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Bibliografía recomendada:
monografía de Velázquez de Valdovinos(el profesor)
“corpus velazqueño” 2000, dos tomos.
Carmen Garrido “Velázquez técnica y evolución” 1992. El Prado
*Centro de investigación: calle albasanz,26
EL PRINCIPIO:
Curiosamente, en 1658 se abrió un expediente para que entrara Velázquez en la orden de santiago. Y
el tuvo que decir quienes eran sus padres y quien sus abuelos. Se hacia una investigación para ver
que no habían trabajado de oficio vil. Cambió los apellidos parcialmente de sus padres. De los
abuelos maternos se los inventó y de los paternos, por dificultar la investigación, dijo que eran de
Oporto.(Portugal en el '58 ya eran independientes) ¿Por cuales los cambia?
El padre: JUAN RODRIGUEZ DE SILVA:
el abuelo: RODRIGUEZ
la abuela: DE SILVA
Por parte materna:
Juan Velázquez
Catalina de sayas
cambió los apellidos.
Consideraron que esta historia tenia que ver porque tenían antecedentes judíos o moriscos. Pero el
asunto no estaba en esto; era una cuestión de no haber ejercido sus parientes anteriores oficios(no
haber vivido de las manos)
Su abuelo era confeccionario(boticario) y el otro calcetero
El padre de Velázquez: en la boda no queda claro que profesión tenia el padre. Como testigo de la
boda fue Simón de Pineda escribano: en la época es diferente. Entre notarios y escribanos: los
notarios eran de documentación eclesiástica y los escribanos de lo civil. En los últimos años han
dicho que el era un jurista de prestigio. Si el era un jurista, ¿porque su primer hijo se metió a
pintor?ademas no fue ninguno de los hijos juristas(De sus hermanos: el primero : Juan(1601)pintor;
después Fernando (04) , Silvestre(06)murió pronto y también iba para pintor, Juana , Roque,
Francisco, Francisca.)
No se interpretó con corrección los textos del momento: 1620 aparece el padre del pintor ”notario
eclesiástico dependiente del fiscal de los estamentos” : no era un personaje de importancia: era
“escribiente”. En el '33-'34 pasó a ser “notario eclesiástico del juez de la iglesia” seguía siendo
segundón, pero con mas nivel. En el '40 aparece como “secretario del juez de la iglesia”. En el '44
como “notario mayor del juez de la iglesia”.todo esto no significa tener conocimientos jurídicos, es
un ayudante. Pero no sabemos por qué, al morir, aparece que, el que fue consuegro del padre de
Velázquez, FRANCISCO PACHECO, escribió un libro, “el arte de la pintura” en el que nombra a
Velázquez, en 1638 dice:”y no parando el pecho real en tantas mercedes,en 7 años, ha dado a su
padre 3 oficios diferentes de secretarios de 1000 ducados cada año...”(por parte del rey)
APRENDIZAJE DE VELÁZQUEZ
No se sabe nada desde que se bautiza hasta el contrato de aprendizaje. El padre o el tutor firma el
contrato, que se hace con Francisco Pacheco. 17 de noviembre de 1611.
“Palomino” pintor y tratadista, dice que “fue discípulo de Francisco de Herrera antes que de
Francisco Pacheco. El profesor no cree que sea verdad. Se fundamentan en que, cuando se examinó
para maestro, dice que “ha aprendido con maestros “examinados”. Al hablar en plural es una mera
formula de plantilla. Ademas, Velázquez se examinó antes que Herrera( Velázquez '17 y Herrera
'19) Francisco Pachecho dice en su libro: que alguien presumía de ser maestro de Velázquez, pero
era mentira y había que callarle la boca.(referido A herrera, que era un poco mentirosillo)
Aunque se firma el 11, empieza a aprender el 1/12/10: en este tiempo se veía si el aprendiz era
bueno y también se ve si el maestro era bueno con el aprendiz. Contrato para 6 años. (Es el tiempo
normal.)
Su contrato es un “contrato tipo”:
por un lado, Pacheco dice que le va a enseñar el “arte de la pintura” importante que dice ARTE y no
OFICIO. Se consideraba oficio por el estado, pero los artífices querían que se clasificara de ARTE.
Para el arte hay algo mas que el uso de las manos; hay inteligencia.Además la exigencia fiscal de
los artífices era mas beneficiosa que la de los oficiales
CONDICIONES: el aprendiz vive con el maestro. El maestro le da comida, bebida, vestido,
calzado, casa y cama. Se ocupa de sus enfermedades( con tal de que no supere los 15 días(si no se
tiene que ocupar de él su padre)). Tenia que enseñarle el arte sin encubrir cosa alguna. Cuando
acabe el aprendizaje, tenia que darle “vestido nuevo”. En algunos contratos se pagaba al maestro,
pero aquí no. Si se escapa el aprendiz o causaba perjuicio el padre paga 5000 maravedíes(la
moneda: un ducado son 11 reales, y un real son 34 maravedíes). Debía de ganar el jornal de un
oficial(referido al 2º grado del pintor(aprendiz, oficial, maestro)).
Algun autor dice que Pacheco fue a Madrid en la primavera-verano en el año '11. y se ha querido
ver que se fue con él Velázquez. El profesor dice que no, porque sería una carga. En la ida o la
vuelta, Pacheco paró en Toledo, y allí estaba el Greco. El Greco le enseño todas las obras que había
hecho en pequeños lienzos.
en un principio Velázquez sería una carga, pero en el momento en el que aprenda un poco podía
ayudar a su maestro.
*las medidas de los cuadros: Una vara(castellana)mide 83,59 cm.(que redondean a 84 cm)
Pachecho: tiene una pintura un poco seca; él está interesado en lo iconografico mas que en lo
estético.
Ahora, la pintura de Velázquez no se parece a lo que pintaba a pacheco. Lo adelantó.
Velázquez siguió sus procedimientos técnicos. La manera de preparar los lienzos( lo sabemos por
sus escritos.)
Iconograficamente, Pacheco dedica muchas paginas a los aspectos iconograficos, era muy estricto.
Y Velázquez aprendió mucho de esto.
Las tertulias de Pacheco: iba gente muy culta. Tanto por la iglesia como por ejemplo, poetas. No
mucha gente nobiliaria(como el 3ª duque del alcalá). Iban a su casa. Y trataban cosas de cierto nivel.
Posiblemente a Velázquez se le pegó alguna cosa
Una vez acabado el aprendizaje, debía de pasar el examen. Acaba el 1/12/1616. Dos meses después
hizo el examen. La aprobación de maestro es del 14/3/1617. Lo hicieron Juan de Uceda y su propio
maestro(en Sevilla no estaba prohibido que el maestro hiciera el examen). La carta de examen tiene
también términos de “plantilla”, así que no se sabe bien que hizo el examen. Tenia que hacer algún
dibujo/pintura y también una pregunta teórica.
Le aprueban como”pintor de imagenería y a oleo”(pintor de figuras)
Una vez que se es maestro, se casaban. 23/04/18. se casó con la hija de Pacheco(era normal casarse
con la hija del maestro).Pacheco en su libro dice: que lo casó con su hija por sus virtudes. El
padrino de su esposa fue un personaje importante: don Cristobal Suarez de Rivera.
Hay varios testigos de la boda. En la boda hubo un debate a propósito de la formula de la
consagración de la ¿?
A Juana Pacheco le dio como dote su abuela unas casas en la Almeda y su padre 500 ducados en
ajuar.
Tuvo dos hijas: Francisca(18/05/1619) e Ignacia(29/enero/21) murió muy pequeña. Nombre por san
Ignacio de antioquia(que se celebra el 1 de febrero.)
