé-
rents et Expérimentaux de Paris Jaial-
dia (2021), VideoEX (Zürich, 2021), La
Escocesa (Bartzelona, 2021), Zumzeig
(Bartzelona, 2021), Cuencako Arte
Ederren Fakultatea (2021), Curtas
Vila do Conde (2020), Image Forum
Film Festival (Tokyo, 2020), Bapore
Atelier (Balmaseda, 2020), Pesaro
Film Festival (2020), Taipei Contem-
porary Art Center (2020), Light Field
(San Francisco, 2020), Rencontres
Internheionales Paris/Berlin (2020),
San Francisco Cinematheque (2020),
International Film Festival Rotterdam
(2020), LAMOSA (Cuenca, 2019).
Bruno Delgado Ramo & Paula Guerrero
Las Synergys hacen bolos en torno
a la proyección expandida de cine y
la creación musical en directo. Estos
medios dialogan en el evento, en bús-
queda de sinergias entre la imagen
en movimiento, la dimensión sonora
y cómo éstas ocupan el espacio en
su materialidad y los transforman. In-
tervenimos la imagen proyectada de
películas clásicas reducidas en forma-
to Super-8 y 16mm, entendiendo es-
tas películas como material, más allá
del relato. En esta línea, la música es
creada a partir del reciclaje de cancio-
nes existentes, una mixtura de loops
y ondas producida a través de una
controladora Dj. Transitamos los lími-
tes de ambas prácticas y buscamos la
configuración de un nuevo espacio
entre la sala de cine y la pista de baile.
Las Synergys lo componen Paula
Guerrero, creadora musical, Dj y
fanzinera, y Bruno Delgado Ramo,
cineasta, proyeccionista y proyectista.
Nuestro proyecto se ha mostrado en
Fundación BilbaoArte (2021), Zaba-
la 16/3 (Bilbao, 2021), el festival (S8)
Mostra de Cinema Periférico (A Co-
ruña) en colaboración con Esperan-
za Collado y Javier Montero y en las
jornadas del MUIPAV junto al MPECV,
Sacudir Enjambres (Cuenca). Indivi-
dualmente hemos mostrado nuestro
trabajo en los siguientes contextos:
Liaison of Independent Filmmakers of
Toronto (2021), PIX Gallery (Toronto,
2021), Centre Arts Santa Mònica (Bar-
celona, 2021), Festival de Cinémas
Différents et Expérimentaux de Pa-
ris (2021), VideoEX (Zürich, 2021), La
Escocesa (Barcelona, 2021), Zumzeig
(Barcelona, 2021), Facultad de Bellas
Artes de Cuenca (2021), Curtas Vila do
Conde (2020), Image Forum Film Fes-
tival (Tokyo, 2020), Bapore Atelier (Bal-
maseda, 2020), Pesaro Film Festival
(2020), Taipei Contemporary Art Cen-
ter (2020), Light Field (San Francisco,
2020), Rencontres Internationales Pa-
ris/Berlin (2020), San Francisco Cine-
matheque (2020), International Film
Festival Rotterdam (2020), LAMOSA
(Cuenca, 2019).
Sevilla, 1991- Almendralejo, 1996
Las Synergys stir up the expanded
screening of films and live musical
creation. Those media dialogue in the
event, in search of synergies between
the moving image, the sound dimen-
sion and how they occupy the space
in their materiality and transform
them. We tap the projected image of
abbreviated classic films in Super-8
and 16mm format, with those films
taken as material, beyond the narra-
tive. In this vein, music is created us-
ing the recycling of existing songs, a
mixture of loops and waves produced
using a DJ controller. We cross the
limits of both practices and we search
for the configuration of a new space
between the cinema and the dance-
floor.
Las Synergys are Paula Guerrero,
musical creator, DJ and fanziner, and
Bruno Delgado Ramo, filmmaker,
projectionist and designer. Our pro-
ject has been shown at BilbaoArte
Foundation (2021), Zabala 16/3 (Bil-
bao, 2021), the (S8) Mostra de Cinema
Periférico festival (A Coruña) togeth-
er with Esperanza Collado and Javier
Montero, and at the MUIPAV sessions,
together with MPECV, Sacudir En-
jambres (Cuenca). We have had solo
showings of our work at the following
venues: Liaison of Independent Film-
makers of Toronto (2021), PIX Gallery
(Toronto, 2021), Centre Arts Santa
Mònica (Barcelona, 2021), Festival
de Cinémas Différents et Expérimen-
taux de Paris (2021), VideoEX (Zürich,
2021), La Escocesa (Barcelona, 2021),
Zumzeig (Barcelona, 2021), Cuenca
Fine Arts Facultry (2021), Curtas Vila
do Conde (2020), Image Forum Film
Festival (Tokyo, 2020), Bapore Atelier
(Balmaseda, 2020), Pesaro Film Fes-
tival (2020), Taipei Contemporary Art
Center (2020), Light Field (San Fran-
cisco, 2020), Rencontres Internation-
ales Paris/Berlin (2020), San Francisco
Cinematheque (2020), International
Film Festival Rotterdam (2020), LAM-
OSA (Cuenca, 2019).
175
Foto: Erika Ede

YOU ARE WELCOME!
Gasteizko Ur Gordailuan jarritako al-
fonbra gorri erraldoiak kontraesanen
bidegurutze batean kokatzen zaitu.
Harrerako alfonbra, zapaltzean akti-
batzen diren ongietorri mezu anbi-
guoz josia; mass median ezohikoak
diren fonetikak, tonua, intentsitatea,
bolumena, hizkuntza, oro har, zen­
tzugabekeriaraino bihurritu daitekee-
naren egiaztapena. Ibiltzean elkarri
eragiten diozun bitartean, gizarteak
alfonbra gorriari lotzen dion ilusio idili-
kotan murgildu zaitezke.
Baina alfonbra gainean paseatzearen
sorginkeria isiltzen denean eta bidea-
ren alboetara begiratzen denean, ida­
tzizko mezuak agertzen dira, pasatzen
uzten ez duten horiek eta ertzak, mu-
gak eta mugaldeak marrazten dituzte-
nak. Letrak, hitzak eta Zeinuak kontu
handiz mihiztatuta daude asilo-eskubi-
deak hainbat hizkuntzatan zerrenda­
tzen dituzten esaldiak osatzeko, baina
baita alanbre-hesi bat osatuz bihurri­
tzen direnak ere.
Pertsona orok du asiloa bilatu eta
jasotzeko eskubidea. Erraza da esa-
tea, erraza da edozein hizkuntzatan
esatea, baita idaztea ere. Baina tes-
tua uzkurtu egiten da, lerro zuzen
moduan jartzeari uko egiten dio, eta
letrak harrapatzeko itxitura bihurtzen
dira, sartzea edo irtetea eragozten
duen arantzadun alanbrea.
Ongi etorri weltanschauungera, mun-
duaren ikuskera politikora, bakoitzak
bere bizipenen, esperientzien, kultura-
ren eta zibilizazioaren arabera haute-
maten duen kosmobisiora.
Amaia Vicente eta Alberto Lomasek
2019an osatutako taldea 2021 Beka
ekoizpena, BilbaoArte Fundazioa.
2021 You are welcome BAD Jaialdian,
Bilborock-en. 2021 You are welcome,
Impossible translations-en, (Ur-Biltegia,
Montehermoso, Gasteiz). 2019 Use art
to cross the border, Open Space Open
Codes-en. We are data, (Azkuna Zen-
troa, Bilbon eta Old Tobacco Factory,
Slemani. Kurdistan-Irak-en).
YOU ARE WELCOME!
La enorme alfombra roja instalada en
el Depósito de Aguas de Gasteiz te
sitúa en una encrucijada de contra-
dicciones. Alfombra del recibimiento
plagada de ambiguos mensajes de
bienvenida que se activan al pisarse;
fonéticas poco habituales en el mass
media, que refuerzan la constatación
de que el tono, la intensidad, el volu-
men, el lenguaje en definitiva, pueden
retorcerse hasta el absurdo. Mientras
interactúas al caminar, puedes llegar a
ensimismarte en la idílica ilusión que la
sociedad asocia alas alfombras rojas.
Pero cuando el hechizo de pasear so-
bre la alfombra se acalla y se mira a los
lados del camino, aparecen los mensa-
jes escritos, esos que intentan impedir
el paso y trazan los márgenes, los lími-
tes, las fronteras. Las letras, las pala-
bras y los signos están cuidadosamen-
te ensamblados para formar frases
que enumeran los derechos de asilo
en distintos idiomas, pero también se
retuercen formando una alambrada.
Toda persona tiene derecho a buscar
y recibir asilo. Es fácil decirlo, es fácil
decirlo en cualquier idioma, incluso
escribirlo. Pero el texto se arquea, se
niega a colocarse en forma de renglo-
nes rectos y las letras se transforman
en un cercado que atrapa, en un alam-
bre de púas que impide entrar o salir.
Bienvenidos al weltanschauung, la con-
cepción política del mundo, esa cos-
movisión que cada uno percibe según
sus vivencias, sus experiencias, su cul-
tura y su civilización.
Colectivo formado en 2019 por Amaia
Vicente y Alberto Lomas 2021 Beca
producción, Fundación BilbaoArte.
2021 You are welcome en el Festival
BAD, Bilborock. 2021 You are welcome,
en Impossible translations, (Depósito
de Aguas, Montehermoso, Gasteiz).
2019 Use art to cross the border, Open
Space en Open Codes. We are data,
(Azkuna Zentroa, Bilbao y Old Tobacco
Factory, Slemani. Kurdistan-Irak).
Colectivo VALA
2019
YOU ARE WELCOME!
The huge red carpet at the Gasteiz
Depósito de Aguas, the cultural cen-
tre in the former water tank, is at a
crossroads of contradictions. A recep-
tion carpet plagued with ambitious
messages of welcome that are trig-
gered when you step on them; pho-
netics rarely heard in the mass media,
that consolidated the findings that
the tone, intensity, volume, in short,
the language, can twist to the absurd.
While you interact as you walk, you
can immerse yourself in the idyllic il-
lusion that society associates with red
carpets.
Yet when the spell of walking on the
carpets wears off and you look at the
sides of the path, written messages
appear, those that attempt to block
the way and mark out the margins,
limits, frontiers. Letters, words and
signs are carefully assembled to form
phrases that list the asylum rights
in different languages, but are also
twisted to form a carpet.
Everybody is entitled to seek and re-
ceive asylum. It is easy to say so, it is
easy to say so in any language, and
even write it. But the text bends, re-
fuses to be placed in straight lines and
the letters are transformed into an
enclosure that traps, into barbed wire
that stops people entering or leaving.
Welcome to weltanschauung, the polit-
ical conception of the world, that cos-
movision where each ones perceives
according to their life experiences,
their experiences, their culture and
their civilisation.
Group formed by Amaia Vicente and
Alberto Lomas in 2019, 2021 Produc-
tion grant, Fundación BilbaoArte. 2021
You are welcome at the BAD Festival,
Bilborock. 2021 You are welcome, at
Impossible translations, (Depósito de
Aguas, Montehermoso, Gasteiz). 2019
Use art to cross the border, Open Space
at Open Codes. We are data, (Azkuna
Zentroa, Bilbao and Old Tobacco Fac-
tory, Slemani. Kurdistan-Irak).
177
«Susurros, sustratos y sustancias», Saioa Olmo Alonso
 EKOIZPEN PROPIOKO ERAKUSKETAK
EXPOSICIONES DE PRODUCCIÓN PROPIA
SELF PRODUCED EXIBITIONS
DESDOMÉSTICA

Desdoméstica-n gogoeta bat plan-
teatzen da emakumeek espazio pu-
blikoarekin duten harremanaren eta
horiek etxeko espazioan sartzearen
zailtasun historikoari buruz. Horreta-
rako, bideoa, performancea, argazkia,
soinua eta collageak bezalako prakti-
ken bidez lan egiten du. Lan feminista
esperimental horietatik abiatuta espe-
rientzia kolektiboak, pertsonalak eta
historikoak transmititzen saiatzen da.
Artista bilbotarrak teoria eta aktibis-
mo feminista uztartzen ditu, sareak
sortzeko eta genealogiak ezartzeko
helburuarekin, lana isolatuta gera ez
dadin. Bideoetan, gorputza erabil­
tzen du esperimentaziorako tresna
gisa, eta, ondoren, editatzean eta
munta­ tzean, bere ekintzak eta gor-
putzak editatu eta berreraiki egiten
dira. Emaitza, «orain arte hiriko etxe
eta eremu periferikora baztertutako»
ahots eta soinu berrien sartzea da.
Estibaliz Sádaba Murguía artista eta
Arte eta Ikerketa doktorea da. Hu-
rrengo bakarkako erakusketak egin
ditu: Subversiones (Galería Albumarte,
Roma, 2021), Desdoméstica (Bilbao­
Arte,­Bilbo, 2020), Las Filanderas (MU-
SAC, León, 2017). Egoitza artistikoak
ere egin ditu Erromako La Academia
de Españan (2016, 2018), Art eta Na-
tura Farrera Zentroan (Lleida, 2018),
edo Parisko La Cité des Artsen (2016).
Erreakzioa-Reacción (1994) taldearen
sortzaileetako bat da, eta Artelekun
(Donostia, 1995-1997-2003-2006),
Re­kalde Aretoan (Bilbo, 2008) eta Biz-
bak UPV/EHUn (Bilbo, 2011) praktika
artistikoei, aktibismoei, feminismoei
eta teoriari buruzko mintegi-tailerrak
zuzendu ditu. Gainera, hainbat argi-
talpenen editore eta ko-editore izan
da, hala nola Intersticios, Erreakzioa,
Bitxiak eta Kapritxoak, Series Multiples
eta abar. Bere azken komisariotza-la-
nen artean Reactivando videografías
proiektuak daude (Academia de Es-
paña en Roma AECID, 2020-2022),
Artxiboak, beharrezko erregistroak
(Bizkaia Aretoa UPV/EHU 2020). Bere
lana zeharka eta diziplinartekotasu-
nez moldatzen da komisariotzaren,
bitartekaritzaren eta praktika artisti-
koaren artean.
Estibaliz Sádaba Murguía
En Desdoméstica se plantea una re-
flexión sobre la dificultad histórica
de la relación de las mujeres con el
espacio público y su reclusión en el
espacio doméstico, tanto en entornos
rurales como urbanos, a través de las
prácticas de sonido, fotografía, video
y performance. Sus propuestas artís-
ticas integran teoría y activismo femi-
nista con el objetivo de crear redes y
establecer genealogías, para que la
obra no quede aislada. En sus vídeos,
utiliza el cuerpo como un instrumen-
to, un lugar para la experimentación;
posteriormente, durante la edición y
el montaje, sus acciones y cuerpos
son editados y reconstruidos. El re-
sultado es la incorporación de nuevas
voces y sonidos «hasta ahora relega-
dos al espacio doméstico y periférico
de la ciudad».
Estibaliz Sádaba Murguía es artista
y doctora en Arte e Investigación. Ha
realizado exposiciones individuales
como, Subversiones (Galería Albu-
marte, Roma 2021), Desdoméstica
(BilbaoArte, Bilbao 2020), Las Filande-
ras (MUSAC León, 2017). También ha
realizado residencias artísticas en La
Academia de España en Roma (2016,
2018), Centro de Art y Natura Farrera
(Lleida, 2018), o La Cité des Arts de
Paris (2016). Cofundadora del colec-
tivo Erreakzioa-Reacción (1994), ha
codirigido diferentes seminarios-ta-
lleres sobre prácticas artísticas, ac-
tivismos, feminismos y teoría Queer
en Arteleku (Donostia, 1995-1997-
2003-2006), Sala Rekalde (Bilbao,
2008), Bizbak UPV/EHU (Bilbao, 2011).
Además ha sido editora y co-editora
de diferentes publicaciones, como In-
tersticios, Erreakzioa, Joyas y Caprichos,
Series Múltiples, etc., entre sus últimos
trabajos de comisariado están los
proyectos Reactivando videografías
(Academia de España en Roma AE-
CID, 2020-2022), Archivos, registros
necesarios (Bizkaia Aretoa UPV/EHU
2020). Su trabajo se desenvuelve de
forma transversal e interdisciplinar
entre el comisariado, la mediación y
la práctica artística.
Bilbo, 1963
2021.02.19 > 2021.03.18
Desdoméstica uses sound, photogra-
phy, video and performance to reflect
on women’s historically difficult re-
lationship with the public space and
their being confined to the domestic
space, both in rural and urban envi-
ronments. Its artistic proposals com-
bine feminist activism and theory in
order to set up networks and estab-
lish genealogies, so that the work
does not standalone. Its videos use
the body as an instrument, a place
for experimentation; subsequently its
actions and bodies are edited and re-
constructed in the editing and mon-
tage processes. The outcome is new
voices and sounds which have “so far
been relegated to the peripheral and
domestic space of the city” being in-
corporated.
Estibaliz Sádaba Murguía is an artist
and has a PhD in Art and Research.
Her solo exhibitions include Sub-
versiones (Galería Albumarte, Rome
2021), Desdoméstica (BilbaoArte, Bil-
bao 2020), Las Filanderas (MUSAC
León, 2017). She has completed artis-
tic residences at the Spanish Acade-
my of Fine Arts in Rome (2016, 2018),
Farrera Nature or Art Centre (Lleida,
2018), or La Cité des Arts de Paris
(2016). Co-founder of the Erreakzi-
oa-Reacción group (1994), she has
co-directed different seminars-work-
shops on artistic practices, activisms,
feminisms and Queer theory at Ar-
teleku (Donostia, 1995-1997-2003-
2006), Sala Rekalde (Bilbao, 2008), Biz-
bak UPV/EHU (Bilbao, 2011). She has
also edited and co-edited different
publications, including Intersticios, Er-
reakzioa, Joyas y Caprichos, Series Múl-
tiples, etc. Her most recent curating
work includes the Reactivando video-
grafías projects (Spanish Academy of
Fine Arts in Rome AECID, 2020-2022),
Archivos, registros necesarios (Bizkaia
Aretoa UPV/EHU 2020). Her work is a
cross-cutting and interdisciplinary
approach embracing curating, medi-
ation and artistic practices.
185
EGGS ONNA PLATE

Eggs onna plate erakusketak artistak
azken urtean akuafortearekin eta
aguatintarekin egindako hainbat gra-
batu bildu zituen. Bere lanek eskuz
eginda eta bitarteko digital berriak
tartekatzen dituzte, non formatuak
tinta beltzez formatu txikiko paperen
gainean grabatutakoetatik hasi eta
ehunezko pieza zabaletan inprimatu-
tako kolore orotako diseinuetaraino
doazen.
Erakusketa honetako obra gehienak
BilbaoArte Fundazioan egoiliar izan
zen bitartean garatutakoak dira. Ar-
tista bekadun gisa, ordu asko eman-
go zituen zentroko grafika-tailerrean,
eta, bertan, bere estudio propioa
edukitzeari esker, aukera berriak az-
tertu ahal izango zituen bere prakti-
karako. Azken hilabeteetan, ekoizpen
horrekin jarraitu du, irudi horiek aitza­
kiatzat hartuta beste berri batzuk
eraikitzeko: digitalak, koloretakoak,
formatu handiagoetakoak edo oiha-
letakoak.
Alazne Zubizarreta, Bilbon bizi eta
lan egiten du. Arte gradua egin ondo-
ren, diseinu grafikoko master bat egin
zuen. Grabatuari buruzko ezagutzak
garatzen ditu hainbat eskolatan, hala
nola La Taller eta CIEC fundazioan.
Hainbat erakusketatan parte hartu
du, hala nola Itzuli Barik erakusketa
kolektiboa, Harriak programaren ba-
rruan; EZa, Okela Sormen Lantegian;
Sueño, Aire Galerian edo Gipuzkoako
Artista Berrien programan.
Eggs onna plate reúne una serie de
grabados que la artista realiza con
aguafuerte y aguatinta durante el últi-
mo año. Sus obras alternan el trabajo
manual con los nuevos medios digita-
les, en donde los formatos van desde
los grabados con tinta negra sobre
papeles de pequeño formato, hasta
los diseños a todo color impresos en
espaciosas piezas textiles.
La mayor parte de las obras de esta
exposición son las desarrolladas du-
rante su residencia en la Fundación
BilbaoArte. Como artista becada, pa-
saría muchas horas en el taller de grá-
fica del centro donde, gracias a tener
un estudio propio, podría explorar
nuevas posibilidades para su práctica.
A lo largo de los últimos meses conti-
nuaría con esta producción tomando
las imágenes resultantes como excu-
sa para construir otras nuevas: digita-
les, a color, de formatos más grandes
o en telas.
Alazne Zubizarreta, vive y trabaja en
Bilbao. Tras hacer el grado en Arte,
cursó un master de diseño gráfico.
Desarrolla conocimientos de grabado
en diferentes escuelas, como La Taller
y la Fundación CIEC. Ha participado
en varias exposiciones, como la colec-
tiva Itzuli Barik dentro del programa
Harriak, EZa en Okela Sormen Lante-
gia, Sueño en Aire galería o el progra-
ma de Artistas Noveles de Guipúzcoa.
Alazne Zubizarreta
Arrasate (Gipuzkoa), 1994
2021.03.26 > 2021.04.30
Eggs onna plate is a series of engrav-
ings that the artist has produced us-
ing etching and aquatint during the
last year. Her works alternate manual
work with the new digital media, us-
ing formats ranging from engravings
using black ink on small format paper
to full-colour designs printed on large
textile pieces.
Most of the works of this exhibition
were produced during her residen-
cy at the BilbaoArte Foundation. Her
scholarship meant that she could
spend many hours at the centre’s
graphic workshop where, thanks to
having her own studio, she could ex-
plore new possibilities for her work.
During recent months, she would
continue with that production and
use the resulting images as an excuse
to construct further new ones: digital,
in colour, large formats or on fabric.
Alazne Zubizarreta lives and works
in Bilbao. After graduating in Art,
she completed a Master’s Degree in
Graphic Design. She has consolidated
her engraving expertise at different
schools, including La Taller and the
CIEC Foundation. Her work has been
exhibited at different exhibitions,
such as the Itzuli Barik show within
the Harriak programme, EZa at Okela
Sormen Lantegia, Sueño at Aire gal-
lery or the New Artists of Guipúzcoa
programme.
189
ZALDIA ZELAN HIL
 Katixa Goldarazena, Ibai Madariaga & Miel Oyarzabal
Hau da 2020an beka jaso zuten hiru
artista hauek elkarrekin lan egiten
duten lehen aldia. Horregatik, erakus-
ketaren prestakuntzak protagonismo
handia hartzen du: hiruren artean
zerbait ekoitzi nahi zen, ez bakoitza-
ren lanaren puzzle bat, Ate Irekiak
2020 jardunaldian gertatu zen bezala.
Horrela, Urazurrutia Aretoan lanerako
espazio komun bat aurkitzen dute.
Katixa Goldarazenak BilbaoArte Fun-
dazioan (2020) eta Uharte Arte Garai-
kideko Zentroan (2019) egoi­tza artis-
tikoak egin ditu. Hurrengo erakusketa
kolektiboetan parte hartu du: Habita-
ción: entre ocho y nueve CACH 2020en;
Harriak 2019 programako Hau ez da
hau-n; eta Amama(ñina) da, 2018an.
2019an, Nafarroako Gobernuaren
Artista Plastikoen Ekoizpenerako La-
guntza jaso zuen, eta 2018an, Nafa-
rroako Arte Gaztearen Topaketen 3.
Saria.
Ibai Madariaga arkitektoa da (UPV/
EHU, 2018). Miel Oyarzabalekin ba-
tera Soplo. Arnasketa Saiakerak (2021)
eta Ertibil Bizkaia (2020) erakusketa
kolektiboetan parte hartu du.
Miel Oyarzabal Arte graduatua da
(UPV/EHU, 2018). Bere azken erakus-
ketak Soplo. Arnasketa Saiakerak
(2021) eta Ertibil Bizkaia (2020) kole-
ktiboak izan dira, biak Ibai Madaria-
garekin batera; baita Gizon txikia ez
denean (Harriak) erakusketan, Oier
Iruretagoiena eta Itziar Bilbaorekin
batera, Iñaki Garmendia komisa-
rioarekin, 2019an.
Gainera, osagarri gisa, ekainaren
1ean erakusketak BBK Aretoan izan
zuen oihartzuna, BBK Artgune pro-
gramazioaren barruan. Venir: a pasar-
lo bien izeneko topaketa performati-
boa egin zen.
Arruitz (Nafarroa), 1992 - Mallabia (Bizkaia), 1994 - Durango (Bizkaia), 1994
Esta es la primera vez que estos tres
artistas, becados en el centro durante
2020, trabajan juntos. Es por ello que
la preparación de la exposición cobra
gran protagonismo a la hora de com-
prenderla: se buscaba producir algo
de los tres, no un puzle del trabajo de
cada uno por separado, como ocu-
rría en la jornada de Puertas Abiertas
2020 del centro. Es así como encuen-
tran en la Sala Urazurrutia un espacio
común de trabajo.
Katixa Goldarazena ha realizado re-
sidencias artísticas en la Fundación
BilbaoArte, 2020; y en el Centro de
Arte Contemporáneo Huarte, 2019.
Ha expuesto colectivamente en Habi-
tación: Entre ocho y nueve en el CACH
2020, en Hau ez da hau del programa
Harriak 2019 y Amama(ñi­na) da, 2018.
Recibió la Ayuda a la Producción para
Artistas Plásticos del Gobierno de
Navarra en el 2019 y el 3º Premio de
Encuentros de Arte Joven de Navarra
en el 2018.
Ibai Madariaga es arquitecto (UPV/
EHU, 2018). Ha participado junto a
Miel Oyarzabal en la exposición colec-
tiva Soplo. Arnasketa Saiakerak (2021);
y en Ertibil Bizkaia (2020).
Miel Oyarzabal es graduado en Arte
(UPV/EHU, 2018). Sus últimas exposi-
ciones han sido las colectivas Soplo.
Arnasketa Saiakerak (2021) y Ertibil
Bizkaia (2020), ambas junto a Ibai
Madariaga; y Gizon txikia ez denean
(Harriak) junto a Oier Iruretagoiena
e Itziar Bilbao, comisariado por Iñaki
Garmendia, 2019.
Además, de forma complementaria,
el 1 de junio la exposición tuvo un
eco en Sala BBK dentro de la progra-
mación BBK Artgune. Se hizo un en-
cuentro performativo titulado Venir: a
pasarlo bien.
2021.05.07 > 2021.06.04
This is the first time that these three
artists, scholarship holders at the
centre in 2020, have worked togeth-
er. The exhibition preparation is
therefore key in order to understand
it: the aim was to produce something
by the three, not a jigsaw of each of
their separate work, as would be the
case of the centre’s Open Doors 2020.
They have managed to find a common
work space at the Sala Urazurrutia.
Katixa Goldarazena has completed
artistic residencies at the BilbaoArte
Foundation (2020) and at the Huarte
Contemporary Art Centre (2019). Her
group exhibitions include Habitación:
Entre ocho y nueve at CACH 2020, at
Hau ez da hau of the Harriak pro-
gramme (2019) and Amama(ñi­na) da
(2018). She was awarded the Govern-
ment of Navarra’s Plastic Artists Pro-
duction Grant in 2019 and took 3rd
prize at the Navarra Young Art Meet-
ings in 2018.
Ibai Madariaga is an architect (UPV/
EHU, 2018). He and Miel Oyarzabal
were part of the Soplo. Arnasketa Saia-
kerak (2021) and Ertibil Bizkaia (2020)
group exhibitions.
Miel Oyarzabal graduated in Art
(UPV/EHU, 2018). His recent exhibi-
tions have been the Soplo. Arnasketa
Saiakerak (2021) and Ertibil Bizkaia
(2020) group exhibitions, along with
Ibai Madariaga; and Gizon txikia ez
denean (Harriak) together with Oier
Iruretagoiena and Itziar Bilbao, curat-
ed by Iñaki Garmendia, 2019.
On 1 June, the exhibition also struck
a chord in the BBK Además pro-
gramme, with a performance entitled
Venir: a pasarlo bien.
193
INVOCAR LO CURSI

