CUADERNO DE RESÚMENES/ RÉSUMÉS DES COMMUNICATIONS/

BOOK OF ABSTRACTS

EJE 1: PENSAR EL CUERPO|

PENSER LE CORPS|
THINKING THE BODY
ANDREA OSTROV (Universidad de Buenos Aires, Argentina)

AUTOR: Francisco García Mendoza

UNIVERSIDAD: Pontificia Universidad Católica de Chile (Chile)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: La rebeldía del cuerpo y el género: tensiones familiares e
incestuosas en la narrativa de Lucía Puenzo, Andrea Jeftanovic y Carmen Galdames
RESÚMEN:
En el campo narrativo sudamericano han surgido voces cuyo material de trabajo tiene que ver
con la posibilidad del género y las relaciones familiares como materia discursiva articulatoria en
contra de los cánones o las normas sociales establecidas para vivir en comunidad. Aparece en
diversas narrativas el cruce incestuoso como transgresión exploratoria de nuevas posibilidades
que intentan desbordar el orden patriarcal heteronormativo y el tabú universal. La argentina
Lucía Puenzo, El niño pez (2004) y Wakolda (2010), trabaja con personajes adolescentes que se
enfrentan al poder representado por el mundo de los adultos. Sus personajes son sujetos
inadaptados y transgresores de las normas socioculturales. Los protagonistas de Puenzo
apuntan a cierta amoralidad, en donde el dilema ético pareciera ser irrelevante, personajes
desbordantes de deseo y con una fijación particular en el cuerpo como productor de múltiples
significados. Lo mismo ocurre con las escritoras chilenas Andrea Jeftanovic, No aceptes
caramelos de extraños (2011), y Carmen Galdames, El cielo que pintamos (2015), que trabajan
sobre el cuerpo como materialidad y el incesto como acto político de insubordinación,
resignificando espacios, tendiendo puentes hacia nuevos lugares de transgresión exploratoria,
politizando el acto incestuoso y materializando la crisis de las distintas categorías
normalizadoras de la sociedad actual, desestabilizando, de ese modo, el discurso oficial y
develando la naturaleza reprimida culturalmente por el ser humano y su habitar en comunidad.

AUTEURS: María de los Ángeles Hernández Gómez

UNIVERSITÉ: Université Clermont Auvergne (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Pour une compréhension du corps comme enjeu politique à
travers la littérature: corporalité et corporéité dans les récits de guerre de Vercors (1902-1991)
RÉSUMÉ:
L’écrivain français Vercors est aujourd’hui connu comme l’un des représentants majeurs de la
résistance intellectuelle française pendant la Seconde Guerre mondiale, notamment par son
célèbre récit Le silence de la mer (1942). N’ayant pas vécu l’internement ou la déportation, il a
pourtant consacré une grande partie de ses écrits de guerre à l’univers concentrationnaire, des
textes de circonstance qui dénoncent par la fiction l’entreprise nazie, à un moment où les camps
de la mort étaient encore méconnus d’une grande partie de la société française. Ces récits à
même la peau s’articulent autour des hommes, devenus des corps, réduits au purement
physique, sensoriel, qui voient même altérées leurs fonctions humaines par les violences subies
(Becker, 2006, p. 323). L’emprise sur le corps, le temps et l’espace conforment dans ces textes
un « état d’exception » (Agamben, 2003) qui vise la destruction de l’homme dans sa corporalité
et, par-là même, dans sa corporéité. Pour rendre compte des formes que ce système complexe
prend dans la fiction vercorienne, nous bâtirons notre analyse à partir des pensées de deux
figures majeures du XXe siècle, par ce qu’elles ont d’éclairant pour l’étude et la compréhension
de l’homme moderne: Michel Foucault et Emmanuel Levinas. Nous nous servirons
fondamentalement du concept foucaldien de biopolitique (retravaillé par Giorgio Agamben),
ainsi que des concepts lévinassien d’enchaînement et d’être-rivé.

AUTORES: Greta Gómez Camacho y Hugo Salcedo Larios

UNIVERSIDAD: Universidad iberoamericana, Ciudad de México (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Los insensatos de “La Castañeda”. Una mirada al mecanismo de
control y vigilancia
RESUMEN:
Aún en la actualidad existen instituciones que, bajo discursos y prácticas de poder e imaginarios,
instauran normas corporales para vigilar y controlar, privilegiando los cuerpos saludables,
estéticos, completos y aptos para la cualidad reproductiva en servicio de la maquinaria
capitalista. En la obra teatral del mexicano David Olguín (1964), Los insensatos (2012), se
reflexiona sobre lo sucedido dentro de la institución siquiátrica “La Castañeda”, mayormente
conocida por sus abusos y condiciones insalubres, fundada en 1910 bajo el mandato del dictador
Porfirio Díaz, como símbolo de progreso y modernidad preconizados en su gobierno. En ese sitio
se albergó a quienes provenían de otros hospitales más pequeños y, con el tiempo, fue el lugar
a donde llegaron tanto enfermos mentales como también indigentes, prostitutas, alcohólicos,
gays, exiliados y epilépticos. En algunas circunstancias los pacientes se recluían por ellos mismos
o eran sus propias familias quienes solicitaban ese control. Mediante estrategias metateatrales
y con una densa carga política, Olguín presenta en su obra a este tipo de pacientes confinados.
Bajo la premisa de Foucault, los manicomios han servido como herramientas de control de
conductas que amenazan con la estabilidad social del Estado, y por lo tanto, estos cuerpos son
borrados, silenciados y ausentes. En vísperas de lo que se anuncia como una nueva crisis de
salud mental ante la COVID-19 derivada de la pérdida de libertades, es importante retomar el
estudio de textos que se basan en la realidad histórica. Si bien las condiciones son distintas,
revisar el pasado de aquella institución mexicana mediante un discurso dramático actual, aporta
herramientas para la probable comprensión de la crisis sanitaria en que vivimos.

AUTEUR: Dominique Faria

UNIVERSITÉ: Université des Açores (Portugal)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Le corps souffrant chez Jean Echenoz: représentations et
procédés de mise à distance
RÉSUMÉ:
Les romans de Jean Echenoz ont souvent le corps souffrant et le corps mort pour objet: dans Un
an (1997) Ferrer subit un arrêt cardiaque, dans Je m’en vais (1999) le même Ferrer subit une
intervention chirurgicale, qui laisse des marques visibles sur son corps. Au piano (2003) a la mort
pour sujet central et 14 (2011) porte sur la Première Guerre Mondiale et ses fléaux, parmi
lesquels les corps mutilés jouent un rôle essentiel. Le dernier roman de l’auteur, Vie de Gérard
Fulmard (2020), décrit en détail de faux corps morts et des morts rapportées par les médias.
Selon Schaeffer (Pourquoi la Fiction?, 1999 : 324), la fiction a l’avantage de nous permettre de
« réorganiser les affects fantasmatiques sur un terrain ludique […] ce qui nous donne la
possibilité de les expérimenter sans être submergés par eux. » Ceci est d’autant plus vrai chez
Echenoz, qui procède à une mise en scène du corps sans vie et du corps en souffrance, par des
procédés dont le principal effet est de compromettre le fameux « effet de réel » barthésien et
d’inviter le lecteur à adopter une distance critique par rapport au récit. Cette communication
vise précisément à saisir ces procédés dont la fonction semble être de protéger lecteur et auteur
contre l’angoisse de se confronter à leur propre mortalité. Echenoz évoque ainsi la tendance des
sociétés contemporaines à dissimuler la maladie et la mort par une sur-exposition des individus
à des représentations du corps sans vie et du corps en souffrance.

AUTORA: Marta Pascua Canelo

UNIVERSIDAD: Facultad de Filología, Universidad de Salamanca (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Poéticas del cuerpo-ojo: enfermedad ocular y escritura
contestataria en dos casos de autora
RESÚMEN:
En el seno de las poéticas de la enfermedad y la discapacidad, la textualización del cuerpo
extraordinario se ha convertido en un leitmotiv para la narrativa hispánica reciente. Así sucede
en Un ojo de cristal (2014) de la española Miren Agur Meabe y en El trabajo de los ojos (2017)
de la argentina Mercedes Halfon. En ellas, la enfermedad ocular determina las vidas de las
protagonistas, quienes deben someterse a los mandatos de la biopolítica en aras de la
reinserción de sus cuerpos-ojos estrábicos o enucleados en el sistema normativo de la salud. Se
adecúan a los moldes de la narrativa personal de la discapacidad (Couser, 2009; Mintz, 2007) o
a las memorias del padecimiento (Hunsaker, 1999) y reivindican desde la no-intengridad
corporal y desde la desintegración textual nuevos espacios para pensar y narrar el cuerpo
disidente. Así, considero que ambas obras formulan contra-prácticas de visión que escapan a los
códigos falogocularcentristas (Jay, 1993) y a las instancias reguladoras de los cuerpos, como
pueda ser la medicina. Desde estas consideraciones, propongo interrelacionar tres ejes teórico-
metodológicos que guiarán este trabajo: los estudios feministas de la discapacidad (Garland
Thomson 1997; Viñuela, 2009), los estudios de género (Weigel 1986; Cixous, 1998; Ostrov, 2004)
y el hibridismo genérico (Noguerol, 1999). Estos enfoques permitirán evaluar, desde una
perspectiva comparada, las relaciones cuerpo-enfermedad-escritura en las obras de Halfon y
Meabe.

AUTHOR: Simona Maisano

UNIVERSITY: University of Bologna (Italy)
COMMUNICATION TITLE: Becoming bodies: strategies of meaning production.
ABSTRACT:
Bodies and science have always had a complex relationship when it comes to analysing them as
social constructions. Social sciences and anthropology, in particular, have highlighted how the
body is a field of cultural production. How humans – as social actors – live their bodies, influence
how life itself is experienced. Re-walking on the paths built by M. Mauss, M. Foucault, N.
Scheper-Hughes, M. Locke, P. Bourdieu, with the present proposal, it is aimed to explore how
the “body techniques” and our “habitus” influence reality and vice versa. Besides, the focus is
on how hegemonic cultures explain their power through bodies with soft and symbolic
influences that can also be found in the new ways of socialization in the contemporary era. With
particular attention on gender, the mechanisms of dominance will be taken into consideration
to link them to the actual dialectics of conflict implied in the construction of the sexualized body.
Through a few examples – the symbolism of rape, plastic surgery, and stigmatization – it will be
explored the role of symbolic power and cultural cosmology in exploring the embodied practices
and meanings, that are hidden under our influenced actions as humans and social actors.

AUTORA: Beatriz Velayos Amo

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Madrid (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Enfermos del mundo: biopolítica y transnacionalidad en las
narrativas de la enfermedad hispanas contemporáneas.
RESÚMEN:
En su libro Cuerpos que importan Butler define como abyecto “todo tipo de cuerpos cuyas vidas
no son consideradas «vidas» y cuya materialidad es entendida como «no importante»”, y afirma
que estos cuerpos que no importan y no se materializan (en un juego de palabras con la palabra
“matter”) adquieren en esa exclusión su poder: a pesar de no importar política, socialmente, en
el momento en el que aceptan y celebran el motivo de su abyección, reafirman su identidad y
con ella, necesariamente, su pertenencia a la comunidad excluida. En la sociedad
contemporánea, uno de estos cuerpos que no importan es el cuerpo enfermo: la dependencia,
la incapacidad para producir y sobre todo su desviación de la norma que define los cuerpos
“normales” hacen que las personas enfermas se sitúen en una posición subalterna, excluida del
canon hegemónico de salud. Su pertenencia a la nación en la que nacen se ve comprometida, y
por tanto se ven obligados a crear una, en palabras de Reinaldo Arenas, “patria pájara” donde
los enfermos —en el caso de Arenas, seropositivos— puedan habitar, una nacionalidad definida
no por fronteras políticas sino por una identidad compartida. En ciertas novelas escritas por
mujeres hispanoamericanas se refleja esta experiencia de transnacionalidad vivida desde la
enfermedad. Las narradoras de estas novelas incorporan en su identidad múltiples
subalternidades —son mujeres, son migrantes y están enfermas— y utilizan su vulnerabilidad
para subvertir su situación y reclamar su cuerpo y su abyección. En esta comunicación se
analizarán los mecanismos utilizados para crear esa “patria pájara”, reconfigurando los límites
de una identidad trasladada o autoexiliada, en estas obras de la narrativa de la enfermedad
contemporánea.

AUTORA: Ivonne Sánchez Becerril

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional Autónoma de México (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Permita salir antes de entrar: los cuerpos en las
representaciones literarias de la experiencia del Metro de la Ciudad de México
RESÚMEN:
La ponencia buscará identificar y analizar las diversas las experiencias de los cuerpos en las
representaciones literarias del Sistema de Transporte Colectivo Metro de la Ciudad de México
en los cuentos “Necroforia” (1992) de Gerardo Deniz, “Ay Jonás, qué ballenota” y “La reina del
metro” (1986) de José Agustín, y en la novela El huésped (2006) de Guadalupe Nettel. Para
rastrear como las dinámicas y lógicas que experimentan los cuerpos en el metro dan cuenta de
una serie de biopolíticas; particularmente me centraré en revisar: el desgaste cotidiano de la
clase trabajadora que usa el servicio, la violencia sexual que experimentan las usuarias y la
reproducción de formas de rechazo e intolerancia implícita a los usuarios discapacitados.
AUTEUR: Natalia Lorena Ferreri
UNIVERSITÉ: Université Nationale de Cordoba (Argentine)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Contrôler le corps: Histoires de la violence dans la littérature
francophone contemporaine
RÉSUMÉ:
Cette présentation propose une approche théorique et analytique sur le sujet de la violence sur
le corps (bio-violence). Le corpus choisi comporte quatre romans francophones contemporains,
dans lesquels la graine de fiction vient de l’histoire de l’Humanité : Sniper (2002), du Pavel Hak,
retrace les atrocités de la guerre de Bosnie ; Boubacar Boris Diop raconte dans Murambi, le livre
des ossements (2011) le génocide des Tutsis du Rwanda ; dans Petit Pays (2016), de Gaël Faye,
un ado narre le coup d’État au Burundi ; et l’auteur Marc Meganck relate les attentats terroristes
à Paris et à Bruxelles. On part donc de l’hypothèse suivante. Dans ce corpus, deux types de
violence convergent: l'une, discrète (Lemoine, 2017), appelée micro-violence ou microphysique
chez Foucault ; l’autre, visible, exercée directement et brutalement sur le corps. En ce sens, les
corps deviennent un dispositif, ils constituent l'élément matériel à travers lequel l'autre violence
-la micro- est exécutée et dont le but est de faire faire. Selon Foucault, « On pourrait dire qu'au
vieux droit de faire mourir ou de laisser vivre s'est substitué un pouvoir de faire vivre ou de
rejeter dans la mort. » (1980, p. 181). Cependant, l’auteur comprend que le passage de
l’anatamopolitique vers la biopolitique se déroule dans une succession temporelle dans
l'histoire de l'Humanité. Toutefois, il faut remarquer que dans ce corpus les deux formes de
pouvoir se rejoignent, convergent et même se complètent.

AUTHOR: Claudia Zucca

UNIVERSITY: Graduate Trinity College Dublin (Ireland)
COMMUNICATION TITLE: Speaking from the Margins: the Presence of the Body in Bill Neidjie’s
Story about Feeling
ABSTRACT:
This paper explores the Aboriginal Bill Neidjie’s (1989) transcribed oral text Story about Feeling
and his collaborative visual installation project. The aim of this paper is to identify the role of
the body and its significance in marginalised narratives and visuals. Neidjie’s text can be viewed
as a radical rewriting of history from an indigenous point of view, by repositioning and
reconfiguring culture, the body and land. His text acts as a counter narrative to the connotations
of the body, symbolised as ‘other’ in colonial terms. The recovery of a bodily ‘presence’ in
narratives also acts as a political means of resistance and defiance. The body’s presence, its
materialisation, but also its absence – in the funeral rite’s ceremony – is central to the
representation of indigenous culture, identity and ethnicity. The denial of the body of the ‘other’
may also be understood as a cultural crisis in the depiction of the naked body of the ‘other’.
Linguistically, culturally and politically, Neidjie’s text re-claims a denied space, which allows
silenced bodies and voices to speak out against the hegemonic powers of forced assimilation
and suppression. From this marginal position, Neidjie’s text resists and reverses the processes
of silence, subjugation and humiliation. In so doing, the text speaks back from the margins,
rupturing the carefully maintained centrifugal forces, with his language, voice and body. He
claims his presence.
AUTOR: Cesare Gaffurri Oldano
UNIVERSIDAD: Universidad Iberoamericana CDMX (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Cuerpos y espacios heredados. (Des)encuentro(s) en Roza
tumba quema, de Claudia Hernández
RESÚMEN:
Esta ponencia busca estudiar la forma en la que los cuerpos femeninos habitan los espacios en
la novela Roza tumba quema de la escritora salvadoreña Claudia Hernández partiendo, en un
primer momento, por la indeterminación que marca la obra (desde el anonimato de todos los
personajes, hasta los lugares que no están nombrados geográficamente); en un segundo
momento, por responder a la pregunta de cómo se reincorporan los excombatientes de las
guerrillas a lo civil: cuáles son las dificultades, cómo son vistos por la sociedad. Y finalmente, en
comprender el legado de la herencia no sólo genealógica dentro de la concepción de las vidas
femeninas sino en el espacio y las formas coloniales que siguen creando fronteras y
desencuentros sociales con el otro. Para realizar este análisis se tendrá en cuenta la
preocupación por la vida y la precariedad propuesta por Judith Butler, asociándola a la
concepción de Doreen Massey de la “geometría del poder”, en donde establece las formas
plurales, relacionales y múltiples de los espacios y su relación con la forma en cómo el cuerpo
habita la espacialidad. Finalmente, se pretende emplazar lo anterior con la noción de zona de
contacto de Mary Louis Pratt para comprender cómo en la novela de Claudia Hernández se
perpetúan zonas de desencuentro que fracturan la condicional social y la mera vida de las
mujeres protagonistas.

AUTORA: Rita Rodríguez Varela

UNIVERSIDAD: Universidad de Valencia (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Roland Topor y la belleza de los cuerpos monstruosos
RESÚMEN:
Pocos son los autores que han tratado el cuerpo de una forma tan profunda y multidisciplinar,
alejándose de los intentos de normalización, como Roland Topor y, sin embargo, permanecen
tan ignorados. A través de sus dibujos y de sus historias, Topor ha explorado el cuerpo y su
infinita monstruosidad en clave de humor con el objetivo de reivindicar la belleza que se halla
escondida en su bajeza. El cuerpo fragmentado, cuyas partes han decidido independizarse
dejando al sujeto abandonado a su suerte; el cuerpo que personifica en una de sus extremidades
a un antiguo amor; el políticamente incorrecto con sus excrementos, sus escorias y sus
desechos; el problemático que lleva al individuo a una lucha consigo mismo y con la sociedad.
Esta comunicación indagará en todas esas posibilidades del cuerpo y reivindicará una lectura de
la anatomía del ser humano más amable con sus degradaciones y miserias que aquella que nos
ofrece la sociedad.

EJE 2: CUERPO, ESTÉTICA Y FILOSOFÍA|

CORPS, ESTHÉTIQUE ET PHILOSOPHIE|
BODY, AESTHETICS AND PHILOSOPHY
SILVIO MATTONI (Universidad Nacional de Córdoba, ARGENTINA)

AUTEURS: Annita Costa Malufe y Silvio Ferraz

UNIVERSITÉ: Université Catholique de São Paulo (Brasil)
TITRE DE LA COMMUNICATION: La corporalité des voix: Beckett, Tarkos, Aperghis
RÉSUMÉ:
Cette communication a pour but d’explorer les puissances de la voix dans certains projets
poétiques et musicales contemporaines qui la prennent comme un élément privilégié parmi leur
matériau de composition. Ce sont les cas du compositeur Georges Aperghis (Athènes, 1945) et
du poète Christophe Tarkos (Marseille, 1963-Paris, 2004), tous deux marqués par des
productions artistiques qui ont toujours cherché une relation directe avec l’art de la
performance vocale. Dans les deux cas, la voix est conçue comme un corps en elle-même et, en
lieu d’avoir la fonction de transmettre un contenu ou donner corps à une mélodie, par exemple,
la voix acquiert une autonomie et devient corps sensible et palpable, capable d’affecter des
autres corps, de créer de rythmes corporels nouveaux. Chez les deux, on dirait qu’il s’agit de
faire corps avec les voix, d’être emballé par ses mouvement, par sa durée (Henri Bergson, mais
aussi Gilles Deleuze). Notre point de départ est ce que le compositeur Luciano Berio a appelé
« musicalité présente aux particules libres » en conjonction avec les notions « d’écoute » liées à
la musique au long du XXème siècle. Et, à côté de cela, la présence d’une nouvelle image de la
voix opérée par la littérature emblématique de Samuel Beckett (1906-1989), référence à la fois
pour Berio, pour Tarkos et Aperghis.

AUTOR: Federico Cortés

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional de La Plata (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Voz y mirada: el cuerpo del otro en Maurice Blanchot
RESÚMEN:
Como se ha señalado en numerosas oportunidades, la obra del escritor francés Maurice
Blanchot se desarrolla en un espacio entre la literatura y la filosofía. Blanchot ha ocupado un
lugar central en la recepción y circulación de filosofía alemana en el ámbito intelectual francés.
Este proceso puede organizarse como un movimiento de pasaje de filósofos como Hegel,
Heidegger y Husserl a Nietzsche y el romanticismo alemán nucleado en torno a la revista
Atheneaum. De los autores mencionados repararemos especialmente en la relectura que
Blanchot hace de Hegel. Como veremos, la relectura que Blanchot hace de Hegel apuesta por
pensar e intentar conceptualizar de una forma singular la palabra poética y la experiencia
literaria, como aquello que interrumpe la dialéctica. En este trabajo, nos detendremos
especialmente en las formas en que Blanchot describe de la "voz" e "imagen", concibiéndolas
como partes del cuerpo que vinculan al yo con el otro. En su obra, Blanchot alude indirectamente
a este punto trazando dos alegorías: la literatura desea al Lázaro muerto, al cadáver que busca
revivir la frase "Lázaro veni foras", y desea a la Eurídice fantasma en el instante en que Orfeo se
da vuelta e intenta alcanzarla con la mirada. La literatura desea la oscuridad de la vida, no su
claridad.

AUTOR: Sergio Meijide Casas

UNIVERSIDAD: Universidade de Santiago de Compostela (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Cuerpo, género y técnica después del fin del cosmos
RESÚMEN:
En su libro Nihil Unbound (2007), Ray Brassier se preguntaba hasta qué punto la mayor
preocupación de la filosofía por la muerte biológica frente a la extinción cósmica no era un mero
familiarismo, añadiendo al respecto que tal cuestión no le confería una mayor relevancia
filosófica. Para lo que aquí nos ocupa, lo interesante no es solo la pregunta, sino el hecho de que
esta se despliegue en el capítulo que Brassier dedica al pensamiento de Jean-François Lyotard.
Lo que en esta comunicación pretendemos es examinar el texto de Lyotard al que Brassier está
haciendo referencia, publicado como parte de L’Inhumain (1988) y titulado «Si l’on peut penser
sans corps». En él, dos personajes, hombre y mujer, conversan sobre la explosión solar y el fin
de la humanidad, contraponiendo dos perspectivas que generan un doble debate: por una parte,
el relativo a la migración del software más allá del hardware como forma de sobrevivir a la
catástrofe, y, por otra, aquel que versa sobre el esencialismo dualista de género que semeja
inherente a la condición humana. Lyotard no toma partido, sino que expone ambas perspectivas
como ejemplo de lo que él mismo conceptualizó como différend. No obstante, la razón de su
silencio no es solo esa. Si calla ante sus personajes es porque él tiene una visión propia, y lo que
aquí pretendemos es pensar sobre ella.

