Está en la página 1de 18

 

Barroco

En la historia del arte y de la música de Europa se denomina al periodo


comprendido entre 1600 y 1750. Este movimiento surge en Italia, para
extenderse posteriormente por toda Europa y desaparecer en España e
Inglaterra. Se caracteriza por la aparición del bajo continuo, el énfasis en
los contrastes y la búsqueda de lo extravagante, que encierra un gusto por
la ornamentación y el virtuosismo.

La música barroca refleja la concepción, a diferencia de la habida durante el


Renacimiento, de que el ser humano no es un vivo retrato de Dios ni es el
ideal de belleza y medida, sino que es sensible a sus pasiones y fantasías.
Esta nueva conciencia determina la relación del hombre con la naturaleza
no sujeta a la tradición y la fe sino al empirismo y la crítica, e inspirada en
la convicción de un todo armónico.

La música barroca introduce innovaciones con respecto a las épocas


precedentes como son la armonía mayor y menor, el bajo continuo, la
individualización de la voz solista, la monodia con la aparición del aria y el
madrigal, y en el aspecto técnico la introducción del moderno sistema de
compases con la creación de los compases binarios, ternarios, cuaternarios
y binarios de seis partes. No obstante, pueden encontrase formas de
ejecución libres, sin una métrica regular, y propias de estilos como el
recitativo o el solista instrumental e improvisatorio.

Nacen en este periodo también la Opera, el Oratorio y la Cantata. Se


desarrolla con fuerza la música instrumental con las formas de concierto,
sonata y toda la música de teclado, en concreto de órgano. Todas estas
nuevas formas se agrupan en tres grandes categorías: la música de iglesia,
de cámara y de teatro cada una con sus respectivas peculiaridades. Otra
forma característica es la denominada forma a tres compuesta de de dos
partes melódicas (vocales o instrumentales) y una tercera, bajo continuo,
que en general se ejecuta con dos instrumentos uno polifónico y otro de
arco.

Durante la primera mitad del siglo XVII la música instrumental fue


adquiriendo gradualmente tanta importancia como la vocal, tanto en calidad
como en contenido, aunque las formas musicales y sus denominaciones, al
no estar perfectamente ajustadas, resultan inconsistentes. Sin embargo si
pueden identificarse ciertas maneras básicas de ejecución como por ejemplo
el estilo fugado, la canzona, danzas, etc.

La guitarra
Hasta mediados del siglo XVII el laúd es el instrumento más apreciado en
Europa para la música doméstica, antes de ser reemplazado por el clave. Se
utiliza para acompañamiento de canciones y para realizar el bajo continuo
en música de cámara y orquestal. Los géneros y formas de la música para
laúd en general responden a las formas libres de la música para clave
(danzas, preludios, tocatas) pero también ofrecen fórmulas
contrapuntísticas como la fuga, fantasía, transcripciones de obras vocales,
etc. En España el laúd fue eclipsado por la vihuela de mano. La vihuela tuvo
su importancia  (finales del XVI y mediados del XVII) hasta que cedió su
protagonismo a costa de la instauración definitiva de la guitarra española.

La guitarra que se conocía hasta entonces era la guitarra antigua de cuatro


cuerdas y se la consideraba como un instrumento de poca categoría e
incluso imperfecto. Gracias a la adición de la quinta cuerda o prima
(invención atribuida a Vicente Espinel) empezó a ser considerada como un
instrumento cuyas posibilidades podrían semejarse a las del clave, arpa,
etc.

El siglo XVII asistió a la publicación de varios tratados sobre la guitarra


como los de Amat, Sanz, Briceño y Doizi de Velasco, que además de
desarrollar exhaustivamente la técnica de ejecución incorporaron un gran
número de nuevas piezas al repertorio.

Al comienzo del siglo XVIII la guitarra ya tenía cinco pares de cuerdas u


órdenes. Su afinación era básicamente como la actual y su tamaño era
ligeramente más pequeño. Se considera que la guitarra era un instrumento
que gustaba a todas las clases sociales de la época.

De 1705 se data un tratado anónimo titulado "Libro de diferentes cifras de


guitarra escogidas de los mejores autores" en el que aparecen numerosas
obras anónimas correspondientes a la segunda mitad del siglo XVII.
Presumiblemente en estos primeros años del siglo se debió publicar el
tratado de Antonio de Santa Cruz "Libro donde se verán pasacalles de los
ocho tonos y de los transportados:..." que consta de 26 obras (marionas,
villano, gallardas, pavanas, españoletas y torneo 1 de cada) 2 jácaras,
canarios y maripalos 4 fantasías y 12 pasacalles.

El compositor de esta primera mitad del XVIII más famoso fue sin duda
Santiago de Murcia. Su estilo guarda muy poca relación con las obras de
Francisco Guerau y Gaspar Sanz, más influidos por el folklore español, y se
asemeja más al de Corbetta y de Visée, debido al gusto por el estilo francés
que imperaba en aquella época en Europa y España.

Fuera de España los autores de guitarra más renombrados fueron Robert de


Visée  guitarrista de la Corte francesa y Francesco Corbetta maestro de
guitarra de Luis XIV .

Del período barroco han prevalecido además muchas piezas del repertorio
de laúd transcritas a guitarra, en particular las suites de Bach que, aunque
presumiblemente no fueron escritas para este instrumento, tienen una
complejidad y riqueza tanto melódica como armónica insuperables.
Compositores del Barroco - Conciertos de guitarra foros guitarristas partituras acordes cuerdas discos compositores Luthiers. Spanish Guitar concerts, flamenco,
classical guitarists, luthiers.

Guitarristas, laudistas y compositores de interés

Guitarra

* Francesco Corbetta

* Gioan Battista Granata

* Francisco Guerau

* Gaspar Sanz

* Robert de Visee

* Juan Carlos Amat

* Girolamo Montesardo

* Luis de Briceño

* Nicolao Doizi de Velasco

* Lucas Ruiz de Ribayaz

* Santiago de Murcia

Laúd

* Johann Sebastian Bach

* Ernst Gottlieb Baron


* Adam Falckenhagen

* Alfonso Ferrabosco

* Denis Gaultier

* Johann H. Kapsberger

* John Jenkins

* David Kellner

* Nicholas Vallet

* Esaias Reussner

* Thomas Robinson

* Silvius Leopold Weiss

Downland G SanzWeiss  Carulli Sor Giuliani Aguado


Regondi Carcasi LBrouwer Lauro Rodrigo Tedesco
Legnani
J. Arcas Mertz Tárrega Llobet BarriosVillalobos Segovia
 
Sus orígenes no son muy claros, numerosos instrumentos del mismo tipo eran utilizados
en la antigüedad, se han descubierto representaciones en bajorrelieves asirios e hititas
que se remontan a 1000 años antes de nuestra era. No obstante, el nombre de guitarra
provendría de instrumentos sin mango (kettarah) y esto ha dado lugar a suponer que la
guitarra deriva de las cítaras griegas y romanas, a las cuales se les habría adjuntado un
mango al comienzo de nuestra era.

