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La Creación de la Orquesta y el
Sinfonismo Moderno

Luíyer Jesús Álvarez Azócar

Instituto Superior de Artes del Teatro Colón
Historia y Estética de la Música I

Diciembre del 2020

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Parte I
Escuela de Mannheim

Historia general:
Mannheim es una ciudad que pertenece al Estado Federado de
Baden-Wurtemberg, en Alemania. Está situada junto al río Rin.
La ciudad de Mannheim, comenzó su carrera ascendente en materia de
importancia política y cultural en 1720, cuando se convirtió en la capital del
Palatinado. Gran parte de la ciudad fortificada había sido destruida en diversas
campañas militares durante el siglo anterior; en ese momento se iniciaba un período
de relativa estabilidad que se reflejó muy pronto en un vigoroso programa de
construcciones. El nuevo castillo era de grandes dimensiones e impactante aspecto.
Fue construido sobre el modelo de Versailles, lo que reflejaba las ambiciones
culturales del Elector. En el año 1742 año del casamiento del príncipe Karl Theodor,
se terminó la edificación del teatro de ópera. que más tarde sería la locación
habitual para la afamada orquesta homónima.
Durante el siglo XVIII surgió en esta ciudad la llamada Escuela de Mannheim,
denominada escuela por crear un nuevo estilo de interpretación y composición.
Contaba con una importante orquesta, reconocida en toda Europa y promovida por
Carlos Teodoro, Príncipe Elector del Palatinado.

La orquesta de Mannheim:
La creación de la orquesta se debe a Karl Philipp von der Pfalz-Neuburg,
séptimo hijo del Príncipe Elector del Palatinado Philipp Wilhelm. Al recibir de su
hermano mayor, el Príncipe Elector Johann Wilhelm, el título de gobernador del Tirol
y de la Vorlande austríaca, Karl Philipp procedió a fundar en su corte de Innsbruck
una capilla con músicos traídos de Silesia. Al suceder a su hermano tras el
fallecimiento de éste en 1716, trasladó la capilla a la capital del Principado en
Heidelberg. Finalmente, en 1720 desplazó la capilla a la villa de Mannheim, por lo
que dicha fecha suele habitualmente tomarse como la de fundación de la orquesta.
La corte de Mannheim ganó importancia sobre todo bajo el reinado del elector Karl
Theodor, que ocupó su cargo después de la muerte de Karl Philipp en 1743, hasta
el año 1778, en el que la corte se trasladó a Munich.
Mannheim gozó de una ventaja, más que otras cortes en Alemania, de tener
músicos internacionales a su servicio: italianos, franceses, de Bohemia, y del norte
de Europa. Ellos eran, por ejemplo: los Stamitz, Holzbauer, Filtz, Lebrun, Toeschi,
etc. Además, el gusto del elector era abierto para todo tipo de música. Mannheim
representó para la música en estos años un centro de primera orden, por lo que
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muchos compositores solían viajar a la ciudad para conocer la orquesta y su

repertorio.
Cuando en 1778 el Príncipe Elector es nombrado Duque de Baviera, traslada
su corte a Múnich, y la capilla de la corte marcha con él, fundiéndose con la
orquesta de la corte bávara y desapareciendo así la histórica y mítica formación.

Aportes al estilo clásico 1770-1800 :

