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TEORÍA DE LA MÚSICA

 Qué es la música (Conceptos de música)


 Sonido (Intensidad, Timbre, Duración y Altura)
 Vibraciones
 Elementos de la música (Melodía, Armonía y Ritmo)
 Las Notas Musicales (Claves de: Sol , Fa y Do)
 El Pentagrama (Nombres de líneas y espacios de acuerdo a la clave)
 Las Figuras Musicales (Nombres y valores)
 Signos que aumentan el valor de las figuras (punto, doble punto)
 Ligaduras (Ligadura Conjuntiva, Ligadura Expresiva, Calderón)
 Silencios
 Intervalos (Segundas, Terceras, Cuartas, Quintas, Sextas, Séptimas)
 Escalas (Grados de una escala)
 Alteraciones (Sostenido, Bemol, Becuadro, Doble Sostenido, Doble Bemol)
 Líneas Divisorias, Doble Barra Final,
 Signos de Repetición (Doble barra con dos puntos, casillas)
 Compás( Compás Simple, Compás Compuesto)

CONCEPTOS DE MÚSICA

1.- Es el arte y la ciencia de los sonidos (Fanny S. de Lemos).

2.- La música es al mismo tiempo un arte y una ciencia, por lo cual debe ser apreciada
emocionalmente y comprendida intelectualmente. Como ocurre con cualquier arte y con
cualquier ciencia, no existen límites a su perfeccionamiento ni a su comprensión (Salvat-
Grandes Compositores).

3.- Sucesión de sonidos agradables al oído. Arte de combinarlos (Diccionario LNS).

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SONIDO

Es el efecto agradable que producen al oído, las vibraciones de un cuerpo sonoro (Fanny de
Lemos).

Hay tres maneras de producir un sonido y estas son: por percusión o golpe, por frotación y
por vibración del aire a través de un tubo.

Actualmente se puede producir sonidos a través de medios electrónicos y digitales que


provocan la vibración de cuerpos que traducen el sonido como por ejemplo las membranas
de los altavoces.

Si las vibraciones se producen en forma regular se produce sonido y si las vibraciones se


producen irregularmente se produce ruido.

El sonido tiene 4 características que son: la altura, la intensidad, la duración y el timbre.

LA ALTURA

Habíamos dicho que el sonido es producido por vibraciones, estas vibraciones generan unas
ondas que atraviesan el aire y llegan hasta el oído (ondas sonoras). La frecuencia, es decir,
el número de vibraciones que se realicen por segundo determinan la altura del sonido:
graves y agudos.

- Sonidos graves son aquellos que se producen cuando la frecuencia es baja, es decir
cuando se realicen menos vibraciones por segundo. Mientras más baja sea la frecuencia
más grave es el sonido.

- Sonidos agudos son aquellos que se producen cuando la frecuencia es alta, es decir
cuando se realicen más vibraciones por segundo. Mientras más alta sea la frecuencia, más
agudo es el sonido.

LA INTENSIDAD

Así como la altura del sonido depende de la frecuencia, la intensidad depende de la


amplitud de la onda sonora. Mientras mas intensa sea la vibración, la amplitud de la onda

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sonora será mayor por lo tanto el sonido será más fuerte. Si la vibración es menos intensa,
la amplitud de la onda sonora será menor y por lo tanto el sonido será más suave.

LA DURACIÓN

Es la cantidad de tiempo que dura la ejecución de un sonido.

EL TIMBRE

Esta característica nos permite distinguir o identificar sonidos producidos por diferentes
instrumentos musicales; es así como podemos diferencial un sonido producido por un piano
de un sonido producido por un violín.

El timbre de cada instrumento está determinado por la cantidad y calidad de "armónicos"


que se ejecuten con cada sonido fundamental o principal. Aquí tiene mucho que ver el
material del que están construidos los diferentes instrumentos musicales.

Los "armónicos" son sonidos que se ejecutan alrededor del sonido fundamental pero con
una menor intensidad de tal manera que solos, son casi imperceptibles al oído pero que en
conjunto dan diferente "color" al mismo sonido fundamental en cada instrumento musical.

VIBRACIONES

Son los movimientos de un cuerpo en un medio elástico; que se propagan en forma de


ondas . Estas ondas producen y determinan la altura del sonido. El oído humano puede
percibir vibraciones que van desde 16 hasta 15.000 por segundo aproximadamente.

ELEMENTOS DE LA MÚSICA

La música esta formada por tres elementos importantes que son: la melodía, la armonía y el
ritmo.

Melodía: Es la sucesión de sonidos en forma ordenada, de diferente altura, que expresan


una idea musical y que satisfacen al oído y a la inteligencia.

Armonía: Es la combinación simultánea de dos o más sonidos que producen un acorde.

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Ritmo: Es la división regular del tiempo. El ritmo está relacionado con cualquier
movimiento que se repite con regularidad en el tiempo, en la música se lo divide por medio
de la combinación de sonidos y silencios de distinta duración.

NOTAS MUSICALES

Son figuras musicales que representan la altura del sonido. En la música se utilizan siete
notas que son:
 
Para saber la altura exacta y el nombre de las notas se utilizan los signos llamados claves,
las cuales se colocan al principio del pentagrama.
Existen tres tipos de claves, y son:

Las claves anteriormente mencionadas se colocan de la siguiente manera en el pentagrama:

Clave de Sol en la segunda Línea.

Clave de Fa en la 3ra y en la 4ta. Líneas.

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Clave de Do en la 1ra., 2da., 3ra, y 4ta. Líneas.

EL PENTAGRAMA

Es la unión de cinco líneas paralelas y cuatro espacios que sirven para escribir las notas y
los signos musicales. También se lo conoce como pauta musical.

Estas líneas y estos espacios se cuentan de abajo hacía arriba. Tanto las notas como los
signos musicales se escriben dentro y fuera del pentagrama.

.LÍNEAS

5 ___________________________________________________________
4 ________________________________________________4__________
3 _________________________________________________3_________
2 __________________________________________________2________
1 ___________________________________________________1_______

ESPACIOS

IMPORTANTE: Las líneas y los espacios del pentagrama toman un nombre de acuerdo a
la clave de la siguiente manera:

Clave de Sol

Clave de Fa

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La clave de Fa que comienza en la 4ta línea asigna ese nombre a la misma y desde allí se
ordenan los nombres tanto hacia arriba como hacia abajo del pentagrama según podemos
observar en el gráfico a continuación.

Lo mismo sucede con la clave de Fa en 3ra línea.

Clave de Do:

La clave de Do que comienza en la 3ra línea asigna ese nombre a la misma y desde allí se
ordenan los nombres tanto hacia arriba como hacia abajo del pentagrama según podemos
observar en el gráfico a continuación.

Lo mismo sucede con las claves de Do en 1ra, 2da y 4ta líneas.

LAS FIGURAS MUSICALES

Las figuras musicales nos indican la altura del sonido en el pentagrama y su duración. Esta
duración se indica por medio de las siguientes figuras:

Vale anotar que la duración de las figuras musicales siempre dependerá del compás en el
que se encuentran (Valor Relativo):

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FIGURA                                                        DURACIÓN

Redonda                                             Es la unidad


Blanca                                                Es la mitad de la Redonda
negra                                                 Es la 4ta parte de la Redonda
Corchea                                             Es la 8va parte de la Redonda
Semi-corchea                                    Es la 16va parte de la Redonda
Fusa                                                  Es la 32va parte de la Redonda
Semi-fusa                                          Es la 64va parte de la Redonda

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Las figuras tienen tres valores:

Valor Propio.- Es el valor que tiene cada figura por sí sola ejemplo.: la redonda tiene 4
tiempos, la blanca tiene 2 tiempos, etc.

Valor Comparativo.- Es el valor que tiene una figura comparada con otra, ejemplo.: una
redonda es igual a 2 blancas, una negra es igual a 2 corcheas.

Valor Relativo.- Es el valor que toman las figuras según el compás al que pertenecen,
ejemplo:

Una negra vale un tiempo en compás 4/4


Una negra vale medio tiempo en compás 2/2

Partes de las figuras musicales:

Generalmente las notas escritas hasta el segundo espacio del pentagrama, tienen la plica por
el lado derecho y hasta arriba, y de la tercera línea en adelante, tienen por el lado izquierdo
y hacia abajo.

SIGNOS QUE AUMENTAN EL VALOR DE LAS FIGURAS

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. Punto.- El punto va colocado a la derecha de la figura y aumenta exactamente la mitad
del valor de dicha figura:

.. Doble Punto.-  Un doble punto, colocado después de una figura, le aumenta la mitad
del primer punto, o sea la cuarta parte del valor.

Calderón.-  Prolonga la duración de la nota. La duración se puede mantener según el


gusto musical. El calderón aparece con frecuencia al final de una composición.

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LIGADURAS

Ligadura Conjuntiva:  Es una línea curva que une dos o más notas del mismo nombre y
de la misma altura, es decir une el valor de las dos figuras convirtiéndolas en un solo
sonido.

Ligadura Expresiva: Es una línea curva que une dos o más notas de diferente altura,
señala una indicación de fraseo, de respiración y articulación, es decir  de legato. Este tipo
de ligadura puede llegar a unir multitud de compases dentro de una misma frase o englobar
únicamente dos notas, indicando una apoyatura.
 

