Formato de entrega Fase 2 Aisthesis y la estética expandida

Curso: Estética y procesos artísticos contemporáneos

Código: 404043
No modifique el formato con portada, introducción, tabla de contenido u otros elementos
no solicitados

1. Datos del estudiante:

Nombre del estudiante Zurisaday Kerguelen Basa

Código 1064722702
Número de grupo 408043A_954
Fecha de realización 13/09/2021
Ciudad Valledupar
Skype de contacto zusakerba@gmail.com

2. Ensayo argumentativo sobre el sentido de los conceptos de Aisthesis y de Estética

expandida en la contemporaneidad:
Hay una necesidad de releer la estética contemporánea los diferentes mundos de la
contemporaneidad. En todas las artes desde tiempos remotos existía arte de diversos
modos de hacerles, poca de estas disfrutaba de un estatus debido a que estaban
condicionadas a como estuviera la sociedad dado esto: “Las bellas artes eran hijos de las
llamadas artes liberales. Y estás, a su vez se distinguían de las artes mecánicas, porque era
el pasatiempo de hombres libres, hombres de ocio a quienes la calidad de la obra aportaba
la búsqueda de la perfección excesiva en realizaciones materiales de los cuales podría
encargarse un artesano o esclavo” Rancière, Jacques. (2013).
Las condiciones en la que todo esto surgió no se basaban en el arte ni la belleza, este se
deriva de las experiencias y de la manera de ver y ser afectado. La aisthesis por su parte no
se basa en la “recepción de las obras, sino la experiencia sensible que estas producen por
mucho que por años hayan categorizado el arte el sentimiento hacía la obra ha sido el
mismo luego de esto incluyeron los mismos y con ellos logramos ver a principios
enamorados del excitismo de la nuestra de “lo común”.
Dicho lo anterior podríamos decir que es posible cambiar un régimen de percepción,
sensación e interpretación. Si hablásemos de la mimesis y aisthesis adoptan otro sentido ya
no con categorías sino con regímenes por lo que las obras presentadas, expresan un
acontecimiento y estudian de qué manera se sienten los objetos y las diversas emociones
que estás pueden causar, así se convierte y transforma un pensamiento impensable en
acoger lo que era impensable, todo esto hace parte del régimen de percepción y
pensamiento llamado “régimen estético del arte”. Ahora bien, a lo largo del tiempo
siempre hubo una disensión entre lo considerado belleza y la expresividad o lo que podía
transmitir una obra.
Durante cierto periodo Diderot, ilustrador, filósofo, y enciclopedista francés, le sugería a
sus estudiantes que salieran de los talleres y fueran a las calles a plasmar en sus obras
sensaciones y expresiones reales, puesto que los modelos más destacados aún en su mayor
buen trabajo sus expresiones podrían verse forzadas ¿pero cómo expresar en estos
cuerpos la naturaleza de las formas que conviene a la belleza?; más adelante Diderot quien
invitaba a los estudiantes a plasmar expresiones reales, también se quejaba de la falta de
“nobleza” en las obras de sus estudiantes, (esto en un concurso realizado en 1759 y
establecer el premio de “las expresiones de las cabezas”).Wickleman por su parte analiza,
resalta la superioridad entre los modelos antiguos de los modelos “naturales”, en cuanto al
Locuente concluye: La belleza es la ausencia de la expresividad, la indeterminación”. Crea
entonces un principio de fusión de movimiento por el cual el mármol se derrama como una
ola. (esto refiriéndose al análisis de Laocoonte).