Hurtadoren ustez, proiektua erabat
politikoa den kurtsileria batean bildu-
ta dago. Kitsch-arekin lotzen da, baina
baita keinuekin, amaneratuarekin edo
lumarekin ere. Erreferentzialtasune-
tik ihes egiten du, edertasunetik eta
umoretik irudikatzeko.
Pieza berriak lorategi botaniko ezber-
dinetatik egindako ibilbide fotografiko
bezala aurkezten dira, bereziki kimuei
eta lore eta hostoak zuhaitzen adarre-
tan jaiotzen diren formari errepara-
tuz. Erakusketa osoa inguratzen duen
ikuspegi kursi horretatik.
Erakusketako beste pieza batzuek
artistak oroitzapenarekiko duen in-
teresari erantzuten diote, zentzurik
emozionalenean, aurkitutako mate-
rialetan egindako piezekin, gordetako
eta ahaztutako objektuekin, norbe-
rarenak edo besteenak, eta oparie-
kin. Zeramika ere aurkitzen dugu,
artista bere formaturik ezagunenean
erakartzen duena, eta oihalak.
Eduardo Hurtado artista eta ikertzai-
lea da. Eskulturatik, zuzeneko artee-
tan eta performancean interesa du.
Formatuen diseinatzaile eta komisa-
rio gisa lan egiten du. Guggenheim
Bilbao Museoan, Karmengo Kultura
Garaikidearen Zentroan, Párraga Zen-
troan, La Fundicion edo Berlingo Cer-
vantes Institutuan erakutsi du bere
lana. Hainbat sari eta beka jaso ditu,
hala nola Inéditos, Generaciones edo
Labore. EL GABINETE izeneko espa-
zioa zaintzen du.
Erakusketari gehituz, ekainaren 19an,
Edu Hurtadok kontzertu bat egin zuen
BBK Aretoan, BBK Artgune programa-
ren barruan. «Hombre Bosque» izena
erabiliz, Hombre Bosque Sendero #1
Live set ikuskizuna aurkeztu zuen.
Para Hurtado el proyecto está en-
vuelto en una cursilería abierta-
mente política. Se relaciona con lo
kitsch, pero también con lo gestual,
lo amanerado o la pluma. Huye de lo
referencial para representar desde la
belleza y el humor.
Las piezas nuevas se presentan como
recorridos fotográficos por diferentes
jardines botánicos, con especial aten-
ción a los brotes y la forma en la que
las flores y hojas nacen en las ramas
de los árboles. Desde ese enfoque
cursi que envuelve toda la muestra,
Otras piezas de la muestra responden
al interés del artista por el recuerdo,
en su sentido más emocional, con
piezas realizadas en materiales en-
contrados, con objeto guardados y ol-
vidados, propios o de otros, y regalos.
También encontramos cerámica, que
atrae al artista en su formato más po-
pular, y telas.
Eduardo Hurtado es artista e inves-
tigador. Desde la escultura, está inte-
resado en las artes en vivo y la perfor-
mance. Trabaja como diseñador de
formatos y comisario. Ha mostrado su
trabajo individualmente en el Museo
Guggenheim Bilbao, el Centro de Cul-
tura Contemporánea del Carmen, el
Centro Párraga, La Fundición o el Ins-
tituto Cervantes de Berlín. Ha recibido
diferentes premios y becas como Iné­
ditos, Generaciones o Labore. Cuida
de un espacio llamado EL GABINETE.
En adición a la exposición, Edu Hurta-
do ofreció un concierto en Sala BBK
dentro del programa BBK Artgune el
19 de junio. Bajo el nombre de «Hom-
bre Bosque», presentó el espectáculo
Hombre Bosque Sendero #1 Live set
Eduardo Hurtado
Valladolid, 1986
2021.06.11 > 2021.06 09
Hurtado considers the project to be
wrapped in openly political tackiness. It
is related to kitsch, but also to gesture,
affected mannerisms or being camp. It
eschews the referential in order to de-
pict using beauty and humour.
The new pieces take the form of pho-
tographic journey through different
botanical gardens, highlighting the
shoots and the way in which flow-
ers and leaves are born on the tree
branches. From that corny approach
that pervades the whole exhibition.
Other items of the exhibition reflect
the artist’s interest in memories, in
his most emotional side, with pieces
made from materials he came across,
from his own items put away and for-
gotten, or belonging to other people,
and gifts. There are also ceramics,
which attracts the artist in its most
popular format, and fabrics.
Eduardo Hurtado is an artist and
researcher. Sculpture has led to his
live arts and performance. He works
as a format designer and curator. He
has had solo shows at the Guggen-
heim Museum of Bilbao, El Carmen
Contemporary Cultural Centre, the
Párraga Centre, La Fundición or the
Cervantes Institute of Berlin. Eduar-
do has been awarded different prizes
and grants, including Inéditos, Gener-
aciones and Labore. He looks after EL
GABINETE space.
As well as having his work in the exhi-
bition, Edu Hurtado gave a concert at
Sala BBK as part of the BBK Artgune
programme on 19 June. As "Hombre
Bosque", he performed the Hombre
Bosque Sendero #1 Live set.
197
UNDER THE SHADOW OF AZKORRI

Under the Shadow of Azkorri (Azkorri-
ren itzalpean) izen bereko bideoan
oinarritutako erakusketa da. Ikuspegi
aldaketa batek irudi batekiko sentibe-
ratasuna nola alda dezakeen azaltzen
du lanak.
Miklós Jancsóren Még kér a nép (Sal-
mo gorria, 1972) filmaren keinu bat
erreproduzitzen du zuzendari hun-
gariarrak, non arrosa bat eusten den.
Miklós Jancsóren filmaren keinu bera,
LGBTQIA+ Yelena Grigoryeva ekintzai-
le errusiarraren argazki batean aur-
kitzen da, Eszter Katalin, zeinu hori
bereziki aztertzera eramaten duena
bere erresistentzia erotika konplexutuz
eta berridatziz, bere queer sexualitate-
rako lerroak marraztuz.
Artista hungariarrak komunismoaren
irudikapen estetikoa ere aipatzen du,
eta Jancsôren filma erabiltzen du lu-
rraren jabetzari eta langileriak eskubi-
de horiek berreskuratzeko duen zere-
ginari buruzko diskurtsoagatik.
Eszter Katalin Vienan eta Bilbon bizi
den ikus-entzunezko artista hun-
gariarra da. Bere praktikak borroka
soziopolitikoei lotutako subjektuen
irudikapena zalantzan jartzen du ikus-
pegi feministatik. Bere lana Diagona-
le-Festival des österreichischen Films
jaialdian aurkeztu da, Grazen, 17an.
Filmmor International Women ‘s Film
Festival on Wheels Istanbulen, baita
Rencontres Internationales Paris/Ber-
lin 2018/19 bideotekan ere. 2019an,
Donostiako Tabakalera Arte Garaiki-
deko Zentroan egoiliar izan zen, eta
duela gutxi bere bakarkako lehen
erakusketa egin zuen Esloveniako Li-
kovni Galleryen Celje aretoan.
Under the Shadow of Azkorri (Bajo la
sombra de Azkorri) es una exposición
centrada en el vídeo de título homó-
nimo. La obra aborda la problemática
de cómo un cambio de perspectiva
puede alterar la sensibilidad hacia
una imagen.
La directora húngara recrea un ges-
to de la película de Miklós Jancsó Még
kér a nép (Salmo rojo, 1972) en la que
se sostiene una rosa. El mismo ges-
to del filme de Miklós Jancsó se en-
cuentra posteriormente en una foto
de la activista rusa LGBTQIA+ Yelena
Grigoryeva, lo que lleva a Eszter Kata-
lin a explorar ese signo en particular
complicando su erótica de resistencia
y reescribiéndolo, trazando líneas a su
propia sexualidad queer.
La artista húngara alude también a
la representación estética del comu-
nismo, y utiliza el filme de Jancsô por
su discurso sobre cuestiones de des-
pojo, propiedad de la tierra y el papel
de la clase trabajadora en la recupe-
ración de estos derechos.
Eszter Katalin es una artista audio-
visual húngara afincada en Viena y
Bilbao. Su práctica cuestiona la repre-
sentación de sujetos vinculados a las
luchas sociopolíticas desde una pers-
pectiva queer-feminista. Su trabajo se
ha presentado en festivales como el
Diagonale-Festival des österreichis-
chen Films en Graz, el 17º. Filmmor
International Women’s Film Festival
on Wheels en Estambul, así como
en la videoteca de Rencontres Inter-
nationales Paris/Berlin 2018/19. En
2019, fue residente en el Centro de
Arte Contemporáneo Tabakalera en
Donostia - San Sebastián y reciente-
mente tuvo su primera exposición in-
dividual en el salón Likovni Galleryen
Celje, Eslovenia.
Eszter Katalin
Budapest (Hungria), 1991
2021.09.03 > 2021.10.01
Under the Shadow of Azkorri is an ex-
hibition focused on the video of the
same name. The work addresses the
problem of how a change of perspec-
tive can alter the sensitivity towards
an image.
The Hungarian director recreates a
gesture of the film by Miklós Jancsó
Még kér a nép (Salmo rojo, 1972)
where a rose is held. The same ges-
ture of the Miklós Jancsó’s film is also
subsequently found in a photo by
the Russian LGBTQIA+ activist Yelena
Grigoryeva, which causes Eszter Kata-
lin to explore this sign in particular by
complicating her resistance eroticism
and rewriting it, by drawing lines to own
queer sexuality.
The Hungarian artist also alludes
to the aesthetic depiction of com-
munism, and use Jancsô’s film due to
its discourse on issues of disposses-
sion, ownership of the land and the
role of the working class in the recov-
ery of those rights.
Eszter Katalin is a Hungarian audio-
visual artist living between Vienna
and Bilbao. Her art questions the
depiction of subjects linked to so-
cio-political fights from a queer-fem-
inist perspective. Her work has been
showcased at festivals including the
Diagonale-Festival des österreichis-
chen Films in Graz, the 17th Filmmor
International Women’s Film Festival
on Wheels in Istanbul, as well as in
the Rencontres Internationales Paris/
Berlin 2018/19 video library. In 2019,
she completed a residency at the
Taba­kalera Contemporary Art Centre
in Donostia - San Sebastián and re-
cently had her first solo show at Lik-
ovni Galleryen Celje, Sloveniaa.
201
TELE.(GRAM) : FREQUENCIES OF THE FOREST

Eskulturaren eta instalazioaren era­
kusketa honetan, industriaren eta na-
turalaren arteko harremana aztertzen
du artistak, mantentzen dituzten lotu-
ra ikusezinei buruz hitz egiteko.
Tele. (Grama): basoaren frekuentziak
erakusketak Jessicak egindako azken
lanak biltzen ditu. Erakusgela beleen
eskultura totemikoz hartuta dago,
espazioan zehar errepikatzen dire-
nak eta begirada norabide guztietara
zuzentzen dutenak.
Pieza hauek, eroritako zuhaitz baten
sustraiak emulatzen dituzten lurrezko
pitxerren gainean eusten dira. Pieza
horien inguruan telebistako antenak,
landare lehorrak eta komunikazio-do-
rre bat daude, seinaleen igorle eta
hartzaile gisa funtzionatzen dutenak.
Wetherlyk landare eta antenen ar-
teko interakzio ikusezinei buruzko
hausnarketa egiten du, haien antze­
kotasun formalak nabarmenduz.
Frekuentzia hautemanezin horiek,
artistak telegrama aitzindariekin pa-
rekatzen dituena, ematen diote izen-
burua erakusketari.
Artistak material industrialak (altzai-
rua, igeltsua) eta naturalak (lurra, buz-
tina) nahasten ditu euskal paisaia imi-
tatzeko, non artifiziala dena organiko
eta basatia denarekin batera bizi den.
Makineriaren baso eta egitura korapi-
latuen sakonera desordenatuek lilu-
raturik, bere obra gehien definitzen
duen izaera minimalistako praktikatik
egiten du bere hurbilketa artistak.
Jessica Wetherly eskulturan maes-
triaz graduatu zen Royal College of
Art-en (Londres, 2019) Texasko Uni-
bertsitatean beka bat lortuz (Austin,
2018). Oraintsuko sariak: Broomhill
Eskultura Sari Nazionala (2019); Gil-
bert Bayes Saria, Royal Society of
Sculptors (2020), DYCP, Art Coun-
cil England (2021). Duela gutxiko
erakusketak: banaka, Net: camoufla-
ge, Black­box UCA Farnham eta Song of
the Siren, Korai Project Space, Zipre;
taldean, Emergency 09, Aspex Galeria;
ONE, Proiektu Subsidiarioak eta San
Mai Galeria; Residency, 269 Muse Ga-
llery; Correspondence Exeter Phoenix
eta Broadway Gallerusha, Phoenix eta
Arciusha.
En esta muestra de escultura e ins-
talación, la artista explora la relación
entre lo industrial y lo natural para ha-
blar de las conexiones invisibles que
mantienen.
La exposición Tele.(grama): frecuencias
del bosque recoge los últimos trabajos
realizados por la artista. La sala está
dominada por una serie de esculturas
totémicas de un cuervo, que se repi-
ten a través del espacio y dirigen su
mirada en todas las direcciones.
Estas piezas, se sostienen sobre ja-
rrones de tierra que emulan las raíces
de un árbol caído. Rodeando a estas
piezas encontramos antenas de tele-
visión, plantas secas y una torre de
comunicación que funciona como
emisor y receptor de señales.
Wetherly reflexiona sobre las posibles
interacciones invisibles entre plantas
y antenas, resaltando sus similitudes
formales. Estas frecuencias imper-
ceptibles, que la artista equipara a los
pioneros telegramas, dan título a la
exposición.
La artista entremezcla materiales in-
dustriales (acero, yeso) y naturales
(tierra, arcilla) para lograr imitar el
paisaje vasco, en el cual lo artificial
convive con lo orgánico y salvaje. Fas-
cinada por las desordenadas profun-
didades de los bosques y estructuras
enredadas de las maquinarias, realiza
su aproximación desde la práctica de
carácter minimalista que más define
su obra.
Jessica Wetherly se graduó con
maestría en escultura en el Royal
College of Art (Londres, 2019) con
una beca en la Universidad de Texas
(Austin, 2018). Premios recientes: Pre-
mio Nacional de Escultura Broomhill
(2019); Premio Gilbert Bayes, Royal
Society of Sculptors (2020), DYCP, Art
Council England (2021). Exposiciones
recientes: individualmente, Net: Ca-
mouflage, Blackbox UCA Farnham y
Song of the Siren, Korai Project Space,
Chipre; en grupo, Emergency 09, Ga-
lería Aspex; ONE, Proyectos Subsidia-
rios y Galería San Mai; Residency, 269
Muse Gallery; Correspondence en
Exeter Phoenix y Broadway Gallery, y
Ancient Deities, Arusha Gallery.
Jessica Wetherly
Londres (Erresuma Batua), 1989
2021.10.08 > 2021.10.29
In this sculpture and installation ex-
hibition, the artist explores the rela-
tionship between the industrial and
the natural to talk about the invisible
connection between them.
The Tele.(gram) : frequencies of the
forest exhibition features the recent
work of the artist. The room is dom-
inated by a series of totemic sculp-
tures of a raven, which are repeated
throughout the space and are looking
in all directions.
The pieces stand on large earthen-
ware jars that emulate the roots of a
fallen tree. The pieces are surrounded
by TV aerials, dry plants and a com-
munication tower that emits and re-
ceive signals.
Wetherly reflects on the possible in-
visible interactions between plants
and aerials, where she highlights
their formal similarities. Those imper-
ceptible frequencies, that the artist
equates to the early telegrams, pro-
vide the title for the exhibition.
The artist mixes industrial (steel, plas-
ter) and natural (earth, clay) materi-
als to depict the Basque landscape,
where the artificial coexists with the
organic and wild. Fascinated by the
tangled depths of wood and by the
entangled structures of the machin-
ery, she approaches the project from
the minimalist technique that most
defines her work.
Jessica Wetherly has a Master’s De-
gree in Sculpture from the Royal
College of Art (London, 2019) with
a grant from the University of Texas
(Austin, 2018). Recent prizes: Broom-
hill National Sculpture Prize (2019);
Gilbert Bayes Prize, Royal Society of
Sculptors (2020), DYCP, Art Council
England (2021). Recent exhibitions:
solo, Net: Camouflage, Blackbox UCA
Farnham and Song of the Siren, Ko-
rai Project Space, Cyprus; group,
Emergency 09, Aspex Gallery; ONE,
Proyectos Subsidiarios and San Mai
Gallery; Residency, 269 Muse Gallery;
Correspondence at Exeter Phoenix
and Broadway Gallery, and Ancient
Deities, Arusha Gallery.
205
I DO HAVE SEEN SOME OBJETO VOLADOR NO
IDENTIFICADOS DO YOU?

Artista bilbotarrak formatu txikiko 20
olio pintura eta formatu handiko ba-
tez osaturiko bilduma bat erakutsi du;
guztiak urte honetan egindakoak.
Pieza gehienak formatu txikikoak ba-
dira ere, Sagastiberrik ez ditu tamai-
nagatik nabarmendu nahi. Helburua
pieza bakoitzari beharrezko espazioa
ematea izan da, indibidualki duinduz.
Ezagutzen duenaren eta hartzen
dituen erreferentzia berrien arte-
ko bulkadei jarraituz lan egiten du,
zeinetan heltzen dion potentzial bat
aurkitzen baitu. Pinturari heltzeko,
inprobisazio-saioak egiten ditu, aldi
berean ematen diren koloreak eta
formak batuz, gerta daitezkeen istri-
puekin batera.
Ander Sagastiberrik ekartzen duen
materialaren eta espazioaren arteko
talka gisa deskribatzen du erakuske-
ta. Artistarentzat, pieza bakoitzaren
presentzia eta erakusketa-zentzu
bisuala lehenestea interesgarriagoa
da, hitzetan azaltzea baino. Erakuske-
ta antolatzeko ariketa hau ohikoa da
bere praktikan, eta zuzenean lotzen
da pinturari aurre egiteko daukan
moduarekin, nolabaiteko presentzia
lortzeko balio bilatzen duena.
Ander Sagastiberri, Bilbon bizi eta
lan egiten du. 2013an, Artean gra-
duatu zen UPV/EHUn, eta, 2015ean,
pinturan master bat ere amaitu zuen.
2016an, Bizkaiko Foru Aldundiaren
Sormen Artistikoaren Beka jaso zuen,
eta 2017an, Rekalde Aretoak hautatu
zuen Barriek 2018 programan. Bere
bakarkako azken erakusketak hauek
dira: El sol, inclemente, Petra (2019);
Una cara hablando a un gusano, Re-
kalde Aretoa, Bilbo (2018): Hletre Ske-
trle, ANTI Liburudenda (2017); Las
Fiebres del Madrás, g8360 (2017); eta
Octop Canseller Metature, Cosmos
(2016). Erakusketa kolektiboetan par-
te hartu du: Lo oculto, Okela (2021);
Begoña, Aire (2021); ¿Qué carta del Ta-
rot eres?, Taca galeria (2019); Allegoria
total, Harriak programa (2018); eta Es-
trella Pistola, Geroarte Gallery (2017).
El artista bilbotarra muestra una co-
lección de alrededor de 20 pinturas al
óleo de pequeño formato, junto a una
de gran formato, todas ellas realiza-
das este año.
Aunque son piezas en su gran mayo-
ría de pequeño formato, Sagastiberri
no busca destacarlas por su tamaño.
El objetivo ha sido dar el espacio ne-
cesario a cada pieza, dignificándola
individualmente.
Trabaja siguiendo impulsos entre lo
anterior conocido y aquellas nuevas
referencias que toma, en las que en-
cuentra un potencial que agarra. Su
forma de abordar la pintura es a tra-
vés de sesiones de improvisación en
las que se van sumando colores y for-
mas que se dan de forma simultánea,
conviviendo con posibles accidentes.
El artista describe la exposición como
un choque entre el material que trae
y el espacio. Como artista, encuentra
más interesante priorizar encontrarle
el sentido expositivo y presencia vi-
suales a cada pieza, que la explicación
en palabras. Este ejercicio a la hora de
exponer es habitual en su práctica y
conecta directamente con la forma
en la que se enfrenta a la pintura,
buscando lo que funciona para lograr
una cierta presencia.
Ander Sagastiberri, vive y trabaja en
Bilbao. Se graduó en Arte por la UPV/
EHU en el año 2013, donde también
finalizó un master en Pintura en el
2015. En 2016, recibe la Beca de Crea-
ción artística de la Diputación Foral de
Bizkaia y en 2017 es seleccionado en
el programa Barriek 2018, por la Sala
Rekalde. Sus últimas exposiciones in-
dividuales son: El sol, inclemente, Pe-
tra (2019); Una cara hablándole a un
gusano, Rekalde Aretoa (2018); Hletre
Sketrle, ANTI Liburudenda (2017); Las
Fiebres del Madrás, g8360 (2017); y
Octop Canseller Metature, Cosmos
(2016). Ha expuesto colectivamente
en: Lo oculto, Okela (2021); Begoña,
Aire (2021); ¿Qué carta del Tarot eres?,
Galería Taca (2019); Allegoria total,
Programa Harriak (2018); y Estrella
Pistola, Geroarte Gallery (2017).
Ander Sagastiberri
Bilbo, 1988
2021.11.05 > 2021.11.26
The artist from Bilbao is exhibiting a
collection of around 20 small oil paint-
ings, along with one large one and all
of which were produced this year.
Even though the vast majority of the
pieces are small, Sagastiberri does
not seek to stress their size. The
aim has been to give the necessary
space to each piece and dignifying it
individually.
Ander works by following prompt-
ings between the known and those
new references that he takes, where
he finds a gripping potential. His way
of addressing painting is by means of
improvisation sessions when colours
and forms are added and which take
shape simultaneously, coexisting with
possible accidents.
The artist describes the exhibition
as a collision between the materi-
al he brings and space. As an artist,
he is more interested in prioritising
and finding the display meaning and
visual presence of each piece, than
the explanation in words. That is a
standard exercise in his practice when
exhibiting and directly connects with
the way that he addresses painting,
by searching for those functions to
achieve a certain presence.
Ander Sagastiberri lives and works in
Bilbao. He graduated in Art from the
UPV/EHU in 2013, where he also com-
pleted a Master’s Degree in Painting
in 2015. In 2016, he was awarded the
Artistic Creation Grant from Bizkaia
Provincial Council and in 2017 he was
shortlisted in the Barriek 2018 pro-
gramme by Sala Rekalde. His recent
solo exhibitions are: El sol, inclemente,
Petra (2019); Una cara hablándole a
un gusano, Rekalde Aretoa (2018);
Hletre Sketrle, ANTI Liburudenda
(2017); Las Fiebres del Madrás, g8360
(2017); and Octop Canseller Metature,
Cosmos (2016). His group exhibitions
are: Lo oculto, Okela (2021); Begoña,
Aire (2021); ¿Qué carta del Tarot eres?,
Galería Taca (2019); Allegoria total,
Harriak Programme (2018); and Estrel-
la Pistola, Geroarte Gallery (2017).
209
 SOPLO
ARNASKETA SAIAKERAK

