CARACTERÍSTICAS PARA LA HISTORIA

Barroco

MELODÍA
-Tema difícil de captar.
-Melodía de expansión continua.
-Uso de progresiones cromáticas ascendentes y descendentes.
-Melodías con muchos adornos tanto en la música vocal como en la
instrumental.
-La música de esta época, era poco melódica.
-El empleo de la monodia acompañada y el bajo continuo, le da importancia a
la línea melódica.
-Liberación de la melodía.

ARMONÍA
-Tiene su gestación con el invento de la triada dada en Florencia a finales del
siglo XV, en el renacimiento tardío con la fratola, forma musical basada en el
uso de las triadas, sin embargo, el temperamento desigual de la época
impedía modulaciones perfectas.
-Libertad para encadenar acordes (Barroco medio).
-Se jerarquizan los grados de la escala (I, II, III, IV, V, VI y VII).
-Se crea un sistema armónico, apoyados en el I, IV y V.
-Aparición de la séptima de dominante.
-Se definen las funciones armónicas que conducen a destacar el acorde de
tónica y las cadencias.
-Apoyaba a las palabras en la música.
-Bajo continuo: Fundamento de toda la composición armónica y melódica de
la música barroca.
-Bajo cifrado: Alusión al acompañamiento armónico que se añade al bajo y
que se señala con pequeños números.
-Se impone lo vertical.
-Armonía experimental.
-Invención de la armonía y el melodrama (opera).
-Aparece Zarlino y quiere retornar a la teoría musical griega para devolverle a
la música la sencillez y la claridad perdida con la polifonía imitativa y
compleja de su tiempo. Este se fundamenta en los armónicos.
-En el barroco medio reaparece junto a la monodia, el contrapunto.
-La armonía y el contrapunto prevalecen sobre el texto en la primera práctica
o stylus antiquísima.
-En estos años, hubo varios tratados de armonía.
-Nacimiento del sistema tonal.

LA ESTÉTICA
-Se rompen los módulos y las proporciones en busca de efectos más intensos.
La ruptura del equilibrio acompaña todas las manifestaciones del arte
barroco.
-Teoría de los afectos.
-El hombre del barroco está en un mundo en crisis lo que afecta la política, la
economía y el pensamiento ideológico. Es un ser inquieto, inseguro, trágico.
Se le ha escapado el centro del universo. Le gusta lo maravilloso y
sobrenatural.
-La música barroca busca causar perplejidad mediante la osadía de su
sonoridad y giros. Sobrepasa la capacidad natural del cantante.
-El compositor se expresa dramáticamente, intentado expresar esa inquietud,
inseguridad y tensión dando lugar a una intensificación emocional expresiva y
sonora, con cosas como el Cromatismo, disonancia y coloratura.
-El hombre del barroco ya no se siente únicamente un ser creado a imagen y
semejanza de Dios, igual que tampoco en el ideal de belleza y perfección del
renacimiento.
-El arte al servicio del poder absolutista y la iglesia.
-La tarea principal de la teoría musical del siglo XVII es la de determinar la
relación (diferenciada y específica) entre cada uno de los elementos
musicales y técnico –formales y cada uno de los afectos (amor, cólera, odia,
etc.).

