Está en la página 1de 13

1.2.

1 Apreciación del Arte


La Apreciación Artística es el proceso análisis crítico sobre una obra de arte, donde la función
crítica es una interpretación especializada, para que el espectador que contemple una obra de arte,
tenga herramientas que le permitan una mejor comprensión del lenguaje y el contenido de la obra
del artista.
Esto es; conocer el significado, y el porqué del uso de ciertos elementos visuales utilizados por el
autor.
Crítica: Se limita analizar las estructuras de las obras de arte, su significado y problemas,
comparándolas con otras obras y evaluándolas.
Psicología del Arte: Se encuentra relacionada con los elementos propios de la psicología como tal,
como respuestas humanas al calor, a las formas, palabras y emociones.
Platón: El artista copia un objeto que ya es en sí la copia de la realidad. (que sólo puede percibir el
filósofo). En la república acusa o desacredita de la sociedad ideal a los artistas, pensaba que las
obras de ellos estimulaban la inmoralidad o representaban personajes despreciables, decía que
algunas composiciones musicales creaban pereza o incitan a la gente a tomar malas decisiones
Aristóteles: Considera el arte como imitación, pero en otro sentido. Decía que el arte completaba
las cosas hasta donde la naturaleza no pudo llegar. Censuró el arte escénico.
Imitación Aristotélica: Toma un objeto de la naturaleza que tiene materia, él separa la materia de
la forma, aplica una nueva materia a la misma forma. El arte tiene la finalidad de hacer felices a los
hombres. Pensaba que la tragedia estimulaba emociones como el terror o compasión en el
espectador, quien llegaba a un punto de la catarsis (purgaba los sentimientos).
Qué es la apreciación del arte?
Qué es la apreciación del arte? la apreciación artística es el proceso de análisis crítico sobre una
obra de arte donde la función crítica es una interpretación especializada para que el espectador que
contempla una obra de arte tenga herramientas que le permitan una mejor comprensión del lenguaje
y el contenido de la obra del artista
Qué elementos deben considerarse en la apreciación artística? Elementos afines entre las artes
dentro de la variedad de expresiones artísticas encontramos elementos y las emparentan y que
pueden identificarse y valorarse en su apreciación Estos son la armonía el contraste el espacio la
composición y el ritmo
Que nos permite identificar la apreciación en una obra de arte? La valoración tiene por finalidad
descubrir el grado de originalidad de una obra, El espectador además cuenta con otra opción para
apropiarse de una obra Identificar y disfrutar la estética de sus elementos configurativos bajo los
principios de armonía, contraste, espacio, composición y ritmo.
Cuál es la importancia de la apreciación artística? el propósito principal de la apreciación artística
es comprender el arte como una actividad inherente en el desarrollo de toda sociedad humana en la
cultura que permite reconocer la creación la producción la preservación y la difusión de las obras de
arte objetos estéticos
que es una apreciación crítica? Se denomina critica a una apreciación de un hecho determinado
apreciación que puede tener un tenor positivo negativo o neutro sopesando tanto aspectos positivos
como negativos las críticas pueden entenderse como juicios que se hacen en torno a una cosa o
persona luego de un discernimiento o de un análisis.
Artes plásticas o visuales:
Consideradas artes menores:
Las artesanías: alfarería, cestería, tejido, orfebrería-cerámica, talabartería.
Consideradas artes mayores:
Obras de arte: arquitectura, pintura, escultura, fotografía.

1.2.2 Elementos de las Artes Plásticas


El Arte implica el saber crear sobre la materia. Es decir, conformar y formar ideas con distintos
materiales mediante acciones como la pintura y el dibujo (consideradas “gráficas”), o la arquitectura
y la escultura (consideradas “plásticas”).
En conjunto, representa una serie de acciones y actividades de tipo gráfico-plástico en donde
intervienen la vista y el tacto para apreciarlas y estimular nuestra imaginación y pensamiento. En
este se unen dos elementos llamados forma y contenido.
Forma.
En la expresión artística es la determinación, distribución y organización de los elementos que
percibimos al apreciar una obra de arte.
Contenido.
Es el mensaje, la fuerza, el carácter, la historia o la esencia. Es lo que el artista quiso comunicar con
su obra. Implica tiempo, personajes, momento histórico, el discurso implícito, la simbología,
etcétera.
Los Elementos que intervienen en la Forma.
Para realizar una obra de Arte debemos hacer uso de la técnica, de las Artes Plásticas, y en las artes
plásticas hay dos elementos fundamentales que constituyen la base para cualquier composición.
Estos son el punto y la línea.
Punto, línea y plano por vasily kandinsky
Hola Mi nombre es wassily kandinsky artista de origen ruso soy un precursor de la abstracción en la
pintura de acá donde beben fui profesor en la prestigiosa BAUHAUS y he teorizado ampliamente
sobre la imagen de apasionado indagar sobre el poder del punto la línea y el plano, es por ello que
me baso mis composiciones en estos magistrales elementos plásticos. Bueno ahora preparemos
punto línea y plano. Comencemos con el punto, el punto singular elemento primario es la unidad
mínima de la imagen es el único que es conceptualmente adimensional, Es decir que carece de
longitud área volumen y altura por lo que es considerado estático central y sin direccion alguna, el
punto señala una posición en el espacio el punto se puede detectar en ambos extremos de la línea
intersección de líneas aristas y dimensionales y tridimensionales centro geométrico de un plano.
la línea, eso segundo elemento primario de la imagen conceptualmente a diferencia del punto las
líneas unidimensional puesto que sólo posee longitud además de dirección y posición podemos
clasificar la línea de las siguientes maneras: según su forma línea recta curva línea quebrada o
poligonal línea mixta línea horizontal línea vertical línea inclinada o diagonal según la relación que
guardan entre sí líneas paralelas líneas perpendiculares líneas oblicuas líneas convergentes líneas
divergentes la línea sirve para asociar soportarlo de aportar otros elementos visuales articular las
superficies de los planos.
Al plano así como la línea c recorrido de un punto o puede ser definido como el trayecto corre una
línea la dirección diferente a la que intrínsicamente posee el plano es el tercer elemento primario de
la imagen se caracteriza por ser bidimensional posee longitud y anchura pero no profundidad es
decir No tiene volumen. El plano posee forma superficie orientación y posición y una de las
principales funciones es crear volumen Esto se logra uniendo varios planos en distintas direcciones
por ejemplo:
El volumen, el volumen se genera cuando un plano se prolonga en una dirección diferente a la que
intrínsicamente pose conceptualmente el volumen es tridimensional tiene longitud anchura y
profundidad además se caracteriza por presentar forma y espacio superficie orientación y posición.
un volumen se caracteriza por su forma que es la apariencia externa reconocible y que se genera
mediante la interrelación de los planos y de los contornos que definen los límites espaciales
Elementos visuales:
Elementos visuales para platicarles acerca de esta unidad que toca el análisis de la obra a través de
estos elementos les platicaré que uno de los artistas más importantes y si no es que es el principal
referente en cuanto al uso de estos elementos visuales es el pintor ruso vasily kandinsky que a lo
largo de su trayectoria artística y como docente de la bauhaus y su importantes reflexiones sobre los
elementos que constituyen la composición visual kandinsky consideraba esencial la creación de una
teoría de los elementos la cual llevaría a lograr el orden dentro del espacio compositivo esto es que
dentro de un espacio bidimensional esta gramática lo llevaría a una mejor composición utilizando
estos elementos la línea la forma el punto el color y a esto lo denominó gramática visual logró un
avance significativo en el establecimiento del lenguaje visual genera un vocabulario que estableció
palpa en la construcción de la misma hora los estudios que kandinsky hizo sobre los elementos
visuales básicos quedaron registrados en sus libros sobre lo espiritual en el arte y punto y línea
sobre el plano el punto debemos de recordar es el elemento más básico del diseño de la obra de las
artes carece de ángulos de dirección tiene gran poder de atracción cuando se encuentra sólo hemos
de decir que el punto alargado genera una línea está compuesta de una serie de puntos es altamente
expresiva y dinámica tenemos líneas verticales horizontales diagonales quebrada ondulada zigzag
curva cada una de estas líneas nos transmite algo quiere decir algo y lo podemos asociar con ciertas
cosas el punto definición el punto es el elemento gráfico más pequeño que se puede dibujar un
punto no tienen forma definida como podríamos pensar es decir un punto No sólo es redonda sino
que puede ser cuadrado regular con forma de aspa con forma de triángulo Lo importante es su
tamaño que debe ser relativamente pequeña así pues vemos paso al análisis de la obra a través de
los elementos visuales para lo cual está galería contendrá obras específicamente del autor ruso
vasily Kandinsky
El punto.
Considerado como “el sitio de intersección entre dos líneas”, es uno de los elementos esenciales de
la composición. Se considera “punto” la marca dejada por un lápiz, crayón, plumón o pincel.
La línea.
Un punto en movimiento da como resultado una línea, un trazo. Así, una línea está formada por una
sucesión de puntos unidos entre sí, tan próximos que no los alcanzamos a distinguir.
La línea tiene una sola dimensión y puede ser recta o curva. Según la dirección que tenga, será de
diferentes tipos: horizontal, vertical, inclinada, quebrada, curva, ondulada, etc. En relación con otra
línea puede ser paralela, perpendicular, divergente, convergente, oblicua, perpendicular, etc.
La línea también sugiere volúmenes, construye espacios y crea formas.
Es el elemento más simple de representación gráfica; está formada por la unión de varios puntos en
sucesión; Representa la forma de expresión más sencilla y pura, pero también, la más dinámica y
variada: Define contornos, hace conexiones, separa o establece distancias, las líneas pueden ser:
rectas, curvas, mixtas y quebradas etc.

1.2.3 Análisis y Composición del Arte


Un análisis más profundo
Al representar un punto, que a su vez genera movimiento en el plano, permite la aparición de la
línea y ésta a su vez, origina la forma en una superficie.
El Punto es entonces el elemento básico de toda imagen visual. Se origina en el encuentro o choque
de un instrumento (lápiz, pincel, buril, etc.) con la superficie o plano (papel, tela, madera, metal,
etc.)
Por su parte la Línea es la encargada de “escribir” una forma. Dibuja la forma de las cosas guiada
por la mano del artista, quien construye la imagen expresando sus ideas y dando forma a la materia;
es la huella de un punto en movimiento (Kandinsky)
La línea surge del trazo que deja un punto en movimiento sobre una superficie.
La línea en la obra de arte, según la finalidad del artista, cumple dos funciones: como elemento
configurador o estructural y como elemento expresivo.
En su función estructuradora se utiliza para configurar una forma determinada dentro de la
composición de la obra y delimitar un área o color.
En la composición se crean puntos de atracción que se unirán con líneas imaginarias, formando una
especie de esquema oculto, una armazón, que sirve de estructura o de esqueleto. La mayor parte de
las obras de las Artes visuales poseen estos esquemas estructurales, esta especie de base sobre la
cual se hace el dibujo.
Cuadros de vasily Kandinsky
1. Rojo, azul y amarillo
2. composición ocho

3. Estudio de color con cuadros


4. Varios círculos
Trabajo kandinsky
Uno de los claros exponentes de la pintura abstracta del Siglo 20, produjo un estilo de pintura que
sorprendió al público
Motivación interior, impulso creativo, buscaba la belleza de lo abstracto, estudio muy detallado con
diagramas de la mezcla y significado de los colores, los colores y las formas vibraban y retumbaban
como si tuviesen vida. Profesor de la prestigiosa bauhaus, movimiento pero las formas transmiten
movimiento, poder del punto la línea y el plano.
Composición
Se refiere a la distribución de los elementos en una obra: es el tipo de balance elegido por el artista.
Hay de varios tipos:
a) Composición simétrica
Tiene un eje central y hacia un lado y otro de este eje, la composición es igual: por ejemplo, una
mariposa o un rostro completamente de frente.
b) Composición asimétrica:
En ella, la figura principal está de un lado o de otro. Después se busca el equilibrio, usando color,
tamaño o textura.
c) Composición radial
En ella el foco de interés se encuentra en el centro y todo deriva de él o hacia él.
d) Dimensión y Perspectiva, elementos que también forman parte importante de la composición.

1.2.4 El color y su psicología


Color
El color puede ser entendido de dos formas, como color-luz y como color-materia.
El color-luz parte del descubrimiento de Isaac Newton y su disco cromático.
El color-materia es aquel cuya combinación en forma de pigmentos utilizan los artistas.
Dos de las propiedades principales del color son el brillo y el matiz.
Clasificación de los colores:
Colores primarios: Son el rojo, azul y amarillo, ya que no requieren de ninguna combinación.
Colores secundarios: Provienen de mezclas de los tres anteriores, de las que resultan tonos como el
verde, naranja y violeta.
Colores terciarios: Son los que combinan entre sí a los primarios y secundarios y dan como
resultado el azul-verde, el amarillo-naranja, el azul-violeta etcétera.
Psicología del color / Las Emociones y los Sentimientos de los Colores
Los colores provocan emociones diferentes. No es lo mismo utilizar el blanco y negro en la pintura,
que una gama cálida de colores, o colores fríos, etc.
La psicología del color es un arte en sí mismo.
Los colores en la pintura, como en otras facetas de la vida, expresan sentimientos. Transmiten mejor
lo que queremos expresar con el arte.
Son sentimientos que los colores provocan en las personas, tocan su yo interno y lo condicionan,
afectando a su conducta y toma de decisiones.
Teoría del color por Isaac Newton
1. Fisiología del color: en el fondo del ojo retina existen millones de células paplitas especializadas
en detectar distintas longitudes de onda procedentes de nuestro entorno, estas maravillosas celulas
principalmente los conos y los bastoncillos, llamados así Por su forma recoge las diferentes partes
de espectro de luz y las transforman en impulsos eléctricos Qué son enviados al cerebro a través de
los nervios ópticos. El cerebro es el encargado de crear la sensación del color realizando una
asignación de un color a cada longitud de onda visible.
Coloración: los bastones y conos son indispensables mutuamente Pues el ojo no es capaz de percibir
un color sí la iluminación no es abundante Pues con poca iluminación registra el entorno en blanco
y negro.
2. Definición del color: el color no existe y no es una característica de un objeto sino una
apreciación subjetiva su Isaac Newton 1641 1727 que tuvo las primeras evidencias de que el color
no existe encerrado en una pieza oscura de newton dejó pasar un pequeño haz de luz blanca a través
de un orificio, interceptó esa luz con un pequeño cristal, un prisma de base triangular y vio percibió
que al pasar por el cristal El rayo de luz se descomponen y aparecían los seis colores del espectro
reflejados en la pared dónde incidia El rayo de luz original, rojo, anaranjado, amarillo, verde, azul,
añil y violeta. El color es pues un hecho de la vision que resulta de las diferencias de percepciones
del ojo a distintas longitudes de onda que componen lo que se denomina el espectro de luz blanca
reflejada en una hoja de papel estas ondas visibles son aquellas cuya longitud de onda está
comprendida entre los 400 y los 700 nanómetros más allá de estos límites siguen existiendo
radiaciones pero ya no son percibidos por nuestra vista
3. Sintesis aditiva y sustractiva: un aspecto importante de la teoría del color saber la diferencia
entre el color luz el que proviene de una fuente luminosa coloreada y el color pigmento de color
materia óleo de impera lápices de color etcétera colores aditivos puntos son por ejemplo los de los
focos de un escenario que se usan para conseguir una iluminación de un color concreto también los
que usan las pantallas mirando con una lupa la pantalla de un ordenador o de una tele se pueden ver
puntos de color rojo verde y la suma de los tres es el blanco la ausencia de todos el negro en la
oscuridad colores sustractivos son los que usa por ejemplo un pintor de paredes para mezclar los
colores y son a los que nos referiremos en dibujo la suma de los tres es el negro la ausencia de todos
el blanco el papel también son las que se usan en una imprenta mirando con una lupa una revista en
color se pueden ver puntos de color cian magenta y amarillo también se ven puntos de color negro
las imprentas Usan el negro además de los tres colores primarios porque las letras son
habitualmente de color negro.

1.2.5 Técnicas y materiales


1.- PINTURA Y DIBUJO:
Los conforman tres elementos básicos:
a) Materiales colorantes:
+Dibujo: (Lápices de grafito, lápices de color, tinta, carboncillo, bolígrafos. Plumones, marcadores,
gises, estilógrafos).
+Pintura (de aceite: Óleo; de agua: acuarela, temple, gouache; tintas, anilinas y pinturas acrílicas).
b) Instrumentos:
Pinceles, espátula, lápices, manos, tubos (aplicación directa).
c) Soportes:
Lienzo (tela), papel, lámina galvanizada, madera, pared, etc.
2.- GRABADO: Puede ser en madera, linóleo, piedra y serigrafía.
3.- ESCULTURA: Puede ser en bronce, piedra, barro, madera, yeso, acero inoxidable, hierro,
cerámica, acrílicos, cristal, oro, plata, etc.
4.- ARQUITECTURA: Se utiliza materiales vigentes y técnicas constructivas de acuerdo con la
época y el medio.
5.- OTRAS TÉCNICAS: Collage, arte objeto, sculptopintura, land art, body art, arte de procesos,
instalación (obra que se instala en un sitio para causar la sensación de “entrar” a la obra de arte y de
alguna manera formar parte de ella) y otros
Los materiales son las herramientas con las que podemos dibujar, pintar o esculpir; estudiar los
materiales utilizados a lo largo de la historia del arte es importante tanto para el artista como el
espectador, pues entre muchas cosas, nos permiten conocer las técnicas y procedimientos artísticos
empleados, así como la cultura de la época.
Existen multitud de técnicas pictóricas, como pueden ser la pintura al óleo, la pintura con acrílicos,
la pintura pastel, el graffiti, las acuarelas, los rotuladores, la pintura al temple, el jaspeado, las
veladuras, la pintura de impasto, la técnica del frotado, la pintura con espátula, la técnica del
esgrafiado, la absorción... ETC.

1.2.6 Características del: Arte Islámico, Románico, Gótico, el


Renacimiento.
Arte Islámico:
El arte islámico parte de una constante: Rechaza la imagen explícita y se inclina más por las formas
vegetales y sugeridas, organizadas con geometrismo.
La reproducción de la imagen no está bien vista; de ahí que la escultura no haya sido cultivada y sí
por el contrario el trabajo en estuco, de gran saturación. La presencia de las imágenes implica el
riesgo a ser idolátrico.
Materiales: Yeso y escayola (para las filigranas de estuco), ladrillo, mampostería, madera y
mimbres para biombos y celosías. En esta cultura perviven del arte romano la columna y el pilar.
Predomina el estilo corintio pero el cuerpo de la columna tiende a ser más esbelto.
El Arco: también lo utilizan con abundancia, predominantemente en forma de herradura, como en
la mezquita de córdoba.
La Decoración: es geométrica, con pequeños detalles y mosaicos, caligráfica (textos escritos del
Corán).
Arte Románico:
El arte románico es el primer arte unificado del mundo cristiano occidental que se desarrolla en los
siglos XI y XII llegando en algunas áreas hasta el año 1250. En esos tiempos, el único monumento
es la casa de Dios.
Tiempos de invasiones bárbaras (normandos y húngaros).
Hubo una fuerte lucha entre el poder civil y el papado, donde se concentraba el poder con gran
incidencia de los señores feudales.
Consolidación de los feudos y su poder.
Se generan prácticas como la nicolaísta que consistía en el concubinato o matrimonio de los
clérigos.
Proliferan las peregrinaciones.
Se observa el “terror del año 1000”.
Los centros de peregrinación más importantes fueron Tierra Santa, Roma y Santiago de
Compostela.
Proliferan también las cruzadas, expediciones militares llevadas a cabo los cristianos para recuperar
los Santos Lugares de manos de los musulmanes.
Arte Gótico:
“EL HOMBRE HACIA DIOS Y DE DIOS AL HOMBRE” CONCEPTO Y CRONOLOGIA
El Gótico ocupa un periodo que se extiende desde mediados del siglo XII hasta ya casi el siglo XVI,
es decir, unos cuatrocientos años. Su delimitación estilística y cronológica presenta una gran
dificultad, ya que mientras en algunas áreas se trabaja en coordenadas del Gótico, en otras se trabaja
aún con las del Románico, o bien ya se construye en coordenadas del Renacimiento.
El Gótico se manifiesta en una sociedad urbana y ya burguesa cuyo entorno es una manifestación de
la recuperación económica.
Desde el punto de vista social se observan:
Fuerte crecimiento demográfico
Desarrollo de los gremios
La humanización del caballero cristiano.
Políticamente, las monarquías europeas se consolidan y fortalecen, amparadas por el ejército. De
este modo, reyes, príncipes y la rica nobleza se convierten en promotores de un arte cortesano
fantástico, evasivo y fastuoso. La mayoría de las obras son de carácter religioso y suntuoso.
Arte islámico:
el islam formó un imperio en menos de 100 años que alcanzaba desde España hasta la India, los
pueblos árabes eran un conjunto de tribus nómadas con escasas actividades artísticas, cuando se
pusieron en contacto con pueblos cultos recibieron una fuerte influencia qué adaptaron bajo una
perspectiva artística propia, de tales influencias surgieron varios escuela mediterránea occidental
mesopotamica y la India, la pintura musulmana carece de importancia a causa de la prohibición
religiosa de representar figuras humanas o de animales, con la excepción en al que fue amplio
mundo islámico entre ellos una pintura de Marfil de la famosa narradora de Las mil y una noche
una escena de la lucha entre Árabes el siglo 12 la versión hace la reproducciones humanas por lo
tanto eran blasfemia estas pinturas de humanos y personas. Por lo que Santuario y manuscritos no
se representa,.
Los efectos artísticos son sorprendente,

Qué es el arte gótico?


El arte gótico es la consecuencia de la evolución cultural que tiene lugar en Europa a finales del
siglo 12 y principalmente Francia desde dónde se extiende a otros países, el gótico será uno de los
estilos más populares y además se prolonga mucho en el tiempo ya que en algunos casos tenemos
ejemplos góticos hasta la primera mitad del siglo 16 en España, por ejemplo Las dos últimas
catedrales goticas inician su construccion hacia el año 1520, en su primera fase el estilo gótico
convive con el románico pero va produciéndose una evolución que va a diferenciar un estilo de otro
el arco apuntado es el más usado durante esta época cubriendo el interior de sus edificios con
bóvedas de crucería qué consisten en cruzar dos arcos apuntados estos crean cuatro nervios que se
encuentran en una clave central los muros se adelgazan y existe una gran diferencia de altura entre
la nave central y las naves laterales de manera que es posible abrir amplias ventanas en estas son
estas ventajas que aportan luz al interior del templo están cubiertas con vidrieras que protegen del
viento y la lluvia que aportan luces de colores al interior de la iglesia que tratan de simbolizar una
visión del paraíso según leemos en la epístola de San Juan Dios es luz y con él no hay oscuridad
alguna todo lo luminoso participa de alguna manera de la esencia Adivina la tendencia ascensional
se nota en los arcos también en los pináculos o en las torres que rematan las portadas y que hacen
que estás tengan una característica forma de letra h la existencia Terrenal tiende hacia arriba las
fachadas en en además incluir rosetones que simbolizan la rueda de la existencia al tiempo que
iluminan aportando una importante gama cromática al interior del edificio los muros están
reforzados con contrafuertes a lo largo de toda la iglesia decíamos que hay una gran diferencia de
altura entre las naves Esto hace que ese enlace la descarga del peso de la nave central a los
contrafuertes laterales con los arbotantes la distribución del peso se hace de forma triangular desde
las zonas más altas A las más bajas cortar los contrafuertes te coloca encima de ellos pináculos que
harán el contrafuerte se mantenga resto y no se doble hacia un lado por la presión triangular del
empuje de la nave y las bóvedas en la parte central en el cultura frente al hieratismo románico al
gótico está más preocupado por la belleza durante el románico la figura central era Jesucristo
durante el gótico se concede una mayor importancia a la Virgen María y a los temas relativos a los
santos y la vida de los santos las obras obtienen un naturalismo idealizado en el que la escultura se
libera del marco se introducen la sonrisa en algunas esculturas qué aporta ese naturalismo al
comportamiento de los personajes representados el enemigo es la figura del demonio y los
monstruos que le acompañan pueden aparecer en la parte superior del edificio en forma por ejemplo
de encargo las que tendrán además la función de arrojar el agua de lluvia al exterior del edificio en
pintura y también en escultura hay un progreso narrativo importante que pone mucha atención en
las pequeñas anécdotas los pintores renuevan la iconografía con la incorporación de diferentes
Fuentes Como por ejemplo los evangelios apócrifos y las leyendas de los santos algunas de estas
leyendas con compiladas por el domínico Santiago de la vorágine obispo de Génova A mediados
del siglo 13 en su libro famoso titulado la leyenda dorada recoge la vida y anécdotas de 180 Santos
y mártires cristianos mucha hace las escenas medievales están basadas en las descripciones de este
libro bastante fantástico en otra parte se humanizan por tanto las figuras que van dirigidas a un
público que no tiene o no requiere grandes complicaciones intelectuales un público al que se le debe
hablar con gran sencillez la catedral es el edificio más representativo de la vida y el espíritu de la
sociedad toda la ciudad ha participado en la construcción de una u otra manera Por ejemplo algunos
dando limosnas otros pagando por los servicios ofrecidos por la iglesia otros comprando suelo para
una sepultura. El obispo también tiene un papel importante como promotor la catedral mueve la
economía primero por ejemplo con la construcción del edificio donde hay que contratar a mucha
gente y después con el mercado que se genera en la plaza que existe en torno a este edificio la
presencia de diferentes reliquias en la catedral será fundamental para la atracción de incipiente
turismo, el arquitecto comienza a ser una persona conocida y su nombre aparece en los diferentes
documentos que se conservan las clases sociales más altas tendrán lugares privilegiados dentro del
edificio pero durante la misa dominical en un objetivo común.
1.2.7 Renacimiento, Manierismo, Barroco y Rococó
Renacimiento:
Querían imitar a la naturaleza, con tres recursos: Profundidad, Expresividad y Movimiento.
Dominaron el espacio, con un nuevo sistema de proporción, que concibió por primera vez
el término canon y la perspectiva, dominando el punto de fuga. Nacieron los centros de
producción o talleres: Siglo XV en Florencia y en el XVI en Roma y Venecia. Temática:
Religiosa (pero más humanizada), El retrato y la Mitología (allí estaba la vuelta a la
antigüedad de Grecia y Roma). Técnicas: Fresco, temple y óleo; esta última la más común
de las tres.
Manierismo:
Crisis del optimismo renacentista.- Muerte de los genios (sólo quedaba el viejo Miguel
Ángel, quien moriría poco después).- Decaía el ideal clásico del renacimiento.-Se vivía un
tiempo de angustia y tensión, falta de confianza en el mundo.- Al manierismo se le ha
llamado un “amaneramiento” estilístico, imitación, etc.: “maniera” como “manera” y por lo
tanto, un período decadente. Sin embargo mejor es que sea considerado un estilo de tensión
entre lo natural y lo artificial. El manierismo, en conclusión, toma temas clásicos
renacentistas, los manipula y transforma, dejando la forma y prefiriendo el color,
conservando sin embargo algunas pautas del renacimiento, como la prioridad de la figura
humana
Barroco:
Crisis del Renacimiento, algo de retorno a la espiritualidad.- Estilo teatral y persuasivo.-
Tiempos de éxito de la inquisición, auge de los Jesuitas (1537).- La contrarreforma y el
concilio de Trento hacen a la iglesia católica tener más fuerza y promover más construcción
de iglesias. A su vez, hay reyes como Luis XIV convertidos en “majestades” que
promueven el arte civil, el mejor ejemplo es el Palacio de Versalles. El término “Barroco”
ha sido considerado “irregularidad” “exceso”, “decadencia” o “contrarreforma”.- El
Barroco es un tiempo teatral, en el cual la pintura busca más el color que la línea para
acentuar las sensaciones y en la arquitectura y escultura es espectacular y rebuscada.