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HISTORIA Y CINE

1. La historia y el cine: dos campos en íntima relación.

El cine es una manifestación humana, y como tal, en ella contribuyen


una diversidad de personas (no sólo el director) por lo que no podemos
olvidar que esas personas viven en un momento cronológico marcado por
unas condiciones sociales, económicas, políticas, que en mayor o menor
grado encontramos en las películas.
En segundo lugar es importante el carácter histórico que tiene el cine
como manifestación humana que se desarrolla a lo largo del tiempo (“Lo
que el viento se llevó”  vista por multitud de generaciones)
Estas dos facetas son importantes: perspectiva humana y perspectiva
temporal: son dos premisas sin las que no podemos entender las relaciones
del cine con la historia.
Una película tiene tres perspectivas:
1. cine testimonial: película que recoge los testimonios
de una sociedad; reflejo de una realidad social. Esta es
una forma de relacionar el cine con su contexto
histórico.
2. cine de reconstrucción o cine histórico. Es como las
imágenes dan una visión de un pasado más o menos
reciente (como la visión de la Edad Media) Esta visión
reconstructiva va cambiando. Bien es verdad que en
esta vertiente histórica hay también un carácter
testimonial según las ideologías o perspectivas que se
quieren dar a la película, es decir, se interpreta el
pasado de la manera que más convenga a la situación
actual.
3. la historia del propio cine, ya que el cine en sí también
tiene su propia historia, desde la precinematografía
hasta los distintos géneros, la evolución, etc.

En primer lugar hablaremos de la historia como TESTIMONIO. No


podemos olvidar al hablar del cine, que estamos hablando de obras de arte.
El cineasta no trata de hacer un tratado histórico, aunque trata de ajustarse
coherentemente al momento que se plasma. Muchas veces se busca esa
adecuación en los elementos ambientales pero se falla en los elementos
conceptuales, en lo que dicen los personajes. Entonces evidentemente tiene
que haber una coherencia, pero también estamos hablando de obras
artísticas y el director tiene una libertad de expresión para poder cambiar
las historias que se cuentan, ya que no pretenden hacer un tratado
histórico.
Hay que tener en cuenta también la importancia de los
planteamientos genéricos (vinculación de las películas a determinados
géneros); no todas las películas pertenecen a un género, pero las que sí
pertenecen tienen unas premisas que no podemos olvidar. También hay que
tener en cuenta, además de estos planteamientos genéricos, que hay dos
grandes bloques:
- el mundo de la ficción
- el mundo del documental
Son dos mundos con características propias y en los que debemos
estudiar cómo se relacionan con ese mundo testimonial.

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Dziga Vertov (cine ojo) defiende el movimiento de cámara para captar
la verdad, dice que la cámara es más realista que el ojo humano. Pero al fin
y al cabo, el documental también manipula la realidad, manipula la imagen.
Así, al hablar de cine testimonio tenemos que pensar que puede darse en
cine de ficción como en el cine de documental (aunque con condicionantes
icónicos distintos)
Por último, hay que mencionar la importancia del carácter de
RECONSTRUCCIÓN, que es esa interpretación que la imagen
cinematográfica ha hecho sobre el pasado lejano. Representa un esfuerzo
de interpretar la historia. El carácter de la reconstrucción histórica por parte
del cine ha tenido muy mala prensa, se ha interpretado como manipulable;
pero es importante porque la reconstrucción histórica responde a los
condicionantes con los cuales una sociedad actúa.
Así, el cine de Reconstrucción histórica no es algo monolítico ni algo
que no haya cambiado. El cine histórico va cambiando de acuerdo a los
intereses de cada sociedad. Pero así esa reconstrucción es mucho más rica,
porque se van dando perspectivas distintas y complementarias de ese
pasado. Así, la reconstrucción va cambiando según distintos parámetros. En
conclusión, la reconstrucción no es algo monolítico.

El cine como testigo de la historia contemporánea

Ese carácter de contemporaneidad del cine no es sólo de tipo


cronológico, sino que va mucho más allá en muchos más aspectos.
En primer lugar hay una similitud cronológica. Es indudable que el
cine como manifestación contemporánea se desarrolló en el siglo XX.
Ese carácter de contemporaneidad va más allá, ya que en ese mundo
contemporáneo se produce una transformación de la sociedad. El sociólogo
Hauser hace hincapié en como en el periodo de finales del siglo XIX y
principios del siglo XX hay una transformación de la sociedad y
paralelamente una transformación del mundo del espectáculo. Es
importante porque estamos hablando de una sociedad con un índice de
analfabetismo muy alto, por eso se van produciendo transformaciones en el
espectáculo (cada vez más abierto, menos reflexivo, donde la palabra se
sustituye por la canción o por el mimo, etc) y esto incidirá en el mundo
cinematográfico. En esta transformación de los espectáculos es donde se
introduce el cine, ya que cuando surge el cine nace como espectáculo de
variedades, y este espectáculo que se está transformando responde
también a una transformación del público, y de la participación del mismo
en el espectáculo.
También hay transformaciones económicas del mundo. Entre 1895 y
1896 se producen cuatro tipos de sesiones públicas; de estos 4 pioneros del
cine, serán aquellos dos que están consolidados en fórmulas empresariales
los que se van a consolidar; estos serán los hermanos Lumiere (que tenían
una empresa de placas fotográficas) y Edison (gran empresario que buscaba
unas estructuras de producción y comercialización de sus productos) Así, el
cine será un testimonio de cómo han ido cambiando estas estructuras
(cooperativas, por ejemplo)
Así, todas las transformaciones del fina del siglo XIX y principios del
siglo XX se pueden ver también en el cine, de manera que es importante el
cine como testimonio de esas transformaciones.
La conexión de los espectadores con el espectáculo responde a
aspectos distintos, debido a la celeridad de las imágenes en movimiento

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que no daban lugar al reposo de los asistentes. Así, el concepto de
espectáculo cambia y también lo hacen las propias salas de cine, y también
cambian las relaciones del espectador con la pantalla. El tipo de espectador
también ha ido cambiando (hoy en día sobre todo desde la adolescencia
hasta los 30 y pocos años)
También hay que tener en cuenta el mundo tecnológico, ya que había
muchos problemas técnicos que paulatinamente fueron superándose. Desde
el mundo primitivo la técnica va superando todos los problemas que surgen:
la incorporación del color, del sonido... A través del movimiento de la
cámara van consiguiendo la sensación de profundidad. La gran novedad en
esta sensación de profundidad es que se descubre el espacio y que la
cámara se mueve en él.
EJEMPLO  En “Calle 42”, de Lloyd Bacon: en el estreno
la cámara está en el patio de butacas pero en un momento
dado esta da un salto y se coloca en el escenario y hace un
travelling por el medio de las piernas de las bailarinas hasta los
protagonistas. Eso no lo puede hacer ningún espectador, sólo la
cámara.
Esta es una gran aportación técnica que consigue
TRIDIMENSIONALIDAD.
Así, el cine está en un proceso de dinámica continua. Por todo ello
este carácter testimonial nos posibilita dos situaciones complementarias:
- la historia del cine no puede estar de espaldas a las
aportaciones de otras ciencias sociales. Así, deberá ser una
historia muy plural teniendo en cuenta otras aportaciones
económicas, sociales, literarias, artísticas, técnicas...
- la historia que hagamos tendrá que ser una historia plural:
hablaremos de la sociedad, de la política... y en medio la
película.
Así, ese testimonio de la imagen en relación con los contextos es una
perspectiva fascinante.

La depresión económica de los años 30 en los EE. UU.


Contexto histórico y cinematográfico.

Nos referimos a la época de los años 30 aunque realmente


deberíamos hablar del periodo de entreguerras (1919 – 1939) ya que son
dos décadas encadenadas marcadas por toda una serie de hilos que
concatenan los dos periodos. Bien es verdad que a finales de los años 20
suceden dos acontecimientos:
- en el 29 la depresión económica de Wall Street
- incorporación del sonido
Teniendo esto en cuenta sí que podemos separarlas, pero no
debemos olvidar que muchas cosas que ocurren en los años 30 tienen sus
antecedentes en los años inmediatamente anteriores.
Este periodo de entreguerras es uno de TRANSFORMACIÓN. Por un
lado hay un cambio político en todo el mundo: acaba la I Guerra Mundial y
desaparecen los grandes imperios europeos que habían marcado la vida del
continente (el alemán, el austro – húngaro, el otomano...) Esto trae una
convulsión importantísima. A la vez que desaparecen estos imperios,
aparecen a nivel internacional países que adquieren gran protagonismo: EE.
UU. y Japón, que se convierten en los elementos centrípetos de
dinamización.