LA INSTRUMENTACIÓN
-Estilo concertante: Significa variedad y unidad. Se contraponen solos, dúos,
coros y combinaciones de instrumentos.
Técnica compositiva en la que se unen, contrastando, oponiéndose, los
diferentes elementos que entran en una composición: voces e instrumentos,
grupos de unos contra otros, tuttis y solos. Da variedad expresiva y estética a
la música. La ley de contraste es la ley de lucha. El contraste significa
variedad. El artista se vele de la repetición para el desarrollo de la obra y los
elementos de contraste intervienen en este desarrollo. A mediados del siglo
XVII el contraste se constituye el principio fundamental de una serie de
formas musicales totalmente instrumentales.
-Sonata: Contrasta movimientos o instrumentos de tono agudo, grave.
-La música instrumental pone en primer lugar una o varias partes solistas
sostenidas por acompañamiento (bajo continuo).
-Música vocal e instrumental de importancia equivalente en el barroco
medio.
-Predominio de la música instrumental en el barroco final, que desembocó en
nuevas formas como la sonata, el suite, el concierto y la fuga.
-La música de iglesia es ambivalente. Por un lado, la tradición de Palestrina
con patrones renacentistas y por otra parte, música más variada con
acompañamiento instrumental.
-Se dividieron la música instrumental, la música de iglesia y la música
dramática o de teatro.
-Jean Phillipe Rameau le dio importancia de primer orden a los instrumentos
y a la música, frente a las palabras.
-Con las nuevas formas musicales, se crean nuevos instrumentos y se
modifican algunos instrumentos, así como otros desaparecen.
-La orquesta se caracterizaba por su gran diversidad y por la existencia
dentro de una familia de una variedad de tamaños y afinaciones.

CARACTERÍSTICAS
-Diccionario de la academia francesa de 1740, definió barroco como irregular,
raro, desigual e hizo referencia a la música como confusa, cargada de
modulaciones y disonancias, un canto poco natural.
-El barroco en la música es un estilo europeo, que se inicia con el nacimiento
de la ópera en el 1600, y finaliza con la muerte de J.S.Bach en 1750. Durante
este período, aparecieron nuevos géneros vocables como la ópera, la
cantata, el oratorio y la pasión.
-A nivel religioso, nos encontramos con la reforma y la contrarreforma.
-Es una época de guerras y lucha por el poder.
-Existe mucha pobreza en el campo y más del 80% de la población europea es
analfabeta, lo que hace que la música profana se pierda en la tradición oral.
-Es una época de avances en todas las ciencias.
-La base del conocimiento son el uso de la razón y la experimentación, que
tiene antecedentes en el humanismo renacentista, que se aleja del
teocentrismo medieval, que se fundamentaba todas las cosas a través de
Dios.
-Tendencias exuberantes y llenas de contrastes y mucha decoración.
-La literatura del barroco, se caracteriza por ser un estilo sobrecargado,
abusivo, tentoso en el uso de recursos literarios.
-Los periodos del barroco, se dividen de la siguiente forma: Barroco inicial
(1580-1630), barroco medio (1630-1680) y barroco final (1680-1730).
-Los estilos nacionalistas son los siguientes: Estilo Alemán: Síntesis de la
música francesa e italiana. Textura armónica contrapuntística; Estilo Francés:
Tomó innovaciones orquestales de Lully, Técnicas del teclado de Couperin. Y
el estilo italiano: Concierto en música instrumental. Bel canto de la ópera.
-Los estilos de música en el barroco eran: Primera práctica (stylus
antiquísima), que es una prolongación del desarrollo de la polifonía vocal y la
segunda práctica (stylus modernus), dónde el texto marca las pautas para la
música.

CLASICISMO

MELODÍA
-En este periodo se decía que la melodía era el alma de la música.
-El periodo clásico muestra una serie de convencionalismos para que la
melodía sea muy clara.
-La melodía clásica tiene direccionalidad. Hay una nota, tónica, hacia la que
todos los sonidos deben tender. A menudo se empezaba en la tónica, se iba a
la dominante para terminar de nuevo en la tónica. SE CREA UNA SENSACIÓN
DE MOVIMIENTO QUE DESEMBOCA EN UN OBJETIVO.
-Aunque sea instrumental es perfectamente cantable. El compositor no se ha
podido desligar de los orígenes de la música instrumental en la vocal.
-La mayoría de las melodías clásicas terminan resueltas. La tensión se
distingue claramente y este clímax exige una resolución simétrica de la
melodía.

ARMONÍA
-Abandono del bajo continúo
-Desarrollo de una armonía cada vez más rica.
-La voz acompañante puede convertirse en principal. Por esto desaparece el
bajo continuo.
-El lenguaje armónico es plenamente tonal. Existe una jerarquía tonal con
importancia de la tónica (I), dominante (V) y subdominante (IV).