Artistak eta artelanak: Taxio Arda-
nazen (Iruña, 1978) Jaia!, Helena
Goñiren (Bilbo, 1990) Desescalada
walks 2020, David Hornback-en (Los
Ángeles, 1962) Se llama nostalgia, Los
Picoletos - Dante Litvak (Buenos Ai-
res, 1990) eta Fabro Tranchidaren
(Buenos Aires, 1987) Homenaje al
skatepark de Deusto, Imanol Marro-
dánen (Bilbo, 1964) Kolapso, Beatriz
Sánchezen (Córdoba, 1977) In_true_
sista77 eta Imagen 34 - Mar Torreren
(Palencia, 1986) Conocéis a Chanel de
Tania no sabéis nada. Eliza jende gutxi.
Ibai Madariaga Sagastizabal, Cristian
Romero García eta Miel Oyarzabal Ro-
dríguez-en esku-hartzearekin.
Obras y artistas: Jaia! de Taxio Arda-
naz (Pamplona, 1978), Desescalada
walks 2020, Helena Goñi (Bilbao,
1990), Se llama nostalgia de David
Hornback (Los Ángeles, 1962), Ho-
menaje al skatepark de Deusto de Los
Picoletos - Dante Litvak (Buenos Ai-
res, 1990) y Fabro Tranchida (Buenos
Aires, 1987), Kolapso de Imanol Ma-
rrodán (Bilbao, 1964), In_true_sista77
de Beatriz Sánchez (Córdoba, 1977)
y Conocéis a Chanel de Tania no sabéis
nada. Eliza jende gutxi de Imagen 34 -
Mar Torre (Palencia, 1986).
Con intervenciones de Ibai Madaria-
ga Sagastizabal, Cristian Romero Gar-
cía y Miel Oyarzabal Rodríguez.
Hiria | Ciudad
Zabalgune Eraikina Edificio Ensanche
Zabalgune Plaza, 11
Works and artists: Jaia! by Taxio Ar-
danaz (Pamplona, 1978), Desescalada
walks 2020 by Helena Goñi (Bilbao,
1990), Se llama nostalgia by David
Hornback (Los Angeles, 1962), Hom-
enaje al skatepark de Deusto by Los Pi-
coletos - Dante Litvak (Buenos Aires,
1990) and Fabro Tranchida (Buenos
Aires, 1987), Kolapso by Imanol Mar-
rodán (Bilbao, 1964), In_true_sista77
by Beatriz Sánchez (Córdoba, 1977)
and Conocéis a Chanel de Tania no
sabéis nada. Eliza jende gutxi by Ima-
gen 34 - Mar Torre (Palencia, 1986).
With the participations of Ibai Mada­
riaga Sagastizabal, Cristian Romero
García and Miel Oyarzabal Rodríguez.
213
Etxea | Casa
Euskal Museoa Museo Vasco
Miguel Unamuno Plaza, 4
Artistak eta artelanak: Malús Arbiden
(Donostia, 1958) Visiones oníricas y
sobras en confinamiento, Mikel Er-
kiaga Herranen (Bilbo, 1994) Topa­
tzeko eta iristeko aukerak inperfekzio
piktorikoetatik, Charo Garaigortaren
1/400. La presencia inadaptada, Iván
Gómezen (Irun, 1984) Caer al tiempo,
Irune Orbearen Sin habitación propia
eta Javier Rodríguez Pérez-Curielen
(Oviedo, 1978) ________Dream, Dream,
Dream / Alarma________.
Ibai Madariaga Sagastizabal, Cristian
Romero García eta Miel Oyarzabal Ro-
dríguez-en esku-hartzearekin.
214
Obras y artistas: Visiones oníricas y
sobras en confinamiento de Malús
Arbide (Donostia, 1958), Topatzeko
eta iristeko aukerak inperfekzio pikto-
rikoetatik de Mikel Erkiaga Herran
(Bilbao, 1994), 1/400. La presencia
inadaptada de Charo Garaigorta,
Caer al tiempo de Iván Gómez (Irún,
1984), Sin habitación propia de Irune
Orbea y ________Dream, Dream, Dream
/ Alarma________ de Javier Rodríguez
Pérez-Curiel (Oviedo, 1978).
Con intervenciones de Ibai Madaria-
ga Sagastizabal, Cristian Romero Gar-
cía y Miel Oyarzabal Rodríguez.
Works and artists: Visiones oníricas
y sobras en confinamiento by Malús
Arbide (Donostia, 1958), Topatzeko
eta iristeko aukerak inperfekzio pik-
torikoetatik by Mikel Erkiaga Herran
(Bilbao, 1994), 1/400. La presencia in-
adaptada by Charo Garaigorta, Caer
al tiempo by Iván Gómez (Irún, 1984),
Sin habitación propia by Irune Orbea
and ________Dream, Dream, Dream /
Alarma________ by Javier Rodríguez
Pérez-Curiel (Oviedo, 1978).
With the participations of Ibai Mada­
riaga Sagastizabal, Cristian Romero
García and Miel Oyarzabal Rodríguez.

Mariaren Bihotza plazako aztarnategia Yacimiento de la Plaza del Corazón de María
Artistak eta artelanak: M. Benito Pi-
rizen (Durango, 1992) Magua, Ma-
ría Ibarretxeren (Bilbo, 1977) Green
Songs. Pequeños exorcismos clorofí-
licos, Ismael Iglesiasen (Durango,
1974) Anormal Paradise, MawatreS
– Juan Pablo Ordúñezen (Madrid,
1986) MAGIC is MIGHT eta Susana Ta-
layeroren (Bilbo, 1961) Presagios que
nos circundan.
Ibai Madariaga Sagastizabal, Cristian
Romero García eta Miel Oyarzabal Ro-
dríguez-en esku-hartzearekin.
Obras y artistas: Magua de M. Benito
Piriz (Durango, 1992), Green Songs.
Pequeños exorcismos clorofílicos
de María Ibarretxe (Bilbao, 1977),
Anormal Paradise de Ismael Iglesias
(Durango, 1974), MAGIC is MIGHT
de MawatreS – Juan Pablo Ordúñez
(Madrid, 1986) y Presagios que nos cir-
cundan de Susana Talayero (Bilbao,
1961).
Con intervenciones de Ibai Madaria-
ga Sagastizabal, Cristian Romero Gar-
cía y Miel Oyarzabal Rodríguez.
Aztarna | Ruina
San Frantzisko Kalea, 12
Works and artists: Magua by M. Be-
nito Piriz (Durango, 1992), Green
Songs. Pequeños exorcismos clorofíli-
cos by María Ibarretxe (Bilbao, 1977),
Anormal Paradise by Ismael Iglesias
(Durango, 1974), MAGIC is MIGHT by
MawatreS – Juan Pablo Ordúñez (Ma-
drid, 1986) and Presagios que nos cir-
cundan by Susana Talayero (Bilbao,
1961).
With the participations of Ibai Mada­
riaga Sagastizabal, Cristian Romero
García and Miel Oyarzabal Rodríguez.
215
Gorputza | Cuerpo
Barrutiko Udaltegia. Abando Centro municipal del distrito. Abando
Miguel Unamuno Plaza, 4
Artistak eta artelanak: Jone Elorria-
garen (Durango 1993) Hinchados,
Santiago F Mosteyrínen (Madrid,
1982) Caen, Izaro Ieregiren (Algorta,
1987) Encontrarás la manera, Pablo
Marteren (Cádiz, 1975) Je t’aime moi
non plus, Karlos Martinez B.-ren (Du-
rango, 1982) Huellas (nº1 y nº2) eta
Eduardo Sourrouilleren (Basauri,
1970) Un chant d’amour.
Ibai Madariaga Sagastizabal, Cristian
Romero García eta Miel Oyarzabal Ro-
dríguez-en esku-hartzearekin.
216
Obras y artistas: Hinchados de Jone
Elorriaga (Durango 1993), Caen de
Santiago F Mosteyrín (Madrid, 1982),
Encontrarás la manera de Izaro Ieregi
(Algorta, 1987), Je t’aime moi non plus
de Pablo Marte (Cádiz, 1975), Huellas
(nº1 y nº2) de Karlos Martinez B. (Du-
rango, 1982) y Un chant d’amour de
Eduardo Sourrouille (Basauri, 1970).
Con intervenciones de Ibai Madaria-
ga Sagastizabal, Cristian Romero Gar-
cía y Miel Oyarzabal Rodríguez.
Works and artists: Hinchados by Jone
Elorriaga (Durango 1993), Caen by
Santiago F Mosteyrín (Madrid, 1982),
Encontrarás la manera by Izaro Ieregi
(Algorta, 1987), Je t’aime moi non plus
by Pablo Marte (Cádiz, 1975), Huellas
(nº1 y nº2) by Karlos Martinez B. (Du-
rango, 1982) and Un chant d’amour by
Eduardo Sourrouille (Basauri, 1970).
With the participations of Ibai Mada-
riaga Sagastizabal, Cristian Romero
García and Miel Oyarzabal Rodríguez.

Uztailaren 16tik Abuztuaren 27ra
Urazurrutia Aretoak Soplo. Arnaske-
ta Saiakerak saritutako bost artela-
nak hartu zituen. Maria Ibarretxe,
Susana Talayero, Charo Garaigor-
ta, Eduardo Sourrouille eta Helena
Goñi izan ziren erakusketan parte
hartu zutenak.
Gainera, erakusketaren barruko jar-
duera osagarri gisa, María Ibarre-
txe artistak kontzertua eskaini zuen,
Combo Vocal Bilbao-Musika, Natalia
Wang, Natalia Gómez-Acebo, Arra-
te Bayer eta Jorge Peñagarikanoren
kolaborazioarekin. GREEN SONGS.
Pequeños exorcismos clorofílicos ins-
talazioaren soinu-kantuen lau bertsio
interpretatu ziren zuzenean.
Soplo. Arnasketa Saiakerak
Del 16 de julio al 27 de agosto la Sala
Urazurrutia acogió la exposición de
los cinco trabajos premiados de la
muestra Soplo. Arnasketa Saiakerak.
Los artistas participantes fueron Ma-
ría Ibarretxe, Susana Talayero, Cha-
ro Garaigorta, Eduardo Sourrouille
y Helena Goñi.
Además, como actividad complemen-
taria dentro de la exposición, la artista
María Ibarretxe ofreció un concierto
en colaboración con Combo Vocal
Bilbao-Musika, Natalia Wang, Natalia
Gómez-Acebo, Arrate Bayer y Jorge
Peñagarikano. Se interpretaron cua-
tro versiones en vivo de los temas so-
noros de la instalación GREEN SONGS.
Pequeños exorcismos clorofílicos.
Fundación BilbaoArte Fundazioa
Urazurrutia Kalea, 32
From the 16th of July to the 27th of
August, Sala Urazurrutia held the ex-
position of the five awarded works of
Soplo. Arnasketa Saiakerak. The par-
ticipating artist included Maria Iba-
rretxe, Susana Talayero, Charo Ga-
raigorta, Eduardo Sourrouille and
Helena Goñi.
Furthermore, as a complementary
activity within the exhibition, the ar-
tist María Ibarretxe offered a concert
in collaboration with Combo Vocal
Bilbao-Musika, Natalia Wang, Natalia
Gómez-Acebo, Arrate Bayer and Jorge
Peñagarikano. They presented four
live covers of the sound pieces from
the installation GREEN SONGS. Peque-
ños exorcismos clorofílicos.
217
 ZENTROA
EL CENTRO
THE CENTRE
220
BilbaoArte ekoizpen artistikorako
zentro bat da eta Bilboko Udal Go-
renaren Kultur Sailari lotuta dago.
Sortzaile gazteen eskura jartzen ditu
beha­rrezkoak diren baliobide eta
azpiegiturak euren egitasmo artisti-
koak garatzeko. 1998an sortu zenetik,
ondoko ekintzen garapenean zentra-
tu da: proiektu artistikoak garatzeko
bekak eta laguntzak; ikastaroak, min-
tegiak eta hitzaldiak, zeinetan, nazio
eta nazioartean ospea duten sortzai-
leek parte hartzen dute; sortzaile gaz-
teen erakusketak eta ateak zabalitako
jardunaldiak; artistak beste arte-zen­
troekin mugikortasun pro­gramak; eta
aholkularitza artistikoa erakundeen
proiektuak garatzeko.
BilbaoArteren helburu behinena,
sortzaile gazteen profesionalizazioa
erraztea da eta, era berean, artearen
praktikarako beha­ rrezko azpiegitu-
ra modernoak komunitate artisti-
koaren eskura jartzea. Honetarako,
BilbaoArtek 3.500m2 inguruko azale-
ra erabilgarria dauka, lau solairutan
banatuta, zamaketarako kaia, eta
gainera: erakusketa gela, edozein jar-
duera artistikorako egokituta; hamabi
lagapen-gune, egitasmo artistikoak
garatzeko; argazkigintza, eskultura,
grabatu, serigrafia, teknologia berriak
eta MediaLab tailerrak, filmazio-are-
toaz gain, arte jarduerarako beha-
rrezko makineria eta bitarteko guztiez
hornitutak; eta Art House Zinema:
proiekzio eta hitzaldietarako aretoa.
Halaber, lantegi maisu adituak ere ba-
daude. Hauek erabiltzaileei aholkuak
eman eta azpiegituren funtzionamen-
du zuzena bermatzen dute.
BilbaoArte es un centro de produc-
ción artística, dependiente del Área
de Cultura del Excmo. Ayuntamiento
de Bilbao, que pone a disposición
de los artistas residentes los medios
e infraestructuras necesarias para el
desarrollo de sus propuestas. Desde
su inauguración en 1998, centra su
labor en las siguientes actividades:
becas y ayudas para el desarrollo de
proyectos artísticos; cursos, semina-
rios y conferencias en las que par-
ticipan creadores de consolidado
prestigio nacional e internacional;
exposiciones de jóvenes creadores y
jornadas de puertas abiertas; progra-
mas de movilidad con otros centros
de arte; y asesoramiento artístico
para el desarrollo de proyectos insti-
tucionales.
El objetivo fundamental de BilbaoAr-
te es proporcionar una destacada
profesionalización de los artistas y
poner a disposición de la comunidad
artística modernas infraestructuras
para la práctica artística. Para ello,
BilbaoArte cuenta con una superficie
aproximada de 3.500m2 útiles, dividi-
dos en cuatro plantas, un muelle de
carga y descarga, además de: sala
de exposiciones, acondicionada para
cualquier intervención artística; doce
espacios de cesión para el desarrollo
de proyectos artísticos; talleres de fo-
tografía, escultura, grabado, serigra-
fía, nuevas tecnologías y MediaLab
así como un plató de filmación, equi-
pados con todo tipo de maquinaria
y útiles para la práctica artística; y el
Art House Zinema, una sala para pro-
yecciones y conferencias. Asimismo,
el centro dispone de maestros de
taller especializados encargados de
asesorar a los usuarios y de garanti-
zar el correcto funcionamiento de las
infraestructuras.
BilbaoArte is an artistic production
centre belonging - the Culture De-
partment of the Bilbao City Council.
It provides young creators with the
means and infrastructures required
- develop their artistic ideas. Since it
opened in 1998, it has been focused
on the development of the following
programmes and activities: grants
and aids for the development of ar-
tistic projects; courses, seminars and
conferences involving consolidated
and prestigious international crea-
tors; exhibitions by young creators
and open days, artist mobility pro-
grammes with other art centres; and
artistic advice for the development of
institutional projects.
The main aim of BilbaoArte is to pro-
vide outstanding professionalisation
of young creators, and making availa-
ble modern infrastructures for artistic
practices within the art community.
For this purpose, BilbaoArte has a
usable surface area of approximately
3.500m2, divided into four floors, as
well as a loading and unloading area
and the following facilities: exhibition
room equipped for any artistic inter-
vention; twelve studio spaces that are
lent out for the development of artis-
tic projects; photography, sculpture,
engraving, silkscreening, new tech-
nologies and MediaLab workshops,
as well as a film set, provided with all
the equipment and tools needed for
artistic practice; and Art House Zine-
ma: screening and conference room.
They also have specialised workshop
masters in charge of providing infor-
mation for users and guaranteeing
the correct use of the infrastructures.
221
 BAGI!
BILBAO ARTE GELA IREKIA!
B AGI! izan zen Bilboko Udalak 2020-2021 aldi kritiko horretan errea-
litate kulturalarekin hartutako konpromisoari emandako erant-
zuna; osasun-egoeraren murrizketek eta jarduera normaltasunez
garatzeko zailtasun izugarriek baldintzatutako garaiari emandakoa.
Deialdiaren oinarrietan adierazten zen bezala, Bilbo-Bizkaia testuin-
guruko artista eta kultur eragileek hainbat ikastaro, mintegi, praktika
artistiko eta jarduera garatzeko ekimena zen, Tras la tormenta (Ekaitza-
ren ostean)programaren barruan.

Jakina denez, programa hori, Ekaitzaren ostean, Bilboko Udalak abian

jarritako neurri bereziak bultzatzearen ondorioz sortu zen, Covid-19ak
sorrarazitako ondorioei aurre egiteko, alegia. Horren bitartekaritza
zela medio, testu eta saiakeren deialdia egin zen, Entre silencios hain
zuzen, eta baita Soplo. Arnasketa Saiakerak askotariko erakusketa ere.
BAGI! proiektuaren emaitza gisa, askotariko adierazpenak eta propo-
samenak izan baititu, hasiera batean aurreikusitakoa baino askoz ikas-
taro, hitzaldi, topaketa, eztabaida, esku-hartze, instalazio eta erakuske-
ta gehiago izan ditugu.

Hurrengo orrialdeek horren guztiaren berri ematen dute. Zalantzarik

gabe, ekimena zorionekoa izan da, aipu iradokitzaile, sortzaile eta par-
te hartzailez betea. Eta hauxe da onena: kasu askotan, etorkizunean
hazten jarraituko duenaren hazia landatu da, Covid-aren mehatxutik
aske egotea espero dugun etorkizunean.

Edonola ere, balio dezala testigantza honek oso emankorra izan den
ekimen baten isla eta oihartzun gisa, haren zehaztapen ugari eta be-
rezien laburpenetik ondorioztatzen den bezala.

Juan Zapater
BilbaoArte Fundazioaren Zuzendaria

225
 B AGI! fue la respuesta al compromiso del Ayuntamiento de Bilbao
con la realidad cultural en este período crítico 2020-2021, condi-
cionado por las restricciones de la situación sanitaria y las enormes di-
ficultades para el desarrollo de la normal actividad. Como se apuntaba
en las bases de la convocatoria se trataba de una iniciativa para que
artistas y agentes culturales del contexto de Bilbao-Bizkaia desarrolla-
sen una serie de cursos, seminarios, prácticas artísticas y actividades
dentro del programa Tras la tormenta.

Como es sabido, dicho programa, Tras la tormenta, nació con motivo

de impulsar medidas especiales puestas en marcha desde el Ayunta-
miento de Bilbao para hacer frente a las consecuencias derivadas de
la Covid 19 y de cuya mediación surgieron la convocatoria de textos
y ensayos, Entre silencios y la exposición múltiple, Soplo. El resultado
de BAGI!, diverso en sus manifestaciones y plural en sus propuestas,
ha dado lugar a una larga serie de cursos, conferencias, encuentros,
debates, intervenciones, instalaciones, exposiciones… muy por encima
de las expectativas inicialmente contempladas.

Las siguientes páginas recogen y dan noticia de todo ello en lo que,

sin duda, ha sido una feliz iniciativa llena de citas sugerentes, creativas
y participativas de las que, y eso es lo mejor, en muchos casos se ha
puesto la semilla de lo que seguirá creciendo en un futuro esperemos
que liberado de la amenaza de la Covid.

En cualquier caso, sirva este testimonio como reflejo y eco de una ini-
ciativa que ha sido altamente fructífera como se desprenden del resu-
men de sus diferentes y singulares concreciones.

Juan Zapater
Director de la Fundación BilbaoArte

226
B AGI! was the response to Bilbao City Council’s commitment to the
cultural reality during the critical period in 2020 and 2021, condi-
tioned by the restrictions resulting from the health crisis and the uphill
struggle to return to normal activity. As established in the terms and
conditions of the call, it was an initiative for artists and cultural stake-
holders of Bilbao-Bizkaia to embark on a series of courses, seminars,
artistic work and activities as part of the Tras la tormenta (After the
Storm) programme.

As is generally known, Tras la tormenta was set up to drive the special

measures implemented by Bilbao City Council to address the conse-
quences of Covid-19 and which led to the Entre silencios call for texts
and essays, and Soplo, the group exhibition. The outcome, BAGI!, that
is diverse in its expression and pluralist in its proposals, led to a long
list of courses, conferences, meetings, debates, interventions, installa-
tions, exhibitions, etc, which far exceeded initial expectations.

The following pages set out and consider all those aspects of what
was, undeniably, a happy initiative brimming with participatory, crea-
tive and stimulating events. The best aspect is that in many cases the
seed has been laid to continue to grow in the future that we hope will
be free of the threat of Covid.

In any event, I hope this serves to reflect and echo an initiative that
has been highly productive as can be seen from the summary of its
different and specific embodiments.

