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3.1 Principios del diseño de moda 1

3.1.1 Valor estético 1

3.1.2 Principios de estética 2

3.2 Elementos de diseño de moda 22

3.2.1 Cómo lograr una línea y dirección de diseño buenas y 22

3.2.2 creativas 29

3.2.3 Forma y silueta 36

3.2.4 Textura 42

3.2.5 Patrones De Tela 43

3.2.6 Colores 48

3.3 Presentación de diseño de moda 55

3.3.1 Habilidades gráficas 55

3.3.2 Habilidades de TI: uso de habilidades de presentación de diseño 70

3.3.3 asistido por computadora 72

3.4 Proceso de diseño de moda 76

3.4.1 Introducción 76

3. 4.2 Traducir observaciones en inspiraciones 78

3.4.3 El propósito y la importancia de usar cuadernos de bocetos Primera etapa: 78

3.4.4 analizar el resumen de diseño 78

3.4.5 Segunda etapa - Inspiración para la investigación Tercera 82

3.4.6 etapa - Inspiración para la investigación Proceso creativo 87

3.4.7 92

3.4.8 Producción de Prototipo 100

3.4.9 Evaluación de la colección 102

3.1 Principios del diseño de moda

El propósito principal de usar ropa es proteger, por ejemplo, mantener el calor, la modestia. Hoy en día, la
gente usa ropa diferente para diferentes ocasiones e identidades. También eligen la ropa siguiendo su
sentido estético y la tendencia de la moda.

Según el Oxford English Dictionary (2009), una de las definiciones de "moda" es "estilos populares de ropa,

cabello, etc. en un momento y lugar determinados". Esencialmente, significa un estilo que está actualizado, influye

en lo que la gente usa y en su apariencia. Los cambios que tienen lugar en la industria de la moda son seguidos

por personas de todos los niveles de la sociedad. La moda tiene una importancia e impacto social prominentes en

el comportamiento humano.

Según Sue Jenkyn Jones, consultora profesional de la industria de la moda en el Reino Unido, la palabra
"diseño" se refiere a la invención de algo con un propósito. El diseño es una parte muy importante de la vida
diaria. Los diseños se hacen con diferentes objetivos, como diseños para un mercado especial de personas /
funciones / ocasiones. Un buen diseño debe ser funcional y tener ciertos valores estéticos.

Además de analizar la tendencia actual de la moda, los diseñadores de moda deben comprender los principios del

diseño de moda para crear valores estéticos. El diseño también debe satisfacer las necesidades del grupo / ocasión

objetivo y ser capaz de expresar la individualidad y creatividad del diseñador. Los cambios culturales y sociales

afectan la tendencia de la moda y cómo las personas perciben los valores estéticos y los principios de diseño

relacionados. Lo que se considera hermoso un año puede que no se considere de la misma manera unos años

después.

3.1.1 Valores estéticos

La belleza es una cualidad que da placer a los sentidos. Crea una reacción emocional positiva en el espectador. La

mayoría de los psicólogos creen que la belleza y la estética son esenciales para la vida humana.

Los principios de la estética constituyen una parte importante de los Valores Estéticos requeridos en el diseño
de moda, que son también los determinantes del efecto de cualquier diseño. El valor estético y el juicio estético
juegan un papel importante en el éxito de cualquier diseño. Estos dos aspectos ayudan a juzgar objetivamente
cualquier diseño. Suelen ser determinantes que ayudan a evaluar la viabilidad de cualquier trabajo de diseño.
Es posible que los diseñadores no sean conscientes de estos principios mientras trabajan.

1
en sus diseños, pero cuando algo está mal con un diseño, pueden trabajar en los problemas para hacer
que el diseño sea perfecto y armonioso teniendo en cuenta los principios de proporción, equilibrio, ritmo,
radiación, gradación, énfasis, contraste, armonía, unidad, repetición y escala.

3.1.2 Principios de estética

Al desarrollar una colección, los diseñadores deben pensar para quién están diseñando, qué tipo de
prenda están desarrollando y para qué estaciones en particular. Para ello, los principios del diseño de
moda deben aplicarse y ejecutarse correctamente en términos de proporción, equilibrio, ritmo, radiación,
gradación, énfasis, contraste, armonía, unidad, repetición y escala.

La estética se percibe comúnmente como el estudio de los valores sensoriales o sensori-emocionales, a veces
llamados juicios de sentimiento y gusto. La enciclopedia identifica los principios de la estética de la siguiente
manera: -

“Los objetos son estéticamente valiosos si poseen una propiedad estética especial o
exhiben una forma estética especial, tienen la capacidad de producir placer en quienes
los experimentan o aprecian y tienen la capacidad de contribuir al cambio social o político.
La investigación también indicó que la estética del diseño de moda es que 'los
diseñadores de moda utilizan una variedad de técnicas para permitir que las personas
expresen la verdad sobre sus mentes inconscientes a través de su ropa'. Para crear una
personalidad vestible, los diseñadores utilizan tela, corte, color, escala, referencias al
pasado, textura, armonía de color, angustia, transparencia, insignias, accesorios,
abalorios y bordados. También se utiliza para encontrar el tamaño medio de las cosas,
para hacer un producto adecuado para un gran número de clientes ”.

Los filósofos griegos inicialmente sienten que los objetos estéticamente atractivos son hermosos en sí mismos.

Platón siente que los objetos hermosos incorporan proporción, armonía y unidad entre sus partes. Del mismo modo,

en el Metafísica, Aristóteles descubrió que los elementos universales de la belleza son el orden, la simetría y la

definición.

Algunos visual estético efectos incluir gradación, repetición, radiación,

simetría / asimetría, equilibrio, dinámica lineal, contraste, perspectiva, énfasis, escala, movimiento, ritmo,
unidad y proporción.

(A) Proporción

La proporción son las relaciones comparativas entre distancias, tamaños, cantidades,

2
grados y partes. Se puede aplicar a líneas unidimensionales, formas bidimensionales o formas tridimensionales.
Las características espaciales tienen poco significado excepto cuando se comparan con otra cosa; por tanto, la
idea principal de proporción es "en relación con". A veces, una sola parte de un cuerpo puede parecer "bien
proporcionada", pero si su tamaño o forma es incompatible con el resto de la figura, toda la figura todavía parece
estar "desproporcionada".

Claramente, la proporción no es solo un principio sintetizador. Más bien, invita a la exploración de partes y
totalidades. Es una cuestión de qué hace que las proporciones sean agradables o horribles. Estas, como otras
ideas de belleza y fealdad, están sujetas a preferencias culturales, pero algunas pautas han demostrado ser
aceptables a lo largo de muchos siglos y en muchas culturas. Aunque algunas de estas pautas adoptan la forma de
fórmulas matemáticas, escultores, artistas y arquitectos han etiquetado tradicionalmente esta fórmula proporcional
como “media áurea” o “proporción áurea”.

Básicamente, la proporción en el diseño de moda es la relación de tamaño de cada uno de los espacios internos

dentro de una prenda entre sí y con todo el diseño. La aplicación más hermosa de la proporción parece tener una

ligera desviación, un toque mágico que desafía un análisis preciso. Las proporciones más agradables son aquellas

que son desiguales. El siguiente ejemplo es una manga que es tan grande que abruma el resto del vestido. En este

caso, se dice que el vestido es "desproporcionado" o desproporcionado. Parte de un atuendo que es demasiado

pequeño también puede ser desproporcionado.

3
Fuera de proporcion En proporción

Las mangas son demasiado grandes para el tamaño de la falda. Las mangas se equilibran con una falda más larga

4
La proporción en el diseño de moda es muy importante para los ojos. Si el diseño tiene las proporciones
adecuadas, el efecto del diseño parecerá armonioso y agradable. Se espera que los buenos diseños sean
armoniosos y agradables. Para entender cómo manipular la proporción adecuada, la aplicación de la
"media dorada" es fundamental en cualquier diseño de moda.

La proporción desigual puede ser más interesante que la proporción igual. Se han propuesto muchas fórmulas
matemáticas en plural como pautas, conocidas como la media áurea o proporción áurea. Los estándares de
proporción cambian con los ciclos de la moda a lo largo de la evolución de la silueta y la línea.

A principios del Renacimiento, se desarrolló un cuerpo de literatura sobre la estética de la proporción

áurea. Esta proporción áurea matemática se considera 1: 1,618, que está muy cerca de 3: 5 y 5: 8.

La media áurea es la regla de la proporción que agrada a los ojos. 5: 8 y 8:13 son las fórmulas estándar.
Muchas grandes obras de arte en muchas culturas diferentes se han organizado consciente o
inconscientemente con sus divisiones lineales o espaciales de acuerdo con esta proporción áurea. Gran parte
de la arquitectura se basa en ella, al igual que muchas prendas hermosas. Sin embargo, la media dorada no es
la única forma. Hoy en día, estas proporciones clásicas no siempre están de moda. Los estilos
"desproporcionados" han sido igualmente populares. La moda cambia entre lo ortodoxo y lo tradicional, lo
alternativo y desafiante; por ello, la media áurea no debería adoptarse como regla absoluta. Es solo una regla
general que tiene como objetivo complacer la vista.

5
En los ejemplos 1 y 2, la proporción 5: 8 es comparativamente más satisfactoria para los ojos.

Ejemplo 1

6
Ejemplo 2

7
En el ejemplo 3, las proporciones 6: 8 y 4: 8 son demasiado pequeñas y demasiado grandes.

Ejemplo 3

(6: 8) (5: 8) (4: 8)

Muy poca diferencia Media dorada Demasiada diferencia

La media dorada es la regla de proporción estándar en el diseño, especialmente en el diseño de colecciones clásicas.

Sin embargo, la moda creativa se trata de romper las reglas, siguiendo el elemento Punk o, a veces, Gunge, en cuyo

caso el equilibrio de proporciones a menudo se ignora deliberadamente.

Muchas prendas hermosas están diseñadas en base a la media dorada, pero no es la única forma de lograr una sensación de

belleza en proporción. Una percepción de la belleza surge de un sentido informado de que las relaciones lineales y espaciales

son adecuadas entre sí a partir de un dominio artístico en lugar de exclusivamente a partir de una ecuación matemáticamente

precisa. Sin embargo, las relaciones ligeramente distintas de las proporciones exactas suelen ser más interesantes para el

espectador. En realidad, rara vez se encuentran diseños totalmente por fórmulas.

8
(B) Equilibrio

El equilibrio es cómo los espacios internos de una forma trabajan juntos. La superficie de un diseño puede estar dividida por

líneas estructurales, adornos, patrones de tela, texturas o colores. El equilibrio también se refiere al "peso visual" en el

diseño. Una prenda debe estar equilibrada para ser visualmente agradable.

El equilibrio puede ser simétrico o asimétrico:

(yo) Equilibrio formal

El equilibrio formal es simétrico. Sus detalles de diseño se dividen por igual para crear un equilibrio
centrado. En otras palabras, ambos lados son iguales, como tenemos dos brazos y dos piernas. Un diseño
de prenda simétrico debe tener exactamente los mismos detalles en el mismo lugar en ambos lados. El
equilibrio formal es la forma más fácil y lógica de lograr la estabilidad. Por lo tanto,

también se utiliza con mayor frecuencia en el diseño de moda.

Incluso un diseño con ligeras desviaciones, por ejemplo,
cuando los detalles menores no son exactamente iguales en
ambos lados, todavía se considera aproximadamente
simétrico. Un uso sensible de la tela, el ritmo y las relaciones
espaciales es esencial para evitar que un diseño simétrico sea
menos emocionante. Un diseño simétricamente equilibrado
suele tener una apariencia más formal o personalizada. Este
tipo de diseño es el más simple y menos costoso de producir.

• Los botones están colocados simétricamente.

9
(ii) Balance informal

El equilibrio informal es asimétrico. Sus detalles de diseño están divididos de manera desigual desde el

centro. Puede lograr un efecto más dramático e interesante a través de un desequilibrio del impacto visual.

Su composición tiene diferentes arreglos en cada lado. A menudo se logra con línea diagonal.

y cierres descentrados. Un detalle inusual, esbelto y

llamativo o un impacto intenso en un lado pueden
equilibrar un área más grande y menos imponente en
el otro lado. Puede parecer que una línea, textura o
color llamativos equilibren masas más grandes de
menor importancia. El equilibrio informal suele
reservarse para las prendas de moda por sus efectos
dramáticos y técnicos. El equilibrio informal no debe
parecer más pesado de un lado que del otro. Si se
hace correctamente, el diseño debe parecer
equilibrado, aunque sus dos lados sean diferentes.

● Una falda que presenta un bajo

asimétrico.

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(C) Ritmo

En el diseño de moda, el ritmo es el fluir de líneas, formas, texturas y colores de la prenda. El flujo debe llevar
suavemente los ojos de un área de la prenda a otra. Cuando todas las líneas de un conjunto funcionan bien
juntas, el sentido del ritmo es obvio.

El uso del ritmo es importante para lograr efectos agradables. El ritmo en el diseño da como resultado líneas y masas

repetidas. Estas repeticiones pueden ser de tamaño uniforme o de tamaño creciente o decreciente. Con referencia a la

muestra que se muestra a continuación, los patrones rítmicos se pueden generar superponiendo escalas. Claramente, el

ritmo puede crear un efecto poderoso, ya sea que se logre mediante la repetición de características regulares, mediante

motivos en telas estampadas o mediante un cambio gradual de tamaño o color.

El efecto de ritmo se demuestra en esta ilustración,

con las líneas en conflicto y el patrón roto creando un
fuerte impacto rítmico.

Siempre que las líneas y los patrones se coloquen

con cuidado, un sentido del ritmo guiará a los ojos
para pasar de mirar un elemento a mirar el otro. Con
todo, el "ritmo" como técnica de diseño se puede
lograr mediante el uso de numerosos tipos diferentes
de técnicas.

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(D) Radiación

La radiación es el uso de líneas de diseño que se abren en abanico desde un punto fundamental. Basado en el efecto de

resplandor solar, los ojos se mueven desde el punto central del resplandor solar al área exterior del diseño. La siguiente

blusa demuestra el efecto. Es decir, el espectador se siente atraído primero por el centro y luego por los bordes exteriores de

la blusa.

● Líneas que se irradian

desde un punto central en esta

blusa de paracaídas.

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(E) Gradación

La gradación es el uso de un solo color, forma, tamaño, detalle de diseño y motivo. Estos principios que
aparecen en cualquier patrón de gradación se pueden realizar desde el tono más oscuro hasta el más claro
o desde el tamaño más pequeño hasta el más grande, impartiendo una progresión rítmica. Los ojos pasan
automáticamente de mirar los tonos más oscuros a los más claros, o viceversa, por lo que se atiende todo el
tema. A veces, un diseñador puede usar una forma específica para accesorios en varios tamaños. La
gradación de los tamaños o formas tenderá a hacer que los ojos pasen de mirar uno a otro y, finalmente, a
mirar toda la prenda.