Por otro lado, si hablamos de la filosofía y el posible concepto que podría darse al arte
en cuanto a su comunión con la estética o aisthesis. El arte para la filosofía a veces puede
ser demasiado flexible o demasiado hermético. Debido a lo anterior esto se ha llevado a
que la filosofía y el arte rompan entre sí y algunas de las causas la aclara Pineda Repizzo,
Adryan Fabrizio (2011). En su libro, La Filosofía Del Arte En La Época Del Fin Del Arte: “Una
obra de arte es un objeto entre otros, dados a la experiencia: los célebres ready-made de
Duchamp señalaron que una pintura –clase de obra de arte por excelencia hasta su época–
es tan solo un objeto y que cualquier objeto puede ser una obra de arte; y más aún, que no
hay criterio alguno de experiencia, gusto o “deleite estético” en la identificación de una
obra de arte, pues un ready-made no es más que una “anestesia 1 Hegel (1989), p.150. 251
L A FILOSOFÍA DEL ARTE EN LA ÉPOCA DEL FIN DEL ARTE completa del gusto.” 2,Cualquiera
puede ser un artista: la frase de Joseph Beuys “cada hombre, un artista” dio apertura a
aceptar que no se trata de genio e inspiración, sino que el arte está abierto a recibir
cualquier acción como obra de arte; una obra de arte no tiene que ser necesariamente un
objeto físico, es también un evento.3 No hay experiencia privilegiada del arte: Joseph
Kosuth, por su parte, defendió que “el arte existe solo conceptualmente,”4 con lo cual
quería hacer notar que los ‘valores’ o ‘propiedades’ estéticas comúnmente predicadas de
las obras de arte también son aplicables a cualquier otro objeto o evento en el mundo y,
con ello, que no puede mantenerse la distinción conceptual entre estética y arte.”

En conclusión, el arte extendido presenta nuevas formas de verlo, centra entonces sus
análisis en la comprensión de diversas instrucciones para entender las expresiones, estas
varían según las condiciones espaciales, temporales y la estética de la vida cotidiana, no
solo en perspectiva sino también en arte. Con esto nos deja claro que la estética no solo
está asociada a la expresión del arte, también lo está a fenómenos de la vida cotidiana.
El modelo utilizado en la cuestión estética centrada sufrió cambios notables a finales del
siglo XIX y principios del XX. No solo el público, sino también el artista, crearon un
presupuesto acorde con su comprensión e interpretación. Desde entonces, el campo del
arte ha dependido o conectado con elementos propios de la fugacidad. Esta desviación ha
permitido que nuevas percepciones exploten la forma externa del pensamiento metafísico.
 3. Propuesta expositiva:

Línea narrativa que va a desarrollar en su exposición:

La palabra Aisthesis significa sensación, se basa en la "recepción de las obras", en la experiencia

sensible que pueden producir; el arte a lo largo de la historia ha sido categorizado, pero las
sensaciones han sido las mismas.

La estética expandida presenta nuevas formas de ver el arte en el cual su comprensión y análisis se
centra en el contexto que a este le rodee. De acuerdo con lo anterior, las siguientes obras que se
muestran son la evidencia de que lo que fue denominado estético y bello ha cambiado, basando
su perspectiva en la forma de verlos; y las sensaciones que producen, se da a conocer entonces
obras como: Translunar, de Raquel Forner, Espera en Blue de Mildred Burton, el venado herido de
Frida Kahlo, Mujer saliendo del psicoanalista, de Remedios Varo, y Maman de Louise Bourgeois, en
esta las artistas dan a conocer el desarrollo de este concepto, yendo más allá de los estándares
dándole sentido y valor a lo "no común".

Obra 1 Autor: Raquel Forner

Título: “Translunar”
Técnica: óleo sobre tela
Dimensiones: 160 x 130 cm
Lugar y año de realización: Buenos
Aires Argentina, 1902
Contexto sociocultural del artista:
En el trayecto de su vida artística pasó
del naturalismo al expresionismo.
Nació en Buenos Aires en 1902 y allí
también murió en 1988. Además de
pintora y escultora fue una recordada
docente.
Obtuvo muchos premios a lo largo de
su vida estuvo en muchas
exposiciones personales y en museos,
alrededor de los años 50 la artista
hace girar su obra en torno a la guerra
civil española y a la segunda guerra
mundial, muestra una visión sin
esperanza cargada de simbolismo.
Otros datos relevantes:
En 1957 Forner dirige sus obras hacía
la aventura del hombre en el espacio,
 colocando como punto de partida la
tierra y la luna, muestra navegantes
antropomórficos, el color pasan a ser
el protagonista mientras que las
formas se abren más, y pueden
percibirse al contacto.

