T.4. Escultura Romana.

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TEMA 4. Escultura romana.
3º Arte Romano
Grado en Historia del Arte
Facultad de Geografía e Historia

US - Universidad de Sevilla
Reservados todos los derechos. No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su
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TEMA 4. Escultura romana

Con respecto a Grecia, se da una circunstancia favorable con respecto a Roma, porque la escultura de
los siglos II y I a.C. en Roma está desarrollada sobre todo por escultores griegos.
Como consecuencia de la expansión a lugares dominados por cultura griega, se dan dos hechos: El
saqueo de estas ciudades, se llevan a Roma botines de guerra, entre ellos esculturas como las de Fidias,
Lisipo… pero por otra parte hay un éxodo a Roma por parte de estos artistas. Estas primeras
manifestaciones escultóricas que se van a dar en roma en su gran mayoría están realizadas por artistas
griegos. Además, encontramos una corriente escultórica (neo ática) que se va a dar en torno a la
ciudad de Nápoles y que copia los modelos griegos de la llanura del ática en torno al siglo V a.C. de ahí
Reservados todos los derechos. No se permite la explotación económica ni la transformación de esta obra. Queda permitida la impresión en su totalidad.
van a surgir algunos de los escultores de los que conocemos su nombre. Sobre todo, encontramos
referencias en los escritos de Plinio, en la historia natural. Hace referencia a muchos pintores, a la
forma que tienen que componer la pintura, pero también a los escultores, por lo que hace referencia
a la forma griega que tiene la escultura romana. Escultores como; Pasíteles, Menelao y Stephanos. Hay
algunas obras firmadas por algunos de ellos, demuestran sus nombres el origen griego.
Pero las dos aportaciones más importantes que va a hacer Roma a la escultura es por una parte el
retrato y por otra el relieve histórico.
Retrato
El retrato va a ser el estilo preferido por los romanos, de cuerpo entero, sedentes, ecuestres, bustos,
caras… se afirma que, hasta la llegada del imperio por regla general, cuando los romanos se hacían
retratos eran simplemente del busto y llegaban hasta el cuello. Posteriormente eso se va alargando y
ya en el siglo II a.C, los retratos llegan hasta los hombros y hasta ese momento todos los retratos en
Roma eran policromados. A partir del siglo II a.C se dejan de policromar y con el fin de señalar los ojos
se le rehundía la pupila con el fin de que se pudiera ver la forma del globo ocular. Todos los
historiadores coinciden que el afán de la retratista romana es de origen etrusco, y de la importancia
del retrato funerario en las civilizaciones itálicas. En esta época son retratos realistas y su origen eran
funerario porque desde la cultura etrusca se acostumbraba dentro de la élite social en roma a hacer
mascarillas de cera que algunas veces no se llegaba a sacar molde de cera o bronce y se colocaban en
los atrios de la casa. Cuando se moría alguien de la familia, el que adquiría el poder de la gens portaba
las máscaras de sus dos antepasados anteriores para conmemorar el recuerdo, a esto lo llaman
imágenes maiorum.
Durante toda la época republicana hay una gran variedad de retratos masculinos, pero hay una
carencia casi absoluta de retratos femeninos esto representa la carencia de importancia de la figura
de la mujer en la sociedad romana. Pero el papel que juega el emperador en la sociedad romana lo
veremos reflejado en los retratos de corte, se mandaba a todas las provincias del imperio (para ello
había talleres produciendo de forma casi industrial) la cabeza se produce en serie y en cada lugar se
representa con el cuerpo que necesiten (militar, emperador…). Al convertirse el retrato imperial en un
retrato de corte, el retrato se va a idealizar pues al emperador no se le puede representar con ningún
defecto físico.
Al emperador se le iba a representar de múltiples maneras:
- Pretor: Togado hasta los pies y portaba en una de sus manos el edicto.
- Pontificex Maximus: jefe supremo de la religión romana, aparece velado y portaba siempre en
la mano un platillo en posición oferente.
- Jefe supremo de las legiones militares: En este caso aparecía con la Thoracata (coraza) y con los
símbolos imperiales; paludamentum (manto) y el cetro.
Ya en tiempos de Augusto se impone la costumbre en Roma de darle culto al emperador en vida, es