● Los botones y el cuello se gradúan en

tamaños, lo que agrega interés a este

vestido.

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(F) Énfasis

El énfasis es un centro de interés que llama la atención sobre el punto focal de una prenda. Este centro de interés

debe crear más atracción visual que cualquier otro elemento de diseño y debe estar relacionado con la estructura

general de la prenda, mientras que los elementos restantes deben apoyar este centro de interés haciéndose eco

de su impacto de diseño.

Un buen producto de moda debe resaltar las características

importantes de un cuerpo y desviar la atención de los defectos
de una figura. El "énfasis" se puede lograr mediante el uso de
líneas, detalles, acentos de color, formas, adornos o accesorios.
Una combinación de estos elementos le da al punto focal una
fuerza adicional, al igual que colocar el énfasis decorativo en un
punto estructural. Por ejemplo, Karl Lagerfeld lo hace
simplemente con filas de botones dorados en sus chaquetas.
Alternativamente, las mallas coloridas enfatizarían las piernas
del usuario y un collar brillante llamaría la atención sobre el
escote del usuario. Un "énfasis" bien planificado podría dirigir
nuestra mirada rápidamente al centro de interés en un diseño.

● Menos detalles en el diseño crean un punto

focal y, por lo tanto, se enfatiza un centro de
interés.

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Un 'énfasis' mal planificado confunde nuestros ojos, por lo que no sabemos dónde enfocar la prenda. En el
siguiente ejemplo, se presentan demasiadas áreas de interés que la atención del espectador se divide de
manera desigual de una manera impredecible. Por fin, no saben dónde concentrarse y este diseño pierde
su atención.

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(G) Contraste

El contraste es el uso de diferentes colores, texturas y formas. Es uno de los principios de diseño más
poderosos, lo que hace que los ojos vuelvan a evaluar la importancia de un área de enfoque frente a otra.
Por ejemplo, una blusa se adorna con un ribete de color contrastante. En tal caso, el uso de 'contraste'
alivia la monotonía de un efecto integral. Los colores captan nuestra atención y prestamos atención a las
características y detalles que enmarcan. La ubicación de características contrastantes requiere una
consideración minuciosa; estas características contrastantes se convierten en un punto focal. Los
contrastes en la textura de la tela realzan el efecto de cada material. Un ejemplo es una chaqueta de PVC
brillante que se usa con una falda de lana apagada. El siguiente ejemplo demuestra claramente el
concepto de 'contraste',

Figura 3.1 Colección de Leung Man Ying en 2006

dieciséis
(H) Armonía

La armonía es el arreglo agradable de todas las partes de una prenda. No es exactamente lo opuesto al
contraste, pero sí implica similitud que diferencias en áreas como el uso de colores o texturas que combinan
bien entre sí. A continuación se indica un ejemplo del diseño de Tam Wai Yin de 2006. En este ejemplo, los
colores y texturas tono sobre tono se mezclan perfectamente para lograr un efecto de armonía para el
espectador. Los patrones, colores y texturas utilizados en el diseño dan la sensación de que van juntos.

Figura 3.2 Colección de Tam Wai Yin 2006

Claramente, la armonía se logra cuando los elementos de diseño funcionan bien juntos. Las telas suaves y las

formas redondeadas forman un diseño más armonioso que las prendas de corte afilado o planchado. El patrón de la

tela, los adornos, los colores, las líneas, las formas, la textura y la proporción dan la sensación de que van juntos.

Aunque el diseño es seguro cuando se siguen las reglas absolutas de la armonía, hacerlo a veces da como

resultado un diseño conservador, que carece de impacto. Para evitarlo, se pueden agregar elementos que puedan

crear un impacto visual. Las modas italianas y americanas son reconocidas por el uso armonioso de tejidos

naturales, la combinación de colores y el uso de una silueta no agresiva. Una colección armoniosa es fácil de

coordinar y también fácil de lograr buenas cifras de venta.

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(I) Unidad

La repetición de un elemento de diseño en una prenda crea una sensación de unidad. Por el contrario, el uso
de demasiados motivos en una prenda distrae y es discordante. Cuando una prenda tiene unidad, las partes
separadas e individuales trabajan juntas para crear un todo. Se logra un sentimiento de unión y unidad.

Por ejemplo, el vestido indicado a la derecha es uno que carece de unidad. Las costuras a medida son incongruentes con

la esponjosidad de la parte superior.

Sin unidad

18
Por el contrario, la unidad se logra con éxito en el siguiente atuendo con costuras a medida en toda la
prenda.

Unidad

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(J) Repetición

La repetición es el uso repetido de ciertos elementos, detalles o adornos de diseño en una prenda. Una
función puede repetirse de forma regular o irregular. Este efecto múltiple podría usarse para unificar un
diseño.

De hecho, la repetición es una sensación de movimiento. La repetición es necesaria para crear interés en un

diseño y llevar a cabo el tema central. La repetición en el diseño puede ser

logrado por la repetición de formas, líneas y colores. Por

ejemplo, la repetición de pliegues, fruncidos, pliegues o
botones crea un ritmo en forma de líneas y formas. La línea,
la forma, el color o el detalle dominante de una prenda
pueden repetirse en otros lugares con variaciones.

La repetición es una de las pautas más útiles en la

consideración de un tema. En un diseño, una forma, línea o
detalle que se repite ayuda a llevar el tema a lo largo de toda
la colección. Por ejemplo, los suaves fruncidos diseñados en
el cuello podrían colocarse también en los puños para unificar
la colección.

La colocación de fruncidos tanto en el cuello como en

las mangas demuestra el uso del principio de repetición.

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(K) Escala

El término 'escala' se refiere a la relación entre una prenda y sus detalles de diseño. Se debe encontrar una sensación

de armonía en los elementos de diseño dentro de todo el diseño, con elementos de diseño que no estén fuera de

escala, como ser demasiado grandes o demasiado pequeños o demasiado brillantes u oscuros. Por ejemplo, el vestido

a continuación indica una escala incorrecta en el color y el tamaño del patrón.

• Escala impar en
color y tamaño
de patrón es

exitosamente

logrado en esto
vestido.

Escala derecha Escala incorrecta

21
3.2 Elementos de diseño de moda

El diseño es una cuestión de mezclar elementos conocidos de formas nuevas y emocionantes para crear
combinaciones frescas y agradables. Generalmente, un diseño exitoso y bueno se logra cuando todos los
elementos y principios del diseño trabajan en armonía con la temática de la prenda que se lleva a cabo sin
exagerar ni olvidar. La moda sobrediseñada generalmente no se vende bien.

3.2.1 Cómo lograr un diseño bueno y creativo

Como mencionó Gini Stephens, un diseño efectivo es el resultado de una idea o tema bien desarrollado.
Por ejemplo, si el tema de un diseño o grupo es dramático, el diseño debe tener una línea audaz, una
silueta exagerada, grandes divisiones de espacio, colores brillantes u oscuros, contraste fuerte,
impresiones grandes o textura extrema. Hay muchas formas de desarrollar ideas y temas. El uso bien
pensado de los elementos y principios en los diseños es más evidente en un vestido de noche cuando el
drama de la ocasión lo hace apropiado para crear algo sensacional. Para el uso diario, sin embargo, las
prendas son sencillas y prácticas y los elementos utilizados son menos notorios. Los buenos diseños
deben incorporar valores estéticos y propósitos funcionales.

Los diseñadores a menudo prueban muchas variaciones de un diseño antes de crear uno que tenga la
combinación perfecta de tela, color, línea, forma y el uso correcto del equilibrio, la proporción, el énfasis y la
repetición. Por lo general, elaboran sus ideas en forma de boceto para probar su viabilidad. Los diseñadores
deben determinar objetivamente si todos los elementos funcionan juntos y crear un efecto visual armonioso y
consistente.

“La fórmula para crear buenos diseños debe incorporar una combinación armoniosa de todos los elementos
y principios del diseño. El diseño es el plan que se usa para armar una idea, el proceso de diseño es la
selección y combinación de los elementos de diseño de acuerdo con los principios del diseño para lograr la
armonía ”. (Moda, Mary Wolfe 1998)

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El proceso de diseño se ilustra a continuación:

Proceso de diseño

LOS PRINCIPIOS Los elementos ARMONÍA BUEN DISEÑO

DE DISEÑO DE DISEÑO Agradable unidad visual

Equilibrar Línea

Proporción Forma

Énfasis + Textura + =
Ritmo Patrón

Color

Cuando los elementos de diseño se utilizan de acuerdo con los principios del diseño, se crea armonía.

(A) Muestra de buen diseño de moda

Los buenos diseños deben incorporar una combinación armoniosa y buena de todos los elementos del diseño y

principios de la moda. Hace que el usuario se vea mejor. Algunos buenos ejemplos de diseño se indican a

continuación: -

23
 Figura 3.3 Diseñado por Yip Cho Sin

Los elementos de diseño y los principios de la moda se aplican correctamente y se utilizan de forma eficaz en el
ejemplo anterior. Un buen diseño debe considerar tanto los valores estéticos como las finalidades funcionales
de los productos finales: Perfecta combinación de textura, color, línea, silueta y el correcto uso del equilibrio,
proporción, disposición cromática, repetición, ritmo y radiación. Todos los elementos trabajan juntos para crear
un efecto visual armonioso y consistente, así como funciones prácticas.

El efecto informal de equilibrio y gradación queda bien demostrado aquí, la intensa oscuridad

24
El borde gris equilibra el área gris clara más grande y menos imponente. El uso del ritmo de las líneas de flujo

también tiene éxito, logrando efectos visuales agradables. El ritmo en el diseño resulta de la repetición de líneas y

masas. El ritmo de la línea de flujo y el cambio gradual de color crean una combinación exitosa y armoniosa. Se

demuestra una disposición agradable de todas las partes. En este ejemplo, los colores, líneas, patrones, formas y

texturas se mezclan perfectamente para lograr un efecto de armonía para los espectadores. Cada parte individual,

única a su manera, ha sido cuidadosamente colocada junto con todas las otras partes para crear un todo unificador y

hermoso.

Aparte de estos elementos, las líneas curvas y el cuello redondo también crean una sensación de unidad.
Cuando una prenda tiene unidad, las partes separadas e individuales trabajan juntas para crear un efecto
completo y equilibrado. Hay un sentimiento de unión y unidad. Este diseño ha logrado crear unidad y repetición.
Las líneas de flujo repetidas demuestran el uso del principio de repetición. La proporción agradable de todas las
partes se logra bien en áreas como la relación de tamaño entre el hombro, el cuello, la línea inferior y la longitud
del cuerpo. Se encuentra una sensación de armonía con los elementos y principios de diseño dentro de todo el
diseño.

25
 Figura 3.4 Colección de Leung Man Ying en 2006

(B) ¿Qué es la creatividad?

Según los hallazgos de Alex Fung, es una suposición general que el término "creativo" pertenece a los
profesionales del diseño, el arte, la composición musical, la poesía y la literatura. En realidad, todos pueden
ser creativos. Actividades como cocinar, reorganizar el hogar y seleccionar y usar ropa se pueden realizar
de formas nuevas e imaginativas.

Los 'pensamientos creativos' pueden considerarse como el establecimiento de nuevos patrones mentales
inspirados por preguntas sin respuesta y redefiniciones de valores o relaciones. Excediendo la definición
del diccionario de "la capacidad de crear", Edward de Bono sugiere que "ser creativo significa dar vida a
algo que no existía antes".

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La creatividad se considera un proceso de pensamiento que tiene como objetivo la originalidad, generar ideas o idear

nuevas soluciones para viejos problemas. La creatividad hace asociaciones inusuales o encuentra nuevas formas de

ver las cosas, evita las rutinas, rompe las reglas, toma riesgos, es imaginativa, tiene una actitud lúdica y un

pensamiento flexible de celebración. La creatividad no se limita al diseño o cualquier otra disciplina, sino que involucra

a científicos, artistas, profesores, gerentes, hotelería, proveedores de turismo, etc.

Figura 3.5 Diseñado por Yu Man Shan

En este ejemplo, la invención clave del diseño es la cremallera. La fila de cremalleras demuestra un aspecto totalmente

nuevo para la industria de la piel. Las cremalleras son una especie de accesorio tradicional para ropa deportiva, casual o

masculina como la chaqueta motera de Punk. Desde el punto de vista de un diseñador de moda, las cremalleras evocan

imágenes rígidas, desenfadadas, duras y de alguien con una determinada situación económica. Por el contrario, las

prendas de piel tradicionales transmiten lujo, feminidad, glamour y un alto estatus para el mercado de ropa femenina de alta

gama.

Este diseño es una invención de una apariencia totalmente nueva para prendas de piel glamorosas que no existían

antes. Rompe las reglas tradicionales y evita las rutinas. El diseñador sustenta todas las formas de creación, pero

mantiene la pieza de diseño funcional y su estética.

27
valores.

Además, el diseñador también ha ideado una nueva solución para el viejo problema de la manipulación de cremalleras

durante su proceso de diseño; las numerosas cremalleras demuestran el método de aplicación innovador e inusual de

las cremalleras para el mercado de la industria peletera. El diseñador rompe algunas reglas tradicionales como “la

cremallera es solo para tela tejida”, establece un nuevo patrón mental para las prendas de piel y también encuentra

formas nuevas e imaginativas de ver la gestión de la cremallera. El diseño muestra la redefinición del valor del glamour a

un valor más informal para la regulación de la piel.

Figura 3.6 Diseñado por So Yau Kai

28
(C) Elementos de diseño de moda

Los elementos principales del diseño de moda son Línea, Forma, Textura, Patrón y Color. El conocimiento de
estos elementos ayudará a evaluar si un diseño es bueno o no, crear ilusiones de moda y detectar tendencias
y cambios en el mundo de la moda. Además, comprender cómo se pueden ejecutar y manipular estos
elementos es esencial para un buen diseño.

3.2.2 Línea y dirección

Una línea es una marca alargada, la conexión entre dos puntos o el efecto realizado por el borde de un
objeto donde no hay una línea real en el objeto en sí. Una línea lleva a los ojos a ver en la dirección en la
que va y divide el área por la que pasa, proporcionando así un punto de ruptura en el espacio.

El término línea se refiere a la dirección del interés visual en una prenda creada por detalles de
construcción como costuras, cierres, patrones, pliegues, costuras en contraste y adornos. Es el elemento
más básico del diseño porque divide áreas en formas y espacios. Una línea puede ser dura o blanda,
flexible o
rígido. Puede moverse en varias direcciones, lo que hace que el
espectador mire, mire hacia arriba y hacia abajo, o recorra todo el
cuerpo. Además, una línea también puede crear el efecto de ilusión de
estrechez o plenitud en el usuario. Equilibrar los efectos de las líneas
es una de las tareas importantes que un diseñador debe abordar en el
diseño.

(A) Líneas rectas

Las líneas rectas se dividen en tres tipos: verticales, horizontales y

diagonales.

(yo) Líneas verticales

Las líneas verticales crean una sensación de longitud y elegancia, ya

que llevan a los ojos a ver el cuerpo de arriba a abajo. Crean la ilusión
de un cuerpo más largo y delgado y una sensación de fuerza,
dignidad y formalidad. El uso de líneas verticales para crear un efecto
visual adelgazante y alargador.

29
(ii) Líneas horizontales

Las líneas horizontales se cruzan en una prenda. Estas líneas a lo largo del cuerpo pueden hacer que el usuario se vea más

bajo y más gordo. Las líneas horizontales tienden a crear una sensación de estabilidad y descanso. Sin embargo, el espaciado y

el ancho de las líneas horizontales pueden afectar la sensación creada.

Las líneas horizontales llevan a los ojos a ver de lado a lado y, por lo tanto, llaman la atención sobre el ancho del cuerpo y

crean la ilusión de un cuerpo más ancho y corto. Las líneas horizontales son las más adecuadas para utilizar para lograr

una imagen corporal más ancha o más corta. Pueden agregar ancho a hombros, pecho o caderas. Mientras tanto, cuellos

anchos, mangas anchas y bolsillos grandes ayudan a ampliar el efecto del diseño.

30
(iii) Líneas diagonales u oblicuas

Las líneas diagonales u oblicuas son aquellas líneas estructurales que se mueven en diagonal dentro de una prenda. Se

mueven desde un ángulo en una prenda y viajan en diagonal a través y alrededor del cuerpo, agregando cierta sensación

de movimiento e impacto visual en el diseño; Las líneas de ropa también pueden converger y divergir para lograr grandes

efectos direccionales.

La efectividad del uso de líneas diagonales depende de si la línea se inclina en una dirección más vertical u

horizontal. Generalmente, las líneas diagonales combinan lo vertical y lo horizontal, aparentemente indeciso entre

vertical y lateral; por tanto, parecen inquietos, ocupados e inestables, pero implican un movimiento poderoso,

vitalidad y efecto dramático. Demasiadas líneas diagonales inclinadas en una dirección pueden introducir

ilusión direccional tambaleante; por lo que las diagonales a menudo necesitan una diagonal

opuesta para proporcionar equilibrio. Si las diagonales opuestas se encuentran con un

punto hacia abajo, las líneas parecen levantarse y el efecto es más ligero, más feliz y más

juvenil. Si se encuentran con un punto hacia arriba y las líneas parecen

Si se arrastra hacia abajo, el efecto es más pesado, más antiguo,

más sombrío y más caído. Con una línea desafiante, las

diagonales a menudo parecen deportivas. Con un uso magistral,

las diagonales también pueden transmitir elegancia.

31
(B) Efecto visual de las líneas estructurales

Diferentes disposiciones de líneas estructurales dentro de una prenda pueden hacer que el usuario parezca más gordo o más

delgado, más alto o más bajo. Así, las ilusiones ópticas pueden ser creadas intencionalmente por diseñadores que saben cómo y

dónde colocar las líneas estructurales.

El ancho de las líneas y la cantidad de espacio entre líneas afectan la ilusión creada. Las franjas verticales muy

espaciadas pueden dar la impresión de un ancho adicional, con los ojos moviéndose hacia los lados a través de las

líneas. Alternativamente, con rayas horizontales muy espaciadas, los ojos se mueven hacia arriba y hacia abajo en

lugar de hacia los lados. Estos ejemplos se indican en la siguiente ilustración.

Un cambio en la ubicación de las líneas puede alterar el tamaño aparente de un área.

32
 ¿Cuál de las líneas parece más larga?

Línea gruesa Línea estrecha Flecha Línea Y Línea T

Además, las líneas rectas también pueden sugerir cierto estilo; tienen una naturaleza formal y nítida y

generalmente se usan en diseños clásicos o conservadores. La mayoría de los trajes ejecutivos y la ropa

náutica tienen líneas verticales u horizontales nítidas en los hombros, mangas, cuerpo, puños y dobladillos.

Las líneas diagonales son dramáticas y de naturaleza más moderna; a menudo se les ve con ropa de alta

costura.

Por el contrario, las líneas curvas pueden ser circulares o ligeramente onduladas. Pueden moverse en sentido

vertical, horizontal o diagonal y aportar cierta feminidad y plenitud a una prenda. Las líneas curvas también

agregan suavidad y redondez a una prenda para crear una imagen más casual. Una camisa de vaquero

occidental con un yugo curvo en el pecho tiene un efecto más informal que una camisa a medida.

33
Muestra de diseño de líneas diagonales

Las líneas diagonales son dramáticas y de naturaleza más moderna; a menudo se les ve con ropa de alta costura.

Figura 3.7 Diseñado por Lam Sai Tung

34
(C) Calidad expresiva de la línea

Una línea puede ser dura o blanda, recta o curva, lo que implica rigidez o flexibilidad. La dirección de una línea puede transmitir

cierto estado de ánimo. Según esta teoría, diferentes líneas pueden moverse en diferentes direcciones para expresar diferentes

emociones.

(i) Las líneas horizontales son tranquilas y silenciosas

(ii) Las líneas verticales sugieren un mayor potencial de movimiento.

Ejemplos:

● Una línea con silencio, calma, orden y sencillez ● Líneas con libertad, orden y perspectiva.

● Una línea con movimiento, fuerza y prisa ● Una línea que muestra caos, confusión e ira.

35
3.2.3 Forma

Otra función de las líneas es crear formas. En la industria de la moda, el término "silueta" se utiliza normalmente
para describir la forma de la prenda. "Silueta" en francés significa "el contorno general o la forma de un traje".
Dado que las prendas son tridimensionales, la silueta cambia a medida que la prenda se ve en 360 grados
desde diferentes ángulos. Determina la primera impresión que las personas tienen de un atuendo, lo que
significa que observan la forma general de una prenda antes de examinar su tela, textura o detalle. La silueta es
una consideración fundamental en el proceso de diseño.

Las tendencias de la moda influyen en el tipo de siluetas que están de moda durante una temporada de moda. Por lo general, las

siluetas en uso cambian de un año a otro y, ocasionalmente, los diseñadores de moda introducen una nueva silueta. Los estilos

pueden cambiar repentinamente de ajustados a tubulares si los desfiles de moda, los sitios web, las revistas, las tiendas o los

íconos de la moda promueven una "nueva apariencia".

(A) Formas básicas de prendas

A lo largo de la historia del diseño de moda, las siluetas tienden a repetirse en ciclos. A veces, la forma de un reloj de arena

es popular. En otras ocasiones, la forma de una tienda de campaña que resta importancia a los contornos del cuerpo domina

la tendencia de la moda. Una silueta debe coincidir con la estructura de la carrocería, pero se necesitan algunas variaciones

para agregar efectos interesantes. La mayoría de las prendas tienen una de las siguientes cuatro formas básicas: natural,

rectangular, carpa y completa.

36
Forma natural es la forma clásica que sigue el contorno del cuerpo. La ropa de

esta silueta enfatiza la cintura natural.

Forma rectangular es tubular con énfasis en sentido vertical.

En esta forma, las líneas dominantes suben y bajan y, por lo general, la cintura no está
definida. Vestidos de camiseta, pantalones rectos
y los trajes ejecutivos son ejemplos de siluetas en forma rectangular

Forma de tienda es el más popular en las últimas tendencias de moda y ropa maternit. Se ensancha
desde debajo de la sisa, lo que hace que una axila no sea práctica. Los vestidos rectos, las
chaquetas acampanadas y las capas tienen forma de carpa.

Forma completa tiene más líneas horizontales y curvas que las otras siluetas. Faldas y
vestidos fruncidos, mangas anchas y pantalones con perneras anchas son ejemplos
típicos de siluetas en formas llenas.

37
(B) Formas básicas de la ropa femenina

38
39
 Figura 3.8 Traje completo de la colección 2007 de Cheung Siu Yan

En ropa de mujer, cada diseñador de ropa de mujer elige pocas formas para dominar una colección
o una forma básica se individualiza con varios escotes y mangas. Luego, los dobladillos se acortan o
alargan. A la inversa, en la industria masculina, solo aparece una silueta en una colección. Son los
otros ingredientes como la tela y los detalles los que diferencian una prenda de la otra.

40
(C) Formas básicas de prendas de vestir de caballero

A lo largo de la historia de la moda masculina, especialmente en la ropa a medida para hombres, siempre ha habido

menos opciones de silueta. La mayoría de la ropa masculina incluye las siguientes cuatro formas básicas: rectangular

/ invertida / triangular / cuadrada y natural.

41
3.2.4 Textura

La textura es la calidad de la superficie de un objeto. En el diseño de moda, la textura es el interés superficial de una

tela, creado por el tejido y por el reflejo de la luz. Nuestros ojos pueden apreciar el juego de luces sobre superficies

lisas o rugosas y las manos al sentir la superficie. Las combinaciones de texturas como el cuero con punto grueso

(brillante con raspado) crean emoción en una prenda. Todas las texturas de la tela, desde la gasa más transparente

hasta el vellón más voluminoso y la lona más resistente, dependen de las variaciones de cuatro factores: contenido

de fibra, estructura del hilo, estructura de la tela y acabados. Todos estos factores afectan la calidad visual, táctil y de

rendimiento de una textura. Hoy en día, la textura es uno de los elementos clave en la tendencia actual de la moda y

juega un papel importante en todo el efecto visual de una prenda y su apariencia.

La textura influye en la caída de una prenda. La gasa se adhiere y fluye, lo que la convierte en una buena opción para estilos

suaves y femeninos, mientras que la lona tiene la firmeza y el volumen adecuados para prendas más informales.

La textura afecta el color de una tela al hacer que la superficie refleje o absorba la luz. Las texturas rugosas absorben la

luz, lo que hace que los colores parezcan planos. Las texturas suaves reflejan la luz, lo que hace que los colores

parezcan más brillantes. Un color que parece extremadamente brillante en un vinilo brillante o satinado se atenuará en

lana áspera o ante.

La textura se considera uno de los componentes importantes de la historia de la moda. Se pueden lograr
efectos maravillosos cuando se introduce textura en una prenda de un solo color. Esto se puede implementar
decorando, recortando alfileres, frunciendo, frunciendo y bordando, cualquier cosa que perturbe la superficie.

De hecho, la mayoría de los diseñadores seleccionan las telas antes de hacer sus bocetos de diseño; prefieren

inspirarse en la textura en lugar de encontrar el ajuste perfecto para un boceto de diseño. Además, la textura

también puede crear el efecto ilusorio de estrechez y plenitud en el usuario, al igual que las líneas, los patrones y

los colores logran otros efectos ilusorios. La textura puede afectar la apariencia de una silueta, dándole un

aspecto voluminoso o esbelto, dependiendo de la rugosidad o suavidad de los materiales. El contraste de textura

entre la parte superior rígida y la falda de gasa de cortinas suaves de Martin So crea un fuerte impacto para este

atuendo de textura de moda.

42
 Figura 3.9 Falda de gasa con cortinas suaves diseñada por Martin So

3.2.5 Patrones de tela

Los patrones de tela están coordinados por líneas, puntos, formas, espacios y colores. Se crean en infinitas
variedades: geométricas, florales, rayas, cuadros, puntos, motivos abstractos y muchos otros. En
consecuencia, los patrones siempre generan interés e impacto visual. Los tejidos estampados y teñidos
transmiten las nuevas tendencias de la moda de forma fácil y relativamente rápida. Ayudan a equilibrar
colecciones o rangos y añaden variedad. Su disposición de patrones puede ser sutil o intensa, grande o
diminuta, brillante u oscura, uniforme o desigual y espaciada o agrupada. Las ideas provienen de influencias
mundiales, incluidos motivos de la naturaleza, folklóricos, históricos, arquitectónicos, fondos de pantalla,
dibujos animados y pasatiempos de la gente. Los diseñadores pueden comprar en todo el mundo patrones de
tela o prendas como fuente de nuevas ideas.

43
(A) Patrones geométricos

Los patrones geométricos se refieren a patrones de textura, rayas, cuadros y cuadros que se tejen, imprimen o hacen punto,

como guinga, sarga de la mano izquierda, cambray rayado, lino de paneles de ventana o rayas de alfiler.

(B) Patrones convencionales

Los patrones convencionales se refieren a motivos naturalistas estilizados. Los patrones convencionales combinan el ritmo

de las rayas con el suave encanto natural del patrón floral. Por ejemplo, una elegante raya tejida en la oscuridad, un

brocado de seda tejido o una impresión en bloque sobre lino.

44
(C) Patrones naturalistas

Principalmente florales, aunque se pueden utilizar otros motivos, que van desde manchas de leopardo hasta bastones de caramelo

como el cachemir sobre jersey de acetato, floral naturalista sobre algodón y floral estilizado sobre crepé de seda.

45
(D) Puntos y manchas

Por ejemplo, lunares novedosos en algodón, lunares con monedas en crepé plano y motivos geométricos en jersey.

(E) Técnicas de impresión

Las técnicas de estampado y teñido son la influencia más significativa del efecto del patrón completo y la apariencia de

la prenda. Desempeña un papel importante en la industria del diseño de moda actual. Algunas de las técnicas de

impresión y teñido más comunes:

(yo) Bloquea imprimir

La impresión en bloque es una de las primeras formas de impresión. Utiliza bloques de madera que están grabados con el

diseño o, alternativamente, el diseño está martillado en tiras de metal.

(ii) Serigrafía

La serigrafía se basa en el proceso de estarcido. Se crea una pantalla de malla fina y las áreas que no se van a

imprimir se bloquean químicamente. Se necesita una pantalla diferente para cada color requerido. Se usa una

escobilla de goma para empujar la tinta de impresión a través del paño. Esto se puede hacer a mano o con una

máquina, dependiendo de si el tejido es una muestra, un “one-off” o uno para producción en masa.

(iii) Impresión por quemado

La impresión por quemado es una técnica mediante la cual se imprime un producto químico sobre una tela
construida a partir de dos fibras. El químico destruye una fibra y crea pura

46
áreas.