AUTEUR: Neila Rhouma

UNIVERSITÉ: Université Aix Marseille, CNRS, IDEMEC, Aix-en-Provence (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: L’intime entre corps féminin et corps du métier à tisser
RÉSUMÉ:
Le tapis est une entité imprégnée d’une riche histoire qui s'enlaine autours de la vie de la femme
amazigh. En effet, l’histoire elle-même tisse de nombreux fils avec la femme, de sorte que son
attachement au rituel du tissage demeure d’actualité en Tunisie. Ce lien fut d’autant plus
renforcé suite à la conquête islamique qui retira à la gent féminine de nombreuses libertés. D’où
le fait que : « les femmes vivant dans la ségrégation développaient leur propre culture, qui vivait
et s’exprimait simultanément dans leur travail, leurs pensées et leurs sentiments » (Ibid. p 84).
C’est ainsi que grâce au tissage, le vécu, les réflexions, les préoccupations, les rêves et les espoirs
sont consignés et incarnés ou si je peux me permettre cette facétie « enlainée ». Et à travers le
tapis, la femme traite de la problématique du corps, de ses envies, de ses désirs et de ses
attentes corporelles. Il est évident que le tissage détient une place imposante dans le quotidien
de ces femmes. Une place si grande que le corps du métier est directement identifié au corps
féminin. Ce qui nous mène aux questions suivantes: comment la femme amazighe de Chenini
traite de ses besoins, de ses désires corporels, de ses mutations corporelles via le médium du
tissage ? En vue de répondre à cette problématique, nous mènerons une étude qualitative sur
l’art du tissage amazigh auprès des femmes de Chenini en Tunisie.

AUTOR: Silvio Mattoni

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional de Córdoba- CONICET (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICATION: El ojo profanado: de Hegel a Gombrowicz
RESÚMEN:
A partir de una definición hegeliana de cuerpo, como apariencia orgánica de una idea de vida,
que coincide con la conciliación alcanzada por la obra de arte, con la forma bella de la materia,
intentamos describir el trayecto que llevaría desde ese sentido unitario, totalizador, del cuerpo,
incluso de lo bello en su manifestación corpórea, hacia su crisis o disgregación en partes, en la
literatura de Witold Gombrowicz, quien niega la posibilidad de que el sentido unitario se exprese
adecuada y establemente en un cuerpo, hecho de partes, divisible y aun deseable por sus partes.
Entre el idealismo de Hegel y su profanación estética en Gombrowicz, nos proveerá una
transición el análisis fenomenológico de Merleau-Ponty de la relación entre el ojo y el espíritu,
o la mirada del cuerpo y el sentido. De este recorrido surgirán acercamientos a los problemas
del cuerpo y el arte, la vida y su representación, la totalidad y la series o la metonimia.

AUTORA: Clara Mas-Masiá Pérez

UNIVERSIDAD: Universidad Carlos III de Madrid (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Danza butoh: la experiencia de la intercorporalidad
RESÚMEN:
La propuesta invita a pensar el cuerpo desde la danza butoh como paradigma que encarna un
modelo naciente de subjetividad corpórea y relacional, con el objetivo de colaborar con los
debates actuales sobre el giro corporal-afectivo. Recogiendo algunas de las intuiciones de
Merlau-Ponty y llevándolas a la experiencia de la intercorporalidad latente en la danza butoh.
Tras el ataque nuclear a Hiroshima, se confirmó la barbarie que se estaba llevando a cabo con
el proyecto de la racionalidad moderna. El resultado de este desastre nuclear se vio en la
posterior transformación de la cultura nipona y en la presencia de miles de cuerpos residuales
de aquel acontecimiento. En este contexto el butoh nace como un método psicosomático de
investigación sobre el propio cuerpo y el espacio que ocupa. Esta danza, originalmente llamada
ankoku buyo, recoge las inquietudes corporales, filosóficas y políticas de un momento
existencialmente complejo, ¿cómo danzaría un cuerpo mutilado? ¿Cuál es su experiencia del
mundo? Estas cuestiones se abordan desde la influencia de autores como Bataille, Artaud o
Quignard, cuestionando el dualismo ontológico y epistemológico tradicional y planteando la
ambigüedad de la naturaleza de la división entre ‘lo interno’ y ‘lo externo’, así como entre el
mundo y el propio cuerpo. Se preguntaba Merlau-Ponty: “¿donde vamos a poner los límites
entre el cuerpo y el mundo? Porque el mundo es carne.”

AUTEUR: Théo di Giovanni

UNIVERSITÉ: Université Paris Nanterre (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Ulysses et l'invention du corps
RÉSUMÉ:
Nous nous proposons de montrer comment Ulysses de Joyce s’organise comme un drame de
l’incarnation. En nous centrant sur les premiers épisodes, nous voudrions montrer comment
l’épopée du corps que dit avoir écrit Joyce, est également une épopée du corps qui se cherche
et s’invente dès lors que le corps n’est pas donné d’emblée. Ainsi, Dedalus apparaît initialement
comme en manque d’incarnation de sorte que le va-et-vient entre la situation extérieure et ses
pensées témoigne d’une corporéité manquante. C’est aussi bien le spectre maternel que
l’occupation illégitime de la terre irlandaise par les anglais qui métamorphose la matière de son
expérience sensible en un tissu de déjections toxiques, conduisant sa pensée à fuir un réel au
sein duquel les corps maternels et territoriaux se révèlent inhabitables. Nous chercherons alors
dans les premiers épisodes concernant Leopold Bloom, un renversement des valeurs attribués
aux expériences corporelles. De par la présence latente du corps de Molly alité, les rognons, la
chair et la défécation deviennent autant d’expériences corporellement satisfaisantes, marquées
par une forme d’écriture elle-même davantage centrée sur le véhicule sensible du mot. Nous
souhaiterions ainsi montrer que c’est seulement dans le rapport entre deux corps que
l’incarnation devient possible, l’œuvre devenant, en cet instant de paroxysme qu’est le
monologue de Molly Bloom, l’espace d’un corps à corps créateur.
AUTEUR: Sepehr Razavi
UNIVERSITÉ: Université de Montréal (Canadá)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Corps pathologique, corps normal: Canguilhem, Merleau-Ponty
et le cas Schneider
RÉSUMÉ:
Dans l'ouvrage la Phénoménologie de la perception du philosophe Maurice Merleau-Ponty, la
maladie a, de prime abord, un rôle largement négatif: il donne l'image miroir de ce que serait le
corps sain. En effet, le cas du patient Schneider, issu de la psychologie gestaltiste de Goldstein,
semble servir de cas où le patient interagirait avec le monde en fonction de la vision
intellectualiste ou empiriste, deux écueils que récusera le philosophe. Les philosophies de la
cognition et de la perception ont souvent sombré dans cette vision simpliste et réducteur qui
voudrait que le corps pathologique ne soit qu'un passage obligé ou un exemple extrême pour
saisir et définir le fonctionnement du corps sain. Or, grâce à Georges Canguilhem et son ouvrage
Le normal et le pathologique, nous avons la clef de voûte d'une autre lecture de l'approche
merleau-pontienne - soit l'idée que la maladie serait avant tout un autre rapport au monde et
non simplement un dérivé ou un accessoire du rapport dit "sain". Ainsi le lien qui unit le corps
sain à celui malade n'est pas un rapport antagoniste, mais serait, selon le phénoménologue
(préfigurant Canguilhem), l'expression d'un différent style à chaque fois, régissant la manière
dont nous nous rapportons au monde.

AUTEUR: Agata Mozolewska

UNIVERSITÉ: Université de Montréal (Canadá)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Shoah dans l’œuvre de Samuel Beckett
RÉSUMÉ:
Shoah laisse une empreinte sur l’écriture de Samuel Beckett, elle la façonne, l’affecte, la
contamine, alors qu’elle n’est jamais nommée. Dans ses textes d’après-guerre, on constate une
évolution de la forme: textes saturés, interminables et ensuite textes de plus en plus défigurés,
troués, blancs (Cap au pire, Soubresauts, Pour finir encore, Têtes-mortes, Le dépeupleur). En
observant ce phénomène, je propose d’interroger un rapport innommé et innommable entre
Shoah et l’écriture[1] de Beckett ainsi que cette forme que Shoah donne à l’écriture en
l’épuisant, en cherchant à la saturer, en la saccageant et enfin en l’effaçant. Le phénomène de
l’épuisement me permet d’observer le lien entre l’image du corps dans l’univers beckettien et
la forme même du texte. Il s’agit en particulier de l’inaboutissement de toute action, son
inachèvement, son sisyphéen recommencement. L’écriture épuise et s’épuise aussi dans les
répétitions, les retours en arrière incessants qui martèlent les mots pour dire le corps. La
défiguration est la continuité de cet épuisement: c’est la réduction du corps à son utilité d’animal
ou de machine, à l’anonymat aussi, au dépérissement total de l’individualité alimenté par la
répétitivité abrutissante de certaines tâches, de certains mouvements qui mutilent et brisent le
corps ainsi que le texte qui ne cesse d’échouer. Les images éparses aussi des corps blancs, des
ossements dans les fosses dont Beckett s’acharne à calculer les diamètres, la disparition enfin
du corps et de la forme, l’effacement du texte et de sa trace hantent l’écriture becketienne.

AUTEURS: Myriam Bouroche et Sanna Mansouri

UNIVERSITÉ: Université de Montréal (Canadá)
TITRE DE LA COMMUNICATION: D’un siècle à l’autre: le corps-care de la nourrice entre genre,
race et classe
RÉSUMÉ:
Nous nous proposons de comparer la figure de la nourrice en 1906 et en 2016, et plus
précisément la représentation de son corps-care, marqué par le genre, la race et la classe. Notre
hypothèse est que l’assignation et l’instrumentalisation du corps de la femme noire au care
domestique ont peu changé en un siècle. Pour vérifier cette hypothèse, nous mettrons en
parallèle une analyse iconique et une analyse littéraire. La première porte sur le dessin
humoristique "Au Luxembourg" réalisé par l’artiste Markous et publié en 1906 dans
l’hebdomadaire parisien Le Rire. La représentation du corps-care de la nourrice noire assise sur
un banc public et qui allaite un bébé blanc, sous le regard curieux d’une fillette elle aussi blanche,
sera étudiée. Parallèlement, une analyse littéraire de Chanson douce (2016) de Leïla Slimani
permettra d’examiner la représentation du corps-care de la nounou Louise, une femme issue
d’un milieu défavorisé. D’un point de vue théorique, nous convoquerons l’approche
intersectionnelle et les réflexions philosophiques de Michela Marzano et Elsa Dorlin. Ce travail
s’inscrit dans le cadre du séminaire de recherche « Corps, care, écriture » de la professeure
Andrea Oberhuber du Département des littératures de langues françaises de l’Université de
Montréal.

AUTEUR: Radi Fakhreeddine

UNIVERSITÉ: Sorbonne Nouvelle Paris 3 (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Corps et religion dans le roman de Tahar Ben Jelloun
RÉSUMÉ:
La thématique du corps revêt un caractère parnassien, psychologique et philosophique. Avec
cette idée, de sa mise à nu, chez certains auteurs contemporains, comme Tahar Ben Jelloun,
suivant l'épreuve de l'assouvissement ou celle du déchirement, le corps provoque l’ambiguïté
par-rapport aux questions afférentes à la religion. Davantage, si sa dissension au sein de la
société traditionnelle, semble se faire sous le mode d'affrontement, et de l’excoriation voire,
celui de la rupture avec les schémas traditionnels d’altérité qui l’ont toujours caractérisés. En
effet, la dite société a souvent manifesté son attachement à cette acception de la notion de
pudeur, toujours liée, à la religion, par le lien problématique aux sources et par le refus, parfois,
de ce qui se construit sur une sublimation du corps. Quand on pose la question, complexe et
abstraite, à la fois, pour interroger (corps et religion), on s’aperçoit que la réponse est très
difficile, voire même délicate. Cette communication vise à analyser le lien qui existerait entre le
corps et la religion, à travers, «Harrouda » roman emblématique, où le corps inaccessible et
intouchable vivrait une réelle douleur physique, une réclusion psychique, associé au silence
sociétal et affectif et qui sert, d'alibi malgré tout, comme unique exutoire aux différentes crises
obsessionnelles, pour se transformer en une sorte de voix transcendante, l’ambivalence et la
rencontre du corps avec la religion, dans une société, où se mêlent, histoire, culture, sacré,
tradition, et qui semble se faire sous le mode de l'acceptation ou celui du heurt et de
l’excoriation.

EJE 3: CORPORALIDAD Y POESÍA|

CORPORALITÉ ET POÉSIE|
CORPORALITY AND POETRY
LAURA SCARANO (Universidad Nacional de Mar del Plata, ARGENTINA)
AUTORA: Adela Busquet
UNIVERSIDAD: Universidad de Buenos Aires -CONICET (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: El cuerpo en la poesía de Raúl Zurita
RESÚMEN:
El cuerpo es uno de los puntos de insistencia a lo largo de la obra del poeta chileno Raúl Zurita.
Desde la publicación de su primer libro Purgatorio (1979) cuya portada exhibe una foto de la
cicatriz autoinfligida en la mejilla, pasando por el episodio de 1980, año en el que el poeta se
arroja amoníaco sobre sus propios ojos, hasta la publicación de su obra cumbre, el libro de casi
700 páginas denominado Zurita (2011) –que además de titularse con su propio apellido, lleva en
la edición de la UDP una fotografía de su rostro en la portada–, el cuerpo vivido como
radicalmente propio en la experiencia de dolor –lo que Levinas denomina la experiencia de estar
“clavado a sí mismo” (rivé à soi)–, es la coordenada cero de la obra zuritiana. En la presente
ponencia analizaremos de qué modo este “llevarse como cruz” que la propia corporalidad
supone, puede ser pensado en la obra de Raúl Zurita como lugar, materia o espacio de redención
en tanto la radicalidad de esa experiencia es capaz de inaugurar un nuevo lenguaje que responde
de modo exponencial a las vejaciones y humillaciones de una época y una historia tanto personal
como colectiva. En este sentido, y tal como lo afirma el mismo Zurita en más de una entrevista,
la vida no estará al servicio de la obra, sino lo contrario: la obra será la encargada de vertebrar
una vida, un cuerpo, que tras el golpe de 1973 en Chile, parecía desmembrarse para siempre.

AUTOR: Miguel Vega Manrique

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Madrid (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: «Todo está roto a la perfección». La intersección cuerpo-
cuaderno en la escritura de Fernando Merlo
RESÚMEN:
Partiendo del cuaderno como dispositivo y soporte autónomo en los procesos artísticos de
producción, procederemos a dilucidar la intersección cuerpo-cuaderno (vida-muerte-deseo) que
creemos tiene lugar en la obra del poeta Fernando Merlo (Málaga, 1952-1981). ¿Qué sucede
con lo que se fuga del orden, de la estructura, de la delimitación formal, del sentido, de los
significantes compartidos? ¿Qué figuras aparecen sobre estas superficies otras? ¿Qué formas
de lectura y aproximación implican, producen, inventan? Como miembro de la denominada
generación bífida, la producción literaria de Merlo se inscribe dentro de las coordenadas del
franquismo/postfranquismo en el estado español. Su fuerza bioliteraria, tomando el término
que conceptualiza Germán Labrador, el hecho de haber somatizado la literatura en cuanto
sustancia vital, será el punto de partida para el ejercicio de activar los textos, los cuerpos, hacia
otras existencias posibles no de fijación o comprensión ―trabajo del hermeneuta sobre el
significado―, sino de transformación del texto en cuerpo, del cuerpo en texto, o de ambos en
múltiples figuras de lo sensible. Nuestro terreno sigue siendo el del lenguaje, el de la producción
textual, pero no enmarcada dentro de las condiciones objetivas de un contexto común; más
bien, a pesar de ello, abordamos el texto recluido en las singularidades que determinan su
producción y a partir de las cuales resuena como lo hacen los signos desperdigados sobre las
superficies del cuaderno.

AUTHOR: Marcia Fanti Negri

UNIVERSIDAD: University of Miami (Estados Unidos)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Una performance del cuerpo en la poesía (1915-1917) de Gilka
Machado: una arte poética
RESÚMEN:
Esa propuesta se centra en la poesía de Gilka Machado publicada entre 1915 a 1938. En ella
analizo la poética-ética que se sustenta en un ideario que rechaza las ideologías que definen la
feminidad dentro de un imaginario de lo doméstico. La representación de los ideales de
feminidad desde la hegemonía de la “domesticidad” era ya para este periodo un discurso de
poder identitario para las escritoras (Martínez San-Miguel 1996, Grau-Lleveria 2008). Machado
rechaza este discurso, sus representaciones e inscripciones afirmándose en un yo mujer que
rechaza los mandatos de género de sumisión, pasividad y negación de deseo. El rechazo de la
tradición literaria femenina se elabora por medio de la conceptualización de un art poética que
crea un cuerpo y una voz de mujer que activamente expresa y elabora el deseo sexual y un
cuerpo en constante busca de goce. Es decir, su producción poética parte de un sujeto-voz-
cuerpo mujer activo, que configura una perfomatividad genérica (Butler 1990, Valcácer 1994 y
Taylor 2006) que desestabiliza la ideología hegemónica sobre las feminidades en este periodo
por una nueva conceptualización del cuerpo.

AUTHOR: Anita Guerra

UNIVERSITY: Department of Romance Languages & Literatures, Harvard University (Estados
Unidos)
COMMUNICATION TITLE: Body and Word in Alejandra Pizarnik’s “Sala de Psicopatología”
ABSTRACT:
“Sala de Psicopatología”, one of Alejandra Pizarnik’s last poems, was written during her
hospitalization in the Pirovano psychiatric hospital, in Buenos Aires, in 1971. It stands out from
her most known works for its distancing of her typical economy of words and attachment to high
poetic elements towards something in-between a “stream of consciousness” and a
psychanalytical speech, in which the use of colloquial and vulgar words is connected with
subjective matters of great importance to Pizarnik’s corpus, such as the idea of the
fragmentation of the self and the conflictive, yet crucial, relation between the body and the
poetic word. “Para reunirme con el migo de conmigo y ser una sola y misma entidad con él tengo
que matar el migo para que así se muera el con” (Poesía Completa, 414), she writes; there is a
clear tension within the self in which body and word are inscribed almost as opposites, although
fundamentally connected, within the same fractured entity – and this conflict seems to be the
backbone of the poem. This presentation’s proposal is to analyze “Sala de Psicopatología”,
through both close-reading it and using critic theory concepts – focusing especially in Roilos’ and
Yatromanolakis’ notion of “ritual poetics” and Derrida’s reading of Plato’s “pharmakon” –,
towards a possible understanding of the poem as a revealing and powerful instrument that may
shed a light on the anguishing, yet fundamental, relation between body and word in Pizarnik’s
poetics.

AUTOR: Sergio Fernández Martínez

UNIVERSIDAD: Universidad de León (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Nuevos espacios discursivos del cuerpo: la poesía «gurlesque»
en España
RESÚMEN:
El «gurlesque», término acuñado por Lara Glenum y Arielle Greenberg, acota un grupo
emergente de mujeres poetas estadounidenses que describen la identidad de la mujer desde
una estética «camp» cercana al «burlesque». Mediante la utilización de diferentes
características próximas a la «performance» y el uso de elementos líricos periféricos, entre otras
características, consiguen implementar novedosos códigos poéticos en los que se reescribe la
feminidad como un espacio de resistencia. Dentro de esta órbita, el cuerpo adquiere especial
relevancia: el «gurlesque» festeja el cuerpo en crisis, lo abyecto, lo grotesco, lo obsceno, el
placer sexual. En el ámbito literario español, puede también trazarse una genealogía
«gurlesque», con poetas como Dolors Miquel, Almudena Guzmán, Maite Dono, María Castrejón,
Txus García, Miriam Reyes, Olga Novo o Yolanda Castaño. Entre las más jóvenes se encuentran
Mireia Calafell, Elena Medel, Berta García Faet o Luna Miguel, que comparten ciertos interes
con autoras ya consagradas, como Ana Rossetti o Isla Correyero. Por ello, esta comunicación
propone un primer acercamiento a dicha corriente lírica, donde se apuntala una disyunción
identitaria fruto del contexto en el que surge la práctica poética. Así, y a través del uso de
lenguajes inéditos en la tradición española, de una temática transgresora, y de diversas fracturas
de la norma lingüística, se consigue revalorizar una estética poco conocida en el panorama
poético nacional contemporáneo.

AUTEUR: Alix Borgomano

UNIVERSITÉ: École Normale Supérieure de Lyon (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Images de la matière et limite du corps dans la poésie d'Elisa
Biagini
RÉSUMÉ:
Ma communication porte sur l’œuvre d’Elisa Biagini, poétesse florentine née en 1970 et ayant
publié à ce jour huit recueils. Enserré dans des formes sobres et brèves, porté par une écriture
dépouillée de toute tonalité émotionnelle, son univers poétique part du corps et y revient,
manifestant une approche matérialiste ayant oblitéré l’opposition-hiérarchisation du corps et
de l’esprit. L’expérience du corps, matérialisée par un vocabulaire extrêmement précis, y est un
tâtonnement autour de sa propre étendue, une recherche et une exploration de sa limite. Les
corps qui s’y donnent à voir ne cessent en effet d’appréhender leur relief, conscients de leur
intérieur inlassablement exploré et de leur surface, tantôt maille lâche, tantôt armure
impénétrable. J’aborderai cette notion de limite à la fois comme la préoccupation d’un corps qui
se vit comme fondamentalement vulnérable, devant alors se protéger contre l’extérieur, comme
l’objet d’une discipline et d’une répression du corps spécifiquement infligées aux femmes, mais
aussi comme un lieu d’échanges qui concentre le problème du lien et de la communication
sensible avec autrui. Je tenterai alors de dégager ce que j’identifie chez E. Biagini comme la
confrontation d’un principe de vie, celui d’une matière suintante, prise dans un mouvement
d’expansion qui n’exclut pas l’angoisse de voir le corps, enfermé dans un temps inéluctable, se
répandre en déchets, et d’un principe de mort, net, défini et stérile.

AUTEUR: Diane Chateau Alaberdina

UNIVERSITÉ: Sorbonne Université (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Corps féminin, corps malade: la poésie comme indépendance
physique chez Edith Södergran
RÉSUMÉ:
 « Je ne suis pas une femme. Je suis neutre », écrit Edith Södergran dans son premier recueil
Poésies (Dikter, 1916) : l’identité est brouillée, rendue androgyne. Tout au long de sa vie, la
poétesse finlandaise de langue suédoise n’a cessé de questionner sa féminité, s’adressant aux
femmes comme à ses sœurs. Figure de proue dans le paysage littéraire nordique et dans la
poésie moderniste d'avant-garde, elle invoque le monde poétique comme celui du possible, de
la liberté, du repositionnement identitaire face à une société marquée par les inégalités de
genre. La transgression donne lieu à une expression féminine du désir pleinement assumée.
Dans « Amour », Edith Södergran présente son corps comme désirable et désirant à travers un
regard érotique : « et nue je suis venue vers toi et je ressemblais à une femme ». L’émancipation
corporelle devient un objet de révolte, capable de surpasser la maladie et la faiblesse. Edith
Södergran, par le prisme poétique, réincarne sa chair. Se sachant condamnée, la jeune poétesse
transforme les souffrances de la tuberculose en une expérience émancipatrice, utilisant le vers
libre comme pour mieux modeler une nouvelle corporalité. De ces forces contradictoires, le
poète façonne une nouvelle identité face au corps défaillant, voué à la finitude. Elle prolonge
ainsi l’expérience de l’éternité.