A partir de la invención del pianoforte se deja sentir en Europa el primer
intento organizado de variar matices en piezas orquestales. Es Nicola Jomelli, un
compositor napolitano de óperas, quien lleva este recurso a Alemania. Éste es
adoptado en Mannheim por Johann Stamitz, quien toma el estilo galante, con sus
características elegancia y ligereza, y le añade fuerza en el lenguaje sinfónico y
solidez estructural mediante la incorporación de la forma sonata; y sin embargo
sabiendo sostener la técnica imitativa del barroco.
En el terreno armónico, Stamitz es uno de los que da a los acordes una
función conductora, reemplazando el sistema de armonía contrapuntística de la
música barroca. Especialmente característicos de esta época son dos recursos
típicos de la obra de Stamitz: la cadencia clásica (I II​6 V​7 I) y la apoyatura
(terminación suspensiva en los finales de frase). Este último recurso, por su sentido
emotivo, fue llamado el "suspiro de Mannheim". En este estilo naciente predominará
la emoción, en contraste con el equilibrio que se logra en el estilo anterior.
En cuanto al terreno melódico, en las sinfonías del estilo de Mannheim se
destacan las melodías galantes, característica que comparten con las de Johann
Christian Bach y Mozart en su periodo inicial.
Stamitz, como uno de los principales compositores de la Orquesta de
Mannheim, incorporó en sus sinfonías la utilización del minuet, una danza original
del barroco, que algunos compositores del estilo rococó y galante ya venían usando
en sonatas, cuartetos de cuerda, etc. Esta danza fue parte de sus sinfonías tardías
como un nuevo movimiento, el tercero de cuatro, formato que fue adoptado por
compositores posteriores hasta ser hoy en día el prototipo de sonata o sinfonía.
También existió la costumbre, progresivamente abandonada, de concluir sonatas y
sinfonías con una danza, como giga o rondó.
Desapareció el bajo continuo, con lo cual ya no se necesitaba el clave. En
consecuencia, la cuerda se independizó. La armonía estaba establecida por los
instrumentos de viento, entre los que se encontraban primeramente oboes, fagotes
y flautas, además de cornos y trompetas. Durante la dirección de Stamitz se
incorporó el uso del clarinete, siendo uno de los primeros en atreverse a incorporarlo
en la práctica de la música seria.
Uno de los aportes más relevantes de este conjunto de músicos y
compositores fue el de llevar el uso de las dinámicas a otro nivel. En la técnica
llamada “crescendo de Mannheim” se comenzaba desde un piano e iban formando
un crescendo organizadamente hasta un fortísimo de manera gloriosa. También, los
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ataques unísono de todo el conjunto orquestal daban un efecto de precisión y

prolijidad que el oyente quedaba impresionado ante tanta pulcritud. Otro recurso fue
el denominado “cohete de Mannheim”, un crescendo veloz, extendido a lo largo de
un pasaje con una línea melódica ascendente, sobre el bajo haciendo un ostinato, Si
bien el crescendo impactó a la audiencia, no fue un invento de Mannheim, sino que
al ser ejecutado en forma cuidadosa y uniforme por esta orquesta de gran tamaño,
el gradual aumento o disminución del volumen distribuido a lo largo de un pasaje de
larga extensión tenía un efecto electrizante sobre el público. Al ser un eficaz recurso
orquestal, el crescendo de Mannheim fue muy pronto adoptado por los compositores
de otras localidades.
Las tradiciones de alta disciplina y precisión en la ejecución, y la utilización de
golpes de arco uniformes en los ensayos y conciertos fue establecida por Johann
Stamitz, el primer director de la Orquesta de Mannheim. Su estándar de perfección
fue continuado por sus varios sucesores.
Como violinista, Stamitz fue quien estableció la costumbre de dirigir la
orquesta desde el puesto del concertino, mientras que en otras partes seguía
estando a cargo de la orquesta el director sentado al clave. Las tradiciones
establecidas por Stamitz fueron continuadas bajo Cannabich, quien entrenó
sistemáticamente a los ejecutantes de cuerdas y controlaba la orquesta "con una
mera inclinación de su cabeza, o un movimiento del codo", logro aún más
Impresionante en virtud del tamaño de la misma.

Estructura genérica de la forma sonata y la sonata:

La Sonata
Normalmente es una pieza con varios movimientos, que tiene una forma
musical concreta; y cuando esa forma se usa en una pieza para un instrumento
solo, como un piano, un violín o una flauta, o incluso para un instrumento solista con
acompañamiento de piano, la pieza se llama “sonata”. Cuando la misma forma se
usa en una obra para tres instrumentos se llama “trío”, para cuatro “cuarteto” y así
sucesivamente. Pero cuando esta forma se usa en una obra para una orquesta
completa, se denomina “sinfonía”.
Tiene normalmente esta alternancia:
❖ El primer movimiento corresponde a una estructura de “Forma
Sonata”. Es el de mayor importancia de la obra.
❖ El Segundo movimiento, Andante o Adagio posee una estructura A-A’;
A-B; A-B-A o tema con variaciones.
❖ El Tercer movimiento, un Minuet, es la única forma de danza que
desde la Suite del barroco se incorpora a la Sonata. Una variante es el
Minuet con Trío, siendo el Trío otro minuet que contrasta en tonalidad
y carácter con el primero, interpretándose en ese caso Minuet - Trío -
Minuet.
❖ El cuarto movimiento, Rondó o Final es un movimiento vivo y alegre
con el que culmina la obra. Puede tener forma sonata (como el ​primero)
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o de Rondó, donde hay una sección que se repite entre distintas

secciones nuevas con esta forma: A-B-A-C-A-D-A.

