Composer Ses Chansons

Composer sa chanson de A à Z 1
« Au départ, le peintre a une toile.

L’écrivain a une feuille de papier.
Le musicien, lui, a le silence. »
Keith Richards
Exemplaire unique de regis latour. Adresse e-mail: lechancel@wanadoo.fr

Toute reproduction ou diffusion strictement interdite sous peine de poursuites judiciaires.
Sommaire
Petite présentation .................................................................................................... 7
Laissez-moi vous en dire un peu plus sur ce guide… ................................................... 9
Alors comme ça vous voulez composer ? .................................................................. 14
Partie 1 > Avant de commencer….
Chapitre 1 : Partir avec le bon état d’esprit .............................................................. 18
Démêler le vrai du faux : la FAQ de l’apprenti compositeur .................................... 20
Cultiver le bon état d’esprit ..................................................................................... 27
Chapitre 2 : Trouver l’inspiration .............................................................................. 34
Qu’est-ce que l’inspiration ? .................................................................................... 36
II / Comment trouver l’inspiration ? ........................................................................ 39
III / Passer de l’inspiration à la musique .................................................................. 47
Partie 2 > Mettre un premier pied à l'étrier
Chapitre 3 : Débuter sa composition ........................................................................ 53
I / Les composantes d’une chanson ........................................................................ 54
II / Par où et par quoi commencer sa composition ? ............................................... 56
III / Les différentes méthodes de composition d’une chanson ................................ 58
IV / Un dernier coup de pouce pour démarrer ........................................................ 61

Partie 3 > Composer les 4 piliers d'une chanson
Chapitre 4 : Pilier 1, l’accompagnement ................................................................... 65
I / Qu’est-ce qu’un accord ?..................................................................................... 67
II / Comment trouver une suite d’accords qui sonne bien ? .................................... 68
III / Comment trouver une suite d’accords originale ? ............................................ 83
IV / Faire varier sa suite d’accords ........................................................................... 90
Chapitre 5 : Pilier 2, la mélodie ................................................................................. 93
I / Comment trouver une mélodie ? ........................................................................ 96
II / Comment trouver « LA » mélodie ? ................................................................. 101
III / Vérifier l’efficacité de sa mélodie .................................................................... 109
IV/ Le mot de la fin ................................................................................................ 113
Chapitre 6 : Lier l’accompagnement et la mélodie ................................................. 115
I / Créer une mélodie à partir d’une suite d’accords ............................................. 117
II / Trouver un accompagnement efficace pour sa mélodie .................................. 121
Chapitre 7: Pilier 3, les paroles................................................................................ 127
I / Quel sujet aborder dans ses chansons ? ........................................................... 130
II / Le processus d’écriture des paroles d’une chanson ......................................... 134
III / Écrire des paroles qui ont de l’impact ............................................................. 138
IV / Choisir un titre ................................................................................................ 144

Chapitre 8 : Mettre en relation paroles et musique ............................................... 148
I / Écrire une mélodie à partir de paroles ............................................................. 151
II / Écrire des paroles à partir d’une mélodie......................................................... 154
III / Considérer l’écriture des paroles et de la mélodie simultanément................. 156
Chapitre 9 : Pilier 4, le rythme ................................................................................ 158
I / Le tempo ........................................................................................................... 161
II / La structure rythmique ..................................................................................... 164
III / Trouver les rythmes ........................................................................................ 167
Partie 4 > Développer la chanson dans son intégralité
Chapitre 10 : Structurer son morceau ..................................................................... 170
I / La structure du morceau ................................................................................... 173
II / Les sections d’une chanson .............................................................................. 176
III / Les différents types de structure ..................................................................... 178
IV / Comment structurer son morceau ? ............................................................... 185
Chapitre 11 : Composer sa chanson de bout en bout ............................................. 189
I / Évolution de l’accompagnement tout au long de la chanson ........................... 191
II / Évolution de la mélodie tout au long du morceau ........................................... 199
III / Évolution des paroles au cours du morceau ................................................... 204
IV / Évolution de la rythmique au cours du morceau ........................................... 209

Partie 5 > Être unique
Chapitre 12 : Rendre ses compositions inoubliables............................................ 212
I / Attirer l’attention de ses auditeurs ................................................................... 214
II / Transmettre de l’émotion grâce à sa musique ................................................. 220
III / Créer son identité musicale ............................................................................. 224
Conclusion ............................................................................................................... 227
Tracklist ................................................................................................................... 228
Remerciements ...................................................................................................... 230

APARTÉ
Si vous êtes en train de lire ces lignes, c’est que vous venez d’acquérir le livre
« Composer sa chanson de A à Z ». Avant toute chose, je tenais à vous remercier
pour la confiance que vous me témoignez. Vous allez voir, vous n’allez pas être
déçu. ;)
Cependant, avant de rentrer dans le vif du sujet, j’aimerais faire un petit aparté :
« J’ai commencé l’aventure « Composer-sa-musique.fr » et celle de la composition il

y a presque deux ans. Durant toute cette période, j’ai tâché de réfléchir et de
théoriser des concepts souvent perçus comme abstraits et inaccessibles. Il m’a fallu
de très nombreuses heures de travail, d’écoute et de pratique pour arriver à
développer la méthode que vous avez entre les mains.
Le fruit de toutes ces réflexions et de tout ce long travail, je l’ai également partagé
gratuitement et à travers plus de 75 articles sur le site composer-sa-musique.fr, ce
qui a permis à des milliers de personnes de progresser et de se faire plaisir grâce à la
musique.
Aussi, je vous demanderais simplement une chose en contrepartie : s’il vous plaît,
respectez mon travail et tout le temps que j’ai pu y passer en ne piratant pas mon
livre. Celui-ci constitue en effet pour moi une petite source de revenu qui m’est
indispensable pour maintenir le site et vous proposer toujours plus de contenu de
qualité. Donc si vous ne possédez pas la version originale du livre, soyez cool et
achetez m’en une copie, vous aurez fait votre petite BA de la journée. :) »
Encore merci pour votre intérêt et bonne lecture,
Alex

Petite présentation
Qui suis-je ?
Je m’appelle Alex, j’ai 22 ans et je suis originaire de Lille. Je

viens juste de finir mes études et de décrocher mon master 2
en commerce international. Parallèlement à ça, j’ai
commencé mon parcours musical à l’âge de 4 ans. Après
quelques années, j’ai fini par décrocher une médaille d’argent
de solfège et un diplôme de fin d’études de piano en
formation classique.
L’aventure Composer sa musique

Ma passion pour la musique a grandi au fur et à mesure des années, et à partir du
moment où j’ai découvert des groupes comme Led Zeppelin ou les Rolling Stones.
Comme tout jeune adolescent qui se respecte, j’ai moi aussi vite voulu créer mon
propre groupe et mes propres chansons. Cependant, malgré ma solide formation
musicale, je n’avais strictement aucune idée de la façon dont il fallait s’y prendre
pour créer une musique. Comment créer une mélodie mémorable ? Comment
trouver de bonnes paroles ? Comment trouver une suite d’accords qui sonne bien à
l’oreille ? Je ne trouvais aucune réponse à mes questions et à ma grande surprise, le
web ne m’a pas non plus permis de satisfaire ma curiosité.
J’ai donc décidé de répondre moi-même à toutes ces questions en créant le site
composer-sa-musique.fr. À la base, l’objectif de ce site était de créer une plateforme
personnelle, une sorte de laboratoire de recherches me permettant de théoriser et
de développer mes propres réflexions sur la composition musicale. Pour chaque
problème que je rencontrais, j’adoptais une démarche scientifique afin d’y apporter
une solution : tout d’abord, j’écoutais des heures de musique et je les analysais une à
une pour tenter d’en comprendre les rouages et la mécanique. Ensuite, je me
documentais le plus possible sur le sujet en demandant parfois directement conseil
auprès de compositeurs chevronnés. Enfin, je mettais en pratique encore et encore
les concepts dégagés sur mes propres compositions avant de les mettre par écrit et
d’en faire un article.

Très vite, j’ai remarqué que je n’étais pas le seul à me poser de telles questions et
que mes articles trouvaient écho auprès de personnes partageant les mêmes
difficultés que moi. Si bien, qu’aujourd’hui le site « composer-sa-musique.fr »
constitue la première référence du web francophone sur la composition musicale
avec près d’une centaine de milliers de visiteurs par mois.
Et côté musique, ça donne quoi ?

Je joue du piano depuis mon plus jeune âge et de la guitare depuis quelque temps. Je
touche également à la MAO depuis quelques années (même si j’ai encore beaucoup
de progrès à faire dans ce domaine !) Côté composition, j’ai monté un groupe de rock
(plutôt 70’s influencé par Tame Impala, Led Zep, Ghinzu...) avec mes amis et on
s’amuse plutôt bien. :)
Pour ce qui est de mes préférences musicales, bien sûr je dirais avant tout le rock,
mais j’écoute vraiment de tout. Je suis un gros amateur de musique qui recherche
sans cesse de nouveaux groupes et ce, quel que soit le style musical : classique,
électro, rap français, rap US, métal… j’apprécie vraiment tout. Vous pouvez d’ailleurs
avoir une idée des groupes que j’affectionne tout particulièrement en allant faire un
tour dans la section «Tracklist » page 230.
Enfin, je suis un gros amateur de concerts, de festivals et j’essaie d’en faire un

maximum (selon l’état de mes finances bien sûr ;)). Si vous en faites souvent vous
aussi, qui sait, peut-être serons-nous amenés à nous croiser au détour d’une chope
ou d’un slam !

Laissez-moi vous en dire un peu plus sur ce guide…
Quel est le but de ce guide ?

L’idée d’écrire un guide sur la composition musicale a commencé à grandir en moi au
fur et à mesure que je recevais le courrier des lecteurs de Composer sa Musique. J’ai
remarqué que beaucoup d’entre eux (comme la majorité des personnes) percevaient
la composition comme une activité inaccessible et réservée à une élite.
« Oh mais tu sais Alex, moi je ne suis pas quelqu’un de créatif. Je ne peux pas
composer. »
« De toute façon la composition c’est un don. Soit on l’a en soi, soit on ne l’a pas. »
« Moi ? Je ne suis ni un littéraire ni un artiste. Dommage, ce n’est pas fait pour moi… »
« Je viens à peine de commencer à jouer de la guitare. Alors écrire toute une

chanson… Laisse tomber, je suis à des années-lumière de pouvoir le faire. »
Combien de fois ai-je pu m’arracher les cheveux en lisant de tels messages ! Et

combien de fois ai-je pu lire de telles affirmations…
Le gros problème avec la composition et la musique de façon générale, c’est que ce

sont des activités soumises à un nombre incalculable de préjugés. Ces idées reçues
font tellement partie des croyances populaires et sont tellement ancrées dans les
mœurs, que les gens finissent par les croire et par se les approprier. Ils finissent alors
par renoncer à l’idée d’écrire une chanson sans même s’y être essayé. Or,
contrairement à ce que l’on peut vous faire croire, tout le monde peut faire de la
musique et tout le monde peut créer une chanson. Tout ce qu’il faut pour réussir,
c’est une bonne dose de motivation, un soupçon de discipline, et de bonnes
ressources sur le sujet.

D’où l’idée de créer ce guide : je voulais vous donner tous les outils nécessaires pour
vous permettre de créer vos propres musiques. Je voulais également balayer tous ces
préjugés et cette image élitiste de la composition en vous prouvant que tout le
monde peut y arriver à condition de s’en donner les moyens.
Qu’est-ce que ce guide ?

Ce guide constitue l’aboutissement de toutes mes recherches et de toutes mes
réflexions sur la composition musicale. Ce que vous avez entre les mains, c’est le
résultat d’heures de recherche, de questionnement, de remise en question, et bien
sûr de pratique sur la composition.
Ce guide apporte des réponses simples et concrètes à tous les problèmes rencontrés
par l’apprenti-compositeur. Avant de le rédiger, j’ai d’ailleurs sondé plus de 750
lecteurs de Composer sa Musique pour connaître avec précision les principales
difficultés rencontrées par une personne désireuse d’écrire une chanson. A partir de
là, j’ai pu comprendre au mieux vos besoins et développer en conséquence une
méthode pour vous aider à créer vos propres chansons de A à Z.
Ce que ce guide n’est pas

Certes le guide va vous donner de nombreuses pistes et de nombreux outils pour
vous aider à composer. Cependant, il ne constitue en aucun cas une méthode
miracle. Ne vous attendez pas à y trouver des formules magiques pour réussir à créer
le « tube de l’année en 4 minutes 30 » ou pour « composer la mélodie du siècle en 3
étapes ». Hé oui, les méthodes miracles, ça n’existe pas ! Il n’y a pas de secret : pour
réussir il va falloir bosser !!
D’ailleurs, je préfère vous prévenir tout de suite : ne vous attendez pas à devenir le
plus grand compositeur de tous les temps juste après avoir fini de lire le guide. Enfin
si, peut être que vous allez le devenir (et je vous le souhaite !) mais pour cela il va
vous falloir du temps. C’est surtout à force de pratique et de travail que vous
deviendrez meilleur. La composition et la musique ne peuvent pas être acquises du
jour au lendemain. C’est un travail de longue haleine qui va vous tenir éveillé pendant
un certain temps. Des personnes ont d’ailleurs dédié leur vie entière à la composition
et continuent d’apprendre et de progresser chaque jour !
Je vous conseille donc d’appréhender ce guide comme un livre de cuisine : vous y

trouverez la marche à suivre pour atteindre vos objectifs, mais vous seul pouvez

arriver à les concrétiser. De même, ce n’est pas parce que vous aurez fini de lire le
livre que vous deviendrez tout de suite un grand chef. Avant d’atteindre ce niveau, il
va falloir que vous vous entraîniez beaucoup. Mais plus vous mettrez les recettes en
pratique, et plus vous progresserez !
Le petit manuel d’utilisation du guide : tout ce qu’il faut savoir pour

l’utiliser au mieux !
Je suis totalement débutant en composition. Je peux quand même comprendre ce

guide ?
Oui. J’ai vraiment écrit ce guide dans l’optique qu’il soit compris par le plus de monde
possible, y compris le débutant le plus total (je faisais même lire les chapitres à mes
parents pour voir s’ils y comprenaient quelque chose). Mais si ce n’est pas encore
fait, je vous conseille tout de même de télécharger mon guide gratuit « L’Essentiel du
solfège pour Composer » qui vous aidera à comprendre les notions les plus
techniques et la théorie de la musique. D’ailleurs, vous verrez que pendant les
chapitres, si jamais un concept présenté fait appel à un savoir théorique, je mettrai
un lien direct vers le tutoriel vidéo concerné. Enfin, je tenais également à rassurer les
plus expérimentés d’entre vous : vous aussi vous trouverez votre compte avec ce livre
car j’ai vraiment eu à cœur de recouvrir tous les aspects de la composition, même les
plus complexes.
Quel style musical va me permettre de composer ce guide ?
Ce livre est un guide de composition général. Je n’ai pas voulu privilégier un style
plutôt qu’un autre (sinon il y aurait eu beaucoup trop de choses à dire et j’aurais dû
écrire près de 10 livres pour réussir à traiter des spécificités de chaque courant
musical). J’ai donc fait en sorte de partager des astuces qui s’appliqueront et qui
fonctionneront quel que soit le style musical que vous jouiez (rock, hip-hop, électro,
blues, classique…).
Comment dois-je aborder ce guide ?

J’ai essayé de construire ce guide sur une logique progressive. Personnellement, je

vous conseille donc de le lire en commençant par la première page (quelle
originalité !), ça vous aidera à créer votre chanson progressivement et étape par
étape. Néanmoins, j’ai conscience qu’il n’existe pas une seule méthode de
composition et que la façon d’aborder la composition est propre à chacun. De plus, je
ne voulais pas que le livre se transforme en une « méthode universelle » ne dictant
qu’une seule façon d’écrire une chanson. Je voulais vous aider à trouver votre propre
façon de composer. J’ai donc fait en sorte que le guide s’adapte à chacun d’entre
vous en le découpant en plusieurs parties spécifiques. Ainsi, vous pouvez très bien
lire le livre d’une page à l’autre mais vous pouvez aussi l’adapter à vos envies en
jonglant entre les parties qui vous intéressent.
Enfin, n’oubliez pas de pratiquer et de mettre en application au fur et à mesure ce

que vous apprenez. Ce guide n’est pas un bon livre de chevet qui va vous permettre
de vous endormir ! Mon but est de vous pousser à l’action et de vous bouger. Pour
ce faire, vous trouverez en fin de chaque chapitre un encart intitulé « A vous de
jouer » contenant des exercices. Je compte sur vous pour faire ces exercices ! C’est le
meilleur moyen de progresser : lisez, intégrez, et pratiquez !
D’accord j’ai tout compris. Mais euh… lire une méthode de composition musicale, ça
ne va pas nuire à ma créativité ?
C’est une très bonne question. On me l’a d’ailleurs souvent posée à partir du moment
où j’ai évoqué l’idée d’écrire un guide dédié à la composition musicale. Car il est vrai
que la musique est la forme de liberté la plus absolue et chacun est libre de se
l’approprier à sa manière. De plus, je ne suis personne pour pouvoir prétendre vous
inculquer comment écrire une chanson sachant qu’il existe de multiples façons de
faire propres à chacun.
J’ai vraiment beaucoup réfléchi à la question et je suis conscient de tout cela.

Cependant, je reste persuadé qu’il existe certaines petites « techniques » qui vous
permettront de trouver le déclic et qui vous aideront à progresser dans votre quête
musicale. Même si la musique est une entité complexe et indomptable, il existe
quelques petits trucs, quelques petites astuces, qui vous aideront à mieux
l’appréhender. Et c’est l’ensemble de toutes ces astuces que j’ai voulu répertorier
dans ce guide.
Aussi, je pense que ce guide n’est pas en soi une méthode de composition qui vous
explique de façon mécanique comment procéder pour écrire une chanson étape par

étape, mais plutôt une boite à outils qui vous apportera des solutions pour
surmonter chaque difficulté du processus de composition.
Choisissez les outils qu’il vous faut !

© zigazou76

Alors comme ça vous voulez composer ?
Alors ça y est, vous vous êtes enfin décidé à faire le grand saut et à créer vos propres
chansons.
Vous êtes peut-être un débutant qui fait ses premiers pas dans le monde de la
musique, un autodidacte à la recherche de connaissances supplémentaires, un
passionné cherchant à se faire plaisir et à s’amuser, ou encore une future star en
puissance ambitionnant de créer des tubes planétaires. Quoi qu’il en soit, vous venez
de prendre une décision importante : cette fois ça y est, vous allez créer vos propres
chansons (les murs de votre salon sont prêts à trembler !). Eh bien laissez-moi vous
dire une chose : vous avez fait le bon choix et je vais vous expliquer pourquoi.
Bienvenue chez les chercheurs d’or
La composition est un monde totalement fascinant. En

franchissant ses portes, vous vous apprêtez à prendre part
à une aventure absolument incroyable. Imaginez plutôt :
fondamentalement, il n’existe que 7 notes et 15 sons
différents. Et pourtant, la combinaison de ces sons, la
multiplicité des instruments, et l’immense possibilité en
termes d’arrangements vous permet d’obtenir un nombre
quasi infini de chansons. Depuis l’existence de l’Homme,
des millions de chansons ont en effet été composées, une
multitude de courants musicaux ont été définis et des
milliards de sonorités ont été créées. Quand on y pense,
c’est quand même fou non ?
Et pourtant, de nouvelles musiques continuent d’être créées chaque jour et certaines

d’entre-elles continuent de marquer l’Histoire de leur empreinte. En d’autres termes,
les possibilités de créations sont tellement infinies, que tout est encore à faire. Le
nombre de chansons qui reste à inventer est incalculable et de nouveaux horizons
musicaux ne demandent qu’à être découverts. C’est comme si vous entriez dans une
immense caverne remplie de trésors. Maintenant, il ne vous reste plus qu’à vous
munir d’une pioche et à récolter les pépites. ;)

Le pouvoir de la création
Savoir créer ses chansons constitue en soi un pouvoir exceptionnel : vous êtes libre
de créer selon votre bon vouloir les chansons de votre choix. C’est génial non ? Vous
êtes libre de faire absolument tout ce que vous voulez. Imaginez que vous trouviez
dans la rue un iPod contenant des chansons correspondant en tout point à vos goûts
musicaux. Et bien c’est exactement ce que permet de faire la composition : elle vous
donne le loisir de créer des chansons à votre image et conformément à vos propres
critères esthétiques.
Plus besoin de chercher pendant des heures des chansons susceptibles de vous
plaire puisque vous pourrez créer ces chansons. Vous avez du mal à trouver des
chansons avec un beau solo de piano au milieu ? Qu’importe puisque vous allez la
créer. Vous écoutez aussi bien du rap que du métal et vous aimez mélanger les
genres ? Génial ! Faites-le donc !
Absolument rien ne peut vous empêcher de créer ce que voulez. La seule limite qui se
dressera devant vous, ce sera celle de votre imagination.
Un formidable moyen d’expression

Je ne pense rien vous apprendre en vous disant que la musique est un formidable
moyen de communication permettant d’exprimer avec bien plus d’intensité vos
émotions que ce que les mots permettent.
La musique commence là où s’arrête le pouvoir des mots

Richard Wagner
Par exemple, ne vous est-il jamais arrivé d’écouter une musique et d’y trouver dans
son air ou ses paroles un écho au plus profond de vous-même ? Ne vous est-il jamais
arrivé de sourire bêtement car une musique vous rappelait un moment heureux ? Ou
au contraire ne vous est-il jamais arrivé de vous sentir profondément triste ou
nostalgique à l’écoute d’une chanson ? Ne me mentez pas, je vous vois d’ici sous la
couette et la morve au nez. :) Bref, comme vous le voyez, la musique est un
formidable moyen d’extérioriser ce que vous ressentez au plus profond de vous-
même pour le partager à d’autres et autour de vous.

Une dimension culturelle

Le pouvoir de communication de la musique ne s’arrête pas seulement à vous, il
permet également de toucher les autres. Par exemple, il n’est pas rare qu’une
musique puisse bouleverser une existence ou inspirer une vocation. Mais plus
encore, la musique permet d’agir sur le plan culturel en exprimant un message ou en
représentant une idéologie. Si on jette un œil sur les différents courants musicaux, on
voit ainsi que le blues a permis de porter le message de la condition du noir américain
du 19ème siècle, le rock psychédélique celui du mouvement hippie des années 70, le
rap celui du soulèvement du Bronx, et le jazz à quant à lui permis la rencontre et la
fusion des cultures occidentales et africaines. Faire la musique, c’est donc prendre
part à la création de la dimension culturelle de l’humanité et témoigner de son état à
travers les âges.
Maintenant que vous avez compris l’ensemble des possibilités qui se dresse devant
vous, je pense que vous êtes prêts à faire le grand saut. Et ça tombe bien car on va
commencer sans plus tarder.
Plus qu’écouter de la musique, vous allez maintenant en créer !

© Skinnydiver

PARTIE 1 : Avant de
commencer….
Chapitre 1 : Partir avec le bon état d’esprit……….18

Chapitre 2 : Trouver l’inspiration………………………34

Chapitre 1 : Partir avec le bon état d’esprit
Dans cette partie vous allez apprendre :
 La vérité sur les nombreuses questions que se pose le débutant avant de

composer :
- Faut-il vraiment connaître le solfège pour composer ?
- Faut-il maîtriser un instrument pour écrire une chanson ?
- La composition est-elle innée ? Faut-il un don pour cela ?
 Comment développer un mental de winner pour progresser rapidement en

composition ?
 Une technique infaillible pour croire en vous et vous débarrasser de toutes vos
pensées négatives telles que « je ne suis pas assez doué », « je n’y arriverai
jamais », ou encore « je ne suis pas fait pour ça »
 Une technique pour vous aider à rester motivé tout au long de votre
apprentissage

Introduction
La façon dont vous allez appréhender la composition aura une immense influence sur
votre progression. Si vous partez avec un état d’esprit positif, il y a de fortes chances
pour que vos progrès soient fulgurants. Au contraire, si vous cultivez des pensées
négatives telles que « je n’y arriverai pas », « je ne suis pas fait pour ça », ou « je n’en
suis pas capable », vous ralentirez sensiblement votre progression ou pire, vous
n’arriverez jamais à composer.
L’état d’esprit est une dimension souvent sous-estimée mais je peux vous garantir
qu’elle constitue l’un des principaux facteurs de réussite de la composition. Encore
plus que la pratique, que l’inspiration, ou que les techniques, c’est votre capacité à
croire en vous-même qui vous permettra de réaliser de belles chansons.
Le but de ce chapitre sera de vous apprendre à adopter un état d’esprit positif vis-à-
vis de vous-même et de la composition. Pour ce faire, nous allons agir sur les deux
facteurs responsables de l’idée que vous vous faites de la composition :
 Le facteur « préjugés » qui est un facteur externe : De nombreux

préjugés circulent sur la composition, ce qui fait passer cette activité
pour une discipline difficile. Dans une première partie, nous nous
attacherons donc à rétablir la vérité sur ces préjugés afin de
débarrasser votre esprit de toutes ces croyances négatives.
 Le facteur « état d’esprit » qui est un facteur interne. La perception que

vous vous faites de la composition va grandement influer sur vos
résultats. Dans cette seconde partie, nous verrons donc comment
cultiver le bon état d’esprit afin d’obtenir un mental à toute épreuve !
Notre but : Vaincre les préjugés et cultiver le bon état d’esprit pour entretenir une
perception positive de la composition et démultiplier vos chances de réussite.

I / Démêler le vrai du faux : la FAQ de l’apprenti compositeur
« Il faut maîtriser tous les aspects du solfège avant de composer », « de toute façon la
composition, on l’a en soi ou on ne l’a pas »
Je suis sûr que vous avez déjà entendu de telles affirmations au moins une fois dans
votre vie. Il existe en effet de très nombreuses croyances populaires sur la
composition. Parfois, certaines d’entre elles sont tellement ancrées dans les mœurs
que les gens finissent par les croire et se les approprier.
Le problème, c’est que ces croyances agissent grandement sur la perception que vous
vous faites de la composition et surtout, la majorité d’entre elles sont fausses. Ces
croyances sont en quelque sorte des parasites et ont pour conséquence de freiner
inutilement votre progression.
J’ai donc voulu revenir avec vous sur les principales questions que peuvent se poser
les débutants (faut-il connaître le solfège pour composer, faut-il être doué avec son
instrument, faut-il avoir un don pour composer) afin d’y répondre objectivement et
rétablir la vérité. Dans certains cas, vous verrez que les croyances populaires sont
bien loin de la réalité !
Faut-il avoir connaissance du solfège pour composer ?

C’est LA grande question que se pose la majorité des gens avant de composer (et la
majorité des gens qui ont la flemme d’apprendre le solfège avant de faire de la
musique^^).
L’école des instinctifs Vs l’école des théoriciens
En général, deux grandes écoles se distinguent et donnent deux avis diamétralement

opposés à cette question :
Tout d’abord il y a l’école des : « Non ce n’est pas nécessaire car il est tout à fait
possible de faire de la musique et de créer des chansons sans avoir aucune notion de
solfège ». Souvent, pour étayer ces propos, cette école cite l’exemple du légendaire
guitariste Jimi Hendrix qui a réussi à révolutionner la musique sans pour autant avoir

mis les pieds dans une école de musique. Pour eux, la musique est une affaire
d’instinct et doit avant tout être basée sur le ressenti et les émotions. C’est d’ailleurs
pour cela qu’ils détestent tant le solfège : ils le perçoivent comme une barrière à leur
créativité. Pour eux, toutes ces règles qui intellectualisent la musique ne permettent
que de s’enfermer dans des schémas et de rendre la musique trop lisse, trop
prévisible, et trop conventionnelle.
Jimi Hendrix, l’idole des « instinctifs »

© Francisca
Et puis de l’autre côté, on a les partisans du solfège. Pour eux, le solfège est un
élément indissociable de la musique et son étude est absolument nécessaire pour
pouvoir progresser que ce soit dans l’étude de son instrument ou de la composition.
Ils n’hésitent pas à en vanter les mérites et considèrent que c’est une étape
nécessaire à franchir pour devenir un bon musicien. Ils savent que le solfège leur a
beaucoup apporté et qu’il peut être utile. De ce fait, ils n’hésitent pas à préconiser
systématiquement son étude à tout bon apprenti musicien.
Quant est-il de vous ? Vous êtes-vous reconnu dans l’une de ces deux descriptions ?
Faites-vous partie des théoriciens ou des instinctifs ? Et à votre avis, quelle approche
est la bonne ? Laquelle des deux écoles est la plus proche de la vérité ? Réponse dans
le prochain épisode !
... Mais non, je plaisante, on va voir ça tout de suite. ;)

Comme dans toute chose, la bonne réponse se situe souvent dans l’équilibre. Il n’y a
pas une vision qui prédomine sur l’autre (pouah comment il se mouille pas l’autre !)
Les deux écoles se valent, chacune d’entre elle possède sa part de tort et de vérité.
Ne faites pas l’erreur d’attendre…
Fondamentalement, il n’est pas nécessaire de connaître le solfège pour composer.

Après tout, improviser une mélodie entraînante dans sa tête constitue déjà en soi
une composition. A ce titre, je dirai donc que « l’école instinctive » à raison. De plus,
les partisans du solfège commettent très souvent une erreur que les instinctifs ne
font pas : ils ont une telle estime des bienfaits du solfège qu’ils en viennent à faire
l’amalgame entre « apprendre la musique » et « apprendre le solfège ». Pour eux, il
faut nécessairement connaître le solfège pour faire de la musique et composer.
« Si tu veux savoir faire de la musique (et donc composer), il faut que tu apprennes le
solfège ! »
N’avez-vous jamais entendu cette phrase dans votre vie ? :) ». Or, non seulement
cette croyance est fausse, mais en plus elle ralentit sensiblement leur progression. En
effet, même si le solfège leur donnera des outils pour les aider à composer, il ne leur
apprendra jamais à composer une chanson en tant que telle. Et c’est là que se situe
toute la nuance : le solfège est au service de la composition mais il n’en est pas à
l’origine.
A cause de cet amalgame, les théoriciens perdent beaucoup de temps. Estimant qu’ils
ne connaissent pas encore suffisamment le solfège, ils pensent qu’ils n’ont pas le
niveau requis pour composer et ne font finalement rien. Ils préfèrent « attendre »
d’avoir un niveau théorique suffisant avant de se lancer. Pour prendre un exemple, je
dirais que leur comportement revient à penser qu’il faille parfaitement connaître une
notice d’appareil photo avant de se mettre à photographier. Mais vous vous doutez
bien que ce n’est pas comme ça que ça marche : ce n’est pas parce ce que vous
connaîtrez théoriquement chacune des fonctionnalités de votre appareil que vous
ferez de bonnes photos. Ce qui vous fera progresser, c’est la pratique. La théorie
viendra quant à elle après, et en soutien de ce que vous allez acquérir sur le terrain.
Ne faites donc pas cette erreur trop commune de considérer que la connaissance du
solfège est une condition sine qua non de l’apprentissage de la composition : même
si vous ne connaissez rien au solfège, lancez-vous quand même dans la composition.
C’est le seul moyen pour que vous puissiez vous améliorer dans cet art. Vous pourrez
apprendre le solfège en parallèle de votre apprentissage.

Vous avez peur de ne pas avoir assez de connaissances pour composer ? Rassurez-
vous : si vous savez chantonner un air qui vous passe par la tête et dire si une
musique vous plaît ou non, vous avez déjà en main tous les ingrédients nécessaires
pour composer vos premières chansons. Et puis, après avoir fini la lecture de ce livre,
vous en saurez déjà bien assez pour pouvoir écrire une chanson. ;)
N’ayez pas peur de vous lancer

© Yves Tennevin
… Mais ne négligez pas les avantages du solfège pour autant
Penser qu’il faille absolument maîtriser le solfège avant de composer est une
croyance aussi erronée que de considérer que l’apprentissage du solfège est inutile
et nuit à la créativité. Sur ce point, c’est donc les théoriciens qui ont raison.
Le solfège est en effet un formidable outil en faveur, et au service de la musique. Il

vous permettra de comprendre la logique de la musique et vous fera gagner un
temps considérable dans votre processus de composition. S’en priver revient à
renoncer à une main tendue vers vous qui vous apporterait de l’aide. Imaginez une
personne voulant résoudre un rubik’s cube : elle aura le choix d’y arriver à force de
tâtonnements et de persévérance, ou de le résoudre en quelques secondes après
avoir appris son fonctionnement à travers les algorithmes. C’est ce que permet le
solfège : comprendre le pourquoi et disposer d’outils pour arriver plus facilement à
réaliser son objectif.

Si vous voulez que je vous apporte des exemples concrets, voilà ce que permet (entre
autres) de connaître le solfège :
- Connaître une langue supplémentaire : celle de la musique. La connaissance

du solfège vous permettra de déchiffrer des partitions et d’accéder par la
même occasion à des milliers d’œuvres.
- Savoir repérer les tonalités. Et donc vous permettre de trouver les bons
accords pour accompagner votre mélodie, ou encore les bonnes notes pour
réussir votre improvisation
- Maîtriser les gammes, pour vous aider à écrire un solo explosif à la guitare ou
arranger harmonieusement deux parties instrumentales différentes.
- Comprendre précisément les techniques utilisées par vos artistes préférés afin
de pouvoir les reproduire dans vos propres compositions
- Vous aidez dans la retranscription musicale d’un morceau
- Éviter le syndrome de la page blanche musicale
Et pour ceux qui considèrent que le solfège est un frein à la créativité, là encore ils se
trompent lourdement. Disposer d’outils ne veut pas forcément dire dépendre
uniquement de ces outils. Les danseurs en sont la parfaite illustration : est-ce que la
connaissance de pas de danses et de chorégraphies les empêchent de développer
leur propre façon de danser ? Bien sûr que non. Il suffit d’ailleurs de regarder des
break danseurs pour s’en convaincre : chacun d’entre eux a appris les mêmes figures
pourtant ils sont tous différents lorsqu’ils se mettent à danser. Pourquoi ? Parce que
la musique tout comme la danse permet de refléter la personnalité et la vision de
chacun. Il n’y a donc pas de soucis à se faire concernant le côté instinctif et
émotionnel de la composition. La musique étant par définition une question de goût
et de personnalité, qu’une personne ait recours au solfège ou non pour composer, ne
changera pas la donne et la musique permettra toujours de refléter ce que chacun
ressent.
Vous avez malgré tout la flemme d’apprendre le solfège et vous pensez cette épreuve
insurmontable ? Pas de panique ! Comme j’en parlais précédemment, je vous
propose de télécharger gratuitement un guide numérique sur le site composer-sa-
musique.fr qui vous expliquera tout ce qu’il faut connaître de A à Z, et à partir de 0.
Maintenant, vous n’avez plus d’excuses pour ne pas vous y mettre. ;)

Dois-je avoir un niveau élevé avec mon instrument pour composer ?

Pour être honnête, je pense qu’il vaut mieux apprendre à jouer d’un instrument
avant de composer. La pratique d’un instrument vous aidera en effet à mieux
comprendre la musique et la construction des morceaux. Et puis, avant de créer de la
musique, mieux vaut savoir en jouer non ? ;)
Mince alors… Moi qui suis un novice complet, je fais comment pour composer ?
À nouveau : « Pas de panique ! » J’ai deux bonnes nouvelles à vous annoncer :
- La première, c’est que vous n’avez pas besoin d’être un virtuose pour créer une
chanson. Si vous êtes déjà capable d’enchaîner différentes suites d’accords, alors ne
cherchez pas plus loin : vous avez déjà un niveau amplement suffisant pour
composer. Beaucoup de très belles chansons sont d’ailleurs très simples dans leur
construction et ne demandent pas un niveau technique particulièrement élevé pour
être jouées. Je pense par exemple à Knockin’ On Heavens Door de Bob Dylan, à la
majorité des chansons des Beatles, de Coldplay, d’Oasis et j’en passe… Comme quoi,
technicité et complexité ne sont pas forcément synonymes de beauté… De plus,
grâce à la MAO les choses sont maintenant devenues beaucoup plus faciles. Il vous
suffit en effet de disposer de quelques notions en piano pour pouvoir commander
votre clavier maître MIDI et ainsi écrire les parties musicales de n’importe quel
instrument. C’est beau la technologie !
- Et la seconde bonne nouvelle, c’est que vous avez incroyablement de chance d’être
un débutant complet.
De la chance d’être débutant ? Qu’est-ce qu’il raconte ? Il est devenu fou ou quoi ?
Mais non ! Il suffit simplement de regarder la situation sous un autre angle.

