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EJEMPLOS DE AUDICION ROMANTICISMO

LUDWIG VAN BEETHOVEN. Sinfonía no.7, II movimiento, allegretto.


Si bien en esta sinfonía como en la 1, 2, 4, y 8 se presenta la faceta clásica del compositor este movimiento lento marca
con claridad un momento importante en el estilo romántico de Beethoven. La tristeza está presente todo el tiempo, sin
embargo siempre se percibe una atmósfera de lucha interna. Es una de esas composiciones en las que Beethoven deja
translucir lo que siente en lo más profundo de su ser, y que como siempre es reflejo de una incesante lucha entre su
materialidad, sufrimiento y su afán por no dejarse abatir.

BEETHOVEN. Sonata “Claro de luna” en inglés Moonlight sonata.(I y III movimientos)


Al igual que la obra anterior refleja la expresión como suprema característica de la música. Beethoven como pianista supo
impulsar una nueva técnica al piano una sonoridad alejada del clavecín. Y, aunque el diseño de esta composición recuerda
a los preludios barrocos, la melodía salida de los propios arpegios indica que es el estilo romántico que el que en cada nota
expresa o transmite sentimientos del creador de la obra.
Si en el primero se asemeja a la luna en la noche, reflejando su luz en un estanque, como poéticamente ilustraron en la
época, el tercer movimiento es la furia interna, la agitación, la pasión y la emotividad latente en la creatividad de
Beethoven, para el que la sombra no es un hecho eterno sino transitorio.
Sonata “Appasionata”. (I y III movimientos)Como la anterior son sonatas para piano que recibieron nombre por parte de
los editores u otros pianistas, asociando dichos nombres a los caracteres, ideas o comentarios del propio compositor frente
a su obra. De esta manera esta sonata ha recibido un reconocimiento por su intenso dramatismo, que va de lo más
sombrío a la agitación más fuerte. Se dice que incluso el famoso “tema del destino” de la sinfonía V está presente en el
primer movimiento. Igualmente son claras las entonaciones de marchas e himnos, característica propia de Beethoven.

L. V. BEETHOVEN. OBERTURA EGMONT Hecho común en el Romanticismo, los compositores creaban música para
reforzar el drama de obras teatrales, es la denominada Música Incidental. La introducción instrumental es denominada
obertura, al igual que en la ópera. Beethoven siempre se sintió afín a los temas sobre la libertad. Esta obra es basada en
una obra de Johann von Goethe. Egmont es un noble holandés que se revela contra Carlos V rey español que dominó los
Países Bajos (Holanda). La introducción lenta presenta esquemáticamente estas dos fuerzas, los ritmos fuertes y
cortantes, recuerdan a la danza española (zarabanda), y los sonidos melancólicos de los vientos, el sufrimiento del pueblo
holandés. La parte rápida, (forma sonata) desarrolla los dos temas, y aparece uno, desde lo más grave a lo más alto, es el
Tema de Egmont. El tema del lamento se convierte en el tema de Klara, la esposa de Egmont, que representa a la
Libertad. Después de la explosión del conflicto entre los dos temas, el tema español se debilita. Sin embargo la
culminación es la decapitación de Egmont. Después de un pequeño coral, como una oración fúnebre, la orquesta con toda
su potencia transforma del tema de Egmont en la fiesta de la Libertad. La muerte de Egmont no fue inútil.

BEETHOVEN. OBERTURA CORIOLANO. Otra obertura para una pieza teatral. Se basa en una adaptación del dramaturgo
vienés Heindrich von Collins. A diferencia de Egmont, Coriolano es la historia de un “antihéroe”. Toma el mando de los
volscos contra los romanos, sin embargo las súplicas de su madre y esposa, evitan la guerra. Abandonado en el
remordimiento por sentir que ha traicionado a su pueblo, y sobre todo al sentirse utilizado, mientras fue útil a una causa
finalmente se consume en el dolor y se suicida.
Es la imagen de la lucha inútil e incomprendida, que quizá el propio Beethoven sentía identificar. Se inicia con sonidos
fuertes que se interrumpen por el silencio, aumentando la tensión. Muestra la angustia, los “crescendi” y “decrescendi”,
muestran la tensión, la agitación. El otro tema en los violines presenta la súplica de la madre y la esposa. La lucha interna
es enorme. Finalmente, la música describe la resignación y la reflexión de Coriolano de que la única salida es su propia
muerte. La culminación no es ascendente como en Egmont, sino descendente, se pierde en los “Pianíssimo” en el que las
últimas notas imitan al corazón que deja de latir.

