ARTE MINIMAL (MINIMAL ART)

Bibliografía
El arte del siglo XX. Dolores Antigüedad del Castillo, Víctor Nieto Alcaide, Amparo
Serrano de Haro Soriano
Capítulo del libro escrito por Amparo Serrano de Haro “Fuera del cuadro: Nuevos
Lenguajes” Pág. 265/268
Art of the 20th Century
MEDIO SIGLODE ARTE, Últimas tendencias, 1955-2005, Javier Maderuelo
http://epdlp.com/
Wikipedia

El arte Minimal y el arte Povera realizan la transición entre:

- el final de la Abstracción postpictorica que surgió del rechazo a la emotividad del
informalismo y a favor de la objetividad perceptiva, y la obra conceptual.
Ya en los postpictoricos hay una reducción (minimilización) de elementos personales y sociales
hacia la especificidad del medio pictórico: Forma, Color, Tamaño…
Es un nuevo movimiento de arte americano que se autoproclama en la misma corriente que el
Expresionismo Abstracto y el Pop Art. Se agrupa principalmente en la escultura.
CARACTERÍSTICAS

El arte minimalista se caracteriza por

 Sus dimensiones monumentales
 Su frialdad
 Y su absoluta neutralidad estética,
 Materiales rudimentarios
 Formas y volúmenes geométricos repetidas
 Rigor formal
 El cubo es de suma importancia
 Algunos artistas combinan los elementos geométricos empujando hasta el extremo de
la depuración. La materia, con su peso densidad y energía, es superfluo, lo único
importante es el razonamiento lógico inicial donde colocar el objeto.

Artistas destacados: Donal Judd, Carl Andre, Eva Hesse, Sol Lewis, Richard Serra, Bruce
Newman
El minimal se distingue por:
- Vocabulario reducido: geométrico
- Empleo de elementos prefabricados ( por primera vez, mecanización o industrialización
de su producción) La creación se vuelve producción
- La obra no se distingue de las cosas (ambigüedad semántica que entronca con el Pop
Art)
- Unidad básica el número, se organiza, no como estructura sino como FORMULA.
Como el Pop hace uso de estructuras de unidades modulares y sistemas de serialización
y ordenación repetitiva (pero no basado en iconografía social). Construye su propio
lenguaje con una geometría simple y universal.
- Críticos defensores: próximo a la metafísica de la belleza
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 Detractores: estética cercana al mueble de oficina
Los artistas de sus obras: claridad perceptiva
Relación de equilibrio entre forma y escala
Máxima legibilidad
Sistema de reglas autorreguladoras
Ausencia de ambigüedad o retorica
- 2 elementos vip:
 Su tridimensionalidad le fuerzan a INSCRIBIRSE EN EL ESPACIO REAL , su
emplazamiento la define, NO SE PUEDE SEPARAR DE ÉL (primer concepto de
“instalación”)
 La obra de aspecto material se sitúa respecto a si misma, se resiste a ser
interpretada, a crear significados, fuera de sí misma. Es una obra
AUTORREFERENCIAl. Rechaza toda referencia que este fuera de la obra misma y
su percepción
- La obra tiene una relación estructural que subordina la parte por el todo.
D. Judd: el orden de mis obras no es racionalista, es la simple continuidad de una cosa
tras la otra.
- Usan la repetición como un modo de composición:
Hileras de cajas adosadas a la pared de Judd, cubos y formas de Morris, planchas en
forma de teselas de Andre que recubren el suelo o los tubos de neón de Dan Falvon.
Evitan la “composición relacional” porque su base es la simetría (Rosalind Krauss)
- Krauss concluye: los escultores minimalistas niegan la interioridad de la forma
esculpida (alma, tema, argumento). El significado no deriva de la inteligencia humana
surge de la consideración de un espacio público. Está en el dialogo de la exterioridad de
la forma con nuestro propio espacio humano, su intrusión o discreción, el juego de
volúmenes y vacío, la agresión a las rectas, la suavidad de sus curvas. La reprocidad
entre la escultura y el espacio eterno depende de lo que nosotros somos capaces de
percibir
- Estudios recientes defienden la influencia en el arte en los 60/70 de la serialidad del
mundo cotidiano (casa prefabricadas, objetos en serie) objetos de producción industrial
que se difunden masivamente.
Es la iconografía oculta y la experiencia cotidiana la que entra en el vocabulario
minimal y lo ancla a su espacio histórico y social.

