Ma.

Teresa Alcalá / A00821689 / Cine Mundial / 1er examen parcial

Entre las películas vistas de los hermanos Lumière y de Edison, el cine comienza a tener dos
vocaciones estructurales muy definidas que tienen eco en la modernidad. Profundiza en esta
idea apoyándote en las lecturas. ¿Qué elemento agrega a la historia del cine las fantasías
visuales creadas por Georges Méliès?

“En una época en la que el cine empezaba a dar sus primeros pasos y prácticamente solo tenía fines
documentales, Méliès abrió las puertas del sueño, de la magia y de la ficción combinando los universos de
Robert-Houdin con la cronofotografía y la cinematografía de los hermanos Lumière” - Alberto Lopez (2018).

La industria cinematográfica que conocemos y disfrutamos hoy en día tuvo sus

inicios debido a diversos avances tecnológicos, que, con el paso del tiempo, fueron
consolidándose también con avances artísticos y creativos detrás de los hombres y
mujeres que manejaron y controlaron dichos cambios en cuestiones tecnológicas.
Con el cinematógrafo de los hermanos Lumière, distintos metrajes pudieron ser
filmados, como por ejemplo el titulado “La Sortie de l'usine Lumière à Lyon” y en
inglés Workers Leaving the Lumière Factory (Aguste Lumière, Louis Lumière, 1895).
En esta producción podemos ver a hombres y mujeres saliendo del trabajo. Podría
categorizarse bajo un distintivo “realismo” pues, no hay elementos que hayan sido
agregados con un fin en concreto, ni un personaje con motivaciones. El público de
aquella época podía maravillarse por el invento que representaba el cinematógrafo,
pero lo que veían tenía más tintes realistas o de un documental, pues incluso el
denominar los primeros trabajos de los hermanos Lumière como realismo sería dar
pasos adelantados en la historia, pues Auguste y Louis Lumière no tenían como fin
el contar una historia en general a través de sus imágenes, independientemente de
si se les hubiera podido considerar a sus trabajos como influenciados por un
realismo (que en aquel momento la industria del cine estaba por apenas comenzar)
o no. Otro de los primeros trabajos de Louis y Auguste Lumière es la filmación
titulada Le Repas de bébé (Aguste Lumière, Louis Lumière, 1895) y en español, La
Comida del bebé. Las imágenes en movimiento que presentaron los primeros
metrajes de los Lumière carecían de una historia, sus tintes documentalistas nos
mostraban personas en su día a día o realizando alguna actividad durante una
breve duración. Similarmente, Thomas Edison también contribuye con avances
tecnológicos e incluso el estudio Black Maria, donde distintos metrajes serían
producidos. Pero quien aportaría un primer sentido estético, continuidad
cinematográfica, personajes más complejos con ambiciones y necesidades e incluso
las bases de lo que hoy conocemos como efectos especiales sería Georges Méliès.
Los diseños ingeniosamente creados por Méliès estaban cargados de una
sensación de fantasía, la cual logró captar la atención de un público acostumbrado a
metrajes distintos. Tal como expone López (2018), “los hermanos Lumière
inventaron el cinematógrafo, pero quien realmente lo dotó de contenido y convirtió el
cine en espectáculo fue el también francés Georges Méliès”. Tan solo dos años

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después de que el cinematógrafo de Auguste y Louis fuera patentado (e incluso