La obra trasnlunar tiene una conexión con la aisthesis debido a que a través del tacto brinda una
experiencia sensible al espectador. Rodeado de un contexto futurista la artista crea sus obras con
el fin que el quien la observe logre percibir al contacto. En cuanto a la estética y con relación a la
experiencia que puede brindar y a la manera de ver las cosas, Forner siempre aplico en sus obras el
simbolismo para tratar de representar sus pensamientos y el entorno que le rodeaba, en ella
impregnaba su sello distintivo, el hecho de que haya querido incluir personajes antropomórficos
poblando la tierra les da a sus obras, y a esta obra un toque de expresionismo.

Obra 2 Autor: Mildred Burton

Título: Espera en Blue.
Técnica: óleo sobre tela
Dimensiones: 64 × 54 cm
Lugar y año de realización:
Buenos Aires, 1976

Contexto Sociocultural del artista:

Sobre Mildred Burton se sabe poco,
era una artista que desde niña amaba
la ficción y la cual en sus obras
representaba lo terrorífico, fantástico
y surreal sobre su arte y la diversidad
que manejaba Marcos Krämer en su
libro el Moderno explica:
“Esa bruma de edades quizás explique
el cruce entre tradiciones visuales tan
disímiles como la de la pintura y las
artes decorativas europeas del siglo
XIX, el surrealismo y las iconografías
indígenas latinoamericanas que se
vieron reunidas en su obra a lo largo
de su trayectoria”
Burton siempre fue difícil de agrupar,
pero se le asociaba a la posfiguración,
durante los 70 giró su visión hacía lo
político, en obras como Invasión II, en
la cual conforta la dictadura sin
perder su estilo

Otros datos relevantes:

Dado que Burton fue asignado a
diagnósticos psiquiátricos en lugar de
ayudarle a aislarla. A los 15 años, fue
obligada a contraer matrimonio con
un soldado. De este matrimonio
nacieron cinco hijos. Sin embargo,
Mildred dejó su vida en casa y
familiar, y se mudó a Buenos Aires. En
el distrito de Boca, Mildred continúa
con su trabajo artístico. Durante
40 años de producción, combina una
amplia gama de referencias de sus
estudios sajones y su identidad de
plata y latinoamericana: la tradición
inglesa del arte del siglo XIX
decorativo, como el movimiento de
artes y artesanías, surrealista Max
Ernst y René Magritte y el realismo
político de la pintura argentina de los
años setenta y ochenta. Sus mayores
influencias, sin embargo, eran
historias e historias que de niña había
leído, lo que le permitió ordenar el
alcance de la familia y los conflictos
inusuales.
Sus obras se salían de los cánones establecidos logrando mostrar belleza estética y Aisthesis, sobre
la “Espera en Blue”, se halla una mesita que sostienen a la pequeña pintura plantada en la que
podría haber sido una habitación de su casa, con un aire al estilo rococó la clásica alfombra tenue.