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Dentro del escenario político hay que señalar:
- triunfo de la revolución en la Unión Soviética; en 1917 surge
la revolución de octubre en la U.R.S.S., que está formada
por los países herederos del imperio zarista. No podemos
olvidar la participación del pueblo en la construcción de una
nueva sociedad
- el progresivo avance del nazismo alemán y el fascismo
italiano. En Italia empieza con la “Marcha sobre Roma”
- en España durante el reinado de Alfonso XIII se había
producido “El pacto de la Granja” que era la alternancia
política entre el partido liberal y el conservador. Nos vamos
a encontrar también:
 la dictadura de Primo de Rivera, cuando lo
nombra el rey hasta 1930, con concepciones
cercanas al totalitarismo.
 En 1931 llega la II República. La participación
de la mujer en el voto en 1931, aunque
tampoco todos los hombres tenían derecho,
era censitario porque había que cotizar un
mínimo y en el 31 lo consiguieron todos los
hombres.
España va a pasar por Primo de Rivera, la II República y
la Guerra Civil.
- En Francia había la “III República” y después de la I Guerra
Mundial, en los años 30 se divide en dos:
 El frente popular
 El de derechas.
Es muy revelador que después de la II Guerra Mundial los
países han salido reformados.

Hubo la resistencia en 1942, se ha reconocido la importancia de los


españoles, el tema de la resistencia ha pasado por el cine también. Este
tema ha pasado por varias fases, como la película “La lucha y la piedad” y
“La combe lucien” (Louis Malle)
En todo este periodo el último aspecto es la fuerte política
expansionista, buscando el poder decisorio, la lucha por “el pasillo de
Danzing”, el expansionismo japonés, por el dominio de Manchuria, en el que
Japón empieza su expansión en el terreno asiático.

Hay también profundos cambios sociales: cuando se ha hablado de


esto, es que ya podemos hablar de contemporaneidad, ya que por ejemplo
es indudable que la mujer participa en la vida laboral, en momentos de
convulsiones de guerras. Las mujeres estaban en las fábricas porque los
hombres estaban en el frente, el protagonismo de la mujer no tenía los
niveles de ahora pero hubo la aparición de toda una serie de puestas de
trabajo que no se presentaban como ámbito de trabajo femenino (por
ejemplo la script es un papel que ocupan las mujeres y también los
montadores) No sólo ocupa un lugar muy importante en el mundo laboral,
sino que participa en la vida pública, los cambios por ejemplo en el vestido
(en los años 10 llevaban vestidos largos)
Hay un replanteamiento de la mujer dentro del mundo social, y las
radicalizaciones sociales son muy evidentes: unos grupos se enriquecen y
otros se empobrecen. En esta misma época en 1922 se promulga la ley

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VOLSTEAD, que prohíbe el consumo de alcohol, lo que demuestra que a
pesar de ser una sociedad muy liberal en unos aspectos sigue siendo muy
conservadora en otros.

En este periodo de entreguerras se distancia el mundo urbano y el


mundo rural, y esto es algo que ya se había constatado a finales del siglo
XVIII. El campo sólo se desarrollaba en países de nueva creación como EE.
UU. y Canadá. Lo fundamental es la fortísima emigración de países
centroeuropeos, la desaparición del imperio otomano y la emigración de
gente a los EE. UU., algo que se refleja en películas como “El alambrista”,
que trata el tema de la emigración de la frontera mexicana a California. El
mundo rural sufre un crecimiento muy lento.

En los años 20 tiene lugar el periodo de la “Prosperity”:


 gran desarrollo industrial
 contención de los precios muy fuerte
 consumo cada vez más creciente
En el resto de los países el nivel económico por una parte presenta un
ritmo creciente de producción y de consumo y se empieza a producir cada
vez una inflación más fuerte en 1928 en Alemania.
Esta situación alemana se produjo en los 80 en Argentina, en la que
cambiaban los precios muy rápidamente en productos esenciales como el
pan. En Alemania llegó un momento en el que el dinero no valía nada. Hay
toda una serie de películas de “cine proletario realista alemán”, como la de
G. W. PABST de Greta Garbo en la que su padre y ella quedan en la pobreza.
Se llama “La máscara del placer” / “La calle de la alegría”. Hay personajes
como el carnicero que cobra en favores sexuales. “El viaje a la felicidad de
la madre Krauser” trata de la repercusión de la crisis económica en la que
se ve como sus hijos trafican debido a la pobreza.
Inglaterra y Francia son dos países con unos sindicatos obreros muy
fuertes, las luchas laborales son muy significativas.
En 1929 llega “La gran depresión”, en los días en los que la bolsa de
Nueva York se va hundiendo y así empresas americanas y occidentales,
después de una gran euforia económica, sufren un gran descenso en el
consumo de bienes. Como es indudable, repercute en los índices de
producción por el crecimiento de los stocks. Hay una crisis en la estructura
bursátil, en bolsa puede tener un valor muy alto pero la empresa se queda
parada.
Hay un desequilibrio entre el valor real y el bursátil, las acciones
empiezan a descender, el hundimiento de la bolsa de Nueva York tuvo su
consecuencia en los suicidios. Entre 1929 y 1934 hay una crisis de
comercio, en 1929 había dos millones de parados que en un año se
convirtieron en 14 millones. Se buscan:
- soluciones nacionales: si un país no produce, no se importan
productos de países extranjeros (proteccionismo aduanero)
- intervensionismo estatal: en EE. UU. se produce a partir de
1934 con el presidente Roosevelt.

En el cine se da el “Clasicismo cinematográfico”. Se consagra la


imagen marcada por el equilibrio de la música, montaje, fotografía...
También está marcado por códigos narrativos y censura. El bien siempre
tiene que triunfar, nunca hay una violencia explícita ni hay una
representación de la relación sexual, ni hay besos.

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En los regímenes de nazismo en Alemania o la Unión Soviética, las
películas tienen como finalidad la exaltación del ejército propio. En el mundo
alemán hay una centralización total hasta en las representaciones de
festivales internacionales y hay un control sobre todos los aspectos de la
producción.

El cine francés y británico tienen aportaciones muy interesantes como


“El realismo poético” en Francia con el desarrollo de Jean Renoir, que hace
un estudio de los personajes como en “Tony” o “La gran ilusión”.
El cine británico es el primer cine nacional que inicia una política
proteccionista. Se promulga la “ley del cine” que protege el cine británico
frente al de los EE. UU. Impulsa la producción para desarrollar un cine inglés
cada vez más fuerte. Hay dos aportaciones:
1. A. Hitchcock: con obras muy sencillas, como
“Sabotaje”, “El hombre que sabía demasiado”..., que
reflejan lo que va a ser su cine posterior
2. el “documentalismo” de J. Grierson, que va a plantear
la utilización de la imagen cinematográfica. Se vincula
a la sociedad el cine, son británicos y también
extranjeros. Es el arranque del cine canadiense con
documentalistas que emigran allí. En la década de los
años 30 se vincula a la política de Roosevelt Joris
Ivens, que tiene una filmografía muy amplia porque
conoce España, EE. UU., China durante el
enfrentamiento comunista y derechista...

El cine español en los años 30 presenta dos periodos:


- antes del 36 nos encontramos que hay un fortísimo
desarrollo industrial y el surgimiento de Filmófono y Cicesa
que son dos productoras intentando un desarrollo de la
producción de cine popular con un director, Florian Rey, con
la obra introducida a nivel mundial “La aldea maldita”.
- Durante la Guerra Civil el bando franquista firma una serie
de convenios para filmar películas en estudios alemanes y
franceses. En el bando republicano la producción es muy
lenta.
En el campo del documental, EE. UU. viene a España a rodar este
conflicto.

El cine norteamericano de los años 30.