(iv) Impresión de descarga

La impresión de descarga es un patrón claro sobre un fondo oscuro creado al imprimir una pasta sobre la
tela. La pasta elimina el color de fondo.

(v) Impresión con rodillo grabado

La impresión con rodillo grabado produce un diseño continuo en una tela y tiene imágenes grabadas en un
rodillo de metal. El rodillo se entinta y se transfiere a la tela bajo presión. Es útil para diseños con una imagen
repetida en un área impresa grande, ya que este método permite una impresión perfecta para que las uniones
en el diseño sean invisibles.

(vi) Impresión por transferencia de calor

La impresión por transferencia de calor funciona pasando un papel con el diseño impreso a través de rodillos calientes con

un paño que, en consecuencia, transfiere la impresión. Transfiera el tinte del papel a la tela a mano usando un trozo de

papel de color y una pequeña prensa de calor.

(vii) Impresión digital

La impresión digital se puede aplicar directamente a las telas desde la computadora a través de una impresora de inyección de

tinta. Se pueden lograr imágenes de muy alta definición y se pueden imprimir muchos colores sin la necesidad de utilizar

numerosas pantallas. También se utilizan impresoras láser, pero sigue siendo un proceso relativamente caro.

(viii) Tintas de impresión

Se pueden agregar tintas de impresión a colores planos o efectos de pintura renderizados a mano. El flocado proporciona

una textura aterciopelada que depende de la fibra que se utilice para flocar. Las tintas expansivas también brindan una

textura flocada y comienzan a expandirse después de aplicarse a la tela.

Los patrones de tela, al igual que la textura de la tela, pueden crear ilusiones en el diseño. Por ejemplo, las impresiones pequeñas

en colores tenues suelen reducir el tamaño aparente. Por el contrario, los diseños grandes amplían el tamaño aparente y los

motivos muy espaciados también harán que el usuario se vea más ancho en tamaño corporal. Los estampados con curvas

anchas dan una sensación de redondez y tamaño añadidos.

Los estampados, rayas y cuadros que están en escala o en tamaño proporcional deben seleccionarse con referencia al tamaño del

cuerpo. Los diseños pequeños se ven mejor en personas de tamaño pequeño a promedio, pero se ven fuera de lugar y perdidos en una

figura grande. Por el contrario, los diseños grandes son los que mejor usan las personas de tamaño medio a alto, ya que estos diseños

pueden abrumar a una persona.

47
pequeña figura.

3.2.6 Colores
Los colores siempre han sido un elemento clave en la ropa de mujer y una consideración fundamental en el
proceso de diseño, ya que son el primer elemento que atrae la mirada de los compradores y son lo último en
lograr una compra. A menudo es el primer elemento que se nota con un diseño e influye en cómo se percibe
esa prenda o colección. Por lo tanto, los colores suelen ser el punto de partida del proceso de diseño.

Históricamente, los colores se han utilizado para denotar rango y profesión. El amarillo dorado, por ejemplo, se
asoció con la realeza y en algunos períodos solo podía ser usado por el emperador chino. El negro se convirtió
en una costumbre para la vestimenta del clero y para los miembros del poder judicial en el oeste. El simbolismo
del color a menudo varía con la ubicación geográfica. Si bien el blanco es el símbolo de pureza del mundo
occidental, usado por las novias y usado en vestidos de comunión, es el color del luto en India y China.

Hoy en día, los colores de la moda siempre cambian con tanta frecuencia como la moda misma. Los colores de una nueva temporada

generalmente surgen de la paleta de colores existente. Las predicciones del color de la moda y las empresas de previsión se

establecen mucho antes de que los diseñadores comiencen sus colecciones. Estas empresas desarrollan historias de color a partir de

muchas fuentes, incluidas las ferias internacionales de telas donde los tecnólogos de hilos, proveedores de cosméticos, comerciantes

de recortes y otras industrias relacionadas muestran su último desarrollo en nuevas historias de color derivadas de colores populares

existentes.

La industria textil desarrolla continuamente la tecnología de los tejidos para crear tejidos con tejidos, tejidos,
texturas y acabados innovadores. Es importante considerar el color junto con la textura como la superficie de
la tela tanto como el color presentado.

Predicciones de color, tendencias e historias de color se muestran dos veces al año en París, Milán, Nueva York,
Hong Kong, así como en otras importantes ferias comerciales de tejidos de todo el mundo. Revistas comerciales
inspiradoras discuten las nuevas tendencias de color en relación con las influencias clave del momento y brindan
pautas de color específicas para su uso en textiles, moda, cosméticos y accesorios. Son el resultado del
consenso internacional de moda y color. Los consultores de color monitorean las tendencias y reúnen opiniones
y conclusiones de diseñadores, fabricantes y minoristas.

(A) ¿Qué es el color?

El color es la propiedad de un objeto que resulta de la reflexión, transmisión o emisión de ondas de luz que
provocan una percepción visual en los ojos dependiendo de

48
la longitud de onda específica involucrada. Por ejemplo, una camisa azul absorbe todos los rayos de luz excepto los

azules, que se reflejan en los ojos. Por tanto, esta camiseta parece ser azul. El blanco combina todos los colores y, por lo

tanto, un objeto blanco refleja todos los colores. Dado que el negro absorbe todos los colores, el color de fondo no refleja

ningún tono. La mayoría de las luces artificiales son como la luz del sol, pero algunas lámparas no emiten luz blanca. Las

lámparas de vapor de mercurio, que se utilizan a menudo para la iluminación de carreteras, emiten luz sin rayos rojos. Por

lo tanto, bajo esta luz, la ropa roja e incluso los labios rojos no aparecerán rojos ya que no hay rayos rojos para reflejar.

Suelen aparecer de color azul o violáceo.

(B) Dimensiones de color

El color tiene tres dimensiones diferentes: matiz, valor e intensidad.

(yo) Matiz

Los colores se llaman matices. Un matiz es el nombre que se le da a colores específicos como el rojo y el azul.

49
(ii) Valor

El valor se refiere al uso de sombras y luces o la variación de la intensidad de la luz en un color. La escala de
valores va de blanco a negro. El blanco es luz pura; el negro es la ausencia total de luz. Agregar blanco aclara un
color y agregar negro lo oscurece. Los valores más claros se denominan tintes y los más oscuros se denominan
tonos.

(iii) Intensidad

La intensidad también se llama croma, que representa la saturación relativa, el brillo (fuerza) o la palidez
(debilidad) de un color. Los colores brillantes se consideran de alta intensidad; los pálidos son de baja
intensidad. Cuando un poco de pintura palidece al agregar agua, la intensidad de su color disminuye. Por
ejemplo, el azul cielo es de alta intensidad y el azul pastel suave es de baja intensidad.

50
(C) Rueda de color

La organización más común de colores básicos se muestra mediante lo que se llama rueda de colores. Esta

organización en particular utiliza doce segmentos que se dividen en tres categorías, que son primario, secundario y

terciario. Los tonos primarios de rojo, amarillo y azul forman un triángulo equilátero se muestran dentro de la rueda

de colores. Los tres tonos secundarios de naranja, violeta y verde se muestran en otro triángulo. El rojo anaranjado,

el amarillo anaranjado, el amarillo verde, el verde azulado, el azul violeta y el violeta rojo se muestran en otros seis

tonos terciarios.

Se utilizan otros términos para describir los colores:

(yo) Colores primarios

El rojo, el amarillo y el azul no se pueden hacer mezclando otros colores.

51
(ii) Colores secundarios

Naranja, verde, violeta son colores que se obtienen mezclando dos colores primarios. Por ejemplo, el amarillo y el rojo producen

naranja.

(iii) Tinte

Un color puro mezclado con blanco. Por ejemplo, rojo más blanco para hacer rosa.

(iv) Sombra

Un color puro mezclado con negro. Por ejemplo, rojo más negro para hacer burdeos.

(v) Tono

Término general para describir un tinte o tono.

52
(vi) Colores complementarios (colores de contraste)

Pares de colores que aparecen en lados opuestos de la rueda de colores. Por ejemplo, rojo y verde o violeta y
amarillo.

(vii) Colores cálidos

El rojo, amarillo y naranja como colores cálidos se clasifican ya que generalmente se asocian con el fuego y el
sol. Los colores cálidos son estimulantes, agresivos y vivos. El rojo está asociado con asuntos del corazón:
San Valentín, amor y romance; emocionante, ardiente y peligroso. Es un color popular para la ropa de mujer y
es uno de los colores que se utilizan con frecuencia para la ropa cada temporada. El amarillo es brillante,
soleado, alegre, amigable y optimista. Orange se ha vuelto popular en el mercado juvenil.

(viii) Colores fríos

El azul, el verde y el violeta recuerdan al cielo y al mar. El azul es tranquilo, tranquilo y reservado. El denim y el azul

marino se han convertido en clásicos del armario. Por este motivo, la mayoría de fabricantes incluyen el azul

especialmente en sus líneas de primavera o verano. El verde es un color relajante que sugiere paz y tranquilidad. Se

utiliza principalmente en un valor oscuro en las líneas de ropa deportiva de otoño. Violet, históricamente asociada con la

realeza, ha llegado a representar riqueza, dignidad y drama.

Los colores pueden crear el efecto ilusorio de estrechez o plenitud en el usuario. Los colores también se pueden usar para

acentuar o minimizar ciertas áreas del cuerpo y crear ilusiones en la altura y el tamaño de una persona. Los colores se

perciben de manera diferente cuando se colocan uno al lado del otro. Generalmente, los colores más brillantes parecen

más grandes que los más oscuros.

Se puede considerar que los colores tienen el impacto visual más fuerte entre otros elementos relacionados con el diseño en

un objeto. Por ejemplo, los colores cálidos y los colores puros aparecen más cerca del espectador, mientras que los colores

fríos parecen retroceder. Los colores claros se expanden; los colores oscuros se contraen. El amarillo se percibe como el color

más grande y el negro el más pequeño.

53
Además, los colores se pueden utilizar para enfatizar una característica especial como el color de sus ojos. Algunas

personas con ojos azul grisáceo parecen tener ojos muy azules cuando usan una camisa azul.

54
3.3 Presentación de diseño de moda

3.3.1 Habilidades gráficas

Los diseñadores de moda crean y esbozan prendas para comunicar sus ideas a sus equipos de diseño, patrones,

maquinistas de muestras y compradores. Los diseñadores de moda deben saber dibujar para que sus diseños se

entiendan, pero no necesariamente deben sobresalir en el dibujo de moda. Suelen disponer de muy poco tiempo

para realizar bocetos de moda y anotar ideas fugaces con el fin de captar movimientos transitorios. Por esta razón,

los bocetos rápidos para mostrar ideas son principalmente lo que se requiere de los diseñadores de moda.

(A) Dibujo de figura

Cuando los diseñadores de moda necesitan comunicar ideas a los compradores rápidamente, la capacidad de dibujar la

idea de una manera atractiva es una gran ventaja. Como diseñadores, uno debe poder ver un estilo y analizar los puntos

principales que lo hacen visualmente exitoso. Uno debe ser capaz de evaluar rápidamente la proporción, la silueta y los

detalles llamativos fuertes.

(B) ¿Cuáles son la tendencia de la moda y las proporciones de la moda?

La moda puede influir en cómo la sociedad ve el cuerpo humano. En el 18 th En el siglo XX, la gordura se veía como un signo

de prosperidad y salud y una persona delgada era vista como demasiado pobre para pagar lo suficiente para comer. En

contraste, la obsesión actual por la delgadez ha generado una industria de pérdida de peso de 33 mil millones de dólares al

año y ha llevado a una epidemia de trastornos alimentarios como la anorexia y la bulimia entre las mujeres jóvenes (Powers,

1996).

Los diseñadores de moda necesitan detectar nuevas tendencias, fenómenos emergentes y las necesidades del mercado para el

mundo del mañana. El cambio demográfico, las nuevas tecnologías y los nuevos modos de vida tienen un impacto significativo

en el futuro. Hoy, el mundo está experimentando un cambio masivo de población; Es indiscutible que el cambio demográfico

mundial es el envejecimiento de la población. La tasa de natalidad infantil ha bajado y las tasas de envejecimiento del grupo

están aumentando.

El envejecimiento de la población ha aumentado rápidamente desde 1995 y se prevé que ese aumento continúe
hasta el año 2050. Los futuros ancianos constituyen un segmento de mercado enorme con un gran ahorro, un
fondo de previsión e ingresos discrecionales. Les gustará gastar una gran cantidad de dólares en ropa de moda
que les quede bien y les atraiga. La industria de la confección y los minoristas de moda que satisfagan esas
necesidades se posicionarán para el éxito en el futuro.

Las proporciones de la moda, por la naturaleza misma de la moda, están sujetas a cambios.

55
dependiendo del aspecto de la época, y estos cambios no alteran la estructura de la figura humana. La forma
más fácil de comenzar a dibujar una figura de moda es usar el tamaño de la cabeza como guía de medición para
el largo y ancho de su figura.

(C) Proporciones básicas de la figura femenina para el dibujo de diseño de moda

La figura femenina típica de la moda se ilustra como esbelta con hombros cuadrados, cabezas dibujadas más

pequeñas, cuellos y piernas más largos que en el dibujo clásico de vida. En el cuerpo de una mujer promedio, la cabeza

es de siete a ocho veces más pequeña que la altura total de toda la figura (Figura 3.10). Para los dibujos de moda, esto

aumenta de nueve a diez veces o más (Figura 3.11). Los dibujos de moda conservan las proporciones básicas de la

forma humana desde la cabeza hasta la entrepierna. Se agrega longitud adicional a las piernas para dar un aspecto

dramático y estilizado y para dar a la ropa un atractivo más dinámico.

56
 Figura 3.10 Figura 3.11
Proporción promedio de mujeres Proporción de dibujo de moda

57
Figura 3.12

58
Figura 3.13

59
Figura 3.14

60
(D) Proporciones masculinas y forma del cuerpo

Figura 3.15

61
(E) Proporciones y forma del cuerpo de los niños

Al igual que con la figura de moda para adultos, los dibujos de moda para niños también se miden en cabezas,

pero el número de cabezas varía según la edad del niño.

6
5

Adolescente / adolescente, Niño, de siete a diez años Niño pequeño / de cuatro a años, Infantil / de dos a tres años

Mide 8 cabezas medida 7 seis años, medir mide 4 cabezas

cabezas 5 cabezas

Figura 3.16 La variación en el número de cabezas que divide el cuerpo de un bebé a un adolescente

62
(F) ¿Qué hace un buen dibujo de moda?