Apprendre simultanément la composition et votre instrument, constitue une
excellente façon d’accroître votre motivation. Plus vous progresserez dans la pratique
de votre instrument, et plus vous élargirez vos possibilités en termes de composition.
En étant un débutant complet, vous pourrez ainsi mettre en place un cercle vertueux

pour progresser aussi bien dans la pratique de votre instrument que dans celle de la
composition.
Est-ce que la composition est quelque chose d’inné ?

Alors là, je peux vous répondre franchement : NON. Pourtant, cette idée reçue est
très populaire. Tellement populaire, qu’elle en vient même à toucher tout ce qui
rapporte au domaine artistique : « Je ne suis pas doué pour le dessin », « Oh je ne suis
pas fait pour jouer d’un instrument », « Je n’ai pas le profil artistique » et j’en passe et
des meilleures…
Mais les amis, laissez-moi vous dire une bonne chose : cette idée reçue est
totalement fausse. J’insiste particulièrement sur ce point : tout le monde peut faire
de la musique et tout le monde peut réussir à créer une chanson. Tout ce qu’il faut
pour réussir, c’est seulement de bonnes ressources sur le sujet, une bonne dose de
motivation et un peu de discipline.
Alors bien sûr, les plus sceptiques d’entre vous me diront que certains auront
toujours plus de dispositions que d’autres (certains naissent par exemple avec
l’oreille absolue) et qu’il est à ce titre impossible de partir sur un même pied
d’égalité. Soit, et alors ? Est-ce que c’est parce que certaines personnes progressent
plus vite que d’autres, que vous à titre personnel, vous n’arriverez jamais à créer une
chanson ? Bien sûr que non ! Ne pas avoir de dispositions particulières dans une
activité ne veut pas forcément dire que vous ne pourrez jamais exercer cette activité.
C’est un peu comme si vous refusiez d’aller à la piscine car vous estimez ne pas avoir
le niveau suffisant pour devenir champion olympique...
C’est un peu absurde n’est-ce pas ? ^^
Au final, tout ce qui compte c’est d’essayer sans se poser trop de questions. Allez-y
tranquillement à votre rythme et vous verrez qu’au final, vous progresserez sans
même vous en rendre compte !

II / Cultiver le bon état d’esprit
Maintenant que nous avons fait le point sur les croyances externes, il ne nous reste
plus qu’à nous intéresser aux croyances internes. Vos croyances internes (autrement
dit l’image que vous vous faites de vous-même et de la composition) sont
fondamentales puisqu’elles détermineront la taille de la montagne que vous aurez à
gravir.
L’influence de l’état d’esprit

Pour vous illustrer le rôle et l’influence de l’état d’esprit sur la progression,
comparons deux situations distinctes :
- La première situation met en scène Jack (à prononcer « Djack »). Jack, comme
la majorité des personnes, est convaincu que la composition est une discipline
réservée aux personnes disposant d’un solide bagage musical, aux artistes, et
aux génies.
Pff, de toute façon pour savoir créer une chanson il faut déjà connaître le solfège.
En plus, il faut être bon dans son instrument et connaître la musique. Moi, je ne suis
même pas capable d ‘avoir des bonnes idées et de l’inspiration. Alors imagine pour
écrire une chanson… laisse tomber ce n’est pas pour moi, je n’en suis pas capable.
- Au contraire de Jack, nous avons Victor. Victor est un optimiste de nature. Il sait
qu’il ne connaît rien à la composition mais ça ne lui fait pas peur. Au contraire, ça
le motive et il a envie de progresser. De plus, Victor vient seulement de se mettre
à la guitare mais ça ne le gêne pas plus que ça. Il se dit que ça lui fera un bon
prétexte pour s’y mettre sérieusement et qu’après tout, chaque artiste
aujourd’hui connu a débuté un jour.
Oulala je n’ai aucune idée de la façon dont je dois m’y prendre pour écrire une
chanson… Bon ben on va s’y mettre ! Ça va être l’occasion d’apprendre pas mal de
choses, ça va être marrant.

Question : qui de Jack ou de Victor aura le plus de chance de réussite ?

Réponse : Victor bien évidement. (En même temps, la question n’était pas super
dure ;))
La différence fondamentale entre Victor et Jack, c’est la perception qu’ils ont de la

composition. Si Jack a autant de mal avec la composition ce n’est pas forcément
parce qu’il est moins doué que Victor ou parce que la composition est un exercice
difficile en soi : c’est parce qu'il estime qu’il n’y arrivera pas au vu de la
représentation qu’il se fait de la composition (nuance !). Et effectivement, si Jack
pense que la composition est un exercice difficile, alors la composition sera un
exercice difficile. Tout est une question de perception. Si vous estimez que la pente
sera difficile à gravir, alors elle le sera. Mais au contraire, si vous croyez en vos
chances et si vous êtes convaincus que vous pouvez arriver rapidement au sommet,
alors ça sera le cas.
Choisissez la taille de la montagne

que vous aurez à gravir
J’ai bien conscience que tout ce que je raconte peut vous paraître évident, voire
bateau. Mais croyez-moi, dans plus de 90% des cas, si une personne n’arrive pas à
composer ou à progresser suffisamment, ce n’est pas parce qu’elle est moins douée
qu’une autre ou qu’elle n’est « pas faite pour ça », c’est juste parce qu’elle ne croit
pas suffisamment en ses chances. Et rien que pour ça, j’ai pensé qu’il était important
de vous le rappeler. ;)

Les 3 clés de l’état d’esprit positif
Clé n°1 : Croyez en vous et en votre musique
C’est le facteur crucial qui va vous permettre de passer de la mentalité de Jack à celle
de Victor. Prenez conscience que vous êtes capable de réaliser beaucoup de choses.
Les seules limites qui existent, sont celles que vous vous imposez vous-même.
Mettez à bas vos croyances. VOUS pouvez le faire. VOUS pouvez réussir à créer de la
musique. Si d’autres personnes l’ont fait avant vous, pourquoi est-ce que vous n’en
seriez pas capable ? Vous avez envie de vivre de votre passion ? VOUS pouvez le faire.
Il suffit simplement d’y croire.
Apprenez également à croire en votre musique. C’est très important. J’ai en effet
remarqué qu’un nombre incalculable de personnes n’arrivaient jamais à être
satisfaites de leur composition. Dans un sens, ça peut être une bonne chose car ça
démontre qu’ils sont exigeants avec eux-mêmes et qu’ils veulent faire mieux. Mais à
haute dose, cette pensée va tout simplement ruiner leur motivation.
Ce réflexe de pensée est tout à fait normal car nous vivons dans un monde baigné de
musique. Que vous preniez le métro, alliez au supermarché ou regardiez la télé, il y
aura de la musique. Or toutes ces musiques sont des résultats finis, ils sont
l’aboutissement d’un travail de longue haleine et le fruit du travail d’un compositeur
chevronné. Continuellement, vous allez donc être soumis au travail d’une personne
plus forte que vous et c’est ce qui va être particulièrement démotivant. C’est un peu
comme si vous vous retrouviez à jouer continuellement aux côtés de Nadal et de
Federer alors que vous venez juste de vous mettre au tennis. Pas facile dans ces
conditions d’être content de ce que vous faites… Pour y remédier, il va falloir que
vous appreniez à accepter le fait d’être débutant.
Clé n°2 : Accepter de débuter
C’est la clé de la réussite. Beaucoup de débutants font l’erreur d’être trop impatients
et de vouloir obtenir le niveau de leur idole en un temps record. Ils attendent de
savoir jouer des concertos de Rachmaninov en 1 mois ou de composer le prochain
tube de l’été dès leur premier essai. Résultat : leurs attentes ne correspondent pas à
leurs progrès souhaités, ils se découragent, et s’arrêtent finalement.

Seulement voilà : il est très peu probable que vous réussissiez à créer un hit dès
votre première chanson. C’est un peu comme si vous pensiez que vous alliez réussir à
courir un marathon alors que vous venez à peine de rentrer de votre première séance
de jogging.
Dites-vous bien une chose : même les plus grandes stars qui remplissent aujourd’hui
des salles entières ont dû, elles aussi, débuter la musique et poser leurs premières
notes sur le papier. Dans son autobiographie Life, Keith Richards a même avoué avoir
dû composer plus d’une soixantaine de chansons avant de pouvoir commencer à être
satisfait de sa musique. Vous imaginez un peu ? Les Rolling Stones eux-mêmes ont
connu des difficultés à écrire des chansons ! C’est dire !!
Même s’il a l’air cool sur cette photo, Keith Richards

aussi a galérer pour apprendre à composer
© Paille
Acceptez donc cette idée qu’il est normal de débuter. C’est normal de ne pas être
parfait au début, c’est normal de ne pas être satisfait de ce que vous faites, et c’est
normal de galérer pour réussir à avoir ne serait-ce qu’un semblant de chanson
lorsque vous débutez.
Alors, au lieu de toujours penser en termes de finalité (haaa ma musique ne vaut rien
à côté de celle de mon groupe préféré) cessez de vous comparer et concentrez-vous
seulement sur votre propre progression. Si aujourd’hui vous êtes meilleur que la
veille, c’est déjà énorme. Allez-y petit pas par petit pas et fêtez chacune de vos
victoires. En prenant conscience de votre progression, vous engrangerez de la
motivation supplémentaire et vous arriverez finalement petit à petit à atteindre le
niveau de vos idoles.

Clé n°3 : Prenez du plaisir
Et pour finir voici la clé la plus importante de toute : prenez du plaisir à faire ce que
vous faites. Le plus important en musique, ce n’est pas tant de savoir jouer comme
un dieu, ni d’écrire la chanson ultime mais de profiter à fond de ce que vous faites.
Faire de la musique c’est fun : ça vous permet de rencontrer des gens, de vous
défouler, d’extérioriser ce que vous ressentez au plus profond de vous, de boire des
bières gratis en concert, et parfois même de voyager.
Alors profitez-en à fond !! C’est en prenant plaisir à composer que vous obtiendrez
les meilleurs résultats. Si vous vous amusez, alors vous resterez motivé et vous
progresserez sans même vous en rendre compte.
Même si elle peut paraître parfois contraignante, la musique est en fin de compte un
formidable moyen de vous évader de votre quotidien et de profiter de votre vie.
Alors, allez-y à fond, et surtout amusez-vous !!

À vous de jouer :
Exercice 1 : Prenez un petit carnet et notez chacune des pensées négatives qui
s’imposent à vous pendant une durée de deux semaines. Ensuite, demandez-vous si
cette pensée provient d’un facteur externe (vous pensez ça car vous l’avez entendu
et vous trouvez ça évident) ou interne (vous êtes à l’origine de cette pensée).
Exemple : Je dois apprendre le solfège avant de composer : Facteur externe

Je ne suis pas assez doué pour la composition : Facteur interne
- Si votre pensée provient d’un facteur externe, relisez la FAQ de l’apprenti

compositeur et rétablissez la vérité en écrivant la réponse réaliste à la
question
- Si votre pensée provient d’un facteur interne, adoptez un point de vue neutre,
un regard extérieur à la situation et demandez-vous objectivement si cette
pensée est vraie. Notez la réponse par écrit dans votre petit carnet.
Exemple :
Pensée Type de facteur Réalité objective
Le fait de ne pas avoir un niveau

suffisant pour le moment ne veut pas
Je ne suis pas assez dire que je ne progresserai jamais. Le
Facteur interne
doué pour composer don n’a rien à voir là-dedans, c’est
juste que je n’ai pas assez de
connaissances pour le moment
Attention : il faut absolument que la pensée objective soit réaliste ! Il ne s’agit pas
d’écrire des choses pour vous faire plaisir.
Exemple : Si vous écrivez : « je vais y arriver, je suis un dieu de la composition, il

me suffit de 5 minutes pour écrire une chanson » ça n’ira pas. Car si on regarde la
situation d’un point de vue objectif, il est très peu probable que vous puissiez écrire
une chanson en 5 minutes, s'il y a deux minutes de cela, vous vous sentiez capable de
rien. Faites bien attention à croire ce que vous écrivez.
Exercice 2 : Tout au long de votre apprentissage, tenez un journal de bord et faites un

bilan de votre progression chaque fin de mois. Notez-y vos réalisations, prenez
conscience du chemin accompli, et fêtez chacune de vos avancées. En procédant
ainsi par petits pas, vous éviterez non seulement de vous comparer aux autres, mais
vous développerez aussi l'estime de vous-même ce qui vous permettra de rester
toujours motivé.
Exercice 3 : En cas de coup de mou ou s’il vous arrive de douter de vos capacités,
relisez ce chapitre !

Chapitre 2 : L’inspiration
Dans ce chapitre vous allez apprendre :
 Comment trouver l’inspiration et déclencher l’étincelle créatrice
 Quelles sont les conditions favorables à l’apparition de l’inspiration
 Quelles sont les techniques utilisées par les plus grands écrivains pour être
inspirés
 Comment vous servir de vos rêves pour faire naître l’inspiration
 Une méthode efficace pour lutter contre le syndrome de la « partition

blanche »
 Le matériel que doit absolument posséder tout apprenti-compositeur qui se

respecte
 Comment retranscrire son inspiration en musique : comment passer de l’idée

au papier
 3 réflexes à adopter pour retranscrire efficacement ses idées

Introduction
Aaah l’inspiration… Il est presque impossible de pouvoir parler de musique et de

composition sans évoquer ce fameux concept « d’inspiration ». L’inspiration
constitue en effet le moteur de toutes créations artistiques et de nombreux artistes
expliquent l’origine de leur œuvre en invoquant ce phénomène.
Comment ai-je pu réussir à composer ce titre ? Je ne sais pas vraiment. Lors d’un
voyage en Australie, je regardais par la fenêtre de mon hôtel et là, tout à coup, la
mélodie de la chanson m’est venue. J’ai été soudainement inspiré et toute la chanson
s’est retrouvée là sous mes yeux, sans que je ne m’en rende compte.
Mais qu’est-ce réellement que cette « inspiration » ? Un don que certaines personnes
auraient en elles ? Une force mystique qui s’imposerait à nous ? Ou encore un état
que l’on pourrait atteindre et déclencher à notre guise ? Et surtout, comment faire
pour être inspiré ? Comment faire pour bénéficier de cet élan de création artistique ?
C’est ce que nous allons voir au sein de cette partie !

I / Qu’est-ce que l’inspiration ?
L’inspiration : une force extérieure et mystique
Si on se penche sur l’étymologie du mot « inspiration » on se rend compte qu’il vient

du latin « in spiritum », qui signifie littéralement "avoir Dieu en soi". Selon sa
première définition, l’inspiration serait donc une manifestation du divin à l’Homme,
une sorte de force supérieure qui permettrait à l’Homme de réaliser des choses qui
lui seraient impossibles en temps normal. (Pour faire simple, inspiration = potion
magique de l’artiste).
L’inspiration proviendrait-elle du divin ?

©HartwingHKD
Dans l’Antiquité, les grands philosophes définissaient d’ailleurs l’inspiration comme la

muse de l'artiste ou de l'écrivain. L’inspiration était perçue comme une force
extérieure, comme un esprit indépendant (une sorte d’ange gardien ou de démon)
murmurant à l’oreille de l’artiste la façon de créer son œuvre.
A partir de là, il a été commun de définir l’inspiration comme une sorte de révélation
foudroyante, comme un flash, ou comme une illumination divine (à l’image de
Docteur House lorsqu’il trouve l’origine de la maladie du patient). D’ailleurs, de
nombreux artistes ont témoigné en ce sens en affirmant que leurs meilleures œuvres
se sont naturellement imposées à eux et non l’inverse.

Un beau matin ou un soir, au détour d’un café ou d’un paysage, PAF ! L’idée leur
arrive. Elle débarque à l’improviste et prend possession de leur esprit. Elle devient
alors leur maîtresse, et s’attache à eux corps et âme.
L’artiste n’a alors plus d’autre choix que d’essayer de matérialiser cette idée au plus
vite de peur qu'elle ne lui échappe aussi rapidement qu'elle ne lui est venue. Et
lorsque l’idée a été exploitée, alors il doit se tenir à l’affût pour pouvoir accueillir la
suivante (bien entendu, c’est toujours au moment où il s’y attend le moins qu’elle
arrive…) Puis le cycle recommence. Encore et encore.
Voilà comment est perçue l’inspiration dans la majorité des cas : comme une force
qui nous dépasse, qu’il est vain d’essayer de maîtriser, et qu’on ne peut qu’espérer
accueillir. Mais est-ce vraiment le cas ? N’y a-t-il vraiment rien à faire pour pouvoir la
provoquer ? L’artiste est-il condamné à l’attendre sans rien pouvoir faire en retour ?
Je n’en suis pas si sûr…
L’inspiration : un état qu’il est possible de provoquer

Certes, l’inspiration est une force mystérieuse qui soulève encore bien des
interrogations (les scientifiques n’arrivent toujours pas à cerner précisément sa
localisation et sa provenance) et je suis convaincu qu’elle peut frapper l’artiste de
façon aussi soudaine qu’inattendue. J’aime également cette idée selon laquelle
l’inspiration nous dépasse et nous permet de nous transcender. Cependant, je ne suis
pas du tout d’accord lorsqu’il s’agit de dire qu’il est impossible d’apprivoiser
l’inspiration et que l’artiste ne peut rien faire pour agir dessus. C’est une idée reçue
aussi fausse que répandue.
Non seulement il est tout à fait possible de provoquer l’inspiration, mais en plus il
peut être dangereux de penser le contraire. Car si le compositeur est convaincu qu’il
ne peut rien faire pour agir sur son inspiration, alors il va attendre que « LA » bonne
idée s’impose à lui d’elle-même. Autrement dit, il va devenir passif et fainéant.

« Je ne suis pas assez inspiré aujourd’hui, j’ai le syndrome de la page blanche. Tant
pis, je composerai une autre fois. »
Or, vous vous doutez bien que ce n’est pas comme ça que ça marche : les plus grands
compositeurs n’attendent pas que l’inspiration leur tombe dessus comme par
enchantement, ils la provoquent. Et c’est justement grâce à cette provocation
incessante qu’ils finissent par avoir des idées qui s’imposent à eux.
Je vais prendre un parallèle pour que vous puissiez bien comprendre cette idée :
Imaginez un entrepreneur à la recherche d’une idée pour sa future entreprise. Pour
réussir à trouver son idée, l’entrepreneur va réfléchir, se documenter, chercher des
concepts, et les confronter à ceux qui existent déjà sur le marché. Un beau matin,
alors qu’il prend tranquillement sa douche, bingo ! C’est la révélation. Il trouve enfin
son idée. (Bah quoi ? ça ne vous arrive jamais d’avoir des idées lumineuses sous la
douche ? :D). Question : qu’est ce qui a réellement permis à notre entrepreneur de
trouver son idée ? Le saint esprit qui lui a servi une idée révolutionnaire sur un
plateau ? Ou tout le travail qu’il a effectué en amont pour réussir à déboucher sur
cette idée ? Vous voyez donc bien que même si l’idée s’est effectivement manifestée
à lui un jour, c’est avant tout parce qu’il a tout fait pour la provoquer au préalable.
Autrement dit, c’est parce qu’il a adopté un comportement actif qu’il a réussi à
trouver l’inspiration.
Alors comment faire pour provoquer l’inspiration et déclencher cette petite

étincelle créative ? C’est ce que nous allons voir tout de suite.

II / Comment trouver l’inspiration ?
A première vue, l’inspiration semble être une bête aussi sauvage qu’indomptable.
Mais quelques petites techniques et un peu de pratique suffisent pour la maîtriser.
Réunir les conditions favorables
Pour provoquer l’inspiration, la première chose à faire est de réunir les conditions
favorables à sa venue.
Aménager son environnement
Un environnement calme et dans lequel vous vous sentez bien va stimuler votre
créativité. Aménagez-vous donc un espace confortable et dans lequel vous vous
sentirez parfaitement à l’aise pour composer.
Repérer « le » moment
N’avez-vous jamais remarqué que vous étiez beaucoup plus productif à certains
moments précis de la journée ? Par exemple, je sais que je suis très créatif le soir à
partir de 21h, mais il m’est strictement impossible de travailler après le repas du midi.
Chacun possède son moment idéal. Apprenez à trouver le vôtre et réservez-vous
cette période pour composer.
Pratiquer régulièrement
Trouver l’inspiration est parfois difficile. Pire, c’est souvent lorsqu’on cherche à la
provoquer qu’elle demeure introuvable. Malgré tout, il va falloir que vous appreniez
à forcer l’inspiration certaines fois. Soyons clair : je ne vous dis pas de vous obstiner
sur votre instrument jusqu’à que vous trouviez une idée (ce serait totalement contre-
productif), mais plutôt de prendre l’habitude de chercher l’inspiration. Essayez de
composer tous les jours même s’il ne s’agit que de quelques minutes. Vous verrez
qu’à force les idées vous viendront de plus en plus facilement et de plus en plus
naturellement. L’inspiration fonctionne comme un muscle : plus vous l’entrainez, et
plus il se développe.
Changer d’air
L’une des méthodes les plus efficaces pour booster votre créativité est de changer
d’environnement. En effet, face à une situation inconnue, votre cerveau sera plus
réactif, ce qui entrainera donc une augmentation de votre créativité.

Découvrir de nouveaux lieux, de nouvelles personnes et de nouvelles cultures

constitue donc un excellent moyen de générer de l’inspiration. Prenons l’exemple de
Mozart : si ce génie de la musique était si productif, c’est aussi parce qu’il voyageait
beaucoup et rencontrait tout le gratin intellectuel de l'époque. Tous ces stimuli lui
donnaient donc largement matière à être inspiré et à composer.
Prendre du recul
Il est possible qu’après avoir couché vos premières idées sur le papier, vous butiez sur
une composition. Dans ce cas, ne vous obstinez pas. Laissez-la de côté un moment, et
retournez-y plus tard. Qui sait, peut-être qu’une fois les idées au clair, et qu’après
avoir pris un peu de recul vous arriverez à débloquer la situation !
Franchir la porte des rêves et aller à la rencontre de son

subconscient
Le rêve est la porte de l’esprit. C’est la frontière

entre le conscient et l’inconscient. Il permet de
supprimer les frontières du réel et de désinhiber
l’esprit, l’autorisant ainsi à imaginer sans aucune
limite et sans aucune logique les scènes les plus
folles. Il constitue donc le lieu idéal pour puiser des
idées aussi innovantes que créatives.
Beaucoup d'artistes ont d’ailleurs trouvé l’inspiration dans leurs rêves :
 Au XVIIIème siècle, Giuseppe Tartini violoniste et compositeur italien, rêva

que le diable était devenu son esclave. Dans son rêve, il lui donna un violon et,
à sa grande surprise, le diable se mit à jouer : « une sonate d'une telle beauté
exquise que cela dépassait les limites de mon imagination ». Au réveil, Tartini
se rappela de la musique du mieux qu'il le put et composa la célèbre Sonate
des trilles du Diable.
 Dans les années 60, Paul Mc Cartney rêva de la mélodie de sa célèbre chanson
« Yesterday ». Keith Richards quant à lui, enregistra presque la totalité de
« Satisfaction » durant son sommeil. Ce n’est qu’une fois réveillé qu’il
découvrit avec stupeur la maquette de la chanson sur son magnétophone.

J’ai écrit « Satisfaction dans mon sommeil. Je ne le savais pas moi-même, c’est mon
petit enregistreur à cassettes Philips qui me l’a dit. Je ne sais pas ce qui m’a pris de
vérifier la cassette ce matin-là. Elle était toute neuve, j’avais donc dû la glisser dedans
la veille au soir, et elle était à la fin. J’ai rembobiné et j’ai écouté « Satisfaction ». Ce
n’était qu’une ébauche. Il y avait la structure de la chanson et le son n’y était pas, bien
sûr, parce que j’avais utilisé une guitare acoustique. Mais la structure, c’est tout ce
dont on a besoin. Après, on m’entendait ronfler pendant quarante minutes.
Malheureusement, le rêve est aussi merveilleux qu’éphémère. Pour ne pas oublier

vos aventures nocturnes, je vous conseille donc de garder toujours sur votre table de
chevet un petit bloc note et un magnétophone. Prenez l’habitude de noter vos rêves
et d’enregistrer les mélodies que vous aurez imaginées au petit matin. Plus vous
prendrez l’habitude de le faire, et plus votre cerveau produira de « matière
onirique ».
Oui mais je ne me souviens jamais de mes rêves. En plus il ne m’est jamais arrivé
d’imaginer une musique dans mon sommeil.
Comme tout le reste, c’est une habitude à prendre. Je vous assure qu’en notant et en
enregistrant systématiquement vos rêves, vous finirez par vous en souvenir à chaque
fois. Quant à la musique c’est la même chose : à force de penser à vos compositions,
vous finirez par y penser inconsciemment, jusqu’à dans vos rêves. Essayez et vous
verrez !
Utiliser les techniques des plus grands écrivains
En dehors des musiciens, les maîtres en matière

d’inspiration sont les écrivains. Pour réussir à
captiver leurs lecteurs et à créer des histoires qui
les fassent passer par toute une palette
d’émotions, ils doivent sans cesse redoubler
d’imagination. Ils ont donc pris l’habitude d’user de
petites techniques pour ne jamais manquer
d’inspiration et pour avoir toujours quelque chose
à raconter. Et la bonne nouvelle, c’est que ces
techniques, les musiciens aussi peuvent les utiliser. © Gilles Chiroleu

Développer sa curiosité et sa capacité d’analyse
La curiosité, c’est tout simplement la plus grande qualité que peut avoir un musicien
ou un écrivain. Etre curieux va vous mener à explorer le monde et à découvrir de
nombreuses choses. Or, tout ce qui vous entoure peut potentiellement être utilisé
dans vos chansons. Le paysage qui est sous vos yeux, la grise mine des passants dans
le métro, cette inconnue qui passe devant vous, votre voisin de palier, la patte cassée
du chat… Absolument tout peut être utilisé pour nourrir vos créations (bon, sauf la
patte du chat peut-être …). D’ailleurs, je pense sincèrement que l’artiste n’est au
final, que le traducteur de son environnement : il s’imprègne de ce qui l’entoure et
transforme ce qui le touche en musique et en poésie. C’est une sorte de journaliste
ayant assez de sensibilité pour faire ressentir ce qu’il relate à ceux qui l’écoutent.
De nombreux écrivains ont également recours à cette démarche pour écrire leurs
romans : Ils sont attentifs à tout ce qui les entoure. Ils observent, décortiquent,
explorent, analysent… et utilisent finalement le résultat de leur observation dans leur
livre. Zola avait par exemple l’habitude de faire de longues recherches avant d’écrire
ses romans. Pour Germinal, il vint ainsi se documenter pendant quelques semaines
dans le bassin minier du Nord-Pas-de-Calais. Il interrogea des mineurs et des
ingénieurs sur leur vie quotidienne afin de décrire, de la façon la plus réaliste
possible, le monde de la mine.
Je vous encourage donc vivement à faire comme les écrivains : soyez curieux de tout
ce qui vous entoure et développez votre esprit d’analyse. Tous les ingrédients de vos
futures chansons se trouvent là, sous vos yeux. Il vous suffit simplement de les ouvrir
pour vous en apercevoir. ;)
Chercher l’inspiration dans les livres et les films
La curiosité passe également par la curiosité intellectuelle. N’hésitez pas à lire

beaucoup de livres et à regarder de nombreux films et documentaires. C’est une
formidable source d’inspiration. Les livres incarnent la pensée de leur auteur : ce sont
les portes paroles de leurs souvenirs ou de leur imaginaire. Ils permettent d’accéder à
des idées qui ne nous auraient peut-être jamais effleurés en temps normal (lisez
Nietzche vous verrez de quoi je parle). Quant aux films, ils nous permettent de nous
évader et de nous immerger totalement dans un nouveau monde, ce qui va stimuler
notre activité cérébrale et notre imagination.
Utiliser la technique du free-writing (l’écriture libre)
Cette technique est très répandue dans le milieu littéraire et a été utilisée par les plus
grands écrivains tels que Jack Kerouac qui en a fait sa spécialité. La technique du

« free writing » est particulièrement efficace pour lutter contre le syndrome de la

page blanche. Dès que vous êtes en panne d’idées, je vous conseille vivement de
l’utiliser. Vous allez voir, c’est radical.
Son principe est simple : asseyez-vous devant votre ordinateur ou devant une feuille
vierge et notez-y tout ce qui vous passe par la tête. Absolument tout, sans exception.
Chaque mot, chaque idée, chaque pensée qui vous traverse l’esprit doit être couché
sur le papier. N’ayez aucune censure et surtout ne cherchez pas à donner du sens ou
du style à vos phrases. Votre unique but, c’est de retranscrire vos pensées telles
qu’elles viennent.
Ecrivez tout ce qui vous passe par la tête

© Lolita C
Dans un second temps, relisez votre feuille et repérez les idées qui valent la peine
d’être gardées. Supprimez les informations superflues et structurez le reste. Voilà, le
tour est joué ! Toutes les idées que vous venez d’obtenir vous seront directement
utiles pour votre composition. Certaines phrases pourront par exemple devenir les
paroles de votre prochaine chanson et qui sait, peut-être qu’en répétant
constamment ces paroles dans votre tête, une mélodie vous viendra naturellement à
l’esprit !
J’adore cette technique car en plus d’être diablement efficace, elle vous permet de
vous concentrer sur le plan important : votre créativité. En effet, quand on fait
attention à la formulation, aux fautes et à la structure, on paralyse la créativité car on
se concentre sur la forme et non le fond. Ici au contraire, vous mettez l’accent sur vos
idées en ne vous concentrant que sur ces dernières.

Puiser son inspiration dans la musique

Enfin, la meilleure façon pour un musicien de trouver l’inspiration, c’est bien entendu
de la chercher dans la musique elle-même. C’est la technique la plus classique et
tous les musiciens l’utilisent. Même les plus grands musiciens ont eu des modèles et
se sont inspirés d’autres artistes, c’est le cours naturel des choses. Même Jimi
Hendrix, l’icône de toute une génération et le modèle d’un nombre incalculable de
musiciens, s’est inspiré d’autres artistes pour composer ses chansons. Je vous invite
donc à chercher vos influences musicales et à vous en servir tout au long de votre
parcours de création.
Trouver ses influences
La première de vos sources d’inspiration, doit-être la musique de vos idoles. Vous

avez surement des artistes que vous appréciez plus que d’autres. D’ailleurs, ce sont
surement ces artistes qui sont à l’origine de votre goût pour la musique et de votre
envie de composer. Si ces artistes ont réussi à vous inspirer dans la vie, alors il est
normal que vous vous inspiriez aussi de leurs chansons pour vos compositions !
Pour ce faire, je vous invite à établir une liste de vos 5 artistes préférés. Ces 5 artistes
sont vos artistes « référents ». Ils sont vos mentors et doivent constituer votre plus
grande source d’inspiration.
N’hésitez pas à apprendre à jouer toutes leurs chansons. Analysez-les, décortiquez-
les, et demandez-vous comment elles sont construites. Demandez-vous ce qui fait
leur force, pourquoi elles vous plaisent tant, et comment vous pouvez les utiliser pour
vos propres compositions. De même, s’il vous arrive de sécher dans l’avancement de
votre morceau, demandez-vous « Qu’aurait-il fait à ma place ? », « Comment aurait-il
continué le morceau ? ». Vous verrez, ça débloque pas mal de situations.
Je vous conseille également de ne pas négliger vos classiques : souvent, ce sont dans
les chansons anciennes et la musique classique que l’on trouve les meilleures idées.
Enrichir sa culture musicale
Si vous vous inspirez des autres musiques pour composer, il peut être intéressant de
disposer d’une bonne culture musicale, car plus votre panel musical sera important,
et plus vous disposerez de ressources pour y puiser votre inspiration. C’est un peu
comme pour le cuisinier : plus ce dernier aura d’ingrédients sous la main, et plus il
pourra élaborer des plats originaux et sophistiqués.

Voici d’ailleurs 5 moyens simples pour enrichir votre culture musicale :
Moyen n°1 : Wikipédia et les biographies
Même si ça parait évident, lire la biographie d’un artiste ou sa page personnelle sur
Wikipédia constitue un excellent moyen d’enrichir sa culture musicale. En plus de
connaître la vie, les anecdotes et le parcours de l’artiste, vous connaîtrez ses
influences et les groupes similaires avec qui il a l’habitude de partager la scène en
tournée.
Moyen n°2 : Les concerts et les festivals
Pour connaître les artistes en vogue du moment, il vous suffit tout simplement de
jeter un œil sur les têtes d’affiches des plus gros festivals. Et si en plus, vous avez la
chance de pouvoir participer à un de ces festivals, alors foncez !!! Vous ne le
regretterez vraiment pas. Car d’une part, vous y passerez un moment exceptionnel
grâce à l’ambiance si folle et si atypique qui y règne, et d’autre part, parce que vous y
ferez forcement des découvertes musicales (sauf si, bien entendu, vous passez tout
votre temps au stand bière). ;)
Moyen n°3 : Les sites de musique en ligne
Deezer, Spotify, Grooveshark… On ne les présente plus. En plus de vous permettre

d’écouter gratuitement votre musique en ligne, ces sites vous suggèrent des artistes
similaires à votre écoute ainsi que les tops du moment.
Moyen n°4 : Les sites de mapping
Des sites comme www.audiomap.tuneglue.net ou http://www.music-map.com/ vous

permettront de booster votre culture musicale à vitesse grand V. C’est
personnellement la méthode que j’utilise le plus chaque fois que je veux rafraichir ma
playlist. Le principe est simple : vous rentrez le nom d’un artiste dans un champ de
recherche, et là « PAF ! » Le site vous donne automatiquement le nom des groupes se
rapprochant musicalement le plus de votre requête « C’est pas beau ça ? ». Suivant
ce concept, la colonne latérale de suggestion de vidéos youtube est assez efficace.
Moyen n°5 : Whosampled.com
Le sample (littéralement « l’échantillon ») est un extrait musical très court. Beaucoup

d’artistes, surtout dans le milieu de la musique électronique ou du hip-hop, y ont
donc recours pour composer. Il leur suffit en effet d’aligner plusieurs samples, puis
par la suite de les arranger, pour créer un nouveau morceau. Le site
whosampled.com permet ainsi de retrouver tous les samples utilisés au sein d’une

chanson ou au contraire, de connaître les musiques ayant samplé cette chanson.

Après une petite recherche, on apprend par exemple que « Dance » de Justice
contient des extraits musicaux de «Me against the Music » de Britney Spears, et a été
utilisée en retour au sein du morceau « On the Next One » de Jay Z ! Ce qui est
également sympa avec ce site, c’est qu’il vous donne la possibilité d’écouter côte à
côte les extraits de la version originale et de la version samplée. Vous verrez que
parfois la ressemblance est vraiment frappante (allez jeter à œil à Daft Punk, ça vaut
le détour). Enfin, la dernière particularité de Whosampled.com et pas des moindres,
est de vous donner pour chaque titre existant, l’ensemble des remix qu’il a inspiré.
Partager la scène
Enfin, la manière la plus simple de trouver l’inspiration reste encore de la chercher à

plusieurs. Chaque personne possède en effet ses propres préférences, ses propres
gouts musicaux, et ses propres influences. La confrontation de ses différentes visions
vous permettra donc d’élargir vos horizons et d’avoir des idées que jamais vous
n’auriez pu avoir seul.
Jouez en groupe pour avoir de nouvelles idées

©cyberien 94

III / Passer de l’inspiration à la musique
Maintenant que vous savez comment provoquer l’inspiration, il ne vous reste plus
qu’à la retranscrire en musique pour pouvoir démarrer vos premières compositions.
S’équiper pour être toujours prêt à composer

Comme nous l’avons vu tout à l’heure, l’inspiration est assez fugace et peut surgir à
n’importe quel moment. Il faut donc que vous soyez constamment prêt à l’accueillir
sous peine de voir votre idée révolutionnaire vous échapper. Pour ce faire, vous
devez avoir en permanence sur vous le matériel adéquat pour passer à l’action.
D’accord. Alors j’ai besoin de quoi comme matériel ?
Héhé vous avez bien fait de me poser cette question. Pour être sûr d’être toujours
prêt à composer, il vous faut… le kit de survie 5000 du petit compositeur !
Wooow ! Un kit de survie 5000 du petit compositeur ? Mais qu’est-ce que c’est ? Ça à
l’air trop classe !
Effectivement ça l’est ! Le kit de survie 5000 du petit compositeur est composé de :
 Un petit carnet et le stylo qui va avec

Pour noter vos observations, vos réflexions ou vos idées. Ces notes pourront
vous servir pour définir le thème ou les paroles d’une chanson.
 Du papier à musique
Pour griffonner rapidement quelques notes
 Un dictaphone
Pour enregistrer rapidement cet air qui vous traine dans la tête. Aujourd’hui
les smartphones possèdent tous une fonction dictaphone de base. Si comme
moi vous avez un téléphone préhistorique sans dictaphone (attention j’ai
quand même la lampe de poche intégrée) vous pouvez vous appeler à votre
propre numéro et laisser un message pour vous enregistrer.