Sea como sea desde los siglos XI o XII existen dos tipos de "guitarres" o " guiternes": la
morisca de forma ovalada emparentada con la mondora (siglos XIV-XVIII) y con la
familia de las laudes, así como con la mandolina; la latina (guitarra latina) de fondo
plano, como la guitarra actual con lados y perfiles que unen la tapa con el fondo. La
primera ira a favor de origen oriental (una especie de laúd asirio, pasando por Pérsia y
Arabia, habría conquistado España sobre la dominación árabe); la segunda, a favor de
un origen greco-latino. Uno y otro tipo están representados en las miniaturas de las
Cantigas de Santa María de Alfonso X el sabio (1270). En el siglo XIV, Macheau y
Eustache Deschamps citan la "guiterna" sin precisar el tipo, pero parece que se trata de
la guitarra "latina" pues su hermana moresca había derivado en la "mandora".
En siglo XVI aparece una literatura muy rica cuya gran producción se centra en España.
En esta época aparece una guitarra de cinco cuerdas cuya aportación se debe al poeta y
músico andaluz Vicente Martínez Espiel, nacido en Ronda (Málaga) en el año 1550.

El portugués Nicola Doici de Velasco, publicó, en el año 1630 su Nuevo método por
cifra para tañer guitarra de cinco cuerdas, el más antiguo de cuantos se conocen, y en el
cual se da un mensaje extraordinario: " En Francia, Italia y demás países, a la guitarra
se le llama española desde que Espinel puso la quinta cuerda, quedando tan perfecta
como el laúd, al arpa, la tiorba y el clavicordio y aún más abundante que éstos ".
La guitarra adquirió gran importancia debido a la aportación de  , (1640-1710)
compositor aragonés que gracias a su obra" Instrucción de música sobre la guitarra
española" supuso un gran aporte a la guitarra barroca.
El siglo XVIII trajo consigo gran evolución en la guitarra. Tal vez la modificación más
trascendente fue con la aparición de la sexta cuerda.
En el año 1760, fray Miguel García, conocido como el padre Basilio, presento por vez
primera una guitarra de seis cuerdas, siento éste el primer músico en escribir música
para guitarra en notación musical moderna.
Como consecuencia del enriquecimiento musical que adquirió la guitarra de seis
cuerdas, al final del siglo XVIII aparecieron grandes concertistas en el arte de tañer la
guitarra como: Fernando Carulli (1770-1849), gran clásico de la guitarra, que compuso
más de trescientas obras y escribió un tratado de armonía, publicado en el año 1825.
Dionisio Aguado (1778-1849) gran estudioso de la digitación, nación en Madrid y fue
discípulo del padre Basilio; su método aún está en vigor.

Fernando Sor (1778-1839) catalán, dio prestigio universal a la guitarra; se le llamaba en


"Beethoven" del instrumento.
Francisco Tárrega (1854-1909) nació en Castellón. Demostró por primera vez todas las
posibilidades musicales de la guitarra, sus composiciones son de una armonización
magnifica y movió a los músicos más importantes a componer para guitarra. Los
conocimientos que Tárrega extrajo de la guitarra fueron recogidos y ampliados por el
más ilustre maestro de nuestros tiempos Andrés Segovia, (1893-1987)que nació en
Linares (Jaén), con su gran talento y amor a la guitarra, llevo la guitarra a todos los
conservatorios del mundo y las grandes salas de conciertos.
En el siglo XIX pese a la gran evolución que experimento la guitarra respecto a su
construcción, su aspecto musical quedó afectado por la crisis ocasionada por la
aparición del piano, instrumento que se tomo como patrón y entonces rara vez se le veía
donde hubiera música seria y tocar la guitarra quedó relegado a una actividad de
pasatiempo. Desde estos tiempos en que el lugar más frecuente de ver una guitarra era la
taberna hasta nuestros días observamos como la evolución ha sido asombrosa y ha
hecho de la guitarra un instrumento imprescindible en el arte flamenco:
acompañamiento al cante, al baile y como instrumento solista para el concierto.
A finales del siglo XX encuentran nombres como, Paco de Lucia, Manolo Sanlúcar,
Manuel Cano, Juan Manuel Cañizares etc... guitarristas que han hecho que éste
instrumento sea conocido a nivel popular en todo el mundo. 
John Dowland

        Gran compositor inglés y famoso intérprete del laúd. Padre de Robert Dowland.
Probablemente nació en Londres en 1563, muere en esta misma ciudad el 20 de febrero
de 1626 (fecha cuando fue enterrado). En 1580 se traslada a París al servicio de Sir
Henry Cobham. Licenciado en música por la universidad de Oxford y de Cambridge.
De carácter difícil según sus coetáneos se vio en situaciones de incomprensión  y
envidias al no obtener el oficio de laudista real en la Corte de la reina Isabel.
        John Dowland es el más representativo compositor para laúd de la escuela inglesa.
Dowland tiene importancia ya que realizó originales y nuevos usos cromáticos, el
trataba las partes del acompañamiento como separadas de la parte de la melodía,
obteniendo efectos armónicos relativamente avanzados para su tiempo. Ya en las obras
de este compositor podemos encontrar pasajes de trémolo. La integral de sus obras está
grabada en laud por Paul O'dette en la casa discográfica Armonía Mundi (5 cd's)
                                                                             ver las demás biografías