Entre el nacimiento de las dos hijas, acepto a un aprendiz: Diego de ¿Melgar?. Con un contrato de 6
años similar al de Velázquez. Que era hijo de escribiente. Lo traspasó a Francisco López Caro, que
también fue alumno de Pacheco. Porque Velázquez iba a ir próximamente a Madrid.
Juan Velázquez aparece en el año '22 en Sevilla. Cuando Diego se iba a Madrid. Aparece como
pintor de imagineria. Primera noticia segura de que su hermano era pintor.
GENERALIDADES:
-técnica: la mejor imprimación y mas suave es este barro que se usa en Sevilla molido en polvo y
templado en losa con aceite de linaza(lino) Se puede añadir un poco de albayalde(Pacheco lo dice, y
Velázquez así lo hace en Sevilla).Saldría el barro del guadalquivir.
En principio el barro es marrón. Si lo mezclas con albayalde(blanco de plomo) se aclara.
-Los géneros: hizo 3
a. cuadros religiosos: es lo normal. Ademas en Sevilla habían muchísimos conventos. Con tantas
dependencias que tienen es lo normal que se cubran con pintura.( La tendencia era contar la historia
de la orden).
b. bodegones: los pinta con innovación: Antes NO habían bodegones (en España por lo menos).No
es lo que entendemos ahora; antes se llama así para hablar de (según de Cobarrubias en su “tesoro
de lengua castellana”) “lugar publico para comer de manera humilde donde se consumían despojos
y asaduras”o”sótano o portal bajo donde se guarda el vino para la gente que no tiene quien le guise
la comida” lo resumimos en lugar para comer, guisar y humilde. Así que en este tipo de tema
necesita una persona por lo menos.
A mitad del XVII los bodegones pasaron de moda, porque se pintan pobres. La palabra a partir de
entonces evoluciona: Palomino dirá en el siglo XVIII que el bodegón son “cosas comestibles”. Y el
diccionario de autoridades de Felipe V habla de “trozos de carnes y pescados que comen las gentes
bajas”.
Este genero surge de la nada: los precedentes no es lo que Velázquez hace.
IMG cesto de frutas de la ambrosiana. Es un subgénero de lo que hace Velázquez.
Ambrosio figino tiene un plato de melocotones dos años antes de la obra de Caravaggio.
Esto de caravaggio también se hizo en España:
dos fruteros podrían ser o de “blas del prado” o “anónimo español”. Él piensa que si son de Blas.
Toledano que Muere en 1599. Está claro que hacia cuadros de flores y de frutas. Blas fue el maestro
de Juan Sanchez Cotán.(que hizo frutas) firmadas en 1602.
volviendo a Italia, otro tipo de pinturas dentro de este saco: las tiendas:
también salen personas.
IMG la carnicería de Passarotti.
Aunque sigue sin ser un lugar donde se come. Pero que tiene mas relación.
Por efectos de la contrarreforma suele haber conceptos moralizantes que antes se entendían bien.
Otra tienda: con diversos animales colgando. Aquí viene una familia a comprar.
juan Esteban, de ubeda, 1606
Peter aertsem; flamenco. Nació en holanda. Y se traslada a Amberes. 1508 nace mas menos. Muere
en 1575. Tuvo un sobrino, Beuckaer, que nació en el '30. Resulta que los dos trabajan en amberes.
Hacen pinturas en que aparecen a veces(porque también hay tiendas) cocinas y este tipo de obras
como la que vemos: para Brown fue importante para Velázquez.
IMG de estampa de Jacop matham graba esta lamina a partir de un cuadro de Aertsen(y otras mas)
Estas estampas flamencas circulan por Sevilla. Serán importantes para Velázquez en un aspecto:
Velázquez hizo unas obras en las que hay una escena de cocina en primer termino y en segundo una
escena bíblica(como la estampa y en el cuadro de Beuckaer.)
Pero también podemos decir que Pacheco pintó una obra del “martirio y curación de San
sebastián”·.1616, que tiene también escena primaria y secundaria.
Pero Velázquez solo hizo dos con escena evangélica al fondo y delante cocina.
Ademas vemos que los cuadros de Beuckaer tienen comidas suculentas, como la de Aertsen. Y en la
de Velázquez tiene austeridad. Tampoco tiene el mismo color. A parte de que en las obras de los
flamencos la crítica contra la gula y lujuria deben de leerse en esta pinturas, gula ni lujuria
aparecen en la obra de Velázquez.
Por lo que todo lo relacionado con los bodegones se pueden relaciona mejor con Caravaggio que
con los flamencos.
c) retrato: No hizo muchos(hizo 3). No era normal un retrato a secas( sin necesidad de estar
incluido en una obra religiosa o de otro tipo). No se llevaba en Sevilla(Pacheco sólo hizo uno)
-El realismo:tiene en su origen en Caravaggio. Lo que no quiere decir que viera un caravaggio en
Sevilla: el texto de Mancini: se refiere a caravaggio diciendo que llevó obras a (o a Sicilia o a
Sevilla)
ahora lo caravaggista puede llegar por otras fuentes; como copias.
IMG de El martirio de S. Pedro
IMG La virgen de los peregrinos.
IMG prendimiento de Cristo
IMG la buenaventura
IMG los tramposos.
Vio en directo obras de Oracio Borgiani. Tiene huellas caravaggistas. trabajó en España,
seguramente en Toledo y colmenar de oreja.
Pudo ver obras que dejó Borgiani. Ademas de las que mandó después.
Ribera: trabajó en Roma. Como la “serie de los 5 sentidos”. No se sabe si estuvieron en España.
Fue encargado por un aragonés: pedro cosida. Así que estas obras irían pronto a España, al igual
que la “serie de los apóstoles”.
Vemos elementos que hay aquí en Velázquez. No sabemos si vio los originales, pero si algo
parecido.
Pintura:
Caravaggio y Velázquez utilizan composiciones de medias figuras. Están en torno a una mesa.
Los personajes son de clase social baja. Sin mucho interés por el espacio. Suelen ser escenas mas
bien silenciosas y con escaso sentido dramático.
Bodegones apaisados(por ser de medio cuerpo) no son grandes(dos tercias y vara y cuarta de largo)
contrapone edad y sexo(ensaya toda posibilidad).personajes de frente, de perfil y tres cuartos. Los
comestibles son un repertorio muy limitado: pan vino pescado mejillones alguna fruta
berenjenas, nabos, ñoras. Ajos, cebollas, y caja de dulce.
La clientela:
sabemos poco: el duque de Alcalá que estuvo en Sevilla desde el '98 hasta el '19. consta en su
inventario de dos lienzos de Velázquez.
Nicolas de omazur tuvo tres cuadros de Velázquez. Aparece en Sevilla cuando ya estaba muerto
Velázquez. En su inventario: niño con melón y vieja con huevos, también hombres a la mesa.
Don juan de Fonseca, a quien Velázquez regaló el aguador.
Pacheco regala un bodegón a Francisco de Rioja. Aprecia la pintura y por eso podría ser acaparador
de obra de Velázquez.
BODEGONES
24/02
Otro almuerzo-
budapest.
El cuadro se ha restaurado(porque estaba muy sucio).
En budapest no les daba para limpiarlo y lo
mandaron a la national gallery. Limpiaron el cuadro
y ahora el profesor duda que sea de Velázquez.
Al viejo de la izquierda: ha quedado duro el
tratamiento de las telas
Tiene un bodegón típico de Velázquez(muy pobre)
pescado, pan..
extrañan unas cosas: es un sitio de pobres, y el salero
es como mínimo de bronce. No pega en un bodegón.
Tampoco pega la copa: es de cadalso(fabrica vidriera
de Madrid).
todas estas incoherencias no están en Velázquez.
La muchacha: no hay personajes así en Velázquez, en la posición y forma dinámica de estar
sirviendo
Tiende demasiada claridad y perfiles evidentes.