AUTEUR: Hélène Davoine

UNIVERSITÉ: Université Paris Nanterre (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: De l’affect de honte à l’expérience de l’abject: le corps textuel
dans les Journaux d’Alejandra Pizarnik
RÉSUMÉ:
« La honte d’être un homme, y a-t-il une meilleure raison d’écrire? » s’interroge Gilles Deleuze
en posant le problème du devenir-écrivain (Critique et clinique, 1993). Cette question,
transposée au devenir-écrivaine, doit permettre de dessiner le cadre heuristique d’une réflexion
consacrée aux Journaux (Diarios, 2013, éd. posth.) de la poétesse argentine Alejandra Pizarnik
(1936-1972), en tant qu’ils livrent une clé de lecture précieuse pour l’ensemble de son oeuvre.
Depuis les Essais de Montaigne, où l’auteur ambitionne de se présenter tout entier et tout nu,
les écritures dites de l’intime tissent un lien étroit entre exigence de dévoilement de soi, pour
laquelle le corps désirant comme le corps souffrant tiennent un rôle directeur, examen
minutieux des défaillances du sujet sensible... et affect de honte, à tel point que l’écriture
autobiographique tend à s’apparenter à une hontographie. Dans les Journaux d’Alejandra
Pizarnik, la honte commande une écriture hétérogène et instable, où un corps ob-scène fait
périodiquement retour au-devant de la scène textuelle. Notre hypothèse est qu’à travers la
relation au corps propre se joue un rapport à l’indicible, dans la mesure où cette relation
ambivalente et conflictuelle livre le sujet incarné à une expérience de l’abject, au sens que lui
donne la psychanalyste Julia Kristeva (Pouvoirs de l’horreur. Essai sur l'abjection, 1980). Déchet,
dépouille, cadavre: autant d’anti-figurations du corps qui confrontent le sujet vacillant, pris
entre les pôles contraires de l’attraction et du dégoût, à un lieu « où le sens s’effondre ». Or,
nous tenterons de montrer en quoi pour le sujet cette traversée de l’abject est précisément la
condition d’une reconstruction – même fragile, fragmentaire et précaire – d’un espace textuel
vital, conquis pas à pas sur la honte.

AUTOR: Carlos Leonardo Chísica Hernández

UNIVERSIDAD: Universidad de Salamanca (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: La corporalidad en la poesía popular y tradicional del
compositor colombiano José Alejandro Morales López.
RESÚMEN:
La música popular y tradicional colombiana del siglo XX se enriquece por poemas que expresan
la realidad del país, también otorgan una interesante descripción del cuerpo y sus relaciones con
el entorno. El contexto histórico aquí presente permite comprender cómo el énfasis en esta
elaboración poética es más insistente en la corporalidad femenina y no en la masculina. Pero
ambas llegan a crear un vínculo a través del beso, prácticamente es lo más íntimo a lo que puede
llegar un encuentro. El amor y el cuerpo se unen íntimamente. Uno de los poetas y compositores
populares más importantes e influyentes de Colombia, el maestro José Alejandro Morales López
(1913-1978), puede ayudar a argumentar lo anterior. Sus poemas enriquecidos por ritmos
colombianos llegaron a ser un eje importante en la construcción de lo nacional y se valieron del
romance y la copla para describir la corporalidad. A la mujer joven le propone variedad de roles;
por un lado, sumisión y discreción, pero por otro sensualidad y autonomía. Hay una constante
asimilación del cuerpo con el paisaje andino colombiano y la atribución del uso de colores cálidos
e intensos. A la mujer adulta le otorga una posición más laboriosa que con sus manos teje,
trabaja la tierra, cuida de sus hijos. Hay una insistencia en el uso de colores más neutros. Por
último, la corporalidad de la mujer anciana tiene una estrecha representación con la patria
concediéndole virtudes y valores dignos de adoptar.

AUTEUR: Perrine Pontié

UNIVERSITÉ: Université Aix-Marseille (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Miroirs du désir: rencontres des masculinités dans l’espace
poétique de l’érotisme dans Lisières du Corps de Mathieu Riboulet
RÉSUMÉ:
Dans le cadre de cette communication, je souhaiterai montrer la mise en relation des
masculinités entre elles, au sein de l'œuvre poétique. Lisières du corps est une œuvre publiée
en 2015 par Mathieu Riboulet. Forme hybride, elle présente un ensemble de six textes, de six
portraits, d’hommes et de corps masculins évoluant dans des espaces sociaux très variés. Corps
morcelés, handicapés, ou même mourants, la diversité des représentations masculines se trouve
au cœur de ces portraits à la fois singuliers et pluriels et constituera un élément central de cette
réflexion. En effet, elle permettra de mettre en avant le triomphe d’une universalité du désir,
sur l’identité sociale de l’individu masculin. Or, cette réflexion émane d’un poète qui, en tant
qu’individu s’identifiant au genre masculin, élabore son texte comme masculinité mise en
miroir. Prises ensemble, cette diversité et cette identification lui permettent de déployer un
langage explorant un rapport singulier à la masculinité. Les questions qui régiront mon propos
seront celles-ci: Comment les masculinités se dévoilent-elles dans l’espace érotique ? Quel
regard le masculin pose-t-il sur lui-même lorsqu’il est à la fois poète,sujet et objet de désir?

AUTEUR: Christoph Groß

UNIVERSITÉ: Université de Bochum (Allemagne)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Lautréamont et le (dé-)plaisir du texte : l’esthétique incarnée
des Chants de Maldoror
RÉSUMÉ:
Dans Le plaisir du texte, Barthes écrit : « Le texte a une forme humaine, c’est une figure, un
anagramme du corps ? Oui, mais de notre corps érotique. » Ainsi, la lecture se présente non pas
comme une archéologie herméneutique destinée au dégagement de significations, mais comme
une phénoménologie de « zones érotiques » indexées sur la relation texte-lecteur. De même,
pour Nancy, le « programme de la modernité » se réalise au sein d’une esthétique incarnée : «
Soit à écrire, non pas du corps, mais le corps même. […] Non pas les signes, les images, les chiffres
du corps, mais encore le corps. » Or, dans Les Chants de Maldoror de Lautréamont, la relation
texte-lecteur est également centrée sur l’imaginaire textuel d’un corps-à-corps qui, par un désir
de métalepse, assigne au lecteur la position d’un amant pour lequel la réception du texte
deviendra un processus à la fois esthétique et érotique. Ainsi, le verbe se fait chair : « Que ne
puis-je regarder à travers ces pages séraphiques le visage de celui qui me lit. Serre-moi contre
toi, et ne crains pas de me faire du mal ; rétrécissons progressivement les liens de nos muscles.
Davantage. » En interrogeant Les Chants de Maldoror à travers le prisme des théories de Barthes
et Nancy, il s’agira dans cette intervention de circonscrire l’imaginaire diégétique d’une lecture
érotisée, se présentant comme découverte et jouissance d’un corps autre au même moment où
le lecteur se voit hanté par la présence spectrale de la voix narrative.

AUTEUR: Jessy Simonini

UNIVERSITÉ: Université de Nantes (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: "The best world is the body’s world" (A. Rich). Pour une
poétique du corps chez Adrienne Rich, Nicole Brossard et Antonella Anedda
RÉSUMÉ:
La communication proposée va porter sur la construction d’une poétique du corps chez trois
autrices de la deuxième moitié du XXe siècle et du début du XXIe siècle : Adrienne Rich
(américaine), Nicole Brossard (québécoise) et Antonella Anedda (italienne). En raison de
l’envergure du sujet, je vais me concentrer sur quelques ouvrages précisés : pour Rich les
recueils « Your native Land, Your Life » et « Time’s Power » des années 1980, pour Brossard les
principaux recueils des années 1970 et 1980 et pour Antonella Anedda, son premier recueil «
Residenze invernali », datant de 1992, et « Notti di pace occidentale». Ce corpus stratifié et
diversifié, correspondant à trois autrices très différentes entre elles, fera l’objet d’une étude
comparée portant sur la corporalité et sur son expression dans l’espace poétique. La perspective
que je vais adopter est une perspective de genre, ouverte à une dimension politique qui
considère le corps comme un terrain de négociation de sa propre identité (Anedda), espace de
l'écriture (Brossard) ou bien terrain fécond pour mener une bataille politique féministe
(Rich).Dans ma communication, je vais me concentrer sur les points de contacts possibiles entre
ces trois autrices et leur production poétique, dans la tentative d'étudier une véritable poétique
de la corporalité.

AUTEUR: Júlia Monte Ordoño

UNIVERSITÉ: Paris VIII (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Écrire le geste: la poésie de Fabienne Courtade
RÉSUMÉ:
La place des femmes dans la littérature a été minorisée en tant qu’auteures et limité sous le
regard idéalisant des écrivains. Pour cette raison, il est compréhensible l’intérêt de plusieurs
femmes de se faire visibles et de mettre en valeur son travail en s’autonomisant. Pourtant, il y a
aussi un autre geste qui se met en place chez certaines auteures contemporaines; c’est un geste
qui revendique une volonté de ne pas être vues (comme femmes). Croisant l’étude des théories
du corps et du genre et la poésie contemporaine, cette communication est dédiée à l’analyse de
l’écriture du corps chez la poète Fabienne Courtade (1957). Plus précisément, il s’agira de penser
l’écriture du corps d’abord à partir de l’étude des corps qui apparaissent dans sa poésie. Mais
ensuite, l’écriture du corps trouvera cette dispersion à travers sa relation aux reflets, aux gestes
qui se répètent dans d’autres corps et qui apparaissent dans un espace et un temps qui font
partie du quotidien. En écrivant ces gestes qui se répètent et se reflètent, qui sont toujours
ressemblants à un autre, l’écriture du corps chez Courtade orbite autour du « même ». En effet,
l’écriture du corps trouvera son espace dans l’écriture poétique, en tant qu’écriture qui ne ferme
pas, mais qui découd le texte. Ainsi, le poème devient l’espace des gestes, des répétitions
pénélopiennes, liés à une non-performativité, à une identité non-identitaire, qui écrivent
autrement le corps (féminin).

EJE 4: (RE) ESCRIBIR EL CUERPO|

(RÉ)ÉCRIRE LE CORPS|
(RE)WRITING THE BODY
INDRANI MUKHERJEE (Jawaharlal Nehru University, India); BRIGITTE LE JUEZ (University
College Dublin, Irlanda)

AUTEUR: Julien Néel

UNIVERSITÉ: Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (France)
TITRE DE LA COMMUNICATON: De l’autre côté du miroir: le corps féminin et la prison de l’image
dans The Bell Jar de Sylvia Plath, Les Belles Images de Simone de Beauvoir et La Femme gelée
d'Annie Ernaux.
RÉSUMÉ:
Les années 1950-1960 ont vu un déferlement d’images sans précédent, renforcé par une société
de consommation en effervescence, en mê me temps qu’un retour de nombreuses femmes au
foyer, dénoncé par Betty Friedan dans The Feminine Mystique (1962). Cette communication a
pour objectif de décrire les mécanismes de ce que j'appelle la prison de l’image, à savoir un
ensemble d’objet-images diégétiques (productions culturelles comme des magazines, ou objets
comme des miroirs) qui enferment les narratrices et leur corps dans un carcan normatif. Je
m'appuierai principalement sur Surveiller et Punir (1975) de Michel Foucault afin d’analyser
cette prison dans trois œuvres: The Bell Jar de Sylvia Plath (1963) Les Belles Images de Simone
de Beauvoir (1966) et La Femme gelée d’Annie Ernaux (1981). Je m'attacherai à expliquer les
phénomè nes affectant le corps des trois narratrices. La normalisation physique dans un premier
temps, lorsque les images, en particulier celles des magazines féminins, introduisent une
injonction à la beauté univoque. La réification ensuite, quand les images, en particulier les
publicités, transforment le corps féminin en marchandise. Je m'intéresserai enfin au miroir, qui
sera analysé à l’aune de la théorie foucaldienne comme un examen disciplinaire. Ces images ont
une influence réelle et sont à l’origine d’une norme biopolitique, qui exerce un contrô le, souvent
intériorisé, sur le corps féminin.

AUTORA: Alba de Diego Pérez de la Torre

UNIVERSIDAD: Universidad de Waseda (Japón)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: De apropiaciones y mitificaciones: el significado del kimono en
la cultura occidental
RESÚMEN:
El escándalo que surgió a raíz de una iniciativa del Museo de Bellas Artes de Boston, que animaba
a los visitantes a emular a “La japonaise” de Monet vistiendo un kimono creado a tal efecto,
provocó un intenso debate social acerca de términos como “imperialismo” o “apropiación”.
Sin embargo, ¿cuál fue la intención primigenia con la que los artistas decimonónicos adoptaron
el kimono? No debemos olvidar que estos artistas por lo común no vivían de acuerdo a las
normas de la sociedad del momento (de hecho, el término “Impresionismo” fue acuñado con
un claro sentido despectivo). Por otro lado, ¿podemos seguir utilizando el término “apropiación”
para el caso de los miles de jóvenes aficionados al manga o al anime que sueñan con visitar
Japón? Tal como se indica en las diferentes disciplinas que abarca este coloquio, la acción de
(des)vestir los cuerpos, en la literatura o en el arte, es polisémica. Esta propuesta, que se inscribe
en el ámbito del significado que palpita detrás de las prendas de vestir, tiene por objetivo
analizar el significado histórico-cultural del kimono en las sociedades occidentales, desde el
Japonismo del siglo XIX hasta la actualidad, para intentar responder a las preguntas que la
sociedad se está planteando acerca de la relación cultural entre Oriente y Occidente.

AUTHOR: Marie Claire De Mattia

UNIVERSITY: Universidade de Coimbra (Portugal).
COMMUNICATION TITLE: The corpo-realities of Ama Ata Aidoo's feminine characters.
ABSTRACT:
What is a body, my body? Corpo-reality - my body is a continuative performance of my identity,
of my way of conceiving and reinterpreting the world, and of my personal manner of coming to
terms with the reality surrounding me. My body-me materialises as both a political declaration
and a provocation, and as such it-I can produce an effect on other people's consciousness and
political framing of the world. This is a motif in the literary production of the Ghanaian author
Ama Ata Aidoo, as can be highlighted in her most outstanding female characters - Eulalie in The
Dilemma of a Ghost (1965), Anowa in the homonymous play (1969), and Esi in Changes: A Love
Story (1991). These three fictional women manage to deterritorialise the others' understanding
of traditional gender norms and roles through their bodies and rewrite on their bodies and in
their bodies an alternative to the biopolitical dictates which dominate the phallocentric
Ghanaian society, consequently putting the slippery concept of "femininity" into question.

AUTHOR: Rebekah Cumpsty

UNIVERSITY: Weber State University (United States)
COMMUNICATION TITLE: Scaling Neoimperial realities in Chris Abani's Virgin of Flames
ABSTRACT:
Current thinking in materialist postcolonial and world-literary studies show the realities of
empire to be ongoing and mutable, and the local-global interface to be among the most vexed
issues in these discussions. What has been overlooked thus far, however, are the ways in which
the body has re-emerged in cultural production as a receptor to and cipher for these frequently
abstracted planetary vectors. This paper analyses the construction of “transnational bodies” in
and across a selection of Chris Abani’s fiction, highlighting how the artful embodiment of his
globalised protagonists facilitates a scaling from global (neo)imperialism to its intimate bodily
effects. Through their physical relocations, imminent bodily inscriptions, and costume the
“cosmopolitan” protagonists of Becoming Abigail, GraceLand, and The Virgin of Flames trace
spatio-temporal routes between Lagos, London, and Los Angeles, recording and resisting their
traumatic histories and continued imbrication in the world-system. Comparing these
protagonists, I emphasise how their bodies index their relation to the world-system and how
they function as archives of resistance, arguing that Abani’s “transnational bodies” illustrate the
multiscalar forces of (neo)imperialism while envisioning variously successful strategies of
intimate self-assertion.

AUTHOR: Lorena Paz López

UNIVERSITY: CUNY (United States)
COMMUNICATION TITLE: Hablar desde un cuerpo impropio: vejez y feminismo en el exilio de
María Martínez Sierra
ABSTRACT:
In this paper I want to place at the center the question of women’s aging and its relationship to
intellectual work in the exile of MaríaMartínez Sierra in Buenos Aires. Although the production
and the figure of Martínez Sierra were the object of study of feminist criticism, old age has never
been taken within it as a point of departure to complexify the meanings of her exile. Old age and
gender are markers of difference that permeate the trajectory of the author -who lived almost
to the age of 100 and was active until the end of her days- and are accentuated during her last
years in her Argentine exile. She arrived at the age of 76 at a very particular moment in the
country. It is in the 1950s and 1960s when visual representations of the feminine ideal of beauty
and youth multiply in printed cultural productions and become one of the engines of
consumption activation among women through the mass media.Martínez Sierra continued her
feminist activism -started in Spain- during her exile through her collaborations in the women's
magazine Maribel and in Radio Nacional Argentina. I want to explore how in exile she situates
her place of enunciation in an "improper body" such as that of the old woman -as opposed to
female bodies as nation-builders through motherhood and physical work- which in turn grants
her the authority of experience, and from it she questions how political-social changes affect
the situation of women.

AUTEUR: Eugénie Péron-Douté

UNIVERSITÉ: Faculté des Lettres et des Sciences Humaines de Unilim, (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Organicité corporelle chez Chloé Delaume: penser le corps
comme laboratoire
RÉSUMÉ:
Notre communication entend interroger la représentation du corps dans l’œuvre de Chloé
Delaume tel qu’il est traditionnellement compris, c’est-à-dire en tant qu’objet esthétique et
théorique (philosophique, littéraire, artistique). Partant d’une démarche littéraire
contemporaine, l’analyse porte sur la manière de penser son corps comme lieu d’expériences et
de transformations possibles. Pour saisir cette reconfiguration nous traitons la notion de corps
laboratoire par le biais de l’autofiction delaumienne. Du corps physique au corps textuel c’est
toute une polygraphie corporelle qui est en jeu et que nous nous proposons d’analyser.
Considérer son propre corps comme lieu, comme laboratoire, forme a priori une ressource
inépuisable pour une démarche d’autofiction, réaffirmant par le jeu des identités l’intrinsèque
fragilité de l’unicité d’un « je » en déplacement. À travers la chronogenèse de l’œuvre nous
comptons revenir sur la représentation du domptage du corps en étudiant la rectitude physique
de ce corps avant d’en analyser les différentes torsions et devenirs le réduisant à une existence
moindre puis de saisir toute la complexité et l’ambigüité onomastique qui lui a été adressé. Nous
comprendrons alors que le corps chez Delaume ne peut se concevoir et s’écrire qu’au pluriel.
AUTORA: Alexandra Novoa Romero
UNIVERSIDAD: Universidad de Concepción (Chile)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: La representación de los cuerpos nómades trans/ travestis
masculinos en Mujer en traje de batalla (2001) de Antonio Benítez Rojo y El Tarambana (2011)
de Yosa Vidal
RESUMEN:
El eje de este trabajo pretende abordar cómo es la representación de los cuerpos nómades
trans/ travestis masculinos en Mujer en traje de batalla (2001) de Antonio Benítez Rojo y El
Tarambana (2011) de Yosa Vidal en sus diferentes contextos históricos, sociales y culturales. De
este modo, se establece un diálogo entre ambas novelas, centrado en los diferentes efectos y
vínculos entre el cuerpo que está en constante tránsito y el género a representar. Asimismo,
estos sujetos excluidos exploran la construcción que conviven, utilizan diversas tácticas de
enmascaramiento y representan ambigüedades desestabilizadoras, convirtiéndose en voces
descentralizadas que subvierten la heteronormativa, distorsionando la imagen y sus fisionomías
sexuales a través de la disimulación y simulación del género, desafiando la matriz heterosexual
con el propósito de no permitir las etiquetas genéricas-sexuales tradicionales.

AUTEUR: Luiza Marcier

UNIVERSITÉ: Pontifícia Universidade Católica do Rio de Janeiro (Brésil)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Le corps au-delà de la représentation: le dessin comme
pratique d'engagement
RÉSUMÉ:
La recherche part des relations entre la mode, le corps et le design. Le corps est observé, mais
surtout, le corps est invité à agir, à s’étendre, à bouger, à se déplacer, à se mobiliser et à interagir
en s'imaginant comme dessin et comme design (ou projet). À travers des pratiques de dessin, le
corps s'engage dans la production de langage, cherchant à élargir la compréhension des
corporéités dans le domaine du design. Certains principes de la mode peuvent contribuer à la
production de la subjectivité au-delà du corps qui imite la nature et le collectif, et s’ouvrir aux
corps qui se distinguent et cherchent, en se transformant, à transformer le monde.
Enfin, une vue du dessin qui le propose comme une action. Le dessin dans ce cas n'est pas une
représentation, mais un geste, un mouvement, une trajectoire. Le dessin comme territoire en
croissance qui, lors de la recherche, contribuera à la constitution de corps pluriels.

AUTEUR: Fanny Monbeig

UNIVERSITÉ: Université de Bordeaux III-Montaigne (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Habiller, dénuder, blanchir, pénétrer: la construction du corps
masculin en contexte colonial et post-colonial chez Marie NDiaye (Rosie Carpe, Trois femmes
puissantes) et Alice Zeniter (L'art de perdre)
RÉSUMÉ:
La colonisation n'est pas la conquête d'une terre. Elle est appropriation des corps qui la
peuplent. Tandis que les corps des femmes algériennes sont dévêtus et dévoilés de force par la
France coloniale, ceux de leurs frères sont « habillés » : enrôlés et revêtus de l'uniforme militaire.
Alice Zeniter revient dans L'art de perdre sur les paradoxes d'une masculinité indigène, dont la
virilité est à la fois niée, fantasmée, et bridée par le dressage colonial. Honteux de leurs pères
apatrides, les fils de harkis s'inventent des corps transitoires, sans pouvoir pourtant se défaire
de la racialisation exotique. C'est que la généalogie de la nation française repose sur la matrice
coloniale: c'est en opposition au corps esclave, dominé et asservi, que s'est inventée la
masculinité classique, tout en maîtrise et contrôle. Dans Rosie Carpe, Marie NDiaye dessine la
répétition inconsciente des rapports de pouvoir hérités de l'esclavage, leur empreinte sur des
corps affranchis des lois naturelles. Le viol symbolique de Lagrand, seul protagoniste noir du
roman, rappelle l'ossature plantocratique de la Guadeloupe contemporaine. Dans Trois Femmes
puissantes, l'Afrique post coloniale est le lieu de fabrication d'une masculinité blanche
défaillante, artificiellement blondie, née de l'écrasement violent du corps autochtone. Ainsi le
façonnement racial du corps masculin blanc, en sa révélation romanesque, dessine-t-il son autre
– non pas la femme, mais l'homme indigène. Altérisation aujourd'hui rejouée par les corps
policiers dans le contexte endocolonial de la France contemporaine.

AUTHOR: Kavya Krishna K.R.

UNIVERSITY: Indian Institute of Technology (Banaras Hindu University), Varanasi (India)
COMMUNICATION TITLE: The Subversive Visual Retellings of the legend of Nangeli, the
Subaltern Woman who protested against Breast Tax.
ABSTRACT:
The Breast Cloth Struggle / Channar revolt (1813-1859) is a series of protests by lower caste
women to gain right to wear upper cloth which happened in erstwhile kingdom of Travancore,
which is present day Kerala, South India. Adding to it was the Breast Tax which was imposed on
lower caste women if they wanted to cover their breasts in public until early twentieth century.
Apart the formal history of the struggle, there is also the popular legend of an Ezhava woman
named Nangeli who chop off her breasts as a revolt against the breast tax. As per the story her
revolt and subsequent death lead to a series of people’s movements and the tax was nullified in
Travancore. The legend of Nangeli which was popular only as an oral narrative and was
otherwise unrepresented in history got visibility recently through two visual reconstructions of
the same. One is ‘A Travancore Tale ‘(2017) a graphic story of Nangeli by artist Orjit Sen and
second is the paintings of Chitrakaran T. Murali published in his book Amana-Pictures which are
not part of History (2016). The subversive visual narratives by Sen and Murali critiques
mainstream culture and history and recovers and reconstructs the subaltern woman’s protest
for dignity. The paper will do a cultural analysis of the visual reconstructions of the legend of
Nangeli and the conditions which made such a retelling possible. It will also look at the different
historical perspectives about the popular legend and the politics behind them.