desde 1896), Méliès ya comenzaba a entretener a las audiencias con historias
interesantes, cargadas de efectos especiales e ingeniosos misterios. Tal ejemplo de
este distintivo trabajo es L’auberge ensorcelé (Georges Méliès,1897) y en español
La Posada Embrujada (1897). En tal historia se nos presenta a un hombre
espantado al darse cuenta de que su equipaje y pertenencias se mueven por la
habitación. La ilusión óptica que hace parecer que los objetos del cuarto se están
moviendo se alcanzó gracias al recurso de stop trick donde se filma un objeto,
después se descoloca, y al volver a filmar el espacio, se crea así la ausencia que
espanta al personaje. Similarmente, el uso de cables fue utilizado para mover
objetos como el sombrero e incluso la utilización de pirotecnia acompañó a los
recursos de efectos especiales utilizados para La Posada Embrujada (1897). Este
ejemplo es uno de los cientos que aportó Méliès a la actual industria
cinematográfica, pues La Posada Embrujada (1897) fue la creación n.° 122-123 de
la casa productora del creativo Méliès, llamada “Star Film”. Un año previo a la
creación de este viajero atormentado por una energía desconocida que movía sus
pertenencias de lugar, George Méliès presentó a las audiencias Une Nuit Terrible
(Georges Méliès, 1896) donde a través de la comedia vemos a un hombre
intentando dormir, pero la presencia de un insecto que parece ser un escarabajo le
impide descansar hasta que logra atraparlo y depositarlo en una bacinica
almacenada en su mesita de noche. Una Noche Terrible (1896) es un episodio
cómico también caracterizado por ese sentido de diseño estético distintivo de
Méliès, quien previo a los avances tecnológicos desarrollados en esa época, ya
contaba con un enorme interés y habilidad por el dibujo y el teatro. Incluso el propio
insecto utilizado salta a la vista de quien presencia este acto cinematográfico. Entre
las múltiples producciones creativas del francés, la que más resuena en la
actualidad es su famoso y discutido Viaje a la Luna (Georges Méliès, 1902). Esta
producción de Méliès no solo cuenta con una maravillosa e interesante área creativa
donde se desarrollaron vestuarios y escenografías (esto también presente en otras
de sus producciones), sino que la visita a la luna de los personajes del artista
francés resultó ser una especie de predicción del futuro, pues 67 años después, la
humanidad afuera de la pantalla de Georges Méliès estaría llegando a la luna. Las
aportaciones de Méliès no solo contaron con escenografías y ambientación de sets
y efectos especiales, sino la base del género de ciencia ficción, pues la trama del
Viaje a la Luna (1902) nos muestra ese deseo humano por lo desconocido, gracias
a una alianza tecnológica utilizada en beneficio para alcanzar nuevos conocimientos
y un encuentro con nuevas civilizaciones. Es tremendamente interesante pensar
cómo cientos de años atrás, este creativo francés logró plasmar en sus historias
sentimientos humanos que permanecen vigentes hasta 2021. Un claro ejemplo de
esto, aunque pueda considerarse como simple y básico, es para mi Una Noche
Terrible (1896), pues insectos de esa magnitud siguen asustando a muchas
personas, yo siendo una de ellas. Tramas ingeniosas, diseño artístico, efectos
especiales, storyboards y la base del género de ciencia ficción son de los elementos

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más importantes que el trabajo de fantasías visuales de Georges Melies contribuyó

a la industria del cine actual.

Elabora una comparación entre la estética, los temas y la técnica cinematográfica de Dr.
Caligari, usa escenas específicas e incluye elementos estilísticos y de género, compleméntalo
con alguna de las lecturas del semestre en torno al desarrollo del cine como industria en los
primeros 25 años de vida.

“Quizá no haya un clásico más influyente en la historia del género que Caligari” - Jordi Sánchez Navarro (2020).

A 101 años de su aparición, El Gabinete del doctor Caligari (Robert Wiene,1920)

continúa siendo un largometraje relevante, digno de analizarse y disfrutarse. La
estética en este epítome del expresionismo alemán es un elemento clave al cual
prestar atención, pues la arquitectura de Holstenwall te cuenta una historia desde su
apariencia.

Desde su look & feel, la

ambientación utilizada y los sets
que conforman a la ciudad donde
se desarrolla esta historia, la
audiencia puede introducirse a un
ambiente tétrico, oscuro,
espeluznante e incluso puntiagudo,
que se encarga de generar ese
mismo efecto en quien ve la
historia: desconcierto,
incertidumbre, temor a lo que
sucederá después. Este diseño de
producción, al igual que el
vestuario y maquillaje de los personajes, y la ambientación creada por los sets
dressers de aquella época, parten y se inspiran desde las temáticas de la historia.
La pérdida de la cordura es una temática central de este largometraje de 1920, pues
desde su primera escena nos introduce con Franzis, quien comienza a relatar cómo
es que llegó hasta donde se encuentra: solo y sin sanidad mental. Es gracias al
desenlace de la historia que como audiencia logramos entender que el propio Dr.
Caligari también perdió la cordura, y es aquel que atormenta al pueblo de
Holstenwall con su malicia y control sobre Cesare. La cereza en el pastel de esta
trama es descubrir que aquello que acabamos de entender, es una invención de
Franzis y que, además, el Dr. Caligari real, y no el creado por Franzis, puede
curarlo. ¿Qué nos dice todo esto? El sentimiento de derrota, de locura, de perdición
y pobreza tanto económica como espiritual y cultural que experimentaba Alemania
tras su derrota en la Primera Guerra Mundial, además de una incertidumbre y un
temor hacia el porvenir, el cual, como la historia demuestra, termino por ser trágico.
Esta sensación de angustia no solo se traspasó al cine con el expresionismo
alemán, sino también a otros ámbitos y derroches artísticos. Como puede

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apreciarse en la primera imagen que presento, Holstenwall era un espacio oscuro,

cargado de sombras tenebrosas e inclinaciones en sus edificios. El diseño y forma
de los espacios que habitaban sus ciudadanos se ve en decadencia, tal y como se
encontraba el pueblo alemán en realidad.

De acuerdo con Navarro (2020) los objetos encontrados en el universo del filme
dirigido por Robert Weiene, buscan “reflejar el alma o la vida interna de los objetos,
por trazar curvas con una definición claramente metafísica y por evocar la fisionomía
latente de los escenarios”. Esto puede ser visto desde incluso los temas políticos y
de denuncia social que están plasmados en la historia:

Cuando el doctor Caligari busca

presentarse en la feria, acude a
una organización gubernamental
para así obtener un permiso para
que su espectáculo forme parte de
la feria. Esta interacción entre el
oficial de ayuntamiento y Caligari
muestra una clara dinámica de
poder entre Caligari y el oficial de
gobierno. Incluso antes de que el
Doctor Caligari entrara a la oficina
en cuestión, se le advirtió que “el
oficial del ayuntamiento está de
mal humor hoy”. La presencia de
Caligari parece irritar más al funcionario de gobierno, pues este se ríe de la
propuesta del espectáculo de un sonámbulo de Caligari, le dice repetidas veces que
lo espere, y al final, Caligari termina siendo atendido por otro empleado. Tras esa
interacción con Caligari, el futuro del oficial de ayuntamiento estaba sellado. En la
imagen que presento de esta escena, se puede apreciar como el oficial de gobierno
cuenta con una silla alta, desde la cual desarrolla su trabajo y mantiene un supuesto
control a temas del pueblo de Holstenwall. Hay una clara dinámica entre alguien con
poder y alguien en desventaja, a primera vista queda claro que quien está por
debajo del funcionario de gobierno es Caligari, pues incluso la altura y distancia del
encargado de otorgar el permiso para la feria y Caligari muestra quién está “arriba” y
quien está por debajo del poder. Pero es interesante, al conocer el desenlace de la
historia, conocer que quien mantuvo poder y control sobre Holstenwall fue Caligari,
o al menos así fue tomando en cuenta las alucinaciones de Franzis e
interpretándolas como realidad y no meros constructos de su pobre sanidad mental.
El feliz desenlace que tiene la historia, si se toma como hecho que sin duda todo lo
presenciado fue invención de la mente de Franzis, proporciona una puerta abierta
nuevas posibilidades en el universo de Holstenwall, pues se nos asegura como

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espectadores que Franzis puede mejorar, puede eventualmente curarse. Una ligera
sensación de optimismo era una necesidad para aquellas personas que se
encuentran en desamparo, esté ocasionado a los alemanes por la guerra.