LA ESTÉTICA
-El arte como imitación de la naturaleza.
-Finalidad del arte: la utilidad.
-Los artistas se esfuerzan por llegar al ideal de perfección.
-Principios como la universalidad, orden, claridad, sencillez, simetría,
proporción, equilibrio, unidad están presentes en todas las artes.
-Se otorga importancia a la elegancia, a la gracia y la belleza, a la proporción y
el equilibrio.

LA INSTRUMENTACIÓN
-Triunfo de la música instrumental sobre la vocal.
-Muchos de los instrumentos caen en desuso: laúd, viola de gamba, flauta de
pico, clavecín... y otros cobran más importancia: familia del violín, el
pianoforte o clarinete.
-En el clasicismo desaparecen algunos instrumentos como el órgano y el
clavicémbalo junto al bajo continuo y se introducen otros como el clarinete.
La orquesta clásica consta de los siguientes instrumentos: CUERDA: violines,
violas, violonchelos y contrabajos VIENTO MADERA: Flautas traveseras (2),
oboes (2), clarinetes (2) y fagotes (2). VIENTO METAL: trompetas (2) y
trompas (2). Al final del clasicismo comienzan a emplearse trombones
PERCUSIÓN: timbales.

CARACTERÍSTICAS
-El estilo clásico, caracterizado por la evolución hacia una música equilibrada
entre estructura y melodía.
-Lo racional influye en ritmo hasta estandarizarlo en unos cuantos compases:
2/4, 3⁄4, 4/4, 6/8, con acento reiterado en el primer tiempo. Tales esquemas
regulares suscitan expectativas cuya satisfacción constituye una fuente de
placer para el que escucha.
-A veces echaban mano de la síncopa. Nunca antes en la historia de la música
se había pasado de un tipo de pulsación a otro con tanta naturalidad.
-Triunfo de la forma musical, concretamente de la forma sonata y de una
serie de normas o leyes básicas para alcanzar la perfección y la belleza.
-La forma sonata se aplicó en uno o varios movimientos a las formas
instrumentales clásicas: sinfonía, sonata, concierto y cuarteto. Su estructura
es la siguiente: Para uno, dos o tres instrumentos. Consta normalmente de
cuatro movimientos.
-La sinfonía Es la forma que adquirió mayor desarrollo en la Viena del
clasicismo. Se trata de una gran sonata para orquesta que se estructura en
cuatro movimientos básicos: Allegro, Andante, Minueto y Presto.
-A partir del XVIII desaparece el concierto “grosso” del Barroco y se impone el
concierto para solista (los instrumentos favoritos eran el violín y el piano) que
adquiere forma de sonata en el primer movimiento.
-Las secciones para solista crecen en dimensiones y en importancia. A fines
de siglo, en el concierto clásico totalmente desarrollado, el solista despierta
la atención del oyente por medio de una exposición inicial llamativa y
dramática, inmediatamente después de la exposición de los temas por parte
de la orquesta.

ROMANTICISMO

MELODÍA
-Parte vital de la música.
-Los temas se dilatan.
-La melodía se expande, necesita expresarse libremente.
-En ocasiones se suprimen cadencias.
-No se hacen perceptibles los signos de puntuación.
-La tención llega al final de la obra (En el clasismo en medio).
-Inspiración en el folclor.
-Estilo melódico de mayor riqueza, con una melodía apasionada e intensa y
una calurosa expresión de los sentimientos.
-Frases melódicas menos regulares y simétricas que en el Clasicismo.
Desaparición de la frase cuadrada.
-Melodías bellas y apasionadas. A veces poseen la incorporación de giros
melódicos procedentes de la música tradicional o popular.

ARMONÍA
-Enriquecimiento armónico, basado en el uso de nuevos acordes y en nuevos
recursos para la modulación, con el fin de crear un mayor efecto expresivo.
-Enarmonías.
-Resoluciones engañosas.
-Frases y cadencias eludidas.
-Sonoridades largas sostenidas, produciendo sensación de inmovilidad.
-Largos pasajes de tonalidades inciertas.
-Disonancias no resueltas.
-La modulación no se hará solo por proximidad, sino que a veces recurrirá al
cromatismo.
-Época de las novenas.
-Modulación cada vez más frecuente.
-Preferencia por tonalidades menores.
-Uso del contrapunto.
-Armonías enriquecidas con cambios constantes de tonalidad.