Gaspar Sanz

        Compositor y guitarrista nacido en Calandra (Teruel) Aragón, España el 4 de abril


de 1640 y murió en Madrid en 1710. Sanz obtuvo un grado en teología en la
renombrada Universidad de Salamanca y posteriormente viajó a Italia donde estudió
guitarra con Lelio Colista. Sanz además estudió órgano y teoría de la música con
Christoval Carisani, quien logró gran éxito como organista de la Capilla Real de
Napoles. En Italia Sanz empezó a familiarizarse con las obras de los más renombrados
guitarristas italianos. En su primera publicación (1674) él menciona a Francesco
Corbetta, Foscarini (L’Academico Caliginoso), Pellegrini y Granata como compositores
y profesores de guitarra.
            A su retorno a España, Gaspar Sanz publica el mismo sus tres libros de música
para guitarra. El primer libro lleva el título "Instrucción de la música sobre la guitarra
española" que en la página 18 lleva la siguiente inscripción: "tomo I sexta die
Decembris anno 1674. . . .Gaspar Sanz, Invenit." El segundo libro "Libro segundo de
cifras sobre la guitarra española", (Caragosa 1675). El tercer libro "Libro tercero de
música de cifras sobre la guitarra española", fue incorporado al primero y segundo, y
fueron publicados los tres libros con el título de primer libro en 1697. Estos libros
tienen varias instrucciones sobre como improvisar y ejecutar la música de guitarra
usando dos métodos: el tañer de rasgueado (método italiano) y el tañer de punteado
(método español). Sanz creía que el primer método se adaptaba mejor con las danzas
musicales.
        Los acordes de rasgueado los escribía con el Alfabeto, a manera de la notación
italiana. Pero la mayor parte de sus composiciones estaban escritas en tabulatura donde
las líneas representan las cuerdas de la guitarra y los números el traste donde la cuerda
debe ser pisada. La música de Sanz es de gran calidad y constituye una rica contribución
a la literatura de la guitarra. Es el personaje central de la guitarra barroca española del
siglo XVII, y la influencia de su música se percibe hasta el siglo XVIII, ya que todavía
es mencionada en numerosos tratados como modelo.
                                                                                ver las demás biografías
 

Silvius Leopold Weiss

        Tañedor de laúd y gran compositor. Hijo de Johann Jacob Weiss. El apelativo
Weiss corresponde a una gran familia de músicos alemanes. Silvius Leopold Weiss
nació en Breslan, el 12 de octubre de 1686 y muere en Dresden, un 16 de octubre de
1750. Weiss fue uno de los más grandes tañedores y compositores de laúd en todos los
tiempos. El número de obras que compuso alcanza los 600, la mayor colección de
composiciones para solo laúd en toda la historia. Weiss visitó a J. S. Bach en Leipzig en
1739. 
                                                                                   ver las demás biografías
 

Ferdinando Carulli (Ferdinando Maria Meinrado Francesco Pascale Rosario Carulli)

        Compositor y guitarrista italiano; nació en Nápoles el 20 de febrero de 1770 y


murió en París el 17 de febrero de 1841. Viaja a París en 1808 y prospera ahí como
profesor de guitarra. Se le atribuye ser el primer guitarrista que utilizó este instrumento
para ejecuciones artísticas. Publicó su método para guitarra, L´Harmonie appliquée â la
guitarre (París, 1825). Su obra incluye cerca de 400 composiciones, entre ellas
conciertos, cuartetos, tríos, dúos, fantasías, variaciones, y solos de toda índole musical.
En 1830 Carulli compuso una pieza musical descriptiva para guitarra titulada Les Trois
Jours, que describe los días de la revolución de Julio de 1830.
                                                                                    ver las demás biografías
 

Fernando Sor (Joseph Fernando Macari Sors)

        Nace en Barcelona el 14 de febrero de 1778, aquél que se tornaría en una de las
más prominentes figuras de todos los tiempos, de la literatura de la guitarra. Su obra se
extendió a varios géneros de la música erudita. Sin embargo, Sor es reconocido por los
aportes a la música de guitarra. Después de todo, él dedicó mucha energía y su gran
talento musical a este noble instrumento.
        A los 12 años fue internado en el célebre Monasterio de Montserrat. A la edad de
17 años compuso su primera ópera titulada Telémaco en la isla de Calipso, estrenada
con éxito en el Teatro de Santa Cruz, Barcelona. Habiéndose coronado de triunfo se
traslada a Madrid. Aquí escribe sinfonías y cuartetos, alcanza éxitos como operista y
también como guitarrista. Más tarde, se alista para la guerra con el grado de capitán en
los ejércitos de Napoleón Bonaparte. Posteriormente reside en Londres, Rusia y París
donde su fama es consagrada y adquiere reconocimiento en todo Europa por sus grandes
composiciones como guitarrista. En Moscú logró poner en escena su célebre ballet
Cendrillon, obteniendo un gran éxito. En el Teatro de la Opera de París, fue
representado durante más de seis meses consecutivos. En 1828 vuelve a París, de 50
años de edad. Pasa el resto de su vida dedicándose a la composición. Sus últimos días
son tristes y muere de cáncer un 10 de julio de 1839 a los 61 años de edad.
        Sor inició su carrera musical en Barcelona como compositor de óperas y ballets;
sin embargo sobresalió mucho más como compositor guitarrístico que como autor
escénico. En su época, causó viva sensación en el mundo musical y guitarrístico; si bien
como concertista elevó con su habilidad el instrumento, logrando éxitos y rodeándose
de admiradores, como compositor nos ha legado una obra que figura al lado de aquella
de los grandes maestros de la música. Como todos los compositores de su época, Sor
sintió la influencia de Mozart, a pesar de lo cual, su obra encierra gran personalidad. En
la literatura guitarrística, él representa esa época de oro que se llamó clasicismo y
también en muchas de sus páginas, por sus sentimientos, se observa ese romanticismo
que acompaña la transición de una época.
        Su obra consta de 60 Opus para guitarra sola, entre los cuales están 14 obras con el
titulo de Fantasías, Solo Sonatas, variaciones, danzas, y varios otros tipos de música
para guitarra. Son relevantes sus series de estudios para guitarra contenidos en los Opus
6, 29, 31, 35 y 60. Sus últimas obras son para dúos de guitarra, como el Opus 62
Divertissement y el Opus 63 Souvenir de Rusia. Sor también compuso una serie de
piezas para guitarra y voz o acompañamiento de piano, denominadas Seguidillas.
                                                                                         ver las demás biografías

Mauro Giuliani (Mauro Giuseppe Sergio Pantaler Giuliani)

                                                                                    ver las demás biografías


 

Dionisio Aguado (Dionisio Aguado y García)