Juan Zapater
Director of BilbaoArte Foundation

227
 Gabinete de humusidades culturales y semillas raras
Gabinete de humusidades culturales y
semillas raras-en hitzaldi-ziklo bat eta
sorkuntzako tailer bat egin ziren, Eus-
kadiko gaur egungo sorkuntzaren (ez)
iraunkortasunari buruz gogoeta­tzeko
eta eztabaidatzeko. Horretarako, ar-
tista, irakasle, komisario eta ikerlarien
esku-hartzea izan zuten, sorkun­
tza-sektorearen egungo egoeraren
ikuspegi bateratua eta heterogeneoa
osatzeko. Lantegian, kabinetearen
ideiara hurbiltzen duten bitarteko
plastikoak arakatu ziren, hau da, ka-
binetea «objektu bitxien, edo zientzia
edo arte bat aztertzeko bideratutako
objektuen bilduma erakusteko» espa-
zio gisa ulertuta.
Proiektu hau sorkuntza artistiko ga-
raikidearen inguruan tazituki inporta-
tu eta onartutako eredu kulturalak za-
lantzan jartzeko helburuarekin sortu
zen. Hori dela eta, tailerretako hizla-
rien eta parte hartzaileen esperien­
tziatik eta praktikatik bertatik abiatuta,
gogoeta bultzatu zen, bai Euskadiko
ekosistema artistikoaren, bai bertako
sortzaileen ehunaren iraunkortasun
handiagoa ekarriko duten formatuen
inguruan.
Mintegian parte hartu zuten: Oihane
Sánchez Duro, Andrea Estankona,
Ane Seijas, Arturo/Fito Rodríguez, Hai-
zea Barcenilla, Arantza Lauzirika, Na-
txo Rodríguez, Laura Díez, Igor Rezo-
la, Raquel Asensi, Iker Fidalgo, Maria
Muriedas, María Salazar, MawatreS,
Daniel Muñoz eta Ricardo Antón-ek.
Tailerra Oihane Sánchez Durok eman
zuen, Camilo Torresen laguntzarekin.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
Gabinete de humusidades culturales y
semillas raras se compuso de un ciclo
de ponencias y un taller de co-crea-
ción para especular y debatir sobre la
(in)sostenibilidad de la creación con-
temporánea en el País Vasco. Para
ello, contaron con la intervención de
artistas, docentes, comisarios e inves-
tigadores para componer una visión
conjunta y heterogénea del panora-
ma actual del sector creativo. En el
taller, se exploraron los medios plásti-
cos que aproximan a la idea del gabi-
nete, entendiéndolo como un espacio
en el que «se exhibe una colección de
objetos curiosos o destinados al estu-
dio de una ciencia o arte».
Este proyecto surgió con el objetivo
de cuestionar los modelos culturales
importados y asumidos tácitamente
en torno a la creación artística con-
temporánea. Por lo que, desde la pro-
pia experiencia y la práctica de los y
las ponentes y los y las asistentes a los
talleres, se buscó especular sobre for-
matos que deriven en una mayor sos-
tenibilidad del ecosistema artístico del
País Vasco y su tejido de creadores.
En el seminario intervinieron Oihane
Sánchez Duro, Andrea Estankona,
Ane Seijas, Arturo/Fito Rodríguez,
Haizea Barcenilla, Arantza Lauzirika,
Natxo Rodríguez, Laura Díez, Igor
Rezola, Raquel Asensi, Iker Fidalgo,
Maria Muriedas, María Salazar, Mawa-
treS, Daniel Muñoz y Ricardo Antón,
y el taller fue impartido por Oihane
Sánchez Duro, con la colaboración de
Camilo Torres.
Oihane Sánchez Duro
2021.06.16 > 2021.07.09
Gabinete de humusidades culturales y
semillas raras was a series of talks and
a co-creation workshop to speculate
about and discuss the (un)sustaina-
bility of contemporary creation in the
Basque Country. Artists, lecturers,
curators and researchers took part
to put together a joint and diverse
view of the current scene of the cre-
ative sector. During the workshop,
the plastic media were explored that
come close to the idea of the display
cabinet, taken as a space in which
"a collection of curios or items to be
used to study a science or art".
This project emerged with the aim
of questioning the imported cultur-
al models that are tacitly assumed
around contemporary artistic cre-
ation. Therefore, building on the
very experience and practice of the
speakers and people attending the
workshops, the aim was to speculate
about formats leading to the greater
sustainability of the artistic ecosys-
tem of the Basque Country and its
creative fabric.
Oihane Sánchez Duro, Andrea Es-
tankona, Ane Seijas, Arturo/Fito
Rodríguez, Haizea Barcenilla, Arantza
Lauzirika, Natxo Rodríguez, Laura
Díez, Igor Rezola, Raquel Asensi, Iker
Fidalgo, Maria Muriedas, María Sala-
zar, MawatreS, Daniel Muñoz and Ri-
cardo Antón took part. The workshop
was run by Oihane Sánchez Duro, as-
sisted by Camilo Torres.
229
 Pandemonio. Retóricas iconográficas en tiempos convulsos
Pandemonio. Retóricas iconográficas
en tiempos convulsos-etan, mintegi
batek eta munstroak sortzeko tailer
batek osatzen dute. Ikuspegi femi-
nistatik, munstroaren iruditeriaren
bilduma bat egin nahi da, eta baita
denboran zehar «Bestea» deritzona-
ren aurkako borrokaren irudikapena-
renak ere.
Mintegiak, hizlarien eskutik, muns-
troaren irudikapenaren konstelazio
kolektibo bat sortu zuen, Erdi Arotik
gaur egunera arteko ibilbide bat egi-
nez, literatura eta zinemako zientzia
fikziotik igaroz. Helburua izan zen
hausnarketara bultzatzen duten ana-
lisi-tresnen bidez obrak eta irudiak
behatzearen eta ekoiztearen garran­
tzia nabarmentzea.
Tailerrean, modu grafikoan arakatu
zen, munstro berriak sortzeko, min-
tegian agertutako irudiak kontuan
hartuz. Jarduera osatzeko, egindako
lanen erakusketa bat egin zen Krista-
lezko Patioan; lan horien artean, fan-
zine kolektibo bat zegoen.
Mintegian parte hartu zutenak: Leti-
cia­Gaspar, Marta Piñol, Iñaki Arzoz
eta Txaro Arrazola-Oñate. Tailerra
Leticia Gaspar eta Raquel Meyers-ek
eman zuten.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
Pandemonio. Retóricas iconográficas
en tiempos convulsos se compone por
un seminario y un taller de creación
de monstruos. Desde una perspec-
tiva feminista, se trata de realizar
una compilación del imaginario del
monstruo y de la representación del
enfrentamiento contra la «Otredad» a
lo largo del tiempo.
El seminario, de la mano de las po-
nentes, generó una constelación
colectiva de la representación del
monstruo, haciendo un recorrido
desde la Edad Media hasta nuestros
días, pasando por la ciencia ficción en
la literatura y el cine. El objetivo fue
resaltar la importancia de observar y
producir obras e imágenes a través
de herramientas de análisis que inci-
ten a la reflexión.
En el taller, se exploró de forma grá-
fica para crear nuevos monstruos,
teniendo presentes las imágenes que
habían aparecido en el seminario. La
actividad se completó con una ex-
posición en el Patio de Cristal de los
trabajos realizados, entre los que se
incluye un fanzine colectivo.
En el seminario participaron Leticia
Gaspar, Marta Piñol, Iñaki Arzoz y
Txaro Arrazola-Oñate y el taller fue
impartido por Leticia Gaspar y Raquel
Meyers.
Leticia Gaspar
2021.07.08 > 2021.10.15
Pandemonio. Retóricas iconográficas
en tiempos convulsos consisted of a
monster creation workshop and sem-
inar. From a feminist perspective, the
aim was to create a compilation of
the monster imaginary and of the de-
piction of the clash with "Otherness"
overtime.
The speakers at the seminar gen-
erated a collective constellation of
how monsters are depicted, from the
Middle Ages to the present, and not
forgetting science fiction in literature
and films. The aim was to highlight
the importance of observing and pro-
ducing works and images using anal-
ysis tools encouraging reflection.
The workshop explored the graphic
ways of creating new monsters, bear-
ing in mind the images in the semi-
nar. The activity was rounded off with
an exhibition of the work produced in
the Patio de Cristal, which included a
collective fanzine.
Leticia Gaspar, Marta Piñol, Iñaki Ar-
zoz and Txaro Arrazola-Oñate partic-
ipated in the seminar and the work-
shop was run by Leticia Gaspar and
Raquel Meyers.
231
 La enredadera. Materialidades cerámicas contemporáneas
La enredadera izenekoa zazpi artista
zeramikarik egindako tailer eta hitzal-
di irekien zikloa izan zen. Zeramikaren
presentzia gero eta nabarmenagoa
da prozesu artistikoetan, eta tokiko
testuinguruan material horrekin lan
egiten eta ikertzen duten artistak
daude. Tailerren zikloak erantzun bat
eman zuen zeramikarekin lotutako ar-
tisten prozesuak eta egiteak bertatik
bertara ezagutzeko.
Ciborg osagaia beti presente izanda,
Maite Leyúnekin portzelanazko iru-
ditxoetan esku hartuz lan egin zen.
Saray Pérez Castillarekin, zeramikaren
eta teknologiaren arteko harremanak
planteatu ziren. Ane Takittoren esku-
tik, plano geometrikoak egin zituzten
eta erritualaren ideiarekin lan egin
zuten. Aterpetxea izeneko tailerrean,
Rut Moreta Martínek etxearen kon­
tzeptuaren inguruan hausnartu zuen
buztin gordinez egiten den praktika-
ren bidez; ondoren, Raisa Álavarekin
modelatuari ekin zioten berriro, buz-
tina entzuteko helburuarekin, intui-
zioari eta harridurari agintea hartzen
utziz. Tailerren zikloa osatzeko, Lucía
Díaz Barralesekin, materia organiko
zein inorganikoa eta gorputzak zera-
mikan duen presentzia aztertu zuten,
buztina eta gorputza kontaktuan jar­
tzen dituen ekintza performatibotik,
Raquel Asensik hala proposatuta.
Tailerreko sorkuntza-jardunaldi ba­
koitzaren ondoren, saio bakoitza
ematen zuen zeramikariak hitzaldi
ireki bat eskaini zuen, bai presentzial-
ki, bai BilbaoArte Fundazioaren You-
Tubeko kanalean. Hitzaldi horietan
beren lanak, arte sorkuntzak berezko
dituen prozesuak, akatsak eta ongi
egindakoak jorratu zituzten.
Tailerrak eta hitzaldi irekiak Maite
Leyún, Saray Pérez Castilla, Ane Ta-
kitto, Rut Moreta Martín, Raisa Álava,
Lucía Díaz Barrales eta Raquel Asen-
sik eman zituzten.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
La enredadera fue un ciclo de talleres
y de charlas abiertas realizado por
siete artistas ceramistas. La presencia
de la cerámica en los procesos artís-
ticos es cada vez más notoria y en el
contexto local existen artistas que tra-
bajan e investigan con este material.
El ciclo de talleres dio una respuesta
para conocer de primera mano los
procesos y haceres de artistas vincu-
ladas a la cerámica.
Con un componente ciborg siempre
presente, con Maite Leyún se trabajó
interviniendo figuritas de porcelana.
Con Saray Pérez Castilla, se plantea-
ron las relaciones entre cerámica y
tecnología. De la mano de Ane Taki-
tto, elaboraron planos geométricos
y trabajaron con la idea de ritual. En
el taller Refugio, Rut Moreta Martín
reflexionó mediante la práctica en
barro crudo sobre el concepto de ho-
gar, para después retomar con Raisa
Álava el modelado con el objetivo de
escuchar el barro, dejándose llevar
por la intuición y la sorpresa. Comple-
tan el ciclo de talleres el tanteo con
la materia orgánica e inorgánica con
Lucía Díaz Barrales y la presencia del
cuerpo en la cerámica, desde la ac-
ción performativa que pone en con-
tacto barro y cuerpo, propuesto por
Raquel Asensi.
Tras cada jornada de creación en el
taller, la ceramista que impartía cada
sesión ofrecía una charla en abierto,
tanto presencialmente como en el
canal de YouTube de la Fundación Bil-
baoArte. En estas charlas hacían un
recorrido por sus trabajos, procesos,
errores y aciertos propios de la crea-
ción artística.
Tanto los talleres como las charlas
abiertas fueron impartidas por Maite
Leyún, Saray Pérez Castilla, Ane Taki-
tto, Rut Moreta Martín, Raisa Álava,
Lucía Díaz Barrales y Raquel Asensi.
Raquel Asensi
2021.07.21 > 2021.08.13
La enredadera was a series of work-
shops and open talks by seven ceram-
ic artists. The presence of ceramics in
artistic processes is increasingly more
notable and there are artists working
and researching with this material at
local level. The series of workshops
was an opportunity to discover first-
hand the processes and tasks of art-
ists linked to ceramics.
Maite Leyún led the workshop on por-
celain figurines where cyborg compo-
nent was always present. Saray Pérez
Castilla took the participants through
the relations between ceramics and
technology. Ane Takitto showed how
to prepare geometric plans and
worked on the idea of ritual. During
the Refuge workshop, Rut Moreta
Martín used crude clay to reflect on
the concept of home. Raisa Álava then
took up the modelling involving listen-
ing to the clay and being carried along
by intuition and surprise. The series of
workshops ended with Lucía Díaz Bar-
rales exploring organic and inorganic
matter and the presence of the body
in ceramics, from the performance ac-
tion that puts clay and body into con-
tact, proposed by Raquel Asensi.
After each day’s creation in the work-
shop, the ceramic artist that ran each
session offered an open talk, held in
person and on BilbaoArte Founda-
tion’s YouTube channel. The talks cov-
ered the work, processes, errors and
successes inherent to artistic creation.
Both the workshops and the open
talks were given by Maite Leyún,
Saray Pérez Castilla, Ane Takitto, Rut
Moreta Martín, Raisa Álava, Lucía Díaz
Barrales and Raquel Asensi.
233
 Un paseo por la performance vasca contemporánea
Performance Jaialdiarekin batera, eta
harekiko sintonian, Patricia Lópezek
Ibilaldi bat euskal performance garai-
kidean zehar izeneko ikastaroa eman
zuen. Bertan, diziplinaren presentzia-
ren eta haren aurrekarien ibilbide his-
toriko bat egin zen, Euskadi eta Nafa-
rroatik igaroz. Esther Ferrer, Ramón
Churruca eta Alberto Lomas artisten
lan performatiboen erregistroak ikusi
zituzten, Patriciak egindako ikerketa
atalez atal aztertuz. Ibilbidea amai­
tzeko, tokiko performerren belaunaldi
berriaz hitz egin zuten, eta hor sartu
eta aipatu zituzten Endika Basaguren
eta Sra. Polaroiska.
Ikastaroa osatzeko, parte-hartzaile
bakoitzak eta Patricia Lópezek berak
performance bana egin zuten, age-
rian jartzeko performancea ez dela
ulertu egin behar, bizi baizik.
Ikastaroa Patricia López Landabasok
eman zuen eta Misha del Valek strea-
ming bidez parte hartu zuen.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
Paralelamente y en sintonía con el
Festival de performance, Patricia
López impartió el curso Un paseo por
la performance vasca contemporánea.
En él, se hizo un recorrido histórico
de la presencia de la disciplina y sus
antecedentes, pasando por País Vas-
co y Navarra. Se visionaron registros
de las obras performativas de artistas
como Esther Ferrer, Ramón Churruca
o Alberto Lomas, visitando capítulo a
capítulo la investigación realizada por
Patricia. Se finalizó el recorrido con
la mención a una nueva hornada de
performers locales, en la que se men-
cionaba la inclusión de Endika Bas-
aguren y Sra. Polaroiska.
Se completó el curso con la realiza-
ción de una performance por parte
de cada uno de los participantes y de
la misma Patricia López, con el objeti-
vo de demostrar que la performance
no hay que entenderla, sino vivirla.
El curso corrió fue impartido por Pa-
tricia López Landabaso y contó con
la intervención de Misha del Val por
streaming.
Patricia López
2021.08.19 > 2021.08.20
Concurrently and in line with the Per-
formance Festival, Patricia López ran
Un paseo por la performance vasca
contemporánea. The course was a
historical journey of the presence
of the discipline and its background
through the Basque Country and
Navarra. Recordings were shown
of the performance works of artists
of the ilk of Esther Ferrer, Ramón
Churruca and Alberto Lomas. Patri-
cia’s research was considered chapter
by chapter. The journey ended with a
look at a new wave of local perform-
ers, including Endika Basaguren and
Mrs. Polaroiska.
The courses ended with a perfor-
mance by each of the participants
and by Patricia López in order to show
that performance has to be experi-
ence rather than understood.
The course was run Patricia López
Landabaso and Misha del Val spoke
by streaming.
235

Corren malos tiempos jaialdiaren hel-
burua performancea ikusleei hur-
biltzea izan zen, hausnarketarako
eta ekintzarako hainbat gune sortuz,
besteak beste, performancearen has-
tapen‑tailerra, proiekzio-ziklo bat eta
performance kolektibo bat.
Hemen eta orain dagoena azpimarra-
tuz, Isabel Leónek praktikatik irakatsi
zituen ekintza-artearen lengoaiaren
oinarriak. Esther Ferrerek dioen be-
zala, «performancea ez da irakasten,
praktikatu egiten da», eta horixe egin
zuten hastapen-tailerrean.
Proiekzioen zikloan, Hiriko Gutxiene-
ko Bideo-Performanceen (konfinatuak)
Nazioarteko Jaialdian Gorputz (ez)hi-
ritarra ekinean hautatutako bideoak
proiektatu ziren. Ondoren, Ramón
Churruca / Ramón Quantak bere hiru
bideo-performanceren aurkezpen
per­formatiboa egin zuten. Amaitzeko,
Hilos del Tiempo filmaren proiekzioa
egin zen, Josu Rekalde zuzendaria
bertan zela, eta Esther Ferrer doku-
mentaleko protagonistaren strea-
ming bidezko topaketarekin.
Jaialdiaren amaiera gisa, performan-
ce kolektibo bat egin zen, non artista
bakoitzak bere performancea egin
zuen modu koralean. Ekintza hori
etxetik streaming bidez konektatu-
tako performerrekin eta Endika Basa­
gurenek zuzenean koordinatutako
emanaldiarekin burutu zen.
Performance Jaialdiaren barruan, Isa-
bel Leónek performancearen hasta-
pen-tailerra eman zuen; proiekzioen
zikloan, Ramón Churrucaren esku
hartze performatiboa eta Esther Fe-
rrerrekin izandako topaketa nabar-
mendu ziren, Josu Rekalderen Hilos
del Tiempo dokumentalaren eskutik;
eta performance kolektiboan, aurrez
aurre parte hartu zuten Endika Basa­
gurenek, Ramón Churruca / Ramón
Quantak, Jordina Rosek eta Pere Esta-
dellak, eta online formatuarekin Ma-
ttin Artiachek eta Héctor Canongek.
Ana Esmith / Miss Beige, Verónica
Peña, Elia Torrecilla eta Isabel León.
Corren malos tiempos para los cuerpos
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
El objetivo del festival Corren malos
tiempos para los cuerpos fue acercar
la performance al público, generan-
do diferentes espacios de reflexión y
acción entre los que se encuentran el
taller de iniciación a la performance,
un ciclo de proyecciones y una perfor-
mance colectiva.
Haciendo hincapié en el aquí y en el
ahora, Isabel León enseñó desde la
práctica los fundamentos del lenguaje
del arte de acción. Como dice Esther
Ferrer «la performance no se enseña,
se practica» y eso fue lo que hicieron
en el taller de iniciación.
En el ciclo de proyecciones, se proyec-
taron los vídeos seleccionados dentro
del Festival Internacional de Perfor-
mances Mínimas Urbanas (confinadas)
en Vídeo Cuerpo (no)urbano en acción.
Posteriormente, Ramón Churruca /
Ramón Quanta hizo una presentación
performativa de tres de sus vídeo-per-
formances. Para concluir, se realizó
una proyección de la película Hilos del
Tiempo, contando con la presencia del
director Josu Rekalde y el encuentro
por streaming con la protagonista del
documental Esther Ferrer.
A modo de cierre del festival, se rea-
lizó una performance colectiva en la
que cada uno de los artistas realiza-
ba su propia performance de forma
coral. Esta acción se llevó a cabo con
performers conectados desde sus ca-
sas por streaming y con la actuación
en directo coordinada por Endika
Basaguren.
Dentro del Festival de performance,
Isabel León impartió el taller de inicia-
ción a la performance; en el ciclo de
proyecciones destacaron la interven-
ción performativa de Ramón Churru-
ca y el encuentro con Esther Ferrer,
de la mano del documental Hilos del
Tiempo de Josu Rekalde; y en la perfor-
mance colectiva participaron presen-
cialmente Endika Basaguren, Ramón
Churruca / Ramón Quanta, Jordina
Ros y Pere Estadella y de forma online
Mattin Artiach,Héctor Canonge. Ana
Esmith / Miss Beige, Verónica Peña,
Elia Torrecilla e Isabel León.
Endika Basaguren
2021.08.23 > 2021.08.26
The aim of the Corren malos tiempos
festival was to bring performance to
the public, by generating different
action and reflection spaces includ-
ing the introduction to performance
workshop, a series of screenings and
a collective performance.
Stressing the here and now, Isabel
León taught the fundaments of the
language of art action from a hands-
on approach. As Esther Ferrer says,
"performance is not taught, it is prac-
ticed" and that is what happened dur-
ing the introduction workshop.
The screening included the videos
shortlisted within the International
Festival of Minimal Urban (Confined)
Performances in Video (not) Urban
Body in Action. Subsequently, Ramón
Churruca / Ramón Quanta put on a
performance presentation of three
of his video performances. The event
concluded with a screening of the film
Hilos del Tiempo, with the presence of
the director Josu Rekalde and the on-
line streamed meeting with the lead
character of the Esther Ferrer docu-
mentary.
The festival closed with a group per-
formance when each of the artist put
on their own performance as part of
a choral experience. This action was
conducted by performers connect-
ed from their homes by streaming
and directly coordinated by Endika
Basaguren.
During the performance festival, Isa-
bel León ran the introduction to per-
formance workshop; as regards the
screening, special mention should be
made of the performance intervention
by Ramón Churruca and the meet-
ing with Esther Ferrer, through Hilos
del Tiempo, the documentary by Josu
Rekalde; Endika Basaguren, Ramón
Churruca / Ramón Quanta, Jordina
Ros and Pere Estadella took part in the
group performance in person Mattin
Artiach, Héctor Canonge, Ana Esmith /
Miss Beige, Verónica Peña, Elia Torre-
cilla and Isabel León online.
237
 ART+ Cuadernos de arte expandido y tecnológico
ART+ Cuadernos de arte expandido y
tecnológico tailer batek eta hitzaldi zi-
klo batek osatu zuten. Tailer eta hitzal-
di horietan, teknologikoaren arloare-
kin lotutako artistek beren jakin­ tza
partekatu zuten ikusleekin eta ber-
taratutakoekin, gune bat sortuz adar
artistiko horren aukerak aztertzeko.
Tailerrean, kode irekia bultzatuz,
Gheadak mugimenduan dauden
irudiak egiteko bere teknika guztiak
irakatsi zituen, eta bere ezagutza par-
tekatu zuen egitearen beraren bidez.
Ikuslea murgiltzen duten instalazioen
hezurdura ikusten utzi zuten, tailerre-
ra joaten zirenek bere egin zitzaten,
ikasitakoa egiteko modu bat zuze-
nean bilatuz, bisualen kodean eta
soft­wareetan.
Hitzaldien zikloan, nazioarteko eta
bertako artistak gonbidatu zituzten
beren lana azaltzeko, eta artearen
eta teknologiaren esparruan egiten
dituzten sormen-prozesuei buruz hitz
egiteko, arreta jarriz beren praktika
artistikoan teknologia integratzeko
duten moduan.
Hitzaldi zikloan honako hauek parte
hartu zuten: Gheada, Amaia Vicente,
Polymorf (Holanda), Tunipanea eta
RaumZeitPiraten (Alemania). Tailerra
Raquel Durán eta Estudio Gheadako
Rut Briones-ek eman zuten.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
ART+ Cuadernos de arte expandido y
tecnológico se compuso por un taller
y un ciclo de ponencias en las que ar-
tistas relacionados con el ámbito tec-
nológico compartieron su saber hacer
con el público y los asistentes, gene-
rando un espacio para explorar las
posibilidades de esta rama artística.
En el taller, promoviendo el código
abierto, Gheada enseñó todas sus
técnicas para realizar imágenes en
movimiento y compartió sus cono-
cimientos mediante el propio hacer.
Dejaron ver el esqueleto de sus ins-
talaciones inmersivas para que los
asistentes al taller pudieran hacerlos
suyos, buscando en el código y en los
softwares de visuales en directo una
forma de hacer propio lo aprendido.
En el ciclo de conferencias, se invita-
ron a artistas internacionales y locales
para explicar su obra y hablar de sus
procesos creativos dentro del campo
del arte y la tecnología, poniendo el
foco en cómo integran la tecnología
en su práctica artística.
En el ciclo de conferencias participa-
ron Gheada, Amaia Vicente, Polymorf
(Holanda), Tunipanea y RaumZeitPira-
ten (Alemania). El taller fue impartido
por Raquel Durán y Rut Briones de
Estudio Gheada.
Estudio Gheada
2021.09.08 > 2021.09.16
ART+ Cuadernos de arte expandido y
tecnológico consisted of a workshop
and a series of lectures when art-
ists connected to the technological
field shared their know-how with the
public and participants, generating a
space to explore the opportunities of
that artistic branch.
During the workshop promoting
open code, Gheada explained all
the techniques they use to make
moving images and shared their ex-
pertise from a hands-on approach.
They showed the framework of their
immersive facilities so that the work-
shop participation could embrace
them and find a way in the code and
live visual software to follow suit from
what they had learnt.
Local and international artists were
invited to be the speakers for the lec-
tures to explain their work and talk
about their creative processes within
the field of art and technology. The
focus was on how to integrate tech-
nology into the artistic practice.
The lectures were given by Gheada,
Amaia Vicente, Polymorf (Nether-
lands), Tunipanea and RaumZeitPi-
raten (Germany). The workshop was
run by Raquel Durán and Rut Briones
de Estudio Gheada.
239
 / geLAN / Una propuesta de LAN Festival Audiovisual Obrero
/ geLAN / LAN Festival Audiovisual Obre-
ro-rekin batera egin zen programazioa
izan zen: bost egunez sorkuntza kolek­
tiboko, prestakuntzako eta ezagutzak
transmititzeko hainbat jarduera plan-
teatu ziren, langileen iruditeria sor-
kuntza garaikideetatik eguneratzeko.
Programazioa bi txandatan egindako
tailer batek osatu zuen, eta «kanpoko
produktu» izendapena jaso zuenak;
alde batetik, LANAK_ argitalpena aur-
keztu zen, eta, bestetik, elkarrizketa
bat egin zen Héctor Zamora artista-
ren eta Saioa Olmoren artean. Horri
gehitu behar zaio txostena / ikuskape-
na / kalitate kontrola deritzona, hau
da, Oihane Sánchez Durok TXT-Lab-
eko editore-taldearen barruan egin-
dako testua.
Proiektu osoa langileriaren kon­
tzepzio hori handitzen saiatzen da,
zeinak lantegiekin edo laneko tximi-
noarekin baino ez du lotzen. Festi-
balaren eta jarduera horien zeregina
hura berriz adieraztea da, kontuan
izanda lanaren ideian gaur egun dau-
den dimentsio ugariak.
geLAN jarduerak Emovere Elkarteak
antolatu zituen. Tailerra bi txandatan
eman zuten Beatriz Sánchez/Loopi-
tas eta Javier Pérez-Curiel/Chavezitok.
LANAK_ argitalpenaren aurkezpe-
nean Silvia Jiménez, Rosalina Nespral,
Adrián Piedra, Marian Infante, Oksa-
na Pohrebennyk eta Bárbara Camhik
parte hartu zuten; Edurne González
eta Itxaso Díazen (LAN Ikus-entzu-
nezko langile festibalaren zuzendaria)
esku hartzea egon zen, eta baita Ca-
milo Torres eta MawatreSen aurkez­
penak ere. Héctor Zamora (Mexiko)
artistaren eta Saioa Olmoren arteko
elkarrizketa Andrea Estankonak aur-
keztu zuen.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
/ geLAN / fue una programación pa-
ralela al LAN Festival Audiovisual Obre-
ro, en la que durante cinco días se
plantearon una serie de actividades
de creación colectiva, formación y
transmisión de saberes para realizar
una actualización del imaginario de lo
obrero desde las creaciones contem-
poráneas.
La programación se compuso de un
taller en dos turnos y lo que deno-
minaron «un producto externo», que
consistía por un lado en la presenta-
ción de una publicación LANAK_ y la
conversación entre el artista Héctor
Zamora y Saioa Olmo. A esto se le su-
maba lo que denominarion un infor-
me / supervisión / control de calidad,
que consistiría en un texto realizado
por Oihane Sánchez Duro, dentro del
grupo de editoras de TXT-Lab.
Todo el proyecto trata de ampliar esa
concepción de lo obrero, que lo aso-
cia únicamente a la fábrica o al mono
de trabajo. La labor del festival y de
estas actividades es resignificarla,
teniendo en cuenta las múltiples di-
mensiones que participan hoy de la
idea de trabajo.
Las actividades geLAN fueron orga-
nizadas por la Asociación Emovere.
El taller fue impartido en dos turnos
por Beatriz Sánchez/Loopitas y Javier
Pérez-Curiel/Chavezito. En la presen-
tación de la publicación LANAK_ partici-
paron Silvia Jiménez, Rosalina Nespral,
Adrián Piedra, Marian Infante, Oksana
Pohrebennyk y Bárbara Camhi, con
la intervención de Edurne González
y la presentación de Camilo Torres y
MawatreS. La conversación entre el
artista Héctor Zamora y Saioa Olmo
fue presentada por Andrea Estankona.
Asociación Emovere
2021.09.20 > 2021.09.24
/ geLAN / was a parallel programme
to the LAN Festival Audiovisual Obrero,
when a series of knowledge transfer,
training and collective creation activ-
ities were organised over five days
in order to update the imaginary of
the working class from contemporary
creations.
The programming consisted of a
workshop in two sessions, one called
"an external product" which com-
prised, on the one hand, the presenta-
tion of the LANAK_ publication and
the conversation between the artist
Héctor Zamora and Saioa Olmo. Then
there was a report / supervision / qual-
ity control, which consisted of a text
produced by Oihane Sánchez Duro,
within the TXT-Lab group of editors.
The whole project sought to extend
this idea of the worker, which is only
associated with the factory or over-
alls. The festival and those activities
sought to give it a new meaning,
taking into account the many dimen-
sions that are today involved in the
idea or work.
The geLAN activities were organised
by the Emovere Association. The
workshop was taught in two sessions
by Beatriz Sánchez/Loopitas and Javer
Pérez-Curiel/Chavezito. Silvia Ji­ménez­,
Rosalina Nespral, Adrián Piedra, Mar-
ian Infante, Oksana Pohrebennyk
and Bárbara Camhi took part in the
LANAK_ presentation, with speeches
by Edurne González and Itxaso Díaz
(LAN Workers’ Audiovisual Festival
Director) and the presentation by
Camilo Torres and MawatreS. The
conversation between the artist Héc-
tor Zamora (Mexico) and Saioa Olmo
was introduced by Andrea Estankona.
241

Escrituras liminares: Estrategias cruza-
das de formación del lenguaje en la era
digital eztabaidarako jardunaldiz eta
hiru tailerrez osatutako programazioa
izan zen, idazketa aztertzen zuena,
arte bisualetan ekoizteko bitarteko
gisa. Programa osatzeko, Catherine
Foulkrod idazle estatubatuarrak sa-
rrera teoriko irekia egin zuen.
Lehenengo tailerrean Nerea Lekuo-
nak jardun zuen irakasle, eta errotu-
lazio sortzailearen eta letteringaren
erabilera ez-normatiboa izan zuen
ardatz, prozesu osoan kritika politikoa
txertatuz. Bigarren tailerrean, Ada
Kobusiewiczek bere praktika artisti-
koa jarri zuen adibidetzat, non hitza
erabiltzen duen hainbat bitartekoren
gainean, hiriko esku hartze disrup-
tiboa sustatuz, egungo gizartearen
irakurketa kritiko batetik. Azken taile-
rrean, Alberto Lomasek paradoxa bat
azpimarratu zuen: gaur inoiz baino
gehiago idazten da, gero eta irudi
gehiago dauden arren. Tailer bakoitza
amaitzean, irakasleen artean trukatze
topaketa bat egiten zen.
Arte bisualen ikuspegitik idatzitako
hitzak duen balioa kontuan hartuta,
bai tailerretan bai trukerako saioetan,
mezuarekin, testuarekin (forma gisa),
kaligrafia automatiko aktibistarekin
eta interfazeen bidez lan egin zen.
Alberto Lomasek Nerea Lekuona eta
Ada Kobusiewiczen (Polonia) tailerrak
koordinatu zituen, eta bere tailerra
David Hornback (AEB), Ismael Igle-
sias eta Amaia Vicenterekin partekatu
zuen. Tailerretarako sarrera Catherine
Foulkrodek (AEB) egin zuen.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
Escrituras liminares: Estrategias cruza-
das de formación del lenguaje en la era
digital fue una programación de jorna-
das de debate y tres talleres en torno
a la escritura como medio de produc-
ción en las artes visuales. El programa
se completa con una introducción
teórica abierta a cargo de la escritora
estadounidense Catherine Foulkrod.
En el primer taller, impartido por Ne-
rea Lekuona, se centró en el uso no
normativo de la rotulación creativa, el
lettering, imbricando la crítica política
en todo el proceso. En el segundo
taller, Ada Kobusiewicz puso como
ejemplo su práctica artística en la
que utiliza la palabra sobre diferentes
medios, potenciando la intervención
urbana disruptiva, desde una lectura
crítica de la sociedad actual. En el últi-
mo taller, Alberto Lomas incidió en la
paradoja de que hoy se escribe más
que nunca pese a la creciente pre-
sencia de la imagen. Al terminar cada
taller, se realizaba un encuentro de
intercambio entre los docentes.
Teniendo presente el valor de la pa-
labra escrita desde el prisma de las
artes visuales, tanto en los talleres
como en las sesiones de intercambio
se trabajó con el mensaje, con el texto
como forma, con la caligrafía automá-
tica activista y por medio de interfaces.
Alberto Lomas coordinó los talleres
de Nerea Lekuona y Ada Kobusiewicz
(Polonia), y compartió su taller con
David Hornback (EEUU), Ismael Igle-
sias y Amaia Vicente. La introducción
a los talleres corrió a cargo de Cathe-
rine Foulkrod (EEUU).
Escrituras liminares
Alberto Lomas
2021.09.27 > 2021.10.08
Escrituras liminares: Estrategias cruza-
das de formación del lenguaje en la era
digital was a programme of discus-
sion sessions and three workshops
on writing as a means of production
in the visual arts. The programme
also featured an open theoretical in-
troduction by the US author Cathe-
rine Foulkrod.
The first workshop, run by Nerea Le-
kuna, focused on the non-standard
use of creative signage, lettering,
while superimposing political critique
throughout the process. In the second
workshop, Ada Kobusiewicz used her
artistic practice as an example where
the word is used on different media,
by encouraging disruptive urban in-
tervention, from a critical reading of
today’s society. In the last workshop,
Alberto Lomas stressed the paradox
that more is written today than ever
despite the growing presence of the
image. At the end of each workshop,
a feedback session was held between
the instructors.
Taking into account the value of the
written word from the perspective of
visual art, the message, with the text
as form, with the automatic activist
calligraphy and using interfaces were
used in the workshops and the feed-
back sessions.
Alberto Lomas coordinated the Nerea
Lekuona and Ada Kobusiewicz (Po-
land) workshops, and shared his
workshop with David Hornback (USA),
Ismael Iglesias and Amaia Vicente.
The workshops were introduced by
Catherine Foulkrod (USA).
243

Una Habitación Propia identitateei eta
subjektibitateei buruzko praktika ar-
tistikoen inguruko eztabaida feminis-
ten jardunaldiak izan ziren. Proiektua
kolektiboki eraikitzen ari den espazio
dinamiko gisa ulertzen da, Bilbon tres-
na gisa erabiliz hausnarketa, eztabaida
eta praktika artistiko feminista erabiliz.
Lempickak eta Asociadasek artistak,
kulturaren kudeaketan eta artearen kri-
tikan adituak diren pertsonak, militante
eta aktibista feministak, Arte Ederretako
ikasleak, eta artean eta feminismoan in-
teresa duen publikoa bildu zituzten.
Eztabaidetan hainbat aldiz aipatu ze-
nez, hizlariek ez zuten erantzunak ema-
teko asmorik, galdera berriak egitekoa
baizik. Linda Nochlin-en galdera ospe­
tsuari erantzunez eta hari testuingurua
emanez: «Zergatik ez dira egon emaku-
me artista handiak?», eta kanonari
eta artista jenioaren irudiari buruzko
galderak gehituz. Arreta emakumeek
erakunde artistikoetan duten presen­
tzian jarrita, honako hau zalantzan jarri
zen: «zeintzuk dira emakume artistek
artearen sisteman dituzten ekoizpen-
eta legitimazio-baldintzak?».
Programazioari amaiera emateko, ge-
nero identitateak zalantzan jarri zituz-
ten eta emakume artistak gonbidatu
zituzten beren praktikari buruz hitz egi-
teko. Amaitzeko, sormenaren eta gaur
egungo artista gisa izandako esperien­
tzien inguruko eztabaida egin zuten.
Eztabaidarako jardunaldi horiez gain,
Identitateak dantzan tailerra egin zen
Sra. Polaroiskaren eskutik. Jardunal-
dietako hausnarketa eta eztabaidak
abiapuntutzat hartuta, norberaren
gorputzaren kontzientzia hartzea, jo-
lastea eta eraldatzeko testuinguruak
sortzea izan zen helburua, erreferen-
teak sortzeko aukerak zabaltzeko.
Una Habitación Propia egindako ez-
tabaida feministetan honako hauek
hartu zuten parte: Ane Lekuona, Ga-
razi Ansa, Haizea Barcenilla, Susana
Carramiñana, Bea Aparicio, Esther
Ferrer, Elssie Ansareo, Sra. Polaroiska
eta Blanca Ortigak. Identitateak dan­
tzan tailerra Sra. Polaroiskak eman
zuen, eta Alaitz Arenzanak eta María
Ibarretxek osatu zuten.
Una habitación propia
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
Una Habitación Propia fueron unas
jornadas de debates feministas en
torno a las prácticas artísticas sobre
identidades y subjetividades. El pro-
yecto se concibe como un espacio
dinámico y en construcción colectiva
usando como herramientas la re-
flexión, el debate y la práctica artística
feminista en Bilbao. Lempicka y Aso-
ciadas reunieron a artistas, personas
expertas en materia de gestión cultu-
ral y crítica de arte; militantes y acti-
vistas feministas, alumnado de Bellas
Artes y a un público con interés en
arte y feminismo.
Como varias veces se mencionó en
los debates, las ponentes no se pro-
ponían dar respuestas, sino plantear
nuevas preguntas. Respondiendo y
dando contexto a la famosa pregun-
ta de Linda Nochlin «¿Por qué no ha
habido grandes mujeres artistas?», y
añadiendo cuestiones sobre el canon
y la figura del artista genio. Poniendo
el foco en la presencia de las mujeres
en las instituciones artísticas, se cues-
tionó: «¿cuáles son las condiciones de
producción y legitimación de las artis-
tas en el sistema del arte?».
Concluyeron la programación cuestio-
nando las identidades de género e in-
vitaron a mujeres artistas para hablar
de su práctica, terminando con un de-
bate en torno a la creación y sus expe-
riencias como artistas en la actualidad.
A estas jornadas de debate se sumó
el taller Bailando Identidades impar-
tido por Sra. Polaroiska. Tomando
como punto de partida la reflexión y
los debates de las jornadas, se trató
de adquirir consciencia del propio
cuerpo y generar contextos donde ju-
gar y transformarse para ampliar re-
ferentes y posibilidades de creación.
En los debates feministas de Una Ha-
bitación Propia participaron Ane Le-
kuona, Garazi Ansa, Haizea Barcenilla,
Susana Carramiñana, Bea Aparicio,
Esther Ferrer, Elssie Ansareo, Sra. Po-
laroiska y Blanca Ortiga. El taller Bai-
lando Identidades fue impartido por
Sra. Polaroiska, compuesto por Alaitz
Arenzana y María Ibarretxe.
Lempicka y asociadas
2021.10.13 > 2021.10.15
Una Habitación Propia was a series of
feminist discussions on artistic prac-
tices regarding identities and subjec-
tivities The project was designed as
a dynamic space based on collective
construction using reflection, discus-
sion and feminist artistic practice in
Bilbao as tools. Lempicka y Asociadas
gathered together artists, experts
in art criticism and cultural manage-
ment, feminist activists and campaign-
ers, Fine Art students and member of
the general public interested in art
and feminism.
As was often mentioned in the ses-
sions, the speakers did not seek to
provide answers, but rather raise new
questions. By answering and adding
questions to Linda Nochlin’s “Why
Have There Been No Great Women
Artists?”, and putting questions about
the ideals and figures of the artist-ge-
nius. By focusing on the presence of
the women in artistic questions, the
question was raised: what are the le-
gitimacy and production of women
artists in the art system? Finally, the
sessions addressed the situation of
women artist in the Basque art sys-
tem, their systemic exclusion and the
condition in which they produce art.
The programme ended by question-
ing gender identities and inviting
women artists to talk about their work,
ending with a discussion on creation
and their experiences as artists today.
In addition to the discussion sessions,
the Dancing Identities workshop was
run by Sra. Polaroiska. Starting from
the reflection and discussion during
the sessions, the aim was to raise
awareness of the body itself and gen-
erate contexts where to play and be
transformed in order to expand the
creation opportunities and references.
Ane Lekuona, Garazi Ansa, Haizea
Barcenilla, Susana Carramiñana, Bea
Aparicio, Esther Ferrer, Elssie Ansareo,
Sra. Polaroiska and Blanca Ortiga took
part in the feminist discussions of Una
Habitación Propia. The Dancing Identi-
fies was run by Sra. Polaroiska (Alaitz
Arenzana and María Ibarretxe).
245

Archivos Vivos etxeko artxibotik abia-
tuta egindako zinema dokumental ga-
raikideko proiekzioen zikloa izan zen.
Horretarako, Archivos Vivos egitas-
moak irudiak mugimenduan lantzen
dituen eta sortzaile‑talde bat bildu
zuen, Euskadin diharduena. Lantal-
dea BilbaoArte Fundazioan bildu zen
irailean zehar, norberaren artxibo
pertsonala partekatu eta proiektua
elkarrekin abiarazteko. Taldean lor-
tutako emaitzak proiekzioekin batera
eskaini ziren, zinema dokumentalari
buruzko programazioaren barruan.
Zinema dokumentaleko jardunaldi­
hauen helburua kultura digitalaren
barruan zer nolako begirada autobio-
grafikoa agertzen den zirriborratzea
izan zen, non oroitzapen pertsona-
lek hainbat formatutako materialta-
sun kaleidoskopikoa hartzen duten.
Ikus-entzunezko piezen egileek etxe-
ko artxiboa iraultzen dute, familiaren
historia konpontzeko, emakumea-
rentzako autonomia-espazio bat
eraikitzeko, gure identitate digitalen
iragankortasunari buruz hausnartze-
ko edo etorkizun posibleei buruz go-
goetatzeko asmoz.
Tana Garrido eta Julia Martos izan zi-
ren Archivos Vivos proiekzio eta solasal-
dien koordinatzaileak, eta Lynne Sachs
eta Emma Tusell zuzendariek ere parte
hartu zuten bertan. Lantaldea Aitziber
Olaskoagak, Inés Garciak, Rocío Agu-
dok eta Belén Cerezok osatu zuten.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
Archivos Vivos fue un ciclo de proyec-
ciones de cine documental contem-
poráneo realizado a partir de archivo
doméstico. Para ello, Archivos Vivos
reunió un grupo de trabajo de crea-
doras de imagen en movimiento con
base en Euskadi. A lo largo del mes
de septiembre, se reunieron en la
Fundación BilbaoArte para compartir
su archivo personal y activarlo juntas.
Estos resultados acompañaron a las
proyecciones durante la programa-
ción de cine documental.
La finalidad de estas jornadas de cine
documental fue esbozar qué tipo de
mirada autobiográfica emerge en
el seno de la cultura digital, donde
los recuerdos personales adquieren
una materialidad caleidoscópica de
diversos formatos. Los y las autoras
de estas piezas audiovisuales sub-
vierten el archivo doméstico con la
intención de reparar la historia fami-
liar, construir un espacio de autono-
mía para la mujer, reflexionar sobre
el carácter efímero de nuestras iden-
tidades digitales o especular sobre
otros futuros posibles.
En las proyecciones y coloquios de
Archivos Vivos participaron, además
de las coordinadoras Tana Garrido y
Julia Martos, las directoras Lynne Sa-
chs y Emma Tusell. El grupo de tra-
bajo estaba compuesto por Aitziber
Olaskoaga, Inés Garcia, Rocío Agudo
y Belén Cerezo.
Archivos vivos
Tana Garrido y Julia Martos
2021.11.09 > 2021.11.11
Archivos Vivos was a cycle of con-
temporary documentaries based on
home archive footage. Therefore, Ar-
chivos Vivos set up a working group of
moving images based on the Basque
Country. During September, they
met at the BilbaoArte Foundation to
share their personal archive footage
and unleash it together. Those results
appeared alongside the screenings
during the documentary programme.
Those documentary sessions aimed
to outline which type of autobio-
graphical viewpoint would emerge
within the digital culture, where per-
sonal memories take on a kaleido-
scope materiality of different formats.
The authors of these audiovisual piec-
es subvert the home archive footage
with the intention of fixing the family
history, building a space of autonomy
for women, reflecting of the fleeting
nature of our digital identities and
speculating on other possible futures.
Along with Tana Garrido and Julia Mar-
tos as the coordinators, the directors
Lynne Sachs and Emma Tussel took
part in the Archivos Vivos screenings
and talks. The working group was
made up of Aitziber Olaskoaga, Inés
Garcia, Rocío Agudo and Belén Cerezo.
247

Euskal Alfabetoa grabatu-tailerrean,
mokurito teknika erabili zen (grabatu
ez toxikoa), euskaraz idazteko erabil­
tzen diren euskal alfabetoko 21 letrak
biltzen dituen abezedario ilustratu
bat sortzeko.
Litografia tradizionalak ez bezala,
mokuritoak, azidorik gabe lan egi-
teko aukera eskaintzeaz gain, egur
kontratxapatuzko ohol bat erabiltzen
du euskarri gisa, kareharriaren edo
aluminioaren ordez. Bestalde, inpri-
maketa-prozesuak ez du ohiko ekipo
litografikorik behar; prentsa kalkogra-
fikoa erabiliz egin daiteke eta.
Tailerrean, ikasle bakoitzari euskal al-
fabetoko hiru letra esleitu zitzaizkion,
hizki bakoitza euskarazko hitz baten
hasiera izan zedin. Ondoren, aukera-
tutako hitzak hartu zituzten oinarri­
tzat beren abezedario kolektiborako
estanpazioak egiteko.
Veronica Domingo Alonso izan zen Eus-
kal Alfabetoa tailerraren arduraduna.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
En el taller de grabado Euskal Alfabe-
toa, se empleó la técnica del mokurito
(grabado no tóxico) con el fin de crear
un abecedario ilustrado con las 21 le-
tras del alfabeto vasco, que se utilizan
para escribir en euskera.
A diferencia de la litografía tradicio-
nal, el mokurito además de admitir
la posibilidad de trabajar sin ácidos,
utiliza como soporte una tabla de ma-
dera contrachapada en sustitución
de la piedra caliza o del aluminio. Por
otra parte, el proceso de impresión
no requiere del equipo convencional
litográfico sino que se puede hacer
utilizando la prensa calcográfica.
A cada alumno se le adjudicaron tres
letras del alfabeto vasco, y cada letra
fue la inicial de una palabra en euske-
ra. La palabra escogida es lo que de-
bían tomar como base para realizar
las estampas de su propio abecedario
colectivo.
Verónica Domingo Alonso estuvo a
cargo del taller de Euskal Alfabetoa.
Euskal Alfabetoa
Verónica Domingo
2021.10.25 > 2021.10.29
During the Euskal Alfabetoa engraving
workshop, mokurito (non-toxic etch-
ing) was used to create an illustrated
alphabet with the 21 letters of the
Basque alphabet, which are used to
write in Basque.
Unlike traditional lithography, mokuri-
to, apart from offering the option of
working without acid, uses a lami-
nated board as a support instead of
limestone or aluminium. On the other
hand, the printing process does not
require the conventional lithographic
equipment, but it can be performing
using the intaglio press.
Each student was allowed three letters
of the Basque alphabet and each letter
was the initial of a word in Basque. The
word chosen had to be the bases to
produce the prints of their own group
alphabet.
Verónica Domingo Alonso was in charge
of the Euskal Alfabetoa workshop.
249
 De la memoria al cine, sin olvidar la abstracción
Sobre Presión kolektiboak antolatu-
tako De la memoria al cine, sin olvidar
la abstracción programazioak Andrea
Alonsoren Cómo crear un libro de ar-
tista, Maite Pintoren Grabado no tóxico
- Seda Aguatinta eta Aristide Storne-
lliren Del collage al dibujo, otra forma
de atravesar el túnel tailerrak eskaini
zituen, Veva Linazaren ROJO GERANIO.
Una fábula pictórica en una práctica cal-
cográfica hitzaldi performatiboaz gain.
Tailerren edukia banakakoa izan zen
arren, sorkuntza-prozesua kolektibo
gisa landu zen, hiru koordinatzaileen
laguntzaz. Bertan, akonpainamendu
eta tekniken ulermenetik abiatuta,
sorkuntza grafikoa esperimentatzeko,
probatzeko eta sakontzeko espazio
bat sortu zen.
Hitzaldi performatiboak egilearen lan
kalkografikoa sakondu zuen, non bere
urtintak iragaitzazko praktika piktoriko
gisa definitu ziren. Veva Linazaren ohi-
ko praktika den pintura, grabatuaren
berezko tintarekin eta paperarekin
elkartzen da, kasu askotan paradoxi-
koa eta kontraesankorra izan daite-
keen pentsamendua ahalbidetuz.
Programazioa osatzeko, tailer zi-
kloaren izen bereko erakusketa bat
jarri zen BilbaoArteko Kristalezko Pa-
tioan eta artista parte hartzaileen la-
nak erakutsi ziren bertan.
Sobre Presión kolektiboa Andrea
Alonsok, Maite Pintok eta Aristide
Stornellik osatzen dute eta haiek
antolatu zituzten tailerrak, Veva Li-
nazaren hitzaldi performatiboarekin
batera.
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
En la programación De la memoria
al cine, sin olvidar la abstracción del
Colectivo Sobre Presión, se juntaron
los talleres de Cómo crear un libro de
artista de Andrea Alonso, Grabado no
tóxico - Seda Aguatinta de Maite Pinto
y Del collage al dibujo, otra forma de
atravesar el túnel de Aristide Stornelli,
con la Charla performativa de Veva Li-
naza ROJO GERANIO. Una fábula pictó-
rica en una práctica calcográfica.
Los talleres, individuales en cuanto a
contenido, se contemplaron en forma
de creación colectiva y contaron con la
presencia de las tres coordinadoras.
Desde el acompañamiento y la com-
prensión de las técnicas, se creó un es-
pacio en el que experimentar, probar
y profundizar con la creación gráfica.
La charla performativa se adentró en
el trabajo calcográfico de la autora,
que define sus aguatintas como una
práctica pictórica en tránsito. La pin-
tura, práctica habitual de Veva Linaza,
se entrelaza con la tinta y los papeles
propios del grabado, permitiendo un
pensar en muchos casos paradójico y
no exento de contradicción.
La programación se completó con
una exposición en el Patio de Cristal
de BilbaoArte, que toma el mismo
nombre que el ciclo de talleres, expo-
niendo la obra de los artistas partici-
pantes en los mismos.
El Colectivo Sobre Presión está forma-
do por Andrea Alonso, Maite Pinto y
Aristide Stornelli, quienes organizaron
sus respectivos talleres además de la
charla performativa de Veva Linaza.
Colectivo Sobre Presión
2021.10.25 > 2021.11.25
The Colectivo Sobre Presión’s De la me-
moria al cine, sin olvidar la abstracción
programme included the Cómo crear
un libro de artista by Andrea Alonso,
Grabado no tóxico - Seda Aguatinta
by Maite Pinto and Del collage al dibu-
jo, otra forma de atravesar el túnel by
Aristide Stornelli workshops, along
with Veva Linaza’s performance talks,
ROJO GERANIO. Una fábula pictórica
en una práctica calcográfica.
The workshops, even though they
were individual in content, were ap-
proached as collective creation and
the three coordinators were present at
each. Mentoring and the understand-
ing of the techniques created a space
in which to experiment, test and delve
further into graphic creation.
The performance talk considered the
author’s intaglio work and she defined
her aquatints as a pictorial practice in
transit. Painting, Veva Linaza’s usual
medium, is intertwined with ink and
the typical papers of engraving, lead-
ing led to often thinking paradoxically
and not free from contradiction.
The programme was rounded off with
an exhibition in BilbaoArte’s Patio de
Cristal. The show, with the same name
as the workshop cycle, exhibited the
work of their artist participants.
El Colectivo Sobre Presión is made
up of Andrea Alonso, Maite Pinto and
Aristide Stornelli, who organised their
respective workshop, along with Veva
Linaza’s performance talk.
251

Irati Retolazak gidatu zuen Grabado
a la punta seca sobre acetato tailerra.
Bertan, punta lehorreko zuzeneko
metodoaren bidezko grabatuaren
hastapenak eskaini eta sorkuntzaren
fase ezberdinak landu ziren: matri-
zea egitea, tintaratzea eta estanpa-
zioa. Tailerrean teknika ulertzeko
eta modu autonomoan erabiltzeko
beharrezkoak diren ezagutza teoriko
eta teknikoak eman ziren, materialen
toxikotasun ezari esker. Matrize gisa
euskarri plastiko bat (azetatoa) erabili
zen eta hura hainbat tresnarekin lan-
du zen, lerro eta orbanak egiteko ba-
liabideak nabarmenduz. Horrela, ma-
rrazkia oinarri hartuta, ikasleei aukera
eman zitzaien lengoaia figuratiboa
abstraktu gisa lan egiteko.
Programa lau saiotan banatu zen, sa-
rrera teoriko batetik abiatu, teknikare-
kin erakustaldi praktiko bat egin, tres-
nekin eta materialekin kontaktua hartu
eta lehen matrize bat egiteko asmoz.
Horrela, papera, tintak, erregistro-sis-
tema eta torkuluan egindako doikun­
tzak egokitu ondoren, estanpazio-saio
bat egin ahal izan zen. Behin lehen
emaitzak baloratuta, ikasle bakoitzak
bere lan pertsonalean sakondu ahal
izan zuen irakaslearen banakako jarrai-
penaren laguntzaz.
Irati Retolazak antolatu eta zuzendu
zuen azetato gaineko punta lehorreko
grabatuari buruzko tailerra.
Grabado a la punta seca sobre acetato
Koordinatzailea / Coordina / Coordinator
En el taller de Irati Retolaza de Gra-
bado a la punta seca sobre acetato,
se ofreció una introducción al graba-
do mediante el método directo de la
punta seca donde se trabajaron las
diferentes fases de creación: elabora-
ción de la matriz, entintado y estam-
pación. Se aportaron los conocimien-
tos teóricos y técnicos necesarios
para un entendimiento de la técnica y
su realización autónoma gracias a su
no toxicidad. Utilizando un soporte
plástico (acetato) como matriz en la
que se incidió con diferentes herra-
mientas, destacando los recursos de
línea y mancha que, partiendo del di-
bujo como base, permitió al alumna-
do trabajar en un lenguaje figurativo
como abstracto.
Dividiendo el programa en cuatro se-
siones, se partió desde una introduc-
ción teórica para luego realizar una
demostración práctica a modo de
toma de contacto con la técnica, sus
herramientas y materiales, con el ob-
jetivo de elaborar una primera matriz.
De esta forma, tras un acondiciona-
miento del papel, las tintas, el sistema
de registro y los ajustes realizados en
el tórculo, se pudo realizar una se-
sión de estampación. Valorando los
primeros resultados, cada alumno se
centró en la elaboración de su trabajo
personal, recibiendo un seguimiento
individual por parte de la docente.
Irati Retolaza organizó y dirigió el
taller de Grabado a la punta seca en
acetato.
Irati Retolaza
2021.11.22 > 2021.11.25
Irati Retolaza’s drypoint engraving on
acetate workshop provided an intro-
duction to engraving using the direct
drypoint method. The participants
worked on the different creation
phases: preparing the matrix, inking
and printing. The necessary techni-
cal and theoretical knowledge was
provided in order to understand the
technique and for the participants to
put it into practice themselves thanks
to its non-toxicity. Using a plastic sup-
port (acetate) as the matrix which was
prepared using different tools. Special
mention should be made of the line
and stain that, starting from the draw-
ing, allowed the students to work in an
abstract and figurative language.
The programme was divided into four
sessions, started with a theoretical in-
troduction, before then moving on to
a practical demonstration to become
familiar with the technique, its tools
and materials, in order to produce a
first matrix. Thus, after preparing the
paper, inks, the registration system
and the adjustments made to the
screw press, printing could begin. Af-
ter assessing the initial results, each
student focused on preparing on their
personal work and receiving individual
feedback from the instructors.
Irati Retolaza organised and ran the
drypoint engraving on acetate work-
shop.
253
 JARDUERAK
ACTIVIDADES
ACTIVITIES

Urtarrilak 14 - Urtarrilak 29
EL HUÉSPED
¿SI NO AHORA, CUÁNDO?
Talde erakusketa
BlackKamera-rekin lankidetzan
Urtarrilak 15 - Otsailak 12
SUSURROS, SUSTRATOS Y
SUSTANCIAS
Saioa Olmo Alonso
Otsailak 19 - Martxoak 18
DESDOMÉSTICA
Estibaliz Sádaba Murguía
Martxoak 26 - Apirilak 30
EGGS ONNA PLATE
Alazne Zubizarreta
Maiatzak 7 - Ekainak 4
ZALDIA ZELAN HIL
Katixa Goldarazena,
Ibai Madariaga eta Miel Oyarzabal
Ekainak 11 - Uztailak 9
INVOCAR LO CURSI
Eduardo Hurtado
Ekainak 28 - Ekainak 29
UDAKO ATE IREKIAK
Talde erakusketa
Uztailak 16 - Abuztuak 27
SOPLO. ARNASKETA SAIAKERAK
María Ibarretxe, Susana Talayero,
Charo Garaigorta, Helena Goñi eta
Eduardo Sourrouille
Uztailak 27
BAZEN BEHIN… OPERA
Angéline Danel, Marion Desjacques
eta Jon Casamayor-en ikuskizuna
Abuztuak 4
GREEN SONGS
María Ibarretxe, Combo Vocal
Bilbao-Musika, Natalia Wang,
Arrate Bayer, Natalia Gómez-Acebo
eta Jorge Peñagarikanoren
kontzertua
Abuztuak 6 - Abuztuak 13
BAGI! - LA ENREDADERA
Talde erakusketa
Abuztuak 26
BAGI! - CORREN MALOS TIEMPOS
Erakusketak eta ikuskizunak
Exposiciones y espectáculos
Exhibitions and shows
14 de enero - 29 de enero
EL HUÉSPED
¿SI NO AHORA, CUÁNDO?
Exposición colectiva
En colaboración con BlackKamera
15 de enero - 12 de febrero
SUSURROS, SUSTRATOS Y
SUSTANCIAS
Saioa Olmo Alonso
19 de febrero - 18 de marzo
DESDOMÉSTICA
Estibaliz Sádaba Murguía
26 de marzo - 30 de abril
EGGS ONNA PLATE
Alazne Zubizarreta
7 de mayo - 4 de junio
ZALDIA ZELAN HIL
Katixa Goldarazena,
Ibai Madariaga y Miel Oyarzabal
11 de junio - 9 de julio
INVOCAR LO CURSI
Eduardo Hurtado
28 de junio - 29 de junio
PUERTAS ABIERTAS DE VERANO
Exposición colectiva
16 de julio - 27 de agosto
SOPLO. ARNASKETA SAIAKERAK
María Ibarretxe, Susana Talayero,
Charo Garaigorta, Helena Goñi y
Eduardo Sourrouille
27 de julio
ÉRASE UNA VEZ… LA ÓPERA
Espectáculo de Angéline Danel,
Marion Desjacques y Jon Casamayor
4 de agosto
GREEN SONGS
Concierto de María Ibarretxe,
Combo Vocal Bilbao-Musika,
Natalia Wang, Arrate Bayer,
Natalia Gómez-Acebo y
Jorge Peñagarikano
6 de agosto - 13 de agosto
BAGI! - LA ENREDADERA
Exposición colectiva
26 de agosto
BAGI! - CORREN MALOS TIEMPOS
January 14th - January 29th
EL HUÉSPED
¿SI NO AHORA, CUÁNDO?
Collective exhibition
In collaboration with BlackKamera
January 15th - February 12th
SUSURROS, SUSTRATOS Y
SUSTANCIAS
Saioa Olmo Alonso
February 19th - March 18th
DESDOMÉSTICA
Estibaliz Sádaba Murguía
March 26th - April 30th
EGGS ONNA PLATE
Alazne Zubizarreta
May 7th - June 4th
ZALDIA ZELAN HIL
Katixa Goldarazena,
Ibai Madariaga & Miel Oyarzabal
June 11th - July 9th
INVOCAR LO CURSI
Eduardo Hurtado
June 28th - June 29th
SUMMER OPEN DOORS
Collective exhibition
July 16th - August 27th
SOPLO. ARNASKETA SAIAKERAK
María Ibarretxe, Susana Talayero,
Charo Garaigorta, Helena Goñi &
Eduardo Sourrouille
July 27th
BAZEN BEHIN… OPERA
Spectacle of Angéline Danel,
Marion Desjacques & Jon Casamayor
August 4th
GREEN SONGS
Concert of María Ibarretxe,
Combo Vocal Bilbao-Musika,
Natalia Wang, Arrate Bayer,
Natalia Gómez-Acebo &
Jorge Peñagarikano
August 6th - August 13th
BAGI! - LA ENREDADERA
Collective exhibition
August 26th
BAGI! - CORREN MALOS TIEMPOS
259
 PARA LOS CUERPOS
Talde performancea
Irailak 3 - Urriak 1
UNDER THE SHADOW OF AZKORRI
Eszter Katalin
Urriak 8 - Urriak 29
TELE.(GRAM) : BASOAREN
FREKUENTZIAK
Jessica Wetherly
Urriak 14 - Urriak 15
BAGI! - PANDEMONIO.
MONSTRUOS CONTEMPORÁNEOS
Talde erakusketa + fanzinea
Urriak 25 - Urriak 28
ACQUA ALTA. CROSSING THE MIRROR
Adrien M & Claire B
Zinetika-rekin lankidetzan
Urriak 25 - Urriak 28
EXPERIMENTOBIO 2021
Santiago Doljanin eta
Shaikh Azmir Ahmed Sizan
MEM-ekin lankidetzan
Azaroak 3 - Azaroak 12
POPULATION 0
Alexia Macia
Institut Français-ekin lankidetzan
Azaroak 5 - Azaroak 26
I DO HAVE SEEN SOME OBJETO VOLA­
DOR NO IDENTIFICADOS DO YOU?
Ander Sagastiberri
Azaroak 15 - Azaroak 19
BAGI! - DE LA MEMORIA AL CINE,
SIN OLVIDAR LA ABSTRACCIÓN
Talde erakusketa
Azaroak 16 - Azaroak 17
GAUNT + ISLA
RADITHOR + OBSCURUM INFAME
Kontzertuak
MEM-ekin lankidetzan
Azaroak 18
IRUDIA (IRUDIA EGIN! proiektua)
Maialen Belaustegi (Dodoma),
Blanca Ortiga eta Jatsu
Argarateren live cinema
ikuskizuna
Abenduak 9 - Abenduak 17
ATEAK ZABALIK 2021
Talde erakusketa
260
PARA LOS CUERPOS
Performance colectiva
3 de septiembre - 1 de octubre
UNDER THE SHADOW OF AZKORRI
Eszter Katalin
8 de octubre - 29 de octubre
TELE.(GRAM) : FRECUENCIAS DEL
BOSQUE
Jessica Wetherly
14 de octubre - 15 de octubre
BAGI! - PANDEMONIO.
MONSTRUOS CONTEMPORÁNEOS
Exposición colectiva + fanzine
25 de octubre - 28 de octubre
ACQUA ALTA. CROSSING THE MIRROR
Adrien M & Claire B
En colaboración con Zinetika
25 de octubre - 28 de octubre
EXPERIMENTOBIO 2021
Santiago Doljanin y
Shaikh Azmir Ahmed Sizan
En colaboración con MEM
3 de noviembre - 12 de noviembre
POPULATION 0
Alexia Macia
En colaboración con Institut Français
5 de noviembre - 26 de noviembre
I DO HAVE SEEN SOME OBJETO VOLA­
DOR NO IDENTIFICADOS DO YOU?
Ander Sagastiberri
15 de noviembre - 19 de noviembre
BAGI! - DE LA MEMORIA AL CINE,
SIN OLVIDAR LA ABSTRACCIÓN
Exposición colectiva
16 de noviembre - 17 de noviembre
GAUNT + ISLA
RADITHOR + OBSCURUM INFAME
Conciertos
En colaboración con MEM
18 de noviembre
IRUDIA (Proyecto IRUDIA EGIN!)
Espectáculo live cinema de
Maialen Belaustegi (Dodoma),
Blanca Ortiga y Jatsu Argarate
9 de diciembre - 17 de diciembre
PUERTAS ABIERTAS 2021
Exposición colectiva
PARA LOS CUERPOS
Collective performance
September 3rd - October 1st
UNDER THE SHADOW OF AZKORRI
Eszter Katalin
October 8th - October 29th
TELE.(GRAM) : FREQUENCIES OF
THE FOREST
Jessica Wetherly
October 14th - October 15th
BAGI! - PANDEMONIO
MONSTRUOS CONTEMPORÁNEOS
Collective Exhibition + fanzine
October 25th - October 28th
ACQUA ALTA. CROSSING THE MIRROR
Adrien M & Claire B
In collaboration with Zinetika
October 25th - October 28th
EXPERIMENTOBIO 2021
Santiago Doljanin &
Shaikh Azmir Ahmed Sizan
In collaboration with MEM
November 3rd - November 12th
POPULATION 0
Alexia Macia
In collaboration with Institut Français
November 5th - November 26th
I DO HAVE SEEN SOME OBJETO VOLA­
DOR NO IDENTIFICADOS DO YOU?
Ander Sagastiberri
November 15th - November 19th
BAGI! - DE LA MEMORIA AL CINE,
SIN OLVIDAR LA ABSTRACCIÓN
Collective exhibition
November 16th - November 17th
GAUNT + ISLA
RADITHOR + OBSCURUM INFAME
Concerts
In collaboration with MEM
November 18th
IRUDIA (IRUDIA EGIN! project)
Live cinema espectacle by
Maialen Belaustegi (Dodoma),
Blanca Ortiga & Jatsu Argarate
December 9th - December 17th
OPEN STUDIOS 2021
Collective exhibition