La crisis interna del cine de la incorporación del sonido es paralelo a


la crisis del 29. El cine silencioso y el cine sonoro tienen una crisis más que
tuvo que superar. Los radioyentes se quedan en casa y no van al cine, la
radio era en directo, a nivel político fue importantísima en los años 40, con
programas como “las tertulias al lado de la chimenea” de Roosevelt o la
retransmisión de “la guerra de los mundos” de O. Wells.
En medio de toda esta crisis, es importante que el cine es un
espectáculo marcado por la seducción de la imagen, por lo que el cine
resiste muy bien los problemas económicos del momento y la incorporación
del sonido es un elemento muy atractivo para los espectadores (“La rosa

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púrpura de El Cairo”1 de Woody Allen reconstruye este momento de
seducción de la imagen en los años 30)
A lo largo de la década se producen crisis internas, sobre todo de
exhibición cinematográfica, conseguir que la gente vaya a ver las películas.
Hay dos momentos de crisis:
- hacia 1932 / 33  cuando cierran 5000 salas de cine. Lo
que se hace es que se abaraten los costes y haya un
desarrollo del programa doble que consiste en una película
y una serie de complementos como noticiarios (en Italia se
desarrolla el noticiario Luce, en España el Nodo...), dibujos
animados, documentales... formando otro bloque.
Posteriormente, en determinados cines el programa
doble iba a estar formado por dos películas:
 película base
 película de serie B, realizada por una pequeña
productora , o por una grande pero con los
retales, los restos de tiempo que le sobraban
para rodar películas de bajo coste.
Con el programa doble se consagra la duración
estereotipara de 90 minutos. El programa doble se instala
en este momento para atraer al público.
A mediados de la década hay una recuperación.
- pero a mediados de 1938 vuelve a haber otra crisis que
dura dos años. Es una crisis de exhibición bastante fuerte.
En este momento surgen nuevas formas para atraer gente:
 películas con mucha publicidad a modo de
reclamo
 se buscan películas para sectores
determinados (infantiles, familiares...)
 se hacen sorteos con las entradas
 ...
Uno de los grandes problemas del cine fue la fidelidad
del público.
Uno de los aspectos más importante de la infraestructura es la
vinculación del cine con la política legislativa. Cuando Roosevelt gana las
elecciones en 1933 se inicia un periodo que es la primera vez que la prensa
se le sigue los 100 primeros días a un político. Son días verdaderamente
fastuosos porque se intenta afrontar la situación de crisis del país. La
política del New Deal con la que Roosevelt gana, busca una implicación de
toda la sociedad para recuperar económicamente al país. A nosostros nos
interesa la ley de 1934, la NRA (National Recovery Act) y que afronta una
recuperación del mundo económico en todas sus facetas (agricultura,
industria, comercio...) y también para el mundo del cine. Se busca que la
producción cinematográfica no entre en crisis:
- se prohíbe el aumento de los precios tanto en el coste de
producción como en el coste de alquileres de esas películas.
Quieren evitar con ello una lucha entre las distintas
compañías y también se busca así que no suba el precio de
las entradas.
- Se prohíben determinadas fórmulas de alquiler: la
contratación de películas por lotes, o la contratación de la

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Sobre la seducción de la oscuridad de la pantalla, tiene importancia por la participación del espectador,
el protagonista sale de la pantalla.

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película cuando aún no se ha empezado a hacer (a ojos
cerrados)
Se intenta así que no haya un desequilibrio del mercado.
La contratación a ojos cerrados se prohíbe porque desvirtúa
la originalidad y la creatividad, ya que se parte de un
prejuicio.
- en la NRA se busca también garantizar el equilibrio de la
distribución entre las distintas áreas del país. A partir de los
años 80 las formas de distribución cambiaron. Así, la NRA
busca ese equilibrio entre el mundo urbano y el mundo rural
y entre las distintas áreas.
- Lo último de la NRA es la regulación de los extras que eran
lo más aleatorio y que estaban en manos de compañías de
representantes y con unos derechos muy limitados. Se
busca un mínimo de retribuciones.

PROYECCIÓN “El mundo marcha”

En 1936 esta ley es derogada por los EE. UU. y en los años siguientes
aparecerán otras leyes con aspectos similares que estaban en la NRA para
llevarlas a efecto. En 1937 se desarrolla la ley NEELY – PETTENGILL, que
prohibía de nuevo la contratación por lotes... tenía como fin que las
empresas no pudiesen hacer obras de espaldas a los intereses del país, es
decir, que las grandes productoras sólo lanzaran sus películas en las áreas
urbanas y dejaran de lado las áreas rurales.
En 1938 se promulga una ley importante para los años siguientes: la
LEY HOBBS, que es una aplicación de las leyes antimonopolio promovidas
desde los años 20, de manera que una empresa no copara el mercado. En
EE. UU. se dieron estas leyes antimonopolio que siguen vigentes hoy en día.
Había un monopolio de 8 grandes empresas que controlaban el 80% de la
producción y esto se intenta evitar en los años 30 con la ley Hobbs y que se
soluciona en el 49 con la solución del caso Paramount en el que se condena
a las grandes compañías a que desmembren sus ramas dentro de la
industria.

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Es importante el desarrollo sindical que se produce a finales de la
década de los años 30 con un aumento de los sindicatos. El cine no se
desarrolla de espaldas a la situación social que se vive: crisis económica,
social... En 1935 se aprueba una ley: la Ley Wagner, en la que se reconocen
dos principios:
- el derecho a organizarse sindicalmente
- el derecho a negociar los contratos con las patronales o
empresas de su ámbito.
Esto es importante porque en este momento se produce un desarrollo
de las empresas sindicales en el cine:
- 1937  Asociación de técnicos (IATSE: Alianza internacional
de empleados de teatros) y que implicaba todo tipo de
espectáculos de variedades. Tendrá una relativa
importancia como muchas de estas asociaciones. Esta
agrupación de técnicos tendrá gran importancia a largo
plazo y sobre todo a finales de los años 40 en un momento
de crisis económica con despidos...
- 1937  Asociación de actores y artistas de América (AAA)
- 1938  Agrupación de guionistas: “Screen writers guild”
- 1939  “Screen directors guild”
Estas dos últimas tienen gran importancia por el impacto mayor de
los guionistas y directores. Son nombres reconocidos cuyas decisiones serán
muy importantes para el desarrollo cinematográfico. Es importante que
estas agrupaciones coinciden con los años finales de la Guerra Civil. Muchos
directores norteamericanos participaron a favor de la república española.
Muchas de estas posturas cristalizaron en estas agrupaciones.
Estas tendrán sus consecuencias en 1947 cuando muchas de las
personas imputadas en la “Caza de Brujas” pertenecerán a estas
asociaciones.
Así, se están defendiendo los intereses laborales y serán importantes
en los años venideros cuando estén implicados en situaciones políticas.

PROYECCIÓN: - “El arado que quebró las llanuras” (documental)


- “El río”.

Partimos de una realidad ya que se trata de un documentl; en este


caso estamos hablando de propaganda, se cuenta una historia con una
presentación de un lugar idealizado, la crisis y la corrección que la
administración de Roosevelt hizo. Es un modelo de fábula.
“Los tres cerditos” es una película de Disney que tiene una canción,
“¿Quién teme al lobo feroz?”, que se estrena en esta época y por lo tanto
esa canción se convierte en un himno de ese momento: el “lobo feroz” es la
gran depresión.
El modelo de los campos de jornaleros es federal aunque no es que
intuyamos que la mano del gobierno esté detrás.
El modelo de fábula quedaría más explicado en el segundo de los
documentales (El río); ya que estamos hablando de cultura de masas como
público al que están dirigidos. Hay una perfecta estructura de situación del
problema y solución.
Al final hay un montaje alternado que es que sustituyen las imágenes
y se ilustra por medio de fotografías. El final va más deprisa. Es un esquema
de contraposiciones  secuenciación y suma de los hechos.

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En una primera fase parte de un supuesto origen idílico; los primeros
planos son mapas, es un montaje descriptivo; además aparece una línea de
horizontes muy baja con afán sublime. Aparee un vaquero con ganado.
Pasamos de una agricultura extensiva a una intensiva. La extensiva es la
primera agricultura.
En una segunda fase la población nómada se asienta con la
agricultura intensiva; aparecen máquinas de explotación de la tierra.
En las consecuencias aparecen impresiones de prensa: Inglaterra
declara la guerra a Alemania; la consecuencia de esto es que aumentan los
precios. En la evolución asistimos al mito del progreso. Todo va bien hasta
que llega la crisis.

En el documental de “El río” el problema es que juega con dos


escenarios:
1. el curso bajo próximo a la desembocadura
2. el curso medio – alto de las montañas.
Lo que se está criticando en la película es el consumismo de los años
20; se muestran las consecuencias del sistema capitalista anteriores al
crack del 29.

La depresión económica: relación entre historia y cine.