        Guitarrista y compositor español. Nació en Madrid el 8 de abril de 1784, y muere


en la misma ciudad el 29 de Diciembre de 1849. En 1825 se traslada a París, donde
atrae la atención de Rossini y Paganini debido a su excepcional virtuosidad. Retorna a
Madrid en 1838, y se dedica a la enseñanza de la guitarra. Entre su producción se
encuentra Estudio para la Guitarra (Madrid, 1820), su difundida obra entre las mejores
de este género Escuela o Método de Guitarra (Madrid, 1825); también compuso 45
waltzes, 6 minuets, y otras composiciones para guitarra de menor magnitud.
                                                                                        ver las demás biografías

 
Luigi Legnani (Luigi Rinaldo Legnani)

        Luigi Legnani fue uno de los más connotados virtuosos de la guitarra durante el
siglo XIX. Nació el 7 de noviembre de 1790 en Ferrera, Italia. Cuando tenía 8 años su
familia se traslada a Ravenna; aquí empieza a estudiar canto y guitarra. A la edad de 17
años hace su debut en el teatro de Ravenna cantando arias de las óperas de Donizetti y
Rossini. Al mismo tiempo ya cultivaba su profundo interés por la guitarra, y el año 1819
publica su primera composición en Milán. Legnani reside en esta ciudad hasta octubre
de 1822; y a partir de esta fecha empieza sus viajes por Europa como concertista de
guitarra. Legnani frecuente cantaba acompañándose con la guitarra en sus recitales.
Viaja a Austria, Alemania, Suiza, Rusia, Francia, posteriormente a Italia, el año 1835,
quedándose en Genova. En esta ciudad tiene la oportunidad de conocer a Paganini con
quien toca algunos duetos en un concierto en el teatro de Corignono de Turín el año
1837, aunque esta actividad no esté totalmente documentada, existen sólo algunos
anuncios de este concierto. El año 1838 viaja a Viena, luego a Munich para tocar en
conciertos. En 1842 toca en Madrid y Barcelona. A partir del año 1850 vuelve a radicar
en Ravenna donde se dedica a fabricar guitarras. Trabaja con el luthier Stauffer con
quien planea su propio modelo de guitarra. En Ravenna él fabricó violines y guitarras de
buena calidad, algunas de las cuales todavía existen. Legnani fue un compositor muy
prolijo, su obra alcanza las 250 composiciones, y todas ellas requieren buena técnica de
virtuoso. Entre sus obras se encuentra un método, el cual no tiene valor didáctico.
                                                                                    ver las demás biografías

Matteo Carcassi

Renombrado compositor y guitarrista del siglo XIX. Nace en Florencia, Italia, en 1792.
Sus primeros pasos musicales los da estudiando el piano, pero aún joven aprende la
guitarra y adquiere una técnica admirable en pocos años. Viaja a Alemania en 1810
donde recibe los primeros aplausos de la crítica; ahí conoce a Antoine Meissonnier, con
quien entabla una amistad de varios años. Posteriormente, en 1820, se mueve a París,
donde reside por el resto de su vida. En 1825 toca en el Teatro de la Opera de París y en
1828 a dúo con el cantante Stochausen. La fama de Carcassi se compara con la de
Carulli en la capital francesa, pero Carcassi se distingue por tener una diferente posición
de la guitarra, pulsa las cuerdas con las uñas y con un gusto musical más melódico.
Posteriormente se dedica a componer y a la enseñanza de guitarra y piano. Por el año
1840 Carcassi abandona las salas de concierto y muere el 16 de enero de 1853 en París.
El compositor italiano nos legó cerco de 100 obras para guitarra de un gran sentimiento
romántico, pero sobre todo demandantes en técnica. Sobresalen su Op. 59, titulado
Método para Guitarra, uno de los trabajos didácticos más relevantes del siglo XVIII,
como también sus Estudios Op. 60 de gran valor pedagógico
                                                                                                ver las demás biografías

Giulio Regondi
        Giulio Regondi fue una de las principales figuras en la historia de la guitarra
durante el periodo romántico. Nace probablemente en Génova el año 1822 (según otros
el año 1824). Su padre Giuseppe era de Milán y su madre de origen alemán. Su padre le
enseña los principios de la música y guitarra cuando Regondi era aún un niño. Hace su
debut como niño prodigio en Lyons a la edad de 8 años; su familia se mueve a esta
ciudad antes de ir a París en abril de 1830. En esta ciudad Regondi es aclamado y no le
es difícil alcanzar la fama, y es invitado a presentarse en las grandes salas de conciertos.
En mayo de 1831 se traslada a Londres, época donde ya era reconocido como un
concertista virtuoso, apoyado por las buenas críticas a su favor en las revistas de
aquellos tiempos. En 1835 Regondi presenta cierto interés por un nuevo instrumento de
viento inventado por Wheatstone, la concertina, y prontamente se convirtió también en
un gran intérprete de este instrumento. Los años siguientes se presenta en los conciertos
ya sea tocando la guitarra o la concertina. Los años 1840 a 1841 realiza una gira de
conciertos por toda Europa con el chelista Joseph Ledel. En Leipzig toca en un
concierto de beneficiencia para la orquesta de la ciudad organizado por Clara
Schumman. Después de su regreso a Londres, Regondi realiza algunos conciertos más
en otras ciudades por algún tiempo; a partir de 1850 deja la guitarra para tocar la
concertina, probablemente hasta el año 1860, donde se retira a una vida más privada.
Muere en Londres el 6 de mayo de 1872. Como músico dedicado a la ejecución de la
guitarra y a dar conciertos, Regondi nos legó sólo 5 obras para guitarra de un gran valor
instrumental y artístico. Fernando Sor dedicó a Regondi su Fantasía Op. 46, "Sourvenir
d'amitié".
                                                                                   ver las demás biografías

Julián Arcas (Julián Arcas Gavino Lacal)

        Julián Arcas nace en Almeria, España, el 25 de octubre de 1832 y muere en


Antequera, Málaga, el 16 de febrero de 1882. Fue un distinguido guitarrista y
compositor de danzas y aires nacionales, arreglos de música dramática y su nombre es
mencionado en muchos libros de historia de compositores españoles. Su fama llega a la
cumbre entre los años 1860-1870 cuando toca para las familias reales de España e
Inglaterra. Entabló una estrecha relación con el connotado fabricante de guitarras
Antonio Torres, a quien sugirió hiciera cambios en la tapa armónica de la guitarra. Estas
sugerencias junto a las realizadas por Tárrega jugaron un rol muy importante para el
desarrollo de la construcción de guitarras en el siglo XX.
                                                                                                ver las demás biografías