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SILENCIOS

Son signos que indican la interrupción momentánea del sonido, cada figura tiene un
silencio por lo cual la duración del silencio es igual al de la figura:

INTERVALOS

Es la distancia que existe entre dos sonidos distintos.

Intervalo ascendente se refiere cuando dos sonidos distintos se ejecutan sucesivamente y el


segundo sonido es más agudo que el primero:

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Intervalo descendente se refiere cuando dos sonidos distintos se ejecutan sucesivamente y
el segundo sonido es más grave que el primero:

Los intervalos se miden de acuerdo al número de grados que existen entre dos sonidos.

CLASIFICACION DE LOS INTERVALOS

Intervalo Tipo Distancia

Primera Justa Unísono

Aumentada un tono y medio

Mayor un tono
Segunda
menor medio tono

disminuida unísono

 
Tercera Aumentada 2 tonos y medio

Mayor 2 tonos

menor un tono y medio

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disminuida un tono

Aumentada 3 tonos

Cuarta Justa 2 tonos y medio

disminuida 2 tonos

Aumentada 4 tonos

Quinta Justa 3 tonos y medio

disminuida 3 tonos

Aumentada 5 tonos

Mayor 4 tonos y medio


Sexta
menor 4 tonos

disminuida 3 tonos y medio

Aumentada 6 tonos

Mayor 5 tonos y medio


Séptima
menor 5 tonos

disminuida 4 tonos y medio

Octava Aumentada 6 tonos y medio

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Justa 6 tonos

disminuida 5 tonos y medio

GRADOS DE UNA ESCALA

Escala: Se denomina escala a la sucesión ordenada de siete sonidos ascendentes o


descendentes, (a grado conjunto):

Grados: Llamamos a cada uno de los sonidos de la escala.  Cada grado o nota de una
escala se indica por un número romano: I  II    III    IV    V    VI   VII  VIII.

 
I   Tónica o nota fundamental es la nota más importante de la escala.

II  Supertónica este se encuentra situado a un tono por encima de la tónica.

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III Mediante se le denomina así ya que está situado a la mitad, es decir entre la tónica y la
dominante que son los grados más importantes de la escala.

IV Subdominante esta situado una quinta por debajo de la tónica.

V  Dominante este grado le sigue en importancia a la tónica, se llama dominante por su


posición central y su función dominante tanto en la melodía como en    la   armonía.

VI Submediante este grado desempeña un papel de mediante entre la tónica y la


subdominante

VII Nota Sensible su función es la de conducir hasta la tónica, ya que esta situada a un
semitono de la misma, es de gran importancia en la música tonal.

VIII Repetición de la Tónica

ALTERACIONES

 Son signos que modifican la entonación de las notas, haciéndolas subir o bajar de su estado
natural. Estas son:

Sostenido:  Sube 1/2 tono a la nota:

Bemol: Baja medio tono a la nota:

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Becuadro: Se emplea para reajustar una nota anteriormente alterada con el signo de
sostenido o de bemol a su altura original. Destruye el efecto del sostenido o del bemol y
vuelve a la nota a su estado natural:

Doble Sostenido: Se emplea cuando es necesario subir un tono entero a la nota:

Doble Bemol: Se emplea cuando es necesario bajar un tono entero a la nota:

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La alteración colocada delante de una nota, afecta a todas las demás notas del mismo
nombre y altura que se encuentren dentro del mismo compás. La línea divisoria deja sin
efecto a la alteración del compás anterior:

LINEAS DIVISORIAS

Son líneas que atraviesan el pentagrama y cuya función es dividirlo en compases.

DOBLE BARRA FINAL

Son dos líneas divisorias que se colocan al final de una composición indicando que la
misma ha finalizado.

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SIGNOS DE REPETICION

Doble barra con dos puntos que encierran la tercera línea del pentagrama, indicando que
se debe repetir desde el principio de la composición:

Cuando dos de estos signos se encuentran encerrando un fragmento, significa que se debe
repetir una vez el fragmento:

Casillas: Se colocan encima del compás o compases que están antes del signo de
repetición, ejecutando en la primera vez la primera casilla y en la repetición (segunda Vez)
se suprime la primera casilla y solo se ejecuta la segunda:

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COMPAS

División de la música en tiempos de igual duración. Medida que se toma como unidad para
dividir una obra musical en fragmentos de igual duración. En la partitura, cada una de estas
partes se separa de la siguiente con una barra vertical denominada línea divisoria:

Los compases se representan por cifras en forma de quebrados, los cuales se colocan al
principio se una composición, a continuación de la clave:

El número de arriba (numerador) indica el número de tiempos en que se divide cada


compás:

El número de abajo (denominador)  indica la figura que será la unidad de tiempo,  en este
caso, el número 4 indica que la negra es la unidad de tiempo:

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Los compases se dividen en dos grupos: Compases Simples y Compases Compuestos.

COMPASES SIMPLES:

Binarios:  

Ternarios:

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Cuaternarios:

COMPASES COMPUESTOS:

 Los compases compuestos se derivan de los simples, dándose una correspondencia entre
ambos. Los compases compuestos se logran multiplicando el numerador del compás simple
por 3 y el denominador por 2, y para encontrar el compás simple de un compuesto se
realiza la operación inversa, es decir se divide para 3 y para 2.

Unidad de Unidad de Unidad de Unidad de


   
tiempo compás tiempo compás

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2/2 6/4

2/4 6/8

2/8 6/16

3/2 9/4

3/4 9/8

3/8 9/16

4/2 12/4

4/4 12/8

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4/8 12/16

HISTORIA DE LA MUSICA

La música medieval
Durante este periodo (IV-VI) se desarrollaron dos tipos de música la cristiana y la profana.
Veamos a continuación sus aportaciones a la evolución de este arte.

La música cristiana.- Los cambios producidos por el feudalismo en las sociedades también
afectaron a la música. En primer lugar existía una profunda preocupación por la religión, lo
que favoreció el desarrollo de la música litúrgica a partir del siglo XI y cuya máxima
expresión es el canto gregoriano, una melodía, cantada al unísono, que traducía el
sentimiento religioso por la propia fuerza de su elocuencia, sin apoyos armónicos ni
rítmicos.

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Durante este periodo también se crearon los primeros sistemas de notación musical, es
decir, los neumas.

Los neumas son una combinación de barras y puntos que aparece en ciertos
fragmentos de los manuscritos a mediados del siglo XI y que deriva de los acentos de la
escritura literaria. Las barras inclinadas corresponden a las notas agudas y los puntos a las
notas graves. Estos signos no dan ninguna indicación sobre los intervalos ni la altura
absoluta de los sonidos.

Con el tiempo estos sistemas se fueron perfeccionando y homogeneizando hasta derivar en


el pentagrama y en las siete notas clásicas. El pentagrama de cinco líneas apareció en
España en el siglo XIII.

La música profana.- Paralelamente a la música cristiana se estaba desarrollando la


música profana o trovadoresca. No se poseen muestras de muchas canciones profanas de
la Edad Media anteriores al siglo XI, sin embargo, el repertorio debió de ser muy
abundante, a juzgar por la cantidad de edictos eclesiásticos que lo condenaban.

Los trovadores fueron los primeros poetas-músicos que adoptaron el latín como lengua
común. Son hombres que han dejado de ser guerreros como sus antepasados y que han
recibido la educación en abadías. Algunos de los géneros que crearon fueron las trovas, las
tiradas estróficas, los rondós trovadorescos y los cantares de gesta que derivan de la letanía
eclesiástica. Sus largas sucesiones de versos se cantan sobre la misma frase melódica.

A partir del siglo XII y a medida que se afirmaban y definían los modos y la música
adquiría un carácter tonal, surge la polifonía, es decir, el arte de combinar sonidos
distintos. Sobre una voz que sostiene la melodía se van agregando otras voces, en
variaciones horizontales y verticales.

Este periodo se caracteriza porque surgen nuevas formas, se perfeccionan los sistemas
de notación y se impone, en el campo religioso, la misa como la forma más importante
de música litúrgica. También es una época en la que empiezan a surgir los grandes
compositores como Antonio Cabezón o Palestrina.

El Renacimiento
Se denomina Renacimiento al movimiento cultural que surge en Europa en el siglo XIV, y
que muestra como característica esencial su admiración por la antigüedad grecolatina.

En el plano de la música, este movimiento aportó algunos cambios. La música profana


adquirió más importancia y se desarrolló con gran fuerza la forma operística, se
crearon nuevos instrumentos como el clavicordio y el clavicémbalo.
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También se refuerzan los aspectos rítmicos de la música, así como se libera y se
perfecciona la armonía.

Características.-La música española del Renacimiento no es una simple rama de la


polifonía flamenca, sino que España practicó la polifonía al mismo tiempo que Francia. A
mediados del siglo XII se cantaba a dos o tres voces en Santiago de Compostela.

Toda esta polifonía española es reconocible por su simplicidad de escritura, pareciendo


incluso pobre y arcaica si se la compara con la sabia elegancia de la canción francesa que a
menudo le sirve de modelo.

En la música instrumental del Renacimiento español, el puesto de honor recae sobre las
abundantes composiciones para vihuela, un instrumento de cuerdas punteadas que se
halla a medio camino entre el laúd y la guitarra. El repertorio de los vihuelistas
comprende acompañamientos de melodías vocales, transcripciones de chansons, madrigales
y danzas. El precursor de la vihuela fue Luis Millán.

Obras.- Ya en el siglo XV, el documento fundamental es el Cancionero de Palacio, una


antología compilada entre 1480 y 1510 de cuatrocientas sesenta piezas profanas que van de
la elegía amorosa a la canción báquica, para tres o cuatro voces. Entre los innumerables
compositores del Cancionero el más conocido es Juan de la Encina (1468-1510).

Compositores.- La gran figura de la época fue Tomás Luis de Victoria quien, gracias a
una beca, se trasladó a Italia donde viviría durante veinticinco años. Recibió clases de
Palestrina y fue ordenado sacerdote en 1569. En 1583 dedicó a Felipe II una colección de
misas, y regresó a España hacia 1589. Victoria se convirtió en el maestro de música del
convento de las Descalzas Reales y tras la muerte de la emperatriz acabó sus días
ejerciendo la modesta función de organista.

El Barroco
El Barroco es un período artístico que se sucede en los siglos XVII y XVIII. En esta época
la música será utilizada por las monarquías absolutistas para engrandecerse frente al
pueblo.
Por otra parte, la música religiosa responde a los planteamientos de la Contrarreforma que
había promovido el Concilio de Trento y de la Reforma Luterana, cuyo máximo exponente
será la música de Juan Sebastián Bach.
Características.- La música barroca es música de contrastes tímbricos, melódicos,
rítmicos, etc. En España florecen la Zarzuela y la Tonadilla. Los instrumentos se
perfeccionan y los compositores ensayan nuevas combinaciones y posibilidades sonoras. La

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armonía se hace más amplia y más rica, y poco a poco se va renunciando a la idea de que la
armonía era una relación matemática.
En este periodo se definieron nuevas formas musicales que serían básicas en la evolución
posterior de la música como la sonata, la sinfonía o el concierto con solista.
En Francia la ópera triunfa de la mano de Lully y se va definiendo una escuela nacional.
Este género musical también tenía sus estrellas, sus monstruos sagrados que arrastraban a
las masas, pero de una especie muy particular: eran los castrados, o castrati, que
conservaban el timbre agudo y la tesitura elevada de un muchacho con la potencia
respiratoria de los adultos. En el siglo XVII, la fabricación de castrados se había
convertido en un arte completamente instaurado en las costumbres italianas. Se castraban
entre los nueve y los trece años a los niños cuyas voces infundían esperanza.
Los instrumentos más característicos del Barroco son la familia de cuerda de los
violines, que sufren una gran transformación. Varios de los instrumentos del
Renacimiento dejaron de usarse. No obstante, permanecieron: la trompeta, el trombón, la
flauta, el órgano, el arpa, el clavicémbalo; y todos se perfeccionaron. Los nuevos son: la
familia del violín, el oboe, el fagot, el timbal y la guitarra.

Compositores.- Dos grandes escuelas predominan en Europa durante el Barroco, la italiana


con Vivaldi, Corelli, Torelli o Monteverdi; y la alemana, dominada por la figura de
Johann Sebastián Bach, pilar sobre el que se cimienta todo el arte musical posterior.

Johann Sebastian Bach

Nació en Eisenach, Alemania, el 21 de marzo de 1685, formando parte de una familia


turingia en la que muchos de sus miembros fueron músicos. El patriarca de esta familia fue
Veit Bach, muerto en 1615 y el último de los nietos de Juan Sebastián, Wilhelm Friederich,

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maestro de capilla en la corte de Berlín, murió en 1846. Fueron padres de Juan Sebastián,
Juan Ambrosio Bach y Elizabeth Lämberhirt; se educó en un medio familiar musical
extraordinario, donde todo concurría a estimular sus poderosas facultades; célebres eran las
reuniones de toda la familia Bach, en las que todos los componentes, eran relevantes
músicos ya sea tocando o componiendo. Quedó huérfano de madre a los nueve años, y un
año más tarde moría su padre, por lo que hubo de ir a vivir con su hermano mayor, Juan
Cristóbal, que desempeñaba el cargo de organista en Ohrdruf, y con quien continuó sus
estudios. Su pasión por la música era manifiesta; se cuenta que, en esta época, habiéndose
rehusado su hermano a prestarle un libro que contenía piezas de Fröberger, Kerl y
Pachelbel, se apoderó de él a escondidas y lo copió a la luz de la luna durante seis meses; se
agrega que cuando ya había avanzado bastante en esta labor, fue descubierto por su propio
hermano, quien, en un momento de ira, por la desobediencia del niño, destruyó el
manuscrito llenando de desolación el corazón del pequeño Juan.

A los quince años entró en la escuela de S. Miguel, en Lüneburgo, quizás recomendado por
su maestro Elías Herder, y en atención a su dedicación a la música y a su excepcional voz
de soprano en este lugar permaneció tres años, llegando a desempeñar el cargo de "Prefecto
de los niños del Coro", y teniendo en ocasiones, oportunidad de actuar no solamente como
organista, sino como director del propio coro. A los dieciocho años ocupó un puesto como
violinista en la orquesta del conde Juan Ernesto de Weimar, donde permaneció algunos
meses.

En 1703 pasó como maestro de capilla a Arnstadt, donde tuvo tiempo suficiente para
dedicarse al órgano y a la composición. Estando en este lugar hizo el viaje a Lübeck para
oír al gran organista Buxtehude, pidiendo, para tal fin, cuatro semanas de permiso, que se
convirtieron en tres meses: por este comportamiento recibió una reprimenda del Consistorio
Condal, (de la que se conserva el acta correspondiente), a la cual contestó que "estuvo en
Lübeck para imponerse allí de diversas cuestiones relacionadas con su arte... ". En el
mismo documento se le llama la atención por no querer atender el "Coro de Niños",
ocupación a la cual se revelaría toda su vida.

En 1707, se trasladó a Mulhausen, como organista de la iglesia de S. Blas, tomando


posesión el 15 de junio. El 17 de octubre del mismo año contrajo matrimonio con su prima
María Bárbara Bach. En 1708 vuelve a Weimar como organista y músico de cámara del
dque reinante. Su estancia se prolonga hasta 1717. En esta etapa de su vida el repertorio del
órgano y de diversos instrumentos reciben la magistral aportación de J.S. Bach: entre las
composiciones de este período figuran la "Tocata y fuga en re menor" y la monumental
"Pasacalle en do menor".

Uno de los más importantes acontecimientos ocurridos en esta época fue su "tournée"
artística a Dresde en 171: se hallaba allí el notable organista Jean Luis Marchand, (1669-

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1732) quien no solamente exaltaba la superioridad del arte francés, sino que, además, se
proclamaba a sí mismo como el mejor organista, añadiendo que no había en toda Alemania
quien pudiese comparársele.

Entre los músicos de Dresde había varios que conocían a Bach, (uno de ellos Jean Baptiste
Volumier), quienes le invitaron para competir con Marchand. Aceptó, y después de oír,
secretamente, al organista francés, lo desafió por escrito para efectuar un concurso, que
consistiría en desarrollar un tema, dado por el oponente en el mismo momento en que se
efectuase el acto. Señalado el jurado, el lugar, (la casa del primer ministro Flemming) y la
fecha (desafortunadamente perdida), Bach se presentó puntualmente a la hora convenida,
pero esperó puntualmente a su rival: Marchand se ausentó de la ciudad en la mañana de ese
mismo día, por la posta ligera, dando así, implícitamente, la victoria al maestro alemán,
quien recibió de los asistentes no solamente felicitaciones, sino innumerables
consideraciones que llevaron su fama por distintos países. Pero el príncipe de Weimar,
Wilhelm Ernest, permaneció indiferente al triunfo de su músico: veamos como lo
recompensó.

En 1714 había sido designado Bach violín concertista de la orquesta, y con este carácter
substituía al director titular, Samuel Drese: esta circunstancia le hizo concebir esperanzas,
cuando murió este maestro, de que sería nombrado para sucederle en el puesto; y al no
haber sucedido así manifestó su disgusto en forma tan ostensible y destemplada, que fue a
dar a la cárcel, arrestado por cuatro semanas. Al ser puesto en libertad presentó su dimisión.
En 1717 fue a Cöthen, donde entró al servicio del príncipe Anhalt, quien le confió la
dirección de su orquesta. Se inauguró para Juan Sebastián una de las etapas más felices de
su vida, gozando de grandes consideraciones y estimación: aquí escribió la primera parte
del "Clavecín bien temperado", los "Conciertos de Brandeburgo", música de cámara y
obras que tituló "Sonatas", para violín, flauta, viola de gamba, etc., que llegan al límite de
las posibilidades técnicas de los instrumentos.

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En 1720, mientras acompañaba al príncipe en Carlsbad, murió su esposa, que fue enterrada
el 7 de julio. Bach recibió con dolorosa entereza la noticia de la muerte de su mujer, que era
"apacible, tranquila y dulce, adornada por dotes musicales suficientes para comprender la
obra de su esposo, y ofrecerle, de puertas adentro, un hogar honrado y virtuoso". Sin
embargo, al año siguiente contrajo nuevas nupcias con Ana Magdalena Wülken,
efectuándose la ceremonia en el hogar del maestro el 3 de diciembre de 1721. La forma en
que se conocieron se encerró dentro de las siguientes circunstancias: Bach había ido a
Hamburgo a escuchar, una vez más, al organista Reinken, quien después de oírlo
improvisar le dijo: "Creía que este arte había muerto ya, pero veo que sigue viviendo en
vos".

Durante su estancia en esta ciudad conoció a Ana Magdalena: ella misma lo relata en su
"Pequeña Crónica", que ha sido calificada como "un canto de amor al hogar". Dice así:

"En el invierno de 1720 acompañe a mi padre a Hamburgo... Al día siguiente de mi llegada,


mi tía me llevó de compras por la ciudad y, a la vuelta, al pasar frente al templo, se me
ocurrió la idea de conocerlo. Empujé la puerta y tales sonidos maravillosos escuché
difundirse por el aire, que me parecieron arrancados por algún arcángel. Deslíceme en
silencio hasta el interior y me quedé inmóvil. Miraba hacia el órgano situado sobre la
galería del oeste; subían hacia la bóveda los enormes tubos, pero no podía ver al organista.
No sé cuánto tiempo permanecí de ese modo en la iglesia vacía, toda oídos, cual si hubiera
echado raíces en las baldosas. En la embriaguez de aquella música perdí por completo la
sensación de las horas. Cuando, tras haber estremecido el espacio con una serie de radiantes
acordes, la melodía cesó, súbitamente, yo permanecía aún de pie, estupefacta, como si los
truenos que brotaban de las galerías mágicas debieran seguir vibrando todavía. Entonces el
organista, Sebastián en persona, apareció en la tribuna y se acercó a la baranda; yo tenía
aún los ojos alzados cuando él me vio. Le miré un instante, demasiado asustada por su
repentina aparición, para hacer un movimiento. Tras un concierto semejante, más que a un
hombre, esperaba contemplar a S. Jorge mismo. Me eché a templar, cogí mi capa, caída al
suelo y presa del incontenible pánico, me precipité fuera de la iglesia..." "La figura de Juan
Sebastián Bach era extraordinaria: aún cuando no era demasiado alto, sigue diciendo Ana
Magdalena, daba la impresión de ser muy grande, grueso, ancho y fuerte como una roca.
Rodeado de otros hombres, parecía, físicamente, más considerable, aún cuando solamente
su corazón y su espíritu fueran más grandes y poderosos que los demás. Era grave y
calmado, pero estando cerca de él, se sentía que sobrepasaba a todos en calidad espiritual y
humana"

En 1723, Bach parte para Leipzig a tomar posesión del puesto que ocuparía hasta su
muerte: "Cantor de la iglesia de Santo Tomás y director de la música de la Universidad".
Cumpliendo rigurosamente con los deberes que tenía encomendados, encontró la manera de
hacer algunos viajes, entre ellos el que emprendió a la corte de Federico el Grande,

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llegando a Potsdam el 7 de mayo de 1747, acompañado de su hijo Emmanuel. Se cuenta
que cuando el monarca fue enterrado de que había llegado, volviéndose a los músicos de su
orquesta, dijo con cierto tono de impaciencia: "Señores: el viejo Bach acaba de llegar". Y
dio las órdenes para que el gran maestro se presentara inmediatamente en palacio. Al llegar
dijo: "señores: poneos de pie, que el gran Bach está entre nosotros". En los últimos años
de su vida, Bach padeció una enfermedad de los ojos que empeoró hasta dejarlo
completamente ciego. Su muerte ocurrió el martes 29 de julio de 1750, alas ocho y cuarto
de la noche.

Los detalles nos son revelados por la propia Ana


Magdalena. Dice: "Había puesto música, en su lecho
de muerte, al coral "Estoy ante tu trono", (dictado a
su hijo político Cristián), y cuando terminó dijo:
-"Será la última música que componga en este
mundo... ...Miré el rostro de Sebastián, apoyado en
la almohada, luego el manuscrito de su último
canto... Por fin me llamó: -"¡Magdalena querida,
ven, acércate...!" Sobrecogida por el extraño temblor
de su voz me volví... Había abierto los ojos. Me
miraba, me veía. Sus ojos apretados por los
sufrimientos se abrían con un brillo doloroso. La
recuperación de la vista, pocos instantes antes de la
muerte, fue el último don de dios a mi marido. Vio
una vez más el sol, a sus hijos, a mi misma, vio a su
nieto que Isabel le presentaba y que llevaría su
nombre.

Le mostré una bella rosa roja y su mirada se clavó en


ella.

- "Hay cosas mejores allá, Magdalena, colores más hermosos, músicas que ni tú ni yo
hemos oído jamás..." Pronto vimos que el fin se aproximaba. -"Quiero oír un poco de
música", -dijo... Dios me inspiró y escogí un coral "Todos los hombres deben morir"... Los
demás se unieron hasta completar las cuatro partes. Mientras cantábamos, una gran paz
descendía sobre el rostro de Sebastián, libre ya de las miserias del mundo!.

Juan Sebastián Bach confirma la frase que dice: "El verdadero hombre jamás deja de
aspirar a metas superiores y de desarrollarse mientras viva". Fue un ejemplo de aspiración
sublime, cumpliendo estrictamente con las obligaciones que contraía; cuando faltaba a sus
compromisos era para elevarse sobre la opinión corriente y dar oídos a su impulso de genio.
Dotado de un sano juicio amó a sus esposas con verdadera fidelidad, enraizó en su hogar

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como un gran patriarca: de sus dos mujeres tuvo veinte hijos, de los cuales solamente diez,
seis hombres y cuatro mujeres, le sobrevivieron. Amó la libertad y la integridad personal.
Kitell dijo de él: "Era un hombre de gran bondad". Como maestro fue ejemplar:
observando a sus alumnos componía para ellos lo que les hacía falta.

Detestaba, en cambio, a los


flojos, incumplidos, léperos y
tramposos; más de una vez, al
perder el juicio con ellos, se
quitó la peluca que su cargo le
obligaba a usar, para "Batir con
ella a esos pillos". Como
músico no tiene compañero:
"Es el más grande que ha
producido la humanidad". En
todos los géneros que cultivó
dejó modelos que permanecen
insuperados hasta ahora. En
todos los cargos y puestos que
desempeño encontró un motivo
para componer obras geniales;
podía aplicársele el atributo de
Midas: "Convertía en oro
cuanto tocaba".

Doscientos doce años después de su muerte todos reconocen que no hay arte superior al
suyo, proclamado por su elevación, por su fecundidad, por su perfección absoluta, por su
inmensidad aérea; se le proclama como el mayor de los artistas de todos los tiempos. Su
obra comprende más de cincuenta volúmenes. La palabra Bach, en alemán, significa
arroyo.

Pero se ha dicho de Juan Sebastián: "No era un arroyo, es el océano completo de la


música". Por eso todos los músicos le han rendido tributo de admiración y van a su música
como se acude al manantial más inagotable de la más prístina pureza y de la más saludable
aspiración. Phillip Spitta dijo de él: "Ya jamás podrán caer de nuevo en el olvido ni el
nombre ni la obra de Juan Sebastián Bach, dondequiera que viva el espíritu de la música".

Tomado de Guillermo Orta Velásquez,


"100 Biografías en la Historia de la Música",
Ed. Joaquín Porrúa, 1962.

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Vivaldi

 Antonio Lucio Vivaldi nació un 4 de marzo de 1678 en Venecia y murió el 28 de julio de


1741 en Viena. Hijo de un violinista profesional que tocaba en San Marco y que pudo estar
involucrado en producciones operísticas, Antonio Vivaldi fue educado para el sacerdocio y
ordenado en 1703. Sin embargo, al poco tiempo después de ser ordenado, Vivaldi dejó de
oficiar Misa argumentando que su mala salud no se lo permitía.

En 1703 fue nombrado Maestro di Violino en el Ospedale della Pietà, uno de los orfanatos
femeninos venecianos. Permaneció allí hasta 1709 y trabajó como Maestro de Concerti
entre 1711 y 1716. Mientras se alejó de Venecia mantuvo su contacto con la Pietà enviando
los conciertos por correo cada mes. Desde 1735 a 1738 fue Maestro di Capella y después
siguió dirigiendo o escribiendo conciertos para ocasiones especiales.

Características.- Fue el primer compositor en utilizar la forma ritornello regularmente


en los movimientos rápidos, un uso que se transformó en un modelo. Lo mismo se aplica
a su estructura de tres movimientos (rápido-lento-rápido). Sus métodos de asegurar una
mayor unidad temática fueron ampliamente imitados, especialmente la integración de
material solista y ritornello, sus vigorosos patrones rítmicos; su figuración instrumental y el
empleo de secuencias.