una costumbre que no es itálica (costumbre oriental) pero que se impone en Roma. En un principio
ese culto se circunscribía simplemente a levantar algún templo en vida (Augusto prohibió el culto en
vida en su imperio) cuando se le representa divinizado, se le representa desnudo con el paludamentum
sobre un hombre y en algunos casos coronado de laurel. Conforme pasa el tiempo, ese culto imperial
se va a afianzar en la sociedad romana hasta el punto de que el emperador se iba a representar con
algunos de los atributos de los dioses o los héroes de la mitología romana, pero sus rasgos siempre
son reconocibles.
Dentro de lo que es el desarrollo imperial romano hay un inicio muy idealizado pero esa tendencia va
a ir cambiando conforme pasa el tiempo y va a durar hasta el emperador Trajano, de hecho, se puede
apreciar una línea descendente desde la época de Augusto (retrato ideal por excelencia) hasta los
emperadores de la dinastía Flavia (más realista). El retrato de Trajano ya se ve la clara tendencia hacia
el realismo, el siguiente emperador, Adriano trastoca toda la retratista, y vuelve a idealizar el retrato
poniendo de moda el pelo rizado en los emperadores y la barba.
A partir de Adriano de nuevo se retoma la moda del retrato realista, esto se va a recrudecer cuando la
barba impuesta por Adriano va creciendo y el artista usa el trépano para la barba y el pelo. Eso se
evidencia también porque la tendencia que se tiene en este momento tiene un sentido anticlásico,
con un interés fundamental en destacar los rasgos fisionómicos. Encontramos un modelado muy seco
que llega hasta la época de Constantino.
El retrato imperial tiene carácter monumental con el fin de eternizar el físico de las personas
importantes de la sociedad romana. Esto se generaliza hasta tal punto que llega un momento que por
orden del estado se exige que el personaje que quiera levantarse una estatua en un lugar público se
tiene que comprometer a restaurar o edificar algunos de los edificios de carácter público existentes
en la ciudad. De ahí que encontremos muchas columnas conmemorativas, teatros… que hacen alusión
a las personas que han pagado ese inmueble.
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El relieve histórico
La otra gran manifestación va a ser el relieve histórico, que representan sin ningún afán de idealismo
los sucesos históricos reales, cuentan los acontecimientos en relación con la grandeza de Roma. Se
pretende representar el poder y la grandeza. Parece que estos relieves tuvieron origen etrusco pues
se han encontrado sítulas con representaciones de relieves históricos. Del tiempo republicano hay
algunos vestigios de relieves históricos que están fechados en el siglo III a.C. donde se representaban
personajes saltando a caballos en el foro romano. La silla Corsini también es de época republicana y
se representan escenas de pastores con rituales de sacrificio suovetaurilia.
En Grecia existía una tradición de pintura histórica, entonces se relaciona el relieve romano con esta
pintura. Los generales que salían a la conquista mandaban a pitar la ciudad conquistada, el jefe de la
tribu y el paisaje del alrededor. Con esos cuadros llegan a roma y el general de turno se lo da al senador
y explica sus hechos exponiendo estos cuadros. Los relieves escultóricos son u traslado de esa pintura
de carácter histórico con perspectiva, puntos de fuga…
Domicius Enobarbus, es un altar dedicado a Neptuno que se encontró en el campo de marte que se
ha considerado como una especie de exvoto tras conseguir una victoria naval. Es un altar con varios
lados; representados las bodas de Neptuno y Anfitrite, la batalla naval, el sacrificio de la suovetaurilia.
Es el modelo más antiguo fechado que se tiene de un relieve a gran escala de estos acontecimientos,
se ha llegado a la conclusión de que hay dos manos una griega y otra más realista romana (sacrificio
de los animales). La llegada del imperio va a producir un surgimiento de relieves históricos.
Ara Pacis Augustae. Es un altar que se manda construir para conmemorar la victoria de Octavio sobre
Hispania y Galia. Se situó en un primer momento en el campo de marte, muy cerca del mausoleo de
Augusto, pero se le pierde la pista. Y se descubre en el siglo XVI cuando se comienza a excavar para
hacer el palacio Fiano que se levanta al lado del campo de Marte. En el año 1903, aun arqueólogo
austriaco, especialista en el mundo romano dice que si han aparecido partes del ara debería haber
más por lo que se continúan las excavaciones. Se encontrarán el resto de las piezas de modo que se
puede recrear el altar prácticamente entero. La conclusión de Petersen es que son artistas griegos que
posiblemente sean los mismos que hacen el pórtico de Octavia.
El Ara Pacis es un retrato de la roma de la época. En primer lugar, aparecen los lictores, que van
portando los símbolos del imperio, luego van los acólitos que van acompañando al Summo Pontificex
(Agripa), está representada toda la familia imperial. Aparecen también los senadores, todos coronados