Joseph Kasper Mertz

        Compositor y guitarrista austriaco. Este notable guitarrista nació en Pressburg el 17


de agosto de 1806 y muere en Viena el 14 de diciembre de 1856. El año 1840 se
traslada a Viena. En esta ciudad y en Alemania hace una gira de conciertos tocando con
una guitarra de 10 cuerdas. Sus composiciones para guitarra adquirieron prontamente
popularidad; su música es de género romántico. Su Concertino recibió el primer premio
en una Competencia Internacional de Bruselas en 1856. El estaba casado con la pianista
Josepline Plantin.
                                                                                                    ver las demás biografías

Francisco Tárrega (Francisto Tárrega y Eixea)

        Este excepcional guitarrista y compositor español nació en Villareal, Castellón el


12 de noviembre de 1852, y murió en Barcelona el 15 de diciembre de 1909. Tárrega
tiene gran importancia en la historia y evolución de la guitarra tal como la conocemos
hoy en día. Reformuló la escuela guitarrística. Estudió primeramente con Sergio
Molina. También tuvo como a su profesor a Julián Arcas. Él vivía y tuvo que competir
en una época de alto romanticismo (Operas de Wagner, las óperas italianas, y con
grandes pianistas como Schumann, Chopin o violinistas como Paganini). Estas obras
eran de gran sonoridad en contraste con la escasa sonoridad de su instrumento. Fue a
estudiar al Conservatorio de Madrid, donde debe estudiar el piano ya que la guitarra se
considera un instrumento de segundo plano. Aquí conoce a Albéniz y Granados. En su
búsqueda por una guitarra con mejor sonoridad trabaja con el lutier Antonio Torres.
Comienza un trabajo mecánico de pulsación observando otros instrumentos y sus
mecanismos, como el piano. Tárrega es importante además de sus innovaciones en la
técnica de la guitarra, por sus transcripciones de piezas de compositores como
Mendelssohn, Beethoven, Chopin y otros expandiendo el repertorio disponible para el
instrumento. Realizó como 120 transcripciones para guitarra sola y 21 para dúos de
guitarra, además que sus propias composiciones alcanzan un número de 78. Su
remarcable carrera como interprete es trágicamente interrumpida debido a una parálisis
en su mano derecha en 1906.
                                                                                                ver las demás biografías

Miguel Llobet (Miguel Llobet Soles)

        Virtuoso guitarrista catalán. Nació en Barcelona el 18 de octubre de 1875 y muere


en la misma ciudad el 22 de febrero de 1938. Empezó su carrera como pintor, pero
después estudió música con Magin Alegre y Tárrega. Decide estudiar la guitarra a los
11 años cuando escucha en concierto a Antonio Jiménez Manjon. Vivió en París los
años 1900-1914. Expandió la escuela de Tárrega por América del Sur. Viajó por
Argentina (1910), Chile (1912) y E.E.U.U. (1915-1917). Compuso las canciones
catalanas. Transcribió obras para dos guitarras. Grabó discos en dúo con la guitarrista
María Luisa Anido. Fue el primer guitarrista en motivar a grandes compositores a
componer para guitarra. Manuel de Falla fue el primero (Homenaje a Tombeau de
Debussy). Esta composición la dedicó al mismo Llobet y fue compuesta después de la
muerte de Debussy para conmemorar su muerte.
                                                                                            ver las demás biografías

 
Agustín Barrios (Agustín Pío Barrios "Mangoré")

        Agustín Barrios, nació el 5 de mayo de 1885 en el pequeño pueblo de San Juan
Bautista de las Misiones, Paraguay. Miembro de una numerosa familia de 8 niños donde
cada miembro de la familia tocaba por lo menos un instrumento. Recibió su educación
primaria en un colegio Jesuita donde utilizaba su guitarra para el estudio de armonía. A
la edad de 13 años fue descubierto por quien fue su primer profesor formal, Gustavo
Sosa Escalada, un dedicado guitarrista y profesor del instrumento, quien estudio con
Juan Alais. Sosa inicia al pequeño Agustín con los métodos de Sor y Aguado, y empieza
a tocar piezas de Tárrega, Viñas, Arcas y Pargá. Este mismo año es reconocido como
niño prodigio y recibe una beca al Colegio Nacional en Asunción, donde además de
música, se destaca en matemáticas, periodismo y literatura. Barrios también estudia
caligrafía y era un talentoso artista gráfico.  
         Barrios amaba la cultura, una vez dijo: - "Una persona no puede ser un guitarrista
sin haberse bañado en la fuente de la cultura". Además de español, hablaba Guaraní, la
lengua nativa de Paraguay. Entendía Francés, Inglés y Alemán, además que le
interesaba la filosofía, poesía y teología. Musicalmente, era un gran improvisador,
según varias historias se dice que muchas piezas las improvisaba de manera
completamente espontánea, muchas veces en concierto. Su inusual creatividad le
permitió componer más de 300 piezas para guitarra. Lamentablemente muchos de los
manuscritos se han perdido. En su música podemos apreciar una gran creatividad e
inspiración combinada con un gran conocimiento técnico de la capacidad armónica de la
guitarra. Su conocimiento de la ciencia armónica permitió a Barrios de componer en
varios estilos: barroco, clásico, romántico y descriptivo. La música de Barrios se
caracteriza por ser de carácter folklórico, imitativo y religioso. Él compuso preludios,
estudios, valses, mazurcas, tarantelas, romanzas, etc. y muchas piezas onomatopéyicas
que describen objetos temas histórico culturales. Barrios también interpretaba gran
cantidad de música popular, y una gran cantidad de sus composiciones se basan en
cantos y danzas de toda América Latina como: cueca, chôro, estilo, maxixa, milonga,
pericón, tango, zamba y zapateado.
        Además de Paraguay, Barrios vivió en Argentina, Uruguay, Brasil, Venezuela,
Costa Rica, y El Salvador. También dio conciertos continuamente en Chile, Méjico,
Guatemala, Honduras, Panamá, Colombia, Cuba, Haití, República Dominicana y
Trinidad. Barrios dio conciertos incesantemente desde 1906 hasta su muerte. En los
años 1934-1936 viajó a Europa, tocando en Bélgica, Alemania, España y Inglaterra. Fue
en un concierto en Bruselas que incluyó la primera trascripción y ejecución pública de
la Suite para Laúd Nº 1 de Bach. El evento recibió muchas críticas.
        En 1932 empezó a llamarse "Nitsuga Mangoré", el Paginini de la guitarra de las
selvas del Paraguay. Nitsuga (Agustín escrito al revés) y Mangoré (Un legendario jefe
Guaraní que peleó ante la conquista española). Barrios fue el primer guitarrista en
grabar música para guitarra de forma comercial en discos de 78 r.p.m. Muchas de sus
obras sólo sobreviven en estas grabaciones que datan de años anteriores a 1910 y otros
cuantos entre 1912 y mediados de 1920. Barrios muere muy pobre un 7 de agosto de
1944 en Salvador.
        Entre sus obras más importantes en orden cronológico: Souvenir d’un Reve (Un
Sueño en la Floresta) (1918), Romanza en imitación al violonchelo (Pagina d’Album)
(1919), Mazurca Apassionata (1919), La Catedral (1921), Preludio en Sol (1921),
Valses Op. 8 (1923), Danza Paraguaya (1924), Choro de Saudade (1929), Julia Florida
(1938), Una Limosna por Amor a Dios (1944).
                                                                                               ver las demás biografías

Heitor Villa-Lobos

        Heitor Villa-Lobos (1887-1959), fue la más sobresaliente figura en la música


brasileña, el más prolífico de los compositores de todos los tiempos, y su prodigiosa
obra incluye varias composiciones de importancia para guitarra. Efectivamente, su
primera composición fue una Mazurca en Re+ para guitarra, escrita a la edad de 12
años, continuó escribiendo para el instrumento durante toda su vida. Vale destacar que
de una serie de composiciones denominadas Chôros, el primero sea para guitarra,
mientras que las subsecuentes composiciones van desde dúos de vientos hasta grandes
orquestas con coros. Para 1920 cuando compuso el Chôro Nº 1, Villa-Lobos ya
compuso dos Suites importantes y media docena de piezas independientes para guitarra,
en 1929 comienza a componer su serie de 12 estudios donde resume la técnica de su
tiempo, y en 1940 añade una colección de 6 Preludios, de los cuales solo subsisten 5.
Parece haber incertidumbre sobre cuando terminó sus estudios, que fueron publicados
recién en 1953. Los Estudios están dedicados a Andrés Segovia. Los frutos del talento
de Villa-Lobos han legado un precioso regalo a la historia de la guitarra tan grande
como Scarlatti legó al clavicordio y Chopin al piano. No es de impresionar que estos
Estudios sean una expresión de la guitarra, ya que la guitarra fue el primer instrumento
entre tantos que aprendió Villa-Lobos a la edad de 6 años, no solamente
familiarizándose con su uso en la música popular brasileña, sino que realizó arduos
estudios de los métodos de aquellos virtuosos del siglo XIX como lo fueron Dionisio
Aguado y Mateo Carcassi. Villa-Lobos compuso también para guitarra y flauta o voz,
su Sexteto Místico para flauta, oboe, saxofón alto, guitarra, celesta y arpa (1917).
Segovia le pidió constantemente que componga un concierto para guitarra y orquesta;
gracias a la mediación de Arminda (la segunda esposa de Villa-Lobos), Segovia
finalmente obtiene un concierto para guitarra y pequeña orquesta en 1951. Villa-Lobos
fue un gran violinista, conductor de orquesta y coros.
                                                                                                        ver las demás
biografías

Andrés Segovia

        Andrés Segovia nació el 21 de febrero de 1893 en Linares, España. Siendo niño
estudió el piano y el violonchelo, no pudo ser persuadido de su gran interés por la
guitarra, aunque en aquel entonces se la consideraba como instrumento para ser tocado
solamente en cafés. Como no existía ningún profesor competente de guitarra, Segovia se
instruyó a si mismo basando su técnica en sus propias intuiciones. Dio su primer
concierto público en 1909, como estudiante de música del Instituto de Música de
Granada. Pero toda su fama comenzó cuando dio su primer concierto de importancia en
el Ateneo de Madrid en 1911. Posteriormente en 1916, ya daba conciertos en Barcelona
y Madrid, mientras la crítica tenía diversas opiniones sobre la guitarra como un
instrumento de concierto. Entre 1919 a 1923 viajó a Sud América donde realizó varios
conciertos. Para el año 1924, cuando ofreció su primer recital en París, su fama ya
traspasó las fronteras de su país y era considerado el más destacado ejecutante de
guitarra de su tiempo. Aquí comenzaron los sacrificios de su devota vida de artista que
permitieron expandir la literatura guitarrística existente y abrir la demanda por nuevas
creaciones. Segovia se convirtió en el personaje más importante, encargado de
reestablecer la guitarra como instrumento de concierto. Ha expandido enormemente el
repertorio disponible para este instrumento mediante la trascripción de más de 150 obras
originalmente escritas para laúd, vihuela, clavicordio de compositores como François
Couperin, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach, despertó interés por obras
desconocidas del siglo XIX, de Sor, Giuliani, Aguado, etc., además de aportar con sus
propias composiciones. Segovia también incentivó a que grandes compositores del siglo
XX compongan para guitarra, compositores tales como Mario Castelnuovo-Tedesco,
Manuel María Ponce, Heitor Villa-Lobos, Federico Moreno Torroba, Federico
Mompou, Joaquín Rodrigo, Albert Roussel, Alfredo Casella, Joaquín Turina, etc. Sus
clases magistrales desarrollaron nuevos talentos en la interpretación y enseñanza de la
guitarra. En 1987 se afirma en Japón que su arte ejerció una influencia directa sobre más
de 2 millones de estudiantes de guitarra o ejecutantes aficionados. Segovia continuó
dando conciertos hasta después de los 90 años de edad. El legendario Andrés Segovia
muere un 2 de junio de 1987, en Madrid España.
                                                                                        ver las demás biografías

Mario Castelnuovo-Tedesco

    Mario Castelnuovo-Tedesco nace el 3 de abril de 1895, en Florecia, Italia.