La forma sonata
Es una estructura formal sobre la cual se apoyan muchas composiciones.
Posee tres grandes secciones y dos menores, que son la introducción y la coda, no
siendo necesaria la presencia de estas últimas. Pueden encontrarse sonatas de dos
secciones o “bipartitas”o sus contrapartes de tres secciones, las “tripartitas”. En la
primera sección, la exposición, se presentan habitualmente dos temas (sonata
bitemática), aunque es frecuente encontrar sonatas con un solo tema (sonata
monotemática).
Su forma es la siguiente:

A. Exposición: Introducción (opcional)

I tema…... en una tonalidad principal
Puente….. modulante
II tema….. en una tonalidad vecina

B. Desarrollo Desarrolla los temas y modula la

armonía

C. Reexposición Se repite el
I tema…….. en la tonalidad principal
Puente……. modulante
II tema……..en la relativa o principal
Coda……….final

Otros compositores relevantes

En la escuela de Mannheim hubieron compositores que sucedieron la labor
de Stamitz, y cuyas obras plasman la evolución de la sonata desde la mitad del siglo
XVIII hasta llegar a las composiciones de Haydn, Mozart y Beethoven.

Franz Xaver Richter​ (1709-1789). Una de sus obras es la “Sinfonía Nº 69 en la

mayor” compuesta hacia el año 1740. Pertenece al grupo de seis grandes sinfonías
publicadas en París en 1744. Escrita para orquesta de cuerda acompañada por
clave en forma de bajo continuo, todavía tiene una fuerte relación con el periodo
barroco.
El primer movimiento, allegro, posee unos temas rápidos y abundante empleo
del contrapunto que lo acerca al barroco. El segundo movimiento, andante, posee
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melodías expresivas con inesperados cambios temáticos. El tercer movimiento,

allegro, es comparable con el primer movimiento con sus temas rítmicos y su
contrapunto.

Ignaz Holzbauer​ (1711-1783). La “Sinfonía en re mayor” Op.3 Nº4 compuesta en

1750, consta de tres movimientos, con el último formado por dos partes. La orquesta
utiliza además de la cuerda, un oboe, dos trompas y un fagot.
El primer movimiento, allegro, empieza lentamente en pianissimo para pasar
a un crescendo característico del estilo de Mannheim, con un tema de carácter vivo.
El segundo movimiento, andante non molto, es de carácter melódico empleando
unos temas apacibles. El tercer movimiento, tempo di minuetto, cantabile grazioso,
presto, fusiona los dos últimos movimientos de la sinfonía. Después de un tranquilo
tempo di minuetto su segunda sección se une sin transición al presto final utilizando
el mismo tema.

Franz Ignaz Beck​ (1734-1809). Nació en Mannheim de una familia con

antecedentes musicales y fue alumno de Johann Stamitz. Como compositor, una de
sus características es el empleo de instrumentos de viento en los movimientos
lentos de algunas de sus obras. Se aprecia el estilo de Mannheim de la primera
época, empleando una orquesta de cuerda con dos oboes y dos trompas. Sus
acentos dramáticos anuncian la época del Sturm und Drang.
El Op. 3 se compone de seis sinfonías divididas en cuatro movimientos,
excepto la “Sinfonía en re mayor” Op.3 Nº 6 que tiene tres, sin minuet. Fueron
publicadas en París en 1762 y las compuso durante su estancia en Marsella.
La “Sinfonía en fa mayor” Op.3 Nº 1, tiene el movimiento lento interpretado
por la cuerda con expresivos temas. El minuet posee un trío interpretado por los dos
oboes y las dos trompas.
La “Sinfonía en si bemol mayor” Op.3 Nº 2 posee una estructura semejante a
la anterior. En el último movimiento, prestissimo, encontramos una gran secuencia
de agitadas quintas descendentes durante su desarrollo.

Cristian Cannabich​ (1731-1798). Nacido en Mannheim, fue alumno de Johann

Stamitz. En 1774 fue nombrado director musical de la Orquesta de Mannheim.
Acompañó a la corte cuando se trasladó a Munich. La orquesta de Munich estaba
formada por 34 violines, 7 violas, 8 violonchelos, 6 contrabajos, 7 flautas, 5 oboes, 4
clarinetes, 5 fagotes y 8 trompas. Además se podían agregar trompetas y timbales.
Dio gran importancia a los instrumentos de viento, que pudieron independizarse de
las cuerdas. Se puede constatar que muchas melodías se dejan para los
instrumentos de viento.

Joseph Martin Kraus​ (1756-1792). La “Sinfonía en do mayor” VB 138 fue escrita en

Estocolmo entre 1778 y 1779. Utiliza a un violín como solista. Además del violín
intervienen la flauta y el violoncello, creando una especie de concerto grosso.
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La “Sinfonía fúnebre en do menor” es la obra de Kraus más dramática. En el

mes de marzo de 1792, durante un baile de máscaras, Gustavo III fue herido
mortalmente. Kraus que estaba muy unido al monarca escribió una sinfonía,
ejecutada durante la ceremonia del entierro. Todos sus movimientos son lentos y
lúgubres. Consta de dos partes que encuadran dos interludios. Empieza con una
triste intervención de los timbales acompañados por los cobres en sordina. El primer
interludio en tono menor es de resignación. El segundo interludio está constituido
por un coral, que durante la ceremonia cantaron las personas presentes. La obra
termina con una doble fuga al estilo de Bach y el siniestro tema acompañado por los
timbales del principio.

Peter von Winter​ (1754-1825). La “Sinfonía Nº 2 en fa mayor” escrita en tres

movimientos empieza por un allegro assai escrito en forma sonata con temas al
estilo de Mannheim. Después de un breve adagio ma non troppo termina con un
rondo allegro.
La “Sinfonía Nº 3 en si bemol mayor” posee una estructura semejante a la
anterior. Después de un expresivo movimiento lento central, termina con un rondo
allegro en estilo fugado, con intervenciones solistas del oboe y el fagot.
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Parte II
Análisis y comparación de las obras

Instrumentación y forma del primer movimiento

Sinfonía Nº 3 en do mayor de Carl Philipp Emanuel Bach:

Instrumentación:
Violin I.
Violin II.
Viola.
Violoncello y Contrabajo.
Clave.

Esta obra fue compuesta en 1773. Es la tercera del conjunto de seis sinfonías
para cuerdas encargadas para el Barón von Swieten. Esta obra posee tres
movimientos; el primero tiene una forma de sonata monotemática, bipartita que
mantiene el plan tonal. Es una obra cuya instrumentación sigue siendo pequeña,
donde el clave seguía teniendo un papel fundamental en toda la sinfonía, con
función de bajo armónico junto al contrabajo y el violoncello. La textura que
predomina es la homofonía y en algunos fragmentos, melodía acompañada.

Estructura: Sonata monotemática

Exposición: Tema I: empieza en el c.1 en DoM hasta c. 11
Puente: tiene una secuencia armónica desde c. 12 hasta c. 50.
Tema II: empieza en SolM (quinto grado de la tonalidad principal) con el mismo
texto del tema I, c. 51 hasta c. 56.
Desarrollo: desde c. 57 hasta c. 68.
Reexposición: desde c. 69 hasta c. 115
Coda final: desde c. 116 hasta el final del movimiento.
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Sinfonía Nº 25 en Sol menor , K. 183 de W. A. Mozart:

Instrumentación:
Oboe.
Cuatro cornos, dos en Sib y dos en Sol.
Violin I.
Violin II.
Viola.
Violoncello y Contrabajo.

Esta obra fue compuesta en 1773, cuando Mozart tenía 17 años. A lo largo
de la historia la denominaron la Pequeña Sinfonía en sol menor. Tiene cuatro
movimientos. No se sabe cuál fue el motivo por el que Mozart compuso esta obra de
características tan inusuales para la época: en modo menor, con un carácter
sumamente trágico, y utilizando la síncopa como texto principal. Este último rasgo
destaca esta sinfonía entre otras de su autoría.

Estructura: Forma sonata tripartita

Exposición​:
Tema I: está dividido en tres episodios el primero comienza en c. 1 hasta c.
12 en Solm, el episodio II desde c. 13 hasta c. 28 en Solm y el episodio III desde c.
29 hasta c. 48 en SibM.
Puente: desde c. 49 hasta c. 58 en FaM7.
Tema II: c. 59 hasta c. 73 en SibM.
Coda de la exposición: desde c. 74 hasta c. 82 en SibM.
Repite esta exposición.
Desarrollo​: dividido en dos episodios.
El primero en Solm desde c. 83 hasta c. 96.
El segundo en LaM desde c. 97 hasta c. 116.
Reexposición​: desde c. 117 hasta c. 190.
El tema I y sus episodios están en Solm.
El puente está en ReM7.
El tema II está en Solm.
Hay una transición hasta la coda desde c. 192 hasta c. 200 en Solm.
Coda​: desde c. 201 hasta c. 214 en Solm.
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Sinfonía Nº 3 en Mi bemol mayor “Eroica”Op. 55 de L. V. Bethoveen

Instrumentación:
Dos flautas.
Dos oboes.
Dos clarinetes en Sib.
Dos fagotes.
Tres cornos; uno en Mib, Do y Fa; Otro en Mib, y el tercero en Mib.
Dos trompetas en Mib y Do.
Timbales en Mib y Sib.
Violin I.
Violin II.
Viola.
Violoncello y Contrabajo.

Esta obra fue compuesta en el año 1803 por Beethoven a los 33 años de
edad. Beethoven la dedicó en un principio a Napoleón, poniéndole el nombre
"Bonaparte". Pero al enterarse de la coronación de Napoleón como Emperador,
Beethoven le retiró la dedicatoria y cambió el título de la obra por, "Sinfonia eroica
composta per festeggiare il sovvenire d'un grand'uomo" (Sinfonía Heroica,
compuesta para festejar el recuerdo de un gran hombre).
En relación con las sinfonías que compuso con anterioridad, tiene una larga
duración, incluso dura dos veces más que cualquier otra de la época.

Estructura: Forma sonata tripartita

Exposición​: Empieza con una introducción en los primero dos compases con el
acorde de Mib Mayor y empieza el tema I en el tercer compás. En el compás 45
comienza una segunda sección en Fa M.
Puente: desde c. 65 hasta c. 82 en Fa#dism.
Tema II: c. 83 hasta c. 98 en Sib M. Episodio II desde c. 99 hasta c. 143.
Epílogo: desde c. 144 hasta c. 151.
Repite esta exposición.
Desarrollo​: desde c. 156 hasta c. 401. (Tiene 7 episodios. El primero desde que
comienza hasta c. 202. El segundo desde c. 203 hasta 210. El tercero desde c. 211
hasta c. 223. El cuarto desde c. 224 hasta c. 238. El quinto desde c. 239 hasta c.
250. El sexto desde c. 251 hasta c. 302. El séptimo desde c. 303 hasta c. 400).
*Incorpora un nuevo material temático en el desarrollo en Mim7 que aparece en el c.
288 hasta c. 302. Este mismo material aparece en el c. 325 hasta c. 340.
Reexposición​: desde c. 401 hasta c. 559, tema I en Mib Mayor, el tema II ídem.
Coda​: desde c. 260 hasta c. 694 en RebM. (Tiene cuatro episodios. El primero
desde que comienza hasta c. 605. El segundo desde c. 606 hasta 633. El tercero
desde c. 634 hasta c. 667. El cuarto y último desde c. 668 hasta c. 694). En el c. 570
agrega un nuevo material interpretado por los violines y en c. 584 agrega el material
temático introducido en el desarrollo.
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Comparación:

Habiendo analizado las tres obras, podemos localizar sus diferencias en tres
grandes áreas: orquestación, duración y forma. Haremos las comparaciones de
forma cronológica
La tercera sinfonía de Carl Philipp Emanuel Bach cuenta con una
instrumentación pequeña de cuerdas y clave típica del barroco. Mantiene el uso del
clave como bajo armónico de la obra. Utiliza un solo tema que recorre todo el
movimiento, que empieza en DoM y lo repite a modo de segundo tema pero en
SolM. Esta obra es de muy corta duración, así como también su primer movimiento.
Presenta varias modulaciones y variaciones en el texto en el puente hacia el Tema
II, lo que casi lo hace parecer un desarrollo, mientras que el desarrollo propiamente
dicho es muy corto. La reexposición no es tan clara, ya que un compás antes de su
inicio reexpone el mismo texto. Las texturas predominantes son la homofonía y la
melodía acompañada.
La sinfonía Nº 25 de Mozart fue compuesta en 1773, el mismo año que C. P.
E. Bach compuso su tercera, con lo que se evidencia que los estilos de los
compositores se solapan en la historia. En esta obra se percibe una evolución de la
forma sonata y de la orquestación, ya que su duración es más extensa, los textos
son más claros de acuerdo con la forma, la instrumentación es más amplia, no
incluye el clave y agrega instrumentos de viento. Entre estos nuevos instrumentos
se encuentran el oboe haciendo textos melódicos y cuatro cornos que hacen el
papel fundamental de acompañante armónico, ya que aún no existían las trompas
de paletas, que permiten una gran independencia melódica, si no los cuernos
naturales, que solo podían emitir armónicos de su tonalidad fundamental. Las
cuerdas no presentan grandes cambios, solo que a diferencia de las obras galantes
o barrocas, empiezan a tener en algunas secciones líneas melódicas más
independientes entre sí, abandonando momentáneamente el movimiento en bloque.
Predominan las texturas de contrapunto, melodía acompañada y homofonía.
En la sinfonía Nº 3 de Beethoven se puede apreciar una marcada evolución
en cuanto a la forma y orquestación de la obra. Presenta una gran amplitud en la
instrumentación, una forma sonata con más variantes, un primer movimiento con
una duración realmente extensa. Con estas incorporaciones se empiezan a
evidenciar los inicios de lo que sería el Romanticismo. Esta obra tiene una forma
sonata tripartita: exposición, desarrollo y reexposición. La exposición se repite, y va
luego al desarrollo, que cuenta con grandes episodios y con una gran innovación:
durante su transcurso introduce un nuevo material temático, que no fue expuesto
anteriormente y que es reexpuesto en la coda. La reexposición excluye muchas
secciones que estaban en la exposición, por lo tanto es una reexposición no textual.
La coda es muy extensa y con varias secciones, dando la sensación de que el
movimiento estuviera dividido en dos partes y fuera este otro movimiento. Esta coda
posee una novedosa incorporación de materiales temáticos: muestra el tema I, el
material incorporado en el desarrollo que mencionamos anteriormente y no
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conforme con esto emplea un nuevo material, que es una variación del texto del
puente y se extiende hacia el final del movimiento.
La instrumentación se compone de la cuerda tradicional, tres cornos ( que ya
sí tienen una función más melódica), dos trompetas (con la misma función que los
cornos pero con un color más brillante), dos fagotes, dos clarinetes, dos flautas, dos
oboes y un timpani. Es una instrumentación más amplia, que incorpora instrumentos
que no eran utilizados treinta años atrás por Mozart o C. P. E. Bach. Aquí los
instrumentos son más independientes y solísticos: las maderas y cornos empiezan a
tener melodías individuales, hay muchos contrapuntos entre los violines I y violines
II, el cello y el contrabajo empiezan a hacer melodías importantes y no solo
acompañamiento. Las texturas como el contrapunto y la homofonía se combinan
con la melodía acompañada, y eso es algo nunca antes visto. El plano armónico no
está exento de novedades, ya que se utiliza una variedad de acordes disonantes,
contrastantes con el anterior estilo clásico.

Conclusión
En estas tres obras, aunque tan solo las separan treinta años, se exponen
claramente las etapas de la evolución de la forma sonata: sus inicios, su apogeo y
su evolución.
No podemos decir que en una fecha determinada concluye un estilo o
período y ordenadamente comienza otro, lo cierto es que se unen, y el estilo está
muy ligado al camino que sigan los compositores. Cada composición fue un aporte
para la evolución de la forma y la sinfonía; la integración de nuevos instrumentos
que le aportaban a la obra otro timbre, color y sonido para el oyente.