con la corona de laurel, simbolizando el patriciado urbano. Y por último aparece el emperador
coronado también de laurel y está cara al público recibiendo los aplausos del pueblo de Roma.
La parte interna cambia totalmente el sistema decorativo, es una decoración más sencilla dividida en
dos registros, en la inferior forma un tableado y en la superior encontramos guirnaldas de flores
sostenidas por bucráneos. Encontramos en el interior una decoración de candellieri que va a tener
influencia enorme en la decoración romana de altares, arcos triunfales, frisos de los templos… todo
está representado ordenadamente sin dar sensación de bulto. Las figuras situadas en primer término
destacan del fondo que las que están colocadas en primer término.
El altar se va a consagrar en el año XVII a.C. se cree que con la inauguración se inaugura también un
seculum (nueva era para los romanos, cada 110 años comenzaba un siglo nuevo pues era el tiempo
que para ellos transcurrían tres generaciones, así tras 110 años había un siglo nuevo que traía la paz
de los romanos).
A partir de entonces los relieves históricos van a proliferar no solo para altares, sino para arcos
triunfales que son interesantes porque son arcos que se van a construir en honor de emperadores,
con escenas de cortejo, cuadrigas, batallas… todo ello está integrado en la arquitectura. Algunas veces
no solo son relieves, sino estatuas de los jefes de los pueblos bárbaros.
Además de los arcos triunfales aparecen relieves históricos adornando en forma de frisos o placas
conmemorativas en los foros de cada emperador. Además, son muy amantes de representar a los
enemigos, que suelen representarse caídos en el suelo, si van en caballo, están pisoteados por estos
o si van a pie están atados a una cuerda como prisioneros. También podemos encontrar escenas
domésticas. También representaciones de escenas domésticas donde se representan mujeres con
niños en brazos huyendo de las guerras o resguardándose en el interior de las murallas y a partir del
siglo II con el emperador Trajano comienzan a aparecer los sarcófagos. Ya empiezan a aparecer los
sarcófagos cristianos que representan simbologías como pan, espigas, uvas, alfa, omega, crismón, en
algunos casos la figura del buen pastor.
Los sarcófagos paganos tienen predilección por la representación de bacanales (o representaciones

del propio dios) y algunos momentos de la vida de los dioses. Las representaciones de los cuatro o
cinco dioses del panteón romano (triada capitolina).
Loba capitolina, Museo Conservatori, Roma. También llamada loca Luperca, en principio se pensó que
era una escultura etrusca. Se barajó una fecha en torno al siglo V a.C. pero se le hizo un estudio hace
unos años y se descubrió que era de la edad media.
Los orígenes del retrato romano particular.

Encontramos la costumbre de las mascarillas de cera, se colocaban en el patio de las casas y cuando
se producía el fallecimiento el que quedaba como jefe de familia portaba las esculturas de su
antepasado en el cortejo mortuorio. Eran retratos muy realistas que realmente reproducían los rasgos
fidedignos del personaje.

Retratos masculinos:
En la época republicana los retratos aparecen con el pelo corto y con la patilla formando un rizo hacia
delante. Van a mantener gran realismo a lo largo de la república.
Lucio Junio Brutus, siglo V a.C. Es un retrato realizado en piedra, pero con los ojos de cristal.
Máscara mortuoria, siglo II a.C. Las características del rigor mortis están acentuadas en esta escultura
a partir de mascarilla.
Patricio Barberini, siglo I a.C. Podemos ver el patricio romano representado con las dos cabezas de sus
antepasados. Lo que se pretendía con esta costumbre es que la sociedad viera como los rasgos
distintivos de la familia perduraban en el tiempo.
Busto de Esquines, siglo II a.C.

Retrato de Aule Metele, Arringatore, siglo II a.C. Aparece con la mano en alto dirigiéndose a la
población, con una postura de contraposto, la túnica.
Retrato de Cicerón, Museo de capitolino.
Catón El viejo y Porcia, siglo II a.C. En las escenas de matrimonio siempre aparecen con las manos
entrelazadas. Aunque también esta iconografía aparece en los retratos imperiales.
Retratos Femeninos:
Son mucho menos abundantes que los masculinos. La mujer aparece peinada con la raya en medio y
con el pelo recogido con una coleta trenzada.
Retrato femenino, siglo I.

Sabina, siglo II, Museo de las termas. Aparece peinada con el rizo muy suelto, velada. Tiene unos rasgos
estéticos sin ningún tipo de fallo en las facciones.
Retrato de Livia.
Retrato de Sila, 138-78 a.C. Tiene la nariz rota por el damnatio memoriae.
Pompeyo, villa Arconati.

Julio César, Rímini. Se hace retratar con el manto que será el símbolo imperial y con el padulamentum.
Todavía es muy estática la figura, no se representa la curva praxiteliana.
Pompeyo, palacio Spada, Roma. Aparece con la bola del mundo en la mano.
Segundo triunvirato
Marco Antonio. Lépido.

Augusto prima porta.
Retratos de Augusto:
Como Summo Pontificex. Como Pretor.
Fasces, Teatro Marcelo, Roma.

Retratos imperiales.
El referente principal será el retrato griego partiendo del retrato de Alejandro Magno. Llega a roma
como consecuencia de los saqueos de las ciudades helenísticas.
Retrato de Alejandro Magno (Grecia). Se toma como referencia la postura, la musculatura…
Augusto de prima porta. Se encontró en el siglo XIX en las excavaciones que se hicieron en la prima
porta de Roma. Se identificó con textos romanos que se describía a Augusto en bronce y oro, esta es
una copia de esa escultura. Se hace representar como general de las legiones de roma, con la thoracata
y con toda la iconografía en su pecho. La postura tiene como referencia las esculturas de Policleto con
un contraposto en la pierna derecha, mientras que la otra está retranqueada. Tiene la mano levantada
como dirigiendo a las tropas. En la mano izquierda está sujetando el bastón de mando y el
paludamentum. Lo más interesante es la iconografía de la coraza. Tiene dos quimeras en las
hombreras, en la parte superior aparece la representación del cielo representado por un hombre con
un manto barbado y acompañado por la aurora y el rocío. En el centro encontramos el carro de helios.
La parte central es la más importante porque están representadas la figuras de Hispania y Galia que
son las dos provincias que se acaban de someter completamente en tiempos de Augusto. En la parte
central aparecen las insignias de los pueblos partos y en el centro el jefe de este pueblo que lleva las
insignias imperiales de roma entregándoselas a Marte, dios de la guerra. Es la recuperación de las
insignias por parte de Roma porque abajo aparece la loba.
Abajo aparecen Apolo y Diana, dioses protectores de augusto. En la parte inferior aparece la diosa
fortuna.
Desde el punto de vista técnico encontramos todo un sistema de paños mojados helenísticos. Con
respecto al tratamiento de la cara aparece ya una figura totalmente idealizada con una tendencia a lo
largo de todo el siglo I hacia el realismo.

Augusto como Pretor. Aparece con la toga y el edicto en la mano izquierda como jefe supremo de la
magistratura romana. Augusto como summo pontificex. Aparece velado con un plato de ofrendas en
la mano derecha.
Livia esposa de Augusto. Aparece con una fisionomía muy a la griega, con un perfil muy perfecto. El
tratamiento de paños de la época clásica. Este modelo de peinado va a ser el que se ponga de moda
en esta fecha.
Agripa, ministro y yerno de Augusto.
Druso el mayor.
Augusto y Livia, relieve. Aparece divinizado, desnudo solo con el paludamentum, representado como
júpiter con la antorcha en la mano. Livia aparece con la cornucopia en la mano derecha como la
fortuna.
Tiberio. Aparece también divinizado con el bastón de mando en la mano derecha y la corona de laurel.
Apoteosis de Claudio. Representado como júpiter. Aunque aparece una vez muerto, con el águila que
agarra con sus garras el bastón de mando.

Claudio representado como júpiter. Hace alusión al jefe supremo de la iconografía pagana. La obra en
solemne llena de ímpetu y de empaques divinos.
Agripina la mayor. En época de Claudio comienza a ponerse de moda este peinado.
Agripina la menor.
Claudio y Agripina la menor, agrodisias de Caria, Sebasteion. Es un retrato de matrimonio, siempre

aparecen con las manos unidas de esa manera. El emperador divinizado, desnudo. Ella como si fuera
la diosa de la abundancia con un peinado de rizos con la túnica hasta los pies.

Claudio y Britania, Afrodisias de Caria, Sebasteion. Representa el hecho del sometimiento de Britania.
Se hace representar desnudo con el gorro frigio, y aparece Britania como la reina de las amazonas.
Calígula.
Nerón. Ya encontramos una tendencia a la representación de los emperadores, con algunas arrugas
en la frente. Será el primero que cambie el modelo de peinado, más desordenado. La patilla le baja
hasta la mandíbula y le recorre hacia el cuello.

Popea Sabina (Segunda mujer de Nerón).
Claudia Octavia (Primera mujer de Nerón).
Dinastía Flavia.
Vespasiano. Ya encontramos la representación del emperador calvo, con arrugas.
Tito. Encontramos gran diferencia de este perfil con el augusto. Es más real ya que tiene marcas de
expresión.
Domiciano. Es un busto que se repite mucho en el imperio.
Trajano. Sería el punto de inflexión dentro de los retratos. Hay algunos que se ven más idealistas que
otros, pero todos responden a un modelo, aunque se cambien los rasgos faciales. Retoma el peinado
de augusto y aparece con una thoracata.
Plotina (mujer de Trajano).

Adriano. Es un emperador que era muy amante de la cultura helenística y griega, acoge este modelo
teniendo como referencia el modelo de las representaciones de júpiter. Ya encontramos un pelo
rizado con trépano y la barba corta con bigote.
Sabina (mujer de Adriano).
Apoteosis de Sabina. Aparece sentado mientras que Aion aparece transportando el alma de sabina.

Antinoo. Era un joven bitinio que está siempre en la órbita del emperador en sus campañas, y cuando
están en Egipto, Antinoo decide tirarse al Nilo para suicidarse con dieciocho años. Desde este
momento, Adriano lo diviniza y lo representa divinizado en múltiples esculturas. En todas las esculturas
que conocemos aparece idealizado.
Diana. Copia el modelo de Policleto.
Cabeza de Cibeles.

Trajano divinizado. Posiblemente proceda del templo dedicado a trajano en la ciudad de itálica.
Dinastía de los Antoninos.
Antonino Pío. Ahora se impone el modelo barbado. Es muy recordada muy del estilo de Adriano. El
pelo no es tan rizado como el de Adriano, pero tiende a un pelo más desordenado.
Faustina. Impone el modelo de la raya en medio y el pelo ondulado.

Faustina la menor.
Apoteosis de Antonino y Faustina. Aparecen representados rodeados por las águilas imperiales. En la
parte inferior aparece Atenea y un personaje que probablemente sea una deidad egipcia.
Marco Aurelio.

Marco Aurelio a caballo. Es la única que nos ha quedado de los emperadores montados a caballo.
Retrato de Commodo. Identificado como Hércules con el mazo y el león de nemea. La barba ya va
creciendo y es más rizada. El tratamiento del pelo también.
Dinastía Severa.
Septimio Severo. Es el primer emperador africano. Ya encontramos una barba muy rizada.

Julia Domna (mujer de Septimnio Severo).
Retrato de Caracalla. Siempre se le retrata con el ceño muy fruncido.
Retrato de Filipo el Árabe. Pertenece a los últimos momentos del imperio.

Maximiano.
Diocleciano.
Octacilia Severa.
Maximino Tracio. Se endurecen mucho los rasgos.
Escultura de la tetrarquía. El arte romano está en plena decadencia.
Relieve del arco de Galerius, Tesalónica. Es interesante desde el punto de vista ornamental. El tipo de
modelado es muy tosco, y es muy torpe, es un momento en el que imperio está en decadencia. En la
parte superior podemos ver una palmeta de origen oriental y está presente en todas las
manifestaciones escultóricas de esta época. Abajo podemos ver roleos de las hojas de acanto.

Constantino. Tiene un modelado muy seco y duro en las facciones. Responde al propio físico del
emperador.
Relieves romanos.
Es una tradición de la época etrusca y se va a ver incrementada en Roma tras la llegada de Augusto,
para representar hechos imperiales y darles reconocimiento. Aunque se han conservado algunos
relieves de época republicana.
Relieves republicanos.
Altar de Domitius Aherobarbus. Siglo II a.C. Museo del Louvre. Se manda a levantar para agradecer al
dios protector Neptuno los favores en una batalla naval. Se puede dividir el relieve en dos. Una serie
de personajes cada uno identificativos con su rostro y por otra parte la representación mitológica de
las bodas de Neptuno y Anfitrite, y ahí es totalmente diferente el tratamiento de la escultura. El
tratamiento de la figura es muy similar al monstruo que aparece en el altar de Zeus en Pérgamo.
Ara Pacis Augustae. Se hace con motivo de la finalización de las guerras contra Hispania y la Galia. Se
hace en honor de augusto y se colocó en el campo de Marte. Estaba situado en un lugar cercano a un
reloj solar, muy cerca de donde estaba el mausoleo del emperador. Por su propia connotación política
y la representación de todos los mandatarios de roma, Mussolini se fascinó con el ara Pacis y manda
a construir un edificio específico, inspirado en el templo romano, pues estaba sobre un podio y se
accedía a él por uno de los lados menores y en el interior coloca e Ara.

Es un edificio cuadrangular con dos puertas, una de entrada y otra de salida y en el centro estaba el
gran altar. Desde el primer momento se quiso que ese ara representara el poder de Roma, pero que
a su vez tuviera una iconografía que remitiera a la propia historia de los orígenes de Roma. De manera
que los dos lados que no tienen puertas se colocaron las procesiones inspiradas en las panateneas. Se
representaba a todo el pueblo de roma, cónsules, pretores, lictores… en los lados menores se
representó a Eneas y en el otro lado a Rómulo y Remo. Encontramos también una representación de
Roma, y otra de Tellus. Estaba completamente policromado. Los personajes están identificados según
las ropas y sus colores.
Representación de Rómulo y Remo. Aparecen con un cerdo como si fueran a ofrecérselo a los dioses.
Encontramos distintos registros que adornan el Ara, en la parte externa encontramos unas hojas de
acanto con unos varetas y hojas de roleo. La decoración de Candelieri también tendrá mucha
importancia en el renacimiento. Ambos registros están separados por una greca.
Representación de Tellus. Con los niños en los brazos y dos alegorías, la representación del aire con un
pájaro y la del mar sosteniendo un monstruo marino.

Representación de los Lictores. Aparecen con unos gorros muy peculiares.
Representación de los Senadores. Coronados con el laurel.
Representación de la familia imperial. Están todos los personajes identificados (Agripa, Cayo César…).
Parte interior:
En la parte inferior encontramos un tableado y en la superior encontramos bucráneos y rosetas.
Relieves siglo I, museo de Nápoles. Son muy curiosos desde el punto de vista de la vida cotidiana del
imperio. Son actores probándose máscaras.
Procesión báquica, Herculano.
Tumba de L. Cornelius Atimetus, siglo I, Museos Vaticanos. Este señor tiene una tienda de cuchillos y
el tendero está exhibiendo sus navajas.

Relieve funerario, circo máximo, siglo I a.C, Museos Vaticanos.
Monumento funerario de Eurysaces, siglo I a.C.
Reconstrucción de la tumba Haterii, siglo II. Se trataba de un mausoleo de planta cuadrangular como
la mayoría de mausoleos romanos. Encima de la puerta encontramos la representación de unos dioses,
en retrato del matrimonio Haterii. La parte de atrás encontramos una simulación de un edificio con
una serie de relieves.
Aparecen sobre la puerta los dioses tutelares, Mercurio, Ceres, Plutón y Proserpina. En la fachada
principal de lo que era el mausoleo aparecen una serie de edificios con un arco central en el que
aparece la diosa Isis, un edificio circular que será el coliseo. Aparece también en la fachada principal
el cuerpo del difunto. Encontramos también dos retratos muy realistas. Aparece también un edificio
que parece ser el propio mausoleo. En la parte inferior aparece el pésame al familiar.

Ícaro y Dédalo, Villa Albani, Roma.
Escena de un Parto, siglo I. Londres.
Columna Trajana, año 113. Es el monumento histórico más importante de los que existen en Roma.
La columna reposa sobre un pedestal enorme que tiene una puerta para acceder al interior porque en
principio también iba a ser la tumba de trajano. Es transitable en su interior y se compone de 17
tambores, de forma helicoidal van representados en relieves las guerras contra los dacios. No
solamente se ven episodios de la lucha sino también escenas de carácter doméstico.

La columna está realizada en relieve de realce, pero conforme se va subiendo en altura apenas
encontramos realce.
El pedestal está constituido por una panoplia, donde aparece el instrumental de guerra de los
romanos, además tiene la epigrafia de la columna en la que curiosamente no pone nada. Pone que
para colocar la columna se tuvo que rebajar un monte para colocarla. A mitad de la columna hay una
nike que porta dos escudos y en ellos están narradas las dos partes de la guerra contra los dacios.
Arriba también aparece Decebalo en el momento que se suicida antes de caer en manos de los
romanos. Toda la columna y paneles tienen perfectiva, unas están adornadas con paisaje
arquitectónico y otras con paisajes naturales.
Se entiende que el proyecto es entero de Apolodoro de Damasco, pero se usó un taller para completar
este gran proyecto.
Columna de Marco Aurelio, años 180-193. Narra las guerras igual que la columna trajana, en forma
helicoidal, pero es de menor calidad que la anterior columna además las figuras están todas repetidas.
Columna de Antonino Pio. De ella solo se conserva el pedestal, pero se conservan las descripciones.
Aparece en ella el cortejo fúnebre del entierro de Faustina y la apoteosis de Antonino y Faustina.
Relieves en la época de Constantino.
Arco de Constantino. El monumento más importante que se hace es el Arco para conmemorar la
batalla de Milvio. Estaba en la vía sacra, que era por donde entraban los emperadores a Roma tras la
batalla. Cuando se hace este arco, los grandes talleres se habian trasladado a Constantinopla. La mayor
parte de los relieves del arco de Constantino son de acarreo, se traen relieves que se estaban cayendo
de monumentos de otros emperadores. En los lados menores hay algunos relieves que se hacen
especialmente para este arco, entre ellos algunos de los tondos y los relieves que van a narrar algunas
de las batallas de Constantino y algunos de los repartos de comida que hace el emperador después de
una de estas victorias obtenidas por el imperio.
Encontramos un tondo muy interesante donde podemos ver el carro de Selene, donde aparece Selene
tirando de un carro, pero lo más interesante es que es un relieve que ha perdido todo movimiento y
vaticina el tipo de relieve que se va a dar en la edad media, perdiendo toda referencia grecorromana.
Encontramos también victorias aladas que se repite en las cuatro caras del arco.

Busto de bronce de Teodosio.
Pedestal del obelisco de Teodosio. Aparece el emperador Teodosio con la corona rodeado de toda la
corte imperial, pero al igual que sucede en el arco de Constantino, es un patrón de caras en todos los
personajes.
Copias de esculturas griegas.

Las copias que se hacen de originales griegos se empiezan a hacer desde el siglo IV a.C. los romanos
tienen predilección por la escultura clásica del siglo V. conocían además las obras de algunas esculturas
helenísticas. En las colonias griegas de la Magna Grecia los romanos pudieron verlas directamente. Por
lo que ellos tienen desde un primer momento interés por recuperar la estatuaria griega clásica y por
ello los artistas griegos se van a dedicar a reproducir las estatuas que eran más importantes de la etapa
de la Grecia clásica. Se hicieron copias idénticas a los originales. Pero hubo algunas modificaciones,
cambiándole el sentido. También en algunos casos cambian algo del original, pues presentan unas
características en cuanto al significado que en Roma se cambian. Por ejemplo, las estatuas de Orestes
cuando llegan a Roma le colocan una túnica y otros atributos.
Otra modalidad de copia es la de unir dos originales y crear un grupo, por ejemplo, el grupo de San
Idelfonso es el producto de dos copias del original de Antinoo y de una escultura del mundo del más
allá. A parte de estas modalidades hubo también una intención de copiar aquellas estatuas que por

cualquier motivo fueron famosas en la antigüedad, por ejemplo, el Hércules Farnesio que era un
original de Lisipo y que se va a copiar por un escultor de origen griego llamado Glicón.
Atenea Varvakeion, Museo de Atenas. Pertenece al siglo II con la Nike sostenida en la mano como lo
define Fidias. Con las serpientes en la coraza.
Atenea, Museo del Prado.