AUTEUR: Agustina Mattaini

UNIVERSITÉ: Université Paris 8/Université de Lille (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Écrire la violence sexuelle: une approche à la défétichisation
du corps blessé dans la littérature argentine
RÉSUMÉ:
Cette communication s'intéresse à un corpus de littérature argentine contemporaine contenant
des représentations des corps qui désobéissent poétique et politiquement les directrices
disciplinaires d'un régime où les femmes sont la surface où le pouvoir s’écrit (Segato, 2018). Il
s’agit d’analyser les manières selon lesquelles les écrivaines Belén López Peiró, Gabriela Cabezón
Cámara et Sara Gallardo écrivent la violence sexuelle et (re)présentent leur caractère à la fois
intime et publique, tout en rendant poreuses les frontières entre corps textuels, corps sexuels
et corps sociaux. En déployant des démarches esthétiques et narratives hétérodoxes, ces trois
œuvres explorent le corps comme un matériel qui exhibe les dispositifs politiques et les séries
historiques qui le façonnent et le transforment (Giorgi, 2009). Si la « culture du viol » (Fassin,
1997) cherche à capturer et à discipliner certains groupes sociaux en essayant de les fixer au
moment du traumatisme, c’est autour des corps et de la temporalité que les œuvres se posent
(et nous posent) plusieurs interrogations. Mon hypothèse du travail est la suivante : ces textes
fonctionnent comme des narratives de la blessure (Ahmed, 2004) qui, contrairement au discours
essentialistes qui font de la violence sexuelle une identité, produisent une défétichisation de la
figure de la victime à partir de l’historisation des blessures et de la construction d’une
temporalité opposée à la chrononormative (Freedman, 2010).

EJE 5: CORPORALIDAD Y LITERATURA LATINOAMERICANA|

CORPORALITÉ ET LITTÉRATURE LATINO AMÉRICAINE|
CORPORALITY AND LATIN AMERICAN LITERATURE
LUCÍA CAMINADA (Universidad Nacional del Nordeste, Argentina); GABRIELE BIZZARRI
(Università Di Padova, Italia)

AUTORA: Margherita Cannavacciuolo

UNIVERSIDAD: Università Ca' Foscari Venezia (Italia)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Agujeros peligrosos: cuerpo y fantástico en algunos cuentos
de Julio Cortázar
RESÚMEN:
El presente trabajo propone otra entrada a la narrativa breve de Julio Cortázar a través de la
reflexión sobre el papel del cuerpo humano como elemento catalizador de la dialéctica
fantástica alrededor de la cual la narración se desarrolla. A partir de la consideración de la
imprescindible condición relacional del cuerpo (Merleau-Ponty [1945] 1994, Le Breton 2012), se
analizará, en particular, cómo los oídos y la boca de los personajes desempeñan un papel
intermedio (Bhabha 1994, Trías 1991, Lugnani 1983) entre dos órdenes ontológicos de
naturaleza diferente que chocan en el relato y, por ello, se convierten en el punto de fricción
que anticipa y pone en escena la ambigüedad fantástica.

AUTOR: Carlos Ayram

UNIVERSIDAD: Pontificia Universidad Católica de Chile (Chile)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Cuerpos tullidos. Prótesis del descalabro en las narrativas del
Cono Sur: Venturini, Quezada y Halfon
RESÚMEN:
David Mitchell y Sharon Snyder (2000) argumentaron cómo la discapacidad ha funcionado como
una prótesis de la cual el discurso literario ha dependido. La discapacidad inaugura el acto de
contar historias y la narrativa adquiere su función protésica al construir una noción tolerable de
la desviación y de la “rehabilitación” de un personaje que lleva sus marcas. Dados los sugestivos
aportes provenientes de los marcos teóricos gestados en el Norte global, propongo resituar la
categoría crip en clave tullida para geolocalizar las experiencias de representación de la
discapacidad desde América Latina. Esta ponencia problematiza tres prótesis narrativas en las
novelas Las primas de Aurora Venturini, Bulto de Víctor Quezada y El trabajo de los ojos de
Mercedes Halfon. Mi hipótesis es que la prótesis adquiere una función político-anárquica que le
permite a los cuerpos representados desequilibrar la lengua, la sexualidad y la mirada en tanto
tecnologías normativas, pero al tiempo diagramando su futuro como vidas minoritarias. Las
novelas consideran, en primer lugar, la prótesis como el mecanismo privilegiado de enunciación
de la experiencia de la discapacidad lingüística, física y ocular; segundo, proponen una
dimensión política al elaborar una peculiar querella que descalabra retóricamente –a través de
la écfrasis, el simulacro y la fragmentariedad– una tradición de representación que los ha
marginado; y, tercero, exhiben otros repertorios como la pintura, la poesía y la enciclopedia que
los personajes usan para fisurar los discursos de la nación, la salud, el cuerpo canónico y
(re)productivo y la mirada sana.

AUTORA: Susanna Regazzoni

UNIVERSIDAD: Università Ca' Foscari Venezia (Italia)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Una deslumbrante belleza: Degüello (2019) de Grabriela Masuh
RESÚMEN:
La escritora argentina Gabriela Massuh publica en 2019 su cuarta novela Degüello, un relato con
tres protagonistas: María, una profesora de literatura en la UBA, el Topo, un hermoso joven
hermafrodita y la ciudad de Buenos Aires en un presente actual y posible. La historia narra de
una capital rehén de especulaciones inmobiliarias, de un arquitecto de apellido altisonante, de
una gran amistad como resistencia afectiva en un escenario apocalíptico entre una mujer adulta,
refinada y culta y un joven de la Villa Veinte que vende su espléndido cuerpo para ganarse la
vida y que finalmente asesina al profesional, directo responsable de la transformación de la
ciudad en una pesadilla en hormigón que paulatinamente se come jardines, plantas, árboles y
cualquier testimonio de una naturaleza envilecida. Propongo el estudio del papel del cuerpo del
Topo en la guerra de resistencia entre la defensa de la naturaleza en todas sus manifestaciones,
la verdadera pasión del joven, y su destrucción por parte del hombre a través de un falso
principio de progreso. Se trata de un cuerpo cuya deslumbrante belleza manifiesta una
fascinación en toda persona que se le acerca, es un cuerpo diverso, nómada y transgresor en
contra del poder patriarcal de nuestra sociedad que define los cuerpos según una tradicional
división binaria.

AUTOR: Andrea Pezzè

UNIVERSIDAD: Università degli Studi di Napoli "L'Orientale" (Italia)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Sintaxis del cuerpo en la literatura de Mónica Ojeda
RESÚMEN:
Esta ponencia se propone reflexionar sobre la conexión íntima entre la ostentación de una idea
de cuerpo, en particular weird o vejado, y la organización de la forma literaria en las obras de
Mónica Ojeda. Para alcanzar dicho objetivo, nos fijamos (por razones de tiempo y de unidad del
discurso) en la novela Mandíbula (2018) la cual ofrece exhaustivos ejemplos para demostrar el
planteamiento teórico (aunque es posible extender dichas observaciones a la novela Nefando
de 2016). Si en Mandíbula la visión del cuerpo procede de la novela del terror y es la proyección
(traducción intersemiótica de lo puramente simbólico) de una alteración en la narrativización de
lo familiar/cotidiano (el perturbante), desde nuestro punto de vista, entre los aportes que
Mónica Ojeda brinda a la literatura de terror latinoamericana y global en el siglo XXI, destaca la
capacidad de construir una relación muy intelectual con la forma de la representación, es decir
que tanto la organización de los elmentos del relato como la exhibición de cierta idea teórica
sobre la forma literaria son elementos funcionales a la construcción del cuerpo disciplinado,
distorsionado, lacerado.
AUTEUR: Romain Frezzato
UNIVERSITÉ: Université Paris 8 -Legs (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Vieillir Queer: troisième âge ou troisième sexe? Notre-Dame-
des-Fleurs, Jean Genet (1943); Ce lieu sans limites, José Donoso (1966); Je tremble ô Matador,
Pedro Lemebel (2001)

RÉSUMÉ:
Quand il campe des petites vieilles trottant dans Paris, Baudelaire procède à une désexualisation
du corps sénescent. De fait, la vieillesse annule le genre. Lorsque Genet en 1943 rend public le
personnage de Divine, il s’intéresse avant tout au vieillissement du travesti. La sénescence
contredit la performance. Mais le troisième âge du travesti est aussi l’occasion de mettre en
scène des corps impossibles, des matières invivables. C’est pourquoi il est troublant de retrouver
sous la plume de deux écrivains chiliens, Donoso et Lemebel, le même travesti vieillissant. L’un,
dans Ce Lieu sans limites, croque une danseuse de bordel, la Manuela, père malgré elle d’une
fille aménorrhéenne; l’autre, dans Je tremble, ô Matador, donne à lire « une folle vieille et
ridicule », couseuse camp tombée en adoration d’un résistant. Pourquoi représenter le corps
queer dans une morbidité systématique, dans une incarnation contradictoire? C’est que la
vieillesse révèle la torsion définitive du corps, sa queerisation totale. En mettant en scène des
travestis sénescents, ces auteurs tentent à leur manière de remédier à l’irreprésentabilité du
corps transgenre. Nous verrons que le contexte socio-historique chilien de l’écriture joue pour
beaucoup dans ce choix de protagonistes en lutte avec leur corporalité/corporéité. L’enjeu de
cette communication sera de montrer comment, par un subtil renversement, les auteurs
parviennent à faire du corps travesti sénescent le siège d’une ultime performance de genre.

AUTORA: Lucía Leandro Hernández

UNIVERSIDAD: Universitat de Barcelona (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Poéticas del devenir: mujeres monstruosas en el new weird
latinoamericano
RESÚMEN:
La ponencia analizará los cuentos “Muchacha-Kraken” (2019) de la argentina Teresa P. Mira de
Echeverría y “Película japonesa de los años 60” (2008) de la salvadoreña Jacinta Escudos desde
el género del new weird. Ambas autoras utilizan la figura del monstruo del new weird como esa
otredad velada que representa lo que no se desea mostrar, como ese ser que, a través de su
subjetividad, representa la potencia del cambio. Dada su condición de devenir (Deleuze y
Guattari, 2004: 248), el monstruo representa la posibilidad de construir un ser con una
subjetividad fluida, un organismo que provoca solo con su presencia porque lleva hasta los
márgenes cualquier concepción preestablecida de lo humano. Se ubican ambos textos dentro
de este género ya que es un espacio poroso con una propuesta estética irreverente ante el
estamento de lo literario que posibilita una propuesta transgresora que utiliza sucesos
inexplicables, sujetos zoomorfos y mujeres monstruosas para llevar al límite el concepto de
realidad que nos limita. Con esto, se propone un ensanchamiento y desestabilización de lo que
se define como real, lo que convierte a cada cuento en una propuesta político-literaria que
denuncia el contexto latinoamericano a través de lo raro, lo monstruoso, lo abyecto y lo
aberrante. Para sustentar el análisis se utilizarán teorías de Jeff VanderMeer, Roberto Esposito,
Michel Foucault, Mabel Moraña, entre otras.
AUTORA: Maria Cristina Caruso
UNIVERSIDAD: Universidad de la Calabria (Italia)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Cuerpos mutilados, cosificados y sexualmente sumisos en La
cabeza de Pedro Cabiya: una subversión anarco-Queer
RESÚMEN:
En La cabeza del escritor puertorriqueño Pedro Cabiya el cuerpo de la protagonista, Gloria, sufre
una monstruosa metamorfosis anatomofisiológica: después de un accidente la mujer queda
fuertemente comprometida, dividida en dos trozos. Su esposo Daniel, incapaz de renunciar a su
amada (atención al adjetivo posesivo) decide transfigurar la existencia corpórea y ontológica de
la mujer volviéndola una especie de cyborg, medio cuerpo humano, medio dispositivo mecánico.
Propongo un análisis narratológico de la novela, en que los topoi estéticos gore y soft-porno
animan la impactante narración de la hípersexualización del cuerpo femenino y la cosificación
del sujeto mutilado. Enfocándonos en la dimensión simbólica del cuerpo, y reconociéndolo no
solo en cuanto receptor de normas performativas, sino como medio de insurrección contra-
normativa, se entiende trazar la subversión que protagoniza a Gloria en cuanto entidad física
excéntrica y grotesca, cuerpo perturbado en su forma, perturbador en su esencia
epistemológica.

AUTOR: Ignacio Sánchez Osores

UNIVERSIDAD: University of Notre Dame (Estados Unidos)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Nosotras somos las muñecas monstruosas, sucias y hediondas:
retóricas de la monstruosidad y la suciedad en la poesía travesti del Cono Sur
RESÚMEN:
Para la poeta Claudia Rodríguez, las escrituras travestis son “arrebatadas, feas y monstruosas”.
Estos epítetos condensan aspectos claves de la lectura que propongo sobre los corpus/cuerpos
travesti producidos en el Cono Sur latinoamericano. Las poetas elaboran poéticas en que
aparecen corporalidades que bien pueden ser re-conocidas desde un significante excrementicio
que no es sino pura paradoja: son cuerpos-desechos que se hacen notar, que se les reconoce
por su de-formaciones, por su olor penetrante; pero que también “sirven” como abono de
eróticas proscritas que son rechazadas y a la vez deseadas por una sociedad cínica. Frente a los
discursos normalizadores, docilizadores e higienistas de los regímenes hetero-homonormativos
promovidos por el sistema neoliberal, las subjetividades travestis pueblan la ciudadanía
capitalista con cuerpos excedentes que asumen tácticamente las etiquetas con las que se les
“reconoce” en la sociedad: posan reivindicando sus cuerpos monstruosos (Shock), se exhiben
mostrando sus “mejillas barbudas”, exudan olor a pobre (Sosa Villada) y se asumen “hediondas”
y “sucias” (Rodríguez). Dado lo anterior, sostengo que las retóricas de la monstruosidad y la
suciedad son estrategias de representación subversivas que no solo persiguen contestar a los
corsés normativos y profilácticos de la escena neoliberal, sino que constituyen locus
enunciativos de resistencia que encierran un potencial desestabilizador y comunitario.

AUTOR: José Eduardo Serrato Córdova

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional Autónoma de México (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: El cuerpo trasgresor y el cuerpo agredido en Fernando Melchor
RESÚMEN:
En este trabajo se estudia la representación del cuerpo violentado en las novelas Tiempo de
huracanes y Paradáis, de la autora mexicana Fernanda Melchor, quien ha definido su estética
como una corriente del "trópico negro", en donde la violencia al estilo del cine gore se mezcla
con la narrativa policial, al estilo del roman noire. En los cuerpos femeninos se concentra el odio
de una sociedad machista reprimida, acostumbrada a destrozar todo aquello que no
comprende, o que ve como una amenaza a sus costumbres ancestrales. El cuerpo femenino y el
del transexual es percibido una presencia maligna que se debe eliminar de manera violenta.

AUTORAS: Lucía Caminada y Valeria Noguera

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional del Nordeste (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Corporalidad, arte y escritura en la obra visual de Osvaldo
Lamborghini
RESÚMEN:
Osvaldo Lamborghini, escritor argentino, fue uno de los integrantes de la revista Literal y su
relación con el psicoanálisis, el arte y la militancia política, impregnan su literatura en la cual el
cuerpo es el centro de las relaciones de poder y asimismo, base de la performatividad del
lenguaje. La estética fragmentaria, neobarrosa y sexualizada, se lee en sus dibujos, en los
bocetos artísticos del archivo visual lamborghiniano aún vagamente explorado y recentemente
rescatado. La propuesta es analizar una selección de sus dibujos y bocetos, en relación con los
“restos de escritura” que interpelan la narrativa visual, destacando las políticas de la sexualidad
signadas por la pornografía, la obscenidad y los ritos sexuales vinculados con
la violencia. En la obra de los 80 de Lamborghini, en su estancia em Barcelona, donde se vuelca
hacia lo visual, se presenta uma corporalidad en el entrecruzamiento de los mecanismos de
poder que se visualizan desde lo sexual pornográfico y político. En su discurso tanto literario
como plástico (o en la intersección de ambos), el cuerpo se ubica como objeto de dominación
sexual. La totalidad de su obra se aparta voluntaria y constantemente de la exigencia canónica
y se sitúa fuera del universo legal de la producción artística de su época. Sin embargo, esta forma
de presentar la corporalidad demarcada y atravesada por lo sexual, presenta una importante
contribución a las discusiones actuales en torno a la construcción del cuerpo en la
sociedad, centrales en Artes y Humanidades.

AUTORA: María Guillermina Torres

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional de La Plata (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Néstor Perlongher y Glauco Mattoso: por una literatura
perversa
RESÚMEN:
Parte de los ensayos que Néstor Perlongher escribe durante su exilio en San Pablo (1981-1992)
funcionan como una máquina de lectura sustentada en una premisa que el autor enuncia casi
como una advertencia: “La perversión –diríase- puede florecer en cualquier canto de la letra”.
Con ella, recorre y se vincula con una zona de la literatura brasileña y encuentra en el país de
exilio aquellos que serán sus contemporáneos: escritores que buscan leer a contrapelo los
discursos de su época y que, para hacerlo, escriben una literatura perversa, donde el cuerpo,
regido por el deseo, es la instancia desarticuladora tanto de los discursos que dominan los
procesos de subjetivación para consolidar identidades fijas y normativizadas, como las morales
que rigen qué escribir y cómo leer literatura en una época. Entre estos escritores se encuentra
Glauco Mattoso, autor de una autobiografía erótica, Manual do pedólatra amador (1986) en la
que escenifica su obsesión por los pies. En esta autobiografía, así como en la poesía
perlonghereana, el cuerpo se escribe a partir de una experiencia intensa que anuda goce y
violencia. Ese punto de encuentro entre la literatura de estos escritores puede seguirse en el
posfacio que Perlongher escribió para el libro de Mattoso: “O desejo do pé”, donde observa la
manera en que, en la literatura de su contemporáneo, la perversión actualiza el poder de un
deseo abyecto que logra ultrajar los discursos del orden social, político, literario y sexual.

AUTOR: Sebastián Cottenie

UNIVERSIDAD: Pontificia Universidad Católica de Chile (Chile)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Desfigurando el cuerpo del Niño: una mirada queer de las
pedagogías sexuales en “Epifanía de una sombra” (2000) de Mauricio Wacquez
RESÚMEN:
Esta ponencia se centra en la representación de infancias sexo-disidentes en la novela
autobiográfica “Epifanía de una sombra” (2000) del chileno Mauricio Wacquez. En concreto, se
aborda cómo ciertas corporalidades queer infantiles desestabilizan la casa y la escuela en cuanto
instituciones de domesticación sexual (Foucault). Para atender a los desvíos sexo-genéricos de
estos sujetos menores (Deleuze y Guatari), se analizan dos episodios de violaciones
homosexuales infantiles. Mediante una lectura semiótica, se estudia cómo estas corporalidades
amariconadas tensionan aquellos imaginarios tradicionales basados en la fantasía del Niño
(Edelman). A modo de hipótesis, se propone que, desde una mirada queer, estos niños
sodomizados y mutilados nos develan las pedagogías sexuales tradicionales en su carácter de
contra-pedagogías de la crueldad (Segato). Para dar cuenta de ello, será necesario reflexionar
teóricamente en torno a la plasticidad (Malabou) del cuerpo infantil. Materia en crecimiento y
transformación constante, su cuerpo es un territorio maleable donde los adultos buscan
intervenir. Es que, en tanto ‘human becoming’ (Gaitán), el Niño debe ser preservado de
cualquier desviación que altere la gramática genérica. De allí que discursos pedagógicos,
religiosos y médicos se impongan sobre el infante para ayudarlo a crecer rectamente. Fantasía
adulta de dar forma fija a lo inestable, la queeridad de la infancia (Bond Stockton) es regulada
según la matriz heterosexual (Butler).

AUTORA: Maravillas Moreno Amor

UNIVERSIDAD: Universidad de Murcia (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: «Esa huella del odio». El cuerpo como eje rector de la trans-
literatura en «Las malas» de Camila Sosa Villada.
RESÚMEN:
La voz trans está íntimamente ligada a la experiencia corporal en múltiples sentidos. Entre todos
ellos, tres resultan cruciales: la negación del cuerpo dado; la trans-formación del cuerpo, y el
rechazo social del cuerpo trans-formado. El fundamento del conflicto trans es la disonancia
entre cuerpo e identidad, tensión que lleva a una suerte de metamorfosis desde el cuerpo
binario e impuesto hasta un nuevo cuerpo no-normativo. El impulso de transformación se
responde por parte de la sociedad expulsando a estas corporalidades de ciertos espacios
convencionales –las oportunidades laborales, por ejemplo– y esto les empuja a la prostitución
como única salida. El cuerpo se convierte en el único medio no solo de vida, sino para la vida: es
el origen mismo del conflicto social y político desde la posición trans, pero también se vuelve
por igual en escenario de dominación y en oportunidad de liberación. Sosa deja constancia en
su novela «Las malas» (2019) del desacuerdo existente entre el rechazo heteronormativo de los
trans en los llamados «espacios convencionales» y, paradójicamente, el deseo de los hombres
heterosexuales consumidores de prostitución hacia la mujer transexual, algo que podría
explicarse a partir de su hiperfeminidad y la radicalidad de sus atributos físicos. En definitiva, a
través del análisis de la obra, nos proponemos investigar hasta qué punto el cuerpo se constituye
en el verdadero «punto ciego» –recuperando el concepto de Cercas– de la trans-literatura.

AUTORA: Claudia Salazar

UNIVERSIDAD: California State Polytechnic University, Pomona (Estados Unidos)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Variantes de la abyección: cuerpos monstruosos en la literatura
peruana (1981-2013)
RESÚMEN:
En la problemática y continua construcción de una idea de “nación” peruana, los regímenes de
inclusión y exclusión han marcado y representados diversos cuerpos colocándolos en diversas
posiciones de abyección. Esta ponencia analizará tres textos que corresponden a las diversas
variantes que representan estos cuerpos percibidos-construidos como monstruosos. En primer
lugar, los cuerpos precarios al centro de la novela “Montacerdos” (de Cronwell Jara, 1981);
luego, los cuerpos travestis escritos en “Saturday Night Thriller” (colección de escritos de
Giuseppe Campuzano, 2013) y, finalmente, los cuerpos perpetradores-víctimas que configuran
la narrativa de “Los rendidos” (de José Carlos Agüero, 2013). El marco temporal elegido (1980-
2013) corresponde al inicio del conflicto armado interno en la década de los 80s y la posterior
instauración de las políticas económicas neoliberales en los 90s. Los cuerpos que circulan en
estas narrativas revelan las fisuras del modelo político-económico, sus modos de producción de
lo abyecto y las variantes de lo monstruoso. Cada variante conforma una manera de cuestionar
tanto las necropolíticas del capital como las políticas de la memoria en el Perú. ¿Es posible
escribir una trayectoria de estas variantes y los cuerpos que construye frente a las lógicas del
capital y las violencias que perpetra?

AUTORA: Verónica Stedile Luna

UNIVERSIDAD: FaHCE-Universidad Nacional de La Plata, CONICET (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: “Un cadáver”: la vanguardia como supervivencia
RESÚMEN:
A mediados de siglo XX, en Argentina, distintas publicaciones periódicas (poesía buenos aires,
Ciclo, A partir de cero, Sur, Ventana de Buenos Aires, Cosmorama) desplegaron la polémica en
torno a la reemergencia de las estéticas experimentales o vanguardistas. En ese marco, interesa
indagar el modo en que la figura del “cadáver” –históricamente asociada no solo al surgimiento
del Surrealismo, sino también a sus conflictos y rupturas posteriores– configuró la discusión. Así,
mientras por un lado aludía a una serie de experiencias “muertas”, “cerebralizadas”, que debían
ser dejadas atrás; las revistas vinculadas al surrealismo e invencionismo en Argentina
problematizaron la noción de “vanguardia” como una dimensión abierta del pasado, donde el
cadáver señalaba la potencia de lo superviviente (Nachleben). La referencia al cadáver abre, en
las distintas polémicas, un espacio significativo en relación con las prácticas que vinculan arte y
vida o arte y política. Como materia orgánica/inorgánica que habita a la vez el espacio inestable
de lo vivo y lo muerto, lo presente y lo ausente, el presente y el pasado, entre lo común y lo
identitario, el cadáver es una forma de supervivencia que resulta del desborde de los
diagnósticos de caducidad, como ese otro tiempo que “en una cultura aparece como desecho,
como una cosa fuera de época o fuera de uso” (Didi-Huberman).
 EJE 6: CUERPO EN LAS ARTES VISUALES Y PLÁSTICAS CONTEMPORÁNEAS |
ARTS LE CORPS DANS LA CRÉATION PLASTIQUE CONTEMPORAINE|
BODY IN CONTEMPORARY VISUAL AND PLASTIC
FABRICE FLAHUTEZ (Université Jean Monnet, Francia)

AUTEUR: Sébastien Mantegari Bertorelli

UNIVERSITÉ: Paris 1 Panthéon Sorbonne (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Métamorphoser le corps pour guérir l'esprit. Les peintures
d'Izdubar dans le Livre rouge de Carl Gustav Jung: étapes d'un processus de recherche de soi
RÉSUMÉ:
Dans le Livre rouge, Carl Gustav Jung a consigné et peint pendant plus de dix ans les visions qui
lui sont survenues de 1913 à 1914. On y voit notamment le célèbre psychiatre suisse rencontrer
Izdubar, avatar du mythique héros Gilgamesh. Ce dernier, parti vers l’Occident à la recherche du
« fabuleux pays immortel où plonge le soleil pour renaître », tombe malade et commence à
dépérir lorsque Jung lui annonce venir de cette région, et qu’un tel pays n’existe pas. Afin de le
sauver, Jung le réduit « à la taille d’un œuf » et rentre dans son pays où, à l’aide d’incantations
magiques, il opère à la renaissance du héros. Ce récit visionnaire est accompagné de peintures
réalisées par Jung où ce dernier se dépeint aux côtés d’Izdubar et lors des diverses manipulations
qui mènent à sa résurrection. Métaphoriquement la revivification physique du héros correspond
à la guérison psychologique de Jung. Les différents chapitres du Livre rouge constituent en effet
autant d’étapes qui le mènent à la réalisation de sa propre identité, à la redécouverte de son
soi, ce qu’il nomme le processus d’individuation. On se propose donc d’étudier comment les
métamorphoses du corps d’Izdubar telles que représentées par Jung symbolisent le parcours
qu’il emprunte pour se retrouver lui-même. Les représentations plastiques du corps deviennent
ainsi les images d’une psyché en reconstruction: celle de Jung à la fois peintre, guérisseur et
patient.

AUTEUR: Céline Cadaureille

UNIVERSITÉ: Université Jean Monnet, Saint Etienne (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Faire des pieds et des mains: moulage sur nature et
fragmentation
RÉSUMÉ:
La fragmentation est liée à la sculpture, à son histoire, à ses modèles antiques mais aussi à ses
moyens techniques et ses matériaux. Les marbres se brisent, les plâtres s’effritent et la terre
peut se fendre avec le gel. Construire une sculpture fragmentaire, c’est adhérer à l’histoire de la
sculpture et comprendre que le moulage sur nature ajoute une aura particulière, un aspect
cadavérique. Mais lorsque des artistes contemporains tels que Gober, Mayaux ou Schneider
intègrent des fragments de corps moulés dans leurs créations, ils ont bien sûr conscience de
jouer avec « des choses mortes », avec des fantômes et des fantasmes. Je propose donc
d’étudier ces abattis, ces pieds et ces mains isolés, qui apparaissent parfois de manière
autonome comme s’ils étaient indépendants. Nous verrons que la littérature fantastique et la S-
F alimentera cet imaginaire horrifique avec des mains coupées qui semblent douées de vie, des
mains qui s’emparent de la matière pour ériger leur propre corps (Altmedj). Ma contribution
n’est pas une étude historique sur la fragmentation en sculpture, mais un partage d’expériences
qui se tissent de références passées et actuelles, qui nourrissent mes créations et mes réflexions
sur le corps. Je propose de créer un montage vidéo dans lequel s’entremêlent mes diverses
références, mes réflexions en voix off et mes gestes de sculptrice pour tenter de comprendre ce
qui se passe au sein de l’atelier lorsque je moule des pieds et des mains.

AUTEUR: María Gil Martínez

UNIVERSIDAD: Universidade de Santiago de Compostela (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Cuerpo, lenguaje y sujeto en el arte conceptual de los años
noventa
RESÚMEN:
En los años noventa se hace fáctico que el cuerpo es político, en un momento caótico de
revoluciones sucedidas hasta dejar rabia, preguntas, desconfianza y desencanto. Al tiempo, el
cuerpo está conformado por lenguaje –la secuenciación del ADN aúna letras y células–, lenguaje
que es ser humano y es mundo: la economía de la información, el nacimiento de Internet, la
comunicación inmediata y continua. La identidad como cuerpo, como lenguaje, como caos. Ya a
finales de los años ochenta el conceptual volvía con fuerza a las corrientes artísticas. Sin
embargo, no lo hará de la misma manera: en esta suerte de neo-conceptual el contexto lo
impregna todo; la visión del individuo afecta al artista, que crea las obras desde sus condiciones,
y al público que la recibe desde sus posibilidades y limitaciones estructurales. El uso del lenguaje
será más estudiado en el arte de los noventa, pues se construirá (antes, durante y tras la
exhibición) un discurso que amplía su significado como un aparato o suplemento. Artistas como
los americanos Félix González-Torres o Roni Horn, la generación de Colonia o los españoles
Jaume Plensa, Jorge Barbi o Dora García, se distancian de las obras tautológicas de Joseph
Kosuth a través de un uso poético del lenguaje, que a su vez se diferencia de Lawrence Weiner
en la vuelta a lo objetual, a la palabra-materia, de manera post-experimental. Y ahí se encuentra
el cuerpo, conformado y deformado por palabras y conceptos, en sus presencias y en sus
ausencias.

AUTHOR: Laura Goudet

UNIVERSITY: Université de Rouen-Normandie (France)
COMMUNICATION TITLE: Playing “Hard Lads” as a multimodal failure of masculinities
ABSTRACT:
The one-minute, viral video “British Lads hit each other with a chair” (2015) is one of the many
videos featuring teenagers (mostly males) filming themselves as one of them is voluntarily and
repeatedly hit on the back and neck with a chair, after a swig of alcohol and a last draw on a
cigarette, while the others stare jeeringly. Artist and videogame designer R. Yang adapted it in
his game “Hard Lads” (2019) which interrogates all the exaggerated performances of masculinity
it shows. The player embodies the hand holding the recording phone and leads all the gestures
of the protagonists: “the phone leads to perform” (Yang 2019), to a satirical extent, which is the
core of this analysis. The expressions of this performed masculinity is viral in many videos and
this game interrogates the “important failure” (Yang 2019) in masculinity that this shows us.
Amidst the sea of similar material, this one starts with a kiss on the mouth. This is unexpected
and other examples of heterosexual men kissing in Britain come to mind (Anderson et al 2012);
this game is also a commentary on the British culture of violence (Dustin 2016). This study
focuses on both video and videogame adaptation, where the body becomes the place where
critical discourse is situated. Repetitions of the chair hit, distorted physics (through game
design), create an intermediate(d) space which allows for this dis-location of the expected.

AUTORA: Raquel Mercado Salas

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Aguascalientes (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: La ley del padre en el cuerpo del hijo en "Descarga en tres
tiempos" y "Chac Mool" de Roberto de la Torre
RESÚMEN:
Las prácticas artísticas, de performance e instalación, de Roberto de la Torre muestran dos
momentos de la historia reciente de México: por un lado, "Descarga en tres tiempos" es un
performance del año 95 en el que se muestra el trauma colectivo por el asesinato de Luis
Donaldo Colosio; por otro lado, "ChacMool" es una instalación monumental que hace alusión en
2008 a las denuncias hacia Marcial Maciel, el padre de los legionarios de Cristo denunciado por
más de cincuenta años de enriquecimiento ilícito y por la red de pedofilia al interior de la Iglesia
en México. Este análisis está basado en la perspectiva deleuziana de los agenciamientos, la
escultura social y las estrategias estético-políticas de la ironía como trasgresión de la ley. El
resultado de la propuesta está basada en la tesis doctoral que el año pasado presentó la autora
para obtener el grado en filosofía en la Universidad de Guanajuato.

AUTOR: Fidel Villar Barquín

UNIVERSIDAD: Universidad Complutense de Madrid (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Entre la memoria y la historia: el cuerpo seropositivo en el Arte
Contemporáneo.
RESÚMEN:
En este último año el Covid-19 ha obligado a repensar las relaciones con nuestro propio cuerpo,
pero también con cuerpos otros, con cuerpos infectados, con cuerpos seropositivos, con
cuerpos enfermos. Y es en este contexto en el que he decidido revisar el propio concepto de
cuerpo a través de la relación entre arte y VIH/sida. Los artistas recurren al VIH/Sida para crear
desde el cuerpo y la corporalidad, muchos de ellos con una relación estrecha con el VIH/Sida
convirtieron la enfermedad en un fenómeno artístico y político. Y desde el cuerpo he establecido
cuatro categorías: cuerpo sexuado, enfermo, muerto e interno, que nos permite ver cómo el
arte fue un medio de expresión a través del cual los artistas pudieron explorar su propia
subjetividad frente a la enfermedad. En estas divisiones podemos analizar cómo los artistas
juegan con los límites entre el cuerpo y el entorno, se establecen unas relaciones entre lo
individual y lo colectivo. También se hace una reflexión sobre cómo algo puede ser penetrado y
puede penetrar en espacios colectivos y transformarlo. Se tratan también las propias
limitaciones de un cuerpo enfermo, que constriñen su comportamiento y su relación con el
mundo. Artistas como Pepe Espaliú o Felix Gonzalez-Torres convirtieron su cuerpo en una
metáfora de lo que la sociedad le hace al propio cuerpo, lo que cada individuo le hace, y cómo
se vuelve un símbolo.

AUTEUR: Quentin Petit Dit Duhal

UNIVERSITÉ: Université Paris Nanterre (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Mettre en crise les féminités et les masculinités. La mise en
scène du corps transgenre chez Michel Journiac, Loren Cameron, Del LaGrace Volcano et SMITH
RÉSUMÉ:
Cette contribution s’intéresse au cas d’artistes mettant en scène le corps transgenre afin de
déconstruire le système binaire de genre. Si certaines personnalités transgenres connaissent un
certain retentissement médiatique (Christine Jorgensen aux États-Unis, Coccinelle et Bambi en
France), la transidentité se trouve également investie par des artistes, tels que Michel Journiac
et son installation photographique de 1969 intitulée « Les Substituts » qui permet au public de
passer d’un corps à l’autre, Loren Cameron en 1996 et Del LaGrace Volcano en 2000 qui mettent
en scène leur propre corps transgenre nu ou travesti, ou encore SMITH qui photographie en
2011 entre autres ses ami·e·s transgenres. Dans une approche féministe et queer, il s’agit
d’examiner les différentes modalités de représentation du corps transgenre, qu’il s’agisse d’une
fiction produite par les mécanismes de l’image ou qu’il s’agisse d’une mise en scène du corps
réel de l’artiste ou d’un tiers. Il est aussi question d’analyser la manière dont tout un corpus
d’artistes de la fin des années 1960 jusqu’à nos jours élaborent une identité de genre échappant
à la binarité masculin-féminin. Cette contribution entrecroise alors les axes « le corps dans la
création plastique contemporaine » et « corporalités queer » puisqu’elle propose de penser les
corps queer comme une pluralité qui tend à dépasser, par la mise en scène de la difformité et
l’hybridation, sa propre condition.

AUTEUR: Melodie Marull

UNIVERSITÉ: Université de Lorraine (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Corps, désirs, regards: la subjectivité lesbienne chez Tammy
Rae Carland et Jenna Gribbon.
RÉSUMÉ:
Nous proposons d’étudier les modalités et les enjeux (politiques en particulier) des tentatives
de restitution et de documentation des corps et des affects lesbiens. À la lumière des textes de
Ann Cvetkovich (An Archive of feelings. Trauma, sexuality & lesbian public cultures) et d’Isabelle
Alfonsi (Pour une Esthétique de l’émancipation) notamment, nous envisageons les analyses
complémentaires des travaux de Tammy Rae Carland et Jenna Gribbon. La série de
photographies Lesbian Beds (2002) de Tammy Rae Carland documente des lits défaits et renvoie
à une mise en archives des espaces et des personnes qui les occupent; absents des images, les
corps sont pourtant au cœur de cette démarche proche de l’enquête. Le regard de Tammy Rae
Carland met en lumière affectivité, sexualité et invisibilisation des corps. Ce caractère
profondément intime se retrouve dans les peintures de Jenna Gribbon. S’emparant du principe
de POV (Point of View), elles superposent le regard de l’artiste à celui du ou de la spectateur·rice,
le·a projetant dans un corps lesbien et désirant. La subjectivité lesbienne fait qu’il ne s’agit plus
seulement de voir quelque chose, mais bien de voir à travers ou voir depuis un corps qui ne nous
appartient pas. Par l’observation de ces œuvres mobilisant corps et regards situés, il s’agira de
saisir comment ces représentations, à l’aune d’un regard lesbien qui déborde le corps (sa
représentation comme sa trace), proposent une vision affective et politique des corporalités.

AUTEUR: Iveta Slavkova

UNIVERSITÉ: Department of Art History and Fine Arts, American University of Paris (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Penser le corps au-delà de l’humanisme : Jacques Audiberti et
l’abhumanisme
RÉSUMÉ:
En 1952, Audiberti publie avec l’artiste-poète Camille Bryen, « L’Ouvre-boîte. Colloque
abhumaniste », fustigeant les dégâts causés par la civilisation occidentale à la suite des deux
guerres mondiales. La frustration corporelle et la chair souffrante y tiennent une bonne place;
la violence déchaînée lors de ces conflits est mise en rapport avec une politique inhibante et
restrictive du corps. Éclater les limites de celui-ci apparaît alors comme une solution «
abhumaniste » rejetant le paradigme humaniste anthropocentriste afin que les humains
reprennent place, avec modestie et par le corps, au sein des choses universelles. Les dessins de
Bryen mêlent le corps humain éclaté aux autres règnes de la nature; ceux de Wols, appelé «
abhomme par excellence » dans « L’Ouvre-boîte », font de même tout en explorant le degré
zéro d’une chair crue et douloureuse. Le corps éclaté, échappant à la hiérarchisation imposée
par l’humanisme occidental, est un trope récurrent dans la période qui suit la Seconde Guerre
mondiale. Le « corps sans organes » d’Antonin Artaud (1947), créateur qu’Audiberti et Wols
admirent, que Gilles Deleuze a par la suite théorisé dans le cadre d’une critique de l’humanisme,
en est un exemple. J’aborderai cette problématique à travers le prisme de l’abhumanisme, un
courant de pensée né à la fin des années 1940 à Paris, aujourd’hui quasi oublié. Héritier des
avant-gardes, notamment de la critique de l’humanisme de dada et du surréalisme,
l’abhumanisme pense le corps sans compromission. Entre immanence mystique et éloge de la
crudité de la chair, il interroge les politiques du corps privilégiées par l’Occident humaniste qui,
sous prétexte d’émancipation, ont été désastreuses pour le corps.

AUTEUR: Rosemeri Maria da Conceição

UNIVERSITÉ: Universidade Federal do Rio de Janeiro (Brésil)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Le corps noirs et masques blancs en bronze: la sculpture de
Flavio Cerqueira en dialogue Avec Frantz Fanon
RÉSUMÉ:
Cette communication fait une analyse de l’œuvre Amnésie (2015) de l’artiste brésilien Flávio
Cerqueira (1983- ), la comprenant comme un travail qui agit entre les expériences corporelles
imposées par le Racisme et la construction de nouveaux mémoires. Dans cette œuvre, le
sculpteur, inspiré de Rodin, utilise le bronze pour présenter un garçon tenant dans ses mains un
pot de peinture blanche qui coule sur son corps. Le corps partiellement embrumé, devant
d’autres parties qui restent noires, nous invite à dialoguer avec les conceptions de corporalité,
identité et trauma présentes dans le travail du théoricien Frantz Fanon (1925-1961) Peau Noire
et Masques Blancs, pour réfléchir sur les paradigmes pour réfléchir sur les paradigmes qui ont
guidé les questions raciales au Brésil.

AUTEUR: Ana Rita Nicoliello Lara Leite

UNIVERSITÉ: Universidade Federal de Minas Gerais (Brésil)
TITRE DE LA COMMUNICATION: L’art de produire des corps divers: danse, résistance et
politique
RÉSUMÉ:
Mon exposé s’organise autour de cette question centrale: quelle est la possible contribution
sociale et politique de l’artiste de la danse, surtout en ce qui concerne la remise en question des
ordinaires rapports sociaux au corps dans une société de contrôle biopolitique? Autrement dit,
qu’est-ce que le savoir développé dans certaines pratiques et techniques de danse peut
mobiliser au-delà de la fruition esthétique, en produisant des corps divers, plus résistants aux
modèles capitalistes et aux modes de vie qui encadrent la subjectivité? En m’appuyant sur des
concepts proposés par des artistes (Steve Paxton, Nita Little), des théoriciens de la danse
(Laurence Louppe, José Gil), et des philosophes (notamment le concept de «corps sans organe»
de Deleuze et Guattari), je soutiens que dans certaines pratiques de danse contemporaine, une
fois que le corps est engagé comme la principale matière d’expérimentation esthétique, les
artistes et les spectateurs sont invités à une «pratique de soi», un processus créatif de leur
propre subjectivité à partir de la corporéité. Si le corps n’est jamais donné, mais plutôt le produit
d’une machinerie désirante toujours en opération dans le rapport sujet-societé, la danse – l’art
de com-poser les corps – peut fonctionner comme exercice de désorganisation des modèles
hégémoniques du corps, en fournissant au sujet des outils pour se rapporter différemment à soi
même, au monde et à l’autre, de s’exprimer, de juger, de choisir et d’agir.

EJE 7: CUERPO Y COMUNICACIÓN|

CORPS ET COMMUNICATION|
BODY AND COMMUNICATION
ÍCARO VIDAL FERRAZ JUNIOR (Pontifícia Universidade Católica de São Paulo, Brasil); MAURÍCIO
DE BRAGANÇA (Universidade Federal Fluminense, RJ, Brasil)

AUTHOR: João Vitor Leal

UNIVERSITY: Universidade Estadual de Campinas (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: Monstrous incarnations: potent figures, empty bodies, irreducible
flesh
ABSTRACT:
This paper examines how the figuration of the human in cinema articulates notions of flesh,
body, identity, character, figure, and image. We start by observing that the very possibility of
multiple roles suggests a split between bodily unity and personal identity – a possibility that
often creates monstrous characters in fantasy narratives and that both elucidates and disturbs
the usual process of figuration. This idea is further developed in a comparative analysis of three
horror films in which monstrous entities manifest themselves through seemingly ordinary and
familiar human characters: “Invasion of the Body Snatchers” (Don Siegel, 1956), “The Thing”
(John Carpenter, 1982) and “It Follows” (David Robert Mitchell, 2014). We examine the specific
figurative strategies privileged by each film – duplication/substitution, possession/disfiguration,
and omnipresence/interchangeability –, and we argue that underneath each particular visible
monster lies the same uncanny and invisible figure. Throughout this study, we critically resort
to the concepts of “monster” (Michel Foucault, Mary Douglas, Noël Carroll), “figure” (Erich
Auerbach, Georges Didi-Huberman, Martin Lefebvre) and “flesh” (Maurice Merleau-Ponty, José
Bragança de Miranda) in order to establish the monstrous incarnation as an instance of
disinventing cultural constructs of the human body, of unshackling the body’s figural
potentialities, and of unearthing its irreducible phenomenological condition.

AUTORA: Roberta Filgueiras Mathias

UNIVERSIDAD: Universidad Federal Fluminense (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: El cuerpo villero en el cine de César González
RESÚMEN:
Pretendo trabajar parte de mi proyecto de doctorado al estudiar el cine del cineasta
independiente argentino contemporáneo César González. A los efectos de este coloquio,
centraré mi análisis en la forma en que él trabaja con cuerpos masculinos villeros. Aunque
podamos notar algunas diferencias de lenguaje en las películas del director, que en general opta
por una narrativa que se sitúa entre el documental y la ficción, el cine del joven es muy
contundente en relación a algunos conceptos y la elección de temas. Uno de los principales es
precisamente el cuerpo que vive en las afueras de la ciudad de Buenos Aires, más precisamente
en Villa Carlos Gardel, donde nació y cuyo es su territorio artístico por excelencia. Las violencias
presentes también traen otra forma de moverse y relacionarse con el propio cuerpo y el de los
demás. Totalmente imbuido de teorías filosóficas, pero también del cine experimental villero, el
artista, que también es poeta, ve en el cuerpo una forma de confrontación, de realización, pero
también de intercambio de afectos. Así, el cuerpo no solo atraviesa, sino que absorbe lo que
encuentra. Él mismo es un ejemplo. Moviéndose por varios espacios, todavía ve la villa como un
poder creativo y dijo en entrevista reciente que la villa no necesita dar explicaciones a nadie. Al
acercarse de la corporeidad villera, apuesta por una forma de comunicar que presente las
peculiaridades y similitudes de quienes son vistos como "visitantes en su propia ciudad”.

AUTEUR: Cédric Maiore

UNIVERSITÉ: Université Jean-Moulin Lyon III (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Formes et enjeux des avatars dans les représentations
vidéoludiques du football: de l'éclosion au déclin des sportifs virtuels
RÉSUMÉ:
Les représentations vidéoludiques s'invitent de plus en plus dans le discours médiatique du
football. S'inspirant d'abord de la mise en scène télévisuelle du match, le jeu vidéo s'est peu à
peu affranchi de ses limites techniques pour suppléer, voire supplanter la télévision adepte des
"expériences augmentées" qui font du football un sport hyperréaliste. Partenaires privilégiées
des clubs et des compétitions, les séries FIFA (EA Sports), eFootball PES (Konami) et Football
Manager (Sports Interactive) sont des produits culturels phares qui modélisent numériquement
le monde du football. Ces jeux disposent chaque année d’avatars de joueurs existants
distinguables graphiquement et dont les capacités "in-game" sont en lien avec les performances
réelles, sanctionnées par des notes. Cela forme des bases de données descriptives et
performatives que certains clubs utilisent dans des stratégies de communication audiovisuelles
mais aussi dans l'identification de joueurs à recruter. En outre, ces données deviennent
prédictives dans les jeux en simulant le vieillissement de leurs modèles, de leur éclosion à leur
déclin.

AUTOR: Pablo Caldera

UNIVERSIDAD: Facultad de Filosofía y Letras,Universidad Autónoma de Madrid (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: La imagen-cuerpo. Antropología de la encarnación digital.
RESÚMEN:
Hay muchas formas de ver un cuerpo, pero todas son formas discursivas de mirar. Ver un cuerpo
siempre es ver discursivamente. Esta comunicación se propone estudiar el fenómeno de la
“encarnación digital”, es decir, la paradoja contemporánea de cómo lo aparentemente
inmaterial, que no sigue el proceso fotoquímico de imagen en cine y fotografía tradicional, es
capaz de sustituir a un cuerpo. A partir de la idea de artefacto (Jesús Vega, 2015), unidad de
materia y significado, y la de imagen-pantalla (Martínez Luna, 2016), se constituye una idea de
la imagen como unidad material que permite una crítica de la representación que es capaz de
sortear el laberinto conceptual que implica lo digital por incluir en su dominio ontológico
dimensiones corporales, hápticas y afectivas. La teórica Laura Marks concibe la imagen analógica
como aquella que crea una representación directa de la realidad (Marks, 2002), mientras que el
medio digital, para ella, la “traduce” en series de 1s y 0s, tal como pensaba Lev Manovich. El
significado de la “traducción” sirve como metáfora de la visibilidad de cualquier cuerpo: para
ver a otro, hace falta traducirlo. Pero ¿existe objetividad en la traducción? No hay traducción
correcta, sino distintos modos de hacerlo. Esa traducción es la que crea y distorsiona la
inteligibilidad. La comunicación, en definitiva, intentará dar cuenta de los peligros
epistemológicos de la imagen-cuerpo.

AUTHORS: Ramayana Lira de Sousa (1) e Alessandra Soares Brandão (2)

UNIVERSITY 1: Universidade do Sul de Santa Catarina (Brazil)
UNIVERSITY 2: Universidade Federal de Santa Catarina (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: Bodylands: Challenging Lesbian In/Visibility in Cinema
ABSTRACT:
This proposal presents modes of thinking lesbian existence in the cinema that sidestep the issue
of in/visibility as something restricted to the gaze and representation (either as portrayal and as
proxy). We aim at stressing how lesbian desire activates the other senses in the audiovisual
landscape, which we call “bodyland”, the dynamics between the lesbian character’s body, the
body of the film and the spectator’s body. “Bodyland” is a conceptual tool that draws from Gloría
Anzaldúa’s borderland. We borrow from Anzaldúa’s queer thought that challenges binaries as
well as from her broad and political conception of the border in order to explore the interstices
of the image and the spectatorial experiences elicited by cinema’s landscapes. Thus, the concept
of “bodyland” emerges as a way to reflect upon lesbian experience in cinema, in the intervals of
the image (where the lesbian bodies appear and disappear), and to understand lesbian desire
as a fluid form, condensed in the filmic landscapes that we read through the imagery of water
and fire in films such as Portrait of Lady on Fire (2019), Ammonite (2020), and a number of
Brazilian short movies.

AUTHOR: Tatiane Hilgemberg Figueiredo

UNIVERSITY: Roraima Federal University (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: Abject Body and Disability: the power of social media
ABSTRACT:
Following Platonic ideals of aesthetic beauty, western society has sought to represent the
perfect human body, which is productive, heterosexual, strong, and non-disabled. Hargreaves
(2000) asserts that people with disabilities are identified, judged and represented first through
their bodies, and so are seen as imperfect, incomplete and unsuitable. The disabled body is
moved to the abjection, their materiality and existence are threatened. Perhaps because women
and the disabled are cultural signifiers for the body (GARLAND-THOMSON, 2004), they represent
a double oppression. Although Butler is not discussing disability, but gender/sex, and the abject
domain she delineates is produced by “certain highly gendered regulatory schemas” (1999),
recently a number of works are applying Butler’s theories to disability. The Brazilian Paralympic
athlete Camille Rodrigues has been posting on Instagram images of herself that, in a certain way,
defy the idea of abject body. According to Ellis and Goggin (2015:105) social media allow people
with disability to value their identity and even influence traditional “media agenda by offering
representation and interpretation from a disability perspective”. Taking this into account this
article proposes a reflection about the abject body and disability female body in order to shed
light upon possibilities for developing integrated feminist disability theory.

AUTEUR: Edson Pereira da Costa Júnior

UNIVERSITÉ: Universidade de São Paulo (Brésil)
TITRE DE LA COMMUNICATION: L'état critique du corps dans le cinéma brésilien récent: le cas
des ouvriers malades
RÉSUMÉ:
Depuis les années 2016, dans un contexte social et politique difficile, le cinéma brésilien n'a
cessé de présenter le corps sous un état critique. Des sujets convalescents, marqués par un
trauma ou même en face de la mort sont des figures habituelles aux genres de la fiction et du
documentaire. Il faut souligner que, plutôt qu'un élément du récit, la figure d'un corps souffrant
ou au moins en péril met en question la corporéité comme moyen où les mécanismes du pouvoir
se faisaient jour. En ce sens, cette présentation portera sur le cas des maladies du corps des
ouvriers comme symptôme d'une condition sociale problématique. On discutera, par le biais de
l'analyse filmique, deux oeuvres récentes: Arabie (Arábia, 2017, Affonso Uchôa e João Dumans)
et La Fièvre (A Febre, 2019, Maya Darin).

AUTHOR: Daniel de Andrade Lima

UNIVERSITY: Universidade Federal de Pernambuco (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: Brutal dexterity and intimate voices in cinematic action scenes: bodies
on the edges of intelligibility
ABSTRACT:
In films which narratives gravitate around dance or action scenes, it is frequent for performances
to be constructed through techniques that blur the body of a stunt performer with that of an
actor. In this sense, different performances are assembled in the construction of one cinematic
body, made of editing cuts, visual effects, staging techniques, and image mixing – as discussed
Stephen Shaviro when positing cinema as a body itself. In this process, it is common for voice to
play a major part. Groans, whispers, breathing sounds, and screams performed by the actors
are, after all, used often to claim the stunt double’s body. Such sounds are always at risk of being
unintelligible, while, as argued Brandon Labelle, they also communicate the struggle of a body
to become a subject. This way, vocal modes on the edge of subject intelligibility are paradoxically
used to assemble different mediatic materials that form a cinematic body. Those vocal sounds,
which are captured through an intimate use of aural technologies, easily become gendered,
since they assemble techniques of how women voices have been generally constructed in
Hollywood cinema, as Liz Greene has extensively approached. Thus, this work argues that
cinematic moments in which intimate sounds are assembled with action or dance performances
often complexify gender regulations in the audio-visual medium. This happens by the way some
scenes can expose cinematic artifices through which normative bodies are produced.

AUTHORS: Gabriela Almeida and Daniel Zacariotti

UNIVERSITY: Escola Superior de Propaganda e Marketing-São Paulo (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: Baise-moi or laisse-moi te baiser: underground feminine and escapes
from representations in the work of Virginie Despentes
ABSTRACT:
This proposal addresses the emergence of an underground feminism in the film Baise Moi
(2000), written and directed by the French artist Virginie Despentes, based on the contributions
of Sam Bourcier (2000) on the counterpoints between the representational cinema and the
queer cinema and Paul B. Preciado (2007, 2016), on the suggestion of a playful pornography
produced from non-normative points of view and the pharmacopornographic sphere of
circulation of the film. We are interested in investigating the artist's agency as a feminist and
queer dissident subject who elaborates a feminine which is close to what she defines in King
Kong Theory: “I write from the realms of the ugly, for the ugly, the frigid, the unfucked and the
unfuckables, all those excluded from the great meat market of female flesh” (DESPENTES, 2020,
kindle edition). We think, with Chantal Mouffe (1996), that the identities of these feminines are
formed in relations with the Others. The feminines identified in Baise-moi are tensioned and
displaced by the encounters that occur throughout the narrative. There is no place for passivity
in the trajectories of two women who are victims of sexual violence and the displacements are
produced especially through the keys of ultraviolence and debauchery with gender conventions
and masculinity. In the film, the underground feminism is formed by relations of denial with
normalized masculine and feminine, and they are particular and not universal.

AUTEUR: Katarzyna Lipinska

UNIVERSITÉ: Université de Bourgogne et Université Paris 3 Sorbonne Nouvelle (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: La représentation des corps malades dans les films Le Salut
(1972) et l’Hôpital de la transfiguration (1978) d'Edward Zebrowski.

RÉSUMÉ:
En Pologne communiste des années 1970 les médias ont surtout mis l'accent sur les corps des
Polonais en pleine santé, comme ceux des sportifs, afin de valoriser les victoires du pays (JO de
Munich et de Sapporo 1972; coupe du monde de football de 1974). Les corps malades semblent
avoir été occultés par les politiques de représentation du discours dominant. C’est au cinéma
d’Edward Zebrowski qu’on retrouve les corps souffrants. Gravement malade, le réalisateur
polonais a puisé dans son expérience de patient pour décrire dans ses films la condition d’un
être humain face à la vulnérabilité de son corps et de son esprit dont la maladie a marqué la
chair. "La Chance" (1970), "Le Salut" (1972) et "L’Hôpital de la transfiguration" (1979) abordent
la question du corps malade, celle de la recherche d’identité d’un individu qui a été diagnostiqué
malade. Dans ces trois films, l’hôpital est le décor principal; un lieu froid et clos qui enferme les
corps malades. Si les corps de "La Chance" (1970), "Le Salut" (1972) sont porteurs des maladies
physiques, ceux de "L’Hôpital de la transfiguration" (1979) expriment des symptômes des
maladies mentales. Notre communication se propose d’établir le lien entre les corps représentés
dans les films d’Edward Zebrowski et la Pologne communiste des années 1970. Ces images des
corps malades ne seraient-elles pas au service d’une critique qui contrebalancerait le discours
des médias officiels?

AUTORA: Melina Amao Ceniceros

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Baja California (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Fronteridades encarnadas: narrativas de otredad y producción
de cuerpos out-of-place en la experiencia migrante en Tijuana
RESÚMEN:
Esta ponencia problematiza los efectos simbólicos, materiales y espaciales de las narrativas de
otredad en el contexto fronterizo de Tijuana (México), para lo cual abordo la construcción de
una amenaza ficcionalizada mediáticamente y la producción de experiencias cotidianas como
cuerpos out-of-place en el sujeto migrante. Desde una perspectiva multiescalar, se analizan las
narrativas de otredad glocalizadas como modeladoras de los imaginarios de las distintas
categorías sociales, y, además, como discursividades encarnadas que delinean los contornos del
cuerpo (como explica Butler: producen al cuerpo) en tanto determinan funciones, estéticas,
prácticas, comportamientos, espacios y modos de circulación. Se concluye que las narrativas de
otredad van produciendo cercamientos (como nos diría Silvia Federici), que podemos pensar
como fronterizaciones corporales. Esto es: hay cuerpos sobre los que se estrechan los límites de
existencia simbólica y material, dado que sus vidas se trazan dentro de narrativas que les han
minorizado y legitimado como una otredad amenazante de cierto orden, lo que limita sus
posibilidades de maniobra de gestión de la propia vida. Tal es el caso del sujeto migrante
centroamericano que se traslada en la modalidad de caravana, cuya estigmatización mediática
deviene en que su presencia en el espacio público sea recibida como un cuerpo out-of-place
(Gardner, 1994; Cresswell, 1996; Puwar, 2004), con expresiones de hostilidad, hipervigilancia,
tutela.

AUTORA: Susana Gutiérrez Portillo

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Baja California (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Narrativas del cuerpo en “la Isla de los hombres solos”
RESÚMEN:
En esta ponencia propongo reflexionar sobre los sentidos que adquiere el cuerpo en la narrativa
cinematográfica de la película “La Isla de los hombres solos”. Se trata de un filme mexicano
estrenado en 1974; dirigido por el cineasta René Cardona y basado en la novela del mismo
nombre. La novela, escrita por José León Sánchez en 1963, relata sus años de reclusión en el
presidio de San Lucas en Costa Rica. En la novela el autor busca retratar los horrores de la cárcel
y la crueldad de la que son víctimas los presidiarios. En la película, Cardona hace una adaptación
de dicha historia. Desde un enfoque sociocultural me interesa analizar las diferentes formas en
que se articulan los significados alrededor del cuerpo en la adaptación fílmica de René Cardona.
La prisión de San Lucas es un espacio de confinamiento carcelario donde se enfatiza la
exclusividad masculina: una prisión donde “solo hay hombres”. Me interesa desentrañar, a
partir de la representación cinematográfica: cómo se delimita el orden de género que enmarca
las narrativas del cuerpo en este espacio; cómo operan estas narrativas del cuerpo para dar
sentido a la alteridad; las jerarquías sexo-genéricas; el ejercicio del poder y las políticas de
resistencia.

AUTHOR: Vipin K. Kadavath

UNIVERSITY: Faculty of Arts, Banaras Hindu University Varanasi (India)
COMMUNICATION TITLE: Body before/beyond the Law: “Honour” in the Biopolitical Regime
ABSTRACT:
One important argument relating to honour-based crimes in Indian subcontinent is to do with
the question of legal enforcement and how to bring such criminal actions under law. This paper
is an attempt to historically look at Malayalam cinema (a major language film industry in the
south of India) to understand ways in which questions related to honour and rape are also
entangled with perceptions of desire, caste and communal-infringement. The paper will argue
that in these filmic texts there are certain ways in which the female body in cases of rape appears
before the law, for example as evidence of the crime itself. A set of more recent films (which can
be included in the genre of rape-revenge drama) raise a different question. This series of films
released in the second decade of 21st century all have an incident of rape followed by the
protagonist, usually the male lover/husband of the victim, avenging and murdering the villain.
Here we see a different kind of failure of law in addressing both the crimes as the body of the
rapist is inaccessible to the law though inscribed within it, reminding us of Agamben’s homo
sacer. Based on the analysis the paper will argue that in both cases, i.e. (a) the rape survivor’s
exposure to law as a “body of evidence” and (b) the perpetrator’s presence in the narrative only
as an absent evidence resulting in the impossibility of any meaningful legal course share notions
of honour which has been integral to the biopolitical regime in India.

AUTEUR: Jean Méranger-Galtier

UNIVERSITÉ: Université Paris Nanterre (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: L’œil mobile: ce que la surveillance des corps nous dit de la
vidéo
RÉSUMÉ:
La vidéosurveillance a depuis longtemps été utilisée comme exemple archétypal du modèle
disciplinaire « panoptique » décrit par Michel Foucault. A l’heure où la loi Sécurité Globale fait
couler tant d’encre en France, il semble que le lien n’ait jamais été si pertinent : la loi prévoit
d’une part d’équiper les policiers de caméras, et interdit de l’autre de filmer les forces de l’ordre.
La vidéo pose, en premier lieu dans son statut d’image immédiate, la question de la visibilité des
corps. Elle agit aussi bien envers des corps rendus visibles (des corps filmés en tant que masse,
et de la singularisation de corps uniques dans cette masse) qu’envers des corps invisibles (le
corps filmant, le corps du spectateur…). La vidéo en devient mécanique de pouvoir ou de contre-
pouvoir, de subjectivité affichée ou de prétention à l’objectivité. Sa puissance médiatique en
tant que document, image dont on croit qu’elle dit tout et ne saurait mentir, pose ainsi la
question du corps-sujet et du corps-objet. Il s’agit pour nous de penser, non pas la
vidéosurveillance comme un exemple de la discipline panoptique, mais le panoptisme comme
un mode de la vidéo, éclairant son lien ontologique aux corps. Aveuglante dans son statut de
preuve, la vidéo nous fait oublier ce qu’elle cache, ce qu’elle invisibilise. Enjeu politique et
médiatique de premier ordre, la surveillance vidéo pose des questions épistémologiques quant
à sa nature d’image et son rapport au corps comme la surface d’une identité.

EJE 8: CUERPO Y FOTOGRAFÍA|

CORPS ET PHOTOGRAPHIE|
BODY AND PHOTOGRAPHY
FERNANDO GONÇALVES (Universidade Estado do Rio de Janeiro, Brasil)

AUTORA: Marina Feldhues

UNIVERSIDAD: Universidade Federal de Pernambuco (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Assentamento: la imagen que falta
RESÚMEN:
En este artículo propongo realizar dos movimientos entrelazados. El primero es analizar la
recomposición que realiza la artista Rosana Paulino, en Assentamento (2013), de una fotografía
de “tipo racial” del siglo XIX: “Negro con dorso, perfil y frente” de August Stahl, Río de Janeiro
(1865). Mi premisa es que el artista, al crear frente a la violencia del archivo, a través de un gesto
fabulador y crítico (Hartman, 2008), reinventa la imagen de la mujer negra, especulando
poéticamente sobre lo que el archivo no muestra. De esta forma, Rosana produce una imagen
que falta. La segunda es reflexionar, desde los afectos-pensamientos (Le Breton, 2016) que me
incita la obra; así como desde el contexto de producción, y posterior apropiación, de la
mencionada fotografía, sobre el papel simbólico-político que esta imagen juega en el siglo XIX y
en la obra de la artista en este siglo XXI. Por tanto, será necesario discutir el papel de la
tecnología fotográfica y sus imágenes en la producción científica y colonizadora de sujetos
racializados en el ámbito de la incipiente Ciencia del Hombre del siglo XIX. Es en este contexto
que la Expedición Thayer (1865/66) tiene lugar en Brasil. La expedición dirigida por el naturalista
suizo Louis Aggassiz tuvo como objetivo investigar los tipos de raza pura y mestiza que existían
en Brasil. Stahl fue uno de los fotógrafos y la mujer, que vemos en la imagen y cuyo nombre no
se nos da a conocer, una de los retratados. Otros teóricos nos ayudarán en este empeño. Denise
F. Silva, sobre la producción científica del sujeto racializado en el siglo. XIX. Nicholas Mirzoeff,
sobre la producción de imágenes para la dominación colonial. Stuart Hall, sobre la construcción
de estereotipos. E Ariella Azoulay, sobre la descolonización de archivos.

AUTHOR: Pedro Pinheiro Neves

UNIVERSITY: Universidade Federal do Rio de Janeiro (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: The neoclassical body in 1930s fashion photography: high glamour,
fascist ideals and queer utopias
ABSTRACT:
In the 1930s, the pages of American and French Vogue were strewn with Grecian urns, fluted
columns and statuesque, gleaming white bodies in poses suggestive of quiet strength and
luxurious repose. Photographs by George Hoyningen-Huene and Horst P. Horst were explicitly
inspired by Ancient Greek and Roman sculpture, while simultaneously incorporating the orderly
compositions, the clarity and the tendency towards abstraction pioneered, in the previous
decade and in the same magazines, by Edward Steichen. The neoclassical trend in fashion
photography happened in tandem with other fads and movements in visual and applied arts,
among them art deco, rappel à l’ordre, and, more disturbingly, the official art of the fascist and
Nazi regimes in Italy and Germany. Often regarded as the pinnacle of aesthetic accomplishment,
Greek statuary had long been a symbol of the bodily perfection, moral purity, and spiritual
superiority of Western culture/white people; when harnessed to modernism, it updated those
myths to the industrial age. But can we really place the work of Huene and Horst in this tradition?
Thinking through the aesthetic category of glamour as central to fashion photography, I ponder
the marble-like qualities of the photographed bodies – their hardness, immobility and
gracefulness – in connection with a gay sensibility which perverts the ideological implications of
modernist neoclassicism and offers a glimpse of queer utopias made visible in the glossy images
of Vogue.

AUTORES: Beatriz Núñez Arce y José Horacio Rosales Cueva

UNIVERSIDAD: Universidad Industrial de Santander (Colombia)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: El cuerpo femenino fotografiado por cuatro artistas
latinoamericanas del siglo XXI
RESÚMEN:
Esta comunicación presenta parte de los resultados de la investigación de los modos de
representación del cuerpo femenino en la fotografía realizada por mujeres artistas
latinoamericanas, en la ventana temporal de 2010 a 2020. La pesquisa se interesa también en
las estrategias empleadas por las creadoras para hacer visibles las obras visuales en el
ciberespacio. El trabajo se apoya en los estudios de la semiótica visual (Grupo μ), de la fotografía
(Dondero, Basso Fossali, Beyaert-Geslin), y la semiótica de las prácticas y del cuerpo (Fontanille).
La comunicación presentará el análisis de cuatro fotografías, cada una creada por una artista
latinoamericana diferente para expresar una visión del cuerpo femenino, experimentado y con
voz propia, en contravía de estereotipos heteronormativos. El análisis se organiza en dos niveles;
en el primero, se estudia el modo de organización del enunciado visual que representa total o
parcialmente el cuerpo. El otro nivel se focaliza en la estrategia de divulgación de cada imagen
en escenas prácticas en las que la artista interviene, entre otras razones, para producir nuevos
sentidos sobre el cuerpo, cuya manifestación artística se encabalga con reivindicaciones políticas
y sociales. La articulación de ambas fases del análisis corresponde a una puesta en escena
creativa, expresada digitalmente, y a la coherencia que produce, en la llamada cibercultura, una
imagen fija que es, a la vez, documental y artística.

AUTORA: Teresa Iribarren

UNIVERSIDAD: Universitat Oberta de Catalunya (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Arundhati Roy y los guerrilleros: capital simbólico y politización
del cuerpo
RESÚMEN:
Walking with the Comrades, de Arundhati Roy, vio la luz en Outlook India en marzo de 2010 en
formato digital y en papel, ilustrado con impactantes fotografías en color realizadas por ella
misma y por Sanjay Kakva. El texto está encabezado por una fotografía en la que aparece ella y
cinco jóvenes guerrilleros: tres chicas y dos chicos. Son en un claro en medio del bosque. La
autora, consagrada mundialmente por la novela El dios de las pequeñas cosas, aparece vestida
con ropa y sandalias de montañismo, y con el cabello cubierto con un pañuelo palestino
(kufiyya), tomando notas en una libreta. Su posición corporal es muy significativa: sentada
encima de un tronco, se muestra en una actitud de recogimiento y de escucha con extrema
atención. Muy cerca, y cara a cara, los jóvenes vestidos con ropa militar o deportiva, sentados a
la misma altura, se explican. En esta comunicación argumentaremos que la inclinación de Roy y
la de los guerrilleros tiene un significado político, claramente identificable con la actitud altruista
que postula Adriana Cavarero (2016) con el fin de subvertir las actitudes y los valores vinculados
al homo erectus clásico. La naturaleza política del discurso corporal es reforzado por el capital
simbólico de la autora, que lo pone a disposición de los guerrilleros con el objetivo de sacarlos
del espacio de abyección en el que han sido situados por parte de los poderes estatales y
mediáticos indios. La eliminación de la fotografía en las cubiertas de las ediciones occidentales
de la obra invisibiliza el mensaje político de los cuerpos.

AUTORA: Roberta Dabdab

UNIVERSIDAD: Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: helipavisita: un experimento y una herramienta para la
descolonización de la percepción y cognición con jóvenes residentes de favelas periféricas.
RESÚMEN:
A partir de el enfoque educativo “Estar en el mundo 4.0”, que se centra em el gesto de lo
fotografo como rescate de nuestro cuerpo y sentidos, presentado en la Facultad de Artes,
Universidad Nacional de Córdoba y después publicado en la revista AREA*, ahora me gustaría
presentar un desarrollo de este pensamiento con enfoque en politica publica, diseño social y
como uma propuesta de enseñanza tecnológica y hibrida, por ahora llamado #helipavisita, un
proceso de investigación y acceso al espacio público como herramienta de descolonización de
la percepción y cognición de los jóvenes que viven en favelas periféricas iniciado en 2018
(@nofotofake), y propone el cuerpo, el camino y la cámara fotográfica; una tríada para la
producción de conocimiento y curiosidad. El propósito de nuestra presentación es reflexionar
sobre la manera de desarrollar el pensamiento analítico-crítico y la autonomía frente la
hegemonía de la imagen y sobre los modelos de consumo que acaban alejándonos de la
realidad. #helipavisita es un enfoque arqueológico e antropológico, empírico y procedimental,
diseñado a partir de las observaciones de esta investigadora - fotógrafa experimentada y sus
intercambios con el grupo – y basado en Edgar Morin, Paulo Freire, Vilém Flusser, Hary Pross,
Norval Baitello, Suely Rolnik e Eduardo Viveiros de Castro.