FRANZ SCHUBERT. LIED.. „Gretchen am Spinnrade“, / Margarita en la rueca. La canción popular alemana toma en el
Romanticismo gran importancia, por la facilidad de unirse al texto de los poetas de la época (Goethe, Schiller etc.) El
representante más importante de este género es Schubert. Como es característico, la canción de amor está llena de
emoción y sellada por la tragedia. El texto es evidente: Oprimido está mi corazón, huyo de mí, del sosiego; nunca, nunca lo
recobraré......Allí donde no lo tengo, es para mí la tumba, el mundo entero está para mí, lleno de amargura..........Y besarle
como yo quisiera aunque tuviera que morir en sus besos. La rueca es una metáfora, es una rueda que gira como la vida,
que se desenvuelve constantemente entre el dolor y la tristeza. La protagonista canta mientas teje su existencia.
Homofonía: voz y piano, tono menor, texto en alemán, voz: soprano.
MENDELSSOHN. Concierto para violín en mi menor.
Es uno de los compositores que mantienen una línea dramática y lírica del Romanticismo al igual que Schubert y Chopin.
Talentoso pianista desde niño, dedicó su vida artística a su propia producción pero sobre todo a promocionar la música de
Bach y la de los jóvenes de su época.
En este concierto se plasma la ruptura de formas propia del estilo, ya que no es la orquesta la que presenta los temas y
luego el solista, sino que tras una pequeña introducción es el violín solo que irrumpe dentro del espíritu poético de la
música. Junto a la expresividad conferida al violín solista es innegable el carácter virtuoso de la interpretación. Además es
un claro ejemplo de la agógica romántica, más libre que la barroca y clásica.

NICCOLO PAGANINI. Capricho No24 para violín solo


Uno de los músicos más influyentes del romanticismo fue el violinista italiano Nicolo Paganini
Con una vida casi legendaria, Paganini se convierte en el símbolo del virtuosismo, de la carrera de concertista, del artista
del Romanticismo: innumerables amores, muchos de ellos imposibles, vida agitada y muerte prematura. Se decía que el
dominio sobre el violín lo había alcanzado por pactos con el diablo. Sin embargo, es un hecho que además de sus
prodigiosas condiciones musicales, la forma de sus manos, practicaba entre 8 y 12 horas diarias.
Destacó por ser un gran improvisador, logrando efectos increíbles con el arco, pizzicatos en la mano izquierda. En sus 24
caprichos (improvisaciones forma de tema con variaciones), estableció principios de la moderna técnica de violín.

HECTOR BERLIOZ
Sinfonía Fantástica, episodios de la vida de un artista. Con esta composición Berlioz daba un paso fundamental en la
denominada “Música Programática” en la que una fuente literaria sirve de motivación y base de una obra musical.
Igualmente esto impulsó la aparición del género denominado Poema Sinfónico cuyo creador fue Liszt.
Además, en esta composición Berlioz impulsa igualmente el monotematismo, una idea que rige e impulsa a toda la obra, y
los demás temas se supeditan al principal. (Como ejemplo de audición se ha escogido los movimientos 2,4, 5).
Esta sinfonía, romántica indudablemente, narra la historia de un joven artista que como resultado de su obsesivo
enamoramiento se ve envuelto en un intento de suicidio, un estado alucinante y delirante que le muestra un mundo de
fantasía y pesadilla.

Cada uno de los 5 movimientos constituye una parte de la historia global.