Atenea, Museo de Berlín.
Atenea Parthenos, copia de Fidias, Antíochos de Atenas, Museo de las termas. Aparece con la cabeza
de medusa sobre el pectoral y falta el esculdo y el casco.
Copia del Doríforo de Policleto, Apolonio, siglo I, Museo de Nápoles. Se hace en bronce y está muy
relacionada con el tipo de modelo para retrato de Augusto.
Hércules Farnesio, Glykón, Museo de Nápoles. En torno al siglo I a.C. es la copia del original de Lisipo,
incluso respetando las medidas del original. Es una copia fidedigna del original.
Versiones del original.

Hermes, Copia del original siglo V a.C. Museo de las termas.
Orador, Escultura firmada por Kleoménes, siglo I, Museo del Louvre. Se inspira en el Hermes anterior
en cuanto a la postura y el manto. En general también en la referencia a la hora de hacer el modelo,
ya ha salido una figura totalmente nueva con una finalidad diferente.
El Efebo, Museo de Antequera.
El luchador, Apollonios, siglo I, Museo de las termas, Roma. Es una copia exacta de un original griego
del siglo IV a.C. Escultura en bronce.

Torso Belvedere, Apollonios, siglo I, Museos Vaticanos.
Zeus de Otrícoli, copia del original de Euclides, siglo IV a.C. Museos vaticanos.
Grupo de San Idelfonso, siglo II. Museo del Prado. Es un grupo escultórico que nace de la copia de dos
originales, por un lado, de la copia del Apolo Sauroctonos con la cabeza de Antínoo mientras que la
ora figura el original al que remite es el Doríforo de Policleto. Este grupo tiene carácter funerario ya
que una de las figuras tiene una antorcha encendiendo en un fuego. Se ha pensado que todo el grupo
tuviese una finalidad funeraria.

Corriente Neo-ática.
Unido a ello se va a desarrollar en Roma una corriente que se llamó corriente Neo ática que se va a
desarrollar fundamentalmente en torno a la ciudad de Nápoles. Se llama así porque se dedicaron a
copiar originales que se produjeron en la escuela ática griega en torno al siglo V a.C. va a ser la escuela
de pintores más importantes que se va a dar dentro del mundo romano. De aquí conocemos los tres
escultores más famosos de la antigüedad romana, que fueron: Stephanos, Pasiteles, Menelao.
Existieron otros autores, además, ya que Plinio da referencia de una serie de escultores de los cuales
no se han conservado ninguna obra, cuenta la existencia aparte de en la escuela ática, en Roma. Se
sabe que los tres se dedicaron prácticamente en exclusiva a copiar la estatuaria ateniense, sobre todo
a partir del siglo II a.C. cuando algunos de los generales romanos importantes le van a comprar obras
a estos escultores y se pone de meno entre la sociedad romana el tener esculturas que fueran
representativas de la escuela romana. Ka mayoría de obras son anónimas y solo sabemos que han
llegado hasta nosotros por la cronología de los emperadores, así podemos saber que Apolodoro de
Damasco, es el que proyecta el foro de Trajano. Se cree que Apolodoro también copió en tiempos de
Trajano algunas de las esculturas que quedaban del mundo clásico.
Los romanos lo que tienen es un interés porque la escultura griega no desaparezca, y comienzan a
sacar moldes de las esculturas para que no se pierda el legado griego. Gracias a esas copias hoy en día
conocemos muchas de las grandes obras de la antigüedad. Esto nos lleva a una serie de inconvenientes
a la hora de crear una cronología de la escultura romana. Porque sabemos las fechas de los originales
griegos, pero no de las copias romanas a no ser que estén firmadas. Esto es interesante porque cuando
se hace una cronología de una escultura de época romana que está inspirada en el mundo griego, casi
nunca tiene una cronología exacta.
Hay un desfase con respecto a la cronología del mundo romano, esto produce una problemática con
respecto a lo que es el tiempo en el que se hicieron, gracias a las copias que se hicieron en el mundo
romano conocemos algunas de las más importantes de la antigüedad clásica, como es el caso del
Laocoonte, y el toro Farnesio.
Stephanos
Apolo de Omphalos, 470 a.C.