Sus obras.- La reputación de Vivaldi se acrecentó con sus primeras publicaciones: Trío
sonatas (probablemente 1703-5), Sonatas para violín (1709) y especialmente sus 12
conciertos de la serie L'Estro Armonico Op.3 (1711). Este grupo, que contiene algunos
de sus mejores conciertos, fue publicado en Ámsterdam, circuló ampliamente en el norte
europeo, motivó la visita de diversos músicos a Venecia y en algunos casos el encargo de
nuevas obras. Más tarde aparecieron editadas dos series de sonatas y siete más de
conciertos, incluyendo La Stravaganza Op.4 (circa 1712), Il Cimento dell'Armonia e
dell'Invenzione (circa 1725, que contiene Las Cuatro Estaciones) y La Cetra (1727).

El Clasicismo y Mozar

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Este breve periodo, que abarca la segunda mitad del s.XVIII , tiene en Alemania su
principal expresión, y está dominado por las figuras de Gluck , Joseph Haydn y Wolfgang
A. Mozart.

El periodo clásico aportó mejoras técnicas en todos sus aspectos y la adopción de un ideal
de perfección basado en el equilibrio entre el sentimiento y la razón.

Gluck realizó una importante reforma en la ópera procurando una mayor identificación
entre música y texto.

Wolfgang A. Mozart.- Compositor austriaco. Hijo del violinista y compositor Leopold


Mozart, Wolfgang Amadeus fue un niño prodigio que a los cuatro años ya era capaz de
interpretar melodías sencillas y de componer pequeñas piezas. Junto a su hermana Nannerl,
cinco años mayor que él y también intérprete de talento, su padre lo llevó de corte en corte
y de ciudad en ciudad para que sorprendiera a los auditorios con sus extraordinarias dotes.

Mozart decidió abandonar en 1781 esa situación de servidumbre para intentar subsistir por
sus propios medios, como compositor independiente, sin más armas que su inmenso talento
y su música. Mozart fracasó en el empeño, pero su ejemplo señaló el camino a seguir a
músicos posteriores como Beethoven o Schubert.

Tras afincarse en Viena, su carrera entró en su período de madurez. Las distintas corrientes
de su tiempo quedan sintetizadas en un todo homogéneo, que si por algo se caracteriza es
por su aparente tono ligero y simple, apariencia que oculta un profundo conocimiento del
alma humana.

Las Obras Maestras se sucedieron: en el terreno escénico surgieron los singspieler El rapto
del serrallo y La flauta mágica, partitura con la que Mozart sentó los cimientos de la
futura ópera alemana, y las tres óperas bufas con libreto de Lorenzo Da Ponte, Las bodas
de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte, en las que superó las convenciones del género.

No hay que olvidar su producción sinfónica, en especial sus tres últimas sinfonías, en
las que anticipó algunas de las características del estilo de Beethoven, ni sus siete
últimos conciertos para piano y orquesta. O sus cuartetos de cuerda, sus sonatas para piano
o el inconcluso Réquiem. Todas sus obras de madurez son expresión de un mismo milagro.
Su temprana muerte constituyó, sin duda, una de las pérdidas más dolorosas de la historia
de la música.

Obras de Mozart:-

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1. Óperas: Bastián y Bastiana (1768), Idomeneo (1781), El rapto del serrallo (1782), Las
bodas de Fígaro (1786), Don Giovanni (1787), Così fan tutte (1790), La flauta mágica
(1791), La clemenza di Tito (1791).

2. Música orquestal: Sinfonía núm. 1 (1765), Sinfonía núm. 25 (1773), Concierto para
flauta y arpa (1778), Concierto para piano núm. 20 (1785), Concierto para piano núm. 21
(1785), Concierto para piano núm. 23 (1786), Sinfonía núm. 38 "Praga" (1786), Pequeña
serenata nocturna (1787), Sinfonía núm. 40 (1788), Sinfonía núm. 41 "Júpiter" (1788),
Concierto para piano núm. 27 (1791), Concierto para clarinete (1791).

El Romanticismo

Este movimiento ocupó prácticamente todo el s. XIX; aunque se considere que, sólo se
extendió, de 1820 a 1850. Se caracterizó por la primacía de los elementos subjetivos sobre
la razón, el ideal del artista romántico es expresar su mundo interior directa y sinceramente.

Características.- Los románticos rompieron con las rígidas formas del pasado y
trataron de democratizar la música. Además, se basaron con frecuencia en melodías y
formas musicales de raíz popular. Es por ello, que uno de los géneros más importantes
del periodo es el lied, refinamiento artístico de la canción popular.

Además, la música romántica tiende a ser programática, o sea, pretende narrar directa o
indirectamente una historia. A ello se debe el auge de la ópera y la creación de los
poemas sinfónicos.

Un hecho importante durante el periodo romántico será la extinción de la figura del


compositor adscrito al servicio de una iglesia o de un príncipe, algo que se mantuvo
inmutable hasta Haydn y que incluso el mismo Mozart no logró romper sin graves
consecuencias. Desde Beethoven, el compositor será un artista libre que compone por
propia decisión y que asume una responsabilidad como creador independiente ante su
sociedad. Aceptará el mecenazgo pero no la servidumbre y, en general, a lo largo de todo el
siglo intentará ganar su vida como una profesión liberal por los ingresos que sus obras
puedan proporcionarle.

También es de destacar la primacía del piano como instrumento por excelencia y la


ampliación de la orquesta en busca de nuevas riquezas sonoras.

Compositores.- El romanticismo comienza con tres artistas de transición que vivieron entre
los dos siglos: Rossini, Schubert, el músico que llevo el lied a su máximo nivel artístico,
y Beethoven, una de las figuras más importantes de todo el arte universal.

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Por otro lado, se encontraba Verdi, quien llevó la ópera italiana a su máximo esplendor,
con su música poderosa, sincera y de gran inspiración melódica. La ópera alemana tuvo su
gran figura en Richard Wagner, autor de sus propios libretos y creador de un mundo
heroico, basado en la mitología germana. Además, transformó la ópera en drama musical.

El nacionalismo musical tuvo sus primeros exponentes en Franz Liszt, músico que
revolucionó la técnica pianística y Fréderic Chopín, el compositor polaco más romántico de
Europa.

Frederick Chopín

   

Ocupa un lugar especial en la Historia de la Música: tiene rasgos que lo señalan como una
personalidad singular; revela una sensibilidad delicada, refinada, suave, que se explaya en
ocasiones en arrebatados arranques de exaltación que impresionan por su manifiesta
sinceridad, por su patetismo conmovedor que quiere llegar al alma ajena como un grito
angustioso. En toda la música de Chopín se desliza una melancolía inocultable que es como
el clima adecuado para su desarrollo: afín en los momentos más vigorosos, en las páginas
más veloces hay ese tinte gris que se filtra como el humo, que deja traslucir ensueños que
se adivinan pero que no se precisan. Fue la existencia de su autor una vida atormentada por
aspiraciones elevadas que no pudieron realizarse; por sufrimientos físicos que no tuvieron
curación; por sentimientos patrióticos que fueron atropellados con crueldad; y en todo esto
hay un recóndito deseo de paz que se espera hallar en el descanso de la muerte. ¡Chopín
tuvo un alma noble, fue un sincero patriota, un soñador romántico en un cuerpo de salud
minada! Para él era más atractiva la ilusión que se viste con las galas del idealismo, que la
realidad que transcurre con la indiferencia y !a frialdad de la lógica. Así se muestra en su
música; música que debe ser ejecutada en su punto justo: cuando se exageran los matices se

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ensombrece; cuando la dicción se altera se deforma su intención; para gozarla conviene el
término exacto, el momento oportuno y afín el estado de ánimo propicio.

Histórica y técnicamente la música de Chopín marca el punto de partida de un camino


nuevo: es la obra de un pianista-compositor que da a su instrumento el fruto de su
inspiración. De esto se deduce que esta música se adaptará a la técnica y a las modalidades
del piano: tendrá la libertad del solista, hará surgir, como al correr de los dedos, armonías
que pasan como percusiones que se pueden apagar prontamente, o prolongarse dentro de
una resonancia más o menos velada; tendrá notas o melodías sobresalientes basadas en el
acento de los dedos y en la subordinación de las partes; se matizará con la combinación de
los pedales y la finura del "touchée". Eminentemente pianística abordará dificultades que
nunca serán ilógicas porque han sido el resultado de la comprobación práctica. Al mismo
tiempo será absolutamente personal: la imitación siempre será inferior al fruto madurado
espontáneamente.

Zelazowa Wola tiene "un grupo de árboles que rodean al "dwor" o habitación señorial; las
granjas, establos y caballerizas forman un amplio patio cuadrado en cuyo centro se halla el
pozo donde las jóvenes con turbantes rojos van a llenar sus baldes.., a algunos pasos del
castillo hay una casita con techo de tejas, Cercada por una pequeña gradería de madera. Un
obscuro vestíbulo la cruza. A la izquierda, una habitación; a la derecha se hallan tres piezas
tan bajas que con los dedos se puede tocar el techo. Ahí nació Frederick Chopín el 22 de
febrero de 1810 (Conde Wodzinski: "Los tres romances de F. Chopín").

Pronto mostró sensibilidad para la música: se emocionaba hasta derramar lágrimas al


escucharla. A los cinco años su madre y su hermana Luisa le dan las primeras lecciones;
pero cuando sin guía ninguno se aventura por el mundo de los sonidos y comienza a
componer, sus padres deciden proporcionarle un profesor de música: éste fue Adalberto

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Zwyny. A los ocho años se presenta en un concierto de beneficencia (24 de febrero de
1818). Compone algunas piezas: tres polonesas y una marcha militar que el gran duque
Constantino hizo instrumentar para banda. A los trece años toma clases con Elsner, director
del Conservatorio de Varsovia, y después entra al Liceo.