LA ESTÉTICA
-Concepto individualista del arte. Subjetividad. El arte: libertad subjetiva del
yo.
-Cambio de mentalidad en la percepción del artista por parte de la sociedad:
éste pasa de artesano a artista.
-Forma de entender el mundo y la sociedad, una forma de expresión de los
sentimientos subjetivos del “yo” contra la razón.

LA INSTRUMENTACIÓN
-Nuevos efectos de orquestación en la música sinfónica gracias a las
innovaciones y mejoras técnicas de los instrumentos de la orquesta. Mayor
empleo de instrumentos de madera, metal y percusión.
-Aparición del ídolo virtuoso, bien como instrumentista o como intérprete
vocal.
-Preferencia por el piano y el violín, y recuperación de otros instrumentos
como el arpa y la guitarra.
-La principal innovación tuvo lugar en 1838, cuando el alemán Theobald
Böhm adaptó para la flauta un nuevo sistema de llaves y anillas que puso al
instrumento a la altura del violín en cuanto a precisión y agilidad.
-El sistema Böhm fue adoptado por la industria y aplicado a los restantes
instrumentos de la familia de madera: clarinetes, oboes y fagotes
permitieron tocar cualquier cosa y pasaron a ser fabricados de manera
industrial y ya no exclusivamente con madera.
-Los instrumentos de metal sufrieron una transformación similar gracias al
francés Périnet hacia 1839 y al austríaco Riedl en 1832. Hasta entonces solo
podía tocarse con ellos un pequeño número de sonidos con facilidad y
fiabilidad, limitándose su intervención en la orquesta a breves frases de color
o a reforzar la sonoridad general.
-El perfeccionamiento de la construcción de instrumentos y la aparición de
otros nuevos, significaron también el desarrollo de las técnicas de ejecución y
de la orquestación, modificando la sintaxis.
-Consolidación y ampliación del número de instrumentos de la orquesta
sinfónica.

CARACTERÍSTICAS
-Los escritores románticos consideraban que la música era la condición ideal
y perfecta del arte.
-En música hay una revalorizaron del sujeto como único punto obligatorio de
referencia frente a la obra de arte debido a que se considera la música capaz
de llegar a las regiones más profundas del ser humano. La música puede
captar la esencia misma del mundo, la idea, el Espíritu, la infinitud, Dios.
-Composiciones íntimas y humanas.
-Menor preocupación por la forma externa y mayor por la inspiración y
fuerza expresiva.
-Ritmos complejos y libres, llegando a la polirritmia.
-Búsqueda de contrastes musicales capaces de sugerir sentimientos a través
de matices dinámicos (fuerte, piano, crescendo...).
-Atención especial al folclore y las melodías populares como fuente de
inspiración, que llevará a los nacionalismos musicales.
-Predominio de la música instrumental sobre la vocal.
-Preferencia por las formas menores: preludio, estudio, lied, impromptu...
-Creación del poema sinfónico, forma musical que ofrece mayor libertad que
la sinfonía clásica.
-Ritmos cruzados y superposición de esquemas rítmicos de 2 contra 3, o 3
contra 4.
-Cambios constantes de tiempo en el interior de un movimiento.
-Para los románticos el detalle es importante, una emoción que a veces se
desvanece rápidamente, es más importante lo ambiguo o ambivalente que la
claridad clásica.
-Abundancia de alardes técnicos y virtuosismo.
-Melodías bellas y apasionadas. A veces poseen la incorporación de giros
melódicos procedentes de la música tradicional o popular.
-Las formas llegan a tener una de gran duración y se aplican de manera más
libre esto permite una mayor fantasía y espontaneidad.
-Gran utilización de efectos dinámicos.
-Se generan nuevas fuentes ingresos: los derechos del autor y el porcentaje
sobre las entradas en los conciertos.
-Nace el gran público musical - la burguesía, mucho más numerosa que la
aristocracia- de cuyo aplauso o rechazo depende el artista.
-Este período se dio entre los años 1800 a 1900.
IMPRESIONISMO