Foto en blanco u negro: podría ser el mismo cuadro retocado u otro cuadro. El cuadro de budapest
se cortó. ¿y si era como el de la izquierda? Entonces seguro que no es de Velázquez, porque nunca
cuelga animales al fondo(solo tardíamente, y nunca en bodegón)
El joven: por una parte señala con el dedo. Parece un gesto superfluo, en el cuadro anterior estaba
claro que señalaba al niño.
Ahora mira la cara y el cuello:
Cabeza de joven(hermitage)(17-18)
es una obra pequeña(39x36).
Diferente expresión. Aquí si hay plieques como hemos dicho(3 lineas
paralelas sombreadas) tanto el cuello como la frente.
Velazquez hace mucho UN TRIANGULO DE LUZ. En el cuello. Y en
el de budapest no aparece.
Francisco López Caro. Bodegón
único de este aprendiz de pacheco.
Se ve la linea de Velázquez, pero diferente. El si
cuelga animales.
No es una mesa de comedor, es mas de cocina.
1)Del fondo, se pensó que era un cuadro, o espejo, .Pero es absurdo, porque con toda la humildad
no habría un cuadro,o un espejo. La cocinera no pierde el tiempo
la ventana:entre la cocina y el comedor había un hueco de ventana(era lo normal).
Las escenas suceden al mismo tiempo
cherry también dijo que la distancia física es la metáfora de la distancia temporal.
el cuadro no está muy buen conservado.
En 1933 se limpió y apareció la escena de los discípulos de emaus. Estaba tapada: ¿porque? O por
el estado de conservación o porque se vende mejor como costumbrista que con escena bíblica.
El cuadro se cortó. falta un discípulo
Interpretaciones:
-instrucción para remediar que los negros pudieran bautizarse(1614). La criada es mulata, y hay que
bautizarla....
-no hay nada de comer porque solo basta con el cuerpo de cristo
-la salvación de cristo se extiende hasta a los marginados
al fondo: claro está que es cristo. Y la figura sentada a sus pies es María, vestida de amarillo.
Pero la otra figura se discute:
es Marta. Para que va a contar la escena evangélica de otra manera.
Es una escena muy pequeña y muy bien conseguida. La mejor que ha hecho hasta el momento.
Las figuras del primer plano:
la vieja es la mujer de pacheco. Es lo que han dicho. Pero ya si pones una madre, porque no pones
la madre de Velázquez?
Y la joven: se dice que es Marta, pero no, porque nunca repite los personajes en diferentes escenas.
La joven tiene cara de compungida. La mayor le echa la bronca.
OBRAS RELIGIOSAS
Las dos primeras(son pareja: encargadas a la vez, iconografia relacionadas entre ellas, misma
medida,...):
1 nuestra señora de la concepción
inmaculada
Lo que dijo Pacheco: que tenia que ser anciano(y es muy joven). Tiene unos rasgos muy
marcados(modelo del natural: el propone que es parecido a su hermano.) es un personaje “rudo”
para representar a un santo: caravaggio fue uno de los primeros que utilizo modelos corrientes para
hacer a los santos.
El cruce de las piernas del santo ya se vio en caravaggio.
El libro, el águila..sus atributos. Tiene un levisimo nimbo.
El pliegue de los paños es especie de curva-contracurva, es muy tipici de esta época.
Luces tenebristas. Que también vienen de caravaggio.
REALISMO: el libro tiene las puntas arrugaras, estropeados.
La adoración de los magos 1619 (la fecha está clara porque está
firmada)
esta si que si es de Velázquez. Lienzo: mantenillo veneciano:es
especial.
cuadro para altar: dos varas y media por vara y media.
1764: pintor de Sevilla Juan espinal. Hace una lista de los cuadros
importantes de Sevilla, encargo de antonio ponz.
En esta lista aparece, en el noviciado de los jesuitas. se hizo en
1610: “de Diego Velázquez una adoración de los reyes en la capilla
grande de los novicios”. De aquí pasó al alcázar de Sevilla.
en cuanto a técnica:
vemos el barro sevillano
no hay color verde, tenemos azul de esmalte y de azurita. (el de esmalte decolora)
con el mango de pincel hizo algún perfil
arrepentimientos: el velo antes le ocupaba mas de lo que ocupa ahora.( la virgen, Su prima=?¿)
También al niño.
Antes había mas paisaje. como uso azul de esmalte ahora se ve muy oscuro.
En la esquina superior de la izquierda se ve un rallito: la
Cabeza
38 cm. No acaba de cuadrar con los otros.
Estampa de fan der valcer
2/03
LOS RETRATOS
conocemos 3
dos están fechados: uno es del año '20. fechado en la pintura. Por documentos, el segundo también
es del '20. y el tercero no se sabe, debe de ser del ¿?
la monja nació en el 55. tenia 65 años. Entró joven en el convento. Mujer de gran santidad y con
dotes de organización. Consta que la reina margarita le pidió consejo mas de una vez.
Su orden y el consejo de indias la mandaron a manila para fundar allí clarisas franciscanas.
Salió del convento de toledo el 28 de abril del 20. fue a Sevilla
el 5 de julio embarcó.
Así que se la retrató en mayo-junio
como era mayor, sabían que no iban a verla por toledo otra vez. Así que encargaron su retrato, por
su gran santidad
su propia orden encargaría el cuadro.
Se ha examinado técnicamente: los pigmentos = que en la adoración de los magos.
Velázquez aquí no tiene muchos arrepentimientos. Lo hizo con mucha seguridad.
Si hay algo interesante: a la derecha arriba hay unos rallajos: en realidad eso es la limpieza de
pinceles: luego se tapaba, pero lo que pasa que con el tiempo salen.
Representación de la monja es fortísima:
brown dice que es “ indomable”
por lo visto no quería que la retrataran.
Capta la espiritualidad de esta mujer.
Es una obra simple: austeridad en el fondo; tono gris parduzco. Y solo destaca el blanco y la piel de
la monja
ha aclarado el perfil por la derecha y por arriba para descubrir el perfil de la monja.
PRIMERA FIGURA EN PIE QUE HACE
Encima del ojo izquierdo tiene un bulto. Tiene manchas en la piel: no ha embellecido nada. Lo que
interesa es el espíritu.
retrato anónimo
41x36
cuando es un retrato para “regalar” se hacen mas pequeños. Así
que por en tamaño vemos que es de un personaje del entorno.
abajo a la derecha cruz aspada de san andrés:Es la señal que
pusieron en el inventario de Felipe V, que se hizo cuando murió
en 1746.
se piensa que es Pacheco. En el XX se dijo y nadie lo ha
discutido
el profesor ha dicho: y porque no es el padre de Velázquez¿?
Lo de que es Pacheco se basan en un Juicio final de Pacheco. En
el que dice que se autoretrató.
Hace pocos años apareció el cuadro y lo compró el museo goya.
Es el de la izquierda del todo, la segunda cara. En el lado de los
salvados.
Y dicen que es “igualito”
la gorguera: casi no termina la parte en sombra. por esto que se piensa que era para un familiar
Hay Blanco de Bario, pero no es original. Se retoca en el SXVIII. XIX
lleva 7 botones
la manera de dar las pinceladas de las patillas a pinceladas superpuesta es una cosa muy
característica suya
usa gorguera: cuello de los varones entonces. A veces se hace almidonado, como en algunos retratos
del greco en la etapa final
estas necesitaban muchísima tela. Por lo que piensan que no se van a hacer mas gorgueras
febrero 1623: orden en la que prohiben las gorgueras
así que a partir de este año llevan un cuello llamado golilla o valona. Y entonces, si este cuadro
lleva gorguera, tiene que ser anterior al '23.
el no la almidona en esta obra, así la tela está mas suelta
utiliza un tratamiento de la luz magnifica.