Es necesario que tengamos en cuenta que la década de los 30 es


cuando el cine documental aparece también en el cine británico liderado por
J. Grierson. Los documentales eran subvencionados por la compañía de
correos británica, el llamado “Night mail”, y cuenta como un tren va desde
Londres a Edimburgo repartiendo el correo. Hay otro documental sobre la
construcción naval de astilleros británicos. También sobre el cultivo de té y
su importancia.

Hay un documentalismo soviético sobre los planes quinquenales.

En España, García Mantilla y Carlos Velo ruedan “Almadrabas” en la


zona de Granada y Málaga sobre la pesca del atún.

Aquí en Galicia “O carro e o home” es una reflexión sobre la


importancia de un carro en la Galicia rural.

El documentalismo tiene una vertiente de imagen fija en la fotografía


de tipo social, por ejemplo Walker Evans en una fotografía que recoge el
testimonio de lo que está sucediendo delante para la asociación que
subvencionó el documental “El río”. Es una obra magnífica, publicada en
Anagrama en España.
Esos son dos referentes que hay que tener en cuanta para ver que
hay una preocupación por el uso de la imagen para ilustrar la situación
social.

Los NOTICIARIOS: todas las grandes productoras tienen su noticiario,


porque la TV aún no existe (en 1936 en los JJ. OO. de Berlín se retransmiten
las pruebas que son experimentales a las oficinas de correos de Berlín) El
primer invento de TV se hace con 28 líneas.
El noticiario “The march of time” es de tipo magacine, con noticias de
deportes, política... Las noticias más importantes se radian al principio.

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Se vincula con la literatura escrita, por su vinculación con la revista
LIFE y la FORTUNE, que son revistas generalistas. Aparece una excesiva
postura conservadora, busca una visión más distante de esos mismos
problemas, esto está claramente en relación con este mundo empresarial.
En él empieza a haber una persona como productor llamado LOVIS DE
ROCHEMONT, que aunque en este noticiario no desarrolle su producción
cinematográfica luego aparece como productor de cine de denuncia social
con directores como ELIA KAZAN a finales de los años 40 sobre los
problemas de las grandes ciudades.
La productora FRONTIER FILM está tremendamente implicada en los
problemas de la época, es una postura muy crítica por la situación que se
vivía en el país. Crea un noticiario también que se llama “The World Today”,
que se presenta queriendo dejar constancia de una visión más crítica y
radical, en temas que el cine no se metía. Por ejemplo a lo largo de los años
finales de la década de los 30 está “Heart of Spain”, realizado en 1937
sobre el desarrollo de las transfusiones de sangre y deja testimonio de los
problemas humanos subyacentes en la Guerra Civil. Es normal el
documentalismo en España. Antonio de Lamo publicó “Diccionario del cine
de la Guerra Civil Española” (en documentales y noticiarios)
“People of Cumberland” trata sobre el desarrollo agrícola de EE. UU.,
testimonio casi antropológico.
Pero la película más representativa es de principios de los años 40 y
se llama “Native Land” en la que participa Paul Strand. Es una película
claramente de denuncia sobre las violaciones de los derechos humanos en
EE. UU., personales, las sentencias ante los tribunales de justicia en contra
de la Constitución...
La Guerra Civil era la culminación de una serie de crisis a nivel militar,
como prueba para que en 1939 se utilizase en la II Guerra Mundial.
Junto a esto hay documentales como “Sierra de Teruel” de A.
MALRAUX, película terminada de montar en París.

Joris Ivens hace dos documentales:


1. “España en llamas” sobre el principio de la Guerra Civil.
2. “The Spanish Earth” en el que participa Hemingway y que fue
subvencionado por la American History Corporated.
Lo último de lo que tendríamos que hablar era de los documentales
impulsados por la administración pública.
Como arma de convencimiento de la población, estará el ministerio
más implicado en la imagen cinematográfica. El medio rural ha adquirido
unas consecuencias negativas en la depresión (más llamativos son los
abandonos de los ranchos, algo que se ve en “Las uvas de la ira”,
emigrando hacia las zonas de California) Por eso el departamento de
agricultura contrata a fotógrafos para que la gente viese esa situación de
crisis para mostrar la necesidad de luchar para arreglar la situación. En el
mundo norteamericano hay ese carácter de CONCIENCIACIÓN DE LUCHA
hacia la vida cotidiana en el mundo rural. Roosevelt resuelve la
administración del valle de Tenessee, río afluyente del Misissippi. La
gerencia del Tenessee era complicada ya que pasaba por varios estados.
En 1940 Joris Ivens hace una película muy interesante, “The power
and the land”, que trata de cómo cambia la vida rural con la llegada de la
electricidad, película perfecta dentro de la constatación de una situación, es
una película propagandística de la presencia de la electricidad.

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PROYECCIÓN  “El secreto de vivir”

EL SECRETO DE VIVIR

Hay una vinculación muy directa entre el uso de las imágenes


privadas como en el caso de la Frontier Film con las imágenes públicas y la
propaganda del gobierno. Habíamos visto a través de los documentales
como se afrontaban los problemas de EE. UU. En el ámbito documental
había una implicación muy fuerte entre las imágenes y las ideas políticas y
sociales: defensa de los derechos humanos, implicación de la evolución
tecnológica, etc.
Dentro de las películas de ficción, vemos la utilización del mundo de
las biografías que es un modelo de representación de la historia; excepto en
raras ocasiones los directores tratan de ejemplificarlo con imágenes.
La figura de Frank Capra es muy representativa ya que es un claro
ejemplo del clasicismo cinematográfico, sobre todo por:
- su vinculación a las estructuras de producción: trabaja sobre
todo con la Columbia y formando tándem con su guionista
Robert Riskin, llegando a ser como una simbiosis
- su nivel narrativo en las películas es perfecto. Hay una gran
estructuración de las secuencias y una graduación de los
personajes que hacen que la película te envuelva. Son
películas que a nivel técnico resultan muy funcionales y
lógicas, y además cuentan con una estructura narrativa
perfectamente plasmada.
A Capra se le ha reconocido que ha pasado por encima de
generaciones y generaciones.

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Junto a ellos, hay que tener en cuenta que sus películas y otras de los
años 30 tienen un encadenamiento:
 1934  “Sucedió una noche”
 1936  “El secreto de vivir”
 1938  “Vive como quieras”
 1939  “Caballero sin espada”
 1941  “Juan Nadie”
 1946  “¡Qué bello es vivir!”
Capra defiende que detrás de esa vinculación al clasicismo hay unos
principios del populismo, perfectamente asentados en sus películas. Son
unos principios de confianza en el individuo que es el soporte fundamental
de la democracia, el tema de la libertad en la busca de la felicidad. Es un
canto al individuo, pero siendo un personaje integrado dentro de una
sociedad. Ese individualismo tiene una serie de repercusiones con los
planteamientos democráticos: Capra cristica en sus películas muy
duramente a determinadas estructuras de la sociedad norteamericana
(sobre todo de la primera mitad de la década de los años 30):
1. la maquinaria política, que no es la política sino la
maquinaria de los partidos políticos (“Caballero sin
espada”  rompe la disciplina de partidos) Se critican
esas estructuras partidistas.
2. el poder económico desmedido y sin conciencia. No se
critica a los millonarios sino el uso asocial del dinero
(¡Qué bello es vivir!)
3. la prensa sensacionalista y manipuladora (¡Qué bello
es vivir!, Juan Nadie) que sólo busca un titular o una
fotografía sorprendente aunque esta fotografía está
fuera de contexto.
Por último, hay que comentar que todos estos principios ideológicos
de basar la vida política en la vida del individuo está refrendada con la
admiración a los arquetipos históricos de la historia americana (el señor
Deeds quiere ir a ver la tumba del presidente Grant en “El secreto de vivir”)
Así, Capra está defendiendo en un momento de recuperación del país unos
principios ideológicos que se perciben claramente de individuo y sociedad
pero los defiende vinculándolos a una tradición y a toda una cultura política
y social.

