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Cuestionario de Historia de la música

Nombre: Santiago Guitarra

Trovadores
fueron músicos y poetas medievales, que componían sus obras y las interpretaban, o las
hacían interpretar por juglares o ministriles, en las cortes señoriales de ciertos lugares de
Europa, especialmente del sur de Francia, entre los siglos XII y XIV. La poesía
trovadoresca se compuso principalmente en idioma occitano.
Los trovadores, personajes mayoritariamente de la nobleza, con sus canciones amorosas,
sobre todo, pero también con sus composiciones de propaganda política, sus debates y,
en definitiva, con su visión del mundo, muestran el inicio de una historia cultural y política
con una variedad que no se encuentra en ningún otro documento de la época. Su
literatura, además, será una de las fuentes básicas de la poesía que durante siglos se
cultivará en Europa occidental.
no se pueden explicar del todo sin conocer aquello que compusieron estos escritores de
los siglos XII y XIII que cantaban por los pueblos.
El estudio de los trovadores se incluye habitualmente dentro de la historia de la literatura
occitana. Escribían en una variedad culta del idioma provenzal antiguo (lengua poética de
los trovadores), que surgió en Occitania a finales del siglo XI y se extendió por el
occidente europeo, sobre todo en Cataluña y el norte de Italia, conformando una literatura
de una unidad importante en un momento en que las diferencias entre el provenzal y el
catalán eran poco notables.
La poesía trovadoresca era sobre todo de temática amorosa, pero también podía
centrarse en aspectos políticos, morales, literarios, etc.
Conviene esclarecer la diferencia entre trovador y juglar. El trovador era un poeta lírico,
por lo general de condición social elevada, que se acompañaba de una melodía fija y cuyo
texto se fijaba por escrito y no se transmitía con variantes, además de que no necesitaba
utilizar sus facultades artísticas como medio de vida. El juglar, sin embargo, llevaba una
vida ambulante, recitaba con una entonación específica pero no melódica, memorizaba
los textos e incluso improvisaba a partir de determinados motivos temáticos, podía
ayudarse de la mímica y la dramatización; características que lo convierten en uno de los
máximos representantes de la literatura de transmisión oral de carácter folclórico o
popular. No obstante, en ocasiones es posible confundirlos o reconocer individuos que
reunieron las dos tipologías. De modo muy esquemático, suele asociarse al trovador con
el autor (creador), y al juglar con el actor (intérprete). Ambos se sintetizarían en la cultura
musical del siglo XX con la imagen del cantautor.
Juglar

Un juglar era un artista ambulante en la edad media. A cambio de dinero o comida, ofrecía


su espectáculo callejero en las plazas públicas, y en ocasiones era contratado para
participar como atracción y entretenimiento en las fiestas y los banquetes de reyes y
nobles.
El juglar podía incluir en sus espectáculos desde música y literatura hasta acrobacias,
juegos o simple charlatanería. Según la actividad en la que se centraran.
Algunas hipótesis relacionan la actividad juglaresca con la aparición del teatro
profano medieval. El juglar, hombre-espectáculo, mimo cómico-dramático, recitador,
cantor y músico, acróbata y domador, era, como el bululú descrito por Rojas Villandrando,
un bufón con pretensiones artísticas

El rescate que intelectuales y dramaturgos europeos y americanos del siglo XX hicieron


del teatro popular, llevó a la recuperación de prácticas y recursos escénicos ancestrales, y
la búsqueda de públicos marginales (y marginados) en entornos ajenos a los circuitos
teatrales. Los nuevos juglares, auténticos reyes del teatro de calle, pusieron de nuevo en
juego un teatro no literario, satírico-político muy a menudo, y siempre divertido y popular.

Polifonía

La polifonía occidental surgió a partir del organum melismático, la primera la armonización


del canto. Según ciertos autores, esto se debió a un deseo de efectuar un
embellecimiento musical de la liturgia. De hecho, podemos considerar estas variaciones
improvisadas como formas de tropos, donde aparecen al mismo tiempo nueva música y
nuevos textos. Una de las grandes contribuciones de este estadio del desarrollo de la
polifonía es una adecuación gradual del oído a los intervalos de consonancias perfectas
de forma armónica.11 En otras palabras, aparece una nueva forma de cantar, doblando
voces y produciendo así una música que avanza de manera más "vertical" que
"horizontal", que es más cercana a nuestro pensamiento moderno. Compositores del siglo
XII como Léonin y Pérotin de la Escuela de Notre Dame, desarrollaron el organum que se
había introducido durante los siglos anteriores. Especialmente el organum libre, el cual se
había estado desarrollando durante la segunda mitad del siglo XI, el cual permite mayor
libertad en la direccionalidad del movimiento melódico de las voces, así como la
introducción de más de "dos notas contra una", así se refuerza el movimiento contrario, y
se enseña de manera expresa y cuidadosa el entrecruzamiento de las voces. Así pues,
las primeras formas polifónicas de la música occidental pueden ser clasificadas de la
siguiente manera:

 El organum, que consiste en añadir una nueva voz sobre el canto gregoriano a
una distancia de cuarta o quinta. Si este sigue el movimiento paralelo, en esta época
(siglo XII), se le llama organum estricto o paralelo. Luego este movimiento paralelo
puede ser dejado de lado momentáneamente al principio o final de las frases y es
entonces que podemos utilizar el término de organum paralelo modificado, con estas
sub-clasificaciones evitaremos la confusión con el organum libre de alrededor del siglo
XI.11 No se debe confundir este organum paralelo con el concepto de heterofonía, el
cual se produce cuando dos o más personas interpretan, generalmente de forma
improvisada, dos o más versiones de la misma melodía. No existe elaboración
polifónica intencional en ella y es una práctica común de la música oriental.
 El discantus o discanto, en el que las voces ya no se mueven por movimientos
paralelos sino por movimientos contrarios, normalmente nota contra nota.
 El motete, que está formado por tres o más voces y la melodía gregoriana,
llamada tenor, se sitúa en la voz más grave.

El uso de la polifonía y la actitud hacia la misma variaron enormemente en la corte de


Aviñón desde el inicio hasta el final de su preponderancia religiosa durante el siglo XIV. La
armonía no solo se consideró frívola, impía y lasciva, sino también un obstáculo para la
audibilidad de las palabras. Los instrumentos y determinados modos fueron prohibidos en
la iglesia por su asociación con la música secular y los ritos paganos. Los choques
disonantes de notas provocaban una sensación espeluznante que fue etiquetada como el
mal, alimentando su argumento en contra de la polifonía por ser la música del diablo. Tras
desterrar la polifonía de la liturgia en 1322, el Papa Juan XXII en su 1324 bula Docta
Sanctorum Patrum advirtió contra los elementos impropios de esta innovación musical. El
Papa Clemente VI, sin embargo, la consintió. Fue en 1364, durante el pontificado del
Papa Urbano V, cuando el compositor y sacerdote Guillaume de Machaut compuso el
primer arreglo polifónico de la misa llamada Messe de Nostre Dame.
Con el movimiento del Ars nova del siglo XIV surge una polifonía vocal profana de
carácter cortesano.
 Independencia de las voces.
 Perfeccionamiento de la polifonía.
 Sonoridad más suave que en la Edad Media.
 Uso habitual de 4 voces o melodías.
 Técnica imitativa, que consistía en que cada voz repetía o imitaba las melodías
que ya habían sonado.
 Ninguna de las melodías destaca sobre las otras.
  Nace la polifonía de la interpretación a dos voces, se realiza con movimientos
paralelos
 Todas las voces tienen la misma importancia.
 Se emplea el mismo sistema de composición en la música religiosa y profana.
 Demuestran interés por las cualidades expresivas de la armonía.
 No existe una música totalmente instrumental o vocal.
 Transmite la expresión de las palabras y su contenido.
Ars nova

Siglo XIII

El nombre de Ars Nova viene dado por un compositor llamado Philippe de Vitry, quien
tituló así un tratado musical en el que se establecían las nuevas pautas para escribir
música. A partir de este tratado, a esta época se le conoce con este nombre.

El tratado de francis de Muris es probablemente el más antiguo de los dos, pero fue la
obra de Philippe de Vitry la que prestó su nombre a la música del siglo XIV. En él
completó y codificó todo el arsenal de signos musicales utilizados en su tiempo. Por fin se
daba un sistema coherente y aparecían unos signos de compases para determinar el
movimiento o la unidad sobre la que basar el movimiento, lo cual supuso una innovación
extraordinaria.

En el Ars Nova, la polifonía medieval alcanza su máxima perfección. Algunos


compositores, además de Vitry, destacados de esta época son Guillaume de Machaut o
Francesco Landini.
Entre las formas más importantes de la época está el Motete, que sigue desarrollándose
hasta llegar al punto en que cada voz puede tener un texto distinto; o el Canon,
composición contrapuntística en la que todas las voces cantan la misma melodía, pero
realizan su entrada de forma progresiva.
Contra las nuevas teorías musicales expuestas por Vitry en su tratado, reaccionaron
violentamente los músicos más conservadores, por lo que en esta época podemos hablar
de una contienda entre los músicos más tradicionalistas que veían los últimos adelantos
como fuera de lugar y los modernistas que seguían desarrollando la polifonía.

Ampliación del sistema de notación mensural impuesto por Franco de Colonia.


Consolidación de los compases binarios (imperfectos) en igualdad de los ternarios
(perfectos).

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