 Les applications pratiques

L’univers du mobile regorge d’applications plus pratiques les unes que les autres pour
vous aider à enregistrer rapidement ce que vous avez en tête. Voici les plus pratiques
d’entre-elles :
- Score Cleaner Notes : Score Cleaner Notes permet d’enregistrer ce
que vous chantez et de le traduire directement en partition.
- Voice Band : Cette application vous permet d’enregistrer les
instruments de votre choix uniquement à l’aide de votre voix. En d’autres termes, si
vous sélectionnez le mode guitare sur l’application et que vous chantez, votre chant
sera directement retranscrit en tant que ligne de guitare. Il ne vous reste donc plus
qu’à chanter la partie de chaque instrument afin de créer en quelques minutes
seulement un morceau entier !
- Garage Band : GarageBand permet de transformer votre smartphone
ou votre tablette en véritable studio d’enregistrement et de composition. Parmi ses
fonctionnalités on retrouve : la gestion d’instruments virtuels, la possibilité de
recourir à des amplis, l’ajout d’effets audio, et même un enregistreur multipiste.
 Un CD des L5 ou de Billy Crawford

Pour vous aider à relativiser et vous dire que finalement, votre idée musicale
n’est pas si mauvaise que ça.
Le kit de survie 5000 du petit compositeur

Adopter les bons réflexes
Pour retranscrire efficacement votre musique, il convient d’adopter quelques petits

réflexes qui feront toute la différence.
Reflexe n°1 : Noter, noter et encore noter
Prenez rapidement l’habitude de noter l’ensemble de vos idées. Non seulement ça

vous permettra de ne plus passer à côté d’une grande chanson potentielle, mais en
plus ça vous aidera à développer votre créativité. Exactement comme pour les rêves :
plus vous noterez vos idées, plus vous en aurez, et plus elles viendront à vous
naturellement.
Reflexe n°2 : Ne rien jeter
Prenez l’habitude de noter toutes les idées qui vous paraissent exploitables. Même si
votre idée sort de nulle part et qu’elle n’est rattachée à aucun contexte, notez-la
quand même. Elle vous servira sûrement plus tard ou pour une autre chanson.
Reflexe n°3 : Développer son idée au plus vite
Si vous le pouvez, je vous conseille de développer votre idée au plus vite. Si vous êtes
chez vous, foncez sur votre instrument ou sur votre ordinateur et retournez l’idée
dans tous les sens jusqu’à ce que vous soyez à cours d’imagination. Plus l’idée sera
« fraîche » et plus il vous sera facile de l’étirer et de la développer.
Retranscrire son idée le plus fidèlement possible
Il n’est pas toujours facile de retranscrire fidèlement le petit air qui vous trotte dans
la tête. Certains n’y arrivent pas du tout, et d’autres ne sont pas satisfaits du résultat
qu’ils obtiennent. Si bien, qu’il existe au final un gouffre immense entre le résultat
escompté (ce que vous avez en tête) et le résultat obtenu (le sifflotement que vous
avez enregistré dans votre magnéto). Alors comment faire ? Comment faire pour,
d’une part, retranscrire fidèlement ce que vous avez en tête, et pour, d’autre part,
obtenir un résultat qui soit à la hauteur de vos espérances ?
Commençons tout d’abord par régler le problème de la transcription. Déjà, il n’y a pas
de secret ni de solution miracle : c’est à force d’essayer de retranscrire votre
musique que vous finirez par y arriver et par prendre le coup. Si vous n’y arrivez pas
directement : c’est normal, ne vous inquiétez pas. Il va seulement falloir pratiquer
davantage.

Malgré tout, il existe une petite astuce qui va vous aider à retranscrire plus
facilement les notes que vous avez en tête sur une partition : c’est de vous aider de
votre instrument.
Allez-y progressivement et note par note : chantez la première note que vous avez en
tête, mémorisez là, puis retrouvez là en tâtonnant sur votre instrument. Ensuite, il ne
vous reste plus qu’à répéter l’opération pour toutes les autres notes. Cela peut
paraître long et fastidieux au début, mais vous verrez qu’à force vous y arriverez
naturellement. Avec de la pratique régulière, vous trouverez les notes de plus en plus
rapidement tout en utilisant de moins en moins votre instrument, jusqu’à ne plus
l’utiliser du tout et retranscrire votre musique intuitivement.
Pour ce qui est du décalage entre la musique que vous souhaitez et la musique que
vous obtenez finalement, là encore c’est une affaire de patience. Une idée, c’est de la
matière brute. Pour en obtenir quelque chose, il faut la travailler et la façonner petit
à petit. Il est donc très difficile d’obtenir une musique finie à partir d’une simple idée,
tout comme il est impossible pour l’entrepreneur de visualiser l’activité complète de
son entreprise à partir de son seul concept.
Apprenez donc à être patient : une chanson ça se construit brique par brique et au
fur et à mesure.
Comment faire pour construire une chanson complète à partir d’une simple idée ?
C’est ce que nous allons justement voir dans les sections suivantes.

À vous de jouer :
Exercice 1 : Procurez-vous tout de suite votre Kit de survie 5000 du petit

compositeur (oui le CD de Billy Crawford est indispensable) et ne vous en séparez
plus !
Exercice 2 : Pendant deux semaines, notez tous vos rêves dans un petit carnet.
Faites-le systématiquement et dès le réveil. Essayez d’être le plus précis possible et
de décrire en détails chaque scène dont vous avez été témoin. Si l’expérience s’avère
concluante et que vous vous souvenez de plus en plus de vos rêves, poursuivez là.
Exercice 3 : Une fois par semaine, posez-vous sur votre bureau et décrivez une
scène dont vous avez été témoin dans la journée. Cette scène ça peut être n’importe
quoi : deux personnes discutant devant la machine à café, une femme ou un homme
qui a retenu votre attention au détour d’une rue, un paysage, le comportement de
votre patron… Seule contrainte ? : Être le plus précis possible. En lisant vos notes, une
personne extérieure doit être capable de se représenter parfaitement la scène.
Exercice 4 : Pendant un mois, vous allez vous livrer à une petite expérience :
Tous les jours et à des horaires différents, vous allez consacrer 10 minutes de votre
temps au free-writing. Au bout d’un mois, faites le bilan : à quel jour, à quel moment,
et à quel moment avez vous eu les meilleures idées ? Ce moment repérez-le et
gardez-le : c’est celui où votre inspiration est la plus prolifique. De plus, gardez
l’ensemble de vos notes. Elles vous aideront à trouver les thèmes et les paroles de
votre chanson
Exercice 5 : Listez vos 5 artistes « référents »
Exercice 6 : Cherchez à découvrir 10 nouveaux artistes avant la fin du mois.
Exercice 7 : Choisissez une chanson et essayez de retrouver les notes de sa

mélodie principale (c’est à dire les notes de la mélodie chantées par le chanteur).
Pour cela, aidez-vous de votre instrument comme indiqué dans la méthode de
retranscription musicale décrite ci-dessus.

PARTIE 2 : Mettre un
premier pied à l’étrier
Chapitre 3 : Débuter sa composition…………………………….…53

Chapitre 3 : Débuter sa composition
 Quels sont les 4 piliers à la base de toutes chansons ?
 Par où et par quoi commencer sa composition ?
 Les 7 méthodes les plus répandues pour écrire une chanson
 Comment trouver votre propre méthode de composition ?
 Comment vous inspirer des autres artistes pour démarrer votre composition ?

Ça y est ! Nous sommes maintenant dans le grand bain et il est enfin temps
d’attaquer les choses sérieuses : la composition de votre chanson. J’espère que vous
êtes bien installé car c’est maintenant que le véritable spectacle commence. La
première partie du concert est terminé, place à la tête d’affiche ! Les lumières
s’éteignent, seul un spot éclaire le centre de la scène. Les applaudissements se font
de plus en plus forts et les filles commencent à être hystériques dans le public. Au
loin, on distingue même l’ombre de plusieurs silhouettes. Les artistes sont prêts à
entrer en scène ; le show va commencer !!
I / Les composantes d’une chanson
Avant de débuter votre composition, il va d’abord falloir que vous sachiez de quoi est
constituée une chanson. Exactement comme pour une recette de cuisine : avant de
préparer votre plat, encore faut-il connaître les ingrédients qui le composent. (Je ne
sais pas si vous avez remarqué mais j’aime beaucoup les métaphores culinaires^^).
Une chanson est constituée de 4 piliers : la mélodie, l’accompagnement, le rythme et

les paroles. (Nous passerons en revue chacun de ces piliers au sein de la quatrième
partie du guide).
- La mélodie : Sans aucun doute la partie la plus importante de la chanson. C’est

la partie visible de l’iceberg, ce qu’entendront en premier vos auditeurs. La
mélodie leur permettra de se souvenir de votre morceau.
- L’accompagnement : Comme son nom l’indique, il va permettre de soutenir et

de mettre en valeur la mélodie.
- Les paroles : Là où la musique permet de faire passer des émotions et des

messages implicites, les paroles viennent exprimer directement le message de
la chanson.
- Le rythme : C’est l’ossature du morceau. Le rythme permet d’assurer la

cohésion générale des autres éléments. Il permet également de définir
l’identité du morceau grâce à l’établissement d’un tempo lent ou rapide.

Chacun de ces piliers occupent une fonction bien précise, mais c’est seulement pris
dans leur ensemble, que ces 4 piliers permettront de constituer la chanson. Je vais
vous donner un parallèle pour que vous compreniez bien ce principe : une chanson
est similaire à un puzzle. Comme un puzzle, elle est constituée de plusieurs pièces
distinctes (la mélodie, l’accompagnement, la rythmique et les paroles). Cependant,
même si chacune de ces pièces occupe une fonction à part entière, il n’est pas
possible de les envisager séparément : chacune d’entre elle dépend de l’autre, et
ensemble elles forment un tout. Et c’est la cohésion de tous ces éléments qui permet
finalement de former la chanson dans son ensemble.
Les 4 piliers d’une chanson

II / Par où et par quoi commencer sa composition ?
Il est maintenant temps de s’attaquer aux choses sérieuses. Vous voilà maintenant
assis devant votre feuille, une guitare poussiéreuse et pleine de stickers à la main, et
un vieux stylo plébiscitant je ne sais quelle entreprise de votre part. Vous êtes motivé
et vous n’attendez plus qu’une chose : commencer. Cependant, maintenant que vous
y êtes, il y a une question que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous poser :
Euh… je commence par quoi ? Les paroles ? La mélodie ? L’accompagnement ? Le

rythmique ? Ou autre chose ?
C’est une très bonne question. Beaucoup de personnes se sentent en effet un peu
perdues au moment de mettre les pieds dans le plat et de commencer leur chanson.
Mais la réponse à cette question est pourtant simple : vous pouvez commencer votre
chanson n’importe où et par n’importe quoi.
Paroles, mélodie, accords, batterie, guitare... ça n’a strictement aucune importance.

Une suite d’accords sympas, une phrase que vous aurez noté dans votre carnet, un
sifflement, un motif de batterie, une sonorité intéressante ou encore une ligne de
basse, peuvent suffire à commencer votre composition. Le plus important, ce n’est
pas la façon dont vous commencez votre chanson, c’est de la commencer.
Une erreur trop fréquente consiste en effet à vouloir trop tergiverser avant de se
lancer. La plupart des débutants cherchent à maîtriser l’ensemble du déroulement de
leur chanson avant de commencer à la construire. S’ils n’ont pas son plan exact en
tête, alors ils ne démarrent pas et se sentent bloqués. Mais cette façon de faire n’est
pas la bonne car la musique n’est pas une science exacte : il est tout simplement
impossible de prédire à l’avance la direction que prendra un morceau.
La musique, ce n’est pas une route balisée et toute tracée que l’on peut suivre étape
par étape ; c’est une route sauvage que l’on découvre au fur et à mesure de notre
itinéraire. La chanson va se dessiner petit à petit et à mesure que vous travaillerez
dessus, exactement comme l’aventurier construira son voyage jour après jour en
fonction de là où ses pas le mènent. Faites votre premier pas. La suite, vous l’aviserez
plus tard, en cours de route.

D’accord, je veux bien mais concrètement je fais quoi ? Je suis totalement perdu, je ne
sais même pas comment le faire ce premier pas. Et d’abord je commence par quoi ? La
musique ou les paroles ?
Encore une fois, il n’y a pas de réponse exacte à cette question. Les deux approches
sont bonnes et se valent. Vous pouvez très bien commencer par écrire vos paroles et
ensuite votre musique (et inversement), tout comme vous pouvez commencer une
chanson par sa mélodie, son accompagnement, ou n’importe quoi d’autre. Parfois,
vous serez inspiré par une phrase que vous venez de lire et vous partirez de ce point
pour développer vos paroles, tandis que d’autres fois, c’est un bout de mélodie que
vous entendrez à la radio qui déclenchera en vous l’étincelle créative. Il n’y a aucune
règle fixe en composition : vous êtes absolument libre de faire ce que voulez et de
commencer votre composition comme vous le voulez.
Mais c’est totalement inutile ce que tu me racontes là ! Je suis bien avancé moi
maintenant…
Je comprends très bien votre réaction mais comme je l’ai dit tout à l’heure, la
musique n’est pas une recette de cuisine. C’est un art, et à ce titre, elle fait appel aux
émotions et à la personnalité de chacun. La composition est quelque chose de très
personnel. Et puisque tout le monde est différent, vous comprenez pourquoi je ne
peux vous donner une seule façon de faire. En fait, il n’existe pas UNE méthode mais
DES méthodes. La bonne question à se poser n’est donc pas « quelle est la méthode
pour composer et démarrer une chanson ? » mais « quelle est la méthode qui va
fonctionner pour moi ? ». Car la meilleure façon de composer est de composer avec
une méthode qui vous correspond.
C’est ce que je vais vous révéler dans la prochaine section : je vais vous présenter les
principales méthodes de composition. À vous ensuite de toutes les essayer et de
choisir celle qui vous conviendra le mieux. Une fois que vous aurez trouvé celle qui
est faite pour vous, vous n’aurez alors plus aucun mal à démarrer vos compositions.

III / Les différentes méthodes de composition d’une chanson
Même s’il n’y a pas de formule magique ni de recette pour créer une chanson, il
existe tout de même des façons de composer assez répandues qui aident l’artiste à se
lancer et à mettre à profit sa créativité.
Ces méthodes sont des points de départ : Elles doivent vous aider à vous lancer.
Nous verrons par la suite comment développer la chanson dans son ensemble.
Méthode 1 : Trouver une suite d’accords
La première méthode, qui est à mon sens la plus simple pour débuter, consiste à
trouver une suite d’accords. Trouvez un enchaînement de 3-4 accords qui sonnent
bien et qui vous plaisent, puis définissez-en le rythme. (Rdv page 68 pour voir
comment trouver une suite d’accords). Une fois que vous avez tout ça, jouez votre
enchaînement en boucle puis essayez de chanter quelque chose par-dessus pour
déterminer une mélodie. Ça y est ! Vous avez là les racines de votre chanson.
Méthode 2 : Trouver une mélodie et l’harmoniser
Cette méthode est l’inverse de la première : elle consiste à trouver en premier lieu
une mélodie, pour ensuite l’harmoniser, c’est-à-dire trouver des accords qui la
compléteront et la mettront en valeur (Rdv page 93 pour voir comment composer
une mélodie). Même si cette méthode est un peu plus dure à mettre en œuvre que la
première, elle vous aidera à mettre l’accent sur la mélodie et à rendre votre chanson
plus mémorable.
Méthode 3 : Trouver une « ligne »
Cette méthode consiste à trouver ce qu’on appelle une « ligne ». Une ligne est un
bout de chanson caractéristique et souvent répétitif. La ligne peut provenir de
n’importe quel instrument : de la guitare (on parlera alors dans ce cas de riff), de la
basse ou même de la batterie. Votre morceau devra ensuite être construit et se
développer autour de cette ligne. (Rdv page 169 pour voir comment développer un
morceau dans sa totalité à partir d’une idée). Le meilleur exemple d’utilisation de
cette méthode reste la chanson « Around The World» des Daft Punk, qui est
exclusivement construite autour d’une ligne de basse.

Méthode 4 : Commencer par les paroles
Pour ceux qui préfèrent mettre l’accent sur le texte, une bonne façon de faire
consistera à commencer votre chanson par les paroles. Une fois votre texte écrit,
lisez-le en boucle jusqu’à ce qu’une mélodie vous vienne naturellement en tête. (Voir
page 151 pour voir comment créer une mélodie à partir de paroles). Grand amateur
de poésie (et poète lui-même), Bob Dylan avait l’habitude de composer ses chansons
grâce à cette méthode.
Méthode 5 : Partir d’une improvisation
L’improvisation est une façon très courante de composer. Elle peut se faire en groupe
(on parle alors de « jam session ») ou à titre individuel. De cette improvisation peut
naître différentes idées utiles à la composition. Le groupe Red Hot Chilli Peppers
avait l’habitude d’avoir recours aux jam sessions pour composer. Leur chanson « Give
It Away » est ainsi née presque instantanément à partir de la ligne de basse lancée au
cours d’une jam. Cependant, il n’est pas forcément nécessaire de maîtriser les règles
de l’improvisation (qui est une discipline à part entière) pour réussir à composer.
Improviser, c’est aussi tâtonner sur son instrument en cherchant au hasard jusqu’à
repérer une sonorité intéressante et la développer.
Méthode 6 : Le sample
Le sampling consiste à emprunter un extrait musical très court d’une chanson déjà
existante pour en créer une nouvelle. Le sampling est très utilisé en musique
électronique et en hip-hop. L’origine des samples utilisés peut provenir de n’importe
quel groupe ou artiste. Il faut néanmoins veiller à ce qu’il soit suffisamment court
pour ne pas tomber dans le plagiat. Le groupe The Avalanches a composé l’intégralité
de son album « Since I Left You ! » à partir de plus de 1000 samples différents !
Méthode 7 : L’emprunt
Il existe des milliers de chansons libres de droit sur internet alors pourquoi ne pas
vous en inspirer pour vos propres compositions ? Attention, je ne vous dis pas
d’utiliser la chanson en entier (sinon c’est du vol !) mais d’emprunter quelques
fragments de mélodie ou quelques progressions d’accords intéressantes. Essayez
ensuite de développer et de modifier ces éléments pour obtenir une nouvelle
chanson complètement originale !

N’hésitez pas à essayer chacune de ces méthodes

jusqu’à trouver celle qui vous correspond le plus. Je
vous conseille également de changer de méthode
régulièrement (même si vous avez trouvé la méthode
de votre cœur) afin d’apporter de la diversité et de la
variété dans vos compositions. Car si vous utilisez
constamment la même procédure, vous vous
retrouverez vite enfermé dans vos habitudes et vos
compositions finiront inlassablement par tourner en
rond. Sortez de votre « zone de confort » et allez
explorer de nouvelles façons de faire et de nouveaux
horizons. C’est le meilleur moyen de développer votre
créativité.
© Maeka Alexis

IV / Un dernier coup de pouce pour démarrer
Un dernier petit conseil pour vous aider à démarrer : définissez avant toute chose le
but de votre chanson. Cherchez-vous à véhiculer un message particulier ? Lequel ?
Qu’aimeriez-vous que l’auditeur retienne après l’avoir écoutée ? Quel est le rôle de
votre chanson ? Doit-elle faire pleurer ? Doit-elle faire réfléchir ? Ou au contraire
faire danser ? Musicalement comment voyez-vous votre chanson ? Très énergique
avec de nombreux instruments ? Ou calme et très épurée ?
Prenez quelques minutes pour répondre à toutes ces questions. Ça vous aidera non
seulement à y voir plus clair, mais surtout à garder le cap durant toute l’écriture de
votre morceau.
Une fois ce travail fini, allez chercher des chansons se rapprochant des conditions que
vous venez de définir parmi celles de vos artistes référents. Sélectionnez trois ou
quatre chansons. Ces chansons seront vos modèles et vous serviront de béquille
durant tout votre processus de composition.
Exemple :
- But : Je cherche à composer une chanson assez calme et épurée avec un

tempo lent et une mélodie très prononcée. Ce sera une chanson globalement
triste car je veux qu’elle me permette d’exprimer mes conditions de travail
difficiles.
- Artistes référents : Led Zeppelin, The Rolling Stones, The Velvet Underground,
Eels
- Chansons modèles : Tangerine, Wild Horses, Candy says, Beautiful Freak

À vous de jouer :
Exercice 1 : Listez les objectifs de votre chanson. Essayez d’être le plus précis
possible en imaginant clairement ce que vous voulez faire ressentir à vos auditeurs.
Exercice 2 : Cherchez les chansons de vos artistes référents qui remplissent les
objectifs fixés.
Exercice 3 : Essayez d’atteindre les objectifs fixés en démarrant votre

composition par chacune des méthodes décrites ci-dessus. Pour la même chanson,
vous devez tester les 7 approches différentes.
Exercice 4 : Après avoir testé les 7 méthodes de composition, déduisez en votre

méthode de composition préférée. Répétez les 3 exercices précédents et créez un
nouveau morceau à partir de cette seule méthode. N’oubliez pas de revenir
régulièrement aux autres méthodes pour diversifier vos compositions.

PARTIE 3 : Composer les 4

piliers d’une chanson
Chapitre 4 : Pilier 1, l’accompagnement……………………………..65

Chapitre 5 : Pilier 2, la mélodie……………………………………………93
Chapitre 6 : Lier l’accompagnement et la mélodie…………….115
Chapitre 7 : Pilier3, les paroles………………………………………….127
Chapitre 8 : Mettre en relation paroles et musique………….148
Chapitre 9 : Pilier 4, le rythme…………………………………………..158

Nous venons de voir qu’une chanson était constituée de 4 piliers : la mélodie,

l’accompagnement, le rythme et les paroles. Dans cette partie, nous verrons
justement comment composer chacun de ces piliers. Nous verrons également
comment les mettre en relation afin de créer une chanson parfaitement cohérente et
homogène. Car la clé d’une chanson réussie, c’est la symbiose qui existe entre ces 4
piliers. Encore plus qu’une belle mélodie, une suite d’accords géniale ou un rythme
d’anthologie, ce qui va déterminer ou non l’efficacité de votre chanson, c’est
l’homogénéité entre ces différents piliers.
Une chanson est à l’image d’un groupe de musique : plus que les individualités qui le
composent, c’est la synergie qui existe entre les membres qui déterminera la qualité
de la musique. Le guitariste aura beau être aussi fort que Jimi Hendrix, si les autres
membres ne sont pas là pour mettre en valeur sa partie, ça ne servira à rien. Pour
une chanson c’est la même chose : la mélodie aura beau être grandiose, si elle n’est
pas pensée dans un cadre commun avec l’accompagnement, la mélodie, ou les
paroles, elle ne sera pas efficace.
Cette partie sera donc axée tant sur la composition des piliers en eux-mêmes, que sur
leur mise en relation.

Chapitre 4 : Pilier 1, l’accompagnement
- À créer un accompagnement efficace pour votre chanson
- Quels sont les 6 accords universels présents dans 99% des chansons actuelles ?
- À vous inspirer des suites d’accords des plus grands hits pour créer vos propres
accompagnements
- À créer un accompagnement qui sonne juste à partir de n’importe quel accord
- À apporter de la diversité à votre suite d’accords
- À créer une suite d’accords originale et innovante

Introduction
L’accompagnement est à la chanson ce que les fondations sont à une maison : si ces
fondations sont solides, alors vous pourrez construire quelque chose de magnifique
par-dessus. Au contraire si elles sont faibles, alors tout ce que vous ajouterez par la
suite risquera de s’effondrer. Il convient donc de soigner particulièrement votre
accompagnement car c’est de lui que dépendra tout le reste de votre chanson.
L’accompagnement est aussi la partie la moins exposée d’une chanson : il exerce son
rôle dans l’ombre (contrairement à la mélodie qui est au premier plan) mais
influence néanmoins l’intégralité du morceau. C’est en effet l’accompagnement qui
déterminera la « couleur » de la mélodie, ainsi que la sonorité et « l’humeur »
générale du morceau.
Enfin, il est à noter que l’accompagnement est formé par la combinaison de plusieurs
accords. On parlera alors de « suite d’accords ».

I / Qu’est-ce qu’un accord ?
Je ne vais pas revenir en détail sur les notions théoriques des accords (pour cela, je
vous invite à lire le chapitre 5 de mon guide « L’Essentiel du solfège pour composer »)
mais je vais tout de même vous donner quelques explications essentielles (je sais, je
suis sympa ;)).
Un accord, c’est la combinaison d’au moins trois notes jouées simultanément.
Ces différentes notes sont séparées entre elles par une certaine distance que l’on
appelle « intervalle ». Et c’est la nature de cet intervalle (c’est-à-dire la distance qu’il
y a entre les notes) qui déterminera la sonorité et la « couleur » de l’accord. Ainsi, la
sonorité d’un accord dépendra autant des notes choisies que des intervalles qui le
composent. En fonction des différents intervalles et des différentes notes qui le
composent, l’accord aura donc une sonorité spécifique.
En choisissant différents accords, vous choisirez certaines sonorités particulières qui,

une fois mises bout à bout, construiront la base de votre chanson. Pour reprendre
notre comparaison avec la construction d’une maison, choisir des accords revient à
choisir la nature de votre matériel de construction. Briques, ciment, bois… vous avez
le choix entre de nombreux éléments et c’est de ce choix que dépendra tout le reste
de votre construction. Une maison en brique n’aura en effet pas la même allure
qu’une maison en bois !

II / Comment trouver une suite d’accords qui sonne bien ?
Comme nous venons de le voir, les différentes combinaisons d’accords permettent de

créer l’accompagnement de la chanson. Seulement voilà : il existe des centaines
d’accords différents et probablement des centaines de milliers de combinaisons
possibles. Alors comment font les musiciens pour trouver une suite d’accords qui
sonne juste ? Piochent-ils des accords au hasard en les combinant de façon aléatoire
jusqu’à ce qu’ils soient satisfaits du résultat ? Ou existe-t-il des règles et des
techniques leur permettant de trouver une bonne suite d’accords ? (Indice : la bonne
réponse se trouve plutôt au niveau de la deuxième proposition).
Il existe en effet certaines règles et certaines techniques qui vous aideront à trouver
une suite d’accords qui sonne juste. Ces règles existent car les accords ne sont pas
égaux entre eux : chacun d’entre eux possède sa propre nature, sa propre sonorité,
mais surtout ses propres affinités. Certains accords sonneront en effet mieux qu’avec
d’autres. Tout l’enjeu de ces règles consiste donc à vous aider à repérer ces
différentes affinités afin de vous faire gagner du temps. Pour ce faire, nous allons voir
ensemble plusieurs techniques.
Technique 1 : Utiliser les 6 accords universels

Un nombre incalculable de chansons sont composées avec les mêmes accords. Ces
accords, je les ai appelés les « 6 accords universels » car ce sont des classiques de
chez classique constamment utilisés dans le monde de la pop et de la musique
actuelle. Même les plus grands artistes y ont eu recours pour composer leurs titres
les plus populaires.
Et les 6 accords universels sont…
Dans la catégorie « accords classiques », les 6 accords à entrer dans le panthéon de la

musique et de la composition sont :

 L’accord de Sol Majeur (G)
 L’accord de Do Majeur (C)
 L’accord de Ré Majeur (D)
 L’accord de Fa Majeur (F)
 L’accord de La Mineur (Am)
 L’accord de Mi Mineur (Em)
Bravo à eux ! Nous pouvons les applaudir bien fort ! Tout de suite, écoutons le
discours de l’accord de Sol majeur (hum, je m’égare un peu là…)
Rappel : La notation américaine
Vous voyez qu’au niveau du nom des accords, j’ai rajouté certaines fois une lettre de
l’alphabet. (ex : G ou C). Ces lettres correspondent à la façon américaine de noter les
accords. Je tenais à vous présenter cette notation car vous la rencontrerez très
fréquemment dans votre vie de musicien.
Chaque lettre désigne le nom d’un accord :
Notation
A B C D E F G
américaine
Notation
La Si Do Ré Mi Fa Sol
française
Si la lettre est seule (comme dans notre exemple précédent avec G ou C) cela veut
dire que l’accord est majeur. Tandis que si la lettre est accompagnée d’un « m »
minuscule, cela veut dire que l’accord est mineur (Par exemple Am = La mineur).
Apprendre à jouer les 6 accords universels
Si vous commencez à jouer d’un instrument et que vous cherchez à reproduire

rapidement les musiques de votre cœur, ne cherchez plus ! Commencez d’abord par
apprendre à jouer ces accords. Il y a fort à parier que vos chansons les contiennent.

De plus, en apprenant ces accords, vous serez en mesure de créer rapidement un

accompagnement efficace et amplement suffisant pour écrire une belle chanson
(quand je vous disais qu’il ne fallait pas être un virtuose pour réussir à composer !).
Avec un peu de pratique, vous devriez réussir à les maîtriser en moins d’une heure.
Pour vous faciliter le travail, je vous ai même préparé les diagrammes visuels pour
piano et guitare.
Accord Partition Piano Guitare
Sol Majeur (G)
Do Majeur (C)
Ré Majeur (D)
Fa Majeur (F)
La Mineur (Am)

Mi Mineur (Em)
Composer grâce aux 6 accords universels
Et maintenant, comment utiliser ces 6 accords dans vos compositions ? C’est très
simple : Il vous suffit de piocher les accords de votre choix et de les faire suivre dans
l’ordre que vous voulez ! Allez-y par tâtonnement : testez différentes combinaisons et
voyez celles qui vous plaisent le plus. Le nombre d’accords à utiliser n’a pas
d’importance : vous pouvez très bien créer des suites de 3, 4, 5 ou 6 accords. Vous
pouvez également répéter le même accord plusieurs fois dans votre suite. Tout est
possible !
N’oubliez pas non plus de varier les rythmes et la façon dont vous jouez les accords
pour démultiplier encore vos possibilités (Voir page 90 pour plus de renseignements
sur la variation d’une suite d’accords).
Voici quelques exemples de chansons utilisant les 6 accords universels :
 Yellow Submarine (The Beatles) - D, C, G, Em, Am
 Waiting For You (Ben Harper) – G, Em, F, C, D
 Le Vent Nous Portera (Noir Désir) - Em, D
 Je T'aimais, Je T'aime, Je T'aimerai (Francis Cabrel) - G, D, C, Em, Am
 Jesus Doesn't Want Me For A Sunbeam (Nirvana) - E, D, A, D/A

Technique 2 : Le cycle des quintes
Le cycle des quintes, c’est quoi ?
Concrètement, le cycle des quintes c’est ça :
Il présente sous forme d’un cadran différents accords. Les accords à l’extérieur du
cercle sont des accords majeurs tandis que ceux à l’intérieur du cercle sont mineurs.
(Cliquez-ici pour voir mon tutoriel vidéo sur la formation des accords). Tous ces
accords n’ont pas été choisis au hasard, il existe une relation entre eux :
Quel que soit l’accord du cercle, celui qui se trouvera à sa droite sera séparé par un
intervalle de quinte, tandis que celui qui se trouvera à sa gauche sera séparé par un
intervalle de quarte. (Cliquez-ici pour voir mon tutoriel vidéo sur les intervalles si
cette notion vous est inconnue)
Exemple : si on prend l’accord de Do, l’accord qui le suivra sera l’accord de Sol (Do,
Re, Mi, Fa, Sol on compte bien 5 donc une quinte) et celui qui le précédera sera
l’accord de Fa (Do, Ré, Mi, Fa, on compte bien 4 donc une quarte).

Ça marche aussi pour les accords à l’intérieur du cercle : En prenant le La mineur, on

retrouvera l’accord de Mi mineur à sa droite (La, Si, Do, Ré, Mi = 5) et Ré mineur à sa
gauche (La, Si, Do, ré = 4)
Pour chaque accord majeur (donc situé à l’extérieur du cercle), l’accord se trouvant
directement en dessous (à l’intérieur du cercle) correspondra à sa mineure relative.
Pour rappel deux gammes relatives sont deux gammes partageant la même armure.
Elles sont donc très proches et se ressemblent fortement par définition. (Voir ce
tutoriel vidéo pour plus d’explications sur la notion de gamme relative)
A quoi sert le cycle des quintes pour composer ?
Le cycle des quintes va nous aider à trouver des suites d’accords. Voilà comment
l’utiliser :
 1) Choisissez n’importe quel accord du cercle, et enchaînez-le ensuite avec ses

deux accords voisins (ceux se situant directement à sa droite ou à sa gauche)
dans l’ordre que vous voulez. Et là, stupéfaction : ça sonne bien ! Essayez, vous
verrez que cette technique marche quel que soit l’accord que vous choisirez.
Exemple : Si je choisis le Do ma suite d’accords pourra être : Do / Sol / Do / Fa,
ou simplement Do / Sol, ou encore Do / Fa / Sol etc…
 2) Essayez maintenant d’élargir un peu vos possibilités en mélangeant les

accords majeurs (à l’extérieur du cercle) aux accords mineurs (à l’intérieur du
cercle). Pour cela, dès que vous avez un accord majeur, jouez l’accord mineur
se trouvant directement en dessous. Vous pouvez ensuite revenir sur les
accords majeurs ou enchaîner avec les accords mineurs voisins !
Exemple vidéo: «I will » des Beatles.
 3) Prenez un accord, puis enchaînez-le avec n’importe quel accord du cercle.

Ensuite revenez progressivement à l’accord de base en jouant à la suite les
accords se situant entre les deux accords choisis.
Exemple : Vous prenez l’accord de Do puis vous décidez de l’enchaîner avec

l’accord de La. Il ne vous reste plus qu’à revenir progressivement au Do en
jouant d’abord l’accord de Ré puis celui de Sol. Cliquez-ici pour voir la vidéo de
démonstration.

Technique 3 : L’harmonisation des gammes
Les choses vont commencer à se compliquer un petit peu plus à partir de maintenant
car dorénavant, vous allez créer votre propre suite d’accords. Tout à l’heure, on se
contentait seulement de choisir des accords parmi une liste pré-établie alors que
maintenant, on va créer nos propres suites et ce, à partir de n’importe quel accord.
Rassurez-vous, je ne vais pas vous laisser galérer au milieu de toute cette jungle
d’accords pour autant. ;) Je vais vous accompagner étape par étape pour vous aider à
créer votre première suite d’accords. Vous êtes prêt ? C’est parti !
Attention ! Cette section fait appel à quelques notions théoriques. Pour l’aborder
au mieux, je conseille avant toute chose de regarder mon tutoriel vidéo sur les
gammes et celui sur la formation des accords.
Étape 1 : Choisir le premier accord
Il va bien falloir commencer notre suite quelque part. Pour cela, on va choisir un
premier accord. Choisissez celui que vous voulez, n’importe lequel. C’est fait ? Bien.
On va pouvoir passer à l’étape 2 (vous avez vu comme c’est facile pour l’instant ? ;))
Étape 2 : Utiliser la gamme dont l’accord est issu
Admettons que vous ayez choisi l’accord de Do Majeur comme premier accord de
votre suite. Maintenant, il ne vous reste plus qu’à prendre la gamme de Do Majeur
pour trouver les autres accords. Pourquoi cette gamme en particulier ? Tout
simplement parce que les suites d’accords commencent très souvent par l’accord du
Ier degré de leur gamme. Do Majeur étant logiquement le premier accord de la
gamme de Do Majeur (puisqu’il lui donne son nom), on va prendre la gamme de Do
Majeur. Si vous aviez choisi un accord de Sol# mineur, vous auriez eu à choisir la

gamme de Sol # mineur, si vous aviez pris un accord de Fa Majeur, la gamme de Fa

majeur etc… Vous voyez le principe. ;)
On prend la gamme de Do Majeur
Étape 3 : Harmoniser la gamme
Maintenant que l’on a notre gamme, on va l’harmoniser : c’est-à-dire que l’on va

créer des accords à partir de chacune des notes de cette gamme. Pour ce faire, il
nous suffit d’empiler la tierce et la quinte de chacune des notes de la gamme.
Exemple : Avec la première note de la gamme, le Do, on empile une tierce pour
obtenir le Mi et une quinte pour obtenir le Sol.
Voilà ce qu’on obtient au final si on applique ce processus pour toute la gamme :
Gamme de Do Majeur harmonisée
Surtout, faites attention à bien respecter les altérations inhérentes à la gamme. En

Do Majeur, vous n’avez pas grand-chose à faire car la gamme ne possède aucune
altération à la clé. Par contre, si vous aviez choisi un accord de Mib majeur (et donc
une gamme de Mib majeur), vous auriez eu à ajouter les 3 bémols à la clé de cette
gamme.