Urtarrilak 20
Ekintza-artea eta bideo topaketa:
«Performar la pandemia»
Endika Basaguren
Urtarrilak 26 - Urtarrilak 29
Tailerra: «Fabrikazio digitala
BilbaoArteko Medialabean»
Jon Bilbao
Urtarrilak 26
Masterclass: «Imágenes y
palabras: la fotografía en otro
formato»
Erika Ede
Otsailak 1- Otsailak 5
Kontaktu bidezko irudiak egiteko
tailerra: «Los paisajes invisibles»
Anaïs Boudot
Apirilak 14
Proiektu dokumentalaren
aurkezpena: «LANAK, cambios
de paradigma en las tipologías
laborales»
Itxaso Díaz
Apirilak 19 - Maiatzak 4
Mintegia: «Políticas públicas
de una emoción: visiones
contemporáneas del miedo
desde el arte eta la filosofía»
Fernando Bayón
Maiatzak 12
Proiekzioa eta topaketa:
«Political Advertisement X»
Antoni Muntadas eta Iñaki Esteban
Maiatzak 24 - Maiatzak 26
Arte Ederretako Fakultatearen
(UPV/EHU) Masterreko lanen
aurkezpena: «X. Ikerketarekin
topaketak»
Maiatzak 24
Cotidianidad eta kitsch en el en-
torno ciudad Bilbao y el souvenir
Sara Pérez Becerra
La playa
Maddi Saray
Maiatzak 25
Patrimonio gráfico del cartelismo
político en Euskal Herria durante
Ikastaroak, mintegiak eta hitzaldiak
Cursos, seminarios y conferencias
Courses, seminars and talks
20 de enero
Encuentro de arte de acción y
vídeo: «Performar la pandemia»
Endika Basaguren
26 de enero - 29 de enero
Taller: «Fabricación digital en el
Medialab de BilbaoArte»
Jon Bilbao
26 de enero
Masterclass: «Imágenes y
palabras: la fotografía en otro
formato»
Erika Ede
1 de febrero - 5 de febrero
Taller de elaboración de imáge-
nes por contacto: «Los paisajes
invisibles»
Anaïs Boudot
14 de abril
Presentación del proyecto
documental: «LANAK, cambios
de paradigma en las tipologías
laborales»
Itxaso Díaz
19 de abril - 4 de mayo
Seminario: «Políticas públicas
de una emoción: visiones
contemporáneas del miedo
desde el arte y la filosofía»
Fernando Bayón
12 de mayo
Proyección y encuentro:
«Political Advertisement X»
Antoni Muntadas e Iñaki Esteban
24 de mayo - 26 de mayo
Presentación de trabajos de
Máster de la Facultad de Bellas
Artes (UPV/EHU): «X. Encuentros
con la investigación»
24 de mayo
Cotidianidad y kitsch en el entor-
no ciudad Bilbao y el souvenir
Sara Pérez Becerra
La playa
Maddi Saray
25 de mayo
Patrimonio gráfico del cartelismo
político en Euskal Herria durante
January 20th
Performance and video encounter:
«Performar la pandemia»
Endika Basaguren
January 26th - January 29th
Workshop: «Digital making in
BilbaoArte's Medialab»
Jon Bilbao
January 26th
Masterclass: «Imágenes y
palabras: la fotografía en otro
formato»
Erika Ede
February 1st - February 5th
Image processing by contact
workshop: «Los paisajes invisi-
bles»
Anaïs Boudot
April 14th
Presentation of the documentary
project: «LANAK, cambios de
paradigma en las tipologías
laborales»
Itxaso Díaz
April 19th - May 4th
Seminar: «Políticas públicas
de una emoción: visiones
contemporáneas del miedo
desde el arte y la filosofía»
Fernando Bayón
May 12th
Screening and encounter:
«Political Advertisement X»
Antoni Muntadas e Iñaki Esteban
May 24th - May 26th
Presentation of Master’s degree
works from the Faculty of Fine
Arts (UPV/EHU): «X. Encounters
with the investigation»
May 24th
Cotidianidad y kitsch en el entor-
no ciudad Bilbao y el souvenir
Sara Pérez Becerra
La playa
Maddi Saray
May 25th
Patrimonio gráfico del cartelismo
político en Euskal Herria durante
263
 la transición democrática
Asier Aguayo Cintora
ESTRATO
Ensayo para la oscuridad
Yohnattan Mignot
Maiatzak 26
Formas de aproximación (Aunque
seguramente ya es otra cosa)
Miguel Alejos
BATSO
Jon Ander Terroba Expósito
2 Ekainak - 7 Uztailak
Seminario: «Quinquis, macarras
y skaters. Rastros del punk en el
arte contemporáneo»
Dante Litvak eta Fabro Tranchida
(Los Picoletos)
Ekainak 3 - Ekainak 4
Haurrentzako ipuin mintegia:
«La mirada infinita»
Pablo Albo
Euskal Irudigileak-ekin lankidetzan
4 Ekainak
Pablo Alborekin topaketa
Ekainak 16 - Uztailak 9
«Gabinete de humusidades
culturales eta semillas raras»
Ekainak 16 - Ekainak 18
Mintegia
Oihane Sánchez, Ane Seijas,
Andrea Estankona, Laura Díez,
Arturo/Fito Rodríguez,
Igor Rezola, Haizea Barcenilla,
Raquel Asensi, Arantza Lauzirika,
Iker Fidalgo, Natxo Rodríguez,
Maria Muriedas, María Salazar,
Daniel Muñoz, MawatreS eta
Ricardo Antón
Uztailak 7 - Uztailak 9
Ko-sormen tailerra
Oihane Sánchez Duro
Uztailak 1 - Uztailak 2
Mintegia: «Gestualidad en
las narrativas audiovisuales:
corporeizando emociones a
través del lenguaje no-verbal»
Lola Martínez, Concha García,
Marta Pinilla, Amaia Molinet,
Sata García, Tonia Raquejo,
Amaia Salazar, Rodrigo Flechoso,
Richard Sahagún, Nuria Valiente,
Nagore Landeta, Paule Barcenilla,
Irati Inoriza eta Selam Ortega
Universidad Complutense de
264
la transición democrática
Asier Aguayo Cintora
ESTRATO
Ensayo para la oscuridad
Yohnattan Mignot
26 de mayo
Formas de aproximación (Aunque
seguramente ya es otra cosa)
Miguel Alejos
BATSO
Jon Ander Terroba Expósito
2 de junio - 7 de julio
Seminario: «Quinquis, macarras
y skaters. Rastros del punk en el
arte contemporáneo»
Dante Litvak y Fabro Tranchida
(Los Picoletos)
3 de junio - 4 de junio
Seminario de cuentos infantiles:
«La mirada infinita»
Pablo Albo
En colaboración con Euskal Irudigileak
4 de junio
Encuentro con Pablo Albo
16 de junio - 9 de julio
«Gabinete de humusidades
culturales y semillas raras»
16 de junio - 18 de junio
Seminario
Oihane Sánchez, Ane Seijas,
Andrea Estankona, Laura Díez,
Arturo/Fito Rodríguez,
Igor Rezola, Haizea Barcenilla,
Raquel Asensi, Arantza Lauzirika,
Iker Fidalgo, Natxo Rodríguez,
Maria Muriedas, María Salazar,
Daniel Muñoz, MawatreS y
Ricardo Antón
7 de julio - 9 de julio
Taller de co-creación
Oihane Sánchez Duro
1 de julio - 2 de julio
Seminario: «Gestualidad en
las narrativas audiovisuales:
corporeizando emociones a
través del lenguaje no-verbal»
Lola Martínez, Concha García,
Marta Pinilla, Amaia Molinet,
Sata García, Tonia Raquejo,
Amaia Salazar, Rodrigo Flechoso,
Richard Sahagún, Nuria Valiente,
Nagore Landeta, Paule Barcenilla,
Irati Inoriza y Selam Ortega
En colaboración con la Facultad
la transición democrática
Asier Aguayo Cintora
ESTRATO
Ensayo para la oscuridad
Yohnattan Mignot
May 26th
Formas de aproximación (Aunque
seguramente ya es otra cosa)
Miguel Alejos
BATSO
Jon Ander Terroba Expósito
June 2nd - July 7th
Seminar: «Quinquis, macarras y
skaters. Rastros del punk en el
arte contemporáneo»
Dante Litvak & Fabro Tranchida
(Los Picoletos)
June 3rd - June 4th
Children's stories workshop:
«La mirada infinita»
Pablo Albo
In collaboration with Euskal Irudigileak
June 4th
Encounter with Pablo Albo
June 16th - July 9th
«Gabinete de humusidades
culturales y semillas raras»
June 16th - June 18th
Seminar
Oihane Sánchez, Ane Seijas,
Andrea Estankona, Laura Díez,
Arturo/Fito Rodríguez,
Igor Rezola, Haizea Barcenilla,
Raquel Asensi, Arantza Lauzirika,
Iker Fidalgo, Natxo Rodríguez,
Maria Muriedas, María Salazar,
Daniel Muñoz, MawatreS &
Ricardo Antón
July 7th - July 9th
Co-creation workshop
Oihane Sánchez Duro
July 1st - July 2nd
Seminar: «Gestualidad en
las narrativas audiovisuales:
corporeizando emociones a
través del lenguaje no-verbal»
Lola Martínez, Concha García,
Marta Pinilla, Amaia Molinet,
Sata García, Tonia Raquejo,
Amaia Salazar, Rodrigo Flechoso,
Richard Sahagún, Nuria Valiente,
Nagore Landeta, Paule Barcenilla,
Irati Inoriza y Selam Ortega
In collaboration with the Faculty
 Madrid-eko Arte Ederretako
Fakultatearekin lankidetzan
Uztailak 8- Uztailak 22
«Pandemonio. Retóricas icono-
gráficas en tiempos convulsos»
Uztailak 8 - Uztailak 9
Mintegia
Leticia Gaspar, Marta Piñol,
Iñaki Arzoz eta Txaro Arrazola
Uztailak 14 - Uztailak 22
Munstroak sortzeko tailerra
Leticia Gaspar eta Raquel Meyers
Uztailak 21 - Uztailak 30
«La enredadera. Materialidades
cerámicas contemporáneas»
Uztailak 21
Tailerra: «Ceramic Bending»
Maite Leyún
Uztailak 22
Tailerra: «Tecnodiversidades
sonoras cerámicas»
Saray Pérez Castilla
Uztailak 23
Tailerra: «Rituales en porcelana»
Ane Takitto
Uztailak 27
Tailerra: «Refugios»
Rut Moreta Martín
Uztailak 28
Tailerra: «Intuición, sorpresa eta
modelado»
Raisa Álava
Uztailak 29
Tailerra: «Laboratorio alquimia»
Lucía Díaz Barrales
Uztailak 30
Tailerra: «La cerámica como
extensión corporal»
Raquel Asensi
Uztailak 21 - Uztailak 30
«La enredadera»-ko topaketak
Maite Leyún, Saray Pérez Castilla,
Ane Takitto, Rut Moreta Martín,
Raisa Álava, Lucía Díaz Barrales
eta Raquel Asensi
Abuztuak 19 - Abuztuak 20
Ikastaroa: «Un paseo por la per-
formance vasca contemporánea»
Patricia López
Abuztuak 23 - Abuztuak 26
Performance jaialdia: «Corren
malos tiempos para los cuerpos»
Abuztuak 23
Performancearen hastapenei
de Bellas Artes de la Universidad
Complutense de Madrid
8 de julio - 22 de julio
«Pandemonio. Retóricas icono-
gráficas en tiempos convulsos»
8 de julio - 9 de julio
Seminario
Leticia Gaspar, Marta Piñol,
Iñaki Arzoz y Txaro Arrazola
14 de julio - 22 de julio
Taller de creación de monstruos
Leticia Gaspar y Raquel Meyers
21 de julio - 30 de julio
«La enredadera. Materialidades
cerámicas contemporáneas»
21 de julio
Taller: «Ceramic Bending»
Maite Leyún
22 de julio
Taller: «Tecnodiversidades sono-
ras cerámicas»
Saray Pérez Castilla
23 de julio
Taller: «Rituales en porcelana»
Ane Takitto
27 de julio
Taller: «Refugios»
Rut Moreta Martín
28 de julio
Taller: «Intuición, sorpresa y
modelado»
Raisa Álava
29 de julio
Taller: «Laboratorio alquimia»
Lucía Díaz Barrales
30 de julio
Taller: «La cerámica como exten-
sión corporal»
Raquel Asensi
21 de julio - 30 de julio
Encuentros de «La enredadera»
Maite Leyún, Saray Pérez Castilla,
Ane Takitto, Rut Moreta Martín,
Raisa Álava, Lucía Díaz Barrales y
Raquel Asensi
19 de agosto - 20 de agosto
Curso: «Un paseo por la perfor-
mance vasca contemporánea»
Patricia López
23 de agosto - 26 de agosto
Festival de performance: «Corren
malos tiempos para los cuerpos»
23 de agosto
Taller de iniciación a la
of Fine Arts of the Universidad
Complutense of Madrid
July 8th - July 22nd
«Pandemonio. Retóricas icono-
gráficas en tiempos convulsos»
July 8th - July 9th
Seminar
Leticia Gaspar, Marta Piñol,
Iñaki Arzoz & Txaro Arrazola
July 14th - July 22nd
Workshop of monsters creation
Leticia Gaspar & Raquel Meyers
July 21st - July 30st
«La enredadera. Materialidades
cerámicas contemporáneas»
July 21st
Workshop: «Ceramic Bending»
Maite Leyún
July 22nd
Workshop:«Tecnodiversidades
sonoras cerámicas»
Saray Pérez Castilla
July 23rd
Workshop: «Rituales en porcelana»
Ane Takitto
July 27th
Workshop:«Refugios»
Rut Moreta Martín
July 28th
Workshop:«Intuición, sorpresa y
modelado»
Raisa Álava
July 29th
Workshop: «Laboratorio alquimia»
Lucía Díaz Barrales
July 30th
Workshop: «La cerámica como
extensión corporal»
Raquel Asensi
July 21st - July 30th
Encounters of «La enredadera»
Maite Leyún, Saray Pérez Castilla,
Ane Takitto, Rut Moreta Martín,
Raisa Álava, Lucía Díaz Barrales &
Raquel Asensi
August 19th - August 20th
Course: «Un paseo por la perfor-
mance vasca contemporánea»
Patricia López
August 23rd - August 26th
Performance festival: «Corren
malos tiempos para los cuerpos»
August 23rd
Introductory performance
265
 buruzko tailerra
Isabel León
Abuztuak 24 - Abuztuak 25
Proiekzio zikloa eta topaketa
Ramón Churruca, Esther Ferrer,
Josu Rekalde eta Endika Basaguren
Abuztuak 26
Talde performancea (zuzenezko
eta streaming-eko akzioarekin)
Endika Basaguren, Mattin Artiach,
Ramón Churruca / Ramón Quanta,
Jordina Ros, Pere Estadella,
Héctor Canonge, Ana Esmith /
Miss Beige, Verónica Peña,
Elia Torrecilla eta Isabel León
Irailak 8 - Irailak 16
«ART+ Cuadernos de arte expan-
dido y tecnológico»
Irailak 8 - Irailak 10
Tailerra
Estudio Gheada
Irailak 14 - Irailak 16
Hitzaldi zikloa
Estudio Gheada, Amaia Vicente,
Polymorf, Tunipanea eta
RaumZeitPiraten
Irailak 14 - Irailak 17
Ilustrazio-ikastaro intentsiboak:
«Cursos Bonitos 2021:
Un cuaderno de viaje»
Editorial Bonito-rekin lankidetzan
Irailak 15
Javier Zabalarekin topaketa
Irailak 16
Jesús Cisnerosekin topaketa
Irailak 20 - Irailak 24
«/ geLAN / Una propuesta de
LAN Festival Audiovisual Obrero»
Emovere Elkartea
Irailak 20 - Irailak 21
Tailerra: «Metralla audiovisual»
Beatriz Sánchez / Loopitas
Irailak 22
LAN argitalpen proiektuaren
aurkezpena
Camilo Torres, MawatreS,
Silvia Jiménez, Rosalina Nespral,
Adrián Piedra, Marian Infante,
Oksana Pohrebennyk
eta Bárbara Camhi
Bideoen ikustea eta elkarrizketa
Skype bidez
Héctor Zamora eta Saioa Olmo
Irailak 23 - Irailak 24
Tailerra: «Un cuerpo que se une»
Javier-Perez Curiel / Chavezito
266
performance
Isabel León
24 de agosto - 25 de agosto
Ciclo de proyecciones y encuentro
Ramón Churruca, Esther Ferrer,
Josu Rekalde y Endika Basaguren
26 de agosto
Performance coral (con acción en
directo y en streaming)
Endika Basaguren, Mattin Artiach,
Ramón Churruca / Ramón Quanta,
Jordina Ros, Pere Estadella,
Héctor Canonge, Ana Esmith /
Miss Beige, Verónica Peña,
Elia Torrecilla e Isabel León
8 de septiembre - 16 de septiembre
«ART+ Cuadernos de arte expan-
dido y tecnológico»
8 de septiembre - 10 de septiembre
Taller
Estudio Gheada
14 de septiembre - 16 de septiembre
Ciclo de conferencias
Estudio Gheada, Amaia Vicente,
Polymorf, Tunipanea y
RaumZeitPiraten
14 de septiembre - 17 de septiembre
Cursos intensivos de ilustración:
«Cursos Bonitos 2021:
Un cuaderno de viaje»
En colaboración con Editorial Bonito
15 de septiembre
Encuentro con Javier Zabala
16 de septiembre
Encuentro con Jesús Cisneros
20 de septiembre - 24 de septiembre
«/ geLAN / Una propuesta de
LAN Festival Audiovisual Obrero»
Asociación Emovere
20 de septiembre - 21 de septiembre
Taller: «Metralla audiovisual»
Beatriz Sánchez / Loopitas
22 de septiembre
Presentación del proyecto de
publicación LAN
Camilo Torres, MawatreS,
Silvia Jiménez, Rosalina Nespral,
Adrián Piedra, Marian Infante,
Oksana Pohrebennyk
y Bárbara Camhi
Visionado de vídeos y diálogo vía
Skype
Héctor Zamora y Saioa Olmo
23 de septiembre - 24 de septiembre
Taller: «Un cuerpo que se une»
Javier-Perez Curiel / Chavezito
workshop
Isabel León
August 24th - August 25th
Screening cycle and encounter
Ramón Churruca, Esther Ferrer,
Josu Rekalde & Endika Basaguren
August 26th
Collective performance (with live
and streaming action)
Endika Basaguren, Mattin Artiach,
Ramón Churruca / Ramón Quanta,
Jordina Ros, Pere Estadella,
Héctor Canonge, Ana Esmith /
Miss Beige, Verónica Peña,
Elia Torrecilla & Isabel León
September 8th- September 16th
«ART+ Cuadernos de arte expan-
dido y tecnológico»
September 8th- September 10th
Workshop
Estudio Gheada
September 14th- September 16th
Talk cycle
Estudio Gheada, Amaia Vicente,
Polymorf, Tunipanea &
RaumZeitPiraten
September 14th - September 17th
Illustration intensive workshops:
«Cursos Bonitos 2021:
Un cuaderno de viaje»
In collaboration with Editorial Bonito
September 15th
Encounter with Javier Zabala
September 16th
Encounter g with Jesús Cisneros
September 20th - September 24th
«/ geLAN / Una propuesta de
LAN Festival Audiovisual Obrero»
Asociación Emovere
September 20th - September 21st
Workshop: «Metralla audiovisual»
Beatriz Sánchez / Loopitas
September 22nd
Presentation of the project of
publication LAN
Camilo Torres, MawatreS,
Silvia Jiménez, Rosalina Nespral,
Adrián Piedra, Marian Infante,
Oksana Pohrebennyk
& Bárbara Camhi
Video viewing and dialogue via
Skype
Héctor Zamora & Saioa Olmo
September 23th - September 24th
Workshop: «Un cuerpo que se une»
Javier-Perez Curiel / Chavezito
Irailak 27 - Urriak 8
«Escrituras liminares. Estrategias
cruzadas de formación del
lenguaje en la era digital»
Irailak 27
Programari sarrera
Catherine Foulkrodekin
Irailak 28 - Irailak 30
Nerea Lekuonaren tailerra
Irailak 30
Topaketa con Nerea Lekuona eta
Ada Kobusiewiczekin topaketa
Urriak 1 - Urriak 5
Ada Kobusiewiczen tailerra
Urriak 5
Ada Kobusiewicz eta Alberto
Lomasekin topaketa
Urriak 6 - Urriak 8
Alberto Lomasen tailerra,
David Hornback, Amaia Vicente
eta Ismael Iglesias-ekin
Urriak 13 - Urriak 22
«Una habitación propia: debates
feministas en torno a las prácti-
cas artísticas sobre identidades y
subjetividades»
Lempicka y Asociadas
Urriak 13 - Urriak 15
Eztabaida jardunaldiak
Ane Lekuona, Elssie Ansareo
Haizea Barcenilla, Blanca Ortiga,
Susana Carramiñana, Garazi Ansa,
Esther Ferrer, Bea Aparicio eta
Sra. Polaroiska
Urriak 20 - Urriak 22
Tailerra: «Bailando identidades»
Alaitz Arenzana eta María Ibarretxe
(Sra. Polaroiska)
Urriak 19 - Urriak 22
Animazio tailerra:
«Subvert Pervert Dissent»
Liane Lang
MEM-ekin lankidetzan
Urriak 25 - Urriak 29
Grabatu tailerra:
«Euskal Alfabetoa»
Verónica Domingo-Alonso
Urriak 27
Masterclass: «Miniguía para el
inquieto que llevas dentro»
Loránd János
Zinetikarekin lankidetzan
27 de septiembre - 8 de octubre
«Escrituras liminares. Estrategias
cruzadas de formación del
lenguaje en la era digital»
27 de septiembre
Introducción al programa con
Catherine Foulkrod
28 de septiembre - 30 de septiembre
Taller con Nerea Lekuona
30 de septiembre
Encuentro con Nerea Lekuona y
Ada Kobusiewicz
1 de octubre - 5 de octubre
Taller con Ada Kobusiewicz
5 de octubre
Encuentro con Ada Kobusiewicz y
Alberto Lomas
6 de octubre - 8 de octubre
Taller con Alberto Lomas, con
David Hornback, Amaia Vicente e
Ismael Iglesias
13 de octubre - 22 de octubre
«Una habitación propia: debates
feministas en torno a las prácti-
cas artísticas sobre identidades y
subjetividades»
Lempicka y Asociadas
13 de octubre - 15 de octubre
Jornadas de debate
Ane Lekuona, Elssie Ansareo
Haizea Barcenilla, Blanca Ortiga,
Susana Carramiñana, Garazi Ansa,
Esther Ferrer, Bea Aparicio
y Sra. Polaroiska
20 de octubre - 22 de octubre
Taller: «Bailando identidades»
Alaitz Arenzana y María Ibarretxe
(Sra. Polaroiska)
19 de octubre - 22 de octubre
Taller de animación:
«Subvert Pervert Dissent»
Liane Lang
En colaboración con MEM
25 de octubre - 29 de octubre
Taller de grabado:
«Euskal Alfabetoa»
Verónica Domingo-Alonso
27 de octubre
Masterclass: «Miniguía para el
inquieto que llevas dentro»
Loránd János
En colaboración con Zinetika
September 27th - October 8th
«Escrituras liminares. Estrategias
cruzadas de formación del
lenguaje en la era digital»
September 27th
Introduction to the programme
with Catherine Foulkrod
September 28th - September 30th
Workshop with Nerea Lekuona
30 de septiembre
Encounter with Nerea Lekuona &
Ada Kobusiewicz
October 1st - October 5th
Workshop with Ada Kobusiewicz
October 5th
Encounter with Ada Kobusiewicz
& Alberto Lomas
October 6th - October 8th
Workshop with Alberto Lomas,
David Hornback, Amaia Vicente
& Ismael Iglesias
October 13th - October 22nd
«Una habitación propia: debates
feministas en torno a las prácti-
cas artísticas sobre identidades y
subjetividades»
Lempicka y Asociadas
October 13th - October 15th
Debate sessions
Ane Lekuona, Elssie Ansareo
Haizea Barcenilla, Blanca Ortiga,
Susana Carramiñana, Garazi Ansa,
Esther Ferrer, Bea Aparicio
& Sra. Polaroiska
October 20th - October 22nd
Workshop «Bailando identidades»
Alaitz Arenzana &
María Ibarretxe (Sra. Polaroiska)
October 19th - October 22nd
Animation workshop:
«Subvert Pervert Dissent»
Liane Lang
In collaboration with MEM
October 25th - October 29th
Engraving workshop:
«Euskal Alfabetoa»
Verónica Domingo-Alonso
October 27th
Masterclass: «Miniguía para el
inquieto que llevas dentro»
Loránd János
In collaboration with Zinetika
267
Azaroak 2 - Azaroak 18
«De la memoria al cine, sin
olvidar la abstracción»
Colectivo Sobre Presión
Azaroak 2 - Azaroak 4
Tailerra: «Cómo crear un libro de
artista»
Andrea Alonso
Azaroak 5 - Azaroak 8
Tailerra: «Grabado no tóxico:
seda aguatinta»
Maite Pinto
Azaroak 10 - Azaroak 12
Tailerra: «Del collage al dibujo,
otra forma de atravesar el túnel»
Aristide Stornelli
Azaroak 18
Hitzaldi performatiboa: «ROJO
GERANIO. Una fábula pictórica
en una práctica calcográfica»
Veva Linaza
Azaroak 4 - Azaroak 5
III. Arte kontsarbazioari buruzko
jardunaldiak: «Contigo no bitxo»
Zuhar Iruretagoiena,
Pilar Soberón, Myriam Gesalaga,
David Arteagoitia, Irene Zóttola,
Natxo Rodríguez, Fito Rodríguez,
Patricia Morenés, David Hornback,
Nagore Zalbidea, Ruth del Fresno
eta Coco Guzmán
Azaroak 19
Liburu aurkezpena: «20 tonela-
das (arte contemporáneo para
turistas)»
Luis Izquierdo-Mosso eta
Roberto Moso
Azaroak 19
Topaketa Colectivo Milimborekin
Euskal Irudigileak eta Bizkaia
Design Week 2021-ekin lankidetzan
Azaroak 22 - Azaroak 25
Tailerra: «Grabado a la punta
seca en acetato»
Irati Retolaza
Azaroak 22 - Azaroak 24
Tailerra: «Del plegado al envase»
Mónica Serentill
Bilbao Bizkaia Design Week 2021-
ekin lankidetzan
268
2 de noviembre - 18 de noviembre
«De la memoria al cine, sin
olvidar la abstracción»
Colectivo Sobre Presión
2 de noviembre - 4 de noviembre
Taller: «Cómo crear un libro de
artista»
Andrea Alonso
5 de noviembre - 8 de noviembre
Taller: «Grabado no tóxico:
seda aguatinta»
Maite Pinto
10 de noviembre - 12 de noviembre
Taller: «Del collage al dibujo, otra
forma de atravesar el túnel»
Aristide Stornelli
18 de noviembre
Charla performativa: «ROJO
GERANIO. Una fábula pictórica
en una práctica calcográfica»
Veva Linaza
4 de noviembre - 5 de noviembre
III. Jornadas sobre conservación
de arte contemporáneo:
«Contigo no bitxo»
Zuhar Iruretagoiena,
Pilar Soberón, Myriam Gesalaga,
David Arteagoitia, Irene Zóttola,
Natxo Rodríguez, Fito Rodríguez,
Patricia Morenés, David Hornback,
Nagore Zalbidea, Ruth del Fresno
y Coco Guzmán
19 de noviembre
Presentación de libro: «20 tone-
ladas (arte contemporáneo para
turistas)»
Luis Izquierdo-Mosso y
Roberto Moso
19 de noviembre
Encuentro con Colectivo Milimbo
En colaboración con Euskal
Irudigileak y BBDW2021
22 de noviembre - 25 de noviembre
Taller: «Grabado a la punta seca
en acetato»
Irati Retolaza
22 de noviembre - 24 de noviembre
Taller: «Del plegado al envase»
Mónica Serentill
En colaboración con Bilbao Bizkaia
Design Week 2021
November 2nd - November 18th
«De la memoria al cine, sin
olvidar la abstracción»
Colectivo Sobre Presión
November 2nd - November 4th
Workshop: «Cómo crear un libro
de artista»
Andrea Alonso
November 5th - November 8th
Workshop: «Grabado no tóxico:
seda aguatinta»
Maite Pinto
November 10th - November 12th
Workshop: «Del collage al dibujo,
otra forma de atravesar el túnel»
Aristide Stornelli
November 18th
Performative talk: «ROJO
GERANIO. Una fábula pictórica
en una práctica calcográfica»
Veva Linaza
November 4th - November 5th
III. Conference on conservation
of contemporary art:
«Contigo no bitxo»
Zuhar Iruretagoiena,
Pilar Soberón, Myriam Gesalaga,
David Arteagoitia, Irene Zóttola,
Natxo Rodríguez, Fito Rodríguez,
Patricia Morenés, David Hornback,
Nagore Zalbidea, Ruth del Fresno
& Coco Guzmán
November 19th
Book presentation: «20 tonela-
das (arte contemporáneo para
turistas)»
Luis Izquierdo-Mosso &
Roberto Moso
November 19th
Encounter with Colectivo Milimbo
In collaboration with Euskal
Irudigileak & BBDW2021
November 22nd - November 25th
Workshop: «Grabado a la punta
seca en acetato»
Irati Retolaza
November 22nd - November 24th
Workshop: «Del plegado al envase»
Mónica Serentill
In collaboration with Bilbao Bizkaia
Design Week 2021
 Proiekzioak
Proyecciones
Screenings

«ZINE KLASIKOA, ZINE CICLO «CINE CLÁSICO, CINE «CLASSIC ZINEMA, MODERN
MODERNOA» ZIKLOA MODERNO» ZINEMA» CYCLE
Urtarrilak 8 eta 11 8 y 11 de enero January 8th and 11th
La mano del diablo, La mano del diablo, La mano del diablo,
Maurice Tourneur Maurice Tourneur Maurice Tourneur
Urtarrilak 15 eta 18 15 y 18 de enero January 15th and 18th
Los verdugos también mueren Los verdugos también mueren Los verdugos también mueren
Fritz Lang Fritz Lang Fritz Lang
22 eta 25 22 y 25 de enero January 22th and 25th
Perversidad Perversidad Perversidad
Fritz Lang Fritz Lang Fritz Lang
Urtarrilak 29 eta otsailak 1 29 de enero y 1 de febrero January 29th and February 1st
Fuerza bruta Fuerza bruta Fuerza bruta
Fritz Lang Fritz Lang Fritz Lang
Otsailak 5 eta 8 5 y 8 de febrero February 5th and 8th
La ciudad desnuda La ciudad desnuda La ciudad desnuda
Jules Dassin Jules Dassin Jules Dassin
Otsailak 15 eta 18 15 y 18 de febrero February 15th and 18th
El ídolo caído El ídolo caído El ídolo caído
Carol Reed Carol Reed Carol Reed
Otsailak 19 eta 22 19 y 22 de febrero February 19th and 22th
Ocho sentencias de muerte Ocho sentencias de muerte Ocho sentencias de muerte
Robert Hamer Robert Hamer Robert Hamer
Otsailak 26 eta martxoak 1 26 de febrero y 1 de marzo February 26th y March 1st
Los apuros de un pequeño tren Los apuros de un pequeño tren Los apuros de un pequeño tren
Charles Crichton Charles Crichton Charles Crichton
Martxoak 5 eta 8 5 y 8 de marzo March 5th and 8th
Rififi Rififi Rififi
Jules Dassin Jules Dassin Jules Dassin
Martxoak 12 eta 15 12 y 15 de marzo March 12th and 15th
Rufufú Rufufú Rufufú
Mario Monicelli Mario Monicelli Mario Monicelli
Martxoak 18 eta 22 18 y 22 de marzo March 18th and 22th
Los ojos sin rostro Los ojos sin rostro Los ojos sin rostro
Georges Franjú Georges Franjú Georges Franjú
Martxoak 26 eta 29 26 y 29 de marzo March 26th and 29th
El fotógrafo del pánico El fotógrafo del pánico El fotógrafo del pánico
Michael Powell Michael Powell Michael Powell

LEHEN ASTEAZKENEKO HITZORDUA: LA CITA DEL PRIMER MIÉRCOLES: FIRST WEDNESDAY'S APPOINTMENT
EUSKARAZKO AZPITITULUDUN ZINEA CINE SUBTITULADO EN EUSKERA CINEMA SUBTITLED IN BASQUE
Filmazpit-ekin lankidetzan En colaboración con Filmazpit In collaboration with Filmazpit
Urtarrilak 13 13 de enero January 13th
Orion: Errege izango zen gizona Orion: Errege izango zen gizona Orion: Errege izango zen gizona
Jeanie Finlay Jeanie Finlay Jeanie Finlay
Otsailak 3 3 de febrero February 3rd
MUTAFUKAZ MUTAFUKAZ MUTAFUKAZ
Shojiro Nishimi, Shojiro Nishimi, Shojiro Nishimi,
Guillaume Run Renard Guillaume Run Renard Guillaume Run Renard
Martxoak 3 3 de marzo March 3rd
#EMAKUMEEN PLAZERA #EMAKUMEEN PLAZERA #EMAKUMEEN PLAZERA
Barbara Miller Barbara Miller Barbara Miller
Apirilak 7 7 de abril April 7th
Dilili Parisen Dilili Parisen Dilili Parisen
Michel Ocelot Michel Ocelot Michel Ocelot

271
Maiatzak 5 5 de mayo May 5th
Loving Vincent Loving Vincent Loving Vincent
Dorota Kobiela, Hugh Welchman Dorota Kobiela, Hugh Welchman Dorota Kobiela, Hugh Welchman
Ekainak 2 2 de junio June 2nd
Hamada Hamada Hamada
Eloy Domínguez Serén Eloy Domínguez Serén Eloy Domínguez Serén
Uztailak 7 7 de julio July 7th
Beltza naiz Beltza naiz Beltza naiz
Fermín Muguruza Fermín Muguruza Fermín Muguruza
Abuztuak 4 4 de agosto August 4th
No more tour No more tour No more tour
Fermín Muguruza Fermín Muguruza Fermín Muguruza
Irailak 1 1 de septiembre September 1st
Blaze Blaze Blaze
Ethan Hawke Ethan Hawke Ethan Hawke
Urriak 6 6 de octubre October 6th
A dog called Money A dog called Money A dog called Money
Seamus Murphy Seamus Murphy Seamus Murphy
Azaroak 3 3 de noviembre November 3rd
Ghost train Ghost train Ghost train
Lee Cronin Lee Cronin Lee Cronin
Quenottes Quenottes Quenottes
Gil Pinheiro, Pascal Thiebaux Gil Pinheiro, Pascal Thiebaux Gil Pinheiro, Pascal Thiebaux
Voice over Voice over Voice over
Martín Rosete Martín Rosete Martín Rosete
Wild love Wild love Wild love
MegaComputeur, Paul Autric, MegaComputeur, Paul Autric, MegaComputeur, Paul Autric,
Quentin Camus, Léa Georges, Quentin Camus, Léa Georges, Quentin Camus, Léa Georges,
Maryka Laudet, Zoé Sottiaux, Maryka Laudet, Zoé Sottiaux, Maryka Laudet, Zoé Sottiaux,
Corentin Yvergniaux Corentin Yvergniaux Corentin Yvergniaux
Brutal relax Brutal relax Brutal relax
Adrián Cardona, Rafa Dengrá, Adrián Cardona, Rafa Dengrá, Adrián Cardona, Rafa Dengrá,
David Muñoz David Muñoz David Muñoz
Helsinki mansplaining massacre Helsinki mansplaining massacre Helsinki mansplaining massacre
Ilja Rautsi Ilja Rautsi Ilja Rautsi
Hirugarren emaztea Hirugarren emaztea Hirugarren emaztea
Ash Mayfair Ash Mayfair Ash Mayfair
Abenduak 1 1 de diciembre December 1st
Nevia Nevia Nevia
Nunzia De Stefano Nunzia De Stefano Nunzia De Stefano

AZKEN ASTEAZKENEKO HITZORDUA: LA CITA DEL ÚLTIMO MIÉRCOLES: LAST WEDNESDAY'S APPOINTMENT:
FRANTZIAKO ZINE KLASIKOA CINE CLÁSICO FRANCÉS CLASSIC FRENCH CINEMA
Institut Français-ekin lankidetzan En colaboración con Institut Français In collaboration with Institut Français
Urtarrilak 27 27 de enero January 27th
Lancelot du lac Lancelot du lac Lancelot du lac
Robert Bresson Robert Bresson Robert Bresson
Otsailak 24 24 de febrero February 24th
Roubaix, une lumière Roubaix, une lumière Roubaix, une lumière
Arnaud Desplechin Arnaud Desplechin Arnaud Desplechin
Martxoak 31 31 de marzo March 31st
De chaque instant De chaque instant De chaque instant
Nicolas Philibert Nicolas Philibert Nicolas Philibert
Apirilak 28 28 de abril April 28th
Le doulos Le doulos Le doulos
Jean-Pierre Melville Jean-Pierre Melville Jean-Pierre Melville
Maiatzak 26 26 de mayo May 26th
Milou en Mai Milou en Mai Milou en Mai

272
 Louis Malle Louis Malle Louis Malle
Ekainak 30 30 de junio June 30th
Diario de un cura rural Diario de un cura rural Diario de un cura rural
Robert Bression Robert Bression Robert Bression
Uztailak 28 28 de julio July 28th
Monsieur Klein Monsieur Klein Monsieur Klein
Joseph Losey Joseph Losey Joseph Losey
Abuztuak 25 eta 26 25 y 26 de agosto August 25th and 26th
L’Argent L’Argent L’Argent
Robert Bresson Robert Bresson Robert Bresson
Irailak 29 29 de septiembre September 29th
Mélo Mélo Mélo
Alain Resnais Alain Resnais Alain Resnais
Urriak 26 26 de octubre October 26th
Les diaboliques Les diaboliques Les diaboliques
Henri-Georges Clouzot Henri-Georges Clouzot Henri-Georges Clouzot
Azaroak 24 24 de noviembre November 24th
Jamais de la vie Jamais de la vie Jamais de la vie
Pierre Jolivet Pierre Jolivet Pierre Jolivet
Abenduak 22 22 de diciembre December 22nd
Trois jours et une vie Trois jours et une vie Trois jours et une vie
Nicolas Boukhrief Nicolas Boukhrief Nicolas Boukhrief