PROYECCIÓN  “Las uvas de la ira”

13
LAS UVAS DE LA IRA (1938 – 1940) Henry Fonda.

Es importante en el cine norteamericano de los años 30, la lucha


contra la depresión queda plasmada en los dos últimos discursos de la
película, uno el de Tommy a pesar de las persecuciones, que quiere luchar
contra la injusticia y por último el discurso de la madre, personaje femenino
característico de John Ford, que es, como dice el padre al final, la que les ha
mantenido unidos.
En las películas de Capra se veía la lucha del individuo contra la
sociedad.
En esta hay una manera de reivindicar la confianza popular. Son
películas en las que se presenta el esfuerzo personal que a su vez se integra
dentro de una colectividad. Tenemos un primer bloque humano que es el
familiar. Este tipo de películas se implican en aspectos muy distintos de la
historia americana, por ejemplo el western, prácticamente aparecen en el
año 38 – 40, coetáneos a “Las uvas...”. Citamos 3:
1. De Mille, “Union Pacífico”, que trata sobre la línea de
tren que atraviesa el país del Pacífico al Atlántico,
visto desde el punto de vista de que construyen esa
línea como un esfuerzo colectivo. En seta época se
plantea ese carácter mítico de la construcción del
ferrocarril.
2. King Vidor, “El paso del noroeste”, sobre la apertura
hacia la zona de Canadá que es la salida de los
grandes ríos hacia la zona del Pacífico. Son pioneros
que a través de la caza de las nutrias y castores
hacen un esfuerzo colectivo.
También hay obras en las que un personaje
individual representa a toda la colectividad.

14
3. hay una película de John Ford, “Young Lincoln” que
gustaba mucho a Eisenstein en la que se no cuenta la
vida de A. Lincoln hasta el momento en el que se
presenta por primera vez como parlamentario. Es la
lucha contra el poder de determinados grupos
empresariales. Lincoln se ve como abogado y
defiende los intereses de ese pueblo, que se lograrían
si él se presentase como parlamentario y así acaba la
película. En ella se nos cuenta el ideario político de
Lincoln en su etapa de juventud.
Hay otro tipo de películas en las que se cantan los esfuerzos
individuales. Entonces hay veces que nos preguntamos el porqué de la
trascendencia social de la película. Esto ocurre con VAN DYKE. En su
película se cuenta la historia de la ciudad de San Francisco, ciudad que
tardó mucho en descubrirse por su bahía, puerto con la peculiaridad de
tener la costa más importante del Pacífico, fue el gran emporio comercial a
finales del siglo XIX. El incendio de la ciudad fue a principios del siglo XX. El
“Golden Gate” resisitió al último terremoto, no es rígido. La película cuenta
el gran desarrollo de San Francisco hasta el terremoto. A principios de siglo
ya se constató que estaban en una falla. Volaron edificios enteros para
hacer cortafuegos.
Lo importante de la película es el final, en donde se ve que la
población se desplaza a las colinas de San José. Ahí los protagonistas de la
película discuten hacia donde se deben ir. Clark Gable es el que dirige a
todos ellos y deciden reconstruir la ciudad. Acaba con una vista general de
las colinas de San José. Visto ahora es una película en la que no se percibe
ese carácter ejemplificador que tiene el final. El pueblo otra vez más es el
que tiene que tomar la palabra, porque es la masa popular la que baja de
las colinas para volver a su ciudad.
En las biografías siempre está la escrita frente a la cinematográfica,
que tiene un carácter ejemplificador y puede ser modélico a nivel religioso,
cultural y / o artístico. Siempre lo que tenemos que subrayar es este
carácter. Este es el caso del director W. DIETERLE, que al final tiene una
cohesión entre tres obras: el principio de la lucha por unos ideales. Los
personajes son completamente distintos entre sí.
 “La tragedia de Louis Pasteur”, que intentó
crear el tratamiento de los alimentos en unas
condiciones especiales de pasteurización
 “La vida de Emile Zola”, representante máximo
del Naturalismo literario en Europa, en la
película nos hablan de su vida pública en
Francia, donde tomó partido en el proceso
Dreyfus contra la corrupción en la vida política
francesa del momento. Nuevamente es un
personaje que trata de inmovilizar el desarrollo
de la política.
 “Juárez”, sobre el revolucionario mexicano que
lucha contra una corrupción en la vida pública.
Son tres películas que tienen un denominador común: contextos
sociales adversos donde se desarrolla la vida de los personajes.

Podríamos apuntar cómo hay un género cinematográfico que pasa


por tres fases que no podrían entenderse sin el contextos social. Es el

15
género policíaco. Lo curioso es que este género tenía antecedentes en “Los
mosqueteros de Pitt Valley” de Griffith en la que aparecen los matones. Se
consolida en los años 20 – 30 impulsado por la incorporación del sonido.
Hay tres fases:
1. exaltación del gánster. El protagonista (“Scarface” está
inspirada en Al Capone), en un momento en el que los
ganster inciden en la sociedad americana porque es la época
de la ley seca, de manera decisiva en el mundo del poder de
los distintos grupos de delincuentes. Al gran protagonista se
le ve como un triunfador, rodeado de grandes coches y
bellas mujeres. En torno al año 33 la delincuencia llega a
grados desorbitados: las matanzas entre clanes opuestos
hace que se cree Elliot Ness, personaje que pertenece al
mundo de la secretaria de comercio. En el mundo
norteamericano en 1927 se dicta una sentencia por la cual
había que pagar impuesto por los beneficios ilegales
también. Esto estaba al margen de la policía.
2. a partir del año 1933 pasamos a películas en las que el
protagonista es el jefe del FBI.
3. en torno al año 1936 hay películas sobre el origen de la
delincuencia. Son películas muy cargadas de experiencias
religiosas.

LA TRANSICIÓN POLÍTICA ESPAÑOLA: coordenadas


políticas y sociales – Incidencia en el ámbito
cinematográfico: censura y economía – Líneas
fundamentales: la recuperación histórica, la comedia, las
adaptaciones literarias – Cineastas y obras señeras.

Tras la muerte de Franco comienza un periodo de transición con un


agitado contexto social.
La transición abarca desde 1975 hasta el triunfo del Partido Socialista
en 1982. Pero abarcaremos desde 1973 hasta 1984 ya que desde el punto
de vista cinematográfico es más pertinente ya que la muerte de Carrero
Blanco en el 73 hizo que aparecieran propuestas impensables
anteriormente y que se consolidaron desde la muerte de Franco; es el
llamado tardofranquismo. Y hasta 1984 porque no es hasta este año cuando
entra en vigor el decreto Miró, que trata los asuntos cinematográficos.
Hechos que marcan al país es estos años:
- 20 / 12 / 1973  muere Carrero Blanco asesinado por ETA.
Era el presidente considerado de mantener el franquismo
después de Franco. Carlos Arias navarro es nombrado nuevo
presidente del gobierno.
- Febrero de 1974  Arias Navarro anuncia una leve apertura
del régimen, conocido como “el espíritu de febrero”.
- 1975  enfermedad de Franco (verano y otoño) mientras
tiene lugar la marcha verde; España renuncia a los
territorios en Marruecos y se anexiona a ellos. Muere Franco
el 22 de noviembre. Juan Carlos de Borbón es nombrado
rey.
- 1976  el 1 de julio cesa Navarro y Suárez accede al cargo.

16
- 1977  matanza de los abogados laboralistas en Atocha. El
9 de abril tiene lugar la legalización del Partido Comunista.
El 15 de julio se celebran las elecciones generales.

PROYECCIÓN  “Furtivos”, de J. Luis Boran, que es un film que marca el


comienzo de este cine de transición. Será un cine cruel e hiperrealista.

FURTIVOS

Boran se formó en la Escuela Oficial de Cinematografía (EOC) que


José María García Escudero había impulsado. Se formó un movimiento
llamado “Nuevo cine español”, donde está entre otros este director. 1962 –
67 es el periodo de esplendor de este nuevo cine y que es consecuencia de
los nuevos cines que recorren Europa en estos momentos y como ellos el
cine español también realizó su revolución contra el cine más comercial;
también estaban en contra de Juan Antonio Bardem y los demás disidentes.
El nuevo cine español era un movimiento heterogéneo, desarrollaron una
especie de realismo crítico pero tampoco muy avanzado
experimentalmente. Todo está apoyado por García Escudero.
Tenemos: la mirada de los adolescentes, el mundo cotidiano, las
disputas con la familia.
En “Furtivos” perviven estos temas: la falta de libertad, la familia y la
crítica social.
Empieza a trabajar con Manuel Gutiérrez Aragón y en la película
convive el universo rigorista de Boran y el universo metafórico de Aragón.
La condición furtiva acaba por contagiar al resto de los personajes.
Está presente la dimensión clandestina que la dictadura había implantado
en la sociedad española.
También entra el tema de una sociedad clasista, de doble moral (se
ve en el papel del gobernador) Esta es toda la temática de la sociedad del
momento, y también el tema de la descomposición de la familia (tema que
le gustaba a Boran) y por el medio está Gutiérrez Aragón como el pastor y la
zagala y todos esos temas metafóricos.
La película se estrena dos meses antes de la muerte de Franco y
conoce un gran éxito comercial por lo que se convierte en una película
emblemática. Cuenta muy bien lo que se hace en este tardofranquismo y
aliña lo que se seguirá usando durante la transición (vida miserable,
incestos, asesinatos y mucha brutalidad...) También está ese humor negro,
muy de Boran y del cine español, muy esperpéntico.
La censura hizo que se cortasen muchos planos de la película como
uno del gobierno civil, algunos planos de las mujeres en las duchas, el
striptease de Milagros...