Retrato de gongora
en Boston.
Este retrato estaba pensado con corona de laurel, pero se borró.
Sería por encargo de Pacheco: para su obra de “descripción de
verdaderos retratos de ilustres y memorables varones”.
Muchos grabados para este libro llevaban corona de laurel
gongora era clérigo en una capilla en Madrid. Vino aquí el '17. el
'19 lo hicieron capellán real, hasta el '26.
lleva el cuello de clérigo. En el fondo aparece algo que ahora lo
desarrollará: lo divide en dos. En contraste luz-sombra en
relación con la luz de la cara(fondo oscuro claro cara clara
oscuro)
tiene algún arrepentimiento.
Grandisimo realismo; tal como era.
otros dos:
el de en medio: museo Lazaro Galdiano. El no cree que sea Velázquez, el fondo es uniforme
el de la derecha: prado. Es un
poco mas feo.
Otro que tiene el prado: en la
academia de la historia: con
manos, bonete...
Dicen que pasó por toledo a ver obra del greco y conocer a Tristán, y de ser así, no tuvo influencia
ninguna
la virgen acompañada de las santas vírgenes: una lleva una palma de mártir.
Este hombre murió en 668-9
la obra de fixila dicen que fue la fuente de este cuadro
pero el profesor dice que seria el de francisco portocarrero en 1616 publicó el “libro de la
descensión”, donde cuenta la historia de fixila y la de san ildefonso
juan de jauregui participó en un certamen poético en el '16, por que se terminó una capilla de
toledo. En honor a san ildefonso como gran santo de toledo.
Ildefonso defendió la virginidad de la virgen
composición: pone a misma altura a la virgen y a las otras vírgenes. Las santas hablan entre ellas.,
dos de ellas peinan a la virgen.
Con la casulla hace una forma triangular
el santo está abajo en la composición.
En julio del 23:
ETAPA MADRILEÑA.1623-1629
La llegada a Madrid la cuenta Pacheco., Juan de Fonseca, por orden del conde de olivares.
El aguador..
107x 82. lo compra don gaspar de bracamonte
Juan de fonseca y Figueroa: la tenía el cuando murió. Murió el
27 en enero
Cuando muere hacen el inventario. Y en este inventario ya no
está el retrato famoso. Va Velázquez para allá. Y dice: “nº23
cuadro de un aguador firmado por diego velazquez, valorado por
400 reales”.
la almoneda: las deudas que tiene el difunto se pagan con sus
obras.
En esa almoneda Velázquez compró cosas: dos compases, dos
tijeras....
08/03
Brown fue el primero que dijo que el cuadro es de su etapa de madrileña
seguramente fue desde el principio de Fonseca. Pudo ser un regalo de Velázquez para Fonseca
(gracias a el se introduce en la corte).
Es una pincelada muy suelta, es un cuadro estupendo, y puede ser causa de su buena situación en
Madrid.
Esto NO es un bodegón. Lo normal es que un aguador esté en la calle. No es un lugar donde se da
de comer como ya habíamos descrito de un bodegón. Además está en el aire la sombra caravaggista.
Este concepto le lleva a centrarse en las figuras. Va en contra del bodegón hasta su formato vertical.
Exageración de Palomino: habla de las costras y callos del aguador. Pero no dice nada de que sea de
Sevilla.
Algunos piensan que estaba situada la escena cerca de un corral de comedias a las afueras de
Madrid.
La copa que lleva el niño es una pieza que sea hecha en Madrid “cadalso de los ríos”. Será un paje
que lleva agua a su señor/a. Dentro de la copa se ha querido ver un higo/breva, pero el piensa que es
del soplado del vidrio.
Excelente tratamiento de las telas. Se notan calidades distintas entre el aguador y el paje.
Los cantaros.
El tenebrismo todavía es muy notable, y cada vez va a menos. Ahora está muy contrastada luz-
sombra, pero irá desapareciendo.
MADUREZ: trata el espacio mucho mejor(no tiene que ver con que si se ve el espacio). Se
diferencian bien los planos.
Se ve una preocupación temporal: el niño coge la copa y el de atrás ya está bebiendo: es una
diferenciación de las acciones.
Hay un silencio profundo en la escena, como si fuera una acción sagrada,y solo están bebiendo
agua.
Hay una acción en la misa similar: el acólito tenia un vaso de agua para que pudieran tomar mejor
los que comulgan la sagrada forma.
La gente no se conforman con decir que es “un aguador”: el higo es para dar olor, o sabor, o
elemento curativo, o afrodisíaco. También que representa las 3 edades del hombre(sin sentido), o
una ceremonia de iniciación(o al conocimiento, el amor...)
hablan algunos de Diogenes: estuvo al servicio de Xelades: se cuenta de él que solo comía higos y
bebía agua frío,
Desde que está al servicio de Felipe IV. Tanto ahora como después(pero ahora tratamos del '23 al
'29)
concede privilegios que se concretan en “oficios” y “mercedes”
Retrató al rey en el 30 de agosto del '23.
Sin precedentes: se le nombra pintor del rey el 6 de octubre del 23.(esto es un “oficio”). Lo normal
de contratar a un pintor era porque había muerto el anterior, y era lógico que se contratara al hijo del
pintor(si se dedicaba a lo mismo). Pero esto no pasa en el caso de Velázquez.
Había varios pintores del rey, nombrados por Felipe III(no de Felipe IV).
Francisco López fue un pintor de su padre. Empezó en el '03 y muere en el '29. no tenia “gajes”.
Santiago Moran”el viejo”. Nombrado el '09 y muere el '26. él tenia cargo de “pintor de
cámara”(diferencia entre pintor de cámara y de rey= quien te paga. Si eres de cámara te paga el
“Bureo”y del rey por la “junta de obras y bosques”).
Vicente Carducho '09 '38. Eugenio Caxes. Bartolomé gonzalez.
En un documento del '28 del rey, dice de Velázquez “mi pintor de cámara”. No le nombró pintor de
cámara, solo que en su corte el rey no tenia pintor de cámara y se refiere a Velázquez también como
pintor de cámara.
No hay artífice real de ningún tipo que tenga titulo real en el s.XVII tan joven como él
le otorga salario(lógico) pero es el mas caro que tuvo ninguno de sus pintores
(90.000maravedies/año)
ademas, en el nombramiento se dice que las obras que haga se le pagarán a parte de su salario.
Se ha dicho que Velázquez quería eliminar a la competencia. Por administración se fueron
amortizando plazas de los pintores. Estuvieron mucho tiempo sin nombramientos. Pero es por la
hacienda real, no por intervención de Velázquez
Casa de aposento: agosto del '25 consigue esta “merced”. Era una institución desde el medievo.
Se debía acoger a personas de cierta categorías. Los ujieres podían ser aposentados.
Un ujier Murió el año '25. pidieron la casa 10 personas. Pero el rey nombra a Velázquez para el
aposento. No se había tenido antes(solo un caso de Felipe II) un pintor con este derecho. La junta
del aposento mando una carta de respuesta al rey diciendo que nanai. Pero al final Velázquez se
quedó aquí.
En el año '27, le concede una pensión eclesiástica en el obispado de Canaria(sin S): Pacheco
habló de esto. Era como pago del cuadro de felipe IV ecuestre. 300 ducados.
Pero tenia una obligación:quien las disfrutara tenia que estar ordenado(como decir misas en algunas
fechas) como no era eclesiástico, su única forma de salvarse era con una dispensa papal.
El '26 estuvo francesco barberini(sobrino del papa) a Madrid. ya se le comentó que estaba pendiente
el anuncio de velazquez. En un principio el papa dijo que no firmaba, y luego si que firmó.