Exemple : On harmonise la gamme de mi.
On harmonise la gamme de Mi à l’état naturel
Puisqu’on est en Mib Majeur, on sait que la gamme possède 3b à la clé (enfin vous le
savez si vous avez pris la peine de bien réviser votre solfège :p). On va donc ajouter
ces altérations (si, mi, et la) pour respecter la structure de la gamme.
On ajoute les altérations inhérentes à la gamme (ici 3 bémols)
Je vous mets le tableau récapitulatif des altérations existantes en fonction des

gammes pour vous aider. Encore une fois, si toutes ces notions d’altérations et
d’armures sont encore un peu trop obscures pour vous, je vous invite à aller revoir
mon tutoriel vidéo sur les gammes qui vous aidera à tout comprendre de A à Z. ;)

Étape 4 : En déduire les accords à utiliser pour notre suite
Maintenant que l’on a harmonisé notre gamme, on a notre disposition des accords
que l’on va pouvoir utiliser dans notre suite. En ayant harmonisé la gamme de Do
majeur, on obtient par exemple les accords :
 Do majeur
 Ré mineur
 Mi mineur
 Fa majeur
 Sol majeur
 La mineur
 Si diminué

(Pour comprendre la nature et le nom de ces accords, rendez-vous sur mon tutoriel
consacré à la formation des accords). Faites suivre ces accords dans l’ordre que vous
voulez, vous pouvez être sûr qu’ils sonneront bien ! Maintenant, libre à vous d’utiliser
et de décliner cette méthode pour n’importe quelle gamme et pour n’importe quel
mode !
Remarque : Si vous êtes attentifs, vous aurez remarqué que 5 des 7 accords obtenus
correspondent aux 6 accords universels ! Voilà d’ailleurs pourquoi ces accords sont
autant utilisés : ils correspondent aux accords issus de l’harmonisation de la gamme
de Do Majeur.
Technique 4 : Les enchaînements de degrés
Maintenant que vous avez compris la technique d’harmonisation des gammes, on va

pouvoir passer à la vitesse supérieure et aborder la technique des « enchaînements
de degrés ».
Qu’est-ce que cette technique ? C’est très simple : Dans le monde de la musique et
de la composition, il existe des combinaisons précises d’enchaînement d’accords.
Cependant, ce que l’on va enchaîner, ce ne sont pas les accords en tant que tels, mais
leurs degrés, c’est-à-dire l’ordre dans lequel ils apparaissent dans la gamme.
Exemple : si on parle de l’enchaînement I, IV, V, cela voudra dire qu’il nous faudra
faire suivre dans l’ordre le premier, le quatrième, et le cinquième accord de notre
gamme. Si on reprend notre exemple précèdent, on aurait eu à enchaîner l’accord de
Do Majeur, puis l’accord de Fa Majeur et enfin l’accord de Sol Majeur.

Certaines de ces combinaisons sont utilisées à outrance dans le monde de la

composition. Voici les plus connues d’entre-elles :
La combinaison I IV V
C’est la combinaison de l’exemple précédent. La progression I, IV, V est la plus

populaire de toutes et a été utilisée dans de nombreuses chansons. Comme son nom
l’indique, elle consiste à enchaîner dans l’ordre l’accord du premier degré de la
gamme, puis celui du quatrième degré, et enfin celui du cinquième degré. Voici
quelques exemples de chansons basées sur cette combinaison :
 Moby Dick - Led Zeppelin

 Jailhouse Rock - Elvis Presley
 I want to break free – Queen
 I Feel Good - James Brown
La combinaison I vi ii V (ou Anatole)
Pour réaliser cette combinaison, il nous faudra enchaîner le premier accord de la

gamme, puis le sixième, puis le second et enfin le cinquième.
Pour la gamme de Do majeur, notre suite sera donc : Do Majeur, La mineur, Ré

mineur, et Sol Majeur.
Petite précision quand même : vous remarquerez que pour certains degrés j’ai utilisé
des majuscules (I, V) et pour d’autres des minuscules (vi, ii). Ce n’est pas une

coquetterie de ma part (même si je trouve ça effectivement très classe) mais une

convention musicale : la majuscule signifie que l’accord est majeur et la minuscule
que l’accord est mineur.
Et alors qu’est-ce que ça change ?
Ça change tout ! Car il faut veiller à respecter la nature de l’accord de la combinaison

pour que notre suite sonne bien. Si on veut utiliser la combinaison I vi ii, V, il faudra
donc veiller à ce que le premier accord soit majeur, le sixième mineur, le deuxième
mineur et le cinquième majeur.
Degré I vi Ii V
Nature de Majeur mineur Mineur Majeur
l’accord
Dans notre exemple de gamme de Do majeur, on voit que la nature de ces accords
est bien respectée (pour rappel on connaît la nature d’un accord en analysant la
nature de sa tierce, si on a une tierce mineure, l’accord sera mineur et si on a une
tierce majeure, l’accord sera majeur. >> Voir le guide « L’Essentiel du Solfège p28
pour plus d’explications ;)). Par contre, si on prend une gamme de La mineur, on se
rend compte que cette nature n’est pas respectée et il faudra ajouter des altérations
supplémentaires aux accords pour que ce soit le cas.
Exemple : On pioche les accords 1, 6, 2 et 5 de notre gamme de La mineur

harmonisée.
A l’état initial, notre suite est : La mineur, Fa majeur, Si diminué, Mi mineur. Or, si on
veut suivre la structure de la combinaison I, vi, ii, V il faut que l’on s’arrange pour
obtenir les accords La Majeur, Fa# mineur, Si mineur et Mi majeur.

Accords
La mineur Fa majeur Si diminué Mi mineur
initiaux :
Accords
La majeur Fa# mineur Si mineur Mi majeur
souhaités :
On rajoute donc des altérations aux accords initiaux afin de respecter la structure et
obtenir les accords souhaités.
Et voilà ! Le tour est joué. ;) Si vous voulez des exemples de chansons composées à
l’aide « d’Anatole-s », vous pouvez écouter « One drop » de Bob Marley, ou encore
« Spread your wings » de Queen.
La combinaison I, vi, IV, V
Maintenant que vous avez compris le principe, il ne vous reste plus qu’à appliquer la
combinaison ! Pour une gamme de Do majeur, la suite d’accord à utiliser serait : Do
majeur, La mineur, Fa majeur et Sol Majeur. Cette suite est notamment utilisée dans
les chansons « Dyer Maker » de Led Zeppelin, « Octopus Garden » des Beatles, et
« Stand by me » de Ben E King.
La combinaison I V vi IV
Cette combinaison est tellement utilisée, qu’on l’appelle même « la suite des 4
accords magiques ». Cette suite a été rendue célèbre par le groupe humoristique
« Axis of Awsome » qui, au cours d’une vidéo, a repris des titres aussi variés que
« You’re Beautiful » de James Blunt, « No Woman No Cry » de Bob Marley, ou encore
«Let It Be » des Beatles en ne changeant jamais d’accompagnement. Si vous aussi
vous cherchez à créer un hit, ne cherchez plus ! Utilisez la combinaison I, vi, IV, V. ;)

La combinaison I VI III VII
Cette suite est également très fréquemment utilisée dans le monde de la musique.
Elle a notamment servi pour composer les chansons « Otherside » des Red Hot Chili
Peppers, et « Not Afraid » d’Eminem.
Voilà pour les combinaisons, à vous maintenant de les tester et surtout de les
appliquer pour toutes les gammes et les modes de votre choix afin de démultiplier
vos possibilités !
Technique 5 : Autochords
Les techniques pirates sont des petits raccourcis qui vous

aideront à gagner énormément de temps. Vous en retrouverez
quelques-unes tout au long du livre. Ici, la technique pirate qui
nous intéresse s’appelle « Autochords ». Autochords est un
logiciel qui permet de générer automatiquement une suite
d’accords efficace. Choisissez l’accord de votre choix, l’humeur que vous voulez pour
votre morceau, et le logiciel vous fournira automatiquement les bons accords !
Magique !! Attention, ce logiciel n’est pas une raison suffisante pour ne pas appliquer
tout ce que je vous ai expliqué précédemment. ;)

III / Comment trouver une suite d’accords originale ?
Vous savez maintenant comment trouver une suite d’accords agréable à l’oreille mais
vous en voulez encore plus. Vous trouvez en effet que ce sont toujours les mêmes
accords qui sont utilisés, et vous préférez vous démarquer des autres en sortant des
sentiers battus. Vous êtes donc en quête de nouveauté et d’une suite d’accords
originale.
Laissez-moi vous dire une petite chose avant de continuer : l’originalité d’une
chanson ne repose pas forcément sur l’originalité de ses accords. Beaucoup de
personnes font en effet l’erreur de vouloir chercher uniquement la complexité et ne
jurent que par les accords les moins utilisés. Mais c’est une erreur, car une chanson
ne s’arrête pas qu’à ses accords. Regardez par exemple « Daddy DJ » et « With or
Without you » de U2 : ce sont deux chansons totalement différentes et pourtant, les
accords qui les composent sont absolument identiques !!
De plus, de très nombreuses chansons aujourd’hui considérées comme des

« classiques » sont composées à partir d’une base d’accords relativement simple ! Les
accords ne font pas tout, votre chanson dépend de très nombreux autres paramètres
comme : la mélodie, l’orchestration, la synergie entre les parties et j’en passe… Osez
donc la simplicité, votre chanson n’en pâtira pas. Bien au contraire !
Maintenant cette mise en garde passée, on va pouvoir rentrer dans le vif du sujet :
rendre sa suite d’accords plus originale et pimentée.
Technique 1 : Utiliser les renversements d’accords

Un renversement, c’est le fait de changer l’ordre des notes qui composent l’accord.
Tout à l’heure, nous avons vu que des accords à leur état « fondamental » (c’est-à-
dire commençant par leur première note) sont formés par l’empilement régulier de
tierces. Mais rien ne nous empêche de construire l’accord selon un ordre différent,
en le commençant par exemple par sa deuxième note (que l’on appelle la tierce) ou
sa troisième note (la quinte).
Rappel : la structure de l’accord.

Ainsi, un accord à 3 notes peut se présenter sous 3 formes différentes :
 L’état fondamental : la fondamentale est à la base de l’accord

 Le 1er renversement : la tierce est à la base de l’accord
 Le 2ème renversement : la quinte est à la base de l’accord
Exemple : Avec l’accord de Do majeur
Le renversement est très intéressant car il vous permet d’obtenir de nouvelles

sonorités sans pour autant changer la nature de l’accord. Par exemple, un accord de
Do majeur au premier renversement sera toujours un accord de Do majeur. C’est un
peu comme intégrer des nuances de couleurs à votre tableau. Vous pouvez ajouter
du bleu foncé, du bleu clair ou du bleu turquoise : la couleur ne sera pas exactement
la même (ce qui apportera de la diversité) mais fondamentalement, ça sera toujours
du bleu.
Technique 2 : Ajouter de nouveaux types d’accords
Pour l’instant, je ne vous ai parlé que des accords à 3 sons. Mais il existe plein
d’autres types d’accords comme les accords à 4 sons appelés « accords de
septième ». N’hésitez pas à inclure ces accords à votre suite pour lui apporter un peu
plus de profondeur.
Exemple : « Ain’t She Sweet » des Beatles est un exemple parfait de chanson
mélangeant accords à 3 sons et accords de septième. Le quatrième accord du refrain
est par exemple un accord de Si septième.

Vous pouvez également utiliser un autre type d’accord : l’accord à deux sons (même
si dans ces cas-là on ne parle plus vraiment d’accord mais d’intervalle harmonique).
Pour ce faire, il vous suffit simplement de tronquer une note (généralement la
dernière) à votre accord de base. Cette technique est régulièrement employée dans
le rock et dans la pop pour laisser plus de place à la mélodie.
Exemple : le refrain de la chanson « Sun’s coming Up » de Tame Impala (à écouter à

partir de 1’30’’)
 En (1), on voit clairement que l’accord utilisé entre la première et deuxième

répétition est le même, à ceci près qu’il lui manque sa dernière note :
le sol.
 En (2), on peut voir une variante de cette technique et un autre type

d’accord que j’appelle personnellement « l’accord tronqué et doublé à
l’octave » (même si cet accord doit avoir un nom spécifique, mes excuses
aux puristes !). La note tronquée est remplacée par la tonique de l’accord à
l’octave. Cette technique permet de faire monter la suite en intensité.
Remarquez d’ailleurs comme la voix du chanteur s’envole à partir de ce
moment.

Remarque : Si vous avez eu l’œil attentif, vous aurez remarqué que la suite d’accords
de « Sun’s Coming Up » est composée d’accords renversés. Le premier accord est par
exemple un accord de sol mineur à l’état de deuxième renversement.
Technique 3 : Utiliser des accords d’autres tonalités

Avec les techniques précédentes, on se contentait simplement de rester dans la
même tonalité. C’est-à-dire que les accords de notre suite étaient tous issus de la
même gamme. Par exemple, en Do majeur on utilisait uniquement les accords Ré
mineur, Mi mineur, Fa majeur, Sol majeur, La mineur et Si diminué. Or, rien ne nous
empêche d’utiliser d’autres accords ne faisant pas partie de la tonalité de Do Majeur.
En musique, il est même tout à fait courant que des accords issus de tonalités
différentes se rencontrent au sein d’un même morceau.
Le problème, c’est qu’il n’est pas forcément aisé de faire sonner des accords
« étrangers » avec vos accords de bases. En changeant de tonalité, vous vous exposez
en effet au risque de dénaturer votre suite et de perdre votre homogénéité. Pour
reprendre mes métaphores culinaires (je sais, ça vous a manqué !), je dirais qu’utiliser
des accords d’autres tonalités revient à cuisiner sucré, salé. Lorsque c’est réussi, vous
pouvez être certain que votre plat sera unique et raffiné. Cependant, il n’est pas
toujours facile de marier la poire et le foie gras ! Pour être sûr de ne pas louper notre
recette, nous allons recourir à deux techniques : la technique des gammes relatives et
la technique du mélange.
Les gammes relatives
Attention ! Cette section requiert quelques connaissances théoriques. Pour tout

comprendre, je vous invite à regarder mon tutoriel vidéo sur les gammes et celui
sur les intervalles.
Deux gammes relatives sont deux gammes, l’une majeure et l’autre mineure,
partageant exactement la même armure. Même s'il s’agit de deux gammes
différentes, elles sont par définition très proches. Grâce à elles, vous pourrez donc
changer aisément de tonalités. Il vous suffira en effet de trouver la gamme relative
d’une gamme donnée, puis de piocher parmi les accords de cette gamme pour
apporter de la diversité à votre morceau. Comment trouver la gamme relative d’une
gamme de base ? C’est très simple : Il existe une relation mathématique liant deux
gammes relatives :

Gamme Majeure – tierce mineure (1t + 1/2t) = Gamme Mineure relative
Et inversement :
Gamme Mineure + tierce mineure (1t + 1/2t) = Gamme Majeure relative
Exemple : On cherche la gamme relative de la gamme de La mineur. Grâce à notre

relation mathématique, on sait que l’on va devoir ajouter une tierce mineure soit 1t +
1/2t à partir de La, ce qui nous donne Do.
La gamme relative de La mineur est donc Do Majeur. Maintenant, libre à vous de

piocher parmi les accords de cette nouvelle gamme pour diversifier votre suite
d’accords.
Exemple : On a la suite d’accords DoM, FaM, SolM, DoM. Ces accords correspondent
aux degrés I, IV, et V de la gamme de Do Majeur. Grâce à nos calculs, on sait que la
gamme relative de Do Majeur est La Mineur. On va donc remplacer un des accords de
la gamme de Do Majeur par un accord de la gamme de La Mineur. Pour le faire de
manière fluide, on va utiliser un accord du même degré. Par exemple, pour
remplacer le dernier accord de notre suite qui est l’accord du premier degré Do
Majeur, on va utiliser l’accord du premier degré de la gamme de La Mineur. On dit
alors que La mineur est l’accord relatif de Do Majeur.
On cherche à remplacer le dernier accord de la suite qui est un accord du 1er degré

On le remplace donc par l’accord du premier degré de notre gamme relative
Notre nouvelle suite d’accords est donc :
On dit que La mineur est l’accord relatif de Do Majeur
Mélanger gammes mineures et majeures du même nom
Cette technique est très simple et très efficace : elle consiste à mélanger les accords
de deux gammes majeures et mineures portant le même nom. Par exemple de
mélanger les accords de la gamme de Do Majeur et de Do Mineur. Ces deux gammes
sont totalement différentes (Do Majeur à une armure vierge alors que Do Mineur à 3
bémols à la clé) mais leur nomenclature commune leur permet d’avoir leurs accords
classés dans le même ordre. Leur mélange est donc intéressant car pour un même
degré, même si l’accord porte le même nom, il sera d’une nature totalement
différente. Par exemple, le troisième degré de ces deux gammes sera un accord de
Mi, mais dans le cadre de la gamme de Do Majeur il s’agira de l’accord de Mi Mineur
alors que dans celui de la gamme de Do Mineur, d’un accord de Mi bémol majeur.
Accords issus de la gamme de Do Majeur : (on les retrouve après harmonisation de la

gamme comme nous l’avons vu précédemment)

Accords issus de la gamme de Do Mineure :
Maintenant, il ne vous reste plus qu’à tester différentes combinaisons en piochant

parmi les accords de ces deux gammes.
Exemples de combinaisons d’accords entre les deux gammes :

IV / Faire varier sa suite d’accords
En plus de toutes ces astuces, vous pouvez apporter de la variation à votre suite
d’accords en fonction de la manière dont vous la jouez. Jusqu’alors, on se contentait
seulement de changer la nature des accords, mais la façon dont vous allez jouer ces
accords est tout aussi importante.
Un bon moyen d’apporter de la variation à votre suite d’accords consiste à l’arpéger.

Que veut dire « arpéger » un accord ? C’est très simple : ça veut dire jouer les notes
qui le composent une à une.
Exemple : La chanson « Little Love » d’Aaron est composée de plusieurs accords de

Ré Majeur mais les notes de ces accords ne sont pas jouées simultanément.
Extrait de la partition de « Little Love » : On voit distinctement

que les notes de l’accord sont jouées une à une.
Ce principe d’arpège est abondamment utilisé en composition et permet d’apporter

une vraie profondeur à votre morceau. Si vous voulez d’autres exemples d’arpèges,
je vous invite à écouter les morceaux « Nothing Else Matters » de Metallica
(l’introduction), « Hotel California » des Eagles ou encore Aerodynamic de Daft Punk
(le solo de guitare).

Et n’oubliez jamais…
Que toutes ces techniques ne sont que des outils pour favoriser l’inspiration et vous
aider à démarrer. Cependant, ce ne sont en aucun cas des règles immuables à
respecter scrupuleusement. Ne faites surtout par l’erreur de devenir un
« mathématicien de la musique » et de calculer absolument tout ce que vous faites
en ayant uniquement recours à la théorie.
N’oubliez jamais qu’en musique, il n’existe aucune règle qui ne puisse être enfreinte,
et que c’est justement l’infraction de ces règles qui vous permettra de découvrir les
sonorités les plus intéressantes. La beauté de la musique, c’est aussi et surtout la
possibilité d’être libre de pouvoir faire ce que vous voulez grâce au pouvoir de votre
imagination.
© Brisbane City Council

À vous de jouer :
Exercice 1 : Trouvez un accompagnement à partir des 6 accords universels
Exercice 2 : Trouvez un accompagnement à partir du cycle des quintes :

- En utilisant que des accords majeurs ou mineurs dans un premier temps
- En mélangeant accords mineurs et majeurs dans un second temps.
Exercice 3 : Grâce à la technique d’harmonisation des gammes, construisez une

suite de 4 accords à partir de l’accord de :
 La Majeur
 Do Mineur
Exercice 4 : Construisez la suite d’accords I vi IV V à partir de l’accord de Sol

Majeur
Exercice 5 : Modifiez la suite d’accords : Do Majeur / Fa Majeur / Sol Majeur / Do

Majeur
- En intégrant des accords renversés et de différentes natures
- En empruntant des accords d’autres tonalités
Exercice 6 : Jouez la même suite d’accords (de votre choix) en la faisant varier
grâce aux techniques d’arpèges.

Chapitre 5 : Pilier 2, la mélodie
 5 Méthodes pour apprendre à créer vos propres mélodies (+ leurs variantes

pirates)
 Une méthode pour lutter contre la page blanche et trouver une mélodie
même si vous n’avez aucune inspiration
 Comment s’inspirer des plus grandes mélodies pour créer les vôtres ?
 Quels sont les 7 ingrédients qui distinguent une BONNE mélodie d’une mélodie
MEMORABLE et comment les intégrer dans vos compositions ?
 Les 2 réflexes à adopter pour être sûr de pouvoir juger votre mélodie
 Quelle est « LA » question à vous poser absolument pour savoir si vous êtes
dans la bonne direction ?
 Et 3 autres techniques pour déterminer si la mélodie que vous venez de

composer est bonne ou non

Introduction
Une des questions qui revient le plus souvent lorsqu’on touche à la composition est :
« Comment trouver une bonne mélodie ? » Comment trouver une mélodie qui va
scotcher mon auditoire ? Comment trouver une mélodie qui puisse faire
frissonner ceux qui m’écoutent ? Et surtout, comment trouver une mélodie qui puisse
marquer leurs esprits à jamais ?
La mélodie est en effet la partie la plus exposée de la chanson, c’est ce qu’entendra

et retiendra en premier lieu votre auditoire. C’est la façade de votre maison. Elle se
retient mieux que n’importe quelle autre partie. La preuve : Avez-vous déjà vu
quelqu’un siffloter la suite d’accords d’une chanson ? Il convient donc de
particulièrement soigner la composition de sa mélodie.
En plus de son rôle de « vitrine » de la chanson, la mélodie permet également de

véhiculer de l’émotion. La mélodie, c’est la passerelle grâce à laquelle le compositeur
peut insuffler ses pensées et son message dans la chanson. Elle permet de réfléchir
(de manière inconsciente ou non) son humeur et son état d’esprit. Et c’est ça qui est
si fort et si particulier avec la mélodie : elle crée un lien unique entre le compositeur
et son auditeur. Le compositeur partage en effet son intimité à travers la chanson,
alors que l’auditeur trouve un écho de sa situation dans le message délivré par la
chanson. Les pensées de l’auteur deviennent donc celle de l’auditeur et inversement.

Enfin, la mélodie permet de véhiculer les paroles de la chanson et d’en souligner

l’impact.
Alors comment faire pour créer de belles mélodies ? Comment transformer une
mélodie basique en une mélodie puissante, émotionnelle et mémorable ? Comment
créer des mélodies qui puissent satisfaire l’ensemble de ces critères ? C’est ce que
nous allons voir au sein de cette partie.
© Horia Varlan

I / Comment trouver une mélodie ?
Tout comme il existe différentes façons de composer une musique, il existe plusieurs
moyens de trouver une mélodie. Comme je vous l’ai suggéré précédemment, je vous
conseille donc de tester chacune de ces méthodes jusqu’à trouver celle qui vous
correspond le mieux.
Méthode 1 : L’illumination divine
Ce n’est pas une méthode à proprement parlé, mais il était quand même important
que je vous en parle. Parfois, il vous arrivera de trouver une mélodie incroyable en
faisant quelque chose n’ayant rien à voir avec la composition. Au milieu du
supermarché, en allant chercher vos enfants à l’école, en plein milieu d’un repas, en
conduisant votre voiture, dans le métro, lors d’une partie de bowling, en plein
sommeil… La mélodie naîtra dans votre esprit sans même que vous n’y pensiez. C’est
d’ailleurs dans ces moments-là que vous serez le plus créatif car votre esprit et votre
inconscient seront libres de toute contrainte. Ils deviendront donc plus réactifs et
plus enclins à trouver de nouvelles idées (d’où l’importance d’avoir en permanence
sur vous votre kit du petit compositeur 5000 !) Ne sous-estimez pas le pouvoir de
l’illumination divine, ça peut vous arriver bien plus souvent que vous ne le pensez ;
Surtout si vous mettez en application tous les conseils que je vous ai prodigués au
sein du chapitre sur l’inspiration. ;)
Soyez frappés de l’illumination divine comme le Docteur House

© eaman jiang

Méthode 2 : Écrire une mélodie à partir d’une suite d’accords
La première méthode pour trouver une mélodie consiste à s’appuyer sur une suite
d’accords. Maintenant que vous êtes un as dans ce domaine, il vous suffit de prendre
la suite d’accords de votre choix et de la jouer en boucle. Fermez les yeux,
concentrez-vous, puis essayez de fredonner un petit air inspiré par ce que vous êtes
en train d’entendre. Si comme moi vous ne savez pas chanter, rassurez-vous ce n’est
vraiment pas grave : le plus important étant que vous « entendiez » la note que vous
voulez obtenir. Peu importe si cette dernière est fausse au moment où elle sort de
votre bouche, si dans votre tête vous savez de quelle note il s’agit, alors tout va bien.
Cette méthode est particulièrement efficace car elle vous permet de travailler
directement la relation entre votre mélodie et vos accords. Cette relation est
d’ailleurs la clé de toute mélodie réussie. (Voir page 115 pour plus de renseignements
sur la façon de faire coïncider un accompagnement et une mélodie). Dans cette
section, vous trouverez également un exemple d’application concrète de la méthode
de composition d’une mélodie à partir d’une suite d’accords).
Variante pirate : Utiliser une boucle d’accords d’une de vos

chansons préférées
Comme son nom l’indique, cette variante consiste à prendre une suite d’accords déjà
existante au lieu d’une suite d’accords nouvellement créée. Quelle est l’utilité d’un
tel procédé alors que vous savez parfaitement trouver une suite d’accords ? Mise à
part le fait qu’utiliser une boucle d’accords déjà prête et reconnue va vous faire
gagner du temps, cette variante va vous permettre de développer votre créativité. En
effet, en vous reposant sur une suite d’accords qui vous est familière, vous aurez
naturellement tendance à vouloir reproduire la mélodie de la chanson d’origine. Pour
éviter le plagiat, vous aurez donc tout intérêt à vous éloigner de cette mélodie le plus
possible. Et pour ce faire, rien de mieux que de faire appel à votre créativité !
Méthode 3 : Écrire une mélodie à partir de paroles
Une des méthodes les plus répandues pour écrire une mélodie consiste à partir d’un
texte. Pour réussir à créer de la musique à partir de lettres, il faut tout d’abord lire le
texte plusieurs fois pour s’en imprégner totalement. Une fois que vous avez bien
l’atmosphère de la chanson en tête, essayez de chanter les paroles jusqu’à trouver un
air qui vous convienne. Essayez de vous concentrer sur ce que vous inspire le texte,

les émotions qu’il vous fait ressentir pour essayer de les traduire en musique. Si vous
voulez un exemple d’utilisation concrète de cette méthode, je vous donne rendez-
vous à la section « composer une musique à partir de paroles » page 151).
Méthode 4 : Partir d’une improvisation
Cette méthode est géniale. Elle va vous permettre de trouver une mélodie même si
vous n’avez aucune inspiration. Je la tiens de Keith Richards après avoir lu son
autobiographie « Life » (que je vous recommande chaudement soit dit en passant).
De plus, cette méthode est de loin la plus facile à mettre en œuvre. Prenez un
magnétophone (ou le dictaphone de votre smartphone ou PC) et appuyez sur le
bouton « record ». Ensuite, allez-y ! C’est à vous de jouer. Balancez tout ce que vous
avez et chantez tout ce qui vous passe par la tête. Ne vous arrêtez pas pendant 10
minutes. Une fois que vous avez fini, réécoutez au calme vos enregistrements. Vous
aurez forcément une idée exploitable et à creuser dans le lot.
Méthode 5 : Modifier une mélodie déjà existante
Et pour finir cette sélection en beauté, rien ne vaut une bonne

vieille technique pirate.
Vous êtes assis avec votre guitare ou devant votre clavier et malgré vos multiples
tentatives, rien ne vient ? Vous en avez marre de patauger et vous avez
désespérément besoin d’aide ? Pas de panique, encore une fois, la piraterie est là
pour vous sauver. Puisque l’inspiration ne vient pas, on va lui donner un petit coup de
pouce en allant construire notre mélodie à partir d’une chanson déjà existante. Pour
mettre en application cette technique, vous pouvez procéder de trois façons
différentes :
Façon 1 : Gardez les notes, changez le rythme
Après avoir choisi la mélodie d’une des chansons de votre choix, gardez les notes qui
la composent mais changez-en le rythme. Ce simple changement vous donnera un
rendu totalement différent de l’original. Les deux chansons : « Ah ! la pêche aux
moules » et « Ah ! vous dirai-je maman » sont par exemple composées des mêmes
notes !

Façon 2 : Gardez le rythme, changez les notes
Cette façon de faire est l’inverse de la précédente : cette fois-ci, on va garder le

rythme mais changer les notes de notre mélodie. Là encore, vous serez surpris de
constater les changements que cela entraîne ! Petit exemple avec une mélodie créée
à partir d’un morceau de Mozart :
Façon 3 : Garder les intervalles, changer le reste
Cette fois-ci, vous allez garder l’intervalle entre vos notes, c’est-à-dire la distance qui
sépare les notes de votre mélodie. Pour ce faire, vous allez suivre les « mouvements »
de votre mélodie. Je m’explique : lorsque vous prenez une note quelconque de votre
mélodie, la note suivante ne peut se situer qu’à trois endroits différents :
 Au même niveau si elle est répétée
 Plus haut si elle est plus aiguë
 Plus bas si elle est plus grave

Il ne vous reste donc plus qu’à prendre un stylo et à tracer une ligne suivant le
modèle dicté par votre mélodie. Au choix, vous pouvez respecter l’intervalle exact
entre les notes, ou vous contenter seulement de rapporter la fluctuation (haut, bas,
bas haut, milieu… ça fait un peu code de jeu vidéo dit comme ça ! ^^).
Exemple:
Mélodie
Fluctuations
Maintenant, il ne vous reste plus qu’à prendre une progression d’accords de votre
choix et de trouver une nouvelle mélodie en chantant des notes (conformément à la
méthode 1) qui suivent les mouvements rapportés sur votre papier. Changez à votre
guise les rythmes et les intervalles pour vous éloigner encore plus du modèle de base.
Variantes:
 Inverser les mouvements de votre graphe (bas devient haut etc…)

 Appliquer le graphe de droite à gauche
 Commencer la lecture en plein milieu du graphe
Avertissement concernant la méthode 5 :
Prenez garde à ne pas confondre techniques pirates et plagiat. Ces conseils pourront
vous être utiles en cas de panne d’inspiration ou pour vous aider à démarrer une
nouvelle chanson. Cependant, je ne vous incite en aucun cas à recopier les mélodies
d’un autre artiste. N’oubliez pas que le plagiat est un vol condamné par la loi et
passible d’une lourde amende. Il faut absolument que votre nouvelle mélodie soit
méconnaissable par rapport à celle qui vous a inspiré et dont elle est issue.

II / Comment trouver « LA » mélodie ?
Maintenant que vous savez composer une mélodie, vous allez sûrement me dire :
Oui c’est bien gentil mais moi mes mélodies sont trop quelconques. Je n’en suis jamais
satisfait. Je n’arrive jamais à trouver « THE » idée qui puisse faire la différence et
scotcher mon auditoire. Comment faire ?
C’est une bonne question. Et vous avez raison de me la poser car une BONNE
chanson peut devenir une chanson INCONTOURNABLE si sa mélodie est
particulièrement accrocheuse. Alors comment y arriver ? Comment transformer sa
mélodie lambda en mélodie mémorable ? Comment réussir à créer une mélodie qui
fasse la différence ? Suivez le guide !
Étudier les plus grands
La meilleure façon de comprendre ce qui fait une belle mélodie reste encore
d’étudier les chansons réputées pour leurs mélodies. Je vous invite donc vivement à
écouter la musique d’artistes tels que les Beatles, Neil Young, Bob Dylan, Jeff Beck
reconnus pour leur faculté à écrire des mélodies mémorables. Prenez également le
temps d’étudier les mélodies de vos artistes référents.
Posez-vous les questions suivantes : Quelles sont les notes utilisées ? Comment
s’enchaînent-elles ? À quel rythme ? Quel est l’intervalle entre chaque note ? Quelle
est la distance entre la note la plus grave et la plus aiguë de la mélodie ? Quelle
relation entretient chaque note avec les accords de l’accompagnement ? Etc...
Ensuite, réutilisez les résultats trouvés dans vos propres chansons. Plus vous
écouterez et analyserez de mélodies, et plus votre propre sens de la mélodie sera
développé.

Utiliser les 7 ingrédients d’une mélodie mémorable
Ce n’est pas une science exacte (de toute façon en musique ce n’est jamais le cas)
mais les mélodies des plus grands succès musicaux partagent un certain nombre de
caractéristiques communes. Il existe en effet un certain nombre d’ingrédients utilisés
par les compositeurs pour rendre leurs mélodies plus agréables à l’oreille et surtout
plus marquantes. Voici ces 7 ingrédients :
Ingrédient n°1 : La répétition
La répétition est l’une des caractéristiques principales de la composition moderne.