Burton hallaba la forma de expresar y transmitir su visión de lo terrorífico y misterioso, causando

esas sensaciones en el espectador, llevando este género a considerarse resaltado. Sobre sus
temáticas al artista afirma:

“Yo convivo con lo terrible y con el miedo. Vivo en una casona terrorífica de La Boca. Cuando llega
la noche y estoy sola en casa, con todos mis perros, antes de que el sueño me venza siento que
entro en la tragedia”

Obra 3 Autor: Frida Kahlo

Título: El venado herido
Técnica: Óleo sobre fibra dura
Dimensiones: 64 × 54 cm
Lugar y año de realización:
Carolyn Farb Houston, 1946
Contexto sociocultural del artista:
Frida Kalo fue una gran pintora
mexicana y latinoamericana del siglo
XX, sufrió un accidente muy joven lo
que la llevo a someterse a diversas
cirugías, a pesar de compartir ideales
con grandes muralistas de su época
Frida creo pinturas totalmente
personales y metafóricas que
exaltaban su gran sensibilidad y
acontecimientos que marcaron su
vida, Frida se convirtió en un mito.

A través de sus obras reflejaba su

posición personal y hacía la sociedad.

Otros datos relevantes:

En la obra el venado Frida muestra el
dolor por el cual estaba pasando así
se describe su trabajo:

“En El venado herido, Kahlo se retrata

a sí misma como un híbrido, mitad
animal y mitad humana. Su cuerpo es
el de un venado y los cuernos de este
animal salen de su propia cabeza
humana. El venado está de pie y sus
patas se muestran extendidas. La pata
derecha delantera del animal se
encuentra colgando en el aire como si
estuviera herida o como si se
estuviera moviendo. El venado tiene
nueve flechas clavadas en diferentes
partes del cuerpo y heridas de las que
brota sangre. El venado se encuentra
en un bosque y tiene nueve árboles a
su derecha y una rama que se ha
desprendido yace a sus patas. En el
plano pictórico solo se pueden
apreciar los troncos de los árboles, el
follaje de por encima no es visible.
Una de las ramas de los árboles que
ubicados a la derecha ha sido cortada.
Es probable que la rama que se
encuentra en el suelo al frente del
venado represente la pierna que le
amputaron a la artista. La rama
sobresale y capta la atención del
espectador, ya que la artista pintó esa
parte del cuadro con más detalle. La
cara de la artista está de frente y su
mirada es estoica, no muestra ningún
signo que indique que está sufriendo.
Su cabeza y cuello están erguidos y
alerta. Las orejas del ciervo salen por
encima de las orejas humanas de
Frida. En el fondo de la escena se
puede observar un río y a pesar de
que los rayos del sol iluminan la
escena, también se puede observar
un relámpago que sale de una nube.”
Se relaciona con la estética desde el punto en el que no se basa en la belleza, sino que se deriva de las
experiencias del artista, Frida a través de sus obras era capaz de autorretratarse en diversos momentos de
su vida tantos tristes como alegres, volviéndose capaz de transmitir sus sentimientos a través de sus obras,
brindando con ello la capacidad de producir una experiencia sensible en el espectador, es decir haciendo
uso de la aisthesis.

Obra 4 Autor: Remedios Varo

Título: "Mujer saliendo del
psicoanalista"
Técnica: Óleo sobre tela
Dimensiones: 71 x 41 cm.
Lugar y año de realización:
Ciudad de México (1960)
Contexto sociocultural del artista:

Remedios Varo fue una de las

primeras mujeres en estudiar en
Bellas Artes de San Fernando en
Madrid, es conocida como una de las
más grandes pintoras, con un estilo
surrealistas, con su sello de filosofía,
astronomía, y física logró ganarse el
seudónimo de “hechicera” junto con
Leonor Carrington. Remedios fue una
gran pintora surrealista, se unió al
grupo de surrealistas en 1936,
participó en muchas exposiciones
internacionales de surrealismo;
sobrevivió a la Guerra Civil española,
donde apoyaba a los republicanos, en
la segunda guerra mundial, mientras
las tropas nazis invadieron París,
Remedio fue encarcelada aunque
nunca quiso mencionar el tema
finalmente fue puesta en libertad y
 marchó con un grupo de amigos a
Marcella, ya luego, en 1940 tuvo
acceso a la práctica del psicoanálisis,
esto le llevó a introducirlo en sus
obras, nunca vivió de la pintura,
siempre realizaba trabajos artísticos,
sobre todo de ilustradora publicitaria.
En el año 2000 Walter Gruen, su
viudo donó la colección al museo de
arte moderno de México y fueron
declaradas monumento artístico
mexicano el 26 de diciembre del
2001.
Otros datos relevantes:
Las obras de Varo se hallaban
rodeadas de enigmas inquietantes
fruto de un mundo imaginario y
mitológico, en ellos se muestra un
tipo de arquitectura de interiores
creados por inventos químicos y
científicos “Mujer saliendo del
psicoanálisis” se volvió un símbolo del
surrealismo en México

Sobre la razón de realización de esta obra Paloma Silva en un análisis con respecto a la artista y su
obra comenta: “Esta obra es resultado de un sueño que la artista tuvo y que narró en tres partes;
en la primera parte es donde se habla sobre el simbolismo de la muerte y algunos rituales
cotidianos. A raíz de esto, Remedios Varo pinta lo que es la representación simbólica más
importante de su sueño, lo que la recalcaría su creencia en lo fantástico y lo que se ve más allá de
una rutina diaria.” Dicho lo anterior podemos decir que las obras de Varo tienen en su contexto un
concepto de Aisthesis por la sensación que estas pueden despertar en su público, y de manera
estética por la experiencia que puede despertar en quien la observe, provocando una admiración
por estas obras, un poco fuera de lo común y haciendo que el espectador se interese por los temas
en esta presentada.
Obra 5 Autor: Louise Bourgeois
Título: "Maman"
Técnica: Escultura en Bronce, acero
inoxidable y Mármol.
Dimensiones: 9,27 mts
Lugar y año de realización:
Bilbao, 1999
Contexto sociocultural del artista:
Fue considerada una de las artistas
más influyentes de los siglos XX y XXI,
su obra se divide en diversos
formatos, materiales e historias. Cada
una de sus obras representa su vida
personal que se expone a todo el
público, exhibiendo, sus sentimientos
más profundos con el fin de llegar al
fondo del espectador, sus famosas,
arañas, celdas y grabados
perturbadores e inquietantes
transciende la razón y la cultura para
alcanzar el íntimo de quién lo
contempla.
“Los años de psicoanálisis de
Louise Bourgeois se reflejan en
muchas de sus obras. Pero es a partir
de 1986 cuando empieza a crear
ciertas piezas que contienen la
esencia de su relación con sus
experiencias vitales, el compromiso
social y el subconsciente. Son las Cells
(Celdas), instalaciones cerradas que
cuentan historias en sí mismas y se
convierten en experiencias que se
filtran en la mente de quien las
penetra. Articulated Lair (Guarida
articulada, 1986) será la primera de
una serie que comprende unas 60
obras creadas con elementos
dramáticos, escenográficos y espacios
de interacción. Y con la presencia,
siempre, de las emociones.”
 Otros datos relevantes:
A pesar de que se enfocó en la
tridimensionalidad, sus obras se
mantienen alejada de los abstracto y
muestra un universo más carnal e
inquietante; siempre desarrolló
universos imaginarios trascendiendo a
escuelas y logrando crear una
trayectoria artística gintima y
fascinante.
A mediado de los 90 empieza a explorar su obsesión con las arañas, esto conlleva a una relación

con su madre sobreprotectora y los telares, para ella las arañas representan “la inteligencia, la

productividad y la protección” Vengo de una familia de reparadores”, dijo en una ocasión. “La

araña es una reparadora. Si rompes su telaraña, no se altera. Teje y la repara”.

De esta manera sus obras tienen como objetivo llegar a lo profundo de los sentimientos del

espectador logrando así una experiencia sensible, es decir, logrando despertar lo que se

denomina Aisthesi. Por otro lado, Bourgeois con sus obras hace que el espectador tenga una

experiencia propia con la obra y acorde a esto su propio concepto.