Antes de obtener este oficio, el '27 consigue ser ujier de cámara. Oficio dentro de la carrera
palatina. Nada que ver con pintor. Dice que fue una victoria en un concurso de pintura(según
pacheco).pero el profesor dice que no, que como aún estaba fresco lo de la junta del aposento, si le
hacia ujier tenía derecho a hospedarse en casa de la junta de aposento. y tenia derecho a médico y
botica.
Los ujieres estaban en la antecámara y echaban a la gente si el rey iba a comer o algo.
En el momento habían 18 ujieres. 13 con gajes.
'28: ración diaria en especie. Era asunto de cámara. 398 ducados al año.(es una merced esto)
(ración como de los barberos: pero en la época no estaba mal visto). Ademas tenia 90 ducados mas
para vestido.
Con esta merced ya no le pagan el cuadro a parte.en el '29 dio otra orden de que sólo se incluyen los
retratos reales originales. Los demás si se los pagan a parte.
Pero no tenemos muchos documentos de obras a parte: por el “baco” le paga 100 ducados. Y poco
mas sabemos.
Ahora, las segundas o terceras versiones de los retratos: según el profesor no las hace Velázquez: las
hace otro(posiblemente juan y luego su yerno mazo)
la ultima verdadera merced: cuando se va a Italia(por voluntad propia), el rey le tiene que dar
licencia real. Da orden de que le conserven todo los beneficios que tiene aquí.
A Para el rey
B Para otros clientes
C Por amistad.
D Obras sin comitencia conocida.
Felipe IV de dallas
61 cm de alto.
Brown dice que es el del 30 de agosto del año 23. aquel con el que
triunfó.
Aquí vemos la “primera cara del rey”. Aquí tiene 18 años(nace en
el '05): tiene el pelo mas crecido, mas abundante, y mas oscuro.(pero
puede ser por la conservación de la pintura),la nariz tiene mas
larga.La cara es mas redondeada, el cuello es mas poderoso en estos
momentos. La “valona”/golilla es muy amplia.
09/03
el rostro del rey cambia: por el tipo de peinado y la cara en si.
Seguramente lo cambió porque el rey así lo quiso.
No hay evolución: rasgos del '23 presentes el '28:
el rey viste de negro de manera oficial(cuando no va de militar). Era su vestimenta normal en actos
oficiales
coloca elementos, como la mano sobre la empuñadura de la espada y la otra con un papel: se
entiende como una suplica al rey, como un memorial, para hacer referencia a su papel
administrativo.
Mesa con tapete rojo con alamares(decorados dorados, flecos)
también sombrero sobre la mesa
Piensa que este cuadro es del '23 también. El museo del Prado dice que
del '26-'29. pero este tipo de colocación del personaje, lo normal es que
sea del '23(por las piernas abiertas) y tiene disposición distinta con lo
del guante y del sombrero, pero lo pone para variar la mano en la
espada.
(ojo que la mesa no es solo para los reyes, es para hacer variaciones)
La cadena la tiene(no modifica el cuadro como el del rey). El toisón de oro tiene su cadena propia,
muy fina. Como su hermano.
También va vestido de negro entero: se ve un trenzado de la tela, riquísimo.
De febrero a abril del '24, el rey fue a Andalucía, y se escribe: “encontró a un truan de excelente
humor, que toreó en doñana tan bien que el rey lo llevó a Madrid para entretenimiento del rey.
Por eso lo retrataría.
Este hombre fue muy querido por la corte. Tenia fama de santidad. Y a la muerte se llevo el proceso
de beatificación. Pero se detuvo el proceso y hasta 1766 no se beatifica.
Murió el día de San miguel el año '24. Madrid se conmocionó. Predicó fray ortensio paranicino en
su muerte.
Le enterraron al día siguiente de su muerte. Lo enterraron con la cruz trinitaria(roja y azul)
como lo retrata Velázquez(con la cruz, ropa trinitaria, encapuchado. Con el rosario... de la boca le
sale la palabra”ave maría”.
El rey mandó a dos pintores hacer un retrato del difunto. Y padre del convento pidió otro para el
convento. Está reflejado esto por un cronista, pero no dicen nombre: pero por la fecha seguro que
fue Velázquez, y el otro era Carducho(lo sabemos por otro testimonio)
Dibujos anónimos:
A)es mas fiel que el de Velázquez: tiene la estola y el rosario colgado del cuello(como aparece en la
crónica) por lo que piensa que el cuadro del difunto no lo hizo delante del muerto.
B) en los trinitarios de roma:
tiene una inscripción: están en el siglo XVIII copiando un dibujo de Velázquez.
Entonces este dibujo está hecho del lado contrario. Luego hace el cuadro desde el otro lado para que
se vea el golpe
Resulta que Doña Ana de Mendoza encargó otro cuadro a Velázquez de este santo: así que no
sabemos si el cuadro que resta es el del rey o el de esta señora.
-Pacheco lo comenta. Dice que tenia un buenísimo país(paisaje). E incluso lo llevaron a las gradas
de san felipe (del convento de los agustinos.) para que lo viera todo el mundo.
-Palomino dice que cambió parte del cuadro: el caballo en el que retrató al rey era de madera,
seguramente lo cambió porque estaría poco curioso
Cagés, Nardi, Carduccio y Velazquez se presentaron. Giovanni Battista Crecenzi fue el juez y
también Main.
Ganó Velázquez. (el que se colocó en el salón nuevo)El premio fue que se le nombrara Ujier(a lo
mejor fue un montaje)
es sospechoso que solo queda el dibujo de Carduccio. Puede ser que sólo hicieran el dibujo y quien
gane hace la pintura.
A parte, este dibujo no es vertical: a lo mejor es solo un fragmento, a parte de que falta el rey
Carlos.
A no ser que fuera trampa el concurso y sólo le dijeran que fuera vertical a Velázquez.
Dos copias:
Doña Maria(berlin)
La reina(copenhague)
podrian ser del '28
son copias de Juan Velazquez.
Los dos son MUY parecidos. Tienen cortinaje, no es lo normal pero no es raro del todo
Baco
1,65x2.¿?
Julio del '29, poco antes de que se vaya a
Italia, le dice que le den 400 ducados, 300
por cuentas de lo que se le debía, y 100 por
un baco.
En 1636(en un inventario) el cuadro estaba
en la pieza donde dormía el rey en verano.
Baco sobre una pipa(barril) coronado a un
borracho
15/03
En un inventario de la época aparece la obra
como “ baco coronando a sus cofrades”(en
la época se decía cofrades de forma irónica para referirse a los “borrachines”)
julio del 29 la datación de la obra: mas adelante no, que en agosto se fue a Italia. Le da igual que se
diga los últimos momentos del '28 o comienzos del '29.
la imprimación de este lienzo es DIFERENTE e UNICA: es de almagre. Nada mas ni debajo ni
encima. Esto solo está en este cuadro. ¿Esta imprimación nos habla del '29? no se sabe.
En muchos cuadros de Velázquez hay “buscadores de estampas”. Siempre se quiere atribuir las
influencias de estas en los cuadros de Velázquez. El profesor no lo ve así.
Otros ven relación con Rubens. Ya que estaba en Madrid desde septiembre del '28. dice rubens que
vio en bruselas una cabalgata de mascaradas. Y dicen que esto inspiró a la obra. Mentira. ¿de donde
han sacado eso si no se verifica en ningún documento?
Dos varas de alto. Y dos y tres cuartas de ancho. El cuadro mas grande que hizo. Y también el que
mas figuras tenia.
Se planteó el asunto como si fuera un bodegón sevillano(no que sea un bodegón). Aparecen un
grupo bebiendo. Las figuras las hizo primero, y después añadió el paisaje.
El azul del cielo decoloró con el tiempo. Tenemos que pensar en un azul cielo de campo.
Los desnudos: mas bien semidesnudos. Como no sabe mucho de anatomía, pone al baco el brazo
por delante para no tener que hacer el torso desnudo. Y el otro semidesnudo está en sombra y no se
ve mucho. vemos unas carnes poco conseguidas.
La jarra vinatera y el jarro de abajo: en el estado actual está muy mal. Parece que lo perfiló de tal
manera que la pintura ha trepado y le da un aspecto de que lo han recortado.
Sombras profundas tenebristas. Utiliza la luz para destacar al baco, que es lechoso.
Muchas interpretaciones de la obra. En este principio las interpretaciones sobran. Solo busca un
gran realismo
-se dice que se hace burla a los dioses. Pero el lo ve absurdo: si nadie cree en estos dioses, para que
burlarse??
-o que es el mito de la viticultura. Pero ni está trabajando ni nada.
No sabemos porque el rey pidió esta obra, así que no podemos saber el porque de esta obra.
Vicente leos: interpretación del catedrático de Sevilla. Es un hombre muy inteligente.
El dice que es la coronación de un poeta. Pero Tiene unos correajes de soldado, no de poeta. Pero el
dice que si. Las hojas con las que corona al poeta no es parra, sino hiedra. Y cuando sea coronado se
irá al bando de los buenos: a la izquierda. Y el resto tienen cara de “tontos” y por eso no van a ser
coronados.
(a el no le termina de convencer esta interpretación.)
para el profesor: pintura de entretenimiento. Pero no entendido como un asunto chistoso. Esta obra
la tenia el rey donde dormía la siesta.
Aunque algunas cosas no son perfectas en la obra. Tienen un color aun muy oscuro. Y le ha costado
colocar a los personajes. Pero su valor: todo lo que toca lo convierte en algo real. Cualquier tema lo
lleva a su época. Todos aparecen como seres normales. Aparecen como amigos madrileños que van
a beber al campo. Esto es una novedad a la que hay que aplaudir.
Imágenes:( no Velázquez)
cuatro hombres a la mesa. Colección inglesa
hombres y mujer. Colección privada en Suiza
de medidas similares. (1x142)
la de los 4 hombres, son sacados del cuadro de baco. Y también los de la mujer. Son bodegones con
comida colgando(cosa que no hace Velázquez) y tiene una representación muy velazqueña de los
elementos reales.
Su opinión: son obras de JUAN VELAZQUEZ. Que es el que mas pudo ver la obra de baco
Sebastián martinez tenía estas obras. Viajó muchas veces a Madrid.
El conde: le retrató antes. es lógico que fuera copia de un retrato previo(como el del rey).
Estaba rotundo el hombre. Hace retratos casi frontales.
Lleva una llave de cámara: porque era sumiller de corps(cuerpo del rey). Tenia una llave que abre
todas las puertas de palacio. Como caballerizo mayor del rey lleva espuelas.
Cadena de oro por ser de alto estanding.
La cruz de calatrava: cruz roja. En el 25 pasó a la orden de alcántara: que es verde.
Así que si es ROJA: antes del 25. VERDE: a partir del 25.
Retrato del rey(primer rostro). Metropolitan. '24
hace un año salió en los periódicos: encontraron un” nuevo velazquez”. Porque lo han limpiado y
han visto que era velazquez. Pero el profesor lo decía desde hace 10 años.
mayo-junio del '26; va a España Francesco Barberini. Sobrino del papa. Querían que se firmara la
paz con Francia y España. Vino con un personaje importante: un “secretario”. Cassiano del pozzo.
Gran patrocinador del arte. El tenia un diario de este viaje. En este diario: el 28 de Julio escribe:
Gio van der hammen==???? que pintaba frutas y flores exquisitas. Le pregunta al cardenal si quiere
que sea retratado por el. dice que habiendo visto el retrato de gio velazquez del Duque de olivares,
que era melancólico y severo. No se refiere a Diego, si no a JUAN.
Esto fue un cambio: el conde duque da un retrato al barberini y el barberini al conde duque.
Conde de benavente
LA DERECHA en el prado
LA IZQUIERDA estuvo en subasta hace dos años. No sabe si se vendió.
No es original de Velazquez. Y el del prado el primero que sospechó que no era velazquez es brown.
Se decia que era el décimo condeduque de benavente. Al hacerse el estudio técnico se dice que es
temprana la mezcla que utilizan, así que debía de ser el 9º, que murió en el '33. Ademas es una
imprimación de lienzo que no es usada por velazquez.
El de la Izquierda. Es el 9º. Mayordomo mayor de la reina isabel. Personaje importante. Aparece
retratado con las piernas abiertas como hacia velazquez en su primer momento. medidas 2.03
pero la calidad del cuadro no es la de Velazquez. El papel que tiene en la mano le identifica sin
problema.
Otra copia de un original de velazquez. Y el del prado es totalmente ajeno a velazquez: no ve ni a
juan. Lleva una armadura de Felipe II. Como la que pintó Tiziano. Para el profesor es de un pintor
de brocha gorda(“no lo contrato ni para que pinte el techo del baño”). Ademas la imprimación es
albayalde y naranja. Nunca se ha visto esto.
16/03
250 el del marques.
Sobre el precio de las obras anteriores la única explicación es que la obra del Conde Duque se trata
de una versión copiada, de ahí sus 600 reales, mientras que la de la marquesa sea original lo que
explica el ascenso de su precio hasta las 900 reales. El marqués será valorado en 250 reales por
tratarse de un busto.
Uno del rey y otro CD 200 reales cada uno.
dos pequeños retratos que no se conservan del rey del Conde Duque hechos en abril de 1627, para
el duque de Mantua y el marqués de Montesclaros, también hizo Velazquez dos retratos. Murió en
1628, y pagó su viuda a finales del mismo año, son retratos para venera, constó 200 reales por cada
uno y pagó también tres retratos grandes, uno del conde duque, 600 reales, uno de montesclaros
250, y otro de la marquesa por 900 reales. Los retratos para venera también los hicieron antes, como
Carreño o Pantoja, de unos 6 a 8 cm, una joya que se colgaba al pecho, sobre placas de plata. Se ven
en la exposición de 1960 sobre retratos pequeños.
RETRATOS FAMILIARES
Retrato de joven
55 cm de alto. El Prado
Cronología:
-Unos opinan que pueda tratarse de una obra sevillana: pues aparecen materiales como el mantel, o
el cuchillo vinculados con el bodegón.
-Madrid a principios: 24-26 Valdovinos lo coloca aquí no considera que la colocación y los colores
sean de la fase sevillana así como el dominio de la mano o la sorpresa del personaje del fondo, más
dramática y expresiva.
-A la vuelta de It: no cree que se haya llegado a eso, si que hay una cierta evolución en la obra que
hace que no sea sevillana, pero tampoco presenta las características de las obras que realizó después
de Italia.
-Análisis: los pliegues son más madrileños que
sevillanos.
Cuando este marqués murió hubo almoneda de sus bienes y la obra terminó con el jardinero (no
porque le gustara el arte sino porque se le debía dinero).
En el inventario de la almoneda se pude leer “un filosofo estándose riendo…”. Desde 1881 se decía
que era velazquez y todo el mundo estaba de acuerdo.
Ahora se dice que es Demócrito, un filósofo muy representado. Bramante ya lo representó a finales
del S. XV, aunque solían representarse junto con Heráclito. Se les representa juntos por un relato
moralizante donde se dice que ambos fueron por el mundo buscando la sabiduría pero al ver que
ningún hombre buscaba lo bueno Demócrito se echó a reír mientras que Heráclito lloró, los dos por
las misma razones “que tontos son los hombres”.