Elle favorise non seulement la mémorisation du morceau, mais elle permet aussi de
le structurer. Elle est donc indispensable. Cette notion de répétition peut se retrouver
sur plusieurs niveaux du morceau :
- Au niveau du « bloc musical » : c’est-à-dire sur l’une des sections de la

chanson comme le couplet, le refrain par exemple… (Voir page 176 pour plus
de renseignements sur les sections du morceau).
- Au niveau d’une phrase musicale : les phrases musicales composent le bloc

musical.
- Au niveau des structures rythmiques : la rythmique correspond à la durée des

notes faisant partie d’une phrase musicale.
Les différents niveaux de répétition du morceau

Répétition de la mélodie du bloc musical
Ici, il s’agira de répéter toute la mélodie d’un bloc musical, comme la mélodie d’un
couplet ou d’un refrain par exemple. Cette répétition va aider vos auditeurs à se
souvenir de votre mélodie. C’est exactement comme lorsque vous appreniez vos
poésies à l’école étant petit : plus vous la répétiez, et plus vous la reteniez facilement.
Et bien ici, c’est exactement la même chose : plus les gens l’entendront, et plus ils se
l’approprieront.
Répétition des phrases musicales
Une phrase musicale est une partie donnée de la mélodie qui exprime une idée.
L’addition de ces différentes phrases musicales permet de composer le « bloc
musical ». En fait, la façon la plus simple de comprendre ce qu’est une phrase
musicale consiste à la comparer avec une phrase classique composée de mots : une
phrase est une suite de mots permettant d’exprimer une idée, et une phrase
musicale est une suite de notes permettant d’exprimer une idée musicale. Chaque
phrase musicale à un but et permet d’exprimer un message. En composition, il est
très courant de répéter la mélodie de ces différentes phrases musicales. Cette
répétition va vous permettre de structurer votre bloc.
Exemple: « Little Black Submarines » des Black Keys
Deux phrases musicales constituent le couplet. La mélodie des phrases musicales est
identique même si les paroles sont différentes
Répétition de la structure rythmique
Enfin, il existe un dernier niveau de répétition : la répétition de la structure

rythmique. Cette répétition se situe au sein même du phrasé musical. Il s’agit de
copier la structure rythmique d’une suite de notes appartenant au phrasé musical.
Pour ce faire, il suffit simplement de décaler un bloc de notes de quelques tons (au-

dessus ou en dessous du premier motif, c’est comme vous voulez) tout en conservant
leur structure rythmique.
Cette technique est très efficace et très couramment utilisée par les compositeurs.
Paul McCartney lui-même y a eu recours pour composer « Yesterday » :
Vous remarquerez que la première phrase mélodique "All my troubles seemed so far
away" possède exactement la même structure rythmique que la seconde "Now it
looks as if they're here to stay", cependant les notes de ces deux phrases sont
différentes !
Ingrédient n°2 : L’équilibre entre répétition et variation
Comme nous venons juste de le voir, la répétition est un excellent moyen de rendre
son morceau mémorable. Cependant, il ne faut pas en faire trop non plus car si votre
chanson n’évolue pas d’un pouce, votre auditeur finira par se lasser. Une bonne
chanson alterne donc intelligemment répétitions et variations. Comment apporter
un peu de variation à sa mélodie ? C’est très simple : nous venons justement de le
voir grâce à la technique de répétition des structures rythmiques. En effet, grâce à
cette technique vos rythmes seront les mêmes, mais vos notes elles, seront
différentes. Vous apporterez donc de la variété à votre morceau tout en maintenant
une certaine sensation de familiarité. Voici d’autres façons simples d’apporter de la

variation à vos mélodies :
 Ajouter un instrument supplémentaire à la mélodie
 Jouer la mélodie avec un autre instrument
 User de nuances (jouer plus fort ou moins fort certaines parties de la mélodie)
Ingrédient n°3 : La position de la fondamentale
Comme nous l’avons vu tout à l’heure, la fondamentale d’un accord est la première
note de cet accord (par exemple, la fondamentale d’un accord de Ré mineur sera Ré).
Cette note a un rôle particulièrement important car si elle est utilisée dans la mélodie
en même temps que l’accord, elle aura une sonorité particulière. L’auditeur aura en
effet une sensation de familiarité et de finalité en l’écoutant. C’est une sonorité
« familière » qui permet de reposer l’oreille.
Une mélodie utilisant la fondamentale de l’accord repose l’oreille
Il convient donc de placer la fondamentale de façon stratégique pour en maximiser

l’impact. Puisque l’auditeur aura la sensation de se sentir « chez lui » en l’entendant,
il est ainsi préférable d’utiliser une fondamentale d’accord en début et en fin de
phrase mélodique. Pour bien comprendre ce principe, il faut que vous voyiez la
phrase mélodique comme un voyage : en début de voyage, la mélodie s’en va de chez
elle. Elle se balade ensuite au gré de ses envies, avant de retourner chez elle en fin de
voyage. Ici c’est exactement pareil : utiliser une fondamentale d’accord en début de
phrase mélodique vous aidera à créer un point de départ fort, tandis qu’une
fondamentale d’accord en fin de phrase mélodique vous aidera à réaliser une
conclusion probante pour votre mélodie.

Les fondamentales d’accords doivent être utilisées aux moments stratégiques
Cette technique possède un autre avantage considérable : elle vous permet de

favoriser la cohésion entre vos accords et votre mélodie. En effet, vous allez utiliser
des notes contenues dans vos accords pour créer votre mélodie (qui plus est, aux
moments les plus stratégiques de cette dernière).
Si on se penche sur le morceau « Angie » des Rolling Stones, on voit que la phrase
mélodique s’étale le long de la phrase « Angie, I still love you Baby ». Or, on voit que
Mick Jagger et Keith Richards ont justement utilisé des fondamentales d’accords en
début et en fin de cette phrase. Lors du « An » de « Angie », on voit par exemple que
la note de la mélodie est le « Ré », fondamentale de l’accord de Ré mineur, tandis
qu’au moment du «by», tombe le « La » de l’accord de La mineur.
Ingrédient n°4 : Le point culminant
Il y a dans chaque mélodie intemporelle un point culminant. Durant ce bref instant,

la chanson atteint son paroxysme. Les paroles, la mélodie et les accords sont en

parfaite symbiose et l’intensité de la mélodie est à son maximum. En écoutant

attentivement vos chansons préférées, vous devriez apprendre à repérer rapidement
ce point culminant.
Exemple: Dans « Hey Jude » des Beatles, le point culminant de la mélodie se situe au
moment « LET » de la phrase « Let her into your heart ».
Pour assurer l’efficacité de votre mélodie, il faut que vous aussi vous appreniez à y
intégrer un point culminant. Essayez de penser et de construire vos mélodies dans le
but d’atteindre ce point. Une bonne méthode pour y arriver consiste à créer une
mélodie ascendante et d’utiliser la note la plus aiguë de cette série comme point
culminant. Le point culminant est généralement placé vers la fin de la phrase
mélodique. Pas tout à fait à la fin, mais juste avant qu’elle ne se termine.
Ingrédient n°5 : La forme de la mélodie
En règle générale, les bonnes mélodies ont une forme clairement définie. C’est assez
difficile à expliquer, mais en jetant un œil sur sa partition on peut juger visuellement
de l’efficacité ou non d’une mélodie. Cela vient du fait que la mélodie délivre un
message. Elle doit donc avoir du sens et respecter une certaine logique. De ce fait, la
mélodie ne peut pas être qu’une succession aléatoire de notes dispatchées ici et là au
gré de la partition. Elle doit respecter une certaine fluidité, ce qui se traduit par des
notes relativement proches entre elles et un contour clairement défini.
Exemple :
La mélodie de « Yesterday » des Beatles illustre parfaitement ce principe :

Bien sûr cette règle n’est pas immuable et il est tout à fait possible de composer de
magnifiques mélodies sans pour autant respecter de logique entre les notes (les
mélodies de Queen en sont un parfait exemple) mais si vous débutez, vous verrez que
donner une forme clairement définie à votre mélodie vous aidera à la faire gagner en
fluidité.
Ingrédient n°6 : La longueur
Lorsque vous venez à composer votre mélodie, il est très important que vous fassiez
attention à sa longueur. Une mélodie trop longue va en effet être perçue comme
ennuyeuse pour l’auditeur, tandis qu’une mélodie trop courte ne sera pas suffisante
pour être mémorisée. Bien entendu, il n’existe pas de nombre de mesures exactes
car chaque chanson est différente. Cependant, il vous appartient tout de même de
veiller à ce que cette longueur soit cohérente en fonction des autres parties de votre
chanson. Car même si ce sont les notes qui vont constituer l’essence même de votre
mélodie, il ne faut pas non plus en négliger sa forme. Une mélodie de taille optimale,
c’est en effet une mélodie qui sera plus facilement mémorisée, et donc plus
marquante que les autres.
Ingrédient n°7 : La durée des notes
Enfin, le dernier point concerne la durée de vos notes, c’est-à-dire la rythmique de

votre mélodie. En général, plus le tempo général de votre morceau sera lent, et plus
ce dernier sera mélodique. Cette propriété s’applique également à l’échelle des
notes : plus elles seront tenues, et plus elles véhiculeront de l’émotion. Veillez donc à
bien choisir les notes « longues » de votre mélodie. Par exemple, les notes tombant
sur les mots forts et émotionnels de vos paroles (voir page 148 pour voir comment
faire coïncider paroles et musique). Je vous conseille également d’alterner entre
notes rapides et notes tenues pour obéir au principe de « répétitions / variations »
abordé au point n°2 - L’équilibre.

III / Vérifier l’efficacité de sa mélodie
Après avoir composé votre mélodie, vous pouvez être tenté de vous demander si
cette dernière est réellement efficace et si elle se retient facilement. (Pas facile de
prendre du recul sur sa chanson, lorsqu’on a eu le nez dedans pendant des lustres !).
Voyons ensemble comment y arriver.
1) Les réflexes à adopter

Pour réussir à juger de l’efficacité de votre mélodie, il faut avant tout que vous
développiez deux réflexes. Ces deux réflexes sont indispensables, il faut absolument
qu’ils fassent partie de vos habitudes de compositeur (au même titre que vous avez
maintenant appris à ne jamais vous séparer de votre kit du petit compositeur
5000). ;)
Réflexe n°1 : Prendre du recul
C’est le premier réflexe que doit absolument intégrer tout compositeur. Une fois que
vous venez de composer quelque chose, laissez-le reposer deux ou trois jours avant
de revenir dessus. Ça vous aidera à aborder votre travail avec un regard neuf.
Surtout, ne faites pas l’erreur de considérer que votre composition est déjà parfaite
en soi. N’oubliez jamais que vous pouvez toujours l’améliorer d’une manière ou d’une
autre. En musique, il faut aussi savoir se remettre en question et rester humble. ;)
Faites un petit break

©Nozav

Réflexe n°2 : Posez-vous « LA » question
Dès que vous venez de composer quelque chose (qu’il s’agisse d’une chanson finie ou
d’une simple ébauche) posez-vous constamment la question suivante : « Est-ce que
ça sonne bien ? ». C’est vrai que vu comme ça, cette question peut paraître absurde,
mais elle n’en demeure pas moins essentielle. En musique, il y aura en effet toujours
une part que je ne pourrai jamais vous expliquer (et ce, même si je vous donnais
toutes les techniques de composition du monde !). Cette part, c’est « le feeling » ; ce
que vous ressentez en écoutant votre musique. Est-ce que votre mélodie vous prend
aux tripes ? Est-ce qu’elle vous fait rêver ? Est-ce qu’elle vous marque ? Est-ce qu’elle
« résonne » en vous. Prenez bien le temps de « ressentir » votre musique et
demandez-vous si elle vous plaît vraiment. Soyez particulièrement concentré, car
cette question, vous seul pouvez y répondre.
2) Les techniques pratiques

Les 3 techniques suivantes vous aideront à déterminer si votre mélodie est efficace
ou si elle mérite d’être retravaillée davantage.
Technique 1 : La Checklist de l’enfer
La Checklist de l’enfer (vous avez vu, j’arrive toujours à trouver de super noms pour
mes techniques de composition, c’est sans doute l’influence de Dragon Ball Z et de
Pokémon dans ma jeunesse ^^) est un outil qui va vous aider à vous poser les bonnes
questions. Elle va vous permettre de prendre du recul vis-à-vis de votre mélodie, tout
en vous donnant l’opportunité de vérifier que vous n’avez rien oublié d’important.
Petit avertissement sur la Checklist de l’enfer :
Toutes les bonnes mélodies ne couvrent pas obligatoirement l’ensemble de ces

points. Si votre mélodie ne remplit pas l’une des caractéristiques suivantes, ce n’est
pas qu’elle est mauvaise pour autant. Cette liste n’est là que pour vous aider et vous
donner des indications. Il faut que vous la voyiez comme un support, et non comme
une liste de commandements sacrés. De toute façon, comme je vous l’ai dit en
introduction de ce livre, la composition n’est pas une recette de cuisine, on ne peut
pas résumer cette activité à une simple succession d’étapes.

 Ma mélodie intègre-t-elle des répétitions ?
 Alterne-t-elle judicieusement entre répétitions et variations ?
 Ai-je fait un bon usage de la dominante de l’accord ? L’ai-je utilisée

assez souvent ? Est-elle placée aux points stratégiques de ma mélodie ?
 Puis-je déceler un point culminant dans ma mélodie ?
 Est-ce que ma mélodie véhicule assez d’émotion ?
 Est-ce que les notes de ma mélodie suivent une progression

cohérente ? Y-a-t-il une forme clairement définie qui se dégage ?
 La longueur de ma mélodie est-elle optimale ? Est-elle suffisamment

longue pour être mémorable et suffisamment courte pour ne pas
ennuyer l’auditeur ?
 Ai-je alterné notes longues et notes courtes pour apporter du contraste

à ma mélodie ? Ai-je utilisé les notes de longue durée aux moments
opportuns ?
 Est-ce que ma mélodie me plaît ? Me fait-elle vibrer ? Dégage-t-elle de

l’émotion lorsque je l’écoute ?
Technique 2 : L’enregistrement
La qualité d’une bonne mélodie repose sur deux principaux facteurs :
 Sa faculté de mémorisation
 Sa capacité à rester durablement dans l’esprit de vos auditeurs
La technique de l’enregistrement va vous aider à vérifier l’efficacité de ces deux

paramètres. Pour ce faire, enregistrez votre mélodie (et votre mélodie uniquement)
sur dictaphone. Pas de paroles, vous devez seulement enregistrer le son de votre
mélodie. Aidez-vous d’onomatopées ou de syllabes comme « la, la, la » ou « ho, ho,
ho », ça vous permettra de vous concentrer uniquement sur la sonorité et la
musicalité de votre mélodie. Une fois enregistrée, écoutez attentivement votre

mélodie plusieurs fois de suite. Laissez-la de côté durant quelque temps, puis
revenez-y quelques jours plus tard. Si vous, après ce laps de temps, vous êtes
toujours capable de vous rappeler de votre mélodie, alors vous êtes sur la bonne
voie. Sinon, retournez au charbon !
Technique 3 : Le tracé
La technique du tracé est un excellent moyen pour vérifier la logique et la fluidité de

votre mélodie. Le principe est similaire à celui utilisé pour les intervalles. Prenez une
feuille de papier et un stylo. Placez la pointe du stylo à l’extrémité gauche de votre
feuille et tracez un trait en suivant les fluctuations de votre mélodie. Pour cela,
chantez votre mélodie à tue-tête (ou écoutez-la si vous l’avez enregistrée) et soyez
attentif à son évolution. Si votre mélodie devient plus aiguë, tracez une ligne vers le
haut, si elle redescend vers le bas etc… À la fin de l’opération, vous devrez avoir une
ligne continue fluctuant de haut en bas.
 Plus votre ligne connaîtra des changements de direction, et plus il sera difficile
pour vos auditeurs de la mémoriser.
 Au contraire, une ligne trop morne ou trop plate souligne un autre problème :
votre mélodie n’a pas assez de contraste et de personnalité. Il faudra la
retravailler pour la rendre plus distinctive.
Bon, je vous avoue qu’il n’y a strictement rien de scientifique dans cette méthode,
mais ça peut être un bon moyen pour déceler les problèmes les plus flagrants de
votre mélodie.

IV/ le mot de la fin
Si vous débutez en composition, il se peut que vous ne soyez pas satisfait de vos
premières mélodies, et ce, même si vous avez respecté chacun des points présentés
au sein de ce chapitre. Si c’est le cas, ne désespérez pas, c’est tout à fait normal. Il
faut du temps pour réussir à créer de belles mélodies. Comme dans n’importe quelle
activité, c’est en vous entraînant et en pratiquant que vous progresserez. Alors ne
baissez pas les bras et continuez de persévérer : vous finirez par y arriver.
Enfin, je vous encourage vivement à aller à l’encontre de toutes les règles présentées
au sein de ce chapitre. Je sais que je vous l’ai déjà répété maintes et maintes fois
depuis le début du livre (alors une fois de plus ça ne changera pas grand-chose…),
mais la musique n’est pas une science exacte, c’est un art. Parfois, il y aura des
chansons avec des mélodies incroyables qui seront construites sur un modèle
parfaitement opposé à celui que je vous ai présenté. C’est ça aussi qui fait la beauté
de la chose.
De mon côté, je me contente simplement de vous donner des indications et des

ingrédients qui ont fait leurs preuves. Mais jamais, ô grand jamais, je ne vous
demanderai de respecter ces indications à la lettre. C’est même le contraire : allez à
leur encontre, testez-les, et forgez-vous votre propre opinion. Explorez toutes les
portes qui se présenteront à vous et surtout, n’oubliez jamais d’ajouter votre propre
grain de folie et de personnalité à vos compositions.

À vous de jouer :
Exercice 1 : Prenez une suite d’accords composée au chapitre précédent et

essayez de lui ajouter une mélodie grâce à la méthode n°2.
Exercice 2 : Essayez de trouver une mélodie à partir de rien. Prenez comme point
de départ l’enregistrement d’une de vos improvisations. Ensuite, peaufinez votre
mélodie en vous aidant des 7 ingrédients d’une mélodie mémorable.
Exercice 3 : Choisissez la mélodie d’une de vos chansons préférées. Vous vous

inspirerez de cette mélodie pour créer trois mélodies différentes grâce aux trois
techniques pirates de la méthode n°5.
Exercice 4 : Choisissez une chanson d’un de vos artistes référents. Analysez

ensuite les trois niveaux de répétitions de cette chanson et reproduisez-les pour
composer une mélodie de votre choix. Répétez cet exercice en vous focalisant cette
fois sur l’usage de la dominante et des notes de l’accord dans la mélodie.
Exercice 5 : Piochez trois chansons de votre choix et pour chacune d’entre elles
repérez le point culminant. Sur quelle parole tombe-t-il ? Comment a-t-il été amené ?
Qu’est-ce qui en fait sa particularité ?
Exercice 6 : Grâce à toutes les techniques que nous avons vues, composez une
mélodie respectant l’ensemble des points de la checklist de l’enfer. Puis, composez
une nouvelle mélodie faisant le strict opposé des points présentés au sein de la
checklist de l’enfer.

Chapitre 6 : Lier l’accompagnement et la

mélodie
 À lier harmonieusement votre accompagnement et votre mélodie
 Une méthode étape par étape pour composer une mélodie à partir d’un
accompagnement
 Une méthode étape par étape pour trouver un accompagnement à votre mélodie

Introduction
La beauté d’une mélodie ne dépend pas forcément des notes qui la composent : elle
dépend surtout de la relation qu’elle entretient avec son accompagnement. En effet,
une suite d’accords a pour rôle de supporter et de mettre en valeur la mélodie. Tout
au long de la chanson, mélodie et accompagnement vont se rencontrer, s’opposer, et
se compléter. Il est donc impératif que vous considériez la composition de ces deux
éléments simultanément.
Règle d’or de la composition :
La mélodie et l’accompagnement sont totalement liés. L’une ne peut pas aller sans
l’autre. Il faut donc composer une mélodie en fonction de son accompagnement, et
un accompagnement en fonction de sa mélodie.
Pour prendre un parallèle, je dirais que la mélodie et son accompagnement sont

semblables à un pilote de rallye et son copilote : certes il y en a un qui est là pour
épauler l’autre, mais c’est seulement ensemble, et grâce à une parfaite cohésion
d’équipe, qu’ils pourront gagner la course.
Dans cette partie, nous verrons donc comment faire coïncider parfaitement
accompagnement et mélodie. Dans un premier temps, nous verrons une méthode
pour écrire étape par étape une mélodie mémorable à partir d’accords, puis dans un
second temps, nous verrons comment trouver un accompagnement efficace pour
une mélodie donnée.

I / Créer une mélodie à partir d’une suite d’accords
Tout à l’heure, nous avons vu que pour composer une mélodie, une méthode
particulièrement efficace consistait à prendre une suite d‘accords comme point de
départ. A partir de cette suite d’accords, je vous incitais ensuite à siffloter un air
jusqu’à trouver une mélodie qui vous plaise. Dans cette partie, nous allons revenir en
détail et point par point sur cette méthode. Cependant, plutôt que de nous fier
entièrement à notre instinct, nous allons nous aider de techniques pour réussir à
composer la mélodie.
Étape 1 : Prendre une suite d’accords

Grâce au premier pilier, vous connaissez désormais toutes les techniques pour
trouver une suite d’accords. Choisissez-en une parmi toutes celles que vous avez déjà
composées. Pour cet exemple, je vais prendre la suite : Do Majeur, Sol Majeur, et La
Mineur
Étape 2 : Utiliser les notes contenues dans l’accord

Il est maintenant temps de trouver une mélodie pour agrémenter nos accords. Pour y
arriver, un bon point de départ consiste à utiliser les notes contenues dans les
accords. Par exemple : notre premier accord est un accord de Do majeur. Il est
composé des notes Do, Mi, et Sol. On va donc choisir une de ces trois notes pour
former notre mélodie. Retenez bien cette règle car c’est l’une des plus simples mais
aussi l’une des plus fondamentales de la composition : si vous voulez lier
efficacement votre accompagnement et votre mélodie, utilisez les notes de vos
accords pour composer votre mélodie.

J’utilise les notes de mes accords pour composer la mélodie
Remarque : Rappelez-vous que l’une des façons sûres de construire une mélodie
mémorable consiste à utiliser judicieusement les fondamentales d’accords. C’est ce
que j’ai fait ici en plaçant mes fondamentales aux endroits stratégiques : au premier
et au dernier accord de mon accompagnement.
Étape 3 : Agrémenter la mélodie grâce à des notes de la gamme

On ne va pas se contenter de composer une petite mélodie à 3 notes. Pour compléter
notre mélodie, deux choix s’offrent à nous : utiliser d’autres notes contenues dans
l’accord comme nous l’avons vu précédemment, ou utiliser des notes provenant de
la gamme issue de la tonalité du morceau.
La tonalité nous indique en effet quelle gamme a été utilisée pour construire le
morceau. En déduisant la tonalité du morceau (grâce à l’étude des accords), nous
pourrons donc connaître les notes qui sonneront juste pour composer notre mélodie.
En fait, on fait ici le strict inverse de ce que nous avons fait précédemment dans la
partie consacrée aux accords : au lieu de partir d’une gamme pour trouver les accords
qui marchent, on part des accords pour trouver la gamme qui marche.
Ici au vu des différents accords de ma suite, on en déduit que la tonalité du morceau

est « Do Majeur » (pour apprendre à repérer la tonalité d’un morceau en un clin
d’œil, consultez mon cours vidéo en cliquant ici). On sait donc que l’on va pouvoir
piocher parmi les notes de la gamme de Do majeur pour agrémenter notre mélodie.
J’utilise les notes de la gamme issue de la tonalité

du morceau pour agrémenter la mélodie

Pour l’instant, on va rester simple en ajoutant uniquement des notes voisines à nos
premières notes :
Note : Utiliser des notes issues de la tonalité générale du morceau est un des autres
concepts clés permettant de lier efficacement mélodie et accompagnement.
Étape 4 : Inclure des sauts d’intervalles

Notre mélodie commence vraiment à ressembler à quelque chose maintenant. Mais
on ne va pas en rester là ; on va passer à la vitesse supérieure pour lui apporter
encore plus de fraîcheur et d’originalité. Pour y arriver, on va varier la longueur des
intervalles entre les notes de notre mélodie. (Pour rappel, un intervalle est la
distance séparant deux notes). On va laisser certaines notes relativement proches
entre-elles, tandis que l’on va créer des « sauts » entre d’autres notes pour créer un
effet de surprise. Faites parler votre inspiration et procédez par tâtonnement pour
déterminer quelles sont les notes à espacer, ou celles à rapprocher. Libre à vous
d’agrémenter ensuite votre mélodie de quelques notes supplémentaires pour
l’étoffer encore plus.
Quelques notes supplémentaires et des intervalles différents (mais cohérents)

permettent d’étoffer la mélodie

Étape 5 : Varier les rythmes

Enfin, pour parfaire notre mélodie, il ne nous reste plus qu’à apporter de la variation
au niveau rythmique. Chantez votre mélodie en boucle et variez la durée de certaines
notes jusqu’à ce qu’un rythme spécifique s’impose à vous naturellement. Voilà, le
tour est joué ! Vous avez réussi à composer une belle mélodie à partir de vos
accords. ;)
En voilà une belle mélodie !

II / Trouver un accompagnement efficace pour sa mélodie
Considérons maintenant le cas inverse du précédent : vous venez de trouver une

mélodie magnifique, mais vous ne savez pas comment composer son
accompagnement. Vous vous demandez quels sont les accords à utiliser pour la
mettre en valeur, ou au contraire ceux à éviter. Dans le jargon musical, cet art
consistant à agrémenter une mélodie d’accords, c’est ce qu’on appelle
« l’harmonisation ». Bien entendu, pour une mélodie donnée, il peut y avoir
plusieurs harmonisations possibles, mais il existe tout de même certains principes
généraux qui vous aideront à trouver les « bons » accords pour votre mélodie.
Étape 1 : Retranscrire la mélodie

La première chose à faire, c’est de mettre par écrit les notes qui composent votre
mélodie. Pour cela rien de plus simple : munissez-vous de votre instrument, chantez,
et retranscrivez les notes une à une. Ensuite, faites attention à la longueur de ces
notes les unes par rapport aux autres pour en dégager la rythmique. En règle
générale, vous n’aurez pas trop à vous casser la tête pour dégager la rythmique de
votre mélodie puisque l’immense majorité des morceaux actuels (et donc que vous
composerez) sont en 4 temps (voir le pilier 4 sur la rythmique page 158 pour plus
d’informations).
Et voilà notre mélodie !
Étape 2 : Trouver la tonalité du morceau

Comme tout à l’heure, nous allons devoir trouver la tonalité du morceau pour savoir
dans quelle gamme piocher nos accords. Après analyse de notre mélodie, on se rend
compte que tous les « Do » et les « Fa » qui la composent sont « dièses ». De plus,
que la première et la dernière note du morceau sont des Ré. Tous ces indices nous
permettent d’en déduire que la tonalité du morceau est Ré majeur. (Encore une fois,

si vous avez du mal à déterminer la tonalité d’une mélodie ou d’un morceau,

regardez mon tutoriel vidéo sur le sujet en cliquant ici).
Étape 3 : Harmoniser la gamme

On sait maintenant que la tonalité de notre mélodie est Ré Majeur. Nous allons donc
partir de la gamme de Ré Majeur pour nous aider à trouver les « bons » accords.
Exactement comme nous l’avons fait dans la partie consacrée aux accords, nous
allons harmoniser cette gamme. En harmonisant notre gamme de Ré Majeur, on
obtient ainsi les accords Ré Majeur, Mi Mineur, Fa# Mineur, Sol Majeur, La Majeur, Si
Mineur et Do# Diminué.
La tonalité du morceau est Ré Majeur, on part donc de

la gamme de Ré Majeur pour trouver nos accords
On harmonise la gamme et on en déduit nos accords
Étape 4 : Déterminer où placer les accords

Avant d’utiliser nos accords pour harmoniser notre mélodie, il faut d’abord se
demander où placer ces accords. En effet, nous n’allons pas utiliser un accord
différent pour chaque note de la mélodie. Cette répartition est assez subjective et
dépendra vraiment des notes (et des paroles) que vous voulez mettre en valeur.
Malgré tout, si vous n’avez strictement aucune idée de la façon dont répartir vos
accords, une méthode sûre consiste à les placer sur les temps 1 et 3 de votre mesure.
Pourquoi ces temps en particulier ? Parce qu’ils correspondent à ce que l’on appelle

des « temps forts », c’est-à-dire des temps qui seront naturellement plus marqués
que les autres.
Placez vos accords sur les temps forts de la mélodie
Étape 5 : Harmoniser grâce aux accords I, IV, V

Maintenant que l’on sait quels accords utiliser et où les placer, il ne nous reste plus
qu’à harmoniser notre mélodie. Commençons tout d’abord par la première et la
dernière note de notre mélodie. En effet, nous allons utiliser un accord du premier
degré (c’est-à-dire l’accord Ré Majeur dans notre cas) pour respecter le principe
d’utilisation de la fondamentale d’accords.
Utilisez l’accord du premier degré pour la première et la dernière note de la mélodie
À ce point de l’harmonisation, vous allez sûrement me demander quels sont les

accords à utiliser pour les autres notes de la mélodie. Parmi les 7 accords que nous
avons sous la main, comment savoir lesquels choisir et où les placer ? C’est très
simple : pour une première ébauche d’harmonisation, je vous conseille tout d’abord
de n’utiliser que les accords I, IV et V de votre gamme. Pourquoi ces trois accords en
particulier ? Tout simplement parce qu’ils contiennent à eux trois toutes les notes de
la gamme ! A eux trois, ils suffisent donc à harmoniser l’ensemble de votre mélodie.

Commencez votre harmonisation avec

les accords I, IV et V de votre gamme
Testez un peu avec votre instrument et voyez quel accord vous préférez parmi les
trois. La répartition de ces trois accords au sein de votre mélodie se fait de façon tout
à fait arbitraire, et en fonction de vos préférences. Après quelques recherches, on
peut dresser une première version de notre harmonisation :
Note : Vous pouvez même intégrer des renversements (comme je l’ai fait ici pour le
deuxième accord) pour ajouter de la diversité à votre accompagnement.
Étape 6 : Inclure les autres accords de la gamme

Cette première harmonisation est une bonne base, mais elle manque un peu de
diversité. Pour y ajouter du piment, on va remplacer certains de nos accords
précédents par d’autres accords issus de la tonalité. Autrement dit, on ne va plus se
contenter d’utiliser les accords I, IV, V : on va pouvoir choisir n’importe quel accord
de notre gamme. Quel accord choisir pour être sûr qu’il corresponde à la mélodie ?
Facile, on va reprendre une des règles vues dans la première partie de ce chapitre :
on va utiliser des accords dont les notes sont comprises dans notre mélodie.
Par exemple, on cherche à remplacer le deuxième accord de la deuxième mesure
pour éviter d’utiliser deux fois le même accord dans l’accompagnement. La note qui
tombe à ce moment-là de la mélodie est le Ré. On va donc choisir parmi notre liste un
accord contenant la note Ré. L’accord de Si mineur correspondant au 6ème degré de la

gamme fera parfaitement l’affaire car il est composé des notes Si, Ré et Fa#. En
procédant de la même façon, on peut remplacer d’autres accords et diversifier notre
accompagnement :
Intégrez les autres accords de la tonalité en vous basant sur les notes communes
Étape 7 : Mettez de la variété dans votre accompagnement

Enfin, pour apporter de la variété à votre accompagnement, vous pouvez utiliser
toutes les techniques décrites dans la section « varier sa suite d’accords ». Utilisez
des accords d’autres tonalités, changez la nature de vos accords (accords tronqués,
accords à 4 notes), jouez certains accords de façon arpégée et d’autres de façon
plaquée. De même variez la rythmique de votre accompagnement. Ici, je n’ai utilisé
que des blanches, mais rien ne vous empêche de faire durer certains accords, ou au
contraire d’ajouter d’autres accords pendant les temps faibles. Faites-vous plaisir,
testez et soyez à l’écoute de votre inspiration. N’oubliez pas qu’en musique tout est
possible !

À vous de jouer :
Exercice 1 : Prenez la suite d’accords de votre choix et composez une mélodie à

partir de cette dernière en vous aidant de l’exemple ci-dessus.
Exercice 2: Prenez une mélodie que vous venez de composer et trouvez son
accompagnement grâce aux 7 étapes d’harmonisation.

Chapitre 7: Pilier 3, les paroles
 À trouver un thème pour votre chanson
 « LE » sujet inépuisable qui marche à tous les coups (et qui n’est pas l’amour !)
 5 étapes progressives pour vous aider à écrire vos paroles
 5 astuces pour améliorer drastiquement l’impact de vos paroles
 Comment vous inspirer des techniques issues de la poésie pour écrire vos
paroles ?
 Comment choisir un titre efficace pour votre chanson ?

Introduction
Nous arrivons maintenant au troisième des quatre piliers d’une chanson : les paroles.
Ce pilier, je sais qu’il laisse peu d’entre vous insensibles. En général, soit vous le
détestez car l’écriture des paroles est un des exercices les plus difficiles de la
composition, soit vous l’adorez car la dimension textuelle d’une chanson revêt pour
vous une importance particulière. Quoi qu’il en soit, que vous les adoriez ou que vous
les détestiez, les paroles sont un des éléments fondateurs de la chanson. Car plus
qu’un simple texte, les paroles d’une chanson se doivent de remplir plusieurs rôles :
 Porter le message de la chanson : Les paroles constituent le moyen

d’expression le plus direct du compositeur. Elles représentent la vitrine de son
esprit, et permettent de rapporter clairement ses pensées. Elles vont donc
l’aider à s’exprimer et à porter son message aux oreilles du monde entier.
 Donner une direction à la musique : Seule, la musique peut exprimer une

infinité de choses et peut être interprétée de multiples façons. Les paroles
sont donc là pour aider l’auditeur à comprendre le message véhiculé par le
compositeur. Ainsi, en fonction de ce qui y est raconté, une chanson peut
devenir une histoire, un support de dénonciation, un moyen d’expression, ou
même un relais d’information.

 Véhiculer la mélodie : Les paroles permettent de porter la mélodie. C’est en

effet grâce aux paroles que les notes de la mélodie arrivent jusqu’aux oreilles
de l’auditeur. D’ailleurs, paroles et mélodie sont deux entités indissociables
l’une de l’autre : la mélodie prend naissance à partir du moment où les paroles
sont chantées, alors que l’auditeur portera toute son attention au sens du
texte grâce à la beauté de la mélodie. Pour voir comment associer paroles et
mélodie, je vous donne rendez-vous page 148.
Alors comment écrire des paroles qui puissent remplir l’ensemble de ces fonctions ?
Comment écrire des paroles qui ont de l’impact ? Et tout simplement comment écrire
les paroles d’une chanson ? C’est ce que nous allons voir au sein de cette partie.
Les paroles vous permettent de laisser votre message

© Moyan Brenn

I / Quel sujet aborder dans ses chansons ?
Beaucoup de personnes bloquent et ne savent pas de quoi parler dans leurs

chansons. Au moment de se retrouver face à leur feuille, c’est le vide : rien ne leur
vient ou le sujet qu’ils choisissent leur paraît trop banal.
Et pourtant, il n’y a vraiment pas lieu de s’inquiéter car une chanson peut parler de
tout et de n’importe quoi : vous pouvez choisir de raconter une histoire qui va se
dérouler sur des années, ou décrire avec précision la dernière heure d’existence
d’une personne. Vous pouvez faire voyager votre auditeur partout dans le monde, ou
le laisser témoin d’une scène à huit clos. Vous pouvez parler de tous les habitants de
la planète, ou simplement décrire une nuit étoilée dans le silence de mort d’un
désert. Vous pouvez décrire votre dégoût des autres, ou célébrer l’amour que vous
portez à la personne la plus chère de votre vie. Bref, comme le dirait si justement le
personnage Claudy Faucan du film Dikkenek (ce film est magique): « Tout est possible,
tout est négociable ». Vous pouvez parler d’absolument tout ce que vous voulez dans
votre chanson.
Malgré tout, puisque je sais qu’il est difficile de trouver de bonnes idées, je vais vous
donner les thèmes les plus courants dans les chansons, ainsi qu’un thème universel
qui vous aidera à ne plus jamais connaître la page blanche.
Les thèmes récurrents

Certains thèmes sont des classiques de chez classique et reviennent particulièrement
souvent dans les paroles des compositeurs :
L’Amour et toutes ses variantes

L’amour est sans aucun doute le sujet le plus abordé de toute
l’histoire de la musique (et aussi de la littérature et de la poésie).
Du premier regard au suicide amoureux en passant par la
tromperie, les moments heureux, la rupture, le sexe, la routine, le
manque, le fait d’aimer trois femmes en même temps et ne pas
savoir laquelle choisir, l’amour est un sujet aussi vaste que
répandu.
Exemple : Ghinzu « The Dragster Wave »

Les autres types de relations humaines

L’amitié, la famille, et plus généralement la place de l’Homme dans la société sont
autant de sujets répandus dans les chansons. Comme le dit Aristote, l’Homme est un
animal social, il est donc normal qu’il se préoccupe de sa place et de sa relation avec
les autres.
Exemple : Red Hot Chili Peppers « My friends »
La société / La politique
De nombreuses chansons ont eu pour vocation de porter des messages. Quoi de
mieux en effet qu’une belle mélodie et qu’un air entraînant pour retenir l’attention ?
De nombreux artistes comme Bob Marley ou Rage Against The Machine sont ainsi
connus pour leur habilité à sensibiliser les foules, réveiller les consciences, et inciter à
l’action grâce à leur musique.
Exemple : Bob Marley « Get Up, Stand up » ;
L’Histoire
Comme il existe des livres d’Histoire, il existe également de nombreuses chansons
relatant des faits historiques. Les chansons d’Histoire regroupent également les
chansons ayant peint leur époque à un moment donné. Aujourd’hui, elles font donc
office de témoins du passé.
Exemple : Medine « Du Panjshir à Harlem »
La spiritualité
Les paroles d’une chanson relatent souvent les centres d’intérêts de son auteur. Si ce
dernier est inspiré par la religion dans son quotidien, alors il n’est pas rare qu’il
retranscrive cette foi à travers son œuvre. De même, la place de l’Homme dans
l’univers, l’origine de la vie ou la peur de la mort sont autant de sujets passionnants
et récurrents de chansons.
Exemple : August Burns Red « Spirit Breaker »
La fiction
Par la fiction, j’entends le fait de raconter une histoire. Beaucoup de chansons sont
en effet basées sur ce format : comme un livre, elles mettent en scène des
personnages et racontent leurs péripéties au fur et à mesure de l’avancement de la
chanson. Cette façon de faire est très efficace car l’auditeur, désireux de connaître la
fin de l’histoire, est incité à écouter la chanson jusqu’au bout.
Exemple : Eminem « Stan »

Le divertissement
La fête, les filles, l’alcool… Dois-je vraiment vous décrire cette section en détail ? ;)
Rien
Bon, j’avoue, j’aurais pu me passer de cette section. Mais est-ce de ma faute si la
majorité des chansons d’aujourd’hui contiennent des paroles creuses et sans aucun
sens à base de « Yeah, Yeah, Yeeaah » ou de « Woo Oh Oohh » ?
Le thème inépuisable
Il existe un sujet de chanson universel. Ce sujet constitue un vivier inépuisable d’idées

et peut faire face à n’importe quelle page blanche. Il est de loin le sujet le plus
intéressant et le plus efficace de tous. A lui seul, il peut même suffire à nourrir
l’ensemble de vos œuvres.
Mais c’est quoi ce sujet magique ? Ça existe vraiment un tel thème ?
Oui oui, ça existe bel et bien. Je vais même vous le révéler sans plus tarder. Ce sujet
c’est… la pêche des loutres en milieu transatlantique ! =) ... Mais non je rigole ! (quel
plaisantin je fais…). Plus sérieusement, ce sujet c’est VOUS.
Les émotions, un formidable levier d’inspiration
Vos expériences, vos préoccupations, vos envies, vos peurs ou encore vos réflexions
sont autant de sujets passionnants de chansons. Des auteurs comme Charles
Bukowski, John Fante, ou Hunter S Thompson ont d’ailleurs bâti l’ensemble de leurs
œuvres littéraires à partir de sujets autobiographiques.
Comme je vous l’ai dit précédemment, la musique est un formidable moyen

d’exprimer ce que vous ressentez au plus profond de vous. À ce titre, il est donc
normal que vous parliez de ce qui vous fait vibrer dans vos chansons. Parlez de ce qui
vous touche, des sujets qui vous intéressent, et des valeurs que vous avez envie de
véhiculer. Il faut que votre sujet vous prenne aux tripes et vous engage
personnellement. Ce faisant, vous serez sûr de ne plus jamais tomber en panne
d’inspiration. Car tout ce qui vous concerne et tout ce qui a de l’importance à vos
yeux va engager vos émotions ; et ces émotions sont de formidables leviers
d’inspiration.