Efebo Villa Albani, siglo I a.C, Museo de Nápoles. Está inspirada en el Apolo anterior tanto en la postura
como el bastón que tiene en la mano derecha.
Menelao.
Orestes y Electra, Museo de las termas, Roma.
Helena y Afrodita con Paris, Museo de Nápoles.
Eurídice y Orpheo, copia de un original griego.
Afrodita de Menophantos, siglo I a.C, Palazzo Massimo.

Dionisio como Sardapano.
Ménade con una cabra, siglo I a.C. Posiblemente sacada de una crátera.
Apolo y Sátiro, siglo I, Palazzo Altemps.
Hermafrodita. El original era de bronce, pero se hicieron copias tanto de bronce como en mármol.
Laocoonte. Es una escultura sumamente compleja desde el punto de vista de su datación. Las primeras
noticias que se tienen las da Plinio, que dice que vio una escultura en el palacio de tito que
representaba al sacerdote de Apolo en el momento de ser devorado junto a sus hijos por unas
serpientes que mantiene que historia que cuenta Ovidio y no solamente vio esta escultura, sino que
vio la firma de los tres escultores que la hacen Agesandros, Atenadoros y Polidoros. Además, dice que
la escultura era “la más grande entre las obras de arte que él había visto nunca”. Dice que estaba

hecha entera de un solo bloque de mármol. En 1506 cuando se estaban llevando a cabo en roma unas
excavaciones en las termas de tito apareció una figura que coincidía con la descripción de Plinio, pero
con algunas diferencias que no era de un solo bloque de mármol, y no aparecía por ninguna parte los
nombres de los escultores. Había gran diferencia entre el original y el que conocemos hoy. Se pensó
que lo que ve Plinio era un original helenístico que estaba relacionado con la escuela de Pérgamo y
que lo que se ha encontrado en las termas de tito era una copia del original que ve Plinio, por lo que
se pensó que era una copia de un original helenístico.
Cuando se descubre el Laocoonte, le faltaba el brazo derecho, los grandes escultores del momento
comienzan a hacer conjeturas de como estaría el brazo que le faltaba, algunos dicen que estaba
cogiendo a una de las serpientes. Mientras que M.A dijo que el brazo estaría doblado intentando coger
la serpiente de su espalda. Cuando apareció el brazo se vio que estaba doblado.
En el siglo XIX se encontró un grupo escultórico de Polifemo en una cueva que estaba en el palacio de
Tiberio en la ciudad de Sperlonga. Ven que la escultura estaba firmada por los mismos que firmaron
el Laocoonte según Plinio, por lo que se llega a la conclusión que la copia del Laocoonte que se
encontró en roma estaba hecha por los mismos escultores de origen griego, Rodas. Se fechan en la
época de Tiberio, son contemporáneos del reinado de Augusto y Tiberio.
Grupo escultórico del toro Farnesio. Se encontró en Roma en las termas de Caracalla. Se entiende que
es una copia de un original griego cuando se encuentra el original le faltaba la cabeza al toro y a Dirce.
Todo el grupo tiene una disposición piramidal pero esta escultura no está firmada pero se entiende
que las personas que lo hacen pertenecen a la escuela neo-atica.



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Grado en Historia del Arte

Facultad de Geografía e Historia

TEMA 4. Escultura romana

Al emperador se le iba a representar de múltiples maneras:

Ya en tiempos de Augusto se impone la costumbre en Roma de darle culto al emperador en vida, es

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Los orígenes del retrato romano particular.

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Busto de Esquines, siglo II a.C.

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Retrato de Cicerón, Museo de capitolino.

Retrato femenino, siglo I.

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Pompeyo, villa Arconati.

Marco Antonio. Lépido.

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Augusto prima porta.

Fasces, Teatro Marcelo, Roma.

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Retrato de Alejandro Magno (Grecia). Se toma como referencia la postura, la musculatura…

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Agripa, ministro y yerno de Augusto.

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Claudio y Agripina la menor, agrodisias de Caria, Sebasteion. Es un retrato de matrimonio, siempre

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Popea Sabina (Segunda mujer de Nerón).

Claudia Octavia (Primera mujer de Nerón).

Domiciano. Es un busto que se repite mucho en el imperio.

Plotina (mujer de Trajano).

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Faustina. Impone el modelo de la raya en medio y el pelo ondulado.

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Julia Domna (mujer de Septimnio Severo).

Retrato de Filipo el Árabe. Pertenece a los últimos momentos del imperio.

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Representación de los Lictores. Aparecen con unos gorros muy peculiares.

En la parte inferior encontramos un tableado y en la superior encontramos bucráneos y rosetas.

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Relieve funerario, circo máximo, siglo I a.C, Museos Vaticanos.

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Ícaro y Dédalo, Villa Albani, Roma.

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Busto de bronce de Teodosio.

Copias de esculturas griegas.

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Atenea, Museo de Berlín.

Versiones del original.

El Efebo, Museo de Antequera.

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Torso Belvedere, Apollonios, siglo I, Museos Vaticanos.