Descendiente de una familia judía, desde niño muestra una precoz aptitud por la música,
tal vez heredada de su madre Noemi Senigaglia. A los 10 años de edad compuso dos
piezas musicales para piano que fueron publicadas en una revista juvenil. A un principio
su padre se oponía a que Mario siga una carrera musical, pues, de acuerdo a las
tradiciones familiares se esperaba que sea un banquero. Obstinadamente, el joven
prosiguió sus estudios de piano en el conservatorio Cherubini de Florencia con M.
Edgardo del Valle. También tuvo como maestros a Ildebrando Pizzetti. En el verano de
1924 conoce a Giacomo Puccini y entabló una estrecha relación con Arturo Toscanini
que dirigió varias de sus obras. En un festival en Venecia, en 1932, conoce a Andrés
Segovia y desde entonces Mario Castelnuovo-Tedesco empieza a componer para la
guitarra. Así comienza una estrecha relación con Segovia que duraría 36 años, la cual
permite que Castelnuovo-Tedesco componga como 350 obras para guitarra. En 1939
toda su familia se traslada a Nueva York, y Mario obtiene finalmente la nacionalidad
estadounidense en 1946, después de dedicarse en este lapso a componer música para
películas para una firma norteamericana. En 1958 fue reconocido por su obra "El
Mercader de Venecia", que obtuvo el primer puesto en el concurso de Campari en el
teatro de La Escala de Milán. 
        Su obra es muy variada y van desde composiciones para coro, orquesta,
instrumentos solos, obras orquestales y escénicas. Su contribución fundamental al
repertorio de la guitarra son sus cuatro conciertos para guitarra y orquesta: Concierto en
Re Op. 99, Serenade Op. 118, Segundo Concierto en Do Op. 160, Concierto Op. 201
para 2 guitarras y orquesta. De la Serenade Op. 118 solamente se encuentra disponible
la versión reducida para guitarra y piano, pues la versión con orquesta no está publicada.
También se encuentra no editada otra obra para guitarra y orquesta: el Concierto
Capriccio diabolico Op. 85b. Castelnuovo-Tedesco compuso varias obras para dúo de
guitarra y voz o piano, y algunas transcripciones, muchas de las cuales no se encuentran
publicadas. También pretendió realizar un método didáctico para guitarra que quedó
incompleto, a invitación de Ruggero Chiesa, y que se concretó parcialmente en sus
"Quaderni, Preludi y Studi Op. 210". Segovia ya le había propuesto muchos años antes
la realización del método. La figura de Castelnuovo-Tedesco hoy en día es reconocida
como la de un artista muy versátil, con un estilo muy diferente al de su maestro Pizzetti
y de sus contemporáneos, muy peculiar por la ausencia de imitación. Es evidente el
amor que tenía hacia la literatura, la poesía y el teatro, como claro ejemplo se encuentra
su Op. 190 "Platero y Yo" compuesto para voz y guitarra, que se base en los 28 poemas
del Nobel de literatura J.R. Jiménez o los 24 Caprichos de Goya op. 195 inspirados en
los óleos de Francisco Goya y dedicados a su hijo Lorenzo, estudiante de arquitectura.
Mario Castelnuovo-Tedesco muere en 1968.
                                                                                        ver las demás biografías

Joaquín Rodrigo

        Joaquín Rodrigo Viadre nacido en Sagunto, Valencia, España, el 22 de noviembre


de 1901, fallece el 6 julio de 1999 en Madrid a los 97 años. Era el menor de seis hijos,
dos hermanos y cuatro hermanas. Su padre era un terrateniente de Almenara (Castellón),
líder del partido conservador en zona republicana. A los tres años de edad, una epidemia
de difteria que mató a varios niños le dejó ciego. Fue operado en Barcelona y pudo ver
luz y distinguir colores, pero varias intervenciones posteriores no tuvieron éxito y
finalmente el glaucoma le cegó por completo. Posteriormente el maestro comentaría que
esta desgracia lo llevaría a la música. Ingresó a un colegio para niños ciegos en
Valencia, y a los ocho años ya estudiaba solfeo, piano y violín en braille. Su profesor de
armonía y composición fue Francisco Antich. Los músicos Enrique Gomá y Eduardo
López Chavarri fueron maestros suyos y ejercieron gran influencia sobre él. Rafael
Ibáñez, amigo de la familia, fue encargado por ésta para instruir al joven, y que más
tarde fue también compañero, secretario y copista: "Rafael me prestaba los ojos que yo
no tenía", decía a menudo el compositor. A principios de los años 20, Rodrigo era un
pianista espléndido y un estudiante de composición fascinado por las corrientes más
importantes del arte. Ravel y Stravinski eran dos de sus grandes referencias. Rodrigo
decidió irse a París y en 1927 siguió los pasos de Falla, Albéniz y Turina. Durante su
vida, Rodrigo compuso al menos 26 piezas para guitarra además del Concierto de
Aranjuez, con lo que contribuyó decisivamente a dignificar la guitarra como
instrumento de concierto. Algunos hablan de Rodrigo como artista cercano a la
Generación del 27, grupo al que estuvo unido, sobre todo, a través de su amigo Regino
Sainz de la Maza, motor y vehículo de transmisión de su música, y solista en el estreno
de la obra cumbre del compositor, que se la dedicó al guitarrista. Otra de sus famosas
obras para guitarra es la dedicada al legendario Andrés Segovia, su Fantasía para un
Gentilhombre, para guitarra y orquesta. También compuso conciertos para dúo y
cuarteto de guitarras, además de piezas magistrales para guitarra sola. En su juventud,
de acuerdo a los críticos musicales, sus composiciones hacen remembranza a Granados.
En París Rodrigo estudió composición con Paul Dukas y allí se hizo amigo de Manuel
de Falla. En esta ciudad conoce a la pianista turca Victoria Kamhi, su futura esposa.
Durante la guerra civil española, Rodrigo permaneció unos años en Friburgo, y a su
vuelta a España asume un puesto en el departamento de Música de Radio Madrid.
Cuando se instaló en Madrid, el compositor trabajó como crítico musical en los diarios
Pueblo, Marca y Madrid, además de dedicarse a la docencia. Tras el estreno de su obra
magna, en 1940 en Barcelona, Rodrigo no paró de componer. Lo hizo en todos los
géneros y estilos; musicó ballets y películas, escribió canciones, zarzuelas, piezas
vocales, para piano y para orquesta... No dejó de hacerlo hasta los años 80, que con los
90 fueron tiempos de premios y reconocimiento.
                                                                                        ver las demás biografías
 

Antonio Lauro

        Antonio Lauro, nace el 3 de agosto de 1917 en la ciudad de Bolivar, Venezuela.