En función a esto dicen es Demócrito pero no hay noticia de que tuviera a la pareja por lo que se
cuestiona su identificación. Además ¿en caso de ser Demócrito por qué llevaba una copa en la
primera versión?
La opinión de Valdovinos es que es un bufón, no sabemos que hacía con la copa (su gracia tenía
que estar con el guante y la copa), pero tuvo que haber un momento cuando el bufón cambió de
repertorio (de broma) pues ya no le hacía gracia al rey, pudo cambiar la “broma” o el “truco” de la
copa por el globo terráqueo y por eso se le representó. Para Valdovinos es “bufón como
demócrito”.
El supuesto bufón tuvo que ser un personaje célebre para que se le representara varias veces,
aunque las copias que tenemos en el resto de museos no fueron de Velazquez. Son copias del
original de Velazquez.
Puedo llegar al marqués de Carpio por las buenas relaciones
entre el Conde Duque y él.
Por mucho tiempo se llegó a decir que era un geógrafo
riéndose.
Puedo ser López Valero? Gravelo? Bufón célebre sobre el año
'24, lo que encajaría con la obra. Para Valdovinos la primera
versión estaría cerca del '24 y una segunda cerca del '28.
Sabemos que es del 28 por el manto, el globo, el realismo,
tenebrismo.
Santa Rufina
77X14 cm
Santa Justa y Santa Rufina van siempre de al mano. Por ello, sobre esta obra, unos dicen que es
Rufina y otros que es Justa. La documentación es del s. XVIII-XIX.
Está en la fundación FOCUS-ABENGOA, aunque es propiedad en parte de la fundación y en parte
del Ayuntamiento de Sevilla. Ambos la adquirieron en el 2007.
Una adquisición muy criticada por Valdovinos pues como el Ayuntamiento sevillano hizo una
importante campaña anunciando que se la iban a quedar la compraron en la subasta por una
cantidad desorbitada. Pérez Sanchez estuvo a favor de la compra.
Se pagó 12.870.000 por ella, casi 13 millones.
-Brown dice que no es Velázquez y critica los brazos que sostiene la taza y el manto. Valdovinos
opina que si lo es, tiene algún toque moderno pero poco. Para él hay detalles de gran calidad que lo
vinculan con la mano de Velazquez como la palma, la cara (que además está muy próxima a la de
las muchachas y las sibilas) quizás haya utilizado de modelo a su hija francisca.
Tenemos noticias de la obra cuando estuvo en posesión del marqués de Carpio, según un inventario
copiado del s. XVII. Después pasó por el duque de Alba y Sebastián Martínez. fue subastada por
primera vez en 1999.
¿Por qué había en sevilla tanto interés por comprarla? Primero porque se trata de una de las
patronas de la ciudad y después porque creían que era una obra de la fase sevillana. Santa Justa y
Santa Rufina eran alfareras y según la tradición se las martirizó en el s. III por no rendir culto a
Venus.
Sebastián Martinez tenía la obra dentro de sus bienes madrileños. NO se un cuadro sevillano. La
justificación de la obra podría estar en la persona de González de Mieres que fundó en 1607 un
colegio que dedicó en Alcalá de Henares a la santa. .
NO tiene por qué ser sevillano solo por la advocación.
No se sabe la preparación. Pero viendo como está trabajado, las tazas (que por cierto no es loza de
Triana) y tiene unas cosas de color un verde-violeta, azul y violetaceo para la capa. Lleva un
pendiente de coral que le da un toque especial al cuadro.
Es una obra próxima a las santas que aparecen representadas en el cuadro de San Ildefonso.
Hay autores que dicen que Velázquez la pintó tras la muerte de su hija Ignacia, pero ni sabemos
cuando murió pero si representa el alma de la pobre ignacia no tiene sentido que sea así. La niña se
muere y lo normal no es que se vincule con la flagelación sino, en todo caso, con la contemplación
divina.
Iconografía: Pacheco decía que un cristo flagelado tenía que ponerlo con poca sangre y hay que
poner correas de piel de vaca, espinas o zarzas y cordeles con punta de hierro, como vemos en esta
obra.
EN reino unido dicen que tiene preparación marrón-rojiza, con lo que no se ha aclarado la cosa, de
ser almagre sería del '26 pero como no es serio. Estilísticamente para Valdovinos es 28-29.
Análisis: el ángel tiene partes de un tono rojizo combinándose con el oro, no es un marrón como
siempre. Composición pensada: dos triángulos con verticales a derecha e izquierda.
El ángel señala a Cristo, veremos más gesticulación en el momento romano (cuando está en Roma)
pues los asuntos los piden como ocurre aquí.
Hay tenebrismo fuerte.
Presenta toques de color tras la cabeza para resaltarla (no como aureola). Hay tambien un rayo
pintado sutilmente que parten de Cristo hacia el alma.
APUNTES SOBRE RUBENS EN MADRID
Rubens (1577- 40). Estuvo en Madrid desde septiembre del '28 hasta abril del '29. Vino enviado
por Isabel Clara Eugenia, la cual había conseguido que viniera a Madrid para hacer paz con
Inglaterra, como diplomático.
Vino con un cuadro que la infanta le regalaba a su sobrino Felipe IV pintados por Rubens. En
Madrid también pintó un retrato a la famila real así como el célebre retrato ecuestre de Felipe IV
para el Salón Nuevo (en sustitución por el de Velazquez).
Tambien retocó y cambió algunos de sus cuadros que realizó en Amberes pero que ahora estaban en
Madrid como la Adoración de los Reyes Magos ( que pintó 20 años antes). Luego se dedicó a
copiar a Tiziano (eso de ver al gran Rubens copiando a Tiziano marcó a Velazquez).
Hizo una Inmaculada para el marqués de Leganés.
-Pacheco tambien escribió sobre este momento, crónica de Pacheco. No dijo mucho. “con pintores
habló poco solo con Velazquez con quien había tenido correspondencia propiamente, hizo amistad,
hecho que favoreció las obras de Velazquez. Ambos fueron tambien juntos a ver el Escorial”.
1. La importancia de haber estado en Italia. De hecho Rubens cuando ya era pintor viajó a Italia,
hecho que le sirvió mucho para su formación (Rubens estuvo 9 años de 1600-8). Le diría “tú pintas
bien pero vete a Italia”.
2. Velazquez vio que Rubens era pintor (y que seguían pintando) y aun así estaban en misión
diplomática y era un caballero. La madre de Rubens era una santa mujer que cuidó mucho de su
hijo y lo puso como paje, Rubens aprendió todas las lenguas y alcanzó pese a ser pintor un status
social muy elevado. Esto influyó en las aspiraciones de Velazquez, de hecho en el año '36 estas ya
eran bien sabidas.
VIAJE A ITALIA
Felipe IV no lo mandó a Italia pero le conservó todos los privilegios. El 22 del junio del '29
Velazquez lo comunica a la Junta de Aposentos. Luego hubo otros papeles para que le guardaran los
salarios, durante los meses de junio y julio.
“Deseoso de ver Italia el Conde Duque le dio 200 ducados, una medalla y cartas de recomendación
y letras de cambio para tener dinero. Tenemos cartas del Conde Duque y Nuncio, a las distintas
personas que iban a hospedar a Velazquez como la que le envió el embajador de Parma a la
Duquesa viuda y al Cardenal Eduardo Farnesio, (le dijo que Velazquez iba para allá para aprender y
en lenguaje cifrado “digo yo que va para espiar”, tambien les comentó la posición de Velazquez en
la Corte y su proximidad al rey “el propio rey lo veía pintar”. Otras cartas fueron mandadas a
Venecia (al Consejo de los 10 de la República veneciana) y a la Toscana al hermano arzobispo de
Pisa, incluso a Florencia donde al final no fue, allí se recomendó: “que no se le haga ni mucho ni
poco caso”.