1. Sueños y pasiones
2. Un Baile
3. Escena en el campo
4. La marcha del cadalso
5. Sueño de una noche de aquelarre

1.- El artista comprende que el amor es una fuerza poderosa que lo arrastra, y que lo que siente por la “heroína”, cuyo
tema sirve de nexo en toda la obra.
2.- Con la esperanza de encontrarla y expresar sus sentimientos, con la idea de ser aceptado el protagonista asiste a un
baile, donde la contempla, pero comprende apesadumbrado que su amor es imposible.
3.- Sumido en la tristeza se refugia en la naturaleza, esperando que en el campo su atormentado espíritu encuentre calma.
Al contrario, siente que su soledad es más intensa, dolorosa, y decide terminar con su sufrimiento envenenándose.
4.- La dosis que ingiere no es suficiente para matarlo, pero lo sume en un estado de febril alucinación. En ese trance,
sueña que terminado con la vida de la amada. En este movimiento, el protagonista camina hacia la guillotina. Sin embargo
su actitud frente a la muerte es desafiante, hasta de júbilo grotescamente heroico. En ciertos pasajes se presenta la muerte
riendo del “héroe” o bien imágenes esqueléticas que cabalgan a su alrededor, finalmente en el punto culminante, acude a
su mente el tema de la amada, siendo interrumpido súbitamente por la guillotina, la sección se cierra como si el fin del
protagonista hubiera sido algo grandioso.
5:- El protagonista despierta en otro mundo. En el cementerio las sombras de la noche van tomando diversas formas,
duendes, fuegos fatuos, brujas y monstruos. De forma burlesca la imagen de la amada aparece como una bruja,
contribuyendo a la imagen macabra y a la vez cómica de este aquelarre.
Los efectos orquestales son novedosos: cuerdas con sordina, violines que se tocan con la madera de los arcos, y nuevos
instrumentos como las campanas tubulares. Este instrumento de percusión sirve para señalar la medianoche, y la salida de
los espíritus. En esta sección Berlioz toma el tema medieval “DIES IRAE” (Ver ejemplos edad media) para recordar el juicio
final, mientras se van mezclando el tema da la amada transformado, y el desenfrenado ritmo que representa a la danza de
las brujas que cierra estrepitosamente la obra.
FREDERICK CHOPIN
Chopin y Liszt destronan al violín como instrumento virtuoso. Chopin crea además piezas miniatura (por su corta duración)
en las que a pesar de que las obras no poseen un programa, o asociación literaria, muestran aspectos de sus sentimientos
y emociones. Ejemplo de este dominio de las pequeñas formas son sus preludios y estudios para piano. Así como en el
vals, que aunque no es bailable conserva el brillante espíritu que esta danza llegó a tener en la música popular europea.
Es considerado como pionero del Nacionalismo musical, debido a su proyección en el folklore polaco.
PRELUDIOS: los preludios eran piezas improvisativas que antecedían a una fuga en el Barroco. En el Romanticismo son
piezas individuales, improvisadas. Posteriormente estas composiciones quedaron escritas plasmando ideas y emociones
muy diferentes, (preludio 1) emoción, movimiento, quizá alegría frente a la melancolía y sentido sombrío del 4.
Ambas se manifiestan dentro de la idea de “melodía que surge de la armonía”, es decir, oculta, o disuelta en la armonía
entre acordes y arpegios., diferente a la homofonía en general, formada por dos planos claros, melodía y armonía.
En el preludio 4 mientras la mano izquierda toca acordes, la mano derecha extrae de ellos una melodía, muy sencilla, pero
que describe un estado de ánimo entre la melancolía y la resignación.
En el número 20.acordes fuertes, como la aparición de Caronte en el Hades contrastan con melodías cortas, como una
súplica, como si hablara Orfeo intentando conmover al Hades. El contraste de dinámica. marca aún más el ámbito
emocional de la música.
POLONESA HEROICA
La polonesa una danza nacional polaca que con el talento de Chopin se convierte en una composición que sobrepasa su
propósito original. Es una obra pianística virtuosa que sirve como medio expresivo del sentido de identidad y pertenencia,
en una época en la que Polonia es un país invadido por el Imperio Ruso y Austriaco. Esta polonesa recibe el nombre de
Heroica como reflejo de esta idea que se centra en el sentido nacional. Hasta la actualidad esta composición posee una
profunda connotación emocional en Polonia.

