Apreciación musical 1

Contenidos de evaluación 3º 2016

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 Concerto grosso: se le atribuye a Arcángelo Corelli (1653-1713) cuya forma no está muy definida y
oscila entre una forma suite constituida por varios movimientos contrastantes (rápido-lento).
Básicamente el estilo concertante consiste en la alternancia de un pequeño grupo de instrumentos
(concertini –en plural) y el resto de la orquesta de cuerdas barroca (tutti o grosso). Prima lo musical
por sobre lo virtuosista. Características estilísticas: alternancia de tempo rápido-lento, polaridad
bajo continuo-melodía aguda; alternancia de texturas polifónica-homofónica; alternancia pocos
instrumentos-muchos; contraste dinámicas: f - p)

Concerto grosso alla rustica de Les Luthiers (Argentina-sigloXX-humorístico).

Concertini: quena, charango y bombo. Ritmo carnavalito en 2/4, sistema pentatónico
Grosso o tutti: resto de la orquesta de cuerdas y bajo contínuo. Sistema tonal.

  http://www.youtube.com/watch?v=oPOCkqwWDKs

Concierto para solista y orquesta: Las cuatro Estaciones, de Antonio Vivaldi (1678-1791) época y estilo:
barroco italiano
 Forma concierto: 3 movimientos tipo allegro, lento, vivace
 Orquesta barroca (cuerdas y continuo –clave+chelo -) y violìn solista
 1º movimiento: forma T (tutti-orquesta tema principal)- S (solo-episodio violìn) quedando
entonces T-S-T-S-T-S-T, etc. El Tutti se repite con ciertas variaciones (ritornello).
 Se basa en un texto poético, antecedente de música programática.
 Se compara semejanzas y diferencias con los mismos movimientos de Las estaciones
porteñas de Astor Piazzolla (arg.-siglo XX) principalmente La primavera y El Otoño.
Las cuatro estaciones es el título de Cuatro conciertos para Violín y Orquesta y unas de las obras más
recordadas y admiradas de Antonio Vivaldi. Éstas se encuentran contenidas en "Il cimento dell'armonia e
dell'inventione" Op.8. El libro comienza con Las cuatro estaciones, una obra descriptiva o programática que
contiene cuatro conciertos (La primavera, El verano, El otoño y El invierno) que evocan, a través de
elementos de lenguaje musical, distintos aspectos de las estaciones del año. La obra se divide en cuatro
conciertos para violín y orquesta barroca, cada uno de los cuales sigue un programa distinto, según puede
seguirse en los siguientes sonetos.
Concierto n. º 1 en Mi mayor, op. 8, RV 269, "La Primavera"
1) Allegro - 2) Largo - 3) Allegro Pastorale
Concierto n. º 2 en sol menor, op. 8, RV 315, "El Verano"
1) Allegro non molto - 2) (Adagio e piano – Presto) – 3) Presto e forte
Concierto n. º 3 en Fa Mayor, op. 8, RV 293, "El Otoño”
1) Allegro - 2) Adagio molto -3) Allegro
Concierto n. º 4 en Fa menor, op. 8, RV 297, "El Invierno”
1) Allegro non molto – 2) Largo – 3) Allegro
♪ Audición: Cuatro estaciones de A. Vivaldi. La Primavera 1º movimiento:
https://www.youtube.com/watch?v=TKthRw4KjEg

La armonía en el Barroco:
La armonía en el Barroco temprano se concibe en términos de acordes pero sin tener todavía
direccionalidad tonal, conserva vestigios de la tradición Renacentista. Se trata de una experimentación
sobre los acordes y su poder expresivo. Por ejemplo el aria Tu sei morta de la ópera L’Orfeo de Monteverdi.
https://www.youtube.com/watch?v=8ll_u870PG8

Ya instalada la armonía tonal el interés tonal está centrado en las progresiones de combinaciones
armónicas, a diferencia del Renacimiento donde la armonía se limitaba a las progresiones de
combinaciones de intervalos (textura polifónica).
La diferencia más evidente con respecto a la época anterior del Renacimiento reside en el tratamiento de
la disonancia. Esta no es todavía una disonancia de acordes sino de una voz disonante en la melodía contra
un acorde consonante que crea una tensión armónica. Nuevamente tenemos el principio de contraste.
 Por el 1600 se pasa de una armonía fundada en intervalos, a una armonía fundada en los
acordes, y de la disonancia preparada a la disonancia no preparada (las disonancias como las
7º y las 9º) se justifican con la expresividad de las palabras.
 El acorde ya no es el resultado de una simultaneidad de voces polifónicas, sino es una
entidad propia que puede oponerse a la disonancia de la melodía. Durante la 2º mitad del
siglo XVII se elabora un sistema armónico clásico (I-IV-V) y un encadenamiento de
fundamentales por quintas descendentes (I-IV-VII-III-VI-II-V-I).
 Acordes de 7º de dominante, se convierte en una consonancia de base (no necesita
preparación). Los acordes de 7º (salvo en el primer grado) serán cada vez más importantes.
Reforzarán la cadencia perfecta y asentarán la tonalidad. Pero eso no se generalizará su uso
hasta 1750. En las obras de J.S.Bach todavía escucharemos la combinación de las nuevas
tonalidades (mayor/menor) y la antigua armonía modal.

El bajo continuo: es el fundamento sobre el que se apoya todo el edificio armónico y melódico de la música
barroca. La novedad del Barroco va a ser la importancia del bajo y la polarización entre éste y la voz
superior. Las partes intermedias eran dejadas a discreción del continuista que lo improvisaba, pues la
estructura de los extremos estaba asegurada.
No hay que confundir el “bajo continuo” con el “bajo cifrado”. El primero está formado por la nota más
grave que se oye en ese momento y que sostiene la melodía. Lo integran un instrumento armónico (clave,
órgano, laúd, arpa) y otro melódico que refuerza el bajo (chelo, viola da gamba, contrabajo); es decir son
dos instrumentos los que hacen el bajo continuo.
El bajo cifrado se refiere a la notación de la armonía donde se utilizan los grados tonales (I-IV-V)
acompañados por números pequeños que indican si esos grados tonales se encuentran en alguna
inversión, si son de 7º, etc. Por ejemplo: I6 V6/4 I5, : el primero indica acorde de tónica en primera
inversión, el segundo dominante en 2º inversión y por último tónica en estado fundamental, también se
puede indicar solo (I). El continuista tiene libertad para rellenar o improvisar las notas intermedias de la
armonía.
Otra diferencia es el bajo ostinato: una secuencia melódica -por ejemplo los dos primeros compases del
Canon en Re M de Pachelbel-, que se repiten a lo largo de toda la obra en el registro grave, lleva en sí
mismo implícita la armonía, se utiliza sobre todo en las variaciones. Es como un antecesor del “loop”.
Las analogías entre el Barroco y el Jazz:
A libertad interpretativa del Barroco acerca este estilo al Jazz. Por ejemplo rítmicamente también pueden
aplicarse en el jazz irregularidades (dos corcheas se tocan “atresilladas”). Tanto el barroco como el jazz
tienen la 7º como intervalo característico en su armonía. También nos recuerdan ambos estilos al “bajo
contínuo” o groove, ese “chasis” ritmico-armónico que hace caminar la obra o el arreglo sobre la cual se
improvisa en base a un motivo.
La textura en el Barroco:
Si en el Renacimiento había un estado de equilibrio entre lo horizontal y lo vertical, en el barroco
podemos ver una inclinación total por la verticalidad y por la noción del acorde en sí dando lugar a la
textura Homofónica o Monodia acompañada (armónicamente). Los extremos se intensifican como en toda
música dramática, de contrastes. Se da primacía a la voz soprano (superior) encargada de interpretar el
texto poético; los demás sonidos apoyaban e ilustraban ese discurso, sostenidas el 2º plano por el bajo
contínuo.
El bajo continuo se convierte en sustentador de la textura armónica que se construye sobre él y al mismo
tiempo en el estabilizador de la monodia barroca (recitativos). El bajo continuo es el procedimiento por el
cual la polifonía se encamina hacia la homofonía, desaparecerá en el momento en que ya no sea necesario
para sostener ese cambio, por haberse completado. Por 1750 pasaremos del bajo continuo al
acompañamiento, mucho más sutil, pues ya no habrá que expresar toda la armonía en cada acorde.
Textura homofónica: en un polo la melodía (soprano, violín, etc); en el otro polo en bajo continuo y en el
medio el relleno armónico: cantar (voces superiores), sostener (bajo continuo) y rellenar (voces
intermedias)

A partir de 1750 la función del bajo continuo va a declinar hasta desaparecer a fines del siglo XVIII, para dar
paso a la función de acompañamiento de la melodía.
La textura polifónica la encontramos en el canon, la fuga, pasajes estilo concertante.

Formas musicales: ópera; cantata; oratorio; pasión.

Todas tienen en común que están estructuradas en base a coros; recitativos y arias según la temática (religiosa
o profana) que da gran libertad al compositor para generar variedad y dramatismo dentro de la unidad. Los
términos “aria da capo” y “recitativo” empiezan a definirse: mientras el recitativo explica la acción el aria da
capo da el carácter a través de la música. El aria da capo se repite dos veces el tema principal: A B A y en la
segunda repetición se agregan adornos e improvisaciones porque el texto ya se entendió la primera vez que era
lo importante.

ORATORIO: El Mesías de G. Haendel

Aria para soprano del Oratorio El Mesías de G. Haendel: Rejoice.

https://www.youtube.com/watch?v=nNt1Qj4MA6M.
Temas A y B. Uso de coloraturas en el tema A. Pasajes de bravura: la dificultad reside principalmente en el uso
de un estilo instrumental pero aplicado a la voz como el cierre de frases con trinos por ejemplo.

Frecuentemente la textura polifónica y la homofónica se dan en una misma obra como elemento de
contraste. En la textura polifónica es en estilo fugado.
Coro mixto y orquesta barroca (original) -según la versión tendrá o no bajo contínuo y se interpretará con
una versión instrumental de cámara o con orquesta sinfónica.

Coro del Oratorio: El Allelluia de “El Mesías” de Haendel.

Link. https://www.youtube.com/watch?v=SVcmMPlZ5EY

CANTATA:
Cantata nº 4 de J. S. Bach. Completa.
Ver aria para soprano y contralto
https://www.youtube.com/watch?v=C_PinoZvY5Q

OPERA
Griselda de A. Vivaldi
Versión aria Agitata Da Due Venti, mezzosopranos Vivica Genaux. Uso de coloraturas y vibrato de labio:
https://www.youtube.com/watch?v=bnIxa-QUL5U

Y Cecilia Bartoli: https://www.youtube.com/watch?v=H4It44mYw2I

PASION
Pasión según San Mateo de J.S. Bach
Recitativo de barítono,23’:23’’ https://www.youtube.com/watch?v=jm1os4VzTgA

Recitativo. Habla-cantada que recita la acción del argumento.

Suite antigua o barroca: conjunto de piezas instrumentales derivadas de danzas renacentistas combinadas
para ejecutarse seguidas. Principales piezas Allemande, Courante, Zarabanda, Giga. Opcionales: Bourrèe I y
II; Gavota I y II; Minuet I y II.
 Seis suites para chelo de J.S.Bach
Una característica de estas suites es que estan precedidas cada una por un preludio muy
elaborado en base a un motivo característico
 Todas las piezas de la suite comparten la misma tonalidad aunque puede cambiar de modo
(mayor/menor)
 Cada pieza consta de una forma binaria con un plan tonal característico
 Su carácter danzable se pierde bajo una escritura muy estilizada y elaborada. Son piezas
para escuchar.
 Se analizan los motivos de los preludios, especialmente el preludio de la suite 1 y 2 para
cello de J.S.Bach.

Preludio suite nº1. Esta melodía se genera a partir de un motivo de 8 semicorcheas que luego es
variado a diferentes alturas (progresión) con o sin modulaciones (cambio de centro tonal).
Compara esta versión cello de Mstislav Rostropovich.
http://www.youtube.com/watch?v=LU_QR_FTt3E,

Puedes comparar las interpretaciones de los 6 cellistas más importantes del siglo XX.
http://www.youtube.com/watch?v=fVDHC-_ybOQ
 Prelude, Bach Cello Suite 1 in G major, BWV 1007. Pablo Casals (rec. 1930's), Pierre Fournier
(1961?), Jacqueline du Pré (1962), Janos Starker (1965), Yo-Yo Ma (1983), Mstislav Rostropovich
(1991).