DONALD JUDD, teórico y principal exponente de la llamada Escuela Minimalista, explica

en un artículo porque ha dejado de pintar y se ha dedicado a la escultura.
“La superficie de la pintura, independientemente de cuán abstracto, frío o profundo pueda ser,
siempre nos lleva a una irresistible ilusión. Por lo tanto, la idea es crear un arte más radical,
basado en la simplicidad de volúmenes geométricos en el más estricto rigor formal”.
La 1ª Exposición en el Museo Judío se llamará “Estructuras Primarias”.
Para los artistas minimalistas, la escultura no es nada pero un cierto número de volúmenes
juntos en el espacio los convierte en un espacio dinámico.
Su objetivo es poder definir, a través de los materiales más rudimentarios, como el
contrachapado, el hierro galvanizado, el aluminio, el plástico, bloques de adobe, cemento o la
madera un nuevo orden del espacio. El entorno es tan importante como el objeto en sí mismo.
Su obra se basa en el espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su
trabajo evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared que usan
formas sencillas, a menudo repetidas, que a su vez exploran el espacio y el uso del espacio en
que se encuentran. A partir de 1963, Judd comenzó a usar colores más llamativos y diferentes
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materiales por sí mismos. Es frecuente el encontrar a Judd incluido en el grupo minimalista de
artistas, pero él mismo se opuso a aceptar el término como identificativo de su obra.

CARL ANDRE – Planos de Metal (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía -
http://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/magnesium-copper-plain-plano-magnesio-cobre
La obra de Carl Andre se configuró a partir de un concepto constructivo que el artista definió a
comienzos de la década de los sesenta como «generación de diseños globales mediante la
multiplicación de las cualidades de los elementos constitutivos individuales». Trabajando a
partir de módulos que se multiplican, como ladrillos, bloques de madera y placas de metal,
Andre edificó un concepto de escultura entendida como emplazamiento, en la que la obra se
formaba a partir de unidades geométricas sin atisbo de figuración, autorreferenciales y carentes
de huella humana o intervención subjetiva del autor. Desde 1966, Andre aplicó estos principios
a la producción de piezas de suelo con placas de metal, como Field, Equivalents, y otras obras
construidas con placas de acero o aluminio. Al año siguiente introdujo la alternancia de
materiales en la misma obra, como el zinc, el acero, el plomo, el cobre o el mármol. A este tipo
pertenece Magnesium Copper Plain (Plano magnesio y cobre), compuesta de 36 planchas
cuadradas que alternan magnesio y cobre. La obra plantea la cuestión del color propio del
material como parte integrante del mismo, un concepto que insistía en el interés del
minimalismo por el ensimismamiento de las formas y la ausencia de contenido latente. La
historiadora del arte Lucy Lippard aludió a este concepto en estos términos: «De este modo una
escultura pintada de gris es más “coloreada”, que una escultura en piedra gris». Esta obra formó
parte de la gran instalación mostrada en 1970 en el Museo Guggenheim de Nueva York, que
tituló 37thPiece of Work.