FRANZ LISZT
MAZZEPPA POEMA SINFÓNICO
Mazeppa fue escrito de 1849, basado en un poema de Víctor Hugo. Describe al jefe de los cosacos, obligado por sus
enemigos a cabalgar atado al lomo de su caballo hasta la muerte durante tres días por Ucrania. Finalmente después de su
tormentoso viaje, venciendo al dolor, al frío y a la muerte, Mazzepa es rescatado, y de su dolor y humillación se levanta su
espíritu de venganza y de lucha contra los opresores
Se inicia con un ambiente agitado que da paso al tema principal de Mazeppa en trombones, violoncellos y contrabajos. En
el desarrollo de la obra podemos oír la cabalgata a través de las estepas y los pensamientos que tal situación despiertan
en el personaje, las voces del desierto y el acecho de la muerte.
Posteriormente Liszt realizó una impresionante y virtuosa transcripción para piano, siendo una obra de enorme dificultad.

ROBERT SCHUMANN
Genial pianista, por una grave lesión provocada por mejorar la técnica pianística deja su brillante carrera, continuada por su
esposa Clara Wieck. Fue además uno de los más significativos difusores de la música de Bach. En muchas de sus obras
se refleja su terrible lucha por crear, dar al mundo lo mejor de su talento y su caída irremediable en la esquizofrenia que
opacó sus últimos días. Una de esas obras es Manfred, inspirada en el poema de otro grandioso y atormentado genio, Lord
Byron.
OBERTURA MANFRED
Schumann se identificaba con el Manfred de lord Byron, un héroe melancólico lleno de turbulencias interiores. El poema de
Byron representa a Manfred en la cima de un peñasco en los Alpes. Experimenta una culpa intensa por haber destruido a
una mujer cuyos errores en verdad habían sido los de él. Le distrae "un bello sonido, una voz vivida, una armonía
palpitante". Manfred contempla la posibilidad de escapar a través del suicidio. Se da cuenta de que si decide no saltar
quizá se vea sumido en la locura. Pero él evita ambas formas de autodestrucción
Los paralelismos entre el héroe de Byron y Schumann son extraordinarios y no es sorprendente que el compositor se
sintiera atraído por Manfred. Como explica el musicólogo Frank Cooper:
Schumann "conocía demasiado bien los dilemas de Manfred. No buscaba la locura que buscaba Manfred, pero esta buscó,
halló y poseyó a Schumann. Su tragedia fue enloquecer mientras trataba desesperadamente de aferrarse a la cordura y al
arte que sólo la cordura puede producir. Quizá por eso Manfred es una creación tan curiosa".
Aunque Schumann compuso 15 escenas, se conoce principalmente por la obertura. El dilema del héroe está simbolizado
por esta apertura tan extraña: tres acordes parejamente espaciados que aparecen en la partitura como síncopas pero que
no pueden ser escuchados como tales, ya que nadie en la orquesta toca realmente sobre los tiempos fuertes. El dilema del
músico es cómo hacer que esos acordes suenen fuera de compás cuando el compás mismo es inaudible. Los tres acordes
permanecen aislados de la posterior introducción, elaborada y lenta. Tampoco regresan de ningún modo manifiesto
durante toda la obertura anhelante, perturbada y romántica. Por lo tanto la música no ofrece ninguna solución, del mismo
modo en el que el Manfred de Byron no resuelve sus problemas, la muerte no es el cierre de algo, sino algo que deja
abierto a la duda..
JOHANNES BRAHMS
SINFONIAS 3 Y 4. fragmentos
La línea heroica y dramática de Beethoven es desarrollada por Brahms, quien tomó de Schumann nuevos conceptos
orquestales y pianísticos. En los ejemplos es notable el sinfonismo grandioso y emocional de Brahms que sin embargo se
mantiene dentro de un espíritu tradicional contrapuesto al vanguardismo de Richard Wagner.

COMPOSITORAS DEL ROMANTICISMO


En los ejemplos se presenta a tres compositoras que en su vida, dedicación y esfuerzo como madres y artistas supieron
crear las bases para las mujeres artistas de la actualidad:
Clara Wieck, esposa y promotora de la obra de su esposo Robert Schumann, así como de Bach, Chopín, Liszt y
Beethoven.
Fanny Mendelssohn hermana de Félix, supo combinar su talento como pianista con su capacidad docente y apoyar a su
hermano como promotora de jóvenes talentos.
Teresa Carreño pianista venezolana, su formación y carrera europea dieron al mundo una muestra del gran talento de los
músicos latinoamericanos en una época en la que la educación académica era elitista, y menos accesible para las mujeres.
Su talento fue reconocido por compositores de la época, en especial Johannes Brahms, Johann Strauss.
No sólo fue pianista sino también cantante y compositora.