En 1829, un informe de Elsner decía: "lecciones de composición musical: Chopín Frederick


(alumno de tercer año) extrañas capacidades, genio musical".

Tenía Chopín, de joven, un carácter amable, alegre y aristocrático, envuelto en una


manifiesta timidez que le impedía conducirse como era; gustaba de la música popular, al
grado que él mismo relata, en una de sus cartas, cómo fue capaz de pagar a una cantante del
pueblo para que le hiciera oír una pieza que le agradó: ésta afición suya quedaría muy
marcada en su producción musical, en la cual trasciende con rasgos no precisos, sino
sentimentales, como en sus mazurcas, polonesas, baladas, etc.

En 1825, con motivo de la visita a Varsovia del Czar Alejandro I, tocó ante éste, recibiendo
en cambio una sortija de diamantes a la cual tuvo mucho aprecio. En este mismo año fue
designado organista del Liceo y de la Iglesia de la Visitación.

En 1826, después de haber recibido su diploma de bachiller, va a pasar junto con su madre
y su hermana Emilia, (Murió de tuberculosis el 10 de abril de 1827) que como él estaba
delicada de salud, una temporada a. los barios de Reinertz (Durnzniki) y da dos conciertos
de caridad. A su regreso se inscribió en el Conservatorio y, al año siguiente, (1827), se
presentó ya como pianista en Varsovia: así inició su carrera de virtuoso que le dio tanto
renombre, aunque él no gustase, por temperamento, de los públicos numerosos. En 1828
visitó Berlín: una carta dirigida a sus padres nos pone al tanto de algunas de sus actividades
en aquella ciudad, dice: "He escuchado primero, en la Academia de Canto, un oratorio; en
la Opera, 'Hernán Cortés" ( de Spontini), "II matrimonio secreto" (de Cimarosa) y "el
Buhonero" (de Onslow). He oído esas óperas con gran placer. Pero debo confesar que he
sido cautivado por "La fiesta de Santa Cecilia" de Händel: es lo que más se acerca al ideal
de la música elevada, tal como yo lo llevo en el fondo de mi alma". Al día siguiente deben
representar "Freischütz", "es la realización de uno de mis más caros deseos".

En mayo de 1829, con motivo de la visita del Czar Nicolás I, que iba para ser coronado rey
de Polonia, se hicieron grandes festejos. Paganini dio diez conciertos y Chopín quedó
maravillado ante su imponderable ejecución: le pagó su tributo componiendo el "Souvenir
de Paganini" y el estudio número 1, para piano. El mismo año va a Viena y da dos
conciertos que fueron memorables: durante su estancia en esta ciudad fue altamente
apreciado y gozó de especial estimación. Regresó a Varsovia, visitando antes Praga, Dresde
y Breslau. Sintió una amorosa pasión por la cantante Constanza Gladkowska, que había
sido su compañera en el Conservatorio. Tarda en declararle sus sentimientos, y él se juzga

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enamorado de ella; pero cuando menos en su pensamiento la tiene presente cuando escribe
el "Adagio" de su concierto en fa: le escribió a Tito Woyciechowski: (el 3 de octubre):
"para mi desgracia quizás, he encontrado mi ideal, que venero fiel y lealmente. Hace ya seis
meses de esto, y a aquella con quien sueño cada noche, no le he dicho una palabra.
Pensando en esa bella criatura he compuesto el "Adagio" de mi nuevo "Concerto", así como
el vals (op. 71, Número 2 en re mayor) que he escrito esta mañana". Aunque esto no le
impide sentir, en cuanto está lejos, el influjo y la atracción de otras mujeres y de sus
discípulas, al grado de emocionarse cuando tiene que tocarles las manos para corregirles
defectos, en razón de su magisterio, como lo relata en otra carta: cosas que se pueden
atribuir o bien a su extremada sensibilidad o a su exagerada timidez.

El concierto en fa es tocado por primera vez, por Chopín, el 17 de marzo de 1830, aunque
él declara "que no produjo la impresión que esperaba". Después de esto se dedica a
terminar su "Concierto en mi menor F' que, sin embargo, figura como número I (uno). Aun
cuando sigue a. mando a Constanza, todavía el 18 de septiembre no se anima a
declarárselo; dice en una de sus cartas: "De estar enamorado, llegaré a disimular durante
algunos años más un ardor imposible de declarar hoy, desgraciadamente".

El Concierto en mi menor fue estrenado el 11 de octubre . Su impresión es ésta: "Mi


concierto de ayer salió bien. Me apresuro a darte la noticia y le comunico, señor, que no me
sentí intimidado, toqué como si hubiera estado completamente solo".

Los sucesos políticos lo obligaron a salir de su patria, (a la que ya nunca regresaría), el 2 de


noviembre: aquí tiene lugar el hecho, no suficientemente comprobado, de que, a su partida,
le dieron sus amigos una copa con tierra de su país. En cuanto a su amor con Constanza es
una interrogación si al fin se le declaró, aun cuando hubo un cambio de anillos entre ellos.

Comenzaba para Chopín una nueva etapa de su vida. En Breslau toma parte,
ocasionalmente, en un concierto efectuado el 8 de noviembre. Llega a Viena el día 24, pero
aun cuando se le recibe con amabilidad, no causa la sensación que en su primera visita. Se
pueden seguir en sus cartas los incidentes de su estancia: "Strauss y Laner ejecutan los
valses durante la cena.., para que baile la gente". "Haslinger cree que si aparenta tratar mis
obras a la ligera yo lo tomaré en serio y se las daré gratis. Pero eso del trabajo gratuito se
acabó: ahora, ¡paga animal! .... Vivo en un cuarto piso de la calle más hermosa; pero
tendría que colgarme mucho de la ventana para ver lo que sucede abajo". "Vuelvo a casa
hacia las diez o las once, a veces a medianoche..." "En realidad me siento mal, pero no se lo
escribo a mis padres; todo el mundo me pregunta qué tengo. No estoy de humor para nada".
"Cicinara dijo que no hay en Viena quien acompañe como yo. Yo pensé: lo sé
perfectamente". Da dos conciertos en esta ciudad: cuatro de abril y once de junio de 1831.
Después obtiene su pasaporte con "destino a Londres, pasando por París" y deja Viena. En
Stuttgart recibe la noticia de que la insurrección polaca ha sido derrotada, ahogando sus

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ansias de libertad en una ola de sangre y de crueldades: se siente hondamente conmovido y
se asegura que ahí nació su estudio número 12 para piano, (llamado "Revolucionario"), en
do menor, que traduce su inquietud, y parece pintar en su melodía un impulso heroico y
doliente al mismo tiempo.

Llega a París en 1831, obteniendo permiso para radicar allí. El príncipe Radzwill lo toma
bajo su protección, lo presenta en los salones aristocráticos, y en esta forma Chopín se
convierte en el maestro de las damas de la alta sociedad. Cultiva amistad con músicos
famosos: Lizst, Rossini, Päer, Cherubini, Berlioz, etc., y tiene un especial afecto por
Bellini. También conoce a los literatos más renombrados. Se admira del movimiento
musical de París y también de su forma de vida: "En ese paraíso uno desaparece y eso es
muy cómodo: nadie se entera de la vida que uno lleva". Quizás este ambiente le ayudó a
recibir la noticia del casamiento de Constanza, que en una carta comenta, ocupándose a
continuación de relatar dos de sus aventuras femeninas. En tanto, su importancia como
compositor sigue acrecentándose: se venden sus obras produciéndole buenas ganancias;
recibe elogios de músicos como Schumann, que alaba la originalidad de su estilo. En
cuanto a fechas de sus conciertos anotaremos: se presentó ante el público parisiense
tocando en la sala Pleyel el 22 de febrero de 1832 y el 20 de mayo del mismo año en el
Conservatorio; el 3 de abril y el 15 de diciembre de 1833; el 4 de abril de 1835 tocó en un
concierto a beneficio de los emigrados polacos. En medio de diferentes opiniones se le
reconoce como uno de los más grandes pianistas, con una personalidad propia y
sobresaliente.

En este año de 1835 volvió a ver a sus padres en Karlsbad y esto le produjo una gran
alegría. Dice así en una carta: "Nuestra alegría es indescriptible. Nos abrazamos y nos
volvemos a abrazar: ¡Qué bueno es Dios con nosotros!... Nos paseamos dando el brazo a la
señora madrecita. Bebemos, comemos juntos, nos mimamos, nos regañamos. Estoy en el
colmo de la felicidad". De regreso a París pasa por Dresde, donde se encuentra con la
familia Wodzinski, enamorándose de María, que había sido su amiga y discípula en su

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infancia: ella es descrita como muy atractiva y culta, y sus encantos llamaron la atención,
en una época, al que después fue conocido como Napoleón III, emperador de Francia. Al
año siguiente (1836) sus relaciones se formalizan, pide su mano y obtiene el consentimiento
de la madre de ella, pero en cambio su padre se opone.

