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AMBIVALENCIA DESDE EL CUERPO FEMENINO

LA FIGURA HUMANA COMO INSTRUMENTO SIMBÓLICO DE MUTUALISMO


ANTAGÓNICO Y LA COEXISTENCIA DE LA DUALIDAD.

El Arte, desde su carácter poético, se h a involucrado primordialmente en la sensibilización


de las ideas racionales, las abstracciones y la manifestación de la expresión en función del
pensamiento y su inquietud creadora, con elementos que atraen o generan desde la
contemplación reacciones como la conmoción, la admiración, la fascinación o alteraciones
en la percepción del mismo ser humano, y a la vez de su entorno, dando origen así a una
sinergia entre imaginarios individuales y sociales.
Emmanuel Kant ha definido a la belleza del arte o el “arte bello” como un modo de
representación idóneo por sí mismo y que, sin aparente finalidad, estimula el cultivo de las
fuerzas espirituales para la comunicación social, tarea que (desde los primeros cimientos
de nuestra sociedad) ha sido encomendada directa o indirectamente a las Artes.
En el caso presente, los elementos erótico y estético inmersos en la figura humana, (su
expresión y lectura del lenguaje no verbal) desde el desnudo femenino y su posible
exégesis “holística”, dan paso a la indagación y la exploración, donde el deconstruir, crear,
leer, o resignificar nociones y conceptos en la psique, aparentemente “ambiguos,
abstractos y fluctuantes”, impelen al artista a materializar desde el lenguaje visual y la
labor pictórica, una serie de obras que demanden una progresiva y consecuente
confluencia hermenéutica.
“El arte en su anhelo de simbolizar de la mejor forma posible su concepción de lo bello,
ha recurrido casi siempre al cuerpo humano” William Shield.

La naturaleza humana, regida por los impulsos inconscientes y la mente racional, es la que
hace de la misma percepción estética un retículo ambivalente, donde las concepciones
que se contradicen pueden también complementarse, gracias a nuestra particular
condición de “animal racional”, y desde el lenguaje visual surge el planteamiento de esta
reflexión, abordándola desde el arte.
La psicología “platónica” intenta describir la complejidad de la psique, el carácter
contradictorio y dual de la naturaleza humana, ese antagonismo interdependiente,
dicotomía filosófica que toma como referencia conceptual, pasajes de la mitología clásica
como el de Apolo (dios del sol y la belleza) y su contraparte Dionisio (dios del vino, el
exceso y la intoxicación). Personajes que encarnan la idea de la claridad, la luz versus la
oscuridad, o de la naturaleza contra la civilización.
El filósofo emblemático Nietzsche en el siglo XIX recurrió también a este concepto de la
dualidad como base para su obra “El nacimiento de la Tragedia”, donde arguye que la
conducta humana, es fruto de ese juego dialéctico entre nuestros impulsos antagónicos y
coexistentes: “Impulso Apolíneo” e “Impulso Dionisiaco”.
“Todo acto de creación, es primero un acto de destrucción” (Pablo Picasso).

El filósofo griego Empédocles de Agrigento, (siglo V a.C.) identifica y expone la tensión


inminente entre la pulsión de vida y la pulsión de muerte, dos principios básicos que
posteriormente se toman como base para analizar la relación anacrónica entre erotismo,
creación, sufrimiento, e impulso destructivo desde el psicoanálisis.
Freud trabaja esa fantasía cósmica y alude a los términos Eros y Thánatos, apoyándose en
Empédocles de Agrigento para aludir a los dos principios en eterna lucha: amor y
discordia (pulsión de vida y pulsión de muerte), como una forma de explicar la naturaleza
dual de lo humano.
“Entrar al mundo de la creación es entrar al mundo de las posibilidades, para imaginar y
crear universos excluidos”. (Eros, Thánatos y Psique: una complicidad triádica)

Concluyendo que el proceso creativo se puede entender como un asunto epistémico,


comunicativo, sensoperceptual, e inconsciente donde el sufrimiento y el placer toman
partida en ese universo de la manifestación artística y a su vez, de la vida misma.

“Ambos modos de entender la experiencia vital, son como dos imanes, a la vez se
niegan y a la vez se complementan. Pues el uno no puede existir sin el otro, ya que
ambos se fundamentan en reciprocidad. Y es de estas dos concepciones de donde
nacerán en el mundo monoteísta y especialmente el judeocristiano, las
concepciones de bien y mal reflejadas en la idea de lo divino y lo demoníaco, de la
mujer representada en la Virgen María y la mujer representada en Lillith o Isthtar.
El Dios de lo cristiano ha sido representado de múltiples maneras en el arte, pero
sin duda la más apolínea de ellas es la de la serenidad mística de las catedrales
góticas. La representación del Dios de la luz como lo fue Apolo, de la bondad divina
de aquel que muere por la redención humana. Igualmente, la Virgen se representa
como la mujer pura, serena y luminosa de lo apolíneo, idea que a la vez esconde la
negación del impulso vital dionisíaco, esto es, de la concepción carnal de Dios en la
tierra”.

(Herreros, Migueláñez Irene - “De lo apolíneo y lo dionisíaco en el arte”)


La presente exposición artística, procura tomar diversos recursos del lenguaje y el poder
visual del desnudo femenino y su concepción simbólica emergente, como medio para
abordar desde la percepción y la hermenéutica: metáforas y conceptos propios del
imaginario individual (personal) y del inconsciente colectivo en función de la
representación pictórica, tomando como referencia y sustrato, el concepto fundamental
de la Ambivalencia, y a su vez conceptos secundarios tales como dualismo, disonancia,
bifurcación, dicotomía, antagonismo, contraposición, interdependencia, mutualismo y
complementariedad. Un balance en la relación armónica o caótica que se da entre los
extremos de lo tangible y lo intangible, mediante el poder de la creación plástica y las
artes visuales, en este caso el dibujo y la pintura.
“La fantasía desarma toda la creación según leyes que proceden del interior más
profundo del alma, reúne y articula las piezas, y crea con ellas un mundo nuevo”
Charles Baudelaire.

Materiales y Técnica: Papel acuarela (Formato 1m x 70 cm) como soporte, acuarelas,


vinilos acrílicos, lápices de color, y lápices de color acuarelables. Técnica Mixta. La pintura
tendrá como referencia bocetos, imágenes fotográficas de desnudos y modelo(s) en vivo.
Constitución gráfica la obra: figura humana o elementos antropomórficos, el erotismo,
cromatismo y psicología del color y elementos figurativos con carga simbólica que
refuerzan la intención comunicativa, el discurso visual desde la composición y la
interpretación de la imagen pictórica.

Antecedentes y Descripción de la Propuesta:


Antecedentes: Los antecedentes conectan la introducción con su tema de investigación y
asegura el flujo lógico de las ideas. En consecuencia, ayuda a los lectores a comprender
sus razones para realizar el estudio.

- Artistas de referencia: Boris Vallejo, Jean Girauld (Mohebius), Luis Caballero.


Richard Corben. Alex Ross.

- Código Artístico (Estilo): El género de arte visual que se trabaja es el “Arte


Fantástico” y estilo Cómic Realista.

La Serie “Imagen y Cuerpo Ambivalente” consta de 10 obras:


1. Placer y Dolor (I y II y III)
2. Amor y Odio (I y II) (Filantropía EROS/Misantropía THÁNATOS) 100 X 70 cm
3. Vida y Muerte (Creación y Destrucción) Pulsiones Apolínea y Dionisiaca
4. Libertad y Esclavitud // Represión y Desinhibición // Insurrección y Sumisión
5. De Lo Eterno y lo Efímero
6. Inocencia y Perversión // Sacra y Profana // Benevolencia y Maldad // Virtud y
Corrupción
7. Orden y Caos (paz y guerra internas)

Imágenes, adelantos y bocetos:


Planos de Montaje:
Tiempo de
Ejecución,
cronograma y
horario:
Lugar de Exposición:
Secretaría de Cultura Sala “Julio Abril”

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