PROIEKZIOA ETA FILMA ESTRENO DE CORTOMETRAJE Y PREMIERE OF SHORT FILM AND

LABURRAREN ESTREINALDIA PROYECCIÓN SCREENING
Urtarrilak 28 28 de enero January 28th
Deia Deia Deia
Khuruts Begoña Khuruts Begoña Khuruts Begoña
Help Me In This Need Help Me In This Need Help Me In This Need
Khuruts Begoña Khuruts Begoña Khuruts Begoña
Con la presencia del director Con la presencia del director With the presence of the director

ZINEGOAK 2021 JAIALDIA FESTIVAL ZINEGOAK 2021 ZINEGOAK 2021 FESTIVAL

Martxoak 2 2 de marzo March 2nd
Indiana Indiana Indiana
Aude Chevalier-Beaumel, Aude Chevalier-Beaumel, Aude Chevalier-Beaumel,
Marcelo Barbosa Marcelo Barbosa Marcelo Barbosa
Martxoak 4 4 de marzo March 4th
Bixa Travesty Bixa Travesty Bixa Travesty
Claudia Priscila, Kiko Goifman Claudia Priscila, Kiko Goifman Claudia Priscila, Kiko Goifman
Martxoak 9 9 de marzo March 9th
Les Vies de Thérèse Les Vies de Thérèse Les Vies de Thérèse
Sébastien Lifshitz Sébastien Lifshitz Sébastien Lifshitz
Martxoak 10 10 de marzo March 10th
Wild Side Wild Side Wild Side
Sébastien Lifshitz Sébastien Lifshitz Sébastien Lifshitz
Martxoak 11 11 de marzo March 11th
Bambi Bambi Bambi
Sébastien Lifshitz Sébastien Lifshitz Sébastien Lifshitz

WONG KAR WAI ZIKLOA
«IRAGANKORRAREN EDERTASUNA»
Apirilak 9 eta 12
As tears go by
Apirilak 16 eta 19
Days of being wild
Apirilak 23 eta 26
Chungking express
CICLO WONG KAR WAI «LA WONG KAR WAI CYCLE «THE
BELLEZA DE LO EFÍMERO» BEAUTY OF THE EPHEMERAL»
9 y 12 de abril April 9th and 12th
As tears go by As tears go by
16 y 19 de abril April 16th and 19th
Days of being wild Days of being wild
23 y 26 de abril April 23rd and 26th
Chungking express Chungking express

273
Apirilak 30 eta maiatzak 3 30 de abril y 3 de mayo April 30th and May 3rd
Ashes of Time Redux Ashes of Time Redux Ashes of Time Redux
Maiatzak 7 eta 10 7 y 10 de mayo May 7th and 10th
Fallen Angels Fallen Angels Fallen Angels
Maiatzak 14 eta 17 14 y 17 de mayo May 14th and 17th
Happy Together Happy Together Happy Together
Maiatzak 21 eta 24 21 y 24 de mayo May 21st and 24th
Deseando amar Deseando amar Deseando amar
Maiatzak 28 eta 31 28 y 31 de mayo May 28st and 31st
2046 2046 2046
Ekainak 4 eta 7 4 y 7 de junio June 4th and 7th
My blueberry nights My blueberry nights My blueberry nights

«AITZINDARIAK / PIONNIÈRES» CICLO «PIONERAS / PIONNIÈRES» «PIONEERS / PIONNIÈRES» CYCLE

ZIKLOA En colaboración con Institut Français In collaboration with Institut Français
Institut Français-rekin lankidetzan 13 y 15 de abril April 13th and 15th
Apirilak 13 eta 15 Alice Guy: 13 courts métrages Alice Guy: 13 courts métrages
Alice Guy: 13 courts métrages Alice Guy Alice Guy
Alice Guy La Souriante Madame Beudet La Souriante Madame Beudet
La Souriante Madame Beudet Germaine Dulac Germaine Dulac
Germaine Dulac 20 y 22 de abril April 20th and 22nd
Apirilak 20 eta 22 Sébastien Lifshitz Sébastien Lifshitz
Sébastien Lifshitz Musidora & Jacques Lasseyne Musidora & Jacques Lasseyne
Musidora & Jacques Lasseyne 27 y 29 de abril April 27th and 29th
Apirilak 27 eta 29 Le Roi des Aulnes Le Roi des Aulnes
Le Roi des Aulnes Marie-Louise Iribe Marie-Louise Iribe
Marie-Louise Iribe 4 y 6 de mayo May 4th and 6th
Maiatzak 4 eta 6 Paris 1900 Paris 1900
Paris 1900 Nicole Vedrès Nicole Vedrès
Nicole Vedrès 11 y 13 de mayo May 11th and 13th
Maiatzak 11 eta 13 Cléo de 5 à 7 Cléo de 5 à 7
Cléo de 5 à 7 Agnès Varda Agnès Varda
Agnès Varda 18 y 20 de mayo May 18th and 20th
Maiatzak 18 eta 20 Delphine et Carole Delphine et Carole
Delphine et Carole Callisto McNulty Callisto McNulty
Callisto McNulty Con la presencia de la directora With the presence of the director
Zuzendariaren presentziarekin

DOKUMENTALAREN PROIEKZIOA PROYECCIÓN DE DOCUMENTAL DOCUMENTARY SCREENING

Apirilak 8 8 de abril April 8th
Penitencia Penitencia Penitencia
Pili Mújica Pili Mújica Pili Mújica
Zuzendariaren presentziarekin Con la presencia de la directora With the presence of the director

«KOREAKO BESARKADA» ZIKLOA
Centro Cultural Coreano-rekin
lankidetzan
Maiatzak 19 eta ekainak 9
The man standing next
Woo Min-ho
Maiatzak 25 eta ekainak 3
Kim Ji-young: Born 1982
Kim Do-young
Maiatzak 27 eta ekainak 1
Dark Figure of Crime
Kim Tae-gyoon
CICLO «EL ABRAZO COREANO»
En colaboración con Centro Cultural
Coreano
19 de mayo y 9 de junio
The man standing next
Woo Min-ho
25 de mayo y 3 de junio
Kim Ji-young: Born 1982
Kim Do-young
27 de mayo y 1 de junio
Dark Figure of Crime
Kim Tae-gyoon
«THE KOREAN HUG» CYCLE
In collaboration with Centro Cultural
Coreano
May 19th and June 9th
The man standing next
Woo Min-ho
May 25th and June 3nd
Kim Ji-young: Born 1982
Kim Do-young
May 27th and June 1st
Dark Figure of Crime
Kim Tae-gyoon

FRANÇOIS TRUFFAUT ZIKLOA CICLO FRANÇOIS TRUFFAUT «¡MÁS FRANÇOIS TRUFFAUT CYCLE

274
«TRUFFAUT GEHIAGO, MESEDEZ!»
Ekainak 8 eta 10
La piel dura
Ekainak 15 eta 17
El pequeño salvaje
Ekainak 22 eta 24
La novia vestía de negro
Ekainak 29 eta uztailak 1
Diario íntimo de Adela H.
TRUFFAUT, POR FAVOR!»
8 y 10 de junio
La piel dura
15 y 17 de junio
El pequeño salvaje
22 y 24 de junio
La novia vestía de negro
29 de junio y 1 de julio
Diario íntimo de Adela H.
«MORE TRUFFAUT, PLEASE!»
June 8th and 10th
La piel dura
June 15th and 17th
El pequeño salvaje
June 22th and 24th
La novia vestía de negro
June 29th and July 1st
Diario íntimo de Adela H.

«ORAINTSUKO ZINEMAREN CICLO «HUELLAS DE CINE «REMNANTS OF RECENT CINEMA»

AZTARNAK» ZIKLOA RECIENTE» CYCLE
A Contracorriente eta Avalon-ekin En colaboración con A In collaboration with A
lankidetzan Contracorriente y Avalon Contracorriente & Avalon
Ekainak 11 eta 14 11 y 14 de junio June 11th and 14th
Crash Crash Crash
David Cronenberg David Cronenberg David Cronenberg
Ekainak 18 eta 21 18 y 21 de junio June 18th and 21st
Under the skin Under the skin Under the skin
Jonathan Glazer Jonathan Glazer Jonathan Glazer
Ekainak 25 eta 28 25 y 28 de junio June 25th and 28th
Fellini de los espíritus Fellini de los espíritus Fellini de los espíritus
Selma Dell’Olio Selma Dell’Olio Selma Dell’Olio
Uztailak 2 eta 5 2 y 5 de julio July 2nd and 5th
A dog called money A dog called money A dog called money
Seamus Murphy Seamus Murphy Seamus Murphy
Uztailak 9 eta 12 9 y 12 de julio July 9th and 12th
Knight of cups Knight of cups Knight of cups
Terrence Malick Terrence Malick Terrence Malick
Uztailak 16 eta 19 16 y 19 de julio July 16th and 19th
Los hermanos Sisters Los hermanos Sisters Los hermanos Sisters
Jacques Audiard Jacques Audiard Jacques Audiard
Uztailak 23 eta 26 23 y 26 de julio July 23nd and 26th
El libro de imágenes El libro de imágenes El libro de imágenes
Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard Jean-Luc Godard
Uztailak 30 eta abuztuak 2 30 de julio y 2 de agosto July 30th and August 2nd
The square The square The square
Ruben Östlund Ruben Östlund Ruben Östlund
Abuztuak 6 eta 9 6 y 9 de agosto August 6th and 9th
La sombra del pasado La sombra del pasado La sombra del pasado
Florian Henckel von Florian Henckel von Florian Henckel von
Donnersmarck Donnersmarck Donnersmarck

DOKUMENTALAREN PROIEKZIOA PROYECCIÓN DE DOCUMENTAL DOCUMENTARY SCREENING

Abuztuak 5 5 de agosto August 5th
•••• •• •–•• •••– •– –• (Hilván) •••• •• •–•• •••– •– –• (Hilván) •••• •• •–•• •••– •– –• (Hilván)
Martín López Martín López Martín López

DAVID LYNCH ZIKLOA CICLO DAVID LYNCH «EL DAVID LYNCH CYCLE «THE
«AMESGAIZTOEN AMESLARIA» SOÑADOR DE LAS PESADILLAS» NIGHTMARE DREAMER»
Abuztuak 11 eta 12 11 y 12 de agosto August 11th and 12th
Filma laburrak Cortometrajes Cortometrajes
Abuztuak 13 eta 16 13 y 16 de agosto August 13th and 16th
Cabeza borradora Cabeza borradora Cabeza borradora
Abuztuak 20 eta 23 20 y 23 de agosto August 20th and 23nd
El hombre elefante El hombre elefante El hombre elefante
Abuztuak 27 eta 30 27 y 30 de agosto August 27th and 30th
Terciopelo azul Terciopelo azul Terciopelo azul

275
Irailak 3 eta 6 3 y 6 de septiembre September 3nd and 6th
Corazón Salvaje Corazón Salvaje Corazón Salvaje
Irailak 10 eta 13 10 y 13 de septiembre September 10th and 13th
Twin Peaks: Fuego Camina Twin Peaks: Fuego Camina Twin Peaks: Fuego Camina
Conmigo Conmigo Conmigo
Irailak 17 eta 20 17 y 20 de septiembre September 17th and 20th
Carretera Perdida Carretera Perdida Carretera Perdida
Irailak 24 eta 27 24 y 27 de septiembre September 24th and 27th
Una Historia Verdadera Una Historia Verdadera Una Historia Verdadera
Urriak 1 eta 4 1 y 4 de octubre October 1st and 4th
Mulholland Drive Mulholland Drive Mulholland Drive
Urriak 8 eta 11 8 y 11 de octubre October 8th and 11th
Inland Empire Inland Empire Inland Empire

PERFORMANCEARI BURUZKO CICLO DE PROYECCIONES SOBRE SCREENING CYCLE ON

PROIEKZIOEN ZIKLOA
«Corren malos tiempos para los
cuerpos» jardunaldien barruan
Abuztuak 24
Gutxieneko hiri performanceak
(konfinatuak) bideoan
nazioarteko jaialdia: Cuerpo (no)
urbano en acción
Artista Ugari
El paseo de la nada
Ramón Churruca
Yo soy de Bilbao
Ramón Churruca eta Inazio
Fernández (demente mutua)
Ni naiz Gaueko
Pablo Maravi eta Ander Parody
Uso obligatorio de mascarilla
Camilo Torres
Abuztuak 25
Esther Ferrer: hilos de tiempo
Josu Rekalde
PERFORMANCE
Dentro de las jornadas «Corren malos
tiempos para los cuerpos»
24 de agosto
Festival Internacional de
Performances Mínimas Urbanas
(confinadas) en Vídeo: Cuerpo
(no)urbano en acción
Varios autores
El paseo de la nada
Ramón Churruca
Yo soy de Bilbao
Ramón Churruca e Inazio
Fernández (demente mutua)
Ni naiz Gaueko
Pablo Maravi y Ander Parody
Uso obligatorio de mascarilla
Camilo Torres
25 de agosto
Esther Ferrer: hilos de tiempo
Josu Rekalde
PERFORMANCE
Within the days «Corren malos
tiempos para los cuerpos»
August 24th
Festival Internacional de
Performances Mínimas Urbanas
(confinadas) en Vídeo: Cuerpo
(no)urbano en acción
Various authors
El paseo de la nada
Ramón Churruca
Yo soy de Bilbao
Ramón Churruca e Inazio
Fernández (demente mutua)
Ni naiz Gaueko
Pablo Maravi y Ander Parody
Uso obligatorio de mascarilla
Camilo Torres
August 25th
Esther Ferrer: hilos de tiempo
Josu Rekalde

ZINE ETA BIDEO ESPERIMENTALEN FESTIVAL INTERNACIONAL DE INTERNACIONAL EXPERIMENTAL

NAZIOARTEKO JAIALDIA CINE Y VÍDEO EXPERIMENTAL FILM AND VIDEO FESTIVAL
BIDEODROMO 2021 BIDEODROMO 2021 BIDEODROMO 2021
Irailak 28 eta urriak 5 eta 7 28 de septiembre y 5 y 7 de octubre September 28th and October 5th and 7th
HAUTAKETA OFIZIALA SELECCIÓN OFICIAL OFFICIAL SELECTION
Urriak 22 22 de octubre October 22nd
FINALISTAK FINALISTAS FINALISTS

FILMA LABURRAREN PROIEKZIOA PROYECCIÓN DE CORTOMETRAJE SHORT FILM SCREENING

Arquitectura en Corto-rekin
lankidetzan
Urriak 18
En el volcán. Manrique: Jameos
del Agua/Casa Tahíche
Orencio Boix
Zuzendaria, Carlos Arroyo eta
Juan Guardiolaren presentziarekin
En colaboración con Arquitectura en
Corto
18 de octubre
En el volcán. Manrique: Jameos
del Agua/Casa Tahíche
Orencio Boix
Con la presencia del director,
Carlos Arroyo y Juan Guardiola
In collaboration with Arquitectura en
Corto
October 18th
En el volcán. Manrique: Jameos
del Agua/Casa Tahíche
Orencio Boix
Con la presencia del director,
Carlos Arroyo y Juan Guardiola

LARISA SHEPITKO ZIKLOA CICLO LARISA SHEPITKO «SOL DE LARISA SHEPITKO CYCLE «WINTER
«NEGUKO EGUZKIA» INVIERNO» SUN»
Zinemakumeak gara!-rekin En colaboración con Zinemakumeak In collaboration with Zinemakumeak

276
lankidetzan gara! gara!
Urriak 19 19 de octubre October 19th
Alas Alas Alas
Larisa Shepitko Larisa Shepitko Larisa Shepitko
Urriak 20 20 de octubre October 20th
Ascensión Ascensión Ascensión
Larisa Shepitko Larisa Shepitko Larisa Shepitko
Urriak 21 21 de octubre October 21st
Larisa Larisa Larisa
Elem Klimov Elem Klimov Elem Klimov
Zuzendariari buruzko hitzaldiarekin Con ponencia sobre la directora With presentation on the director
Neus Sabaté-ren eskuz por Neus Sabaté by Neus Sabaté

AGNÈS VARDA ZIKLOA «BEGIRADA CICLO AGNÈS VARDA «LA MIRADA AGNÈS VARDA CYCLE «THE ERRANT
ALDERRAIA» ERRANTE» LOOK»
Urriak 25 eta 29 25 y 29 de octubre October 25th and 29th
La pointe courte La pointe courte La pointe courte
Azaroak 2 eta 5 2 y 5 de noviembre November 2nd and 5th
La felicidad La felicidad La felicidad
Azaroak 8 eta 12 8 y 12 de noviembre November 8th and 12th
Daguerrotipos Daguerrotipos Daguerrotipos
Azaroak 15 eta 19 15 y 19 de noviembre November 15th and 19th
Una canta, la otra no Una canta, la otra no Una canta, la otra no
Azaroak 22 eta 26 22 y 26 de noviembre November 22nd and 26th
Documenteur + Mural Murales Documenteur + Mural Murales Documenteur + Mural Murales
Azaroak 29 eta abenduak 3 29 de noviembre y 3 de diciembre November 29th and December 3nd
Jane B. por Agnes V.​ Jane B. por Agnes V.​ Jane B. por Agnes V.​
Abenduak 7 eta 10 7 y 10 de diciembre December 7th and 10th
Las cien eta una noches Las cien y una noches Las cien y una noches
Abenduak 13 eta 17 13 y 17 de diciembre December 13th and 17th
El mundo de Jacques Demy El mundo de Jacques Demy El mundo de Jacques Demy
Abenduak 20 eta 23 20 y 23 de diciembre December 20th and 23nd
Las playas de Agnés Las playas de Agnés Las playas de Agnés

ZINETIKA 2021 JAIALDIA FESTIVAL ZINETIKA 2021 ZINETIKA 2021 FESTIVAL

Urriak 27 27 de octubre October 27th
ZINETIKS ZINETIKS ZINETIKS
OPEN SCREEN OPEN SCREEN OPEN SCREEN
HAUTAKETA OFIZIALA SELECCIÓN OFICIAL OFFICIAL SELECTION
Urriak 28 28 de octubre October 28th
OPEN SCREEN OPEN SCREEN OPEN SCREEN

«ARCHIVOS VIVOS» PROIEKZIOAK PROYECCIONES «ARCHIVOS VIVOS» «ARCHIVOS VIVOS» SCREENING

Azaroak 9 9 de noviembre November 9th
Film About a Father Who Film About a Father Who Film About a Father Who
Lynne Sachs Lynne Sachs Lynne Sachs
Azaroak 10 10 de noviembre November 10th
A Comuñón da miña prima A Comuñón da miña prima A Comuñón da miña prima
Andrea Brandán Cerviño Andrea Brandán Cerviño Andrea Brandán Cerviño
9.32 9.32 9.32
Ignacio Losada Ignacio Losada Ignacio Losada
La veda La veda La veda
Paco Chavinet Paco Chavinet Paco Chavinet
Archivos Vivos-en lan-taldeari Con ponencia sobre el grupo de With a presentation on the
buruzko hitzaldiarekin trabajo de Archivos Vivos Archivos Vivos workgroup
Azaroak 11 11 de noviembre November 11th
Video Blues Video Blues Video Blues
Emma Tusell Emma Tusell Emma Tusell

277
 Zuzendariaren presentziarekin Con la presencia de la directora With the presence of the director

«LAU HITZORDU ZINE CICLO «CUATRO CITAS CON EL «FOUR APPOINTMENTS WITH THE
ALEMANIARRAREKIN II» ZIKLOA CINE ALEMÁN II» GERMAN ZINEMA II» CYCLE
Sociedad Hispano-Alemana / Deutsch- En colaboración con la sociedad In collaboration with la sociedad
Spanische-rekin lankidetzan Hispano-Alemana / Deutsch- Hispano-Alemana / Deutsch-
Azaroak 16 eta 25 Spanische Spanische
Der Junge muss an der frische Luft 16 y 25 de noviembre November 16th and 25th
Caroline Link Der Junge muss an der frische Luft Der Junge muss an der frische Luft
Azaroak 18 eta 23 Caroline Link Caroline Link
Coup 18 y 23 de noviembre November 18th and 23nd
Sven O. Hill Coup Coup
Azaroak 16 eta 25 Sven O. Hill Sven O. Hill
Systemsprenger 16 y 25 de noviembre November 16th and 25th
Alireza Golafshan Systemsprenger Systemsprenger
Azaroak 18 eta 23 Alireza Golafshan Alireza Golafshan
Die Goldfische 18 y 23 de noviembre November 18th and 23nd
Nora Fingscheidt Die Goldfische Die Goldfische
Nora Fingscheidt Nora Fingscheidt

«KARKABA 47: KERIK GABEKO
GUNEA» ZINE-JARDUNALDIAK
Karkaba 47 kultur-elkartearekin
lankidetzan
Azaroak 19
Nuevo Altar
Velasco Broca
Tengan cuidado ahí fuera
Alberto Gracia
Gaua Gauekoentzat
Ander Parody, Pablo Maravi
Alberto Gracia, Ramón Churruca,
Ander Parody eta Pablo Maravi-ren
presentziarekin
JORNADAS DE CINE «KARKABA 47:
KERIK GABEKO GUNEA»
En colaboración con la asociación
cultural Karkaba 47
19 de noviembre
Nuevo Altar
Velasco Broca
Tengan cuidado ahí fuera
Alberto Gracia
Gaua Gauekoentzat
Ander Parody, Pablo Maravi
Con la presencia de Alberto Gracia,
Ramón Churruca, Ander Parody y
Pablo Maravi
«KARKABA 47: KERIK GABEKO
GUNEA» CINEMA DAYS
In collaboration with Karkaba 47
cultural association
November 19th
Nuevo Altar
Velasco Broca
Tengan cuidado ahí fuera
Alberto Gracia
Gaua Gauekoentzat
Ander Parody, Pablo Maravi
With the presence of
Alberto Gracia, Ramón Churruca,
Ander Parody and Pablo Maravi

UKRANIAKO ZINEMA GARAIKIDEA CICLO DE CINE UCRANIANO UCRANIAN CONTEMPORARY

ZIKLOA CONTEMPORÁNEO CINEMA CYCLE
Ucrania-Euskadi elkarte sozio- En colaboración con la Asociación In collaboration with Asociación
kulturalarekin lankidetzan socio-cultural Ucrania-Euskadi socio-cultural Ucrania-Euskadi
Abenduak 2 2 de diciembre December 2nd
En la alegría, eta solo en la En la alegría, y solo en la alegría En la alegría, y solo en la alegría
alegría Maryna Roshchyna Maryna Roshchyna Maryna Roshchyna
Cocodrilo Cocodrilo Cocodrilo
Kateryna Gornostai Kateryna Gornostai Kateryna Gornostai
El sabor que perdura El sabor que perdura El sabor que perdura
Yura Katynsky Yura Katynsky Yura Katynsky

PROIEKZIOAK PROYECCIONES SCREENINGS

Abenduak 16 eta 21 16 y 21 de diciembre December 16th and 21st
Diario de un cura rural Diario de un cura rural Diario de un cura rural
Robert Bression Robert Bression Robert Bression

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 Juan Zapater López FUNDACIÓN BILBAOARTE
FUNDACIÓN Zuzendaria FUNDAZIOA
BILBAOARTE Director
Director
Edizioa
Edición
FUNDAZIOA Editing
Aitor Arakistain
Jon Bilbao Alba Royo Lasunción
Koordinazioa BilbaoArte Lan Taldea
Coordinación Azalaren diseinua
Coordination Diseño portada
Cover design
Bilboko Udala Txente Arretxea
Ayuntamiento de Bilbao Pilar Valdivieso Federica Bau
Bilbao’s City Council Jon Bilbao Azaleko irudia
Muntaia Imagen portada
Juan Mari Aburto Montaje Cover image
Bilboko Alkatea Assembly
Alcalde de Bilbao Cristina Zafra Hernández
Bilbao’s Mayor Ana Canales Libe Belandia
Agurtzane Quincoces Maketazioa
Gonzalo Olabarria Villota Ekoizpen exekutiboa Maquetación
Kultura Zinegotzia Producción ejecutiva Layout
Concejal de Cultura Executive production
Councillor of Culture Urtzi Canto
Alicia Prieto TIRSA S.A
Koldo Narbaiza Komunikazioa eta hedapena Itzulpenak
Yolanda Díez Comunicación y difusión Traducciones
Alba Fatuarte Communications and diffusion Translations
Ana Viñals
Guillermo Sanchez BI 01888 – 2021 Grafilur
BilbaoArte Fundazioko Legezko gordailua Inprenta
Patronatuaren kideak Depósito legal Imprenta
Miembros del Patronato de la Legal deposit Printing
Fundación BilbaoArte
BilbaoArte Foundation’s 978-84-09-35982-0 Irati Semperena
board’s members EAN Laura Vázquez
ISBN Laura Sánchez
ISBN Ane Sainz Astudillo
Amaia Barberena
Leire Hernández Iglesia
Asier del Bado
Lorenzo Bussi
Alba Royo Lasunción
Andrea Gregori Cepero
Leire Alonso
Kolaboratzaileak
Colaboradores
Collaborators

FUNDACIÓN BILBAOARTE FUNDAZIOA - Urazurrutia 32 - 48003 BILBAO - Tel. 94 415 50 97

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