En París, a causa del estado de ánimo que su pasión le produjo, Chopín llevaba una vida
retraída, presentándose poco en sociedad y aún con sus amigos: una enfermedad
(posiblemente resfriado agudo) que sufrió y que coincidió con esa forma de conducta, hizo
correr la versión de que había muerto. El padre de María vio en esto un motivo más de
temor para el casamiento de su hija, por lo cual continuó oponiéndose a sus relaciones. Fue
en esta época que Lizst presentó a Chopín con la escritora Lucila Aurora Dupin, (Madame
Dudevant), conocida bajo el pseudónimo de "George Sand"; la impresión que ésta le
produjo es descrita así por Chopín: "He conocido a una gran celebridad, pero su cara no me
es simpática, no me ha gustado nada. Incluso hay en ella algo que me repele". Por su parte,
la condesa de Agoult se encargará de hablar con "George Sand" acerca de él, recalcando la
gracia infinita con la que Chopín tose: "Chopín es el hombre más irresistible: lo único
permanente que hay en él es la tos".

Cuando la ruptura con María Wodzinski era evidente, Chopín resolvió irse a Londres: allí
lleva una vida de aislamiento. Su compatriota Kozman dice: "No conoce a nadie y no
quiere conocer a nadie, excepto a mi". Hiller escribe: "... Una noche tocó soberbiamente en
casa de Brodwood y luego desapareció otra vez, a lo que parece está muy enfermo".

Pero su producción musical ha aumentado considerablemente: estudios, mazurcas, valses,


el Impromtu en la bemol, el Scherzo en si bemol menor, la Marcha fúnebre, etc., están ya
creadas.

Cuando Chopín regresa a París sufre el asedio de George Sand y al fin se enamoran: una
nueva vida se inicia.

Para evitar un escándalo emprenden, con los hijos de George (Solange y Mauricio), un
viaje a Palma de Mallorea: se sienten subyugados por el encanto de este lugar y alquilan
una casa: "Son Vent" (la casa del viento), así como una celda en la famosa Cartuja de
Valldemosa; pero con la llegada del invierno la enfermedad de Chopín se agrava y llega
hasta temerse por su vida. Emprenden un penoso regreso a Francia, pasando por Barcelona:
al fin se instalan en Marsella, donde Chopín se mejora notablemente. Luego van a Génova
y a otras partes hasta que regresan a París: aquí se instalan en departamentos separados,
pero los veranos los pasan en Nohant, la finca de George. Esta época de su vida se
distingue por la fecunda producción de los dos. Chopín termina su "Sonata en si bemol
menor", "Los preludios", "Los tres estudios para piano", etc. Al parecer su vida fue feliz y,

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como se ha dicho: "George se entregaba a su pasión con un fuerte instinto maternal, y
Chopín se dejaba mimar como un hijo que agradece las delicadezas de su amada".

Hacia 1847 la enfermedad de Chopín empeora y ese tilo sobreviene la ruptura definitiva
con George Sand.

Esto presentó un gran quebranto para él. Para distraerse hace un viaje a Inglaterra: en
Londres dio varios conciertos que entusiasmaron al auditorio y le hicieron reverdecer su
popularidad. Estuvo después en Manchester y en Escocia. Mas a su regreso a Londres, su
estado de salud era deplorable: los médicos le aconsejaron que se alejara de aquel clima que
lo estaba matando.

En enero de 1849 regresó a París: reanuda sus lecciones de piano pero tiene que
interrumpirlas. En difícil situación económica recibe anónimamente (de parte de Jane
Stirling) 25,000 francos para atender sus gastos, cantidad que sólo acepta en una parte.
Sintiéndose gravemente enfermo avisa a su hermana Luisa, y ésta viene con su marido,
desde Polonia, para atenderlo de la tremenda tuberculosis que lo llevaba a su fin: muchos
de sus amigos le prodigaban cuidados y atenciones, entre ellos la princesa Czartoriska, que
lo atiende con solicitud excepcional. En el verano va a residir a Chaitlot buscando alivio,
pero en el otoño regresa a París ocupando un departamento en el número 12 de la Place
Vendome: allí murió el 17 de octubre de 1849, después de recibir todos los auxilios de la
religión católica. Sus funerales se efectuaron el 30 de ese mismo mes en la Iglesia de la
Magdalena, ejecutándose, según su deseo, el "Requiem" de Mozart. Fue inhumado en el
cementerio del "Pére Lachaise" y en su tumba fue arrojado un puñado de tierra de Polonia,
a la que tanto amó.

Chopín escribió más de doscientas composiciones que, con su peculiar estilo, han gozado
de popularidad y renombre. Su delicada inspiración ha sido deformada en muchas

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ocasiones con una interpretación "amanerada y torpe" que rebaja su esencia. Por eso
volvemos a repetir: "a ellas conviene el término justo y la dicción exacta"

Tomado de Guillermo Orta Velásquez,


"100 Biografías en la Historia de la Música",
Ed. Joaquín Porrúa, 1962.

Giuseppe Verdi

 En Venecia, en un extremo de la Riva dei Sette Martiri, dos bustos guardan la entrada de
los jardines públicos donde se celebran las exposiciones de la Bienal: el de Wagner y el de
Giuseppe Verdi. Es el único encuentro, en efigie, de los dos creadores más emblemáticos
del drama lírico. En el próximo e-mail le detallaremos la vida y obra de Wagner. Ahora nos
ocuparemos de Verdi.

Giusseppe Verdi nació el 10 de octubre de 1813 en Roncole. Como no se cansó de repetir a


lo largo de su vida, era un "campesino". Pese a la inopia de su familia pudo realizar en una
escuela de Busseto sus estudios secundarios. Había leído con asiduidad a los latinos,
italianos y extranjeros. No obstante, sus tendencias musicales ya se percibían desde los
catorce años. Aprendió las cuestiones básicas de la mano de un individuo apellidado
Provesi, compositor frustrado. Después de haber creado diversas piezas para órgano, flauta,
clarinete y orfeón, viajó hasta Milán donde ingresó en el conservatorio. Durante este tiempo
trabajó con Lavigna, gran compositor de óperas.

Sus obras.- La Traviata es lo ópera más popular, la mas conocida de todo el teatro lírico
italiano: Violeta Valery siente por Alfredo Gerrnont un amor apasionado, que llega al límite
al plegarse a la separación exigida, por razones sociales, por el padre de Alfredo. Éste,
junto a la cabecera de Violeta moribunda, conocerá la verdad de la renuncia de su amada.
Tanto el canto, la orquestación o la línea melódica, acusan un clima de intimidad novísimo
y sorprendente, junto a una descripción perfecta de los diferentes grados y matices del
amor, desde el puramente frívolo al más profundo y apasionado.

La concepción dramática de Verdi alcanza también su perfección con Aída. Los personajes
dotados de una complejidad psicológica, destacan sobre un fondo con el que establecen
relaciones de contraste. De nuevo los temas favoritos de Verdi, si bien en una trama más
sencilla que Don Carlo; el conflicto entre países y el amor imposible entre un general
egipcio y la hija de su mayor enemigo, dejan sitio para un gran espectáculo. Aída
representa la síntesis de las tradiciones francesas e italianas desarrolladas por Verdi y con
ella encontrará un éxito brillante en todos los campos. La acción de Aída, situada en el
antiguo Egipto, amenazado de invasión por los tropas etíopes, pone de relieve las

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situaciones difíciles y contradictorias en los que se debate Aída, joven esclava etíope. Su
amor al guerrero Radamés, no sólo la convierte en rival de la hija del Faraón, sino que la
desgarra en su patriotismo. El drama lleva al juicio de Radamés, con quien a Aída
compartirá su suerte.

Otras de sus óperas fueron Macbeth (1847), Jerusalem (1847), Rigoletto (1851), Il
Trovatore (1853) u Otello (1887).

Richard Wagner

Compositor, director de orquesta, poeta y teórico musical alemán que nació el 22 de mayo
de 1813 en Leipzig. Aunque Richard Wagner prácticamente sólo compuso para la escena,
su influencia en la música es un hecho incuestionable.

De formación autodidacta, sus progresos en la composición fueron lentos y difíciles,


agravados por una inestable situación financiera, la necesidad de dedicarse a tareas ingratas
(transcripciones de partituras, dirección de teatros provincianos) y las dificultades para dar
a conocer sus composiciones.

Sus primeras óperas: Las hadas, La prohibición de amar y Rienzi, mostraban su


influencia de Weber, Marschner, Bellini y Meyerbeer sin revelar nada del futuro arte del
compositor.

Características.- La aportación wagneriana fue revolucionaria, no sólo en el aspecto formal,


sino también en los campos de la melodía, la armonía y la orquestación. Utilizó una
orquesta sinfónica de proporciones muy superiores a las que tenían las habituales
orquestas de ópera. Su orquesta abre nuevos espacios tanto en el agudo como en el grave.
Su gran aspiración no era otra que la de lograr la Gesamtkunstwerk, la «obra de arte total»
en la que se sintetizaran todos los lenguajes artísticos.