Hijo de Antonio Lauro y Armida Cutroneo, desde pequeño sigue los pasos de su padre
que solía componer piezas para guitarra y piano, tales como Valses, Marchas, Polkas,
etc. A los 5 años de edad el joven Antonio pierde a su padre y su familia se muda a
Caracas. Poco tiempo después, siendo aún muy joven, adquiere un impecable dominio
de la guitarra, hecho que le permite figurar como guitarrista oficial de la Broadcasting
Caracas. De este modo Lauro se vincula con el círculo musical de la época, y es
aclamado por sus brillantes interpretaciones de la guitarra. Entre 1930 y 1940, Lauro
compone sus primeras piezas, destacándose, entre éstas, el joropo "Morenita" para
voces y guitarra, además de algunos valses para este último instrumento. Ingresa a la
"Escuela Superior de Música", donde tiene a destacados maestros como Emilio Sojo,
Raúl Borges, Juan Bautista Plaza y Salvador Llamozas, quienes le inculcan la música,
en especial de piano y guitarra, su instrumento preferido. Culmina sus estudios el año
1947. De este mismo año data su primera composición orquestal "Poema Sinfónico
Cantaclaro", inspirada en la novela de Don Rómulo Gallegos y con la cual obtiene el
Primer Premio "Vicente Emilio Sojo". Luego ganaría el Premio Oficial de Música con
"Pavana al estilo de los vihuelistas", obra escrita para guitarra; entre 1951 y 1952
escribe una Suite Venezolana para piano y una Sonata para guitarra. En 1956 Antonio
Lauro recibe por tercera vez el Primer Premio Vicente Emilio Sojo con una de sus obras
más significativas: El Concierto para Guitarra y Orquesta, el cual es estrenado por el
propio Lauro con la Orquesta Sinfónica de Venezuela bajo la dirección de Antonio
Estévez. El Maestro Lauro fue, desde luego, un calificado intérprete de la guitarra y
ofreció innumerables conciertos entre los que destacan el de la Sala Wigmore Hall de
Londres bajo el patrocinio de John Williams y Paco Peña, y un recital en 1982 en el
Gran Auditorium de Radio France. Con ese mismo éxito se presenta en Niza y
Montecarlo, donde graba un programa especial para el Principado de Mónaco. En 1982,
Lauro hace una gira por distintas ciudades de su país, auspiciado por la Presidencia de la
República y el Concejo Nacional de Cultura. A pesar de su casi absoluta dedicación a la
composición musical y a su actividad como concertista, el Maestro Lauro impartió la
docencia musical gran parte de su vida. Antonio Lauro fue un prolífico compositor,
quien se dedicó a ampliar el repertorio guitarrístico fundamentalmente componiendo
numerosos valses, canciones, fugas, merengues, cuatro estudios en imitaciones, suites,
sonatas, boleros, transcripciones y arreglos sólo para guitarra, piezas para guitarra y voz
(arreglos y originales), guitarra y clavecín, guitarra y violonchelo y guitarra y flauta;
obras corales para orquesta, para piano, etc. En 1985 obtuvo una merecida distinción, al
serle otorgado el Premio Nacional de Música por parte de la Presidencia de la
República. Antonio Lauro murió en Caracas el 18 de abril de 1986 a los sesenta y ocho
años de edad. Al final de sus días el maestro trabajó afanosamente por terminar algunas
de sus obras, dejando inconcluso su segundo concierto para guitarra y orquesta, el cual
fue terminado por el maestro compositor Inocente Carreño y estrenado por Alirio Díaz
en la ciudad de Los Teques, Estado Miranda el 8 de diciembre de 1989, con la Orquesta
Sinfónica Simón Bolívar bajo la Dirección del propio Carreño.
                                                                                            ver las demás biografías

Leo Brouwer (Juan Leovigildo Brouwer)

Nace en La Habana el 1ro de marzo de 1939. Es el más importante y universal de los


compositores cubanos de este siglo. En el campo específico de la guitarra es
posiblemente el más grande de los autores vivos. Empezó estudiando el piano con su tía.
Luego, comenzó a interesarse en la guitarra flamenca, pero no podía estudiar porque
estaba en Cuba. No existía un ambiente clásico cuando Brouwer crecía. En ese tiempo
en Cuba el único profesor respetable de guitarra clásica era Isaac Nicola, discípulo de
Pujol. En 1955 va al conservatorio pretendiendo estudiar guitarra flamenca, pero Nicola
lo persuade a que estudie guitarra clásica. Para completar su formación musical viaja a
Estados Unidos para estudiar composición en el Julliard School y posteriormente en el
Hart College en Hartford. Brouwer fue influenciado por el Neoclasicismo y el
Nacionalismo. Según Brouwer, los músicos que influenciaron sus composiciones son
Falla, Bartok y Stravinski. La música de Brouwer podría dividirse en 3 estilos básicos o
periodos de composición: de 1956 a 1964 donde es influenciado por los tres músicos
anteriormente mencionados, de 1964 a 1968 donde sus ideas musicales son más
importantes y de 1968 a adelante con el Aliterismo (El interprete tiene más libertad al
tocar). Brouwer en 1961 a 1962 fue profesor del Conservatorio de Cuba después de su
viaje a los Estados Unidos enseñando armonía, contrapunto y composición.
Su gran obra, que incluye casi todos los géneros, es muy rica en la producción
guitarrística. En su catálogo se cuentan cinco conciertos para guitarra y orquesta, uno
para guitarra, violín y orquesta, Sonatas, Variaciones, Preludios, Estudios, Suites y otras
piezas que totalizan alrededor de 80 composiciones. Es además guitarrista, percusionista
y afamado director de orquesta. Históricamente sus trabajos son relevantes por su punto
de vista cosmológico y de la nueva era. Es importante por sus composiciones de música
incidental y experimental. Entre sus composiciones más importantes están en orden
cronológico: Pieza sin Título (1956), Danza Característica (1957), Tres Danzas
Concertantes (1958), Elogio de la Danza (1964), Canticum (1968), La Espiral Eterna
(1970), Tarantos (1976), el Decamerón Negro (1981), Estudios Fáciles (1959-1983),
Paisaje Cubano con Lluvia (198 ?), Sonata (1990), El Rito de las Orishas (1994),
Concerti: Concierto Nº 1, Concierto di Liege, Retrats Catalans, Concierto Elegiaco,
Concierto de Toronto.
                                                                                           ver las demás biografías

 
Bienvenida   Principal   Guitarra   Álbum de fotos   Programas   Enlaces   Buscar   Mi
rincón   Libro de firmas   Unas risas
 

También podría gustarte