PETER TCHAIKOVSKY
El Romanticismo impulsó progresivamente la aparición de compositores en diversos países fuera de Alemania, Italia,
Francia o Inglaterra. Entre otros la imagen de Tchaikovsky es fundamental en este contexto, ya que es un compositor del
romanticismo que aunque no entra en el campo del nacionalismo musical, como muchos de sus coterráneos lo harían
mantiene vínculos como a música rusa así como la de Europa Occidental compositores como Schumann, Chopin y
Brahms.
ROMANZA EN FA MENOR. En esta composición es notorio lo anterior, una melodía de carácter ruso es desarrollada en
varias secciones que cambian de cantables a enérgicas, todo dentro del virtuosismo pianístico en el que Tchaikovsky
también fue destacado.

RICHARD WAGNER: Marcha Fúnebre de Sigried


Considerado como el compositor que establece la cúspide del Romanticismo, y genera un nacionalismo musical inspirado
en la literatura más que en el folklore. Es el creador de la ópera alemana, basada en las leyendas y sagas germánicas. El
lenguaje musical usado en el drama wagneriano constituye la base del sinfonismo que sería fundamental en el siglo XX en
la música cinematográfica.
El siguiente tema es extraído de una de las cuatro gigantescas óperas que conforman “El Anillo de los Nibelungos”.
De este ciclo de cuatro óperas, el fragmento siguiente pertenece “El Crepúsculo de los Dioses”, la Marcha Fúnebre de
Siegfred.
Desde los obscuros bosques hasta el techo del mundo, la leyenda narra sobre un niño desaparecido. Desde muy niño no
conocía el miedo. Forjó una espada con sus propias manos. Interpuso una dura lucha contra las fuerzas del mal. Debía
custodiar el anillo del poder, del que era depositario. Derrotó a los poderosos. Conquistó el amor de la Walkiria.
Supuestamente Sigfried era inmortal, se había bañado con la sangre del dragón al que había derrotado, sin embargo una
pequeña hoja en su espalda dejó vulnerable un sector de su cuerpo. Esto fue observado por alguien que finalmente lo
traiciona y aprovecha esta debilidad para asesinar a Siegfried) con su caída, causó el ocaso de los dioses. Así termina la
omnipotencia humana…
En el escenario tenemos el cadáver de Siegfried, el de Gunther y a Brünnhile en pie proclamándose como la única y
verdadera esposa del héroe; ordena alzar una pira funeraria en la orilla del Rhin para consumir, por el fuego, los restos del
bravo guerrero. Comenta la traición de Siegfried, el hombre más puro y leal, pero comprende que esta era necesaria para
que todo volviera a su orden. Indica que el cadáver de Siegfried sea conducido a la pira funeraria y le arranca el anillo para
ponérselo en su dedo, advirtiendo a las ondinas que lo tomen de sus cenizas purificadas por el fuego, anuncia el fin de los
dioses con el incendio del Walhalla; arroja una antorcha encendida a la pira y cuando el fuego empieza a extenderse, se
lanza a las llamas para morir junto a su esposo. El fuego alcanza su máxima intensidad y se extingue después en medio de
una densa humareda.
El Rhin se desborda y las aguas avanzan sobre las cenizas de la hoguera. Hagen, al observar que las ondinas intentan
recuperar el anillo, se precipita al río con el fin de ganarle la partida, pero ellas le detienen y logran ahogarlo y recuperar el
anillo de las cenizas. El Rhin vuelve a su cauce y el resplandor se extiende por el cielo, que permite ver, entre las nubes, la
sala del Walhalla con los dioses y los héroes reunidos. Las llamas empiezan a invadir la mansión celeste y las divinidades
son envueltas por un torbellino de fuego.
Siempre me ha resultado tan majestuoso y tan dramático este final del Ocaso; con ese ultimo resurgir del tema de Siegfried
interrumpiéndose al chocar con el “ocaso de los dioses”, el suspiro, eco maravilloso, que se eleva en los violines, la suave
armonía de las arpas a modo de consuelo nos hace más llevadera esa terrorífica imagen de las ruinas del mundo celeste.
WAGNER
TANHÄUSER: Obertura
Coro de los peregrinos
Tanhäuser un caballero y artista medieval que como noble y trovador que participó en las Cruzadas fue motivo de leyendas
en torno a su personalidad.
Wagner como compositor romántico es atraído por las leyendas medievales y crea esta obra que causó gran impacto
desde su estreno en las más diversas esferas intelectuales, tanto por su logro musical, misticismo y simbolismo.