Obras.- Algunas de las obras importantes de Wagner son Las hadas-Die Feen (1833), La
prohibición de amar (1836), El holandés errante (1841), Tannhauser (1845) Entrada
de los invitados, Tristán e Isolda (1859), La Valquiria (El anillo del nibelungo-1870) -
La cabalgata de las valquirias, Sigfrido (El anillo del nibelungo-1871), El crepúsculo de
los dioses (El anillo del nibelungo-1874), Funeral March Parsifal (1882).

Ludwig van Beethoven

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Este compositor alemán nació en Bonn, su padre quiso utilizarlo como niño prodigio, pero
no dio el resultado que esperaba. Un primer maestro Christian Neefe le dio a conocer a
Bach, Haydn y Mozart. En 1782, Beethoven podía reemplazar a su maestro en el órgano.
Cinco años después fue a Viena para trabajar con Haydn cuyas enseñanzas fueron
completadas por Albrechtsberger (contrapunto) y Salieri (escritura vocal).

El 29 de marzo de 1795 se presentó ante el público vienés como pianista y compositor,


alcanzando un éxito apoteósico. En 1808 fue solicitado por el rey de Westfalia lo que
motivó el aumento de su fama, llegando a recibir una renta anual vitalicia por parte de los
príncipes Lobkowitz y Kinsky. Los primeros trastornos auditivos empezaron a manifestarse
en 1796 pero a partir de 1819 se quedará sordo, lo que motivará su estado de tristeza y de
soledad.

Características.- Ludwig van Beethoven profundizó en las formas en las que habían
trabajado Wolfgang Amadeus Mozart y Franz Joseph Haydn: sonata, sinfonía, concierto y
cuarteto de cuerdas. Su música representa la apoteosis del estilo clásico, mientras que
su vida simboliza la imagen del compositor-héroe del romanticismo.

Es considerado el padre del sinfonismo, es decir, desarrolló o reinventó la sinfonía de una


forma seria que prevalecería durante generaciones futuras, y sus 9 sinfonías, cuartetos y
sonatas para piano describen toda su producción musical y su estilo.

Sus obras.- Treinta y dos sonatas para piano; diez sonatas para piano y violín; oberturas
Coriolano y Leonora (1810-1821); Egmont, música y escena (1810).

Fidelo (1805) es la única ópera que Beethoven escribió, e hizo varios arreglos hasta tener
su versión definitiva. De esos arreglos, podemos disfrutar de las 4 oberturas que Beethoven
escribió, conocidas como Fidelio, Leonora I, II y III. El argumento se desarrolla en
Sevilla y trata de un hombre injustamente encarcelado por el gobernador Don Pizarro, al
que salva su mujer que entra en la prisión disfrazada de un muchacho (Fidelio).

Misa solemne en re mayor, (1824). Seis conciertos para piano y orquesta, numerosos
dúos, tríos, un septimino y diecisiete cuartetos de cuerda son otras obras que compuso
Beethoven.

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Johannes Brahms

De origen alemán, es uno de los compositores más importantes del siglo XIX, cuyas
obras combinan lo mejor de los estilos clásico y romántico. El papel que jugó Brahms en
su época fue de suma importancia pues mantuvo la tradición de la música de cámara en
momentos donde la atención estaba orientada hacia el drama musical y los poemas
sinfónicos.

Brahms nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833. Después de estudiar violín y


violonchelo con su padre, contrabajista del teatro de la ciudad, Brahms se especializó en
piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen, cuyo
conservador sentido musical caló profundo en él.

Su primera gran obra presentada al público fue el Concierto n.1 para piano y orquesta en re
menor pero hasta 1868 no adquiere la fama con el estreno de su Réquiem alemán, texto
tomado de la traducción que hizo Lutero de la Biblia.

Características.- En manos de Brahms la música de cámara logró una personalidad


única. Es aquí donde se refleja uno de los más altos desarrollos creativos de Brahms.
Además en este género es donde más se refleja su predilección por innovar dentro de la
tradición.

Hay que destacar que todas sus creaciones muestran una estructura compleja, heredada de
la tradición vienesa clásica. Sin embargo, al contrario de sus contemporáneos, Brahms
rechazó el uso superfluo de nuevos efectos armónicos y cromatismos.

Sus obras.- Entre sus obras se encuentra la majestuosa Sinfonía n.1 en do menor op.68
(1876), la dulce Sinfonía n.2 en re mayor op.73 (1877); la Obertura del festival
académico op.80 (1880), que contiene canciones de estudiantes alemanes; la sombría
Obertura trágica (1881); la poética Sinfonía n.3 en fa mayor op. 90 y la Sinfonía n.4 en
mi menor op.98, que posee un brillante final.

La música del siglo XX

Puede hablarse de un auténtico "estallido" de la música en el siglo XX. Los principios más
sólidos son los desconocidos, las audacias más extravagantes son intentadas y las escuelas
más diversas conviven sin problemas. La música culta o elaborada se intelectualiza y se
hace elitista; al mismo tiempo que los grandes medios de difusión alcanzan a todos los
públicos, los compositores se alejan de éstos y se refugian en ámbitos creativos
cerrados.

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La ruptura de la tradición tonal ha abierto a la música caminos insólitos e insospechados. Se
encuentran en el siglo XX los últimos brotes del romanticismo como Mahler y Richard
Strauss. La preocupación por reflejar la realidad provoca el movimiento verista en la ópera
italiana que produce un único compositor, Puccini.

La llamada escuela de Viena rompe con toda la tradición anterior y crea el


dodecafonismo, música en doce sonidos básicos, y la música atonal. Este camino, es
seguido luego por casi todos los compositores contemporáneos, como por ejemplo
Stravinski.

En este siglo de grandes experimentos musicales, mientras en Gran Bretaña se escriben


óperas tonales, Stockhausen experimenta con música electrónica y Oliver Messiaen busca
inspiración en la música oriental.

Autores.- Existen cinco autores representativos de la música del siglo XX, Pierre
Boulez, Stockhausen, Luciano Berio, Jean Barraqué e Iannis Xenakis. A partir de ellos
podremos identificar cuáles son las características musicales de esta época. Nosotros sólo
nos centraremos en los tres primeros.

Pierre Boulez: es un apasionado del ritmo, pero se niega a admitir que ese ritmo no existe
ya que sólo se percibe en el papel. Ha estudiado a fondo los ritmos de Asia y África. Su
obra es la más coherente de toda la escuela moderna. Además rompe con el dodecafonismo
estricto. Algunas de sus obras son La Sonatina para flauta y piano (1946) y El martillo
sin dueño (1950).

 Stockhausen: este compositor parte con un espíritu de sistematización fue el primero que
logró fundir la música electrónica y la voz humana. Un ejemplo de ello se ve en Canto de
los adolescentes en el horno de fuego (1956). En lo que se refiere a su obra Grupos
(1957), es una de las partituras fundamentales de la música contemporánea. Consiste en una
especie de concierto para tres orquestas independientes de formaciones casi idénticas. Estas
orquestas reclaman una sala muy espaciosa para poder ser dispuestas en forma de triángulo.

Luciano Berio: rompe drásticamente con la uniformidad de la abstracción internacional.


Intenta rehabilitar el canto en la escritura contemporánea como vemos en dos de sus obras
más representativas Homenaje a Joyce (1958) y Epifanía (1961).

Igor Stravinsky (1882-1972)

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Nació el 18 de junio de 1882 en Oranienbaum. A pesar de ser hijo de una pianista y de un
criado de una familia de ricos, sus padres le iniciaron al mundo de la música siempre y
cuando terminara sus estudios clásicos y jurídicos.

Igor trabajó varios años como autodidacta y a los veintiún años pudo mostrar sus primeros
ensayos a RimskiKorsakov, quien aceptó darle dos clases por semana.

Características.- La música de Stravinsky se caracteriza por el uso de la música


folklórica, pero él no la usa de una manera sinfónica; él juntó pedazos de estas
canciones sin preocuparse de esconder las conexiones. Esta técnica resultó en música de
alta energía y mucho más rítmica que melódica. Stravinsky era un compositor de muchos
estilos y caras. Sus primeras obras exhiben las influencias de Wagner, Debussy y Rimsky-
Korsakov; a medida que progresaba añadía elementos eslavos y rusos a su música, así
como ritmos que sólo él componía y comprendía. Figura como el primer compositor
para la escena, no sólo por sus ballets, sino también por sus óperas. También se le
venera por su música de cámara y su obra maestra en la composición coral, la Sinfonía de
los Salmos (1930).

Sus obras.-Su composición más conocida es Los Ritos de Primavera (1913) que causó un
escándalo por su ritmo agresivo cuando la presentó por la primera vez en Moscú. La salvaje
extravagancia de los sonidos producidos por unos instrumentos de apariencia familiar
horrorizó a los editores. Medio año después de su estreno, esta obra era aclamada por el
público. El pájaro de Fuego (1910), un ballet con una construcción firme y basado en un
cuento del Oriente eslavo; Petrushka (1911) con esta obra Stravinsky devuelve a la música
los volúmenes que había disuelto el impresionismo y abandona la influencia meramente
francesa. En este ballet aparecen tres marionetas, un Pierrot y un Moro enfrentados por una
linda Bailarina, que se escapaban de las manos del titiritero durante la semana de carnaval
de San Petersburgo.

Fuente: http://academia-arsnova.com/

25 Febrero 2012.

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