(yo) Composición y diseño bien planificado

El posicionamiento del dibujo en la página y la relación de un dibujo con otro son importantes porque ayudan
a crear una imagen de diseño. Relacione el boceto con el espacio y otros bocetos a su alrededor para crear
un efecto total interesante, estimulante y armonioso. Individualmente, los bocetos pueden parecer planos y
poco interesantes, pero si todos los ingredientes correctos se agrupan en un diseño bien planificado, el tema
será fuerte y extremadamente exitoso.

(ii) Propósito correcto

El dibujo debe considerar el propósito y el objetivo de la presentación; puede ser para un tablero de predicción
de moda o un tablero de diseño de moda que muestre las tendencias de la moda. También podría ser para un
tablero de presentación de moda, dibujo de pronóstico, ilustración de moda promocional o publicidad para
revistas. El dibujo debe crearse según el mercado objetivo, el resumen del proyecto y el propósito del tablero de
dibujo.

(iii) Comprensión de la construcción y la forma

Un dibujo de diseño es a menudo una interpretación de una forma tridimensional en una forma
bidimensional. Es importante que la estructura de la forma tridimensional se exprese y defina claramente
mediante el uso del tono y la textura.

(iv) Conciencia de la perspectiva y proporción del cuerpo

Los buenos dibujos no necesitan ser precisos fotográficamente. Sigue siendo esencial mostrar cómo se observan
la escala y la proporción y recrear tales factores en sus dibujos. Comprender la perspectiva del cuerpo también te
ayudará a dibujar la proporción correcta de la figura en varias poses.

(v) Ritmo de línea

El estado de ánimo y la forma del diseño se desarrollan mediante el grosor de las líneas. Dibujando figuras usando una línea

continua, evite las líneas discontinuas desordenadas.

(vi) Uso eficaz de papel y soportes

Los dibujos no solo deben hacerse a lápiz, se debe explorar el uso de varios medios dado que estos medios
ayudan a hacer más explícitas las ideas. Trabaje en papeles de diferentes colores, use varios colores para
los contornos y experimente con todos los medios y combinaciones.

63
(vii) Evidencia de observación

El dibujo de diseño debe mostrar la capacidad de observar cómo se ve una prenda básica, mostrando
muchos detalles y adornos que se observan como cómo un cuello forma parte del escote, cómo se ve una
prenda convencional, su cierre de cremallera y la proporción del cuello o puños a el resto de la prenda.

(viii) Prueba de la investigación

El dibujo es una forma de exploración y cómo explorar y registrar ideas, formas, formas y emociones.

(G) Tipos de dibujo de moda

Hay cuatro tipos de dibujo de moda, a saber, ilustración de moda, boceto de moda, estilización y dibujo de
producción.

(yo) ¿Qué es la ilustración de moda?

Richard Surger y Jenny Lidal (2006, p. 49) definieron en su libro los fundamentos del diseño de moda que la
ilustración de moda no se trata tanto del diseño sino de capturar el espíritu de la ropa. La ilustración se puede
usar para expresar un estado de ánimo o dar contexto a la ropa al establecer una escena en la que se puede
usar la ropa o representar el tipo de persona que podría usar la ropa a través del peinado, el maquillaje, el
cabello y la pose. No es necesario que la ilustración de moda muestre la totalidad de una prenda, a menos
que se utilice en una cartera en la que un diseño no se haya convertido en un atuendo o prenda real. En este
último, la ilustración ocupa el lugar de una fotografía, mostrando cómo quedaría la prenda en el cuerpo.

La marca y el uso de diversos materiales artísticos son mucho más importantes en la ilustración de moda que en el diseño. La

mejor marca para marcar es aquella que es fluida y llena de movimiento y esta es una habilidad que se puede desarrollar con el

tiempo. También se pueden utilizar materiales de arte multimedia para obtener imágenes interesantes con más capas. Los

diferentes tipos de materiales artísticos también pueden ayudar a expresar diferentes texturas de tela.

A medida que se desarrolla la tecnología, los ilustradores de moda tienen la opción de trabajar con el arte como lápiz,

bolígrafo, pincel, crayón, collage, pintura, aerógrafo, tinta, etc., o el arte de la computadora. La elección del enfoque y la

técnica es tan ilimitada como la imaginación de un ilustrador.

64
(ii) ¿Qué es Fashion Sketch?

Richard Surger y Jenny Lidal (2006, p. 49) también definieron en su libro los fundamentos del diseño de moda Ese
boceto de moda se trata de comunicar ideas de diseño, aunque también se puede tratar de capturar el espíritu
de la ropa. Un boceto de moda se usa para plasmar ideas y no necesita ser elegante. Lo que sí necesita es
ser proporcional. Si las proporciones del dibujo son demasiado anormales, se ajustará a las proporciones de
los diseños; lo que se ve bien en una figura que tiene piernas demasiado largas no necesariamente se verá
bien en una persona real. Comúnmente se concibe que cualquier cosa se ve bien en una persona con piernas
largas, por lo que las piernas largas funcionan bien en las pasarelas.

Un boceto de moda también debe ser un dibujo bastante rápido. En un mundo ideal, las ideas creativas
surgen rápidamente y deben escribirse rápidamente antes de que se olviden, dado que el cerebro humano
tiene la costumbre de pasar a otras ideas de manera bastante instantánea. Mientras uno dibuja en sus
diseños, trate de poner referencias de color y tela en el dibujo con la mayor frecuencia posible. Los diseños
no solo se tratan de silueta y detalle, sino también de color y tela.

(iii) Estilización

Una convención en estilización es que una figura debe ser alargada o estilizada para darle más elegancia. Sin

embargo, ese alargamiento debe afectar solo a las piernas. El término estilización se entiende como la

exageración de la estructura del cuerpo, reduciéndola a unos pocos rasgos esenciales.

Son varias formas de estilizar una figura y una de ellas es alargar la altura del modelo en una o dos cabezas
de medida. Las proporciones permanecen sin cambios mientras que se modifica la longitud de las
extremidades y partes principales del cuerpo.

El siguiente diagrama se ha alargado en una unidad y media y el del lado derecho se ha elevado en dos.
La cabeza tiene más o menos las mismas dimensiones, los hombros son algo más anchos en relación a la
pelvis y el cuello se ha alargado ligeramente. El pecho también se ha ampliado mientras que la región
pélvica se ha acortado, elevando así la región púbica. La cintura se ha reducido de tamaño; las
extremidades se han alargado, manteniendo proporciones con la parte superior del cuerpo. Los pies,
obviamente, siguen la extensión del cuerpo en longitud.

sesenta y cinco
66
(iv) Dibujo de producción

Los dibujos de producción, también denominados planos (EE. UU.), Los dibujos técnicos, los dibujos de trabajo, los

dibujos de especificaciones y los esquemas son dibujos explícitos de diseños de prendas. Están dibujados a escala,

mostrando líneas de construcción y detalles de estilo. Los dibujos de producción son dibujos con las vistas frontal y

posterior de las prendas, son solo dibujos lineales pero con estructura y detalles y se ejecutan con un bolígrafo negro de

línea fina. Se pueden usar bolígrafos más gruesos para delinear costuras, pinzas y detalles. Se pueden usar bolígrafos

más finos para delinear pespuntes y texturas especiales.

El propósito de los dibujos de producción es permitir que los equipos de producción faciliten los procedimientos de

confección que pueden incluir la construcción de patrones, confección de prendas, inspección, etc. Por lo tanto, los

dibujos deben ser claros con todos los detalles bien dibujados. No se deben usar colores en esta etapa porque es

posible que sea necesario fotocopiar los bocetos de producción.

Los dibujos de producción deben ser visualmente proporcionados y fáciles de entender de su estilo de dibujo
para evitar cualquier malentendido por parte de los espectadores. Cualquier malentendido puede afectar la
precisión durante el transcurso del proceso de producción de las prendas. Además de las vistas frontal y
posterior, también deben indicarse las medidas y los diagramas analíticos de características especiales. Los
diseñadores pueden indicar cualquier solicitud en particular a través de dibujos de producción.

Muchas empresas utilizan dibujos de producción como fuente visual principal para comunicarse y servir de enlace con

compradores, clientes, maquinistas de muestras y creadores de patrones.

67
Figura 3.17 Dibujo de producción: faldón

68
Con base en las pautas anteriores, comience con una línea vertical recta para practicar cómo dibujar una

peonza.

Figura 3.18 Dibujo de producción - arriba

69
3.3.2 Habilidades de TI: uso del diseño asistido por computadora

Hoy en día, la industria se basa en técnicas de fabricación de alta tecnología como CAD y CAM para fabricar productos de

moda de alta calidad. La tecnología ahora puede permitir que los productos se desarrollen de forma interactiva entre equipos

que trabajan en diferentes ciudades en diferentes regiones del mundo. Los diseñadores, comerciantes, compradores y

personal de ventas pueden trabajar juntos editando nuevas telas y nuevas prendas; los fabricantes pueden trabajar con los

minoristas, los compradores en la pantalla para modificar los productos.

La informática de la moda se ha convertido en un componente de la cartera de habilidades de los diseñadores de moda. Los

diseñadores de moda, diseñadores gráficos e ilustradores llevan mucho tiempo utilizando las computadoras como herramienta de

diseño. Los sistemas de diseño asistido por computadora (CAD) están cambiando rápidamente la forma en que trabajan los

diseñadores de indumentaria. Tradicionalmente, los diseñadores creaban bocetos a mano alzada de sus diseños. Luego, el

diseñador o los fabricantes de muestras convertirían estos bocetos en el primer prototipo. Este proceso puede llevar bastante

tiempo. Si al diseñador no le gusta la primera muestra, el proceso comenzará de nuevo. Con un sistema CAD, los diseñadores

pueden crear un dibujo tridimensional directamente en las pantallas de las computadoras. El proceso comienza con una forma de

vestido tridimensional digital o en pantalla. Esta forma de vestido se puede modificar para que se corresponda con las

proporciones y medidas del tamaño del patrón maestro de los diseñadores.

En referencia al libro Fashion Computing - Design Techniques and CAD, hay una serie de paquetes de software
de computadora que se han aceptado universalmente en las industrias de la moda y la gráfica, los programas de
software más populares utilizados internacionalmente en la industria de la moda son los siguientes:

Software Descripción
Dibujo Potentes programas de dibujo gráfico: excelentes para dibujar formas y líneas para crear
Software: dibujos de producción / planos y dibujos técnicos para hojas de especificaciones, incluidas
Corel DRAW, ilustraciones de moda y trabajos de presentación (imágenes de importación como fotos y
Ilustrador escaneos, etc.).
A mano
Creativo Suites de gráficos que incluyen dibujo, diseño de página, diseño web y edición de imágenes.
Suites:
Adobe, Corel
DIBUJAR,
Macromedia
Adobe Acrobat Excelente para convertir archivos de imagen grandes en PDF para enviar como
archivos adjuntos de correo electrónico: el PDF puede adjuntar notas, editarse y enviarse por correo
electrónico o reenviarse. Acrobat Reader (descarga gratuita) para lectura en pantalla de archivos PDF.

70
Software Descripción
Edición de imagen Software estándar de la industria para la edición de imágenes, una pintura potente y
Software: programa de edición de fotos: importar, editar y manipular
Photoshop imágenes escaneadas / digitales o crear imágenes a partir del concepto inicial. Las
imágenes creadas en paquetes de dibujo se pueden llevar a Photoshop para crear
impresionantes presentaciones de moda y telas para impresión y publicación web.

Microsoft Excel crea hojas de cálculo y tablas.

Oficina: Microsoft Word crea hojas de especificaciones y documentos de texto. Power Point crea
Excel, Word, presentaciones para la pantalla, como presentaciones de diapositivas, archivos adjuntos web, de
PowerPoint, video y de correo electrónico.
Editor Publisher es una publicación básica, un buen punto de partida para la introducción
de gráficos.
Diseño de página: Estándar de la industria para publicidad y publicación para producir calidad
En diseño, diseño de página.
QuarkXpress
(Adobe)
Winzip Excelente para comprimir archivos ('zip' o 'cosas'). Luego, los archivos se pueden enviar como archivos
(Ventanas), adjuntos de correo electrónico. Los receptores deben tener Winzip o Stuffit para descomprimir y abrir los
Llenalo ( Mac) archivos.
Diseño web: Dream Weaver es un potente software para diseño web.
Dreamweaver Flash es excelente para crear animaciones para crear un diseño de sitio web más
(Fuegos artificiales, dinámico.
Flash), Frente Fireworks para gráficos web también forma parte del paquete Dreamweaver,
Página, Imagen Freehand y Flash
Listo Image Ready (Photoshop) crea y optimiza gráficos web
(Photoshop)
Suites CAD: Software Suites está diseñado para satisfacer las necesidades específicas de la industria textil
Primavision y de la confección. Se utiliza principalmente en empresas de moda con largas tiradas de
(Lectra), producción para diseño textil y de moda, clasificación, patronaje, etiquetado, fabricación, etc.
Obras de arte
(Gerber)

La tabla anterior describe el software que se usa comúnmente en la industria de la moda. La última tecnología

informática está teniendo un gran impacto en la forma en que se crean los diseños de moda. El potente software

gráfico ofrece a los diseñadores de moda herramientas y técnicas sencillas para producir digitalmente sus diseños de

moda y la capacidad necesaria para comunicarse electrónicamente con la industria de la moda. En consecuencia, esta

revolución digital ha desarrollado un mercado creciente para diseñadores e ilustradores de moda emprendedores que

también poseen habilidades informáticas creativas.

CAD / CAM se desarrolló inicialmente como un sistema de diseño informático interactivo para la industria textil. Luego se

introdujo en la ropa para la confección y clasificación de patrones y, más recientemente, para el diseño de moda. Existe

una serie de programas de software de moda diseñados específicamente para pequeñas empresas y diseñadores

independientes. Más grande

71
Es más probable que las empresas de indumentaria utilicen los potentes conjuntos CAD de indumentaria y textiles. Estas

suites se han desarrollado para integrar todas las áreas del proceso de fabricación de prendas de vestir, desde el diseño de

prendas de vestir y textiles, la confección de patrones, la clasificación, la producción de prendas hasta la comercialización y la

gestión de datos. En consecuencia, las suites son caras, pero ciertamente permiten a las grandes empresas lograr economías

de escala.

La industria de la confección puede configurar su software para satisfacer las necesidades de los clientes en cualquier

sector de su negocio de indumentaria. Por ejemplo, en el lado del diseño de moda, el software gráfico como CorelDRAW

y Photoshop son compatibles con las poderosas suites CAD de ropa y textiles.

El software gráfico en áreas como dibujo, edición de imágenes, diseño de páginas y diseño web ofrece una multitud

de herramientas y técnicas. Los diseñadores pueden usar estos programas para esbozar un dibujo técnico simple de

un suéter básico o una chaqueta complicada, creando ilustraciones de moda.

3.3.3 Habilidades de presentación

Las presentaciones efectivas son muy importantes para que los diseñadores de moda muestren su trabajo a

compradores o clientes. El cerebro de uno puede estar repleto de ideas innovadoras y uno puede producir los diseños

más originales, pero nada de esto importará si uno no puede comunicar su visión. En la industria de la moda, las

primeras impresiones son realmente significativas. Uno debe asegurarse de que las presentaciones se vean lo más

profesionales posible, bien montadas, organizadas, limpias, claras, precisas y creativamente apropiadas.

Las habilidades de dibujo y las computadoras son herramientas para recopilar imágenes en términos de tema, color,

ilustración, tableros de dibujo de moda, etc., para presentaciones. Es fácil reorganizar los diseños varias veces en las

computadoras, ver los resultados inmediatamente en la pantalla, imprimirlos y cambiarlos si es necesario realizar cambios.

El dibujo es una herramienta para que los diseñadores de moda comuniquen sus ideas de diseño. Varias técnicas de

presentación y métodos de montaje son los siguientes: -

(A) Técnicas de presentación

(yo) Tema

La presentación debe tener un tema fuerte para capturar el estado de ánimo y un título corto de tres palabras

típicamente. El tema puede estar determinado por los tejidos.

(ii) Pose

Elija la pose adecuada para los looks particulares que desea retratar, como un

72
pose femenina para un tema elegante o una pose original para un estado de ánimo de moda.

(iii) Varias figuras

La presentación puede requerir varias figuras para ilustrar los diseños finales. No es necesario que todas las figuras

tengan el mismo tamaño; variar la escala puede transmitir un mayor impacto visual, ya que una figura a gran escala

en primer plano puede ser dinámica.

(iv) Impacto

Agrupar imágenes dinámicas de gran tamaño en lugar de presentarlas individualmente puede generar un mayor

impacto visual. Uno debe considerar presentar grupos de figuras y cómo trabajarán juntas. No existe una regla que

indique que todos los grupos deben estar en la misma escala o parecer que ocupan el mismo espacio aéreo. Use

contraste, luz, sombra y textura para realzar el interés y el efecto dramático.

(v) Agrandar y recortar cifras

Aparte de las figuras completas, recortar y agrandar las figuras en primer plano con un grupo de figuras más

pequeñas de longitud completa en el fondo también funciona bien. Recorte solo si la parte inferior de la figura no

tiene detalles de diseño importantes.

(vi) Texto y descripciones apropiados

Cuando aplique descripciones escritas o texto para acompañar ideas, planifique cuidadosamente en qué forma de

bloque deben tener sus textos y qué estilo de escritura debe usarse. El estilo del texto debe coincidir con el tema y / o

el tablero de dibujo. Los detalles de la ropa, las telas y los colores pueden necesitar descripciones breves. La escritura

a mano es aceptable si es legible y se adapta a la presentación. Un enfoque más profesional sería utilizar letras

computarizadas o transferidas.

(vii) Tejido

Prepare muestras que se adapten al formato de presentación. Por ejemplo, recorte las muestras de tela con cinta de

doble cara para evitar que los bordes se deshilachen y se adhieran al papel o corte con tijeras en zigzag para evitar

que el borde se deshilache.

(viii) Collage

El collage transmite un efecto tridimensional a su presentación: use cualquier cosa, desde recortes de revistas,
fotografías, papeles de varios colores o texturas, película transparente, transparencias, imágenes generadas
por computadora, plumas, arena, etc. Cualquier elemento que coincida con su estado de ánimo y mejore el
espíritu Se anima a considerar el tema para la presentación.

73
(B) Tableros de presentación

Los tableros de presentación deben montarse de forma profesional y las diversas técnicas de montaje son las

siguientes:

(yo) Montaje en ventana

Corta las monturas de las cartas con cuchillos afilados y reglas de acero. Fije los dibujos en la parte posterior de los

soportes de la ventana con cinta adhesiva. Este es el menos popular ya que la técnica necesita precisión en el corte y

un cuidado extremo para que una presentación parezca profesional.

(ii) Montaje plano

Coloque los dibujos en cartulinas de colores complementarios y fíjelos con un spray adhesivo o goma de mascar.

Asegúrese, antes de arreglar eso, que los dibujos estén en la posición correcta. Marque las tarjetas con líneas de

lápiz claras como guía. Las tarjetas livianas son ideales para carteras, ya que son más portátiles cuando se trata de

peso. Las tablas se utilizan más para fines de exhibición donde el peso no es un problema.

(iii) Dibujo manual

Dibuja un borde usando líneas regladas, técnicas pictóricas, formas, etc.

(iv) Carpetas de plástico (una cartera sólida)

Coloque los tableros de presentación en carpetas, exhibidos y fijados con goma de mascar en hojas de papel de colores o

cartulinas finas. Mostrar las obras de esta manera significa que las obras están protegidas cuando son manejadas por

examinadores, compradores, agentes o clientes. Puede mostrar dos dibujos en una carpeta, ya que son de doble cara.

Las carteras robustas son el medio más seguro y eficiente de transportar obras. Cree una colección de carteras sólidas

con los mismos tamaños para albergar todas sus ilustraciones y presentaciones, evite usar una combinación de diferentes

tamaños, que pueden hacer que su carpeta parezca desordenada.

(C) Diseño de tableros de presentación

Los tableros de presentación son una forma profesional de mostrar conceptos de diseño en un formato creativo.

Aunque se presentan individualmente, los bocetos pueden parecer planos y aburridos. Sin embargo, cuando se

mezclan todos los ingredientes correctos en un diseño bien planificado, el tema será fuerte y extremadamente exitoso.

Un buen diseño puede ser creativo y está cuidadosamente planificado, concentrándose en lo que es

74
El aspecto más importante de la obra de arte, mientras que la información secundaria y el montaje nunca
deben dominar. Todo lo que es absolutamente vital para la presentación para transmitir el mensaje debe
establecerse primero. Luego sigue el extra. No abarrotes la presentación. Simple es lo mejor.

El objetivo del diseño de la presentación es proyectar la imagen general de los diseños de moda y mostrar la vista

frontal y posterior, las descripciones y las muestras de tela de sus diseños. Antes de comenzar a diseñar sus bocetos,

haga una serie de bocetos rápidos para explorar las diferentes formas en que se pueden organizar los diseños. Un buen

diseño puede hacer que su trabajo sea más interesante y, a menudo, el diseño mejora el estado de ánimo y el estilo de

los diseños.

Decida el tamaño adecuado, el tamaño A3 es el tamaño más popular (L420 mm x 297 mm), la textura y el color de

papel que mejor se adapta al propósito. En una hoja de papel separada, experimente para representar las texturas y

patrones de la tela que ha elegido para sus prendas. También pruebe diferentes colores en esta hoja para lograr una

combinación exacta con las telas de muestra. Para las competiciones, a menudo se requiere un tamaño particular de

dibujo. Como resultado, es útil practicar el dibujo de la presentación en una variedad de tamaños de papel.

No es estrictamente necesario presentar el trabajo de manera elaborada. El diseño del tablero de presentación
debe ser explícito y dibujado de tal manera que exprese sus ideas con claridad. Obviamente, cuanto mejores
sean los dibujos, más atractivas parecerán las ideas de diseño.

75
3.4 Proceso de diseño de moda

3.4.1 Introducción

Para los diseñadores comerciales, trabajar en una colección de moda implica una serie de bocetos de ideas,
diferentes temas e inspiraciones y varios experimentos de siluetas, patrones, texturas y colores.

Los diseñadores se rodean de fotografías que representan diferentes ideas, muestras de tela y cualquier
otra cosa que estimule la creatividad. Dejan sus estudios y visitan teatros, tiendas minoristas y museos en
busca de inspiración. Por lo general, llevan cuadernos de bocetos para anotar ideas cuando y donde las
encuentren.

76
 Proceso de diseño de moda

ANALIZA EL BREVE
identificando necesidades

INSPIRACIÓN DE INVESTIGACIÓN DIRECCIÓN DE INVESTIGACIÓN (diseñador industrial) tendencias,

inspiración y conceptos personales (tabla de previsión de moda, direccional y comparativa, informes de ferias
estado de ánimo / tabla de colores) comerciales, investigación minorista y de mercado

PROCESO CREATIVO
Boceto de ideas Silueta, textura, patrón, tela, color y principios de diseño.
Desarrollo de diseño
Dibujo de producción
Dibujo de presentación

PRODUCCIÓN DE PROTOTIPO
corte de patrón plano, modelado de toile, estructura y embellecido

EVALUACIÓN DE COLECCIÓN
gama o colección elegida, toma de decisiones

PROMOCIÓN
promoción de estilismo gráfico y fotográfico

77
3.4.2 Traducir observaciones en inspiraciones

La conciencia y la percepción son las claves de la creatividad y uno debe aprender sobre todo a mantener los ojos

abiertos, a desarrollar sus habilidades de observación, a absorber ideas visuales y a traducir las inspiraciones en

diseños. La inspiración puede provenir de cualquier lugar y en cualquier momento, ya sea que la fuente sea una hoja

que cae de un árbol o una espléndida puesta de sol. Deben ser conscientes de todo lo que les rodea que pueda

estimular las ideas de moda. Estos estímulos incluyen naturaleza, eventos globales, tecnología, economía, política,

demografía y cambio social. Es imposible predecir qué evocará una idea o qué idea (s) pueden inspirar una colección

completa.

Todos los diseñadores recopilan imágenes visuales que son muy personales. Estas imágenes pueden ser dibujos, recortes

de revistas o muestras de material. Todos los diseñadores deben desarrollar el hábito de grabar imágenes visuales que los

inspiren en los cuadernos de bocetos. Esto desarrollará habilidades de observación y un archivo personal de ideas y

pensamientos experimentales.

3.4.3 El propósito y la importancia de usar cuadernos de bocetos

Es importante que los diseñadores se acostumbren a usar los cuadernos de bocetos para construir su colección personal

de ideas creativas. ¿De dónde se inspiran los diseñadores? Una buena forma de inspirarse es mirar a su alrededor. La

naturaleza es un recurso de diseño asombroso. Hojas, flores, árboles, copos de nieve, hiedra, frutas y verduras pueden

inspirar patrones en las telas. Los animales también pueden generar diseños, como estampados de piel de serpiente,

diseños relacionados con perros y gatos. Siempre es importante observar las cosas redondas. Nadie sabe hasta qué punto

y cómo estas cosas pueden influir en la moda.

Otra buena forma de inspirarse es visitar museos. Los estilos de los años cuarenta podrían estar de moda
en un año; el look de los sesenta podría ser popular en otro año. La moda cambia gradualmente dentro de
un ciclo de moda lento.

3.4.4 Primera etapa: analizar el resumen de diseño

Cuando uno comienza una colección, debe tener una comprensión muy clara de para quién está diseñando. Antes

de comenzar el trabajo, es muy importante comprender exactamente lo que se requiere para el cliente o un proyecto

de diseño. Leer un breve y analizarlo cuidadosamente puede marcar la diferencia entre un éxito y un fracaso.

78
(A) Mercado y especialidades

Una de las principales consideraciones a la hora de diseñar es la idoneidad del mercado. Existen diferentes

mercados y especialidades en la industria de la moda que los diseñadores deben conocer:

(yo) Ropa de mujer

La moda de las mujeres cambia más rápido que la de los hombres y los niños. Los estilos y colores cambian

considerablemente de una temporada a otra, especialmente en el mercado masivo. El mercado de la ropa femenina

está saturado de diseñadores y, por tanto, es muy competitivo. La razón de este fenómeno es probablemente porque

se considera que el campo de la ropa femenina permite no solo más creatividad, sino que es crucialmente más

glamoroso que otras especialidades de la moda.

(ii) Moda masculina

La moda masculina tiende a cambiar de forma más gradual que la femenina. En general, el estilo masculino y los colores de

moda son más conservadores. Por lo tanto, los estilos extremos pueden ser arriesgados, a menos que conozca muy bien su

mercado. Las ventas de ropa de hombre también son menos significativas. La mayoría de los hombres optan por comprar

ropa que dure más tiempo. En términos de lo que usan los hombres y las mujeres en el día a día, los hombres normalmente

usan una gama de prendas menos diversa en comparación con las mujeres.

(iii) Ropa para niños

El diseño de ropa para niños puede ser tan sofisticado y colorido como la ropa para hombres y mujeres. Además, los

diseñadores deben tener en cuenta las consideraciones de seguridad y salud y la idoneidad de las prendas en términos

de resistencia al desgaste, lavabilidad y que su precio no sea demasiado caro, ya que la ropa de los niños se supera

rápidamente. La ropa para niños incluye ropa para recién nacidos, niños pequeños, niños y niñas y niños adolescentes.

(iv) Ropa casual

La ropa informal se define como la ropa de todos los días que no se usa normalmente en una situación formal. La

ropa casual ganó impulso en los años 50 con la evolución de la cultura juvenil. Los adolescentes de los 50 no

querían parecerse a sus padres, así que empezaron a vestirse a su manera. La ropa deportiva y el estilo urbano

underground son las principales influencias de la ropa casual.

(v) Ropa deportiva

El diseño de ropa deportiva es diferente de otras áreas del diseño que el diseño de

79
La ropa deportiva se basa casi en su totalidad en función, comodidad y buena ventilación. Debe realizarse en relación con un

deporte o actividad específicos. Esta se ha convertido en un área interesante del diseño a medida que la tecnología de los tejidos

evoluciona constantemente y la ropa deportiva se está poniendo cada vez más de moda en el mercado de la moda

contemporánea. La ropa deportiva no está dirigida simplemente a los entusiastas del deporte, sus tendencias tienen la capacidad

de afectar las tendencias de moda principales. Este fenómeno es especialmente evidente en el diseño y distribución de

formadores. Un par de zapatillas deportivas funcionales se adoptan como tendencia callejera, que a su vez es recogida por otros

productos de moda.

(vi) Desgaste de jeans

Los jeans son en realidad un tipo de pantalones hechos de mezclilla. El dril de algodón es una tela de algodón de tejido ancho que

generalmente se tiñe de azul índigo. Originalmente usados como ropa para el trabajo manual, se hicieron populares entre los

adolescentes en los años 50. Hoy en día, los jeans son una prenda de uso casual verdaderamente internacional. Se puede hacer

para adaptarse a casi todas las ocasiones, todas las estatuas económicas, todas las razas, sexos, edades, países y niveles de

personas que se identifican con un estilo de vida occidental informal. Los jeans están diseñados en numerosos estilos y colores. Con

desarrollos en telas y lavados cada temporada, los diseñadores están reinventando constantemente los productos de ropa de jeans.

(vii) Ropa de noche

La ropa de noche es más formal que la ropa de día. Incluso hoy en día, la ropa de noche para hombres sigue siendo

bastante tradicional, mientras que la ropa de noche para mujeres está limitada solo por la imaginación. Las prendas

de noche suelen estar confeccionadas con telas más finas, caras y exclusivas como gasa, seda, satén y tafetán. La

ropa de noche tiende a trascender las estaciones y es menos fácil identificar un vestido de noche de un año a otro.

(viii) Confección y vestimenta formal

La ropa a medida tiene más estructura y ajuste que las prendas casuales y se requieren habilidades
específicas al construir las prendas. Las prendas a medida se perciben como formales y, en muchos lugares
de trabajo, se consideran el código de vestimenta adecuado.

(ix) Prendas de punto

Los diseñadores de prendas de punto son realmente los únicos diseñadores de moda que desarrollan la construcción de la tela

de la prenda, así como su diseño, ya que son responsables de tomar las decisiones sobre el número de hilos, la puntada, los

colores y el peso adecuado para la temporada.

Resúmenes de diseño que incluyan información completa sobre las prendas a diseñar, p. Ej.

80
Muestras de tejido para ser utilizadas en el proceso de producción. Si no se adjuntan muestras de tela, los

diseñadores deben obtener los materiales adecuados ellos mismos. La información dentro de un resumen típico

cubre lo siguiente:

El (los) tipo (s) de prendas a diseñar. Por ejemplo, ropa femenina, masculina, de noche,
lencería, casual o de punto.

Las ocasiones o actividades a las que están destinados. Por ejemplo, surfear, bailar, etc.

La temporada.

La imagen de moda requerida. Por ejemplo, diferente rango de edad, estilo formal o informal, etc.

El rango de precios.

Título / Tema.

Fecha límite

Un diseñador que ya está trabajando en la industria, los clientes pueden ser empresas de diferentes tipos cuyos
requisitos de diseño pueden variar enormemente. Algunas empresas de moda pueden desear tener ideas que
ayuden a vender sus gamas existentes, y no requieren nada revolucionario en el diseño, pero renovar sus ideas
sólidas; otras querrán nuevas tendencias fuertes.

Si el informe se da oralmente y los detalles no se dan al diseñador con la suficiente claridad o quizás demasiado vagos, a

menudo es porque el cliente no sabe lo que realmente quiere. Entonces, es posible que deba hacer las preguntas que se

enumeran a continuación:

¿Qué "apariencia" o "imagen de marca" se requiere? ¿A

qué temporada apunta el breve?

¿Hay revistas o etiquetas a las que los clientes deban consultar? ¿Para qué tipo de puntos

de venta o mercados se van a diseñar las prendas?

¿Qué limitaciones tiene la empresa o fabricante en cuanto a maquinaria y métodos de

producción?

¿A qué precio se espera que se venda la prenda o el atuendo? ¿Cuál es

el plazo?

81
 ¿Cuánto trabajo se espera?

(B) Diseñar teniendo en cuenta los costos

El análisis de un escrito debe comenzar con la deconstrucción. Desglosar un resumen le permite intentar determinar e

identificar cuáles son las necesidades del cliente. Los resúmenes a menudo pueden ser ambiguos cuando el cliente

intenta describir lo que puede sentir que son los problemas.

3.4.5 Segunda etapa: inspiración para la investigación

La gente a menudo se pregunta cómo los diseñadores de moda se las arreglan para presentar tantas ideas innovadoras. La

verdad es que estas ideas rara vez son completamente nuevas: los diseñadores crean reinventando el mundo que los

rodea.

Como regla general, cuando se trabaja en una nueva colección, los diseñadores necesitan fuentes de inspiración para desarrollar

ideas. La inspiración puede provenir de cualquier lugar y en cualquier momento, ya sea que la fuente sea una hoja que cae de un

árbol o una espléndida puesta de sol. Las buenas investigaciones influyen automáticamente en el desarrollo de ideas de prendas.

Estas ideas pueden ser completamente originales o pueden estar influenciadas por las tendencias actuales.

Las fuentes de inspiración pueden estar relacionadas con la experiencia personal de los diseñadores. Pueden

provenir de museos o postales, de Internet o fotografías familiares. Se podrían utilizar muchas áreas de

investigación, incluidas pinturas, flores, arquitecturas, muebles, materias primas o incluso películas de diferentes

partes del mundo. Pueden estar siempre observando mientras están de vacaciones, comprando, haciendo

deporte, en la calle, leyendo revistas, visitando teatros, museos, exposiciones y mercadillos, viendo espectáculos y

películas, etc.

82
De hecho, la moda por definición es una expresión de los tiempos. Para los diseñadores industriales, siempre deben estar

al tanto del pulso del tiempo: tendencia de moda, street style, subcultura, archivos, dirección musical, etc. No es

casualidad que cada temporada de moda tenga un aspecto perceptible; diferentes diseñadores a menudo producen

gamas de colores y siluetas similares porque todos son conscientes de las tendencias generales. Toda la industria, ya

sean fábricas de telas, fabricantes, minoristas y medios de comunicación, viaja en manadas en un circuito prescrito,

asistiendo a las mismas ferias comerciales.

Cómo crear un tablero de humor y color

Una vez que los diseñadores hayan recopilado suficientes imágenes e ideas, es el momento de comenzar el desarrollo del

diseño. Se les puede pedir que hagan una "tabla de estado de ánimo" o una "tabla de colores" en su proceso de diseño.

Crear un tablero de estado de ánimo es muy divertido y les ayudará a ser selectivos con la investigación que han recopilado.

Esta es la primera etapa de la organización de sus pensamientos y las imágenes recopiladas, lo que les permite canalizar su

entusiasmo creativo hacia un resultado de diseño coherente y específico. El tablero de estado de ánimo o el tablero de

colores se hacen organizando imágenes.

Esta es una etapa importante del proceso de diseño de moda. Un "estado de ánimo" es un estado de ánimo,

por ejemplo, placer, alegría, tristeza, frustración, etc. Este estado de ánimo se produce mediante respuestas
a un estímulo o serie de estímulos. Estas respuestas pueden estar en una variedad de niveles que van desde
directos e inmediatos hasta lentos, sutiles y

83
subconsciente. A menudo, estas respuestas se generan a través de asociaciones que incluyen colores que

recuerdan a las personas experiencias anteriores.

Por ejemplo, ver un grupo de colores vivos puede recordar a los diseñadores de un grupo de corales, estos

corales pueden haber sido vistos en el océano durante una vocación de verano. Ese recuerdo puede haber sido

de una experiencia feliz y relajante, por lo que su respuesta a este grupo de colores vivos podría permitirles crear

un estado de ánimo feliz y relajante. Por el contrario, este grupo de colores puede recordarles un grupo de flores

visto en el funeral de un amigo cercano o familiar, por lo que su respuesta puede provocar un estado de ánimo

triste.

84
85
Los tableros de humor siempre deben presentar el estado de ánimo o el sabor del proyecto de diseño, así como

reflejar a los clientes objetivo. En el curso de agrupar las imágenes investigadas, los diseñadores deberán tomar

decisiones sobre la edición y priorizar su selección, así como confirmar su temporada y paleta de colores. Los

colores también reflejan la temporada elegida, como los pasteles suaves que sugieren una historia de verano, pero

sea cual sea la temporada, la paleta de colores debe aplicarse de manera consistente durante todo el proyecto.

86
Un tablero de estado de ánimo exitoso, como los ejemplos a continuación, tiene un mensaje único y directo. Expresa la

esencia de las ideas de diseño y el estado de ánimo, resume las preocupaciones del tema.

La Fig. 3.19 muestra que se ha creado un tema futurista distintivo en los siguientes paneles de estado de ánimo a través de una

combinación electiva de imágenes en colores metálicos.

Fig 3.19 Ejemplos de tableros temáticos

Los tableros de estado de ánimo le ayudan a reducir los siguientes procesos y desarrollar las ideas. A medida que se priorizan las

ideas clave, se desarrolla un proceso de pensamiento claro y el trabajo de producir diseños se vuelve mucho más simple.

3.4.6 Tercera etapa - Dirección de investigación

Desde el enfoque comercial, el diseño debe ser informativo y tener en cuenta el desarrollo actual y progresista de la

moda. Como resultado, es fundamental que el contenido seleccionado sea el adecuado para esa temporada. Existe

una variedad de fuentes que pueden ayudar en este proceso de recopilación de inteligencia para diseñadores

industriales.

87
(A) Tendencias y pronósticos de moda

Las tendencias se ven afectadas por los cambios continuos de los eventos globales, la tecnología, los factores económicos, políticos,

sociales y demográficos, así como las evoluciones en el estilo de vida, los medios de comunicación y el comercio minorista. Pueden

proporcionar instrucciones de diseño esenciales para diseñadores industriales.

El éxito de los pronosticadores se basa en identificar tendencias y desarrollar estas tendencias para mercados

individuales en el momento adecuado. Esta información es aprovechada y registrada por corresponsales e industrias

internacionales que brindan información actualizada de las capitales de la moda como París, Milán, Nueva York,

Londres y Japón. Los desfiles de moda son la fuente tradicional de tendencias. Europa ha sido el líder tradicional, pero

Estados Unidos ha sido la fuerza impulsora en términos de cambios de estilo de vida. Muchas industrias utilizan el

pronóstico de tendencias para predecir cambios relevantes y planificar el desarrollo de productos. Por ejemplo, la

influencia del movimiento de reciclaje, orgánico y ecológico son los enfoques populares del mundo actual en rápido

movimiento.

Figura 3.30 Peclers Paris

Para los equipos de diseño profesionales, se invierte mucho dinero en información y servicios de predicción de moda.

Estos servicios son un gasto comercial valioso. Proporcionan informes escritos sobre el estilo de vida y los perfiles de

los clientes, el estilo de la calle, el pronóstico del color y la dirección de los accesorios, etc. También muestran lo que

los diseñadores nuevos y establecidos están presentando en todas las formas de ropa y accesorios de moda. Algunos

servicios de pronóstico se especializan en predecir los colores de las telas para dos o cuatro temporadas para

garantizar que las telas designadas se puedan producir a tiempo para los equipos de diseño de moda que también

trabajan una temporada antes.

El equipo de diseño de moda de una empresa suele utilizar previsiones de moda, tejidos y

88
predicciones de color para las próximas temporadas. Hay dos temporadas principales en un año de venta de

moda: primavera / verano y otoño / invierno.

(B) Cobertura de ferias y ferias de tejidos

Las predicciones se pueden encontrar en las principales ferias de telas y ferias comerciales, como el Premiere

Vision Fabric Show en París, Shanghai y Nueva York, el Interstoff Fabric Show en Frankfurt y Hong Kong, el Pitti

Filati Yarn Show en Florencia, el Moda In & Tessuto Accessory Espectáculo en Milán, etc.

Fig 3.21 Interstoff Asia

(C) Informes de venta minorista y prendas direccionales

Los informes de venta minorista se realizan en todo el mundo con el fin de encontrar prendas "direccionales" en el

sector minorista. Los dibujos de producción de estos pueden informar a los clientes sobre lo que está sucediendo en

otros lugares y cómo adaptarlos a su propio mercado. La información incluida en estos informes minoristas es color,

fabricación, recurso, diseñador, así como bocetos detallados de la prenda actualizada.

(D) Muestras originales

Además de las previsiones de moda, ferias de moda, informes de venta minorista, se compran muestras
originales de todo el mundo. Las prendas se analizan e ilustran como dibujos de producción en publicaciones.
Las empresas de predicción conservan las prendas de muestra para que los clientes puedan ver la proporción, el
detalle, la fabricación, el color o la fabricación de estas prendas de muestra.

89
(E) Desfile de moda prêt-à-porter

Analizando las colecciones de desfiles de moda de Europa, Nueva York y Tokio, observando los desarrollos estacionales

de los diseñadores que actualmente son los más influyentes.

(F) Investigación de mercado

Todos los diseñadores industriales son muy sensibles a la competencia en el mercado. La mayoría de los diseñadores

investigan las prendas de las tiendas minoristas para ver y sentir de primera mano el trabajo de otros diseñadores. Esto

puede implicar viajar a las capitales mundiales de la moda.

(G) Internet y sitios web de moda

Los avances tecnológicos en los nuevos medios han creado un rico recurso gráfico y la capacidad de acceder al

intercambio global en términos de información visual ha revolucionado la visión de los diseñadores. Internet es una

herramienta para investigar las últimas modas y tendencias

- de la pasarela de moda a la calle, de la música al movimiento artístico.