El primer vistazo que tenemos

del pueblo de Holstenwall
incluso ya presenta
información sobre que clase de
espacio es, el amontonamiento
de casas y su cercanía incluso
asfixia. No solo las acciones de
los personajes enriquecen
nuestro conocimiento de la
historia, sino su misma estética
sombría y tenebrosa. El
aspecto de los espacios donde
se desarrolla la trama y las temáticas de la misma hacen de esta obra
cinematográfica una distintiva de la corriente del expresionismo alemán. El giro en la
trama del Gabinete del Doctor Caligari (1920) y su falta de delicadeza encontrada en
todos los aspectos visuales de este filme (maquillaje, vestuario, set) continúa
sorprendiendo a quien se adentra en esta historia. Similarmente, a cien años de su
estreno, El Gabinete del Dr Caligari (1920) es una película que fácilmente podría
disfrutarse en cualquier festejo de Halloween. Este largometraje pone sobre la mesa
temáticas de salud mental, burocracia, pérdida de valores y relaciones de poder.
Los avances en las tramas de las historias presentadas a las audiencias se vieron
en constante dinamismo y devenir desde el inicio del cine como una industria. Como
mencioné anteriormente, Georges Méliès creó un cine de fantasía. Pero 24 años
después, el maligno Doctor Caligari y los giros en la trama proporcionaron un
universo lleno de asesinatos, misterios y abusos. Todo desarrollado entre el poblado
de Holstenwall y su arquitectura cargada de secretos. Resulta interesante tomar en
cuenta que justo en el mismo año en el que el Doctor Caligari asombraba a las
audiencias, Way Down East (D.W. Griffith, 1920) también se incorporaba en el
material de largometrajes estrenados en ese año. Las temáticas tratadas en el
largometraje del director norteamericano son bastante distintas en comparación con
las del tenebroso universo de Caligari, además de que El Gabinete del Doctor
Caligari (1920) expone una estética completamente opuesta. No obstante, es
relevante marcar la diversidad de tramas que se venía conformando en esa primera
época de la industria cinematográfica. Como es bien sabido, los contextos
históricos, sociales y políticos en donde nace una historia convertida en un
largometraje impactan en las temáticas y pautas que tendrá su resultado final.

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En M (1931) de Fritz Lang están los principales elementos del Film Noir, según
lo propuesto por Richardson, ¿qué es el cine negro?, ejemplifica con la
película vista en clase y alguna película o director contemporáneo.

“Cinematic exaggerations and distortions occur, not under a cloak of darkness but in full view, lit up
by the artificial light of projection. Because of its verisimilitude, cinema almost always appears real
enough to audiences. If it were not, massive numbers of people would not sit motionless for ninety-
minute stretches or longer in front of plain rectangles”. - Carl Richardson (1992).

La representación de temas oscuros como la pérdida de la cordura, el egoísmo,

fatalismo y tragedias humanas son un elemento recurrente del expresionismo
alemán, el cual, a través de mi análisis de El Gabinete del Doctor Caligari (1920),
mencione. En esta última sección de mi primer examen parcial, busco enlistar los
principales aspectos de la corriente Film Noir, de acuerdo con el autor Carl
Richardson y ejemplificar la presencia de dichas características en el largometraje
M (Fritz Lang, 1931).

Tal y como expone Richardson (1992), las películas pertenecientes a la corriente de

Films Noirs, portaban un pesimismo ausente en otras películas realizadas entre la
década de 1930 y 1940. Los musicales y comedias eran recurrentes en esos años,
por lo cual, las tramas crudas y trágicas proporcionadas por los films noirs,
rompieron con aquellas herramientas narrativas. “Pessimism freed these films from
the prison bars of cheery optimism and made them more in tune with a world much
darker than movies could ever approximate”. (Richardson, 1992). Tal es el caso, que
la visión del mundo presente en el universo de aquellos largometrajes eran
pesimistas y realistas a comparación del mundo fuera de las pantallas grandes y
lejos de los estudios cinematográficos. Exactamente como explica el mismo autor,
“often enough, realism and pessimism are indistinguishable”.