Según plantea la leyenda el trovador fue seducido por la obscuridad, aparentemente disfrazada de la luz, la belleza, y el
amor verdadero La diosa Venus lo llevó a su reino y Tanhäuser se alejó de la fe, del amor de su esposa y de la vida
espiritual para dejarse llevar de las pasiones mundandas.
Ante las plegarias de su esposa y su mentor decide peregrinar a Roma comprendiendo que su alma ha sido arrebatada por
el mundo de las ilusiones (Venus). El papa lo condena diciendo que su abominación es tan grande que sería más fácil que
el báculo papal floreciera y le brotaran ramas antes que fuera redimido. En su viaje de retorno, con una fe inquebrantable,
pasando penurias y con profundo arrepentimiento y deseo de recuperar la paz interna ocurre el milagro. Los peregrinos
cantan a lo lejos el júbilo de Tanhäuser de haber sido perdonado y redimido.

En la obertura de la ópera se entrelazan varios temas, el de la Diosa Venus (agitado y apasionado), el de Tanhäuser (muy
marcial) y el de los peregrinos, un himno solemne y majestuoso. Wagner hace que la obertura sea un resumen de la ópera,
y a la vez el lugar donde surgen los temas.

El coro de los peregrinos tiene como texto:

Bendito sea, ya puedo mirar a ti, oh, mi tierra natal,


y saludar sus plácidas praderas;
Ahora dejo mi peregrinaje a un lado para descansar,
porque, fiel a Dios, he completado mi peregrinación!
A través de la penitencia y el arrepentimiento que han propiciado
el Señor a quien sirve a mi corazón,
Que corona con la bendición de mi arrepentimiento,
el Señor a quien mi canción va para arriba!
La salvación del perdón se concede al penitente,
en los días venideros se caminará en la paz de los bienaventurados!
El infierno y la muerte no le horrorizar,
Por lo tanto, doy gracias a Dios mi larga vida.
¡Aleluya! Aleluya en la eternidad!

GIUSEPPE VERDI
NABUCODONOSOR: CORO DE ESCLAVOS HEBREOS
Si Wagner en las leyendas germánicas, con su música densa y masiva busca impulsar el nacionalismo en la ópera, el
lenguaje de Verdi, transparente y lleno de voces brillantes busca la idea de nacionalismo y patriotismo en óperas heroicas
de otras épocas y pueblos. Por ejemplo Aída en el Egipto faraónico, o en el presente caso.
Nabucodonosor rey de Babilonia ha llevado a todo el pueblo judío al exilio, allí arrancados de su tierra, los esclavos claman
por su libertad, y el recuerdo de la Patria. Este canto, al igual que un himno representaba para la Italia de entonces un canto
de esperanza y de libertad frente a la invasión austriaca. Verdi llegó con su música a convertirse en símbolo de la
reunificación italiana. No en vano en las calles de Italia se veía Viva V.E.R.D.I (Victor Emanuel Re Di Italia).

Traducción
¡Vuela pensamiento, con alas doradas, Revive en nuestros pechos el recuerdo,
pósate en las praderas y en las cimas ¡Que hable del tiempo que fue!
donde exhala su suave fragancia Al igual que el destino de Sólima
el dulce aire de la tierra natal! Canta un aire de crudo lamento
¡Saluda las orillas del Jordán que te inspire el Señor un aliento,
y las destruidas torres de Sión! que al padecer infunda virtud,
¡Oh, mi patria, tan bella y perdida! que al padecer infunda virtud,
¡Oh recuerdo tan caro y fatal! que al padecer infunda virtud,
Arpa de oro de fatídicos augurios, al padecer, la virtud
¿por qué cuelgas muda del sauce?