MELODÍA
-Compuesta por frases fragmentarias, cada una de las cuales se repite
frecuentemente.
-Transformada con una nueva concepción. Se diluye, se hace difícil de coger,
aparece y desaparece.
-Debussy busca este efecto a través de melodías medievales, derivadas del
canto llano y en las que estaba presente la teoría modal, o buscando en la
música del folklore oriental.
-Melodías repartidas entre muchos instrumentos.
-Líneas melódicas que no finalizan.

ARMONÍA
-Utilización de los modos medievales y de la armonía que se desprende de los
mismos, subrayando los intervalos primarios de octavas, quintas y cuartas en
movimiento paralelo.
-Debussy tomo de la música oriental Java, Bali, Indochina la utilización de una
escala que divide la octava en partes iguales, como lo hace la escala por
tonos. (Divide la escala en 6 tonos iguales): DO, RE, MI, FA sostenido, SOL
sostenido, LA sostenido y do. Puesto que todos los intervalos son idénticos se
da una verdadera atonalidad. Se pierde el carácter de la escala mayor, lo cual
es un excelente recurso para las evasivas melodía y armonías del
impresionismo debido a que su ámbito es muy reducido.
-La armonía está privada de funciones, en lugar de expresar tensiones de
grados armónicos en el interior de la tonalidad misma o por medio de
modulaciones, se desprenden de vez en cuando complejos armónicos,
estáticos en sí mismos.
-Empleo de pedal al que se le contraponía una armonía transitoria (armonía
sostenida y armonía transitoria).
-Estructura armónica que está duplicada en tonos sucesivos.
-Se emplean los acordes de novena sin necesidad de preparación y
resolución.
-Armonías dispersas entre muchos instrumentos.
-Utilización de acordes no resueltos.
-Cadencias preparadas que no llegan.
-El acorde final asume la función de acorde de reposo no por ser consonante,
sino por ser menos disonante que el que le precede.

LA ESTÉTICA
-Movimiento estético del siglo XIX y comienzos del siglo XX. 1865 – 1874.
-Se manifiesta en pintura, literatura y música.
-París fue el centro de este estilo.
-Tiene una gran dosis de rebelión contra los modos tradicionales del
romanticismo, aunque guarda ciertos aspectos de esta.
-La estética impresionista es diferente a la romántica.
-Toda estética necesita de unos medios para ser expresada.
-Coloca al individuo en centro del universo y el individuo percibe las
sensaciones del exterior y las refleja en su arte.
-El impresionismo no trata de expresar sentimientos. Trata de evocar un
clima, reflejar la sensación momentánea que algo exterior produce. Para ello
necesita un lenguaje sutil, refinado, que exprese las sensaciones.
-El arte impresionista es un arte de sugerencias e no decirlo todo.

LA INSTRUMENTACIÓN
-La técnica orquestal de Debussy no usa más la orquesta como un conjunto
de grupos de instrumentos, sino que cada instrumento tendrá su función
individual y precisa.
-Flautas y clarinetes se emplea en su oscuro registro inferior.
-Los violines en su luminosa región superior.
-Trompetas y cornos con sordina.
-Un fondo sutil de arpa, celesta, triangulo, tambor apagado y a veces un
platillo ligeramente frotado con un palillo de tambor (contrapunto de
sonoridad).
-Se utilizan los registros extremos de los instrumentos.
-Sonidos puros de los instrumentos para respetar la pureza de cada timbre
sin redoblarlo ni mezclarlo lo que da una sonoridad más discreta.

CARACTERÍSTICAS
-Corriente sonora que oculte el compás y libere a la música de la barra de
compás. Este fluir continuo es característico del impresionismo.
-La forma es imprecisa excluye todo “desarrollo”... no hay un “final”.
-El impresionismo inició la tendencia de siglo XX a considerar el acorde como
una entidad en sí misma, con derechos propios.