Debido a este pesimismo latente y tangible en las tramas de dicha corriente

cinematográfica, estas historias lograron representar el hecho de que la vida puede
ser dura, oscura y trágica. Tomando en cuenta el contexto de 1930, para 1940
Estados Unidos aún contaba con marcas causadas por la depresión económica de
la década previa, además de que la segunda guerra mundial acechaba a la esfera
mundial, con su fecha de inicio en 1939 y duración de 6 años (1945). Pérdida de
ilusiones, pobreza, la presencia del enorme y peligroso mundo urbano, falta de
empleo y la certeza de que es probable que jamás cumplas tus sueños, fueron
temáticas reales que influyeron la corriente de film noir. La pérdida de moral y la
corrupción tanto social como política son elementos tratados en las tramas de este
corpus de cine. Richardson explica que “The Film Noir philosophy dealt with a world
that was unmovielike, where the hero didn’t always wind up with the girl, and was
sometimes better off if he didn’t”. Por ende, los protagonistas de estas historias son
corrompidos por su entorno, como tal es el caso de Joe, protagonista de Sunset
Boulevard (Billy Wilder,1950). Joe termina siendo asesinado por el personaje de
Norma, quien cumple con algunas características del arquetipo de la femme fatal en
esta película dirigida por Billy Wilder. Joe, al intentar perseguir su sueño de

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guionista, accede a permanecer en una terrible dinámica creada por Norma, mujer
frustrada y deprimida después de que su carrera como actriz terminara con la
introducción de sonido a la industria cinematográfica. Similarmente, las tramas
cargadas con problemas sociales, desesperación, una corrupción de los ambientes,
el uso de una iluminación tenue, el claroscuro y sombras artísticas que acompañan
las tomas de la película son otros cuantos elementos característicos del film noir. En
el caso de M, la decadencia de la moral se encuentra presente en diversos
personajes, y no solo en Hans. Está claro que quien asesina a niños, entre ellos la
pequeña Elsie, es un hombre descabellado, corrompido moralmente y representa
una amenaza social: es un problema que desestabiliza a los habitantes de
Düsseldorf y a la propia ciudad en sí. Aunque este largometraje no cuenta con una
femme fatale, el peligro, los problemas sociales y el distintivo realismo de los films
noirs se encuentran en la trama de M (1931). Similarmente, el ingenioso uso de
sombras es un elemento característico de esta historia. Aunque Hans es el
antagonista de la historia, su presencia en cámara es algo limitada. La historia, en
cambio, se centra en el efecto que sus acciones tienen en la ciudad y en sus
habitantes. Criminales del bajo mundo se encuentran poseídos por un hartazgo de
que los crímenes de Hans tengan a la ciudad en tal nivel de paranoia, pues eso
repercute en sus propios delitos y negocios. La policía, también harta y con el deseo
de terminar con este trabajo, se encuentra en constante búsqueda por descubrir al
asesino serial y atraparlo. Las tomas de esta búsqueda de distintos bandos
predominan en pantalla, donde vemos cientos de pistas y esfuerzos por descubrir a
Hans. La carga detectivesca de esta película es un elemento central que la
incorpora al cuerpo de trabajo de los films noirs. M (1931) resulta una combinación
entre un drama de crimen y un drama de detectives, pues en su caso, ambos
elementos conforman la historia, elemento que la convierte en una de las primeras
películas de esta corriente.

En la actualidad, los aportes del Film Noir aún pueden ser encontrados en diversos
largometrajes contemporáneos. Tal es el ejemplo de Taxi Driver (Martin Scorsese,
1976). La historia protagonizada por Robert De Niro presenta elementos del Film
Noir como una sociedad en decadencia (Estados Unidos después de la guerra de
Vietnam) y la pérdida de moral, sobre todo la de Travis, pues se encuentra en un
estado de trastorno ocasionado por estrés postraumático, resultado de su
experiencia en la guerra. Otro elemento presentado lleno de una crítica social es la
presencia de la industria pornográfica y la prostitución, pues Travis logra salvar a
Iris, protagonizada por Jodie Foster, de dicha industria. Travis resulta ser un
antihéroe, el cual es otro elemento distintivo de los films noirs. Tal y como Joe en
Sunset Boulevard (1950) vivió estragos ocasionados por su propio entorno, Travis
fue corrompido por la guerra. En Taxi Driver vemos todo desde la perspectiva de
Travis, y similarmente, en Sunset Boulevard (1950), Joe nos muestra toda la historia
desde su propio flashback. Aunque el personaje de Robert De Niro toma decisiones
cuestionables, hasta cierto punto es inevitable sentir compasión con él, pues como
audiencia simpatizas con su difícil situación. Incluso el hecho de que Travis

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frecuentara cines que exhibían filmes pornográficos, su dedicación para poner a

salvo a Iris y alejarla de ese ambiente no resulta del todo irónico, pues al menos a
mí como público hace que sienta compasión por él: es un joven marcado por su
vivencia en la guerra que claramente cuenta con una pobre salud mental, su estrés
postraumático lo trastorna y le impide dormir, pero aun así logra salvar a Iris. Cómo
audiencia me resulta imposible no culpar a la guerra de Vietnam por el estado de
Travis Bickle: no podemos saber que hubiera sido de ese joven y su salud mental si
no hubiera tenido que presenciar y participar en una guerra. Nuevamente, el entorno
social fallido y las tragedias humanas son un elemento retratado en este
largometraje con tintes y características de filme noir.

Por ultimo, considero que un ejemplo contemporáneo de una femme fatale es el

personaje de Daisy Buchanan. Pues, aunque este personaje pertenece a la obra
literaria de F. Scott Fitzgerald, para esta breve ejemplificación pienso enfocarme en
su adaptación cinematográfica contemporánea The Great Gatsby (Baz Luhrmann,
2013). Jay Gatsby se encontraba perdida y ciegamente enamorado de Daisy, una
mujer hermosa que esta casada con Tom Buchanan. A pesar de estar en un
matrimonio tormentoso, Daisy decide quedarse con Tom, pero engañarlo con el
hombre que realmente ama: Jay Gatsby. La injusta y terrible muerte de Jay Gatsby
es un efecto de las cuestionables acciones de Daisy. Al buscar protegerla y poder
estar juntos, Gatsby asume la responsabilidad de Daisy, quien, en un accidente
automovilístico asesina a la esposa de George Wilson, Myrtle. Daisy accede a la
protección de Gatsby, y al no intentar protegerlo de vuelta, Wilson termina por
asesinarlo en un intento de vengar la muerte de Myrtle, además de también
encontrarse resentido por los engaños de su esposa. Cabe la posibilidad de que si
Jay Gatsby se hubiera alejado de Daisy cuando tuvo la oportunidad, su desenlace
no hubiera sido trágico, pues no la hubiera protegido en primer lugar. El amor de Jay
Gatsby hacia Daisy lo llevo a su muerte.

Referencias Bibliográficas:

Richardson, C. (1992). An Element of Realism in Cinema. En Autopsy: An Element

of Realism in Film Noir (257). Estados Unidos: Scarecrow Press.

Faulstich, W. Korte, H. (1997). Los inicios del cine. En Cien años de cine (1895-
1995) / Volumen 1. 1895-1924: Desde los orígenes hasta su establecimiento como
medio. (510). Siglo XXI Editores México.

López, A. (2018). Georges Méliès, el mago que convirtió el cine en arte, fantasía y
espectáculo. 2021, de El País Sitio web:
https://elpais.com/cultura/2018/05/03/actualidad/1525328820_070614.html
Navarro, J. (2020). ‘El gabinete del doctor Caligari’, un clásico centenario. 2021, de
The Conversation Sitio web: https://theconversation.com/el-gabinete-del-doctor-
caligari-un-clasico-centenario-149758

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