AUTOR: Diego Paleólogo

UNIVERSIDAD: Universidad del Estado de Río de Janeiro (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: ¿Por dónde andan los animales? Una (auto)fabulación de
extremos.
RESÚMEN:
Las animalidades convocan una alteridad radical. Los híbridos monstruosos están formados por
partes de cuerpos animales que no raramente san abyectos, como serpientes, arañas, cerdos y
cabras. Esta propuesta de investigación se ubica en la encrucijada entre un ensayo de autoficción
y un ejercicio académico en el que realizo una cartografía textual e imaginaria de la fauna
impuesta a cuerpos y subjetividades disidentes. A partir de figuras de la literatura fantástica
(marcadas como heteronormativas y subvertidas por lo disruptivo) y lecturas de Donna
Haraway, Gabriel Giorgi, Jack Halberstam y otros, tejo una autoficción a partir de fragmentos de
recuerdos e injertos. En general, los cuerpos que escapan a la norma son rápidamente
despojados de sus humanidades y marcados como algún animal. De esta forma, pueden ser
domesticados y trasladados a las granjas (también simbólicas y discursivas) de la extrañeza. En
estas fincas, siempre atravesadas por violentas relaciones de poder, habitan cuerpos y sujetos
extraños: bichos raros, cuerpos en exceso o falta, niñas masculinizadas, niños afeminados,
cuerpos no blancos. Lejos a esas regiones, somos domesticados sistemáticamente, y
aprendemos a no ser peligrosos. Aquí, en esta autoelaboración, deseo convocar animales,
maricones e hibridaciones disruptivas, que amenazan al heterocapital, y producir otros
parentescos, otras alianzas: reactivar las monstruosidades.

AUTEUR: Jessica Ragazzini

UNIVERSITÉ: Université du Québec en Outaouais (Canada) et Université Paris Nanterre (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: La photographie de mode posthumaniste, une confusion
corporelle à l'objet
RÉSUMÉ:
La photographie de mode est rarement considérée comme posthumaniste. Pourtant, le corps
posthumaniste s'y déploie d'abord par la confusion avec le mannequin de vitrine inerte, puis
avec le métal de la robotique et la prothèse, pour finir par devenir une image totalement fluide.
Il s'agira de s'intéresser à la pratique de deux photographes: Helmut Newton, considéré comme
le premier photographe de mode posthumaniste, et Nick Knight envisagé comme porteur de la
vision actuelle. L'objectif de cette proposition sera d'esquisser une histoire de cette
photographie de mode posthumaniste. Dès les années 70, Helmut Newton objectifie le corps
avec humour et érotisme. Le corps de ses modèles vivants est confondu aux formes du
mannequin de vitrine. Les deux deviennent indissociables s’inscrivant alors dans l’héritage du
fantasme de l’animation de l’œuvre d’art et dans le déploiement des technologies portant sur
la modification du vivant (chirurgie esthétique, clonage …). Dans les années 90, le terme «
posthumanisme » fait son apparition dans le domaine artistique. En parallèle, Newton réalise
les photographies des tenues de Mugler, inspirée par Metropolis. Aujourd’hui, la photographie
va plus loin : elle fait exploser l’unité corporelle. Le photographe Nick Night s’emploie à
remodeler le corps de ses modèles comme s’ils étaient de la matière façonnable. Ainsi, la
photographie est un médium de convergence entre l’inerte et le vivant dont la mode est l’un de
ses lieux de prédilection.

AUTEUR: Ariane Papillon

UNIVERSITÉ: Paris VIII Vincennes Saint Denis (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Caméras mobiles, caméras frontales: pratiques documentaires
contemporaines d’auto-exposition des corps empêchés
RÉSUMÉ:
Comment la conjugaison du smartphone et d’Internet a reconfiguré les possibilités d’auto-
exposition dans les contenus documentaires, et questionné les pratiques des professionnels de
l’audiovisuel? Nous réfléchirons à ces contenus et ces pratiques à partir d’œuvres
cinématographiques qui emploient des images amateures, et notamment deux types : des films
de remploi d’images trouvées sur Internet (found footage) comme The Pain of Others de P. Lane,
Coming Out de D. Parrot, The Uprising de P. Snowdon ou Present.perfect de S. Zhu ; et des films
tournés avec des caméras mobiles confiées par des professionnel-le-s à des personnages-
filmeur-se-s, comme Selfie d’A. Ferrente, Of Land and bread d’E. Tarabieh, Les Sauteurs de M.
Siebert, E. Wagner et A. Sidibé. Les images de ce corpus manifestent une corporéité spécifique,
aussi nous décrirons les enjeux et les effets de 2 types de plans : les plans subjectifs, qui arriment
l’image à un regard et à un corps, et les plans en caméra frontale, qui impliquent une réflexivité
particulière du corps et du visage de la personne filmée-filmante. Ces images contribueraient à
façonner des contre-récits, des contre-visualités et éventuellement des contre-informations,
alliées de luttes et de résistances. En effet, ce corpus met en scène des corps empêchés,
opprimés, marginalisés ou invisibilisés, les images ainsi produites permettant de bousculer ce
que Jacques Rancière nomme « le partage du sensible ».

EJE 9: CUERPO Y OBSCENIDAD|

CORPS ET OBSCÉNITÉ|
BODY AND OBSCENITY
PAULA SIBILIA (Universidade Federal Fluminense, RJ, BRASIL)
AUTOR: Andrés Suárez
UNIVERSIDAD: Universidade Estadual Paulista UNESP (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: La virtualización de los cuerpos: entre la documentación en
artes y la pornografía
RESÚMEN:
Este artículo tiene por objeto, establecer una serie de conexiones entre los conceptos,
documentación en artes temporales y la pornografía. Teniendo como punto de partida
mediados del siglo XX, en donde este binomio presenta convergencias en común, las cuales son
activadas por la virtualización de los cuerpos (registro de la acción y la corporeidad humana), y
sus respectivas domesticaciones de los placeres (estético/sexual). Ambas ideas están mediadas
por los conceptos, documentación y bioarte; los cuales sustentan el canal donde el pasado y el
futuro se tornan atemporales. Para posteriormente conseguir postular una emancipación del
binomio a estudio -documentación en artes temporales y pornografía-; en donde los dos
conceptos, han sido sometidos y relegados a mantener una postura de cuerpos de segunda
categoría.

AUTORA: Alejandra Díaz Zepeda

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Querétaro (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: (Des)editar el cuerpo. Prácticas de boicot pantallizado
RESÚMEN:
Las reflexiones que articulan la presente intervención parten de un intento por recuperar
algunas experiencias comunicacionales vinculadas a la cultura digital, pensadas como prácticas
corporales y ejercicios de disciplinamiento; esto con el objetivo de hacer visibles algunas
prácticas alimenticias y de salud producidas en la privacidad de los espacios íntimos (salas,
recámaras, baños) que son enmarcadas por las pantallas de nuestros dispositivos. Algunos
registros o expresiones digitales dejan de ser únicamente –recordando la teoría de Joan
Fontcuberta a propósito de la postfotografía– mensajes o testimonios para volverse figuraciones
que hacen visibles nuevas formas dirigidas a modular la docilidad de los cuerpos, tal y como fue
concebida por Michel Foucault. Para esta ponencia, serán revisadas algunas propuestas visuales
provenientes principalmente del arte feminista, mismas que se contraponen de manera crítica
a la proliferación de imágenes de exclusión gestadas en las redes y en los medios masivos de
comunicación.

AUTOR: Fabián Giménez Gatto

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Querétaro (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Desnudamientos: de los cuerpos dóciles a las desnudeces
indómitas
RESÚMEN:
Esta intervención pretende aproximarse al desnudo no sólo como género artístico -es decir,
como una de las tantas maquinarias de producción de sentido a través de la visualidad- sino,
principalmente, como un dispositivo que traduce, en nuestro régimen escópico, la noción
foucaultiana de “cuerpos dóciles”. Las convenciones representacionales del desnudo conforman
una especie de archivo, de inconsciente óptico, puesta en imagen de un mecanismo
disciplinario, operando desde la performatividad de un limitado repertorio de poses y modelos
corporales. Frente a estos cuerpos dóciles del desnudo clásico, me gustaría abordar, en cambio,
otras representaciones corporales, líneas de visibilidad que iluminan otros desnudamientos, ya
no el de los cuerpos disciplinados, perfectos e idealizados, propios de los cánones de belleza que
regulan, a manera de significante despótico, nuestro reducido imaginario somatopolítico. Esto
con el fin de explorar lo que podríamos llamar desnudeces indómitas, es decir, ciertas
modulaciones de la desnudez que, en el marco de la cultura visual contemporánea y en el
registro de visibilidad del cuerpo explícito, problematizan -desde la obscenidad como un efecto
de sentido y de enmarcado que alude a lo irrepresentable del cuerpo- la domesticación del
placer visual presente en las disciplinadas coordenadas epidérmicas del desnudo artístico.

AUTEUR: Louise Couturier

UNIVERSITÉ: Paris Ouest Nanterre La Défense (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Mammuth: un corps en crise qui refuse de disparaître
RÉSUMÉ:
Le film de Gustave Kervern et Benoit Delépine témoigne de la fin de l’ère industrielle, de
l’écrasement des traces d’une société obsolète par la société du tout virtuel. Le monde auquel
appartient le personnage interprété par Gérard Depardieu a disparu. Serge apparaît alors
comme un revenant, un vestige anachronique – en témoigne son surnom de Mammuth. Cette
conception se trouve appuyée par la pléthore de motifs constitutifs du mort-vivant tels que
posés par Barbara Le Maître dans son ouvrage Zombie: une fable anthropologique et semés de
manière récurrente et prégnante autant dans l’esthétique que dans les thématiques du film.
L’œuvre cinématographique se saisit des motifs de l’écorché, du corps automate, du corps sans
organes et de la Vanité. Nous verrons comment la fiction les fait converger dans une perspective
qui appuie le thème du film. Cette communication s’intéressera plus particulièrement au corps
désorganisé et réorganisé suivant une logique qui emprunte à la Nature morte ainsi qu’à la
manière dont le corps de l’homme-machine se porte au secours d’une la crise du vivant due à la
disparition d’un monde matériel au profit d’un monde désincarné. Le corps vieux et obèse de
Serge fait figure de résistance par son affirmation obscène. Il est omniprésent dans le cadre,
comme si cette invasion du champ cinématographique lui assurait une dernière parcelle
d’existence. Mammuth est un moribond qui n’en finit pas de disparaître, qui persiste à s’imposer
à la vue.

NOMBRE: Alfredo Torres Ortiz

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Bucaramanga (Colombia)
TÍTULO DE LA PROPUESTA: La imagen del cuerpo de los denominados falsos positivos como un
proceso necroestético
RESUMEN:
Se parte de una concepción prosopopéyica que pretende reflexionar la imagen del cuerpo como
cadáver resignificado; para este propósito se abordan los posibles significados estéticos
relacionados con los procedimientos criminales que en Colombia se conocen con la
denominación de Falsos positivos, denominación eufemística empleada para designar el
asesinato de personas en situación de indefensión por parte de algunos integrantes del Ejército
de Colombia, especialmente durante el periodo 2002 a 2008, dentro de una estrategia militar
conocida como Body count. De esta manera en el presente planteamiento, a través de una
perspectiva vinculada con la semiótica tríadica se ha optado por encontrar en la imagen del
cuerpo cadáver una serie de significaciones que pueden asemejarse con una metodología que
conlleva una práctica macabra dividida de modo similar con las etapas de preproducción,
producción y posproducción propias de una creación sistemática, y como resultado de una
necroestetización que lleva al cuerpo a participar de la narración de una puesta en escena, en
donde el cuerpo vivo inicia con una movilidad geográfica que da paso a su desaparición, para
luego ser mostrado como cuerpo muerto que ha reaparecido y ha sido transformado con un
vestuario que disfraza temporalmente su origen, hasta que ese cuerpo en tanto signo logra
aparecer y recobrar su soberanía y la posesión de sí mismo, a través de la identificación que
hacen de él, quienes lo rescatan de su condición anónima.

AUTORA: Concepción Martín Huertas

UNIVERSIDAD: Université Rennes 2 (France) / Universidad Autónoma de Madrid (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: De “nínfulas” a “gallinas viejas”: cuerpo femenino, maternidad,
enfermedad y vejez en la narrativa de marta sanz
RESÚMEN:
El cuerpo es un tema fundamental en toda la obra de Marta Sanz, tanto poética como narrativa,
que además está adquiriendo un mayor protagonismo en sus últimas producciones. En algunas
de sus novelas, el tema principal es lo que en otros ensayos he venido llamando «el cuerpo en
construcción». Se trata de obras que siguen la estructura del bildungsroman, es decir, que en
ellas asistimos a la entrada en la vida adulta de sus protagonistas y, por consiguiente, a su
paulatina construcción identitaria. Es el caso de Los mejores tiempos (2001), Daniela Astor y la
caja negra (2013) o de La lección de anatomía (2014). Y junto a esta reflexión y, a veces, a modo
de contraposición o contraste, aparece el tema del cuerpo en deconstrucción. En novelas como
Susana y los viejos (2006), Farándula (2015), Clavícula (2017) o la ya citada Lección de Anatomía,
Marta Sanz reflexiona sobre los cuerpos en decadencia, es decir, cuerpos enfermos, viejos, que
han dejado de ser productivos, y sobre cómo esos cuerpos se insertan e interactúan en el
sistema neoliberal que caracteriza a las sociedades actuales. El término de «cuerpo en
deconstrucción» parte de la constatación de que, en nuestra sociedad, el periodo de plenitud,
es decir, el momento en el que una mujer puede considerar que está plenamente construida,
no termina de llegar nunca o, en caso de llegar, apenas dura. Para Marta Sanz es «como si nunca
nos sintiéramos mujeres completas y todo estuviese por llegar o ya hubiera pasado». Lo que
quiero analizar a lo largo de mi comunicación es de qué manera aparece representado este
conflicto en las obras anteriormente mencionadas. Para ello, trataré algunos de los factores que,
para Marta Sanz, suponen la deconstrucción de la identidad femenina, como la (no) maternidad,
la menopausia, la vejez o la enfermedad, e intentaré estudiar cómo influyen en los personajes
que los sufren, así como en la relación de estos personajes con su contexto vital.

AUTEUR: Corinne Gondouin Weisse

UNIVERSITÉ: Université Paris Nanterre (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Le Corps en dictature dans les romans de Cristina Garcia: Une
poétique de l'obscène.
RÉSUMÉ:
Qu’ils soient soumis à la dictature politique ou militaire, à celle du patriarcat ou du genre, les
corps de Cristina Garcia, auteure américano-cubaine, porte-voix d’une identité culturelle
métissée et diasporique, construisent au fil de ses romans, de Dreaming in Cuban à Here in
Berlin, un corpus signifiant et poétique de la domination dans la sphère sociale ou intime des
personnages. Leur esthétique donne chair à l’H(histoire) individuelle ou collective, singulière ou
ordinaire. Ils s’exposent dans l’exercice de leur pouvoir absolu ou dans leur résistance. Militaire,
chef de parti ou détenteur des lois patriarcales, le corps double, doublé, du dictateur est aussi
tourné en dérision, rappelé à sa finitude anatomique et organique. Amputé, incarcéré, interné,
soumis à la torture, aux procédures de normalisation, à la prostitution ou au viol, le corps de
l’insoumis se dresse, se dissimule ou se travesti revendiquant ainsi sa transgression, sa
désobéissance à la manière de Ana Mendita dans ses Untitled (Facial Hair Transplant). Il écrit la
dislocation d’une construction identitaire dans ses stigmates et ses cicatrices. Il devient le
matériau et l’instrument performatif d’une subjectivité qui s’incarne dans de nouveaux
imaginaires. L’écriture polyphonique de Cristina Garcia, ses jeux de miroirs, de doubles ou ses
intertextualités visuelles, donne vie à une poétique des corps en dictature, une mémoire
incarnée, un témoignage des invisibles ou des sans-voix de l'Histoire.

AUTHOR: Amanda Marques

UNIVERSITY: Pontifical Catholic University of Sao Paulo (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: Fragmenting the body: an analysis of feminism performances of Ana
Mendieta and Hannah Wilke
ABSTRACT:
This proposal consists of analyzing from the performances “Glass on the body, (1972)” by Ana
Mendieta (1948-1985) and “SOS Starification Object Series (1974-82)” by Hannah Wilke, based
on the concepts of Judith Butler of performativity and vulnerability (2003-2017), the idea of
Michel Foucault's of biopolitics (1978-1979) and Verónica Gago's concept of body as territory
and feminist power (2020), observing political issues, and what it means to be a woman in
patriarchal society and how their works meet these questions. Ana Mendieta, in (Glass on body,
1972) deforms the body itself with glass plates, in allusion to the political ideological system and
the power systems that act on the woman's body. In this same direction, the artist demystifies
feminine sensuality, and when deforming her own body, she reveals the woman masked and
forged by the system. Hannah Wilke, in the performance “SOS Starification”, appears naked in
front of an audience and manipulates chewed gum, that the spectators give her, in the shape of
a vulva and glues them on her own body and face. The audience cannot touch her, so the artist
forces them to just observe it, but not in a desiring way, but rather calling attention to the
objectification of the bodies. And she says that she chose the gum because it is the perfect
metaphor for the American woman, you chew it, use it, and when it loses the taste you throw it
away and choose a new piece.

AUTEUR: Nina Bigot

UNIVERSITÉ: Université de Lille (France)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Esthétique de l’obscène et politique de l’immonde dans Ice
d’Antoine d’Agata
RÉSUMÉ:
« Le double sens du mot latin mundus jette les bases d’une connexion essentielle : en tant que
nom il signifie « monde », en tant qu’adjectif, « propre ». L’immonde est littéralement ce qui ne
fait pas monde […] ». (Julia Peker, « Le spectacle de l’immonde: l’interdit kantien », Le
Philosophoire, 2008). Le double sens étymologique du mot immonde permet une première
caractérisation de l’art photolittéraire d’Antoine d’Agata; un art qui veut rendre visibles celles
et ce que l’on invisibilise, le statut de « ce qui fait monde » leur étant refusé : les prostituées
ainsi que le corps dans sa réalité crue, viscérale, organique. Son ouvrage Atlas, recueil de paroles
de prostituées, illustre par son titre et son contenu son désir de replacer dans le monde ce qui
est considéré comme indigne d’y figurer. Cette représentation de l’immonde repose sur une
esthétique de l’obscénité: elle offense (voire révolte) le regard qui fait l’expérience de
l’immonde et de sa « présence brute où s’exhibe le réel » (Julia Peker, op. cit). Quels sont les
enjeux de la monstration obscène de l’immonde chez Antoine d’Agata? En analysant son
iconotexte viatique Ice (2012), qui prend pour sujet les bas-fonds de la société et s’intéresse au
monde sous-cutané (muqueuses, veines, nerfs, etc) à la fois en le représentant et en s’adressant
à lui, nous mettrons au jour ce lien entre esthétique de l’obscène et politique de l’immonde,
dont la coïncidence permet de reconfigurer le régime de visibilité du corps.

EJE 10: CUERPO Y PERFORMANCE|

CORPS ET PERFORMANCE|
BODY AND PERFORMANCE
GUSTAVO BLÁZQUEZ; CECILIA CASTRO (Universidad Nacional de Córdoba, Argentina)

AUTORES: Ricardo Pérez Martínez (1) y María Teresa Flores Solana (2)
UNIVERSIDAD 1: Universidad Nacional Autónoma de México (México)
UNIVERSIDAD 2: Universidad de las Américas Puebla (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Spinoza quiere bailar tango: padecer y actuar del cuerpo en la
milonga
RESÚMEN:
Queremos reflexionar en torno a dos nociones spinozistas para comprender qué es el cuerpo
que baila tango. Entenderemos por ‘padecer’ aquellos momentos en los cuales los cuerpos de
los bailarines no se conocen a sí mismos y tampoco al cuerpo de la pareja. Por ‘actuar’
entenderemos aquella experiencia derivada del conocimiento que tiene un cuerpo de sí mismo
y del cuerpo con el que baila. Siguiendo a Spinoza, ambas nociones derivarán en experiencias
vitales inadecuadas o adecuadas, respectivamente. El análisis de los conceptos teóricos de
Spinoza se nutrirá, completará y desplazará gracias al material etnográfico obtenido de
entrevistas, observación participante e intercambios informales con bailarines y bailarinas de
tango social en la ciudad de Puebla. La hipótesis principal que lanzamos es que un evento social
de baile se convierte en acontecimiento si, y solo si, existe un buen encuentro (lo que podríamos
llamar la conexión del baile), una buena correspondencia (lo que podríamos llamar, a su vez, la
disposición y el diálogo corporal) y libertad en la ejecución (es decir, improvisación efectiva y
expresión de sí, esto es, autoconocimiento). De esta hipótesis central se derivan dos hipótesis
secundarias. La primera: en un mal acoplamiento —que tiene que ver, a su vez, con una mala
correspondencia—, los dos cuerpos bailarines no conocen ni su propio cuerpo ni el de la pareja,
sino que los dos bailarines padecen sus cuerpos, tanto en su rol de guía o guiado. La segunda
hipótesis enuncia la recíproca: en un buen acoplamiento —que tiene que ver, a su vez, con una
buena correspondencia (o conexión)—, los dos cuerpos bailarines ya no padecen sus propios
cuerpos individuales sino que el cuerpo común de la pareja (corpora composita) conoce, actúa
y baila.

AUTOR: José Roberto Lima Santos

UNIVERSIDAD: Universidade Estadual Júlio Mesquita Filho - UNESP (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Egúngún: ancestralidad, tradición y performatividad iyorùbá
RESÚMEN:
La obra busca analizar los rituales Egúngún en Brasil y Nigeria, a partir de la performatividad
presentada en el uso de trajes, producidos para revivir la memoria de los antepasados, en
funerales, representaciones públicas, en tierras yoruba y brasileñas. Partimos de supuestos, que
la actuación desde el uso de los trajes, personifica la presencia de los venerables antepasados,
en Isèsè Esin Orisà Ibìlè y en el candomblé brasileño. OBJETIVO: Presentar la importancia de la
performance en el uso de los trajes Egúngún en Nigeria y Brasil, en los rituales festivos, la
relación con la memoria, la ascendencia y el uso en las celebraciones. También se pretende
analizar la plasticidad presentada en el vestuario, a través del uso de diferentes tejidos y
cortinas, proponiendo la estética visual, aliada a la artesanía de la confección de las prendas.
METODOLOGÍA: La investigación en curso, realizada sobre la representación y uso de los trajes
religiosos africanos y afrobrasileños, es parte de la metodología de investigación teórica /
bibliográfica y entrevistas de campo en los templos: Ilè Afro-Brasileiro reafricanizado Odé
Lorecy, Templo Oduduwa e Ijo Bàbà Egúngún Arowosoju en São Paulo.

AUTORA: Galia Arriagada

UNIVERSIDAD: Investigadora independiente (Chile)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Silencio rebelado, Tres acciones de Paula Baeza Pailamilla
RESÚMEN:
La ponencia invita a reflexionar sobre la (etno)perspectiva de género en la performance de Paula
Baeza Pailamilla, artista que trabaja un discurso descolonizador a través del mapuche feminismo
en sus obras. Para una mayor comprensión, se analizan tres acciones que responden a
propuestas teóricas en base a la problematización del cuerpo de la mujer mapuche en el Chile
actual, de la siguiente manera: “Etnoturismo” – Triple discriminación, “A la negra la mataron” –
La violencia estatal, “Mi cuerpo es un museo” – Descontextualización museal. Con el objetivo de
visibilizar a la artista quien podría considerarse como una referente en el arte de acción chileno
y latinoamericano. Esta investigación fue ganadora del 9° Concurso Público de Ensayos de Artes
Visuales: Perspectivas de género en el arte latinoamericano.