- año 1976  ley sobre el derecho de reunión.


 Adolfo Suárez accede a la presidencia.
 Se legalizan los partidos políticos.
 Entra en vigor la ley de Amnistía.
 Las cortes aprueban la ley para la reforma
política, que significa el final del régimen
franquista.

17
 Carrillo es detenido.
 Disolución del Tribunal de Orden Público (TOP)
- año 1977:
 Se deroga el decreto sobre terrorismo.
 “La matanza de Atocha”.
 Oleada de terroristas de grupos de
ultraderecha, y de ETA y GRAPO, que
amenazan el proceso de reforma político.
 Se legaliza el Partido Comunista (PC)
 Se constituye la Unión de Centro Democrático
(UCD)
 Se celebran las elecciones generales ganando
UCD y después al PSOE.

PROYECCIÓN  “El desencanto” de Jaime Chavarri.


Los precedentes están en los documentales de M. Basilio Patino,
como “Canciones de una guerra”.
La película se terminó poco después de la muerte de Franco y esto se
traslada a la película, porque en un momento muy concreto muestra la
descomposición de una familia de ideología franquista bajo la protección del
padre muerto, sobre lo que se hacen reproches a posteriori.
Los personajes no son capaces de liberarse. Es el año 1976, una
etapa política muy incierta.
La película fue seleccionada para el Festival de Cine de San Sebastián
pero fue retirada en señal de protesta por la muerte de un manifestante a
manos de la policía.

ANÁLISIS DE LA PELÍCULA:
- contradictoria memoria que tienen sus hijos sobre la
memoria de su padre.
- Leopoldo y la madre son las personas más firmes de la
película.
- El peso de la figura paterna se identifica con el peso de la
figura paterna de todos, que era el dictador.

- 1973  Chavarri hace la primera incursión en la familia de


la época franquista.
- Después aceptaron rodar la segunda parte en 1994.
 Es una demostración de la inutilidad de la
clasificación, porque fue un documental.
 Rompe las fronteras del cine documental con el
cine de ficción, ellos dicen que todo es verdad
y otros dicen que todo es mentira.
 Fotografía en blanco y negro de Teo Escamilla.
 Los Panero recibieron todo tipo de amenazas e
insultos, y a Jaime Chavarri lo intentaron
linchar en Granada durante la proyección de
una película un grupo ultraderechista.

- 1977  elecciones generales: las primeras de la


democracia:

18
 1º  UCD. La UCD capitaliza la sociedad que
quería ser como el resto de los países
europeos.
 2º  PC
 3º  AP (Partido que acepta entrar en el juego
democrático aunque es un partido franquista)
- 1982  Mayoría absoluta del PSOE. El 13 de junio empieza
la redacción de una nueva constitución, presidida por Emilio
Palacio Abad. La ponencia estaba integrada por siete
personas:
 UCD: Miguel Herrero y Rodríguez
 PSOE: Gregorio Peces Barba
 Alianza Popular: Manual Fraga Iribarne.
 ...
- Las sesiones de la ponencia:
 Fraga fue ministro de información y turismo, a
él se deben la mayor apertura franquista ante
de la muerte de Franco. No estaba de acuerdo
en muchos puntos de la Constitución.
 El 29 de septiembre se funda provisionalmente
la Generalitat.
 El 6 de diciembre se aprueba en Referéndum la
Constitución
 El 29 de diciembre entra en vigor la
Constitución. Adolfo Suárez convoca nuevas
elecciones y convocó municipales en abril del
79, en las que se impusieron los Partidos
Socialistas.
- 1980:
 se aprueban los estatutos del País Vasco (PNV)
y de Cataluña (CIU) Después iría el de Galicia, y
así se conformaron los tres estados de
autonomía históricos.
- 1981: viendo su posición debilitada, junto al triunfo
socialista en las municipales, Adolfo Suárez presenta su
dimisión.
Leopoldo Calvo Sotelo en su sesión de investidura
sucede al golpe de estado del 23F. La imagen del militar
Gutiérrez Mellado representaba a un ejército que podía ser
democrático. Los obispos aún llevaban a Franco bajo palio y
entre todos ellos surge el cardenal Tarancón, muy
avanzado.
 En abril de ese año se aprueba la ley del
divorcio.
- 1982: mundial de fútbol. El PSOE logra la mayoría absoluta.

EL ESPÍRITU DE LA COLMENA (1973) Víctor Erice.

Fernando Fernán Gómez, Teresa Gimpera, Ana Torrent.


Originalmente la cinta surgió como algo comercial, querían
aprovechar el boom del cine de terror.

19
Querejeta (el productor) cuando llegó al cine ya lo tenía muy
reflexionado porque había fundado una revista de crítica de cine, y aquí
comienza la tortuosa relación entre Erice y Querejeta, ya que el segundo
decide cortar por lo sano y termina el rodaje una semana antes.
Hay que admitir que Querejeta se convirtió en el productor de “La
prima Angélica” (de Saura) y “El desencanto”.
José Frade era un productor asociado a una compañía y Querejeta era
un productor autónomo.
Entre 1973 – 1978, Querejeta llegó a ser uno de los productores más
importantes.
Este tipo de cine logró conectar con un público muy amplio, y se
llamó al periodo “luna de miel” entre el cine y el espectador2.
De entre todas las películas esta fue la que estuvo en gran número de
festivales. Para muchos es la película más importante de la historia del cine
español, uno de los más significativos para su director y uno de los más
aceptados internacionalmente.
El texto fue escrito con motivo del 30 aniversario. Publicó un artículo
en El País para hablar de su reposición en las salas de cine “El espíritu de la
colmena” es fruto de una sociedad.

Esta película presentaba algo que hasta entonces era tabú: el


personaje del guerrero (el maqui) La película promovió gran cantidad de
lecturas.
La narración comienza con la yuxtaposición de imágenes
primordiales: la colmena, el apicultor, la niñez, el pozo..., que son dibujos
infantiles que forman los propios títulos de crédito. A estas imágenes
primordiales se le suman otras como el tren, y sitúa las imágenes bajo la
mirada fílmica por medio de travellings.
Las imágenes reales recogen al ambulante que llega al pueblo y
también mediante una sobreimpresión.
La música, las carnes de las niñas, la iconografía de Ana... todo hace
referencia al mundo infantil y esto es un tránsito, una película de iniciación.
El monstruo (Frankenstein) y los maquis tienen cosas en común como
el abandono por parte de la sociedad, el esconderse...
En la casa de la Colmena las puertas hacen las formas sexagonales
de las colmenas, la luz color miel... hacen referencia al título.
Hay metonimia con la sociedad franquista: están cerrados en la
colmena de la posguerra.
Esa luz color miel es contraria a la luz azul y unidireccional de la
noche y del cinematógrafo.
Forma de narración:
- Encuadramiento insistente y pasolineal, fijándose en el
ámbito, en los objetos, en los encuadres del lugar. También
hay un gran trabajo con las elipsis haciendo con ellas a
veces recordatorios visuales.
- Admirable fotografía de Luis Cuadrado (que depende de
Vermeer, Rembrandt y sobre todo de Zurbarán)
- Asumida españolidad de la película mediante líneas de
pensamiento: remisión a la mística y al pietismo de la
cultura española.
------X ------

2
Minito Torreiro dice: “proceso parecido al que se había producido en los años 60 en Europa”.

20
COORDENADAS POLÍTICAS Y SOCIALES

La transición fue un periodo de grandes dudas; hubo que abordar las


estructuras anteriores sin romperlas. Es lo que se llama TRANSICIÓN, el
paso de la dictadura a la democracia de la mejor manera posible. Las
dificultades que pasó UCD y Adolfo Suárez fueron muchas ya que el partido
estaba compuesto por muchas tendencias. Fue un partido que no tuvo ni 10
años de vida (formado en el 75)
Surgen otros problemas añadidos de cara a la preparación del ingreso
en Europa, que llevó consigo a la transformación del país. También hay que
destacar el ingreso en la OTAN.
Hubo un desarrollo sindical que fue especialmente fuerte en estos
años; hubo movilizaciones, huelgas, problemas económicos...
Dos factores importantes fueron:
- La publicitación de lo privado  el destape
- La privatización de la público  reuniones importantes de
temas políticos siempre se hacían en privado.
Por todo esto hay que abordar el periodo desde una pluralidad de
perspectivas, ya que la transición no es un todo homogéneo: por un lado
tiene lugar un movimiento de radicalismo cultural en la parte final de la
transición (la llamada “Movida”) que abarca manifestaciones musicales,
plásticas, publicaciones y manifestaciones fílmicas. La Movida no fue sólo
madrileña, sino que hubo otros focos importantes, como Vigo.
Habrá otras eclosiones como la literaria con nuevos narradores como
Javier Marías.
La eclosión artística llegó con la inauguración de centros – teatro y el
diseño de la feria ARCO, por la que se impulsa el diseño y la moda. Habrá
relevancia de arquitectos como Moneo, Calatrava, R. Bofill...
En el ámbito cinematográfico, la transición constituye un periodo
importante y singular no sólo en el momento sino en los años posteriores:
- recoge ciertas tendencias anteriores
- pone en escena el cine español a los niveles internacionales
- va a poner las bases para el cine español de épocas
posteriores hasta hoy.
Esa singularidad del periodo no sólo atañe a la práctica
cinematográfica, sino que también a los estudiosos teniendo lugar el
reconocimiento de la universidad historiográfica.
Aparecen ciertas tendencias historiográficas individualizadas, es la
eclosión de las autonomías, comenzará a haber una industria en cada
comunidad autónoma, su importancia radica en ser una herramienta política
más.
Hay una búsqueda de las historias locales, sobre el cine histórico.
Estaba sin hacer la historiografía cinematográfica española. Las historias
anteriores habían sido escritas durante el Régimen. El punto de partida fue
la obra de Bermúdez de Castro.
Hay “estudios culturales”, tal como se llaman en los países
anglosajones. En la universidad de la Borgoña se analiza la literatura y el
cine de la transición española.
Hay tres películas importantes correspondientes al desarrollo de la
Transición:
- “Bilbao” de Bigas Luna
- “Arrebato”
- “Laberinto de pasiones” de Almodóvar

21
Hay una profunda crisis en el cine español por la salida de García
Escudera como director general de cinematografía, el primero en desarrollar
un apoyo a los nuevos cineastas. Venía a decaer por:
- la propia caída de García Escudera
- la crisis de los 70 en el país
- el distanciamiento del público a ese nuevo cine.
Se pierde la escuela de Barcelona (1965 – 1970) promocionado desde
1967 por Muñoz Suay. Hablamos del único movimiento planteado desde la
vanguardia cinematográfica como el arquitecto Ricardo Bofill y Vicente
Aranda.
Jacinto Esteva va a apoyar la escuela de Barcelona. Económicamente
la gente de la Escuela eran chicos bien porque Jacinto Esteva pertenecía a
una familia importante de la burguesía catalana. Román Gubern andaba por
ahí: el Bocaccio eran donde se reunían. Aquí había dos tipos de cineastas:
con vocación profesional como Joaquín Jordá y otros como Bofill sin tanto
interés. Su película manifiesto fue “Dante no es únicamente severo”.
En los manuales se le llama “Escuela nacional” pero no fue realmente
así, existen problemas para la continuidad de la producción. El ministerio de
Información y turismo era el que daba las subvenciones y estaba liderado
por Alfredo Sánchez Vella. El que se ocupaba de la cinematografía fue
Thomas de Carranta, nombrado por el anterior, y era un personaje
ultraconservador (1969 – 1973) Interviene el BCI (Banco de Crédito
Industrial) que reintegra el 15%3 de los ingresos de taquilla. Esto comportó a
la descapitalización de las productoras. Elías Querejeta y José Luis Dibildos,
productores, anuncian su retirada momentánea del cine. De hecho, Dibildos
abandonó la producción pero Querejeta se dedicó a la producción
internacional.
Se le da un interés especial al proyecto de Manuel Sumer, que sólo
sería abonado después de la proyección de la película y dejaba fuera de
juego a productores como Querejeta, que querían hacer un cine de calidad.
Esto nos lleva a una fuerte censura en temas políticos y sexuales. Es
virtualmente dependiente del Estado en materia de subvenciones.
Román Gubern hizo una recapitulación de la censura del 63 al 69. Se
recuperó la práctica de modificar diálogos de películas extranjeras. Por
ejemplo, en “La Dolce Vita” se denuncia el estado español y esto explica la
práctica de que en los nuevos doblajes haya voces diferentes (esto tiene
lugar a partir del año 76) También se bloqueó “La prima Angélica” y se
prohibieron guiones como “Furia española” o “No desearás al vecino del
5º”, que después conocerá un éxito apoteósico que confirma el subgénero
del “landismo” (A. Landa reprimido sexualmente) Hizo mucho daño al cine
español pero por otro lado supuso ser el cine como fuente de ingreso. Son
productos fílmicos que aun así tuvo problemas.
En “Experiencia prematrimonial” de Pedro Marsó o “Canciones para
después de una guerra” de Martín Patiño se añade en off toda una serie de
canciones populares, visión muy cruda de la vida cotidiana en España en los
años 40 y 50, pero incluso cogiendo imágenes del Nodo y canciones
populares no tuvo el visto bueno de la censura. Efectúa ciertos cortes y en
el año 71 se produce una campaña de prensa fascista para prohibirla y tuvo
que intervenir el jefe de estado, Carrero Blanco, que la prohibió. Tuvo que
esperar al año 77 para que se pudiese exhibir.

LAS MELANCÓLICAS
3
Bloqueo de las ayudas y paralización del 15% de los ingresos.

22
En el cine Yago llega por error la visión que llega del extranjero.
Desde el País Vasco y desde Cataluña se peregrinaba a Perpignan.
Son fenómenos que tienen que ver con el cine.
En 1973 el almirante Luis Carrero Blanco designa a Fernando de Liñan
y Zofío como ministro de industria, y en diciembre muere Carrero Blanco.
Pío Cabanillas será quien designe al director general de cinematografía,
llamado Rogelio Díez. El ministerio de Pío fue importante porque:
- su nombramiento se produce en un ambiente de apertura
- se consolida la ayuda del 30%
- prepara una ley de cine
Muchas veces esas pagas llegaban tarde y los
productores tenían que adelantar dinero.
- hubo un problema: la entrada de películas extranjeras pero
Arias Navarro aunque quería una política de apertura, no
todos los sectores eran partidarios. Aquí fue radical
Cabanillas y se marcha.
En enero se dan lugar situaciones contradictorias: tiene
lugar el nuevo apoyo a la producción y por otro lado las
normas de censura no fueron aprobadas hasta el 75 y que
toleraban el desnudo. Es la inauguración de la “Era del
destape”. En agosto de 1975 se suprime la necesidad de la
proyección del Nodo.
Hay una nueva contradicción: las normas son rígidas en
cuanto a temas políticos.