Internet son las Páginas Amarillas de la moda internacional, una A a la Z dedicada a los accesorios de moda, pasarelas

de moda, servicios de tendencias, diseñadores de moda famosos, organizaciones minoristas, telas y tendencias,

estilistas, mayoristas, direcciones de maquillaje, agencias de relaciones públicas, etc. , están enlistados debajo. Hoy en

día, innumerables sitios web ofrecen información sobre moda. Casi todas las marcas, minoristas y fabricantes

importantes tienen su propio sitio web oficial. (Fashion Computing - Técnicas de diseño y CAD, Sandra Burke,

2006)

www..cottoninc.com: Excelente información: investigación y promoción de empresas para el algodón.

www.doneger.com : Doneger Creative Services proporciona informes y análisis a cambio de una tarifa para los

clientes de la industria.

www.fashionangel.com/angel : Diseñadores de moda y revistas en la Red: actualizados diariamente,

vinculados con FUK.

www.fashioncenter.com : El sitio del New York City Fashion Center cuenta con una base de datos interactiva de más de

12 000 empresas relacionadas con la confección, un mapa del distrito de la confección y un calendario de ferias

comerciales.

www.fashionguide.com : Noticias y chismes del mundo del entretenimiento e informes de algunos de los

principales nombres del periodismo de moda.

www.fashionmall.com : Una lista de Páginas Amarillas de la industria de la moda internacional de la A a la Z

dedicada a la moda, actualización de colecciones, destacados de temporada

90
y que llevar.

www.fashion.net : Excelente sitio de investigación, enlaces de hipertexto atajos a otros sitios, revistas de moda y

noticias de la industria en general.

www.fashionplanet.com : Ventanas virtuales de moda de Nueva York: Madison, 5th Avenues, etc., con

actualizaciones semanales.

www.fashionsoops.com : Una herramienta práctica que ofrece información profesional y de pasarelas

internacionales, ferias comerciales y escenas minoristas con un análisis en profundidad de las
tendencias futuras en temas de diseño, colores, siluetas clave, gráficos y más.

www.fashionwindow.com : Excelente sitio que enumera las tendencias de la moda, desfiles y un calendario de

eventos.

www.fgi.org : El sitio web de Fashion Group International que enumera eventos e información
comercial para los miembros. El “centro de estudiantes” del sitio brinda información sobre escuelas de
moda, pasantías y trabajos. Sus boletines y reuniones son otra buena fuente de información sobre los
desarrollos actuales que tienen lugar en la industria de la moda.

www.firstview.com : First View es una publicación de moda disponible mediante tarifa con fotos de
las últimas colecciones de moda de Nueva York, París, Londres y Milán.

www.fuk.co.uk : Un sitio con noticias de moda, espectáculos, arte, compras y lo que se usa en las calles

de Gran Bretaña.

www.global-color.com : Una empresa de pronósticos que brinda información e inspiración sobre colores
y tendencias.

www.infomat.com : Información sobre los servicios utilizados por la industria de la moda en todo el mundo, desde

diseñadores, publicaciones hasta organizaciones minoristas.

www.londonfashionweek.co.uk : Grandes espectáculos de pasarela.

www.modaitalia.com : Moda de Italia y mucho más como textil, belleza, calendario de moda, etc.

www.modeaparis.com : Enumera todos los miembros de la Federación Francesa de La Costura en París.

www.promostly.com : Agencia de diseño internacional investigando tendencias, vendiendo

91
 sus libros y productos en línea.

www.thetrendreport.com : Un sitio sobre pasarelas de moda, editoriales y compras de consumidores.

www.style.com : Un sitio vinculado con Vogue y WWD; cobertura de video y diapositivas de los últimos desfiles de moda de

diseñadores; estilo de celebridades, publicaciones de tendencias y noticias de moda.

www.vogue.com : El sitio web de la revista Vogue cubre colecciones de diseñadores con características de

celebridades y detrás de escena.

www.wgsn.com : WGSN, Worth Global Style Network, proporciona noticias de moda en línea, calendarios e

informes de ferias comerciales, colecciones de prêt-à-porter y alta costura y pronósticos de tendencias a las

empresas mediante suscripción.

www.wgsn-edu.com : WGSN, Worth Global Style Network, versión gratuita para estudiantes que
ofrece noticias y reseñas de la moda y las tendencias en desarrollo en todo el mundo.

www.widemedia.com/fashionuk : Grandes gráficos y fotografía de moda; presenta artículos,

perfiles, trivia y obsequios.

www.wwd.com : La versión en línea de Women's Wear Daily, el periódico diario de la industria de la moda.

3.4.7 Proceso creativo

El proceso de diseño, que da como resultado la traducción de bocetos bidimensionales en un resultado
tridimensional, debe considerar todos los elementos del diseño, como siluetas, texturas, patrones, colores
y principios de diseño.

Estos elementos básicos proporcionan un marco inicial que los diseñadores pueden expandir a consideraciones de

diseño más complejas.

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(A) Bosquejo de la idea

Los bocetos de ideas pueden ayudar a formar una solución de diseño. El dibujo es una herramienta para comunicar ideas de

diseño. Los diseñadores dibujan bocetos durante los viajes, de películas o exposiciones, mientras compran o investigan, de

libros, galerías o museos, etc. Los cuadernos de bocetos pueden formar un tesoro de ideas para saquear: un “diario visual” de

lugares, eventos, ideas, patrones, texturas , formas y colores.

Los bocetos pueden indicar la estructura subyacente, las posibilidades, etc. Estos bocetos son la forma que tienen los

diseñadores de plasmar las ideas en el papel para que no las olviden y las arreglen para referencia futura si es

necesario. Es necesario utilizar la proporción adecuada o técnicas de dibujo especiales, pero los bocetos deben

inspirar de alguna manera a los diseñadores y "provocar" más ideas. No es necesario que los bocetos estén en color,

pero es útil que los diseñadores anoten la fabricación, el color y los detalles para referencia futura.

Los bocetos de ideas son bocetos simples para que los diseñadores escriban las ideas que creen que podrían ser

útiles para un mayor desarrollo del diseño.

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(B) Desarrollo de diseño

La siguiente etapa en el trabajo hacia una colección de diseño será explorar las posibilidades basadas en los bocetos de

ideas y encontrar un tema alrededor del cual desarrollar. Estos deben realizarse en bocetos de desarrollo de diseño. El

desarrollo del diseño es la selección de bocetos preliminares de los diseñadores para expandir completamente los

conceptos iniciales. El proceso de dibujar las ideas de los diseñadores no solo registra el proceso de pensamiento sino

que, mediante la experimentación constante, genera nuevas ideas.

Los diseñadores elegirán una o más ideas que consideren que vale la pena desarrollar. Al cambiar las telas, los

colores, los detalles y la silueta de las ideas, los diseñadores intentan explorar las mejores posibilidades y

combinaciones de diferentes elementos para determinadas ideas para llegar a una buena solución de diseño.

Necesitan poder comunicar visualmente sus ideas de forma rápida y precisa. Una forma de hacer esto es usar

plantillas de figuras o tipos de prendas que se pueden rastrear aproximadamente dado que los diseños se

cambian y mejoran con frecuencia en el proceso. Sin embargo, este método puede ser inhibidor, ya que puede

limitar el desarrollo de siluetas y puntos de vista. El desarrollo de diseños a mano alzada se vuelve más fácil con

la práctica.

Los bocetos de desarrollo se pueden terminar con o sin color, dependiendo de la disponibilidad de muestras de
tela adecuadas.

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(C) Croquis de producción

Cuando los diseñadores han confirmado el desarrollo del diseño final, la siguiente etapa es hacer un dibujo de
trabajo analítico completo. Este tipo de dibujo se llama dibujos de producción.

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(D) Dibujo de presentación

Una vez completados los dibujos de producción, se deben realizar los dibujos de presentación. Las ilustraciones de la

presentación tienen como objetivo atraer compradores o clientes para obtener una vista previa de la colección final que

se está poniendo en figuras. El atractivo de las ilustraciones depende en gran medida de la técnica de dibujo del

diseñador o ilustrador individual. El uso del color es vital a la hora de presentar dibujos; Los colores presentados en los

dibujos deben estar lo más cerca posible de las telas y texturas utilizadas en el proceso de producción real para dar una

representación realista de las prendas finales.

Los dibujos de la presentación deben contener figuras completas vistiendo las prendas en una pose y característica

adecuadas que muestren el interés de diseño más atractivo. Las figuras

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El dibujo debe completarse con imágenes reales de accesorios para presentar toda la gama de prendas y

coordinación de colores. Las ilustraciones deben agruparse con otros bocetos para formar un portafolio de

presentación. Los portafolios de presentación son paquetes del conjunto de trabajos de diseño. Ofrecen una visión

completa de todo el proceso de diseño. Se utilizan en exposiciones o reuniones de compradores con fines

promocionales y publicitarios.

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98
99
3.4.8 Producción de prototipo

En el proceso de diseño, la traducción de una idea dibujada en dos dimensiones en un prototipo tridimensional es el

procedimiento esencial en la realización de un diseño de prenda. Una vez que la sala de muestras recibe los dibujos

de producción del diseñador o diseñadores, el siguiente paso en el procedimiento de desarrollo del producto es

realizar el primer patrón, que se utilizará para cortar y coser el prototipo. El patrón se hace en un tamaño de muestra,

el que se usa para probar y vender. Los creadores de patrones pueden usar el corte de patrón plano o el modelado

de toile para hacer el patrón.

(A) Corte de patrón plano

Se redactan bloques básicos como corpiños, mangas, pantalones o faldas. La redacción es el proceso de bloquear un

conjunto de medidas prescritas en papel. Estos patrones, una vez comprobados para determinar su precisión, se

convierten en "bloques" o " slopers ”que se pueden cambiar o adaptar a cada nuevo estilo mediante el movimiento de

sus pinzas y costuras. El método de patrón plano utiliza ángulos, reglas y curvas para cambiar los patrones de tablas

existentes.

Este método implica el corte y costura de telas para que se ajusten a las figuras. El sistema de corte de patrones ha

evolucionado con el tiempo en consonancia con el desarrollo de la producción en masa. Este método implica el uso de

bloques de cartón que proporcionan una forma que se ajusta bien. Luego, los patrones se convierten en las primeras

muestras o toallitas de muselina y el ajuste es

100
perfeccionado en modelos. Los bloques se desarrollan para adaptarse a las formas corporales de moda predominantes y están

especialmente diseñados para los productos que las empresas desean producir.

(B) Modelado de baño

Los creadores de patrones o los diseñadores asistentes utilizan " drapeado ”, también conocido como“ modelado ”en el

stand, que implica la colocación de tejidos toile como el percal o la muselina de algodón ligero en maniquíes de

confección de la talla adecuada o en cuerpos reales. Cuando las formas y ajustes son correctos, los toiles se quitan y

se copian en papeles o tarjetas de patrones. Las técnicas de drapeado funcionan mejor con tejidos de punto y

cantidades generosas de materiales suaves. También se utilizan para trabajar tejidos "al bies", es decir, a través de la

fibra para que se adapte a la forma del cuerpo y se mueva bien.

Este método se utiliza principalmente para vestidos de noche o de alta costura. Permite a los diseñadores ver las proporciones y

las líneas de los diseños exactamente como las verán los usuarios. Los diseños a menudo se modifican a medida que se

desarrollan en la forma.

Los buenos toallitas ahorran tiempo más adelante cuando las prendas están confeccionadas en tela real, pero no es

necesario hacer bolsillos reales o poner forro en toiles. Esta etapa de traducción es una de las etapas de

experimentación y evaluación. Se hacen prototipos de diseños y se ajustan a maniquíes o modelos; tradicionalmente

se utilizan muselinas o calicos. Sin embargo, en la producción en masa, esta etapa específica generalmente se lleva a

cabo con los tejidos previstos y las muestras creadas se denominan 'primeras muestras'. En algunas empresas, los

"trabajadores" dedicados son especialistas cuyo único trabajo es comprender los dibujos de los diseñadores y

traducirlos en primeros prototipos.

(C) Estructura

La siguiente consideración es la estructura; la mayoría de las prendas tienen algún tipo de entretela para
reforzar parte de la prenda como solapas, bolsillos, cuellos y puños. Las entretelas se utilizan de muchas
formas para dar soporte a telas delicadas o de tejido suelto; exageran la apariencia y crean un tacto
diferente al de las telas.

(D) Detalles y adornos

Los detalles forman la parte decorativa del diseño, que incluye procesos de adorno y detalles de diseño que
van ganando popularidad. Una vez que se deciden las fabricaciones, la silueta creada forma el diseño. La
siguiente etapa es considerar los detalles y los adornos. Esta etapa es extremadamente importante para el
acabado de una prenda ya que el trabajo realizado en esta etapa es a menudo lo que marca la diferencia
entre los diseños de mayor nivel y los de menor valor de mercado. Los adornos dan un aspecto más
decorativo y tridimensional que la impresión. Técnicas de embellecimiento

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incluyen bordados, aplicaciones, calados, pedrería, smocking y manipulación de telas. Los detalles cubren todo,
desde cierres, paneles voladores, volantes, bolsillos, cuellos, volantes y puños hasta forro, ribetes, ribetes y
calibre de costuras reales.

Un atuendo puede tener una silueta dramática y un buen forro, pero sin grandes detalles o adornos. En este caso, el

atuendo puede parecer amateur y sin resolver. Los atuendos que carecen de detalles pueden sobrevivir en la pista pero

no soportarán un escrutinio de cerca. Los detalles y adornos en la ropa son a menudo el factor decisivo cuando se trata

de persuadir a los consumidores de que se deshagan de su dinero.

Los detalles son extremadamente importantes en la ropa de hombre, donde la silueta, la tela, la línea y el patrón

extravagantes son desagradables para lo que es una clientela mayoritariamente conservadora. Usar un adorno en un área

de una prenda o el acabado de un borde puede ayudar a diferenciar las prendas diseñadas por diferentes diseñadores.

3.4.9 Evaluación de la colección

Después de completar el diseño de la prenda individual, la siguiente etapa es la consideración del plan de la gama y

la evaluación del diseño.

(A) Plan de rango

Además de las decisiones tomadas sobre cada prenda individual, también se debe considerar el equilibrio
de la gama en su conjunto. Los diseñadores de moda desarrollan una amplia gama de ideas relacionadas
para producir grupos de prendas que funcionan no solo como conjuntos independientes, sino también
como una colección. Un enfoque coherente de factores importantes como el color, la silueta, la tela, el
patrón y la proporción ayuda a crear esta cohesión. Además, la planificación de la gama implica la
elaboración de la proporción de prendas que se diseñarán en cualquier colección dada, como una gama
básica puede constar de dos vestidos, cuatro pantalones, ocho blusas, tres faldas, dos blazers, cuatro
suéteres y dos conjuntos gemelos en cuatro opciones de color. Cada colección debe tener un desglose por
color y tamaño de las unidades para que los clientes puedan tomar las decisiones correctas y poder armar
una combinación de conjuntos.

(B) Evaluar el diseño

En muchas empresas de moda, el desarrollo de la colección de cada nueva temporada se basa en las cifras de ventas de

la última temporada. A menudo, es difícil para los diseñadores evaluar qué elementos de los diseños han tenido éxito, ya

que la comunicación entre los diseñadores y los usuarios finales está bloqueada por las ventas al por mayor en los

procesos de venta minorista. Un traje ejecutivo en particular puede venderse bien en Central pero no en Tuen Mun; puede

vender

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bien en climas cálidos, solo en cierto momento de la temporada en ciertos colores o en posiciones
particulares dentro de la tienda. Todos estos factores diferentes deben tenerse en cuenta cuando se trata de
la evaluación de cualquier diseño y colección.

(C) Promoción de la gama

La tendencia de las marcas en los últimos años se ha convertido en un elemento central para promover y comercializar

artículos de moda. El proceso de creación de marca requiere que el rango tenga un 'nombre'. Producir un nombre requiere

pensar un poco en las ideas creativas de la gama y cómo se puede interpretar en una palabra o palabras evocadoras.

Como diseñadores, es muy importante diferenciarse de otras marcas y diseñadores.

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No para la venta

Los derechos de autor de los materiales de este folleto pertenecen a la Oficina de Educación. Las escuelas

pueden utilizar los materiales solo con fines educativos. Se debe obtener un permiso previo por escrito de la

Oficina de Educación para otros usos comerciales.

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