Pachecho dijo que se fue con un criado. Pudo ser Mazo pero al desembarcar en Génova pudo
contratar a un tal Recolé Bartoluzzi? Con el que estará luego en Madrid y será un medio aprendiz.
Salieron de Madrid el 29 de julio del '29 y el 10 de agosto partieron rumbo a Italia.
Esta partida fue aprovechada por el Conde Duque que decidió mandar a Espínola, cuando esté llegó
de Flandes triunfador, a Italia con un delicado asunto: el control de Mantua tras la muerte el día de
navidad del duque el año '28. Mantua estaba del lado español pero el duque no tenía descendientes,
la heredera fue su sobrina que se casó con un francés (por lo que Mantua se puso del lado frances).
El Conde Duque decidió mandar a Spínola para que se enfrentara a los franceses y aunque este no
lo veía claro, le quitó los plenos poderes para que acatara la orden. Quizás ese disgusto fue el que
acabó con Espínola en el '30, año en el que falleció.
Velazquez fue en ese cortejo pero no sabemos si en el mismo barco. Velazquez lo vio y recogió sus
rasgos pues en el 34-35 lo incluyó en la rendición de Breda. Breda fue en el año '25 pero todavía no
se sabía nada del encargo, eso no quiere decir que Spínola le contara “batallitas” a Velazquez, era un
tipo muy serio.
Desembarcaron en Génova y sabemos que fue a Venecia y pasó por Milán, por Brescia y aunque no
pasó por Mantua, fue a Verona, a Vicenza, Padua y Venecia. De ahí bajó a Ferrara (que estaba
gobernando Julio Sachetti?, donde solo estuvo 2 días) y se desvió a Cento para contemplar las obras
del Guercino y al propio Guercino en persona.
Fue a Bolonia donde estaba Ludovisi el arzobispo y salio corriendo porque la peste estaba detrás, y
por la llegada de un ejército pro-francés. Desde allí se bajó al Adriático, llegó a Ravenna y Rímini,
bajo a Pesarro, Loreto y entró desde allí hasta Roma.
Siguió el camino recomendado por Joseph Funtelter?
Este camino que hizo Velazquez por todo el Adriático lo hizo Goya pero subiendo, era un recorrido
que todavía se usaba, doscientos años después.
22/03
En noviembre, a finales del '29 se fué a Roma. En noviembre del '30 se fué para nápoles.
Al llegar a roma, pacheco dice que ué favorecido por el caredenal barberini. Se alojó en el palacio
barberini(incluso le dieron llaves). Le destinan a una cieza(que aun existe) decorada desde el '63
decorada con zucari con historia de moises. Pudo ser influjo para velazquez estas imágenes.
Tampoco permaneció mucho tiempo aquí, porque le parecia a trasmano de lo que queria. Asi que
consigue estar cerca del vaticano, pudiendo acudir cada vez que quisiera la capilla sixtina y las
estancias de rafael(para que dibujara(aunque no queda ningun dibujo de los que pudiera realizar).
Cuando previó que venia el verano, pidió a través del embajador conde de monterrey, la solicitud de
un nuevo alojamiento en el palacio de medici, en la “parte mas aireosa y alta de Roma”. Ademas
que aquí habian muchas estatuas antiguas para contrahacer.
Todo esto se conoce por cartas. Se insistió en que queria estar en la villa. Se pidió permiso a
florencia. Los documentos son de mayo, es posible que estubiera alli a partir de junio. Lo que si
sabemos es que estuvo allí dos meses. Pretendia seguir mas tiempo, pero contrajo unas
fiebres(“tercianas”) y tuvo que trasladarse para que le atendieran. Pacheco habla de las atenciones
que tuvo.
Velazquez lo que aprende lo asimila de tal manera que no es facil de distinguir. Mucha inspiración
de las obras de aquí. Lo asimila tanto que no se sabe en qué cosa concreta se fijó. Solo vemos cosas
genéricas.
Estatuaria antigua: en la villa medicea hay mucha obra helenística.
Miguel angel: mas que su aspecto pictórico, escultórico
Estas pinturas las hizo porque quiso(como todas las italianas) no fué un encargo. Los hizo porque
“les salió del alma”. Lo que se hacia en este momento era pintar el palacio, lo apoteósico.
Estos cuadros debió de tardar poquito en hacerlos.
En el '34 vendió al rey 4”paisitos”(paisajes) para el buen retiro(que no tenían por que ser de
velázquez. Estos dos cuadros aparecen por primera vez en el inventario del '66 del rey(cuando
muere) que estaban en el Real alcazar
arco entre dinteles(llamado hueco de Serlio o de Paladio) así estaba decorado todo el jardín, no
tiene que ser que estuviera encantado con esta estructura.
Debemos pensar que esto está pintado al aire libre: esto es NOVEDOSO: quien trabajaba al aire
libre en Roma SOLO DIBUJABAN.
Velazquez pintaba del natural: no se inventa el paisaje
(golfrid walls si hizo unos cobres pequeñitos al óleo)
Justi hizo una monografía de Velazquez.(1888) dijo que éstos cuadros no estaban terminados.
En ciertas partes ha pintado hasta unos trozos que se ha caído el enyesado, ruinoso.
Las figuras: le han puesto historia: una mujer con la colada y otro abajo con un palo.
En la otra : uno ensimismado asomado al paisaje y en primer plano dos personajes, uno bien vestido
y el otro haciendo reverencia.
Los pintó en último momento. Incluso se
transparenta.
Lo que pasa esque el paisaje sin figuras todavia se
veía raro. El necesita meter figuras.
los dos cuadros son de conversación. Pero no son como han dicho”del poder de la palabra”. Estos
asuntos son dramáticos, y le dan la posibilidad de ensayar lo que había aprendido.
Genesis capitulo 37. Sus hermanos vendieron a jose y cogen su tunica y la manchan de sangre. Los
hermanos mandan a unos a preguntar a jacob si es la túnica de su hijo.
En una biblia ilustrada, imagenes de berdard salomon. En 1554, y muchos artistas se fijan en estas
imágenes. Y tiene parecido con la de velázquez
patricio cagés. Palacio del pardo. Es muy parecido a la biblia de salomon. Y esto si pudo verlo
velazquez.
Giovanni francesco gessi pintó en roma un juicio de salomón(museo de ponce). Es mas pequeño
que esto. Y la composición es extraordinariamente parecida.
Lo que si ha podido servir, el paisaje que se asoma por la ventana, es muy parecido de los de la villa
(brown) de pietro da cortona en la villa.
Copia
no se dice que sea velazquez, pero se ve mas grande: se cortó el de Velazquez.
TECNICA:hay barro todavía y por encima no queda muy claro cuanto albayalde. Ya con el vulcano
solo usa albayalde.
La obra NO está terminada. El pacimento por la izquierda no esta terminado y a parte no es
correcto. Los personajes del fondo derecha no están acabados.
Hubo muchos arrepentimientos. El de la izquierda del todo tenia el brazo mas alto. Y el del paño
rojo le cambió el perfil y puso mas pelo.
El pais a penas está tocado. Muy nitido.
vulcano
SOLO ALBAYALDE.
A veces las piernas están sucias: Carmen Garrido dice: algunos restregones son del propio
velazquez.
ASPECTOS FORMALES: composición zigzagueante. La isocefalea la camufla con esta
composición.
Claro estudio de la estatuaria antigua. Investigación de las diferentes posturas.
La luz viene de la izquierda. El tenebrismo se va disipando: ya no son sombras tan agudas.
El color: apolo es el unico “coloreado”. Porque en la fragua no casa un color cantoso
parece que en roma ha visto una fragua, porque todo es absolutamente realista.
Tambien el asunto dramático.
Busca la unidad en la escena.