Hay, en general, diversas tendencias:


- existe ese cine de oposición:
 En 1971 “Mi querida señorita” tuvo importancia
porque vinculaba las frustraciones del español
medio.
 En 1973 “El espíritu de la colmena”.
 En 1974 aparecen una serie de obras y
cineastas muy singulares.
 En 1977 “Sonámbulos”.
Carlos Saura tenía una trayectoria anterior, apoyado por Querejeta
que producía un cine que iba por el camino del Simbolismo para abordar
asuntos que sino no pasarían la censura.
- En 1970 estrena “El jardín de las delicias”.
- En 1972 “Ana y los lobos”.
Ya hay un cierto simbolismo en los títulos.
Saura también realiza “La prima Angélica” y “Elisa, dígame”.
Junto a estas propuestas alternativas hay que señalar la aparición de
la película llamada “Tercera vía”. José Luis Dibildos, propietario de Ágata
Films hace, frente a estas películas tan de autor, un cine comercial. La
fórmula consiste en contratar profesionales progresistas como José Luis
Garci, Antonio Grobe, las actrices Ana Belén, María Luisa Sanjosé... el poeta
Goytisolo. Paco Ibáñez musicó estos títulos.
El objetivo era rodar películas de temas de actualidad con un
tratamiento formal alejado del riesgo. Se aleja del cine comercial más
simple y del más simbólico. La 1ª película fue “Españolas en París” (1969).
Luego vinieron “Vida conyugal” (1973) “Tocata y fuga de Lolita” (1974) de
Roberto Bodega. Jesús Llague rodó “La mujer es cosa de hombres”. Hay un

23
autorreciclado de personajes anteriores de comedia como José Sacristán y
Ana Belén, que no se dedicaban sólo a estas películas.
También José María Cuevas, propietario de Kalender Films, y Manuel
Summers muestran las frustraciones sexuales con la comedia “El niño es
nuestro” (1972) En “Mi primer pecado” (1976) Fernando Fernán Gómez
trabajó para Cuevas.
“Mi querida señorita” y “Tocata y fuga de Lolita” son lo más salvable
de la tercera vía. La mayor parte de las películas lograron un éxito sólo
momentáneo y se quedan en tierra de nadie porque se acaba la censura y
llegan nuevos cineastas como Trueba (“¿Qué hace una chica como tú en un
lugar como este?”, con Summers)

CINE COMERCIAL

A su vez hay distintas corrientes, se mueve en el carácter


subgenérico, estaba la llamada “comedia hispana” donde aprovechaban los
avances de la censura y cada vez son más explícitas sexualmente. El
“landismo” es una invención de los historiadores. Alfredo Landa era un gran
actor, pero estuvo marcado durante mucho tiempo. “Lo verde empieza en
los Pirineos” es una sátira de los fines de semana cinematográficos.

El “eurowestern” fue sustituido por el cine de terror hispano iniciado


por “La marca del hombre lobo”. Expolia en la mejor tradición clásica los
temas de Drácula y el hombre – lobo. Aprovechaba para incluir
componentes sexuales.
Jesús Franco filma hasta 60 películas, siempre en régimen de
coproducción. Es muy irregular, experimentos de vanguardia.

Una última línea curiosa que abunda en la línea comercial es la


marcada por las adaptaciones de las obras literarias españolas, obras en las
que se pueden sacar escenas sexuales.

La Transición propiamente dicha empieza en el 1976.


La política cinematográfica de la UCD tuvo una necesidad de poner fin
a los problemas que iban surgiendo en el cine español. Estamos frente a un
aparato de producción arcaico y con un ir y venir de medidas y
contramedidas.
Hay que comenzar por el decreto de ley del 11 de noviembre de
1937, que estipuló medidas deseadas por el partido democrático:
 1ª: la evolución definitiva de la censura
 2ª: terminar con la obligatoriedad del permiso
de rodaje. Ahora hay una nueva clasificación
para valorar las películas. Llevó consigo la
supresión de las licencias de rodaje.
 3ª: se instaura la subvención del 15% de la
recaudación en taquilla de las películas
 4ª: se crean salas especiales para películas
clasificadas “S” (que pueden herir la
sensibilidad del espectador)
 5ª: implantación de un control de taquilla
realmente efectivo (no se acabó de resolver en
estos años)

24
 6ª: se fija la cuota de pantalla en dos días de
cine extranjero por uno de cine español. en
1979 se deroga esta cuota de pantalla; poco
después se llevó a cabo una cuota de 3 x 1.
Esto supone que una película española podía
obtener hasta 5 licencias de doblaje.

Así, este decreto no estuvo ajeno a los problemas con los


distribuidores. Finalmente la censura se suprime pero sigue presente de
alguna manera:
 la presencia de 4 censores que seguían
juzgando los contenidos en la televisión estatal
 en las asignaciones económicas de las
películas (subvenciones más o menos altas
según el tipo de películas)
Pero la supresión de la censura tuvo consecuencias:
 pierde sentido el cine simbólico
 también supuso la anhelada entrada del cine
español, pudiéndose exhibir películas que
antes no era posible, como “El acorazado
Potemtkin”, “Viridiana”, “La vía Láctea”, “El
último tango en París”...
Se fueron resolviendo los vacíos existentes en la legislación; por
ejemplo Pilar Miró hizo “El crimen de Cuenca” (el ministerio del Interior lo
retuvo: en febrero de 1980 la policía procede a su incautación y Pilar Miró
fue procesada por la justicia militar) La película se autoriza en 1981
convirtiéndose en uno de los grandes éxitos del cine español después de
Franco.
También hubo un documental en 1980: “Rocío”, e Fernando Ruiz, en
el que se denunciaban los excesos de los peregrinos al Rocío. La película fue
secuestrada por un juez de Andalucía.
A partir de 1982 con Felipe González todo esto desaparece.

Hay además una crisis de producción en estos años en los que juegan
un papel importante las medidas del decreto de 1977. En 1978 las deudas
eran de 1500 millones de pesetas, y junto con esto se dio un crecimiento de
los costes de producción de una película media.
Además está la competencia de las películas “S”, que era un cine de
escasísima inversión, rodaje veloz y amortización asegurada.
Hay problemas del sector de la exhibición con la radical ofensiva del
mercado norteamericano para hacerse con el control de distribución y de
exhibición (pero el producto guión – película es el cambio en los hábitos de
consumo)
Las salas se transformaron y las del mundo rural cierran. Muchas del
centro se convierten en “multicines”.
Está también el impacto del vídeo, que llevó consigo un cambio en la
frecuentación de salas:
 cambio de la edad media del espectador, que
baja considerablemente
 cambio en el lenguaje cinematográfico: se hace
un cine para los más jóvenes
 a nivel administrativo el grado de indecisión de
la política centrista frente a los problemas

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internos se pone de manifiesto con el baile de
ministros de cultura y de directores de cine.

PROYECCIÓN: “Bilbao” de Bigas Luna.

BILBAO

Propone dónde están las fronteras entre cine porno y cine comercial.
El problema de estas películas es cómo clasificarlas. Bigas Luna comienza
en el cine con cortos de carácter erótico.
“Bilbao” está rodada en un momento en el que la administración
española no sabe muy bien qué hacer con el cine porno (estamos en 1978)
y por ahí se cuela este director, con una estética muy “Underground”
(Warholl fue el primero en preocuparse por el cine porno, por todo lo que
tiene relación con el ojo de la cerradura)
la ausencia de la figura paterna y madres castradoras, dominadoras y
excesivamente protectoras están presentes en este cine de transición.
Fue rodada en Barcelona.
---X---

A nivel administrativo hay que decir también, en este final de la


transición (1977 – 78), que se dan pasos para una ley del cine, habrá menos
intervensionismo estatal y empiezan a tener lugar las primeras
transferencias autonómicas: el cine catalán y vasco.
“Bilbao” es una producción enteramente catalana. Estos cines
incorporarán también unas líneas temáticas peculiares a tener en cuenta.
Es importante el proceso de colaboración con RADIO TV ESPAÑOLA
para desarrollar proyectos determinados. Ahora hay una colaboración entre
cine y radio – tv recíproca y continuada, que comenzará a partir de 1984 de
forma fija y permanente, pero en este periodo de la UCD ya se comienzan a
determinar algunas de estas pautas para la colaboración. En este proceso
tuvo mucho que ver la llegada masiva de películas extranjeras que copan
las salas de cine.
En agosto de 1979 el gobierno aprueba una orden ministerial que
desarrolla una política de producción desde la administración (daba dinero
para dos películas y 15 series de tv) Este dinero tenía una condición que era
que había que adaptar “Las grandes obras de la literatura española”.
Como resultado, y aunque hubo algún fracaso, hubo unas series
televisivas de gran éxito como “Los gozos y las sombras” y películas como
“La colmena” de Mario Camus. Esto va a marcar un precedente que será
seguido por la etapa de Pilar Miró.
El proteccionismo estatal derivará en un aumento del coste de las
películas y las deudas del estado.
Se dan dos situaciones importantes:
 el primer Congreso Democrático de Cine
Español, debatiéndose 169 ponenciales, pero
con efectos casi nulos
 las Conversaciones del Cine de Cataluña, en
1981, en las que se reivindica la memoria
histórica y nacional, y el uso el idioma catalán.

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Las líneas cinematográficas no pretenden abarcar toda la producción
española (es difícil por la cantidad de bibliografía que hay)

PROYECCIÓN: “Arrebato”.

ARREBATO

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