AUTORA: Zoila Schrojel

UNIVERSIDAD: Universidad Autónoma de Barcelona (España)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Sobrevolando el territorio corporal andino: El figurín Cóndor.
Una base para comprender los principios corporales de las expresiones festivo-rituales de los
Andes Centrales
RESÚMEN:
El cóndor es un animal del territorio andino al que se le considera un símbolo de grandeza, fuerza
y poderío dentro de la cosmovisión de las comunidades originarias de esta zona. Desde antes de
la conquista española y en la actualidad, esta ave es representada en diferentes danzas rituales
e instancias festivas del territorio. De acuerdo a lo anterior cabe preguntarse en base a los
estudios de la Fenomenología del Cuerpo y la necesidad de articular una Historia Corporal del
territorio: ¿Qué es lo que compone a una corporeidad andina? ¿Existe una nueva noción de
corporeidad andina modificada irremediablemente por el proceso de colonización y el
desarrollo del sincretismo cultural? La respuesta a simple vista parece ser afirmativa, sin
embargo en ella se asume por “corporeidad” un concepto propio de la Fenomenología Corporal
establecida, y lo ‘andino’, se limita a una categoría geográfica. Esta ponencia busca instaurar un
aspecto esencial para el debate: La noción de corporeidad es un elemento que requiere pasar
por un ejercicio de decolonización epistémica, puesto que dentro de la cosmovisión de esta zona
cultural se identifican ‘nuevas’ o más bien ‘invisibilizadas’ categorías de conciencia corporal que
aportarían al análisis de las expresiones festivo-rituales. Para introducir este debate se
presentarán ejemplos dónde se aprecia un proceso de justicia cognitiva decolonial a través de
manifestaciones sociales del último tiempo en Chile además de trabajos de campo realizados en
tres festividades religiosas de los Andes Centrales donde se aprecia la figura ritual del Cóndor
con el fin de ejemplificar la necesidad de esta comparativa epistémica corporal.

AUTORA: Pamela Jijón

UNIVERSIDAD: Universidad de las Américas (Ecuador)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Crear con lo inanimado. Desafíos performáticos corporales.
RESÚMEN:
En el performance como modo de producción del cuerpo así como espacio de relación entre los
cuerpos, se constituyen espacios políticos que resultan de las distintas formas que cobra la
presencia. Nos interesa preguntarnos cómo, la creación con lo inanimado, los objetos, las
plantas, los espacios urbanos, interviene en la producción de nuevas posibilidades performáticas
del cuerpo. A través del estudio de ejemplos concretos de prácticas que se ubican en el límite
entre la creación artística, el ritual y la política-social nos preguntamos, ¿Cómo se amplía el
campo de la experiencia sensible cuando nos enfrentamos al trabajo de un cuerpo creando con
lo inanimado? ¿Cuáles son las formas de presencia que se gestan en estas acciones compartidas
con lo no humano? ¿En qué sentido opera una magia performativa del encuentro con cuerpos
sin alma? En los ejemplos estudiados, se exploran las posibilidades del cuerpo como cuerpo
entre los cuerpos, desde la apertura y la co-presencia que excede a la experiencia sensible
reservada al campo de lo humano.

AUTEUR: Aleksi Moine

UNIVERSITÉ: Université d’Helsinki (Finlande)
TITRE DE LA COMMUNICATION: Incantations et incarnations: mise en scène du double corps de
l’incantateur
RÉSUMÉ:
Nombre d’incantations ont été collectées au XIXe siècle sur le territoire de la Finlande et nous
ont été transmises principalement sous la forme de textes poétiques. L’incantation est toutefois
avant tout performance, rencontre des deux corps du patient et de l’incantateur. Je me propose
donc dans cette communication d’étudier le statut du corps de l’incantateur dans le cadre de la
performance incantatoire. L’incantateur faisait ainsi appel à des entités divines, Dieu, Jésus, la
Vierge Marie ou bien encore Väinämöinen, pour guérir maux et blessures. Parole et gestuelle
s’entrelacent, la voix accompagne le toucher, si bien que l’incantateur n’est plus maître de son
propre corps mais ce sont Jésus et Marie qui viennent toucher le patient. Incanter, c’est ainsi
rendre présentes grâce aux mots les entités physiquement absentes. Incanter, c’est revêtir un
autre corps, c’est faire apparaître le corps invisible de Dieu, le matérialiser, l’incarner. Mais c’est
bien l’incantateur qui mène la performance, grâce à son savoir poétique et mythique. Deux
dimensions de la réalité se superposent ainsi dans son corps au moment de la performance : il
est à la fois lui-même et l’entité divine. Ni présent complètement ni absent complètement, son
corps est dans l’entre-deux. C’est ainsi par l’entrelacement des mots et des gestes que
l’incantateur met en scène la double nature de son corps, garantie de l’efficacité du rituel
incantatoire.
AUTORES: Bruno Souza Leal y Rafael Andrade
UNIVERSIDAD: Universidade Federal de Minas Gerais (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Fiesta en la calle y cuerpos en la encrucijada: reflexiones sobre
tiempos y espacios abigarrados
RESÚMEN:
Este trabajo propone reflexionar sobre las vivencias de los cuerpos de las fiestas callejeras. En
Brasil, las fiestas callejeras tienen al carnaval como principal exponente, pero también incluyen
fiestas religiosas, "rodas de samba", "festas de largo", bailes de funk, batallas de MC, cirandas,
maracatus y movimientos como la "Praia da Estação", en Belo Horizonte. En estes usos
peculiares del espacio urbano, presente en diferentes países, la vivencia cotidiana de los cuerpos
se entrelaza con momentos de esparcimiento organizados en torno a celebraciones, danza,
humor y música, entre otros elementos, instituyendo vivencias liminales, en el cruce de calles,
cuerpos, tiempos y espacios. Luego preguntamos, motivados por el contexto de aislamiento
social por la pandemia de Covid, cómo aprehender estos otros cuerpos, otros tiempos y otros
espacios que surgen en la calle en celebración. Para ello, comparamos el concepto de
"carnavalización" (BAKHTIN, 2010), con nociones del pensamiento latinoamericano, como las
nociones de "ch'ixi" (RIVERA-CUSICANQUI, 2015, 2018) y "cruz" o "encrucijada", de "exusíaco"
y "oxalufânico" (SIMAS y RUFINO, 2018), como una forma exploratoria de aprehender las
vivencias corporales en lo que tienen de "otros", "duales", "abigarrados". Al superponer la
experiencia cotidiana, con las gramáticas corporales habituales, y la experiencia festiva, con sus
propios códigos, los cuerpos se abren a experiencias de espacialidades y temporalidades
diferentes y simultáneas.

AUTHORS: Maxe Crandall and Selby Wynn Schwartz

UNIVERSITY: Stanford University (United States)
COMMUNICATION TITLE: Like a Prayer: Miguel Gutierrez’s SADONNA
ABSTRACT:
Inspired by Jose Esteban Muñoz’s classic essay, “Feeling Down, Feeling Brown,” SADONNA
continues the queer brown work of mourning in contesting Madonna’s queer canon.
Choreographer Miguel Gutierrez and his backup dancer-singers the Slutinos re- perform iconic
songs, corporealizing a fraught nostalgia for the 1980’s. Reorienting the politics of the cover song
toward queer materials, SADONNA channels the holiness of queer nightlife by reimagining both
the tempo and the affective register of the pop song. In Miguel Gutierrez’s liturgical cover of
“Vogue,” for example, he calls out the names of the legendary mothers and stars of the ball
scene as a performative reclaiming of a shared history and a revision of a painful appropriation.
The cover song becomes an incantation becomes a prayer.

AUTHOR: Mário Rolim

UNIVERSITY: Universidade Federal de Pernambuco (Brazil)
COMMUNICATION TITLE: Ice Cube had a good day: Towards a choreographical consideration of
the politics of joy
ABSTRACT:
As it has been extensively discussed, the Black and poor populations of Los Angeles in the 1980s
and 1990s were subjected to violent policing, to the point that, in 1992, almost half of all young
Black males living in South Central L.A. were in the gang database. The tensions related to this
policing erupted in the riots of 1992, and heavily influenced Los Angeles rap, which also worked
as a soundtrack for the revolution, with NWA’s ‘Fuck Tha Police’ as lead single. ‘Fuck Tha Police’
is commonly viewed in Rap Studies as a touchstone of political rap through its cold beats, hard
postures, and lyrics portraying police brutality. Despite the importance of such theories, I would
rather explore another kind of politics, related to other concepts of policing. The first is Jacques
Rancière’s definition of police as an inequal distribution of the sensible, which generally assigns
a short and miserable life for Black people. The second is André Lepecki’s idea of choreopolice
as a system that assigns bodies to proper spaces and modes of movement. Taking them in
consideration, my interest is in discussing another song written by Ice Cube, ‘It Was A Good Day’,
released in 1993. Frequently dismissed as just a feel-good anthem, ‘It Was A Good Day’ can also
be viewed as a choreography of rest and healing, envisioning possibilities of more humane ways
of circulating in the world, and more equal distributions of “proper” uses of the body.

AUTORES: Maria Helena Franco de Araujo Bastos y Diego Alves Marques

UNIVERSIDAD: Universidade de Sâo Paulo (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Cuerpo sin voluntad: bordar y error contra el secuestro del
cuerpo en la sociedad de performance
RESÚMEN:
Este artículo propone iniciar una reflexión sobre la posición paradójica que ha ocupado el
término performance en las primeras décadas del siglo XXI. Esto se debe a que la noción de
performance se ha utilizado para referirse a un conjunto de acciones corporales que van desde
las formas de implementar un determinado poder político hasta los modos de implicación con
una determinada resistencia estética – que, en el límite, ha anunciado el surgimiento de lo que
se ha denominado Sociedad de Performance (HAN, 2010; CVEJIC, 2014). En este contexto, es
fundamental prestar atención a las formas a través de las cuales nuestros hábitos corporales
comienzan a reiterar prácticas que proliferan las denominadas Necropolíticas (MBEMBE, 2018),
encargadas de exponer la vida al poder de la muerte en su máxima expresión. diversos niveles
de complejidad – política, social, epistémica y afectiva – al promover diversas formas de
aniquilación, robo o incluso secuestro del cuerpo (LEPECKI, 2016), incluso en lo que concierne a
la producción artística contemporánea. A partir de esto, proponemos una aproximación con la
comprensión del cuerpo sin voluntad (BASTOS, 2017) analizando brevemente dos experiencias
artísticas diferenciadas, a saber: Erratórios (2015-2019) y Bordados de Corpus (2015-2019).
Nuestro objetivo es comprender cómo tales experiencias artísticas intentan capacitar al artista
del cuerpo para experimentar lo que está haciendo mientras hace, con el fin de activar las
potencias de la vida. Palabras clave: Necropolítica; Secuestro del cuerpo; Cuerpo sin voluntad;
Erratório; Bordados de Corpus.

AUTOR: Ribamar José de Oliveira Junior

UNIVERSIDAD: Universidad Federal de Río de Janeiro (Brasil)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Arte travesti para no posponer el fin del mundo: construcciones
del cuerpo LGBTQIA+ en la cultura popular brasileña
RESÚMEN:
Esta investigación tiene como objetivo reflexionar sobre la producción del cuerpo travesti en las
manifestaciones culturales de la tradición religiosa del Reisado en la ciudad de Juazeiro do Norte,
en el interior del estado de Ceará, en la región Noreste de Brasil. Para ello, seguí la producción
de subjetividad a partir de la propuesta metodológica de la cartografía sentimental, en el sentido
de trazar las líneas de vida y los movimientos del deseo en vista de las expresiones en la
performances de los “brincantes” LGBTQIA+. Entre el encanto y el desencanto de la escena en
Reisado, investigo como una forma estética, cercana al artificio en la dimensión performativa de
el juego, puede tejer paisajes transviadas para romper con la cristalización del ideal del “cabra
macho” y aportar otras gramáticas para el cuerpo como aprendizaje de la devoción. El arte de
Reisado aparece como una forma estética de encarnar el futuro y reinventar las tradiciones por
las disidencias sexuales y de género. Así, si contar otra historia es una forma de posponer el fin
del mundo, inventar recuerdos a través del cuerpo puesto en escena es quizás una posible forma
de reiniciar un mundo que ya ha llegado a su fin desde hace algunas vidas. Quizás el regalo esté
en la punta de la espada en la mano. La navaja no está debajo de la lengua, sino en la punta de
los dedos, cavando a través de las fronteras la invención de sí misma que anuncia un posible
"traviarcado" por venir de la cultura brasileña.

AUTORES: Kenia Ortiz Cadena y Rubén Garcia Sánchez

UNIVERSIDAD: Universidad de Guadalajara (México)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: El cuerpo migrante LGBT+ como un referente contra las
limitaciones corpo-políticas
RESÚMEN:
Para algunas personas LGBT+ en Centroamérica el emigrar representa una esperanza para
preservar la vida, se trata de un acto forzado desde sus orígenes puesto que padecen violencia
y discriminación por su orientación sexual, situación enraizada en prejuicios y estereotipos
sociales y culturales. Es así que, estas personas se ven obligadas a salir de sus países para
conseguir asilo político o construir un proyecto de vida donde sean respetados sus derechos
sexuales. En el año 2011, según señala Portman y Weyl (2013), entraron 81,372 refugiados y
solicitantes de asilo a los EE. UU., de los cuales 3 mil podrían identificarse como LGBT+. Si bien
es cierto que este tipo de migración resulta de la violencia social, aunada a la económica, que
margina a los cuerpos LGBT+ obligándolos al desplazamiento, este fenómeno a la par, es un acto
político contra las propias limitaciones que impone el sistema capitalista y heteronormado.
Desde los cuerpos migrantes LGBT+ se cuestiona este sistema, las políticas excluyentes de los
Estados y la corporeidad impuesta. Desde la migración LGBT+ se plantean nuevas corpo-
políticas. En consecuencia, el objetivo de la presente ponencia es reflexionar sobre el cuerpo
migrante LGBT+ como un referente contra las limitaciones corpo-políticas de los Estados Nación
y como un lente epistémico que permite construir nuestros cuerpos fuera de las fronteras de la
heteronorma.

EJE 11: CORPORALIDADES QUEER|

CORPORALITÉS QUEER |
QUEER BODIES
ZAIRONG XIANG (Duke University, China)

AUTHOR: James Brunton

UNIVERSITY: Department of English University of Nebraska-Lincoln (United States)
COMMUNICATION TITLE: Queer Body Politic: Autonomy, Subjectivity, and the Re-imagining of
Community
ABSTRACT:
This project theorizes a queer body politic that undermines neoliberal individualism through the
concepts of queer community and subjectivity as they relate to emerging terminologies of
gender and sexuality (e.g. genderqueer, nonbinary, asexual, aromantic, etc.). While this
proliferation of terms can be critiqued within a Foucauldian framework as a neoliberal
consumerist model of individual identity, I propose considering how these ever-emerging
categories function within the broader queer community. These new configurations can resist
traditional logics of “identity” (for example, by orienting us away from the sex/desire model of
sexuality identity criticized by Foucault and toward a bodies/pleasures model), and may be
better understood as affirmations of subjectivity rather than identity, wherein the effect is a
recognition of bodily autonomy by a community. Insofar as these new categories and terms are
incorporated into the “queer community” under the designation of the “+” in “LGBTQIA+,” they
function less as fixed identity categories and more as critical interventions in how we understand
the relationship between political identity and subjectivity. I argue that this intervention
constitutes a re-framing of the sensible (à la Ranciére) and, therefore, is part of a radical
democratic process of community re-making, where, by recognizing the autonomy of self-
naming subjectivity, we can reorient democratic practices around actual bodies in community.

AUTORA: María Victoria Dahbar

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional de Córdoba (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Emociones anacrónicas: formas queer de hacer comunidad
RESÚMEN:
Cuando el marco temporal predominante es productivo y reproductivo, el repertorio de
emociones asociado al fracaso, la tristeza, la vergüenza, el desencanto, y la imposibilidad de
superar el trauma o todo aquello que deberíamos dar por concluido, se vuelve un lugar donde
ejercitar la mirada crítica. Las emociones anacrónicas pueden convertirse en una vía de ingreso
donde pensar qué tipo de normalizaciones afectivas exige el poder, y cuáles otras formas de
hacer comunidad son posibles. Propongo desarrollar la noción de emociones anacrónicas en la
obra reciente de Sara Ahmed, quien en su abordaje de los sentimientos queer implica una
mirada crítica acerca del cuerpo y acerca del tiempo: ante la rígida estructura temporal inscrita
en la promesa de la felicidad, tanto en su forma nostálgica como promisoria, Ahmed repone un
archivo de infelicidad (2019) como modo de dar cuenta no sólo de lo que hace el imperativo de
la felicidad con las corporalidades que se adecúan en ese camino, sino de las incontables
ocasiones en que esa felicidad falla. ¿Con quiénes, con qué modalidades y con qué efectos hacen
comunidad los cuerpos queer? Pensar junto a feministas aguafiestas, inmigrantes melancólicos,
o queers infelices, ofrece la ventaja de ponernos a mirar, a la vez, los afectos que refuerzan las
normas temporales del éxito y la reproducción de una vida normalizada, como aquellos que
fracasan, interrumpen, hacen trastabillar el ritmo de las cosas.

AUTORA: Maria Isern Ordeig

UNIVERSIDAD: Universitat de Barcelona (España) y Université Paris 8 (France)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Reimaginar la corporalidad desde la imagen del agujero:
orificialidad, penetrabilidad, fluidez.
RESÚMEN:
Con la intención de interrogar la construcción de una diferencia sexual binarizada, la
comunicación aborda el análisis de los agujeros anatómicos, así como de su representación y
textualización en ficciones contemporáneas. La hipótesis que se desarrollará es que en la
territorialización de los agujeros corporales se daría una determinada construcción de la
diferencia sexual y, doblemente, la diferencia sexual construiría una determinada
territorialización de dichos agujeros. Señalando a las epistemologías visuales como el principal
eje de reconocimiento y semantización de los cuerpos, se argumentará que tradicionalmente
los agujeros se han leído como vacíos insignificantes que interrumpen la materia corporal. Por
ello, los cuerpos a los que se les ha asignado un sexo femenino se habrían reducido a su
impensabilidad, en contraste con la presencia de los cuerpos con asignación de sexo masculino.
Pensar la diferencia sexual des de la materialidad ambigua del agujero, que remite a la fluidez y
al tránsito, podría conducirnos a la diversificación de la expresión de esta diferencia. A partir de
la conceptualización de la penetrabilidad (Preciado, 2008), la hapticidad (Irigaray, 1977), y el
cuerpo agujereado (Segarra, 2014), se analizará cómo algunos textos ficcionales deconstruyen
la relación entre el agujero y el órgano, polos entre los cuales dichos textos despliegan una
amplia gradación diferencial. Así, se sugerirá pensar en el agujero como el centro descentrado
de un territorio corpotextual mucho más polimórfico y poroso.

AUTORA: Ianina Moretti Basso

UNIVERSIDAD: Universidad Nacional de Córdoba (Argentina)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Constelaciones queer. La relacionalidad como contraseña
RESÚMEN:
Acarreando su intensa historia de subversiones significantes, el término queer continúa
surcando trayectos en nuevas apropiaciones y traducciones. Sedgwick advertía que “lo único
que se requiere para convertir el calificativo queer en genuino es el impulso para utilizarlo en
primera persona” (2002: 39). A su vez, el mismo calificativo hace implosionar y permite
desarmar lo unitario de la categoría de identidad sexual, que ha sido central en la producción de
corporalidades. Así, aún denotando lo singular, sería una trampa pensar que lo queer define en
términos de individuo (en el sentido moderno y aún neoliberal), pues no presupone esas bases
identitarias. ¿Se puede entonces imaginar procesos de colectivización no anclados en un sistema
de sexo-género neoliberal, es decir, que no suponga ese modelo de individuo para empezar?
Pensar la relacionalidad como fundante del cuerpo y previa al individuo puede habilitar la
imaginación de constelaciones queer, sin establecer necesariamente una nueva norma
identitaria. Retomamos la apuesta de Butler a entender lo queer no como la identidad de
alguien, sino como su alianza. Queer habilita así a reconocer nuestro carácter relacional, y allí
trazar alianzas incómodas o impredecibles. Invita a tramar y vislumbrar una constelación entre
cuerpos que permitan una crítica radical de los placeres, “una identificación política y una
práctica ética” (flores, 2015:77) para disputar los sentidos excluyentes heteronormados de lo
sexual y lo afectivo.

AUTOR: Ronal E. Teves

UNIVERSIDAD: Pontificia Universidad Católica del Perú (Perú)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: El cuerpo travesti de Giuseppe Campuzano: escritos y
performances
RESÚMEN:
Esta comunicación estudia la concepción y presentación del cuerpo travesti en la obra del
activista y artista travesti peruano Giuseppe Campuzano (1969-2013), para dar cuenta de su
revalorización a partir de una diada erótica y sagrada. A través del análisis de una selección de
los cuentos, ensayos y registros de performances de Campuzano, recopilados en "Saturday Night
Thriller y otros escritos, 1998-2013", y en diálogo con los estudios queer y trans, esta
comunicación explorará cómo la reflexión y exposición del artista peruano sobre el cuerpo
travesti socava una visión cosificadora y estigmatizante de tal corporalidad, impuesta bajo una
lógica cisheteronormativa. Por un lado, el activista peruano se reapropia de una dimensión
erótica del cuerpo travesti, para otorgarle una capacidad de agencia reflejada no solamente en
materia de una autonomía del deseo, sino en la recuperación de una fuerza de vida. Por otro
lado, Campuzano rescata el carácter sagrado de la corporalidad travesti en la historia peruana,
con el fin de legitimar tal cuerpo a partir de una cosmovisión ritualista y un sincretismo religioso.
Así, esta comunicación permitirá explicar cómo su visión sin precedentes locales sobre el cuerpo
travesti innova política y estéticamente el campo cultural peruano.

AUTOR: Javier Sebastián Isaza Esguerra

UNIVERSIDAD: Universidad de los Andes (Colombia)
TÍTULO DE LA COMUNICACIÓN: Nomadismos queer: sobre cuerpos y escrituras disidentes en
"Tengo miedo torero" de Pedro Lemebel
RESÚMEN:
Escritura marica, mariposa, marifrunci; escritura coliza, coliflor, colibrí; la escritura de Lemebel
ha intentado explicarse desde el campo literario acudiendo a los conceptos de neobarroco (o
neobarroso, según Perlongher), de camp y de kitsch. Sin embargo, todas estas aproximaciones
parecen limitadas o insuficientes para analizar a profundidad el potencial estético y político de
la obra lemebeliana. Por lo tanto, propongo una lectura de “Tengo miedo torero”, la única
novela del autor chileno, desde el nomadismo y la teoría cuir. A partir de estos “contrabandos”,
me referiré a la manera en que la Loca del Frente, lx personaje principal de la novela, se
constituye como un cuerpo en perpetuo tránsito, marginal, pero también subversivo. Así pues,
analizaré las irrupciones del cuerpo cuir y las tensiones que crea en el orden patriarcal que
retrata la novela. Para ello, me concentraré en tres dimensiones en que se manifiesta la
disidencia nómade-cuir en la obra de Lemebel: la escritura, el cuerpo y los espacios que los
cuerpos ocupan, habitan y transitan.