Prenons un petit exemple pour illustrer cette idée : rappelez-vous que tout à l’heure,
je vous ai dit que l’amour était l’un des sujets les plus traités dans l’histoire de l’art et
de la littérature. Si c’est le cas, ce n’est pas pour rien : c’est parce que les événements
liés à l’amour font naître des pics émotionnels chez leurs auteurs. Ce surplus
d’émotions les conduit alors à vouloir extérioriser ce qu’ils ressentent, et c’est ainsi
que vient leur inspiration.
En définitive, si vous parlez de ce qui vous fascine ou de ce qui a de l’intérêt à vos

yeux, vous ferez appel à vos émotions et ne serez plus jamais en panne d’inspiration.
Un gage d’originalité
Parler des sujets qui vous touchent personnellement comporte un autre avantage
majeur : vous êtes sûr d’écrire des paroles originales. En effet, même si vous écrivez
une chanson sur un sujet qui a déjà été traité des millions de fois, chaque personne
est différente. En écrivant des paroles sincères, vous les écrirez donc à travers votre
prisme, c’est à dire à travers votre vision de la vie et à travers votre personnalité.
Pour preuve, regardez le nombre de chansons sur l’amour : malgré leur nombre, y en
a-t-il seulement deux similaires ?
Extériorisez ce que vous ressentez et touchez les autres
Enfin, parler d’un sujet qui vous prend aux tripes possède un dernier avantage (et
non des moindres) : d’autres personnes pourront s’identifier à ce que vous dites.
Raconter des choses dans lesquels d’autres personnes se retrouvent constitue un
excellent moyen d’écrire de bonnes paroles. Si des groupes comme « Fauve »
cartonnent actuellement, c’est justement parce qu’ils arrivent à mettre des mots sur
des situations partagées par de très nombreuses personnes. Idem pour la minisérie
« Bref » : si elle a rencontré autant de succès, c’est aussi parce qu’elle a réussi à
mettre en scène un personnage auquel les téléspectateurs ont pu s’identifier
facilement.

II / Le processus d’écriture des paroles d’une chanson
Maintenant que vous savez quel thème aborder dans vos chansons, il ne vous reste
plus qu’à en écrire les paroles.
Connaître la différence entre texte et paroles

À première vue, l’écriture des paroles peut paraître la partie la plus simple de la
chanson. En effet, l’écriture d’un texte est un réflexe beaucoup plus naturel que celui
d’écrire une musique. Nous sommes habitués depuis notre plus jeune âge à écrire et
à inventer des textes (rappelez-vous, les terribles rédactions et exposés de votre
jeunesse…) alors que nous sommes beaucoup moins coutumiers du fait d’écrire une
musique. C’est d’ailleurs pour cette raison que beaucoup de débutants en
composition se plongent directement dans l’écriture de paroles : ça leur paraît
coutumier et naturel.
Écrire un simple texte ? Ça je sais faire, il n’y a rien de plus facile !
Ils écrivent alors tout un texte ou un poème et pensent avoir là un point de départ
fantastique pour leur chanson.
Tout ce qu’il me reste à faire maintenant, c’est de trouver la musique qui va avec !
Malheureusement, cette façon de faire est la plus grande erreur qui soit pour
l’apprenti compositeur. Car en procédant ainsi, ce dernier omet un détail de taille : le
texte et les paroles sont deux supports totalement différents. Ils ne peuvent être
traités de la même façon car il existe une différence fondamentale entre les deux : la
concision.
En effet, lorsque vous racontez une histoire à travers un texte, vous avez la liberté
d’utiliser autant de mots que vous le voulez. Vous pouvez utiliser le nombre de
phrases de votre choix pour décrire une action avec précision, ou rajouter autant de
passages descriptifs que vous le souhaitez pour renforcer l’immersion de votre
lecteur dans votre récit. Or, puisqu’une chanson à une durée limitée, vous n’avez pas

dans ce cas cette liberté. Votre nombre de phrases est réduit et tout l’enjeu sera de
passer votre message en prenant en compte cette contrainte. Vous devrez réussir à
transmettre l’essence de votre message en quelques phrases seulement. Pour y
arriver, nous allons voir une méthode d’écriture de paroles en 5 étapes.
5 étapes pour écrire vos paroles
Étape 1 : Définir le thème
Du thème de votre chanson découlera vos paroles. Grâce à tous les conseils de la
première section, il doit maintenant vous être facile de trouver un bon thème. Une
fois que vous l’avez choisi, vous pouvez passer à l’étape 2.
Exemple de thème : L’écologie, l’Homme est en train de détruire tout ce qui
l’entoure.
Étape 2 : Le brainstorming
Maintenant que vous avez votre thème, il va falloir que vous le développiez pour en
retirer des idées. Pour ce faire, nous allons reprendre la technique du free writing vu
dans le chapitre consacré à l’inspiration. Prenez une feuille et écrivez votre thème au
sommet de cette page. Ensuite, écrivez tous les mots et toutes les idées que vous
évoque votre concept. Surtout, n’ayez aucune limite et lâchez-vous. Le but n’est pas
de mettre en forme vos phrases mais de créer du contenu en étant spontané. Rien ne
doit vous arrêter ou brider votre imagination. Même si vous trouvez une de vos idées
loufoque ou hors sujet par rapport à votre thème, notez-la quand même. La seule
règle, c’est de retranscrire par écrit tout ce que vous pensez.
Étape 3 : Utilisez les mots-clés
Une fois que vous avez fini de développer votre thème, relisez vos notes et repérez
les idées et les phrases qui méritent d’être développées. Surlignez les mots-clés de
vos phrases et définissez de nouveaux mots-clés à partir de vos idées.
Exemple de mots-clés : terre, pollution, respirer, détruire, brouillard, propre,
abandonner, suffoquer…
Le fait d’utiliser des mots-clés va vous aider à rester concis et à transmettre
l’essentiel de vos idées rapidement et efficacement.

Étape 4 : Précisez le champ d’action de votre histoire
À ce stade de l’écriture, vous devez avoir une liste de mots-clés et quelques phrases
toutes faites issues de votre session de brainstorming. Vos paroles et votre histoire
doivent commencer à apparaître naturellement sous vos yeux. Pour éviter de rester
dans le factuel et donner de l’originalité à vos paroles, nous allons maintenant définir
le champ d’action de votre histoire.
Le point de vue
De quel point de vue votre histoire sera-t-elle racontée ? Allez-vous raconter les faits
de façon extérieure ? Ou au contraire êtes-vous le héros de votre histoire ? Vous
adressez-vous directement à quelqu’un en particulier ? Ou votre message est-il à
l’ensemble de la population ? ... Prenez bien le temps de répondre à toutes ces
questions car chaque point de vue possède ses propres spécificités.
La première personne : Sûrement le plus populaire de tous les points de vue.

L’auteur et le personnage se confondent en une seule et même personne. Ce point
de vue est donc le plus personnel de tous et permet d’exprimer directement l’opinion
et les émotions de l’auteur.
La deuxième personne : Grâce à ce point de vue, vous pouvez exprimer votre

message à une personne en particulier. C’est une forme d’expression très directe.
La troisième personne : Ici, l’auteur devient un reporter. Il se contente de relater les

faits qui se déroulent sous ses yeux. La troisième personne est particulièrement utile
car elle vous permet de vous détacher en partie de ce que vous racontez. Vous
pouvez donc émettre un avis ou une critique sans en prendre l’entière responsabilité.
Note : Ces trois points de vue sont les plus communs de tous mais rien ne vous
empêche d’utiliser d’autres points de vue (ex : première personne du pluriel avec We
Will Rock You de Queen) ou même de changer de point de vue en cours de chanson.
Le temps
A quel moment votre histoire s’est-elle passée ? L’action est-elle en train de se

dérouler sous vos yeux ? Est-elle déjà passée ? Ou au contraire aura-t-elle lieu dans le
futur ? Encore une fois, la portée de votre message sera totalement différente en
fonction du temps que vous choisirez. Chaque temps possède ses propres

caractéristiques : le présent est une forme particulièrement courante car il permet de

retranscrire facilement l’action. Le passé quant à lui encourage la nostalgie, tandis
que le futur est particulièrement apprécié pour décrire les rêves et les souhaits.
La cible
À qui s’adresse votre chanson ? Est-ce une personne particulière ? La terre entière ?
Une institution ? En tant que compositeur, vous devez définir la cible de votre
chanson, ça vous aidera à améliorer l’impact de votre message.
Le ton
Quelle émotion voulez-vous faire ressentir à travers votre chanson ? De la joie ? De la

tristesse ? De la colère ? De la lassitude ? Déterminer le ton de votre chanson vous
aidera à définir un champ lexical pour vos paroles.
Étape 5 : Écrivez vos phrases
Maintenant que vous avez vos idées, vos mots-clés, et le champ d’action précis de
votre histoire, il ne vous reste plus qu’à construire vos phrases. Pour cela, reliez vos
mots-clés de façon à ce qu’ils correspondent au champ d’action de votre histoire.
Normalement, grâce à la représentation précise de votre histoire, vous ne devriez
avoir aucun mal à y arriver. Vous pouvez même glisser quelques phrases toutes faites
issues de votre brainstorming pour étoffer votre création. On peut assimiler cette
dernière étape au passage à la rédaction d’un rapport : il ne vous reste plus qu’à
créer des phrases à partir de votre plan détaillé !
Note: L’écriture des paroles doit respecter deux autres grandes conditions :
 Les paroles doivent être écrites en accord, et en fonction de la musique

(Rendez-vous page 148 pour voir comment associer harmonieusement
paroles et musique).
 Les paroles doivent être écrites en fonction de la structure de la chanson

(Rendez-vous à la section « évolution des paroles au cours du morceau »
page 204).

III / Écrire des paroles qui ont de l’impact
Vous connaissez maintenant le processus d’écriture des paroles mais vous vous
demandez peut-être comment écrire de bonnes paroles pour vous élever au rang
d’un Jacques Brel ou d’un Bob Dylan. Comme vous vous en doutez, il vous faudra déjà
une bonne dose de temps et de pratique ;). Mais voici tout de même quelques
conseils qui devraient vous aider à améliorer significativement et efficacement
l’impact de vos paroles.
5 astuces pour booster vos paroles

Astuce n°1 : S’inspirer de ce qui vous entoure
Cette astuce est sans doute celle que j’ai le plus répétée au cours de ce livre. Mais si
je l’ai fait c’est qu’il y a une raison : elle marche.
Je vous encourage vivement à lire et à vous documenter énormément. Vos futures

paroles sont partout, il suffit simplement d’être curieux et de se donner la peine de
chercher pour les trouver. Saviez-vous par exemple que le mythique leader des
Doors, Jim Morisson puisait son inspiration dans la poésie ? Que Robert Plant le
chanteur de Led Zeppelin avait l’habitude de chercher ses idées dans les œuvres de
science-fiction ? Ou encore qu’Eminem passait son temps à étudier le dictionnaire
pour enrichir ses rimes ?
Bien entendu, vous pouvez également puiser votre inspiration dans la musique elle-
même et dans les paroles d’artistes reconnus pour leur talent poétique tels que Bob
Dylan, Leonard Cohen ou Serge Gainsbourg.
Astuce : Pour encore plus d’efficacité, notez directement les phrases qui vous
inspirent dans votre petit carnet (dont vous ne vous séparez plus désormais !).
Constituez-vous une véritable collection et au moment d’écrire vos paroles, allez-y
piocher vos idées.
Astuce n°2 : Adopter un autre point de vue
Pour des paroles originales et pour vous permettre de traiter des sujets qui l’ont déjà
été des milliers de fois, une astuce simple consiste à changer le point de vue selon

lequel vous racontez votre histoire. Il ne s’agit pas simplement de changer la

personne à laquelle vous racontez l’histoire, mais de changer l’angle à travers lequel
vous décrivez votre scène. Par exemple : si votre scène décrit une voiture qui
s’avance seule dans la nuit, vous pouvez l’imaginer à travers les yeux du conducteur
(que voit-il ? que ressent-il ? à quoi pense-t-il ? etc…), mais aussi à travers les yeux
d’un passant. Si vous faites preuve d’un peu plus d’imagination, vous pouvez même
décrire la scène vue du ciel, ou de la perspective de la voiture elle-même !
Observez la scène d’un autre point de vue

© MsAnthea
Astuce n°3 : Faites appel aux 5 sens
Il existe un principe redoutable dans l’art du storytelling (c’est-à-dire dans l’art de

raconter des histoires) : si vous voulez impliquer totalement votre auditeur, faites
appel à ses 5 sens. En utilisant ses 5 sens (la vue, l’ouïe, le toucher, le goût et
l’odorat) vous ne vous contenterez plus de lui décrire une scène, vous lui ferez vivre !
Regardez un peu la différence entre ces deux phrases :
 Phrase 1 : Un homme boit un cocktail au bord d’une plage.
 Phrase 2 : Un homme sirote un cocktail glacé à la framboise allongé sur son

transat, les pieds plongés dans l’eau. En fermant les yeux, il peut même sentir
le vent chaud caresser son visage et l’odeur d’iode qui flotte dans l’air.
Vous voyez un peu la différence entre les deux ? Dans le premier cas, je me suis
contenté de rester factuel, tandis que dans le deuxième cas, je suis sûr que vous avez

pu vous faire une représentation précise de cet homme assis au bord de la plage (et
qui a bien de la chance !).
Astuce n°4 : Utiliser des figures de styles
Connaissez-vous le proverbe « une image vaut mieux que 1000 mots » ? Eh bien en
composition c’est strictement la même chose. Les figures de style comme la
comparaison ou la métaphore vont vous aider à faire passer votre message tout en
apportant de la couleur à votre texte.
- L’image : Certains mots nourrissent l’imagination et incitent l’esprit à se

représenter la scène. Ils sont donc particulièrement utiles pour décrire une
situation. Si je vous dis par exemple : « une cascade de fraises », vous
visualisez clairement les millions de fraises en train de déferler, alors que si je
m’étais contenté de vous dire « beaucoup de fraises », la scène vous aurait
paru beaucoup plus évasive. Usez de ces images à votre avantage. Elles vous
permettront d’immerger totalement le public au sein de votre univers.
Exemple : La chanson « Strawberry Fields Forever » des Beatles parlent de

« marshmallow skies » (ciels en marshmallow)
- La comparaison : La comparaison permet de rapprocher deux idées ou deux

concepts partageant certains points de similitude par l’intermédiaire de mots
de liaisons (comme, tel que…). Elle s’avère utile pour illustrer certaines idées
difficiles à définir autrement qu'au moyen du langage figuré.
Exemple : « Like a Virgin » de Madonna
- La métaphore : La métaphore est sans doute la figure de style la plus connue.

Comme la comparaison, elle permet de rapprocher deux idées ou deux
concepts. Cependant, la métaphore permet de rapprocher deux concepts a
priori étrangers l’un à l’autre et ce, sans recourir aux outils de comparaison. La
métaphore est donc particulièrement utile pour faire travailler l’imagination et
donner une dimension poétique à un concept.
Exemple: « La Femme Chocolat » d’Olivia Ruiz
- La personnification / l’allégorie : La personnification consiste à attribuer des

propriétés humaines à un objet ou une entité abstraite.
Exemple: “They Call the Wind Mariah” de Sam Cooke

Astuce n°5 : User de répétitions
Tout comme pour la mélodie, la répétition est un procédé important de l’écriture de

paroles. On la retrouve aussi beaucoup en poésie. La répétition va donner du rythme
à votre texte et vous aider à vous adapter à la longueur de votre mélodie. Différents
éléments de vos paroles peuvent être répétés : un mot (ex : Yeah, yeah, yeah), une
phrase, ou le titre de la chanson (ex : Hey Jude)
La rime et autres procédés issus de la poésie

La poésie et l’écriture de paroles ont toujours été deux disciplines étroitement liées.
Dans les deux cas, le texte retranscrit la vision de l’auteur et a été écrit en respectant
certains canons esthétiques. Ces deux domaines sont tellement proches, qu’il n’est
pas rare de voir des poésies mises en musique ou des compositeurs qualifiés de
« poète ». La musique emprunte à la poésie et la poésie à la musique. Cette synergie,
on la retrouve également dans l’utilisation fréquente de figures de style poétiques
comme la rime ou l’allitération par les compositeurs.
La rime
Lorsqu’on pense aux paroles d’une chanson, on ne peut s’empêcher de penser aux
rimes. Depuis notre tendre enfance, on a en effet été habitué à apprendre des
comptines ou des chansons maniant la rime.
Utiliser la rime possède de nombreux avantages : elle donne un côté recherché aux
paroles, favorise leur mémorisation et leur insuffle du rythme et de l’émotion.
Cependant, son recours ne doit pas être systématique. Trop de personnes font en
effet l’erreur de vouloir écrire systématiquement leurs paroles en rimes. Or, mieux
vaut écrire des paroles sans rimes que des paroles comprenant des rimes médiocres.
Car la rime engage une contrainte : celle de trouver une sonorité similaire. Si cette
contrainte est maîtrisée, il n’y a pas de problèmes. Mais si le mot contenant la rime
est choisi à défaut, simplement pour respecter la contrainte de sonorité, alors les
paroles perdront de leur profondeur et le texte ne deviendra qu’une caricature de
poésie. Pour éviter ce problème, vous pouvez avoir recours au dictionnaire de rimes.
Une autre technique consistera à écrire ses vers quatre à quatre et à respecter les
schémas classiques de rimes :

. Le schéma monorime AAAA : La même rime figure à la fin de chacun des

quatre vers
Exemple: The Police, « Every Breath You Take »
Every breath you take (A)

Every move you make (A)
Every bond you break (A)
Every step you take (A)
. Le schéma rimes croisées ABAB : Les rimes s’alternent une à une
Exemple : La fable « Le Corbeau et le Renard » de Jean de la Fontaine
Maître Corbeau, sur un arbre perché, (A)

Tenait en son bec un fromage. (B)
Maître Renard, par l'odeur alléché, (A)
Lui tint à peu près ce langage : (B)
- . Le schéma rimes suivies AABB : Les rimes se suivent deux à deux
Exemple : Gainsbourg, « Ah Melody »
Ah Melody (A)
Tu m'en auras fait faire des conneries (A)
Hue hue et ho(B)
A dada sur mon dos (B)
. Le schéma rimes embrassées ABBA : Les deux rimes centrales sont

entrelacées par deux autres rimes
Exemple : Jacques Brel, « Amsterdam »

Dans le port d´Amsterdam (A)

Y a des marins qui chantent (B)
Les rêves qui les hantent (B)
Au large d´Amsterdam (A)
Le schéma ABCB : Le premier et le troisième vers sont indépendants mais il y a une

rime entre le deuxième et le quatrième vers.
Exemple: « House of the Rising Sun » de The Animals
Now the only thing a gambler needs (A)

Is a suitcase and trunk (B)
And the only time he's satisfied (C)
Is when he's on a drunk (B)
Autre astuce : Faites en sorte d’utiliser le même champ lexical pour les mots
partageant la même rime. Pris séparément, ces mots doivent avoir une logique entre
eux (d’où l’intérêt de recourir aux mots-clés dans votre processus d’écriture).
L’allitération
Connaissez-vous la phrase « Les chaussettes de l'archiduchesse sont-elles sèches ou

archisèches ? » Si c’est le cas, alors vous savez ce qu’est une allitération. Une
allitération est une figure de style qui consiste à répéter un son identique. Ce son
concerne souvent une consonne (dans notre exemple de « l’archiduchesse » il s’agit
du son « s »).
L’allitération permet de donner du rythme à une phrase et de renforcer la portée de

certains mots. Par exemple, dans la chanson « Bonnie and Clyde », Serge Gainsbourg
à répéter le son « t » et « c » pour suggérer le bruit d’une arme automatique.
« Dans les 3 jours, voilà le tac-tac-tac

Des mitraillettes qui reviennent à l'attaque »

IV / Choisir un titre
Le titre constitue la porte d’entrée de votre chanson. C’est ce que verront en premier
lieu vos auditeurs. Grâce à lui, votre public va pouvoir commencer à se représenter
votre chanson. Comme vous le savez, il est très important de faire une première
bonne impression, c’est déterminant pour la suite. Vous devrez donc faire
particulièrement attention au choix de votre titre. De même, puisqu’il existe des
centaines de milliers de chansons - et donc des centaines de milliers de titres – vous
devrez faire en sorte de choisir un titre qui retienne l’attention et qui soit facile à
retenir.
A quel moment choisir son titre ?
Là encore, il n’y a pas de réponse exacte à cette question. Toutes les approches sont
bonnes du moment qu’elles fonctionnent et qu’elles vous correspondent.
- Vous pouvez définir votre titre au tout début de votre chanson. Dans ce cas-là,
il sera le point de départ de votre écriture et toutes vos paroles en
découleront. Pour ce faire, reprenez les 5 étapes d’écriture décrites
précédemment, et démarrez l’étape n°1 à partir de votre titre et non à partir
d’un thème général.
- Vous pouvez également trouver votre titre pendant que vous êtes en train
d’écrire votre chanson. De nombreux artistes affirment que leurs titres se sont
affirmés d’eux-mêmes au cours du processus de composition.
- Enfin, vous pouvez choisir votre titre après avoir fini votre chanson. À ce
moment, une bonne façon de faire consistera à reprendre un mot ou une
phrase qui apparaît de façon récurrente dans vos paroles. Ainsi, vous serez
non seulement sûr de résumer efficacement votre chanson, mais vous
favoriserez en plus la mémorisation grâce à la répétition.
Comment choisir son titre ?

Tout d’abord, intéressons-nous à la forme du titre : la plupart des titres ne comptent
qu’un à cinq mots. Votre titre doit en effet être assez court pour être facilement

mémorisé. En ce qui concerne le fond, votre titre a pour but de résumer le message
et l’esprit de votre chanson. En le lisant, votre public doit-être capable de deviner le
sujet de votre chanson et ressentir l’émotion que vous essayez de faire passer à
travers votre musique. Un bon titre, c’est un titre qui permet de résumer à lui seul le
contenu de votre chanson. Enfin, un bon titre est tout simplement un titre qui vous
inspire et qui vous touche personnellement.
Rendre son titre mémorable

Quelques petites astuces vont vous aider à créer des titres forts que l’on retient plus
facilement :
Évoquer des images
Comme nous l’avons vu précédemment, les images aident votre imagination à se

projeter et à matérialiser des idées. Associer un titre à une image constitue donc un
excellent moyen de mémorisation.
Exemples de titres imagés : « Allumer le feu » « Let it Bleed »
Utiliser des mots d’action
Les mots d’action possèdent l’avantage d’être visuels et énergiques. En plus de nous
permettre de nous représenter l’action, il nous aide à la ressentir.
Exemples: « Jump Around » « Jesus Walks »
Interpeller
En adressant directement votre chanson à quelqu’un ou quelque chose en particulier,

vous projetez directement votre auditeur dans un cadre intime. Il peut également se
reconnaître dans les paroles et s’identifier à votre chanson.
Exemple : « Putains vous m’aurez plus »

Éveiller la curiosité
Lorsqu’ils sont lus, certains titres amènent le lecteur à se poser des questions. Par
exemple, en lisant le titre de la chanson « Too Afraid to Love You » des Black Keys, on
se demande irrémédiablement « Pourquoi ? ». Pourquoi a-t-il trop peur de l’aimer ?
Que lui a-t-elle fait ? Va-t-il surmonter sa peur ? On est ensuite incité à écouter
attentivement la chanson pour découvrir la réponse à nos questions.
Enfin, n’oubliez jamais que le plus important dans un titre, c’est ce que vous en
faites ! Un titre ne deviendra bon qu’à partir du moment où la chanson qu’il abrite
est bonne. Exactement comme pour un roman : un livre ne trouvera jamais la gloire
uniquement grâce à son titre, c’est le texte qu’il renferme qui permettra de le mettre
en avant !
C’est la chanson qui fait le titre

© Joost Nuijten

À vous de jouer :
Exercice 1 : Prenez quelques minutes pour répondre aux questions suivantes :

Qui êtes-vous ? Comment vous définissez-vous ? Quelles sont vos valeurs ? Vos
croyances les plus profondes ? Et au contraire, quelles sont vos peurs ? Qu’attendez-
vous de la vie ? Quels sont vos rêves ? Quelles sont vos passions ? ... Dégagez ce qui a
de l’importance à vos yeux et servez-vous en pour en faire des thèmes de chansons.
Exercice 2 : Choisissez un thème et écrivez votre texte en vous aidant des 5

étapes du processus d’écriture de paroles.
Exercice 3 : Prenez un thème de votre choix et à partir de ce dernier, développez

trois histoires différentes. La scène que vous décrivez doit être la même, mais le point
de vue selon lequel vous décrivez cette scène doit être différent.
Exercice 4 : Décrivez brièvement une anecdote qui vous est arrivée récemment.
Ça peut être quelque chose de totalement inhabituel (j’ai été pris dans un braquage),
comme quelque chose de parfaitement courant (je me suis fait un super petit
déjeuner). Restez factuel dans votre description. Ensuite, réécrivez une autre version
de ce même événement mais en faisant appel cette fois-ci aux figures de style et aux
5 sens. Utilisez des comparaisons, décrivez ce que vous avez ressenti.
Exercice 5 : Reprenez les paroles que vous avez écrites lors de l’exercice 2 et
essayez d’y inclure des schémas de rimes.
Exercice 6 : Analysez les titres des chansons d’un de vos artistes référents. A-t-il
utilisé des images ? Des mots d’action ? Une interpellation orientée ? Autre chose ?

Chapitre 8 : Mettre en relation paroles et

musique
- Comment lier parfaitement vos paroles à votre musique ?
- 2 techniques pour trouver une mélodie à partir de vos paroles
- Comment écrire des paroles qui collent parfaitement à une mélodie déjà
composée ?
- Comment composer simultanément paroles et mélodie ?
- Une petite technique pirate pour apporter de l’originalité à vos paroles

Introduction
Dans les parties précédentes, vous avez appris à composer de belles mélodies d’un
côté, et de fortes paroles de l’autre. Cependant, il est impossible de dissocier ces
deux éléments. L’un ne peut pas aller sans l’autre. Les paroles véhiculent en effet la
mélodie, et la mélodie met en avant les paroles. En écrivant votre chanson, vous
devrez donc composer votre mélodie en fonction de vos paroles, et vos paroles en
fonction de votre mélodie.
De plus, imaginons que vous ayez composé votre mélodie d’un côté et vos paroles de
l’autre, au moment de les confronter, si vous les gardez en l’état, il est très peu
probable qu’elles coïncident parfaitement. C’est comme imaginer qu’il vous suffit de
préparer un bon repas d’un côté et choisir au hasard une excellente bouteille de vin
de l’autre pour que le mariage entre les deux soit réussi. Malheureusement ce n’est
pas aussi facile : ce n’est pas parce qu’à titre individuel la bouteille de vin et le repas
sont excellents, qu’ils seront parfaitement compatibles une fois dégustés ensemble.
Pour y arriver, il vous faudra choisir votre bouteille de vin en fonction de votre repas
ou inversement.

© Claire Lafargue
Comment faire pour créer une véritable synergie entre la mélodie et

l’accompagnement ? Comment arriver à les sublimer mutuellement ? C’est ce que
nous allons voir au sein de cette partie. Pour que tout le monde puisse y trouver son
compte, nous verrons comment associer efficacement paroles et mélodie en fonction
de différentes méthodes de composition :
 Nous verrons d’abord comment composer une mélodie à partir de paroles
 Nous verrons ensuite comment écrire des paroles à partir d’une mélodie
 Et enfin, nous verrons comment appréhender l’écriture des paroles et de la

mélodie simultanément

I / Écrire une mélodie à partir de paroles
Comment mettre un texte en musique ? C’est la principale difficulté rencontrée par

les personnes commençant leur composition par l’écriture de paroles. Pour y arriver,
une méthode simple consiste à se baser sur le chant qui existe naturellement dans
notre façon de parler.
1) Le phrasé de voix
La technique du phrasé de voix repose sur l’intonation naturelle de votre voix.
Qu’est-ce que l’intonation naturelle de la voix ? C’est très simple. En fait, à chaque
fois que vous parlez, vous créez une mélodie. Vous ne me croyez pas ? Alors tentez la
petite expérience suivante : prononcez la phrase « Non, sérieusement ? » comme si
vous veniez d’apprendre une mauvaise nouvelle. C’est fait ? Bien. Maintenant,
prononcez cette même phrase « Non sérieusement » comme si vous tentiez de
convaincre une personne qui ne vous croit pas. Vous voyez un peu la différence entre
ces deux intonations ? Ça n’a rien à voir n’est-ce pas ?
Cette différence vient du fait que la prononciation d’un mot change selon le message
que l’on veut faire passer. Notre façon de parler n’est pas monotone : on modifie
naturellement le rythme, le volume, et la hauteur de notre voix en fonction des
émotions que l’on souhaite communiquer. Or, ces trois éléments (le volume, la
hauteur, et le rythme) constituent les fondements d’une mélodie. La seule différence,
c’est que ces trois éléments sont exagérés dans le cadre d’une mélodie musicale.
Tout ce qu’il nous reste à faire pour créer une mélodie à partir de paroles, c’est donc
d’apprendre à repérer les intonations naturelles de votre voix et de les exagérer.
Prenez la première phrase de vos paroles et lisez-la. Exagérez au maximum la façon

dont vous la prononcez. Tentez de faire passer le plus d’émotion possible en la lisant.
Je vous conseille également de la prononcer très fort, ça vous aidera à mieux repérer
les mouvements naturels de votre voix. Ensuite, prenez conscience de ces
mouvements de voix et servez-vous en pour composer votre mélodie.
Prenons un exemple : on va exagérer la prononciation de notre phrase précédente

« Non, sérieusement ? ». On va la prononcer afin de faire passer l’interrogation,
comme si nous venions d’apprendre que nous avons gagné au loto par exemple. Dans
ce cas-là, on obtiendrait quelque chose comme : « Nooooon, SÉrieuseMENT ?!!!! »

On aurait allongé la durée du « Non » et on aurait appuyé la prononciation du début

et de la fin du mot « sérieusement » pour accentuer l’effet de surprise. En suivant ces
fluctuations, notre mélodie se traduirait par une note plus longue à la place du
« Non » et des notes plus aiguës pour les syllabes « SÉ » et « MENT ».
Voilà à quoi pourrait ressembler la mélodie

associée à la phrase « Non sérieusement ? »
Concernant les notes à utiliser, là c’est à vous de voir en fonction de votre inspiration
ou de la tonalité de votre boucle d’accords. ;)
Cette technique demande un peu de pratique mais vous verrez qu’à force, vous
finirez par trouver naturellement des mélodies à partir de vos textes. Il vous suffira
alors de vous répéter encore et encore une phrase dans votre tête pour que la
mélodie vienne à vous naturellement.
2) Le tracé de mots-clés
Cette technique peut être utilisée indépendamment ou en complément de la
précédente.
Dans les chapitres précédents, je vous avais présenté la technique du tracé pour
repérer les fluctuations de la mélodie. Or, puisque nous venons de voir que les
paroles contenaient une mélodie naturelle, pourquoi ne pas utiliser la technique du
tracé pour dégager cette mélodie ? L’idée est donc d’utiliser la technique du phrasé
de voix et de s’appuyer sur une courbe pour mettre en évidence ces fluctuations.
Exemple :

Mais on ne va pas s’arrêter là : en plus des mouvements de la voix, on va s’aider des

« mots-clés » contenus dans nos paroles pour composer notre mélodie. Qu’est-ce
que j’entends par mots-clés ? Eh bien j’entends par là les mots les plus forts de vos
paroles. Ce sont les mots les plus chargés en émotion, ceux qui sont destinés à
toucher votre auditeur. En général, ils ne sont pas très difficiles à repérer. Par
exemple, dans la phrase « Je ne peux pas vivre sans toi », les mots-clés seront bien
entendu : « VIVRE » et « TOI »
Pour chacun de ces mots, l’idée est d’utiliser une note plus aiguë pour en souligner
l’intensité. Votre courbe se traduira donc par une montée à ces endroits. Et pour
déterminer le reste des fluctuations de la courbe, basez-vous sur la technique du
phrasé décrite précédemment.
Exemple :
On accentue les mots-clés avec des notes aigues

II / Écrire des paroles à partir d’une mélodie
Nous allons maintenant voir l’inverse de la situation précédente : vous avez votre
mélodie (et peut-être même une petite suite d’accords qui va avec), et vous cherchez
à y ajouter des paroles.
Voilà comment faire pour y arriver : chantonnez votre mélodie encore et encore, puis
commencez par remplacer progressivement les sons que vous émettez par des mots
ou des syllabes. Les mots que vous employez doivent venir spontanément ; il ne faut
en aucun cas chercher à leur donner du sens. En fait, il faut simplement que vous
cherchiez à employer un mot qui puisse couvrir la sonorité de votre mélodie. Dans le
jargon de la musique, on appelle ça « faire du yaourt » (je suis sûr que vous avez déjà
entendu cette expression quelque part ;)).
Exemple : Avant qu’elles ne prennent leur forme définitive, les paroles de la

célébrissime chanson « Yesterday » des Beatles ressemblaient à ça :
« Scrambled eggs, how baby how I love your eggs!”