EVA HESSE,
Los primeros trabajos de Eva (1960-1965) consistieron en dibujos abstractos y pinturas. Ella es
más conocida por sus esculturas y debido a esto, sus dibujos son a menudo considerados como
pasos previos a su obra posterior. Sin embargo, Hesse creó sus dibujos como un cuerpo
separado del trabajo. El interés de Hesse en el látex como medio de formas escultóricas tenía
que ver con la inmediatez. Keats decía: "inmediatez puede ser una de las principales razones
para que Hesse fuera atraída por el látex". Las primera dos obras de Hesse utilizando el látex
son Schema y Sequel (1967-1968), donde utiliza el látex de una manera nunca imaginada por el
fabricante. "el látex industrial estaba destinado para la fundición”. Hesse lo utilizó como
pintura de casa, capas sobre capa de pinceladas para construir una superficie suave aunque
irregular, desigual en los bordes como papel sin desbastar".
La obra de Hesse a menudo emplea múltiples formas de un modelo similar organizadas juntas
en estructuras de mallas agrupadas. Creó un trabajo excéntrico repetitivo e intenso,
conservando algunas de las características que definen el minimalismo: la modularidad y los
materiales no convencionales.
Eva Hesse se asocia con el movimiento artístico postminimal. Hesse es una de las primeras
artistas que se trasladaron desde el minimalismo al postminimalismo. Danto lo distingue del
minimalismo por su "alegría y ligereza" y "olor inconfundible del erotismo", su "repetición no
mecánica". [30] Ella fue influenciado por, ya su vez influenciados, muchos artistas famosos de
la década de 1960 hasta la actualidad. Formas escultóricas naturales y minimalistas de Eva
Hesse fueron una reacción contra la estructura rígida del minimalismo en los años 60. Mediante
el uso de formas orgánicas dinámicas con las ideas minimalistas, Hesse fue capaz de integrar
las ideas de uno mismo y de género. Eva trabajó al lado de sus homólogos masculinos en el arte
minimalista, un movimiento dominado principalmente por los hombres. Hesse se describe
como una precursora para el movimiento de arte feminista, donde ella no tomó una postura
política en su obra de arte, pero era un artista mujer muy exitosa en una época en el que esto era
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raro. Muchos historiadores de arte feministas han señalado que la obra de Eva ilumina con
éxito los problemas de las mujeres, mientras que la abstención de cualquier agenda política
obvia. Sin embargo, ella ha negado que su trabajo sea estrictamente feminista. Eva defiende su
trabajo como femenina porque ella es una mujer, pero sin declaraciones feministas en mente

SOL LEWITT,

Sol Lewitt nace en Connecticut en 1928, en el seno de una familia de judíos inmigrantes de
Rusia. En 1949 viaja a Europa gracias a una beca de la Universidad de Syracuse donde recibirá
la influencia de los grandes maestros de la pintura. Tras participar en la Guerra de Corea se
muda en los años 50 a Nueva York donde continúa con su interés por el diseño gráfico
trabajando para el Seventeen Magazine. En esa época descubre los estudios fotográficos
secuenciales de principios de siglo de Muybridge hecho que, combinado con su trabajo en el
MOMA de Nueva York, influiría enormemente en su carrera como artista. En el MOMA tuvo
la oportunidad de relacionarse con grandes nombres como Jasper Johns, Robert Rauschenberg
o Frank Stella. Se ha relacionado mucho a Lewitt con el minimalismo, siendo considerado
además uno de los pioneros del arte conceptual así como uno de sus teóricos más destacados.
La pintura, el dibujo, la fotografía y las estructuras (término que él prefería al de escultura) son
sus medios artísticos predominantes. Sus obras incluyen trabajos en dos y tres dimensiones,
desde pinturas murales, más de 1200, a fotografías y centenares de dibujos y estructuras en
forma de torres, pirámides, formas geométricas y progresiones de diferentes tamaños, desde
maquetas a estructuras monumentales. Hay que reseñar su gusto por las estructuras modulares
basadas en la forma del cubo, figura que lo influyó mucho en toda su trayectoria como artista.
Lewitt define así su ideal o proyecto artístico, haciendo tabula rasa y volviendo a empezar,
desde cero: “recrear el arte, empezando por el propio cuadrado”.

ROBERT MORRIS, otro exponente explicaba: Mis trabajos no son apropiados en cualquier
lugar, porque los edificios que los rodean tienen un papel decisivo en la vida de los objetos”.
TONY SMITH – Cubos negros
DAN FLAVIN – Tubos de Neón Colorados
RICHARD SERRA - Escultor estadounidense, célebre por sus obras minimalistas y sus
esculturas creadas para lugares específicos, así como por los extraños procesos que utiliza para
elaborarlas partiendo de materiales industriales tales como plomo, acero y hormigón. Nació en
San Francisco y estudió en la Universidad de California (1957-1961) y en la Universidad de
Yale (1961-1964). Entre sus primeras obras se encuentra una serie de montajes realizados en
neón y caucho. En Cinturones (1966-1967, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York) el
crudo resplandor de los tubos de neón contrasta con la blanda inanimidad de los cinturones de
cuero vulcanizado, suspendidos en grupos secuenciales a lo largo de la pared. La gran
importancia que concede a la naturaleza física de los materiales y a su peso gravitacional habría
de caracterizar e inspirar gran parte de la obra posterior de Serra. Entre 1968 y 1969, recopiló
una lista de verbos (vaciar, plegar, salpicar) que pudieran asociarse con el proceso de esculpir.
A partir de dicha lista creó cerca de 100 esculturas en plomo. Splashing (Salpicadura, 1969),
fue realizada en el almacén de la galería de Leo Castelli en Nueva York arrojando plomo
derretido contra una pared y el suelo para que el metal se estrellara antes de solidificarse. En la
década de 1970 realizó una obra más monumental, utilizando acero trabajado en caliente para
crear esculturas interiores y exteriores de grandes dimensiones cuyo tamaño y sencillez le
confieren una presencia abrumadora. Una de las esculturas más espectaculares creadas por
Serra para un lugar específico es su Arco inclinado (1981), que le encargaron para el Federal
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Plaza de Nueva York. El enorme arco horizontal del que está compuesta la obra tiene una altura
de casi 4 metros y una longitud de más de 36 metros. Serra también ha trabajado en medios
cinematográficos. A finales de la década de 1960 realizó una serie de películas, entre las que
destacan Hand Catching Lead (La mano que coge plomo) y Hands Tied (Manos atadas), ambas
de 1968, que se centran en la ejecución de tareas sencillas repetidas hasta la saciedad. Presentan
un paralelismo con las películas de Andy Warhol, en las que la cámara enfoca detenidamente
un único objeto, y con todo el proceso, que es parte esencial en la obra escultórica de Serra.

BRUCE NEWMAN – NEUMANN

Artista multimedia estadounidense, cuyas esculturas, vídeos, obra gráfica y performances han
ayudado a diversificar y extender la escultura a partir de la década de 1960. Sus inquietantes
obras de arte hacen hincapié en la naturaleza conceptual del arte y del proceso de creación.
Nació en Fort Wayne, Indiana. En 1960 ingresó en la Universidad de Wisconsin en Madison,
donde estudió matemáticas, física y arte, y leyó las obras del filósofo austriaco Ludwig
Wittgenstein, cuyos escritos sobre la importancia del lenguaje en la formación de la percepción
ejercerían en él una profunda influencia. Ya desde sus años de estudiante era ambicioso y muy
activo, y colaboró en películas, realizó performances y publicó un libro antes de acabar su
doctorado en 1966. Poco después se trasladó a San Francisco. Las primeras exposiciones de su
obra tuvieron lugar en California y su fama se extendió rápidamente hacia la costa atlántica del
país y Europa. En 1968 hizo su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York en la
influyente galería Leo Castelli, donde expuso la escultura en cera De la mano a la boca (1967,
Museo Hirshhorn, ciudad de Washington) y varias esculturas de neón, como Mi apellido
exagerado catorce veces en posición vertical (1967, Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva
York). Los títulos concretos y descriptivos y las continuas referencias a sí mismo se
convirtieron en características de su obra. En 1969 comenzó a exponer en Nueva York junto
con un grupo de artistas entre los que estaban Eva Hesse, Richard Serra y Joël Shapiro. En
1972, cuando tenía poco más de 30 años, inauguró una retrospectiva de su obra, Bruce
Nauman: Obra de 1965 a 1972, que se expuso en varios museos de Estados Unidos y Europa.
Debido a la prioridad que otorga a la idea y al proceso creativo sobre el resultado final, su arte
recurre a la utilización de una increíble variedad de materiales, y en especial a su propio
cuerpo. Por ejemplo, Posturas pared-suelo, realizada en la Universidad de California en 1968,
era una performance en la que giraba el cuerpo adoptando diferentes posturas en el ángulo que
formaban la unión de la pared y el suelo. Entre 1994 y 1995, una retrospectiva itinerante de
más de 60 obras, desde las más sencillas a las más elaboradas, recorrió los museos más
importantes de todo el mundo.