(Œufs brouillés, oh chérie qu’est-ce que j’aime tes œufs !)
L’origine des paroles de Yesterday

© Studio Rauzier Riviere

Vous voyez bien que prise comme telle, cette phrase ne veut strictement rien dire.
Par contre, si vous la chantez en respectant l’air de « Yesterday », les mots utilisés
collent parfaitement à la mélodie. Et c’est ce que vous devez vous aussi, chercher à
faire : utiliser des mots qui puissent parfaitement véhiculer la mélodie que vous
chantez.
Ensuite, il ne vous reste plus qu’à remplacer ces mots provisoires par des phrases plus
recherchées (issues par exemple de votre petit carnet ou écrites préalablement grâce
à la méthode des 5 étapes) pour avoir vos paroles. Faites juste attention à ce que vos
nouvelles paroles véhiculent aussi bien votre mélodie que vos paroles provisoires
(même rythme, même nombre de syllabes etc…) et le tour sera joué !
Pour donner un petit côté plus mystérieux ou « psychédélique »

à vos paroles, gardez quelques « phrases yaourt » dans vos
paroles définitives.
C’est ce qui s’est passé dans la chanson « Hey Jude » des Beatles. Au départ, la phrase
« The movement you need is on your shoulder » (le mouvement dont tu as besoin est
sur ton épaule) n’était que provisoire, mais John Lennon insista tellement auprès de
McCartney pour la garder, qu’elle fut finalement intégrée à la version définitive.
Aujourd’hui, cette phrase est considérée comme l’un des vers les plus marquants de
la chanson.

III / Considérer l’écriture des paroles et de la mélodie simultanément
Enfin, puisque paroles et mélodie sont indissociables, mieux vaut appréhender la

composition de ces deux éléments simultanément. Comme vous le savez, il n’y a pas
de règles en composition et l’inspiration peut surgir sous n’importe quelle forme.
Parfois, une phrase que vous lirez vous inspirera des paroles, tandis que d’autres fois,
c’est la pratique de votre instrument qui vous suggérera une mélodie intéressante.
Tous les chemins mènent à une bonne composition (et à Rome aussi ;)). Il peut donc
être intéressant de développer l’écriture de vos paroles et de votre mélodie en même
temps. Comme ça, quel que soit l’élément qui vous inspirera sur le moment, il
nourrira directement votre création.
De plus, ce type d’approche vous permettra de vous affranchir des limites. Car si
vous composez une partie en fonction de l’autre, vous serez irrémédiablement
confronté à des limites : si vous commencez d’abord par écrire vos paroles, votre
limite sera d’adapter votre musique à ces paroles. Tandis que si vous commencez par
composer votre musique, votre limite sera de trouver des paroles qui puissent
supporter les sonorités de votre mélodie. Or, en adoptant une approche parallèle,
vous donnerez autant d’importance à une partie qu’à une autre, et il vous sera plus
aisé de donner de l’harmonie à votre chanson. Au lieu d’avoir une partie malléable
dans une main et une partie fixe dans l’autre, vous aurez entre les doigts deux parties
malléables prêtes à être malaxées pour créer une œuvre parfaitement homogène.
Concrètement comment adopter une approche de composition parallèle ?
Eh bien il n’y a pas de méthode spécifique à proprement parler, il vous faudra

simplement appliquer simultanément toutes les techniques d’écriture de paroles et
de mélodies que vous avez vues jusqu’à présent. Soyez « à l’écoute » de votre
musique et laissez-la vous guider. Si vous avez un bout de mélodie, fermez les yeux et
demandez-vous quel sentiment ou quel mot cette mélodie vous évoque-t-elle. Si vous
avez des mots, voyez quelle sonorité vous pouvez y trouver. Ensuite, essayez de
combiner le tout et construisez votre chanson pas à pas. Surtout, n’hésitez pas à
modifier constamment une partie en fonction de l’autre. Si vous avez trouvé un
nouveau vers pour compléter votre phrase, allongez votre mélodie en conséquence.
Si vous modifiez les notes de votre mélodie, adaptez les mots de votre phrase pour
qu’ils puissent la véhiculer. Bref vous avez compris le principe : avancez
progressivement, faites preuve de flexibilité, et soyez à l’écoute de votre chanson
pour concilier au mieux vos paroles et votre mélodie.

À vous de jouer :
Exercice 1 : Choisissez les paroles d’une chanson d’un artiste que vous n’avez
jamais écouté. La chanson doit exister, mais vous ne devez pas la connaître. A partir
de ces paroles (vous pouvez très facilement retrouver les paroles de n’importe quelle
chanson à partir d’une simple recherche sur internet) et grâce aux techniques du
phrasé de voix et du tracé, composez en sa mélodie. Une fois que vous avez fini, allez
écouter la chanson en question et comparez sa mélodie avec celle que vous venez de
composer !
Exercice 2 : Isolez la mélodie d’une chanson de votre choix (vous pouvez

retrouver sa mélodie en la cherchant à l’air, à l’oreille ou en consultant sa
partition/tablature sur internet) et définissez à partir de cette dernière de nouvelles
paroles en partant du yaourt.
Exercice 3 : Reprenez un bout de mélodie (+ son accompagnement) et quelques

paroles que vous avez composés lors des exercices précédents. Développez-les et
modifiez-les grâce à l’approche simultanée pour obtenir votre première
composition !

Chapitre 9 : Pilier 4, le rythme
Dans cette partie vous allez apprendre:
 À repérer le tempo de n’importe quelle chanson
 À choisir le bon tempo pour votre composition
 À définir la structure rythmique de votre composition
 À utiliser des rythmes efficaces pour votre mélodie et votre accompagnement
 Les 7 rythmiques de base à la guitare
 Comment composer la partie « batterie » de votre morceau ?

Introduction
Dans la musique actuelle, le rythme est presque aussi important que la musique en
elle-même. Certains chercheurs avancent même que l’origine du rythme est
antérieure à celle de la musique.
Le rythme correspond à la durée des notes. Il permet d’agencer la musique dans le

temps en lui donnant une structure. Son rôle est essentiel au sein du morceau. En
plus de permettre de lier les différents piliers, il occupe également de nombreuses
fonctions :
 Il donne du relief au morceau : imaginez un peu une musique où tous les

instruments reproduiraient à l’identique le même rythme jusqu’à la fin du
morceau : la musique serait ennuyeuse à mourir ! Le rythme permet donc
d’apporter des nuances et de donner vie au morceau.
 Il structure le morceau : à l’inverse, imaginez une musique où chaque

instrument jouerait une même mélodie espacée et agencée selon l’envie de
chacun : ce serait une véritable cacophonie ! Il permet donc d’apporter un
équilibre et un sens à la musique.

 Il donne une identité au morceau : avez déjà rencontré un morceau de reggae

avec un rythme effréné ? ;)
 Et enfin, le rythme procure des émotions et influe sur notre comportement :

un rythme rapide va nous donner envie de bouger, de danser, de tout casser,
tandis qu’un rythme plus lent aura tendance à nous apaiser et à nous calmer.
Dans ce chapitre, nous verrons justement comment définir le rythme de votre

morceau, et comment l’intégrer aux autres piliers afin de composer une chanson
parfaitement homogène et cohérente.
© Fiseha Hailemichae

I / Le tempo
Qu’est-ce que le tempo ?

En musique, le tempo correspond à la vitesse du morceau. On va définir un
battement, une pulsation, qui va servir de référence pour structurer le morceau. Par
exemple : si vous suivez les mouvements d’une horloge et que vous tapez dans vos
mains chaque seconde, vous allez définir un tempo. Vous aurez une vitesse de
référence, et votre morceau devra suivre cette vitesse tout au long de sa durée.
En musique classique, le tempo varie largement au sein d’un même morceau.

Certains passages seront très rapides, tandis que d’autres qui suivront directement
seront très lents. Mais en musique contemporaine, c’est une toute autre histoire :
dans 99% des cas, le tempo reste fixe tout au long de la chanson.
La chanson « Stairway to Heaven » de Led Zeppelin est une des rares

à ne pas avoir de tempo fixe : elle accélère au fur et à mesure
© Dina Regine
Vous devrez donc être particulièrement vigilant dans le choix de votre tempo : ce
dernier déterminera en effet toute la vitesse de votre morceau. (Et comme vous le
savez, un tempo donné va grandement influencer l’identité de la chanson !).

Attention à ne pas confondre tempo et batterie !
Un jeu de batterie peut être complexe et changer tout au long du morceau, mais le
tempo lui reste fixe. Par exemple, même si la batterie stoppe pendant un temps, le
décompte du tempo lui, continue. Ainsi, si vous continuez à suivre votre tempo, vous
verrez que la batterie reprendra pile sur le temps indiqué par le décompte du tempo.
Comment repérer le tempo d’un morceau ?

Avez-vous déjà remarqué que les musiciens tapaient du pied en jouant ? Ce geste
n’est pas anodin : ils comptent en fait le tempo du morceau. Suivre le tempo d’une
chanson n’est en soi pas très difficile, et je suis sûr qu’il vous est déjà arrivé de le
faire. Lorsque vous secouez la tête d’avant en arrière en écoutant une chanson, vous
suivez par exemple son tempo.
Le tempo est mesuré en nombre de battements par minute (BPM pour les intimes).
Comme son nom l’indique, il donne le nombre de « battements » (c’est-à-dire le
nombre de fois où vous allez taper du pied ou secouer la tête) qu’il y aura en une
minute de temps. Si une chanson est à 120 BPM, ça voudra donc dire que son tempo
sera de 120 battements de pieds en une minute. (Facile hein ?).
Pour vous éviter de secouer continuellement la tête (ou taper du pied), il existe un
formidable outil qui a été inventé pour suivre le tempo d’une chanson : le
métronome. Ainsi, pour repérer un tempo donné, il vous suffira simplement d’ajuster
les battements du métronome avec ceux de la musique. Lorsque ces pulsations
seront synchronisées, regardez la valeur affichée sur l’écran de votre métronome :
c’est votre tempo.
Choisir le bon tempo pour votre composition

Comment choisir le bon tempo pour votre chanson ? C’est très simple : tout
dépendra du style musical que vous jouerez et surtout, de ce que vous voulez faire
passer à travers votre composition. Si vous projetez d’écrire une chanson d’amour,
un tempo lent sera en effet majoritairement plus adapté ; Tandis que si votre but est
de composer du gros métal, il sera préférable d’opter pour un tempo rapide. De
façon générale, plus votre tempo sera élevé et plus votre chanson sera énergique.

Et pourquoi ça ne marche pas de faire des chansons d’amour avec des rythmes
rapides et des chansons énervées avec des tempos lents ?
Même si on est tenté de répondre à cette question par un simple « Bah parce que
c’est logique ! », il existe en fait une raison physique derrière ce phénomène.
Nous avons tous un métronome naturel au sein de notre corps. Ce métronome, c’est
le cœur. Il exerce un battement à intervalles réguliers (enfin je l’espère pour vous,
sinon vous feriez mieux de vous poser quelques questions ^^) qui change en fonction
de notre humeur et de notre condition physique. (Le nombre de battements
augmente à cause du stress, de la colère ou de l’excitation et il diminue lors des
périodes de sommeil et de repos.)
Ce battement régit donc nos émotions et inversement. Or, il existe un phénomène

naturel appelé « synchronisation » qui consiste à ce que les battements du cœur
calquent ceux d’une source extérieure environnante. Par exemple, si vous écoutez de
la musique, votre rythme cardiaque va suivre les BPM de votre chanson. Ainsi, en
écoutant une musique au tempo rapide, votre cœur va accélérer et vous
commencerez à ressentir physiquement les émotions liées à une forte activité
cardiaque. Voilà pourquoi vous aurez naturellement envie de bouger en écoutant un
morceau particulièrement entrainant en discothèque.
Cette minute de savoir vous a été présentée par le professeur Alex

(en partenariat avec les éditions Atlas)

II / La structure rythmique
La mesure
Comme nous venons de le voir, un morceau est régit par un tempo, c’est-à-dire par
un nombre de battements réguliers lui permettant de définir sa vitesse. Or, le tempo
n’est pas le seul élément permettant « d’encadrer » le morceau : la mesure y joue
également un rôle important.
Qu’est-ce qu’une mesure ? La mesure permet de structurer le morceau. Elle va le

découper de façon égale afin de le rendre plus lisible. En fait, la mesure va permettre
de répartir équitablement les pulsations tout au long du morceau. Un morceau sera
donc divisé en plusieurs mesures, comprenant chacune un même nombre de
battements.
À partir de là, il existe différentes façons de structurer le morceau. N’avez-vous

jamais entendu dire « c’est un morceau en 4 temps » ou encore « une valse c’est
toujours en 3 temps » ? Ces temps désignent en fait le nombre de battements par
mesure. Si vous voulez créer un morceau en 4 temps, il vous suffira donc de le
structurer de façon à ce qu’une mesure renferme 4 battements.
Morceau en 4 temps

Morceau en 3 temps
Morceau en 2 temps
Quel type de structure utiliser pour ma composition ?
Dans 95% des cas, les compositions actuelles sont basées sur une structure en 4
temps. Et pour le reste c’est généralement du 3 temps. Vous pouvez clairement
entendre la différence entre ces deux structures au sein de la chanson « Lucy in the
Skies with Diamonds » qui utilise du 3 temps pour les couplets et du 4 temps pour les
refrains.
La valeur des notes

À l’intérieur de chaque mesure, vous allez trouver des notes de différentes valeurs.
En effet, chaque note ne va pas durer strictement le même temps. Certaines
dureront un temps (c’est-à-dire un battement), d’autres deux, tandis que d’autres ne
s’étaleront que sur un demi temps. Ce qui va donner naissance au rythme, c’est
justement l’enchainement de ces différentes valeurs.
Sur une partition la valeur des notes est représentée par leur forme. Voici les plus
communes d’entre-elles :

Il en est de même pour les silences qui eux, veulent indiquer la durée d’interruption
du son :
À partir de là, on peut comprendre la façon dont est organisée une partition avec
chaque note ou chaque silence, respectant le nombre de battements qui lui a été
assigné. Il faut absolument veiller à respecter cette « distribution » tout au long du
morceau afin de le rendre cohérent et structuré.

III / Trouver les rythmes
La rythmique de la mélodie
La rythmique de la mélodie est liée à la rythmique des paroles. En effet, comme nous
l’avons vu précédemment, le langage n’est pas monotone : on modifie naturellement
notre façon de parler en fonction des émotions que l’on souhaite communiquer.
Notre langage va donc induire naturellement une mélodie et sa rythmique. Pour
trouver la rythmique de votre mélodie, il vous suffira donc d’utiliser la technique du
« phrasé de voix » que nous avons vu précédemment.
La rythmique de l’accompagnement
Vous connaissez l’adage : une image vaut mieux qu’un long discours. Voici donc un
tutoriel vidéo très complet réalisé par Steve Lessard vous présentant les 7 rythmiques
d’accompagnement les plus populaires à la guitare. Cliquez-ici pour visionner le
tutoriel. Je n’ai franchement rien à ajouter de plus à son travail, ces rythmiques étant
constamment utilisées dans le monde de la composition.
Composer la partie « batterie »

La composition des percussions est une science à part entière. C’est pour cette raison
que je vous conseille de vous associer à des batteurs confirmés pour y arriver. Vous
pouvez également consulter mon tutoriel « Composer la partie batterie d’un
morceau » ou recourir à des boucles rythmiques.
Grâce à « Universal Soundbank », vous pouvez télécharger

gratuitement des boucles rythmiques triées par tempo et style
de musique.

À vous de jouer :
Exercice 1 : Choisissez une chanson de votre choix et essayez d’en déterminer le

tempo. Pour ce faire, repérez un battement de grosse caisse puis comptez pendant
une minute le nombre de pulsations dictées par la musique à partir de ce point. Si
vous le souhaitez, vous pouvez également vous aider d’un métronome.
Exercice 2 : Choisissez des morceaux de différentes natures (chanson d’amour,

chanson de contestations, chanson de différents styles musicaux) puis définissez le
tempo de chacun d’entre eux. Repérez les spécificités de chaque type de tempo.
Exercice 3 : Choisissez un morceau puis comptez jusqu’à 4 à partir d’un

battement. (1/2/3/4 ; 1/2/3/4 ; 1/2/3/4…). Ce faisant, vous parviendrez à dégager sa
structure rythmique.

PARTIE 4 : Développer la
chanson dans son intégralité
Chapitre 10 : Structurer son morceau……………………………….171

Chapitre 11 : Composer sa chanson de bout en bout………..190

Chapitre 10 : Structurer son morceau
 Comment développer une idée musicale pour en faire un morceau entier ?
 Les différentes sections d’une chanson
 Quels sont les différents types de structures les plus utilisés dans le monde
de la composition ?
 Quelles sont les particularités de chacune de ces structures ?
 Comment structurer vos propres compositions ?
 Quelles sont les 3 manières de trouver un fil conducteur pour votre

morceau ?

Introduction
Grâce aux 4 piliers, vous disposez maintenant de bases solides pour composer vos
premières chansons. En arrivant à ce stade du livre (et si vous avez bien fait tous vos
exercices ;)), vous devez être normalement capable d’écrire vos premières musiques.
Vous devez commencer à vous faire plaisir, et à entrevoir les immenses possibilités
qui s’offrent à vous. Rendez-vous compte ! Peut-être qu’en arrivant ici vous étiez
incapable de produire la moindre musique, alors que maintenant, matérialiser vos
idées en chanson est tout à fait dans vos cordes. C’est génial non ? Rien que pour ça,
vous méritez que je fasse une pause dans mon récit pour vous féliciter :
Bravo !! Je suis fier de vous et de vos premiers résultats ! :)
À partir de maintenant, de nouveaux horizons s’offrent à vous

© Chrystelle
Mais on ne va pas s’arrêter en si bon chemin. Il est maintenant temps de passer un

nouveau palier et d’atteindre un tout autre niveau.
Grâce aux sections précédentes, vous avez appris à composer individuellement

chaque partie d’une chanson et à les assembler pour créer vos premières ébauches
de morceau. Si je devais comparer votre progression à un cinéaste, je dirais que vous
savez maintenant manier la caméra et que vous venez de commencer à réaliser vos

premiers courts-métrages. Cependant, il vous reste encore une étape à franchir pour
devenir un vrai Quentin Tarantino : vous devez apprendre à développer suffisamment
vos idées pour en faire de véritables films.
En musique, vous allez en effet être confronté à cette même difficulté : vous devrez
apprendre à développer un morceau entier à partir d’un simple bloc musical. Cette
étape est cruciale et constitue l’une des principales difficultés de l’apprenti
compositeur.
« J’arrive à avoir des idées intéressantes et à composer des petits bouts de chansons
sympas mais ensuite, c’est le trou noir. Je ne sais pas quoi en faire. Comment est-ce
que je les fais évoluer en un morceau complet ? Car la majorité du temps, je n’arrive
jamais à terminer mes morceaux. Ça me frustre et je finis par abandonner… »
Comment faire face à ce problème ? Comment transformer vos courts-métrages en

films complets ? Comment partir d’une simple idée musicale pour en faire un
morceau entier ? C’est ce que nous allons voir dans les prochaines parties. Pour y
arriver, vous devez tout d’abord apprendre à structurer votre morceau, et c’est
justement ce que nous allons aborder dans ce chapitre.

I / La structure du morceau
Qu’est-ce que la structure d’une chanson ?

La structure d’une chanson correspond à son squelette. Ce sont les fondations sur
lesquelles elle est bâtie et sur lesquelles elle se repose. Cette structure est
indispensable car sans elle, la chanson n’aurait aucun sens ni aucune logique.
Vous souvenez-vous de l’architecte Numérobis dans Astérix et Cléopâtre ? Toutes les

maisons qu’il construisait étaient complètement détraquées. Leurs toits étaient
montés à l’envers, les escaliers étaient inégaux, des portes s’ouvraient sur le vide…
Voilà un parfait exemple de ce à quoi ressemblerait une maison construite sans se
soucier de sa structure. Difficile d’habiter dans de telles conditions n’est-ce pas ?
Eh bien pour une chanson c’est exactement la même chose :

Elle doit être dotée d’une structure pour avoir du sens, sinon elle sera aussi logique
qu’une maison dessinée par Numérobis. ;)
Ne prenez pas exemple sur Numerobis

© Caroline Bicocchi

À quoi ça sert de structurer sa chanson ?

Comme nous venons juste de le voir, la structure d’une chanson sert surtout à lui
donner un sens. Mais son rôle ne s’arrête pas là, elle a aussi d’autres utilités.
Servir de fil conducteur au morceau
Tout comme l’ingénieur se reposera sur ses plans pour construire une maison, le
compositeur se servira de la structure du morceau pour l’aider à construire sa
chanson. En effet, en l’état, une suite d’accords donnée peut prendre toutes les
directions possibles et inimaginables. A ce stade de la composition, la chanson peut
partir dans tous les sens et vos possibilités sont infinies. C’est comme si vous vous
retrouviez au fond d’une grotte avec des milliers de portes s’étalant devant vous.
Laquelle choisir ? Quel chemin emprunter ? La structure d’une chanson vous permet
justement de choisir le bon chemin. Telle une petite lumière qui vous éclaire dans le
noir, elle va vous aider à maintenir le cap et à trouver la bonne voie. En suivant une
structure, vous pouvez être sûr de ne jamais vous perdre.
Porter le message de la chanson
De la même façon qu’un texte, une musique raconte une histoire et porte un
message. Il y a donc une certaine structure à respecter afin que la musique puisse
porter au mieux ce message. Prenons un petit exemple pour illustrer cette idée : si
vous écrivez une histoire en ayant préalablement pris la peine de bien développer le
caractère de votre personnage principal, alors le lecteur s’attachera à ce héros et se
trouvera très affecté si par malheur une mésaventure venait à le toucher. Au
contraire, si vous débutez votre texte par la description d’un désastre touchant
directement votre personnage, alors le lecteur ne sera pas trop perturbé car vous ne
lui aurait pas donné l’opportunité de s’y attacher. (Autrement dit, si on est autant
chamboulé en apprenant que Dark Vador est le père de Luke, c’est parce que
Georges Lucas a bien veillé à faire en sorte que l’on s’attache à son héros au
préalable). Vous voyez donc bien que selon l’agencement et la façon de construire
votre histoire, un même fait peut avoir des répercussions différentes.
D’où l’importance en littérature comme en musique, de respecter une certaine

structure. Structurer une chanson, c’est lui donner la chance d’être pertinente et de
lui faire porter au mieux son message. Un refrain sera ainsi d’autant plus entraînant si
vous le faite arriver au moment opportun de votre chanson.

Structurer ma chanson ne va-t-elle pas la formater ?

Certaines personnes craignent de structurer leurs chansons de peur de les
« formater ». Ils refusent que l’on puisse cataloguer leur musique et condamnent à ce
titre toutes formes de structures. Pour eux, donner une structure à une chanson,
c’est lui imposer des barrières. Cependant, cette croyance est fausse. Elle est aussi
erronée que celle consistant à croire que le solfège est nuisible à la créativité.
En effet, si on s’attarde sur la définition du mot « structure », on se rend compte que

structurer veut dire « assembler selon un ordre logique ». Structurer, c’est donc
donner du sens. Or, une chanson peut tout à fait avoir du sens sans pour autant être
prévisible. Si on prend le mot « structure » dans son sens premier, toutes les
chansons ont donc une structure puisqu’elles obéissent toutes à une certaine
logique. (Une chanson n’est pas une suite de bruits empilés de façon aléatoire, il y a
donc une logique derrière chaque chanson). La seule différence, c’est qu’il y aura des
structures prédéfinies, et d’autres qui ne pourront jamais être cataloguées.
Regardez les films pour vous en convaincre : derrière chaque film il y a une trame. Le
réalisateur suit un fil d’Ariane pour mettre en scène son histoire. Malgré cela, est-ce
que la présence de cette trame vous permet de deviner à chaque fois le dénouement
du film ? Autrement dit, est-ce que le fait que le film soit construit avec logique vous
permet de dire qu’il est prévisible ? Bien sûr que non. Eh bien pour une chanson c’est
la même chose : la structurer ne va pas dire la formater. Structurer une chanson,
c’est simplement l’aider à avoir du sens pour favoriser sa compréhension.

II / Les sections d’une chanson
Une chanson est composée de plusieurs sections et c’est l’assemblage de ces

différentes sections qui va permettre de créer la structure du morceau.
- L’introduction : L’introduction va poser les bases et l’atmosphère de votre

chanson. Elle a également pour but d’aiguiser la curiosité de l’auditeur pour lui
donner envie de poursuivre son écoute.
- Le couplet : Le couplet a pour rôle de poser le contexte de la chanson. Il révèle

son cadre et son atmosphère. Une chanson est souvent composée de plusieurs
couplets. Entre ces différents couplets, la mélodie et la suite d’accords restent
très souvent les mêmes, mais les paroles changent.
- Le pré-refrain : Le pré-refrain est une partie optionnelle qui vient s’interposer

après le couplet et avant le refrain. Comme son nom l’indique, il a pour but de
préparer l’auditeur à l’arrivée du refrain. À ce titre, il est souvent composé
d’une phase musicale dynamique faisant monter progressivement l’intensité
de la chanson.
- Le refrain : Parmi toutes les parties qui composent un morceau, le refrain

constitue sans aucun doute la partie la plus importante. C’est le moment où la
chanson atteint son apogée tant musicalement qu’émotionnellement. Il doit
être assez percutant pour être facilement retenu par votre public et doit
résumer à lui seul l’ensemble de votre chanson. En définitive, si votre auditeur
ne devait retenir qu’une seule chose de votre morceau, cette chose serait son
refrain.

- Le Pont : Partie optionnelle et souvent située en fin du morceau, le pont est

une section caractéristique car elle correspond à un changement, à une
rupture, par rapport au reste de la chanson. Ainsi, les accords et la mélodie qui
le composent sont différents de ceux du reste du morceau. Le pont permet
d’offrir une bouffée d’air frais à l’auditeur afin de relancer son attention et le
préparer au mieux au grand final de la chanson.
- L’Outro : Strict opposé de l’intro, l’outro va vous permettre de conclure la

chanson en beauté. Il peut s’agir d’une baisse de volume progressive, d’une
répétition du refrain qui s’éloigne dans un écho, ou encore d’une section
nouvelle amenant la conclusion progressive du morceau.
Maintenant que vous connaissez les différentes sections d’une chanson, il ne nous
reste plus qu’à savoir les agencer pour structurer votre morceau.

III / Les différents types de structures
Tout d’abord, sachez qu’il n’y a pas de structures fixes ni de règles absolues en
musique. Vous êtes le cinéaste. Vous êtes donc libre de raconter l’histoire que vous
voulez, et de la façon dont vous le voulez.
Dans cette partie, je vais seulement me contenter de vous présenter des structures
ayant fait leurs preuves dans le monde musical et qui sont particulièrement utilisées.
En d’autres termes, ce que je vous présente, ce sont des techniques de mise en scène
efficaces et approuvées. Cependant, je ne vous obligerai jamais à tourner vos films
uniquement à l’aide de ces techniques. Libre à vous ensuite de vous en inspirer et de
vous en affranchir pour raconter vos histoires à votre manière.
Note : Vous verrez que j’ai illustré les structures présentées à l’aide de schémas.
Cependant, ces schémas ne résument pas à eux seuls les structures ; ils sont juste là à
titre indicatif. Par exemple, dans la partie « enchaînements de couplets » le schéma
illustre une chanson de type AABA. Cependant, cette structure n’est pas la seule
possible pour la forme « enchaînements de couplets ». Votre chanson aurait très bien
pu être de la forme «ABAB « ou encore « AABABA ».
1) Le couplet unique
C’est la forme de chanson la plus simple. Elle consiste à composer un unique couplet
et à le répéter tout au long de la chanson.
Cette structure est particulièrement utilisée par les chanteurs de chansons folk tels
que Bob Dylan, Joni Mitchell ou encore Joan Baez. En effet, la forme du couplet
unique est parfaitement adaptée aux chansons portées sur le texte ; chaque couplet
représentant une avancée dans l’histoire et marquant un rebondissement.

En dehors du texte, il n’existe que très peu de variations du couplet tout au long de la
chanson. Seule une petite section musicale peut venir s’intercaler entre les différents
couplets pour redynamiser la chanson.
Exemples: « All along the Watchtower » de Bob Dylan, “Born in the USA” de Bruce
Springsteen
2) L'enchaînement de couplets
Cette forme est assez similaire à la précédente sauf qu’il y a maintenant deux
couplets différents qui s’enchaînent.
Elle permet d’ajouter plus de diversité musicale au morceau grâce à la présence du

deuxième couplet (même si musicalement, les deux couplets restent relativement
proches).
La forme la plus connue de l’enchaînement de couplets est la forme « AABA ».

Comme son nom l’indique, cette structure consiste à enchaîner deux couplets - un
couplet A et un couplet B - selon l’ordre établi : deux fois le couplet A, une fois le
couplet B, puis une dernière fois le couplet A.
Exemple: « Yesterday » des Beatles
3) La forme standard
Dans la forme standard, les deux couplets sont suivis d’une troisième partie dotée
d’une nouvelle mélodie et d’un nouvel accompagnement. Cette section n’est pas
vraiment un refrain puisqu’elle n’a pas vocation à constituer le point culminant de la
chanson, ni un autre couplet car elle marque un changement musical important par
rapport à ce que proposait la chanson jusqu’à alors. Cette partie se rapproche donc
d’avantage d’un pont, même si elle n’en est pas un.

La forme standard est encore utilisée aujourd’hui dans de très nombreux styles
musicaux tels que le jazz, le gospel, ou la pop. Elle est très intéressante car le
changement induit par la partie « contraste » permet d’apporter de la « fraîcheur »
au morceau. Ce changement permet aussi d’impliquer émotionnellement l’auditeur.
En effet, les deux premiers couplets vont instaurer le climat de base de la chanson.
Ils vont transporter l’auditeur vers un univers confortable et familier. Or, en créant
une partie en opposition avec ce climat, l’auditeur va être interpellé. Mais par la
suite, en retrouvant un univers familier grâce au premier couplet, il va de nouveau se
sentir apaisé et heureux. C’est le même principe que celui de l’ascenseur émotionnel.
Cette structure de chanson est donc particulièrement adapter pour raconter des
histoires avec rebondissements ou pour faire vivre des aventures à votre public.
Exemples : « Hey Jude » et « Something » des Beatles
4) La forme couplets / refrain

Cette structure est sans aucun doute celle qui est la plus utilisée aujourd’hui. Que ce
soit dans le rock, la pop, le rap, la country, le gospel, elle est omniprésente. Elle
consiste à alterner couplets et refrain tout au long de la chanson.
Ou encore :
Contrairement aux couplets, le refrain reste le même tout au long de la chanson, sauf
peut-être à la fin ou il peut être allongé ou amplifié pour terminer la chanson en
apothéose. Le refrain doit contenir l’essence du message de la chanson et doit-être
en tout point supérieur aux couplets (supérieur en émotion, en intensité, et en
engagement).
Exemple: « Helpless » de Neil Young

5) Couplets / Pré-refrain / Refrain

Le pré-refrain permet de préparer efficacement l’arrivée du refrain. Musicalement, il
se situe donc entre les couplets et le refrain. Il doit être plus intense qu’un couplet,
mais moins efficace qu’un refrain.
Le pré-refrain est optionnel, vous pouvez donc très bien vous en passer. Alors quand
faut-il utiliser un pré-refrain et quand faut-il s’en priver ? C’est à vous de voir. Faites
en fonction de votre chanson et de ce que vous avez composé. Demandez-vous
simplement si votre refrain n’aurait pas plus d’impact s’il était précédé d’un pré-
refrain, ou si vos couplets suffisent en eux-mêmes pour préparer l’arrivée du refrain.
Exemples: “Don’t Look Back in Anger” d’Oasis, “Lucy in the Sky with Diamonds” des
Beatles
6) Couplets / Refrain / Pont

Le pont est une section tout à fait à part dans la chanson. Il est de moins en moins
utilisé aujourd’hui mais son effet n’en demeure pas moins très intéressant. Le pont
marque en effet une rupture par rapport au reste de la chanson. Les progressions
d’accords changent, tout comme la mélodie et les paroles. Il est généralement situé
en fin de chanson.
Pour que vous vous fassiez une idée précise de ce qu’est un pont, je vous conseille
d’écouter la chanson « Apocalypse Dreams » du groupe Tame Impala. Écoutez
attentivement à 2’59’’, vous voyez un peu la rupture ? Pour autant, le pont s’intègre
logiquement avec le reste de la chanson, et c’est ce qui en fait sa particularité.
Exemple: « Fix You » de Coldplay

7) Les structures complexes

Par structures complexes, j’entends : les chansons qui intègrent à leur sauce
l’ensemble des éléments que nous avons vus précédemment. Ces chansons
comprennent des pré-refrains, des refrains, et même des ponts. Tout y passe !
Puisqu’il n’y a pas vraiment de règles en musique, il vous suffit en effet de piocher les
pièces du puzzle que vous voulez pour constituer votre œuvre d’art. Faites preuve de
créativité, vous pouvez même commencer votre chanson par son refrain si ça vous
chante !
Voyons ensemble un exemple de structure complexe en guise de révision finale. Ça

vous aidera à repérer les différentes sections d’une chanson et leurs spécificités :
38 Special – Hold on Loosely
Couplet 1
You see it all around you
Good lovin' gone bad
And usually it's too late when you
Realize what you had
Pré-refrain
And my mind goes back to a girl I left
Long years ago who told me
Refrain
Just hold on loosely
But don't let go
If you cling too tightly
You're gonna lose control
Your baby needs someone to believe in
And a whole lot of space to breathe in
Couplet 2
It's so damn easy
When your feelings are such
To overprotect her
To love her too much

Pré-refrain
And my mind goes back to a girl I left
Long years ago who told me
Refrain
Just hold on loosely
But don't let go
Pont
Don't let her slip away
Sentimental fool
Don't let your heart get in the way
Yeah, yeah, yeah
Couplet 1
You see it all around you
Good lovin' gone bad
And usually it's too late when you
Realize what you had
Refrain
So hold on loosely
But don't let go
Refrain (légèrement modifié)

So hold on loosely
But don't let go
You're gonna lose it

Solo
Yeah, yeah, yeah, yeah
Refrain
So hold on loosely
But don't let go
Refrain
Hold on loosely
But don't let go
If you cling too tightly to her
You're gonna lose control, yeah, yeah, yeah
Outro

IV / Comment structurer son morceau ?
Nous venons de voir les structures de morceaux les plus répandues. Mais quelles sont
celles qu’il faut choisir ? Comment savoir celle qui sera la plus adaptée à votre
morceau ? Faut-il la définir à l’avance ou au contraire la construire au fur et à mesure
du morceau ?
Se baser sur les spécificités propres à chaque structure

Tout d’abord, il faut que vous preniez conscience que chaque type de structure
possède ses propres spécificités. Tout comme vous devez choisir votre méthode de
composition en fonction de vos préférences, vous devez choisir la structure de votre
morceau en fonction de votre musique. A ce titre, il n’y a pas de structures
meilleures que d’autres. La meilleure structure, ce sera tout simplement celle qui
conviendra le mieux pour votre chanson.
Définissez les objectifs de votre chanson et choisissez votre structure en

conséquence. Vous voulez mettre l’accent sur le texte ? Dans ce cas, une structure de
type « enchaînement de couplets » sera plus adaptée. Vous avez plusieurs idées
musicales distinctes pour une même chanson ? Alors optez pour une structure
intégrant un pont. Le bloc musical que vous venez de composer est particulièrement
accrocheur ? Dans ce cas, il fera un bon refrain et vous feriez mieux de choisir une
structure de type « couplets / refrain » ... Pour chaque idée musicale, il existe une
structure musicale adaptée. Sachez simplement définir ce que vous voulez exprimer à
travers votre chanson pour trouver cette structure.
Trouver le fil conducteur de sa composition
Ok Mais admettons que j’opte pour une structure couplets / refrain ; comment
déterminer le moment où je devrai utiliser un couplet et celui ou j’utiliserai un
refrain ? Autrement dit, comment trouver le fil conducteur de mon morceau ?

Il existe plusieurs façons de trouver le fil conducteur de son morceau. Plus

précisément, il en existe trois et vous êtes libre de choisir celle que voulez. Comme
souvent depuis le début de ce livre, je vous conseille d’essayer chacune de ces
approches pour déterminer celle qui vous conviendra le mieux.
Méthode n°1 : la classique
La première approche consiste à choisir votre structure avant de commencer

l’écriture de votre chanson. Cette dernière doit être construite à partir, et autour de
cette structure. Vous dessinez le squelette à l’avance, puis vous le complétez.
Exactement comme l’architecte dessine les plans de sa maison avant de la faire
construire. Beaucoup de compositeurs procèdent de cette façon, ça leur permet
d’avoir un regard clair sur l’avancement de leur composition ainsi qu’une ligne
directrice forte.
Méthode n°2 : l’hybride
La seconde possibilité consiste à adopter une démarche hybride. Dégagez une

première idée de structure en fonction de vos idées musicales et de ce que vous avez
déjà composé, puis suivez cette structure pour composer le reste de votre chanson.
Cependant, n’hésitez pas à modifier votre structure au besoin. Par exemple, si en
cours de composition vous vous rendez-compte que vos idées vous mènent vers une
autre direction, n’hésitez pas à adapter votre structure de base en conséquence.
L’idée est d’adopter une ligne directrice assez rigide dans un premier temps pour
vous donner une direction, puis de laisser place à une certaine souplesse pour laisser
vos idées s’exprimer.
Méthode n°3 : la créative
Enfin, la troisième approche consiste à se fier uniquement à

votre musique. Soyez à l’écoute de votre morceau et laissez-
le décider seul de la direction qu’il doit prendre.
Concentrez-vous sur ce que vous jouez, et laissez la musique
vous guider. Par exemple : si en jouant vous remarquez que
votre suite d’accords arpégée évolue vers une suite
d’accords simple et plaquée, vous êtes sûrement en train de
passer d’un couplet vers un refrain. (voir page 191 pour voir
la façon dont évolue une suite d’accords au cours du morceau)

Vous pouvez également vous aider de vos paroles pour structurer votre morceau. Ce
dernier est en effet similaire à une histoire. Imaginez donc le développement de cette
histoire pour trouver l’évolution de votre morceau. Par exemple, la description d’une
nouvelle situation pourra correspondre à un nouveau couplet, tandis qu’un
rebondissement soudain pourra être apparenté à un pont.
Quentin Tarantino avait l’habitude de s’inspirer des structures de chansons pour

développer ses scénarios. Faites donc comme lui mais en sens inverse : inspirez-vous
de votre scénario (votre histoire, vos paroles) pour trouver le développement de
votre chanson.
« Ok, je vois la structure ! »

© Loren Javier

À vous de jouer :
Exercice 1 : La meilleure façon de savoir comment structurer une chanson reste

encore d’analyser les structures des plus grands succès ! Choisissez donc 5 chansons
parmi celles de vos artistes référents et dégagez leur structure. Basez-vous sur les
descriptions des composantes et des exemples que nous avons vus pour y arriver.
Exercice 2 : Choisissez deux chansons parmi les cinq analysées précédemment et

posez-vous les questions suivantes : Qu’est ce qui permet de séparer une section
d’une autre ? Quel est l’élément déclencheur ? Où se situe la différence ? Comment
se traduit-elle ? Par un changement d’accords ? De mélodie ? Comment évoluent les
paroles en fonction des différentes sections ? Notez sur une feuille l’ensemble de vos
observations et utilisez-les pour nourrir vos compositions.
Exercice 3 : Cherchez un exemple de chanson pour chacune des structures

abordées dans ce chapitre.
Exercice 4 : Cherchez une chanson à la structure inhabituelle qui ne rentre dans

aucune des catégories décrites ci-dessus. Comment est-elle structurée ? Qu’est ce qui
en fait sa spécificité ? Comment pouvez-vous mettre à profit cette structure originale
pour vos propres compositions ?
Exercice 5 : Reprenez une de vos compositions précédentes (un bloc musical

constitué d’une suite d’accords, d’une mélodie, et de paroles) et essayez de la
développer en lui donnant une structure. Pour cela, basez-vous sur les 3 méthodes de
développement du morceau (la classique, l’hybride, et la créative).
Exercice 6 : Choisissez votre film préféré et notez les différentes étapes de sa

trame narrative (ex : présentation des personnages, péripéties, rebondissement,
affrontement final etc…) Essayez de rapprocher chacune de ces étapes d’une
composante musicale et traduisez-les pour obtenir la structure musicale de votre
film. Inspirez-vous ensuite de cette structure et de ce que vous évoque le film pour
écrire une chanson.

Chapitre 11 : Composer sa chanson de bout

en bout
 A compléter votre bloc musical pour en faire une chanson complète
 Comment faire évoluer vos accords tout au long de la chanson ?

>> Quelles sont les particularités des accords du couplet, du refrain, du
pont, et du pré-refrain ? Quels sont leurs points communs ? Quelles sont
leurs différences ? Comment réussir leurs transitions ?
 Comment trouver la bonne mélodie pour chaque section de votre

chanson ?
>> Quelles sont les différences capitales entre les mélodies du refrain et
celles du couplet ? Quelles sont les caractéristiques des mélodies du pré-
refrain et du pont ? Comment composer une mélodie accrocheuse pour
son refrain ?
 Comment faire évoluer ses paroles en fonction de la structure du

morceau ?
Comment s’aider de la structure du morceau pour véhiculer au mieux le
message de la chanson ?
 Comment réussir des transitions fluides entre les différentes sections de

votre chanson ?

Introduction
Faisons un petit bilan de ce que nous avons appris jusqu’à maintenant : grâce à la
première partie, vous savez comment être dans le bon état d’esprit pour composer et
comment provoquer l’inspiration. Grâce à la seconde partie, vous avez appris à
démarrer votre composition et à mettre un premier pied à l’étrier. Grâce à la
troisième partie, vous avez appris à composer les 4 piliers d’une chanson afin
d’obtenir vos premiers « blocs musicaux ». Et maintenant, grâce à la quatrième
partie, vous allez apprendre à développer ces blocs musicaux afin d’en faire des
chansons complètes.
Dans le chapitre précédent, nous avons vu les différents moyens de structurer un

morceau et de trouver son fil conducteur. À l’heure actuelle, vous avez donc entre les
mains des blocs musicaux ainsi que le squelette de votre chanson complète. Pour finir
votre composition, il ne vous reste donc plus qu’à suivre votre plan afin de composer
les « parties manquantes » de votre morceau. Autrement dit, vous avez le croquis de
votre toile et il ne vous reste plus qu’à lui apporter de la couleur.
Dans ce chapitre, nous allons justement apprendre à mettre de la couleur. Nous

verrons comment évolue chacun des 4 piliers d’une chanson en fonction des
différentes sections qui la composent. Par exemple, nous verrons comment évolue
une même suite d’accords tout au long du morceau. Nous verrons comment la
modifier, et quelles sont les spécificités à prendre en compte en fonction des
différentes sections du morceau. (Par exemple, y a-t-il des différences entre les suites
d’accords d’un couplet et celles d’un refrain ?). Enfin, nous verrons comment assurer
des transitions fluides entre les différentes parties de votre morceau afin de le
rendre parfaitement homogène.

I / Évolution de l’accompagnement tout au long de la chanson
Dans les chansons modernes, il est courant que la suite d’accords évolue tout au long
du morceau. Le morceau est en effet composé de plusieurs parties distinctes, et
chacune de ces parties possède ses propres spécificités. En composition, il est donc
normal d’adapter sa suite d’accords pour qu’elle réponde à ces différentes
spécificités. Au sein de cette partie, nous verrons comment évoluent les suites
d’accords pour chacune des sections du morceau.
1) Le couplet
Les caractéristiques des accords du couplet
Même si la majorité des chansons actuelles ne puisent leurs accords qu’au sein d’une
même gamme, les suites d’accords du couplet peuvent provenir de plusieurs
tonalités. Le couplet présente en effet le contexte de la chanson, les suites d’accords
qui le composent peuvent donc être plus complexes et plus recherchées que celles
des autres parties de la chanson.
Écrire les accords du couplet
Toutes les techniques vues au sein du chapitre consacré à « l’accompagnement »

peuvent être utilisées pour composer les suites d’accords du couplet. Mais puisque
ces suites sont généralement plus complexes que les autres, je vous conseille
d’utiliser davantage les techniques vues au sein de la section « utiliser des accords
d’autres tonalités ».
2) Le refrain
Les caractéristiques des accords du refrain
Le but premier d’un refrain est de retenir l'attention et d’être riche en intensité.
Faites donc en sorte d’utiliser des suites d’accords simples et épurées pour votre
refrain. Car qui dit « simplicité » dit « efficacité » et donc « mémorisation ».

Écrire les accords du refrain
Les suites d’accords de votre refrain doivent être simples. Pour ce faire, utilisez des
suites d’accords provenant d’une seule et même tonalité. Pour plus d’efficacité, je
vous conseille également d’utiliser beaucoup d’accords du premier degré. Ces
accords donnent en effet leur nom à la tonalité, ils permettent donc de marquer
davantage la présence et l’impact de la tonalité. Il est également préférable d’utiliser
des accords non renversés, c’est-à-dire à leur état fondamental. Enfin, utilisez des
suites d’accords plutôt courtes afin de favoriser la mémorisation de votre refrain.
Réussir la transition couplet / refrain

Beaucoup de personnes me demandent comment réussir des transitions fluides entre
les différentes sections de la chanson. Et comment par exemple, passer facilement
d’un couplet à un refrain. Car il est vrai qu’en écoutant les chansons des plus grands,
il est très difficile de percevoir leurs transitions. Leur musique semble couler de
source. Pour apporter à votre chanson autant de fluidité, vos transitions doivent
provenir des éléments les plus profonds de votre chanson ; autrement dit : de leurs
accords. Réussir vos transitions d’accords, c’est donc garantir à votre chanson une
grande fluidité.
Technique n°1 : l’accord pivot
Une bonne technique de transition consiste à préparer l’arrivée du refrain grâce au

dernier accord de votre couplet. Cet accord constitue en effet votre accord de
passage, il doit donc être commun aux deux sections pour préparer l’oreille de votre
auditeur. Si votre couplet et votre refrain utilisent des accords issus de gammes
différentes, utilisez donc un accord commun à ces deux gammes pour votre accord
pivot. De même, si votre couplet est constitué de beaucoup d’accords mineurs et par
opposition votre refrain d’accords majeurs, utilisez un accord majeur en tant que
dernier accord de couplet pour préparer la venue des accords majeurs. Bref, ici l’idée
est d’utiliser les points communs de vos deux suites d’accords, puis de les mettre au
profit de votre accord pivot pour réussir votre transition.

Technique n°2 : la substitution d’accords
Il y a encore plus fort que la technique précédente. En effet, tout à l’heure on se

contentait simplement de trouver un moyen de faire transiter deux suites d’accords
distinctes. Mais cette fois-ci, on va composer nos suites d’accords l’une en fonction
de l’autre pour réussir à créer une transition parfaite. Pour ce faire, nous allons
utiliser la technique de la substitution.
Cette technique fait appel à la notion de gammes relatives que nous avons vue
précédemment. Elle consiste à composer les accords d’une section (par exemple ceux
du refrain) en utilisant les accords relatifs de l’autre section (ceux du couplet).
Puisque deux accords relatifs sont par définition très proches, ils pourront donc
transiter très facilement.
Exemple : Notre couplet est composé de la suite d’accords Do Majeur, Fa Majeur, Sol
Majeur, Do Majeur. On va utiliser les accords relatifs de ces accords pour composer la
suite du refrain.
Notre refrain sera donc composé de la suite d’accords Lam / Rém / Mim / Lam, ce qui
donnera lieu à une transition parfaite.
Autre exemple : Le refrain est composé des accords La Mineur, Sol Majeur, Do
Majeur, Ré Mineur. En utilisant les accords relatifs de ces accords, on aura alors la
suite Do Majeur, Mi Mineur, La Mineur, Fa Majeur pour notre couplet.

Note : Vous n’êtes pas obligé de transformer systématiquement tous les accords.
Parfois, vous pouvez inclure uniquement un ou deux accords relatifs et compléter
votre suite par les accords de votre choix.
3) Le pré-refrain
Les caractéristiques des accords du pré-refrain
Le pré-refrain est une section musicale assez courte qui constitue en soi une
transition entre le couplet et le refrain. Si vous n’êtes pas satisfait de votre transition
couplet / refrain, une bonne alternative consiste donc à intégrer un pré-refrain à
votre chanson. Puisqu’il doit préparer l’arrivée du refrain, le pré-refrain doit insuffler
de l’énergie à votre chanson. La suite d’accords qui le compose doit donc être
construite de façon à communiquer cette énergie.
Écrire les accords du pré-refrain et réussir la transition avec le refrain
Vous devez penser votre suite d’accords en fonction de celle du refrain. Pour cela,
organisez votre suite d’accords de manière à ce que le dernier accord de votre pré-
refrain corresponde au premier accord du refrain.
Exemple : Dans la partie consacrée à l’accompagnement, nous avons vu beaucoup de

combinaisons d’accords. Reprenez une de ces combinaisons pour composer votre
pré-refrain mais faites en sorte que le dernier accord de cette combinaison soit le
premier accord de votre refrain.

4) Le pont
Les caractéristiques des accords du pont
Le pont est une partie tout à fait optionnelle, mais si vous avez envie de vous éloigner
de l’idée de base de votre chanson et lui apporter de la diversité, il peut être
intéressant d’en intégrer un. Puisque le but du pont est d’apporter de la nouveauté et
d’explorer de nouveaux horizons musicaux, les accords qui le composent doivent être
absolument différents de ceux du reste de la chanson. Je dirais même qu’ils doivent
être en totale opposition avec les accords de base. Retenez bien : lorsque vous
composez un pont, vous devez toujours penser en termes de « rupture » et de
« contraste ».
Écrire les accords du pont
Pour apporter de la diversité, il peut être intéressant d’utiliser une suite d’accords de
la tonalité inverse de celle du refrain et des couplets. Par exemple, si l’essentiel de
vos accords de couplet et de refrain sont majeurs, utilisez des accords mineurs pour
votre pont. Inversement, s’ils sont mineurs, utilisez des accords majeurs pour
accentuer encore plus le contraste.
Exemple :
Accords du
Do Majeur Fa Majeur Sol Majeur Do Majeur
refrain
Accords du
Ré Mineur La Mineur Mi Mineur Ré Mineur
pont
La rupture peut également être amenée par des suites d’accords « fragiles ». Qu’est-
ce que j’entends par « fragiles » ? Eh bien j’entends par là des suites d’accords qui
n’utilisent pas d’accords du premier degré. En effet, l’accord du premier degré donne
son nom à la tonalité du morceau. Il a donc une sonorité familière et donne
l’impression d’être « chez soi ». (Par opposition aux suites d’accords fragiles, on
qualifie les suites utilisant des accords du premier degré de « fortes »). Or, puisque le
but d’un pont est de dépayser, on va à tout prix éviter d’utiliser des accords faisant
ressentir une sensation de familiarité. On va donc utiliser des suites d’accords
« fragiles » n’utilisant pas d’accords du premier degré.

Exemple : La suite d’accords « La Mineur, Mi Mineur, Si mineur, Do Majeur

appartenant à la tonalité de Sol majeur est une suite d’accords fragiles car elle
n’utilise pas d’accords du premier degré.
Enfin, le dernier moyen de construire la suite d’accords d’un pont consiste à utiliser
des accords de tonalités différentes. Plus vous irez piocher d’accords de tonalités
différentes, et plus vous apporterez de la « couleur » et de la diversité à votre pont.
Réussir la transition du pont
Certes, le pont doit amener une rupture, mais cette rupture doit tout de même
respecter la sonorité générale de la chanson. Explorer de nouveaux horizons ne veut
pas forcément dire passer du coq à l’âne ! Vous allez donc devoir particulièrement
soigner vos transitions pour réussir à apporter de la diversité, tout en conservant une
certaine logique pour assurer la cohésion de l’ensemble du morceau
Amener le pont
Tout à l’heure, nous avons vu qu’il valait mieux marquer l’opposition dans le pont en
utilisant des accords de tonalités inverses (utiliser des accords mineurs si les autres
accords sont majeurs et inversement). Mais plutôt que d’utiliser n’importe quel
accord, on peut utiliser les accords de la tonalité principale du refrain pour préparer
l’auditeur à la venue du pont.
Exemple : Notre refrain est composé des accords « Mib Majeur, Lab Majeur, Sib
Majeur, Mib Majeur » et on cherche à réussir à créer une bonne transition vers notre
pont. Tous ces accords proviennent de la tonalité « Mib Majeur ».

Pour préparer la venue de notre pont, nous allons certes utiliser des accords aux
tonalités inverses (ici des accords mineurs car les accords majeurs sont majoritaires
dans le refrain), mais nous allons piocher ces accords parmi la gamme de Mi bémol
Majeur qui est la tonalité principale du refrain. Nous pouvons ainsi choisir les accords
« Fa Mineur, Sol Mineur, et Do Mineur » pour notre pont.
On utilise ces accords en début de pont pour effectuer la transition en douceur. Libre
à vous ensuite d’utiliser les accords de votre choix pour compléter le pont.
Note: Vous remarquerez que ce pont n’utilise aucun accord du premier degré pour
respecter le principe de suites d’accords fragiles.
Réussir la transition entre le pont et la section suivante du morceau
Pour réussir la transition du pont vers la partie suivante de la chanson (généralement

le refrain), il existe une astuce toute simple : prendre un accord de degré IV ou V
comme dernier accord du pont. Pourquoi ces deux degrés en particulier ? Parce que
l’enchaînement vers un accord de degré IV ou V donnera à l’oreille une sensation
« d’inachevé ». La sonorité sera en suspension et l’oreille sera en attente d’un autre
accord pour achever la phrase et pour être « reposée». Pour bien comprendre cette
sensation d’inachevé, je vous invite à chanter la chanson « Au Clair de la Lune ».
Cependant, au lieu de chanter toute la phrase, arrêtez-vous au « Lu » du mot
« lune ». Vous voyez ? S’arrêter à ce moment précis de la phrase n’est pas naturel.
L’oreille attend une autre sonorité pour être satisfaite. Alors pourquoi vouloir créer
une sensation d’inachevé pour le pont ? C’est très simple : le pont représente un
voyage. Vous vous baladez à droite et à gauche pendant toute la durée du pont. Mais

maintenant, vous en avez assez et vous voulez rentrer à la maison. Or votre maison,
c’est le refrain. Ce dernier utilise en effet plein d’accords du premier degré qui
renforcent l’impression de familiarité. Finir le pont sur une sensation d’inachevé vous
permettra donc d’amener au mieux votre refrain, ce qui conclura votre phrase
musicale de façon marquée.
Exemple : Si on reprend notre pont précédent, on sait qu'il va finir par un accord de
degré IV.
Ce quatrième degré lui donne une sensation d’inachevé et permet de préparer au

mieux l’arrivée du refrain qui va conclure la phrase musicale grâce à un accord de
degré I.

II / Évolution de la mélodie tout au long du morceau
En général, la mélodie suit naturellement l’évolution des accords de la chanson. Vous

aurez donc moins à vous préoccuper des spécificités de chaque section. Néanmoins, il
existe tout de même quelques grands principes qui méritent d’être soulignés.
1) La mélodie du couplet
Les caractéristiques
La mélodie du couplet doit mettre votre public en appétit. Elle doit en délivrer assez
pour lui donner envie de poursuivre son écoute, tout en conservant assez de mystère
pour le reste de la chanson. Car si vous utilisez immédiatement toutes vos
cartouches, vous ne pourrez plus toucher le cœur de votre public pour la grande
bataille finale : celle du refrain. Votre refrain est en effet la partie centrale de votre
morceau, il doit accaparer sur lui toute l’attention de votre public. Mais cela
n’empêche pas la mélodie du couplet d’avoir plusieurs rôles majeurs à jouer : non
seulement elle doit préparer l’arrivée du refrain, mais en plus elle doit présenter
l’atmosphère du morceau.
Composer la mélodie du couplet
Nous venons de voir que les objectifs d’une mélodie de couplet étaient de présenter
l’atmosphère du morceau et de préparer l’arrivée du refrain. Deux techniques vont
nous aider à atteindre ces objectifs : la technique de la phrase musicale courte et la
technique de la dominante.
Technique n°1 : La phrase musicale courte
Pour laisser l’ambiance du morceau s’installer, une bonne technique consiste à

utiliser des phrases musicales courtes. Ces phrases vont en effet laisser plus de place
à la section musicale du morceau. Or, puisque la musique véhicule plus d’émotion
que la parole, il sera ainsi plus aisé pour votre auditeur de se plonger dans l’univers
du morceau.
Exemple : « No Cars Go » d’Arcade Fire. Les phrases musicales du couplet sont

courtes et espacées de nombreux interludes musicaux.

Technique n°2 : la dominante
Il existe une caractéristique commune aux couplets, qui prépare efficacement

l’arrivée de leur refrain. En entendant les mélodies qui composent ces couplets, on a
l’impression qu’elles posent une question. Elles créent un sentiment de tension et
mettent la phrase musicale en suspension. Cette sensation d’inachevé permet alors
d’insuffler de l’énergie à la chanson, ce qui est un excellent moyen de préparer
l’arrivée du refrain. Les grands compositeurs arrivent à créer ce genre de mélodies
instinctivement, mais heureusement, il existe une petite astuce qui va vous aider à
atteindre cet effet à tous les coups. Cette astuce est assez similaire à celle que l’on a
vue pour la transition du pont : elle consiste à terminer la mélodie du couplet par une
dominante (c’est-à-dire une note de degré V).
Exemple : Vous avez écrit une petite mélodie pour votre couplet.
Après une petite analyse rapide, on se rend compte que la tonalité de cette mélodie
est Fa Majeur. On prend donc la gamme de Fa Majeur et on va y piocher le cinquième
degré (la dominante) :
On s’arrange pour que notre mélodie finisse par cette note, et le tour est joué.

2) La mélodie du refrain
Les caractéristiques
C’est le cœur de toute votre chanson. La mélodie du refrain est souvent celle qui
vient spontanément au moment de chanter. Si je vous écris par exemple « Allumer le
feu » je suis sûr que c’est l’air du refrain qui vous vient spontanément en tête
(Allumeeeeeeeeeeeeeer Le FEU !!) plutôt que celui du couplet (à moins que vous ne
soyez un méga fan de Johnny et que vous connaissiez toutes ses chansons sur le bout
des doigts^^). La mélodie du refrain correspond au summum de votre chanson, ce qui
implique qu’elle doit être puissante, mémorable et chargée en émotion.
Composer la mélodie du refrain
Il existe quelques astuces simples à mettre œuvre pour assurer à la mélodie du

refrain un maximum d’efficacité :
Astuce n°1 : Utiliser les fondamentales d’accords
La technique de la fondamentale d’accords que nous avons vu au sein du chapitre

consacré à la mélodie doit être absolument utilisée pendant le refrain. L’utilisation de
la fondamentale va en effet apporter cette sensation caractéristique de « repos » qui
permettra d’amener une réponse à la « tension » générée pendant le couplet et/ou
pendant le pré-refrain.
Astuce n°2 : Tenir les notes
Pour donner plus de puissance à votre refrain, faites durer les notes de votre
mélodie. C’est automatique : des notes plus longues vont donner davantage
d’émotion à votre mélodie, et donc de puissance à votre refrain. Qui plus est, puisque
les notes sont longues, votre mélodie sera plus épurée et donc plus facile à retenir.
Astuce n°3 : Choisir des notes plus aiguës
Utiliser des notes plus aiguës pour votre refrain, va naturellement contribuer à lui
apporter de l’énergie. Simple et efficace !

Bilan : Les différences majeures entre la mélodie du couplet et celle du

refrain
Pour vous aider à vous y retrouver parmi tous ces conseils, voici un petit tableau
récapitulatif qui vous présente les différences majeures entre mélodie du couplet et
mélodie du refrain. Encore une fois, toutes ces différences sont basées sur de simples
observations. Utilisez-les comme une source d’aide, mais ne les considérez jamais
comme des vérités absolues. La preuve : de très nombreuses chansons sont devenues
des hits internationaux alors que la mélodie de leur couplet et de leur refrain étaient
strictement les mêmes !
Mélodie du couplet Mélodie du refrain
Pose une question Répond à la question
Finit sur un degré V pour créer une Commence et finit sur un degré I pour
tension (question) relâcher la tension (réponse)
Évite les fondamentales d’accords Utilise les fondamentales d’accords
Tonalité de la mélodie plus aiguë que

Tonalité ni trop grave, ni trop aiguë celle du couplet pour apporter de
l’énergie à la chanson
Mélodie simple avec beaucoup de

Mélodie diversifiée
répétitions
Phrases musicales composées de notes

Phrases musicales rapides et espacées
longues et tenues
3) La mélodie du pré-refrain
La mélodie du pré-refrain doit participer à l’élaboration du sentiment de « montée
en puissance » caractéristique de cette section. Voici deux moyens d’y arriver :
- Utiliser une série de phrases musicales courtes et répétitives : La répétition va

participer à créer le sentiment de tension. Vous pouvez entendre cet effet
dans la chanson « What Hurts The Most » de Rascal Flatts.

- Utiliser une mélodie ascendante : Vous vous rappelez de l’importance que

revêt la forme de la mélodie ? Eh bien ici c’est exactement ce dont il s’agit :
Écrire une mélodie à la forme généralement ascendante va vous aider à créer
naturellement de l’énergie tout au long de votre pré-refrain.
4) La mélodie du pont
Que dire sur la mélodie du pont ? Hum, en voilà une question difficile. Puisque le
pont est une section totalement à part dans la chanson, la mélodie connaît en effet
moins de spécificités que dans les autres sections.
Appréhendez simplement la mélodie du pont comme une nouvelle mélodie. Profitez-

en pour apporter de nouvelles idées et exprimer quelque chose « d’à part ». Essayez
également d’apporter du contraste par rapport au reste de votre chanson. Par
exemple, si votre refrain est composé de notes longues et tenues, essayez d’écrire
une mélodie rapide et nerveuse pour votre pont. Pensez en termes d’opposition, ça
peut vous aider à obtenir de nouveaux axes à aborder.
Note : Parfois le pont peut parfaitement se passer d’une mélodie. Une version
instrumentale peut suffire pour exprimer la nouvelle idée musicale.
Exemple : « Breaking the Girl » des Red Hot Chili Peppers

III / Évolution des paroles au cours du morceau
Tout comme vous devez écrire vos paroles en fonction de votre mélodie, vous devez
absolument prendre en compte la structure de votre morceau au moment de poser
vos premiers mots sur le papier. Car de la même manière qu’un livre ou qu’un film,
une chanson raconte une histoire. Pour réussir à faire progresser votre intrigue de
façon logique, vous devrez donc vous aider de la structure du morceau. A chaque
section du morceau correspondra une nouvelle avancée dans l’histoire. Dans cette
partie, nous verrons justement comment doit progresser l’histoire en tenant compte
des spécificités de chaque section.
1) L’opposition couplet / refrain

Les paroles du couplet et du refrain ont deux rôles bien distincts :
 Les paroles du couplet sont factuelles : Elles permettent de planter le décor de

la chanson et de décrire ce qui s’y passe. Elles servent généralement à décrire
des personnages, des décors et des situations. Quoi qu’il en soit, elles doivent
rester neutres et objectives.
 Les paroles du refrain suscitent des émotions : Elles doivent retranscrire ce

que vous ressentez. Elles sont la conséquence des faits relatés dans le couplet.
Elles résument le message de la chanson et doivent être riches en images pour
interpeller votre public.
Vous pouvez noter cette distinction dans de nombreuses chansons. On la retrouve

par exemple très bien dans la chanson « La Vie en Rose » d’Édith Piaf.

Cette différence au niveau des paroles du couplet et du refrain est fondamentale.

Vous devez absolument en tenir compte au moment d’écrire vos paroles.
Ah bon ? Et en quoi est-ce si important ?
C’est très important car ça va vous aider à donner plus d’impact à vos paroles. En
commençant vos paroles par des descriptions, vous allez en effet aider votre auditeur
à plonger dans l’ambiance de votre chanson. Il sera donc plus à même de
comprendre vos émotions évoquées dans le refrain. Tandis que si vous commencez
par exprimer directement vos émotions, vous ne lui donnerez pas la chance de
comprendre la cause de votre désarroi. Votre message ne rencontrera donc pas
forcément l’écho qu’il mérite.
Illustrons ce principe grâce à la chanson « Creep » de Radiohead. Imaginons que

« Creep » commence directement par son refrain :
Mais je suis un minable, je suis un raté

Qu'est-ce que je fais ici ?
Je n'appartiens pas à ce monde
En entendant ces paroles dès le début de chanson, l’auditeur se demanderait

sûrement: «Houla mais c’est quoi ce vieux dépressif ? ». Mais si on reprend le cours

normal de la chanson, on voit que Thom Yorke commence d’abord par dire pourquoi
il se sent aussi minable.
Thom Yorke :
Quand tu étais là, avant

Je ne pouvais pas te regarder dans les yeux
Tu es comme un ange
Ta peau me fait pleurer
Tu flottes comme une plume
Dans un monde merveilleux
Je souhaiterais être spécial
Putain tu es si spéciale
L’auditeur comprend alors qu’il traverse un chagrin d’amour. Il peut alors établir le
contexte de l’histoire et s’identifier plus facilement aux propos du chanteur.
Auditeur : Ah, il est en train de vivre un chagrin d’amour.

Je connais ça, ça m’est déjà arrivé aussi.
Thom Yorke : Mais je suis un minable, je suis un raté

Qu'est-ce que je fais ici ?
Je n'appartiens pas à ce monde
Auditeur : Je te comprends totalement vieux !

Je me sentais aussi comme ça quand mon ex m’a largué.
Accroche-toi mec !
Bon je dois avouer que cette mise en scène est « légèrement » exagérée, mais au
moins vous voyez bien le principe. ;) En implantant le contexte de l’histoire, votre
public peut s’identifier à ce que vous racontez et vos paroles rencontrent alors plus
d’écho !

2) Les paroles du pré-refrain

Les paroles du pré-refrain permettent de faire le lien entre celles du couplet et celles
du refrain. Les deux sections ayant des objectifs différents, il peut être parfois difficile
pour vos auditeurs de passer directement de l’une à l’autre. Alors comment réussir à
estomper cette différence et comment ne pas perdre votre public en cours de route ?
C’est très simple. Nous allons utiliser pour cela des « phrases en suspension ». Les
phrases en suspension sont des phrases inachevées qui appellent une réponse ou qui
suscitent une interrogation. En fait, on fait ici exactement la même chose que ce que
l’on faisait précédemment au niveau musical : on crée une tension qui appelle à être
résolue dans la section suivante du morceau.
Exemples de phrases en suspension :
Ce que j’aimerais comprendre c’est…

Je voudrais savoir si…
Et à ce moment-là…
Vous pouvez retrouver cette technique dans la chanson « Wonderwall » d’Oasis. La

dernière phrase utilisée dans le pré-refrain intrigue l’auditeur et la réponse ne lui est
apportée que dans le refrain.
Bien sûr, ceci est une idée comme une autre. Tous vos pré-refrains ne doivent pas
obligatoirement être constitués de phrases en suspension ! Essayez simplement de
profiter de cette section pour faire le lien entre vos paroles du couplet et du refrain.

3) Les paroles du pont

Les paroles du pont permettent d’intensifier votre histoire. Elles apportent des
précisions à ce qui a déjà été dit. Elles peuvent par exemple servir à ajouter une dose
d’émotion à votre refrain ou compléter les descriptions de vos couplets.
Attention toutefois : même si vos paroles ont pour rôle d’apporter des précisions,
elles ne doivent pas se contenter de reformuler ce qui a déjà été dit pour autant. Elles
doivent apporter du nouveau. N’oubliez pas que le but d’un pont est d’apporter de la
nouveauté à votre morceau. Nous avons vu que cette nouveauté se traduisait en
termes d’accompagnement et de mélodie, il doit donc en être de même au niveau
des paroles.
Un bon moyen de préciser votre histoire tout en lui apportant de la nouveauté

consiste à raconter une scène sous un autre angle. Par exemple, essayez de décrire
une situation du point de vue d’un autre personnage. Ou alors, si vous avez raconté
votre histoire à la 3ème personne jusqu’à maintenant, vous pouvez également
exprimer directement votre opinion au sein du pont.
Et concernant le ton à employer qu’en est-il ?

Les paroles doivent-elles être de l’ordre factuel ou émotionnel ?
Les deux ! Les paroles du pont jonglent habilement entre ces deux discours. Le mieux
étant d’établir une situation dans une phrase, et de décrire sa répercussion
émotionnelle dans l’autre. Cette alternance entre description et émotion est un bon
moyen de confronter le message du couplet et du refrain, et ainsi intensifier
l’intensité générale de la chanson.
Important
L’évolution de vos paroles entre vos différentes sections doit-être faite de façon
subtile. Certes il y a des différences entre chaque section mais ces différences j’ai
volontairement fait exprès de les grossir dans mes descriptions pour que vous
puissiez bien comprendre le rôle de chacune d’entre elles. Qu’importe les règles ou
les caractéristiques, ce qui compte, c’est que vos paroles s’enchaînent naturellement
et que votre histoire ait un sens. Finalement, tout n’est qu’affaire d’équilibre, de
cohésion, et de feeling !

IV / Évolution de la rythmique au cours du morceau
Bonne nouvelle ! Nous n’avons pas besoin de décortiquer l’évolution de la rythmique

en fonction des différentes sections du morceau. Contrairement aux autres piliers, la
rythmique est en effet induite naturellement par les autres composantes du
morceau. Elle va prendre naissance à partir du moment où vous aurez défini votre
mélodie ou votre suite d’accords. Il vous suffit donc de composer normalement votre
morceau pour que votre rythmique suive naturellement.

À vous de jouer :
Exercice 1 : Trouvez les accords relatifs de la suite « La Mineur, Fa Majeur, Sol

Majeur, La mineur »
Exercice 2 : Prenez la chanson de votre choix et identifiez sa structure. Relevez

ensuite l’ensemble des notes qui composent sa mélodie. Analysez ensuite l’évolution
de cette mélodie en fonction des différentes sections de la chanson. Y a-t-il des
différences notables ? Comment évolue la mélodie du refrain par rapport à celle des
couplets ?
Exercice 3 : Prenez des paroles que vous avez écrites lors des exercices
précédents. Modifiez ces paroles en fonction de la structure de votre morceau.
Veillez particulièrement à ajouter une dimension émotionnelle forte aux paroles qui
composent votre refrain.
Exercice 4 : Prenez un bloc musical que vous avez composé lors des sections
précédentes. En fonction de la structure que vous lui avez définie, complétez-le pour
en faire une chanson intégrale. Aidez-vous de l’ensemble des caractéristiques
couvertes dans ce chapitre pour y arriver. Une fois que vous aurez fini ce travail, vous
aurez entre les mains une composition totalement achevée !

PARTIE 5 : Être unique
Chapitre 12 : Rendre ses compositions inoubliables…………214

Chapitre 12 : Rendre ses compositions

inoubliables
 À vous démarquer du lot et rendre vos compositions uniques
 4 techniques pour que votre chanson « scotche » vos auditeurs dès les
premières secondes
 4 façons de donner de l’énergie à vos compositions
 Comment transmettre de l’émotion grâce à votre musique
 À créer votre propre identité musicale

Introduction
Faites une pause dans votre lecture et allez jeter un œil sur votre disque dur.
Combien de chansons et d’albums possédez-vous ? Combien d’heures de musique
(obtenues de façon tout à fait légale, je n’en doute pas une seule seconde ;)) y avez-
vous entassées ?
Aujourd’hui, que ce soit à cause de l’explosion d’internet, de la diffusion plus rapide

de l’information, ou des nouveaux moyens de communication, il ne fait aucun doute
que la musique est devenue de plus en plus accessible. Tous les jours, de nouveaux
groupes émergents, de nouvelles chansons sont composées, et de nouvelles
personnes tentent leur chance dans l’aventure musicale.
Grâce à cette situation, nous avons la chance incroyable de pouvoir profiter d’un
panel musical toujours plus large. Mais d’un autre côté, cet accès facile et toujours
plus conséquent à la musique, engendre un travers terrible pour les compositeurs : il
leur devient de plus en plus difficile de faire connaître leur musique. Comment diable
réussir à attirer l’attention sur une chanson alors que des millions d’autres existent
déjà ? Comment se défaire de cette jungle musicale pour pouvoir exposer son travail
au grand jour ? Et plus simplement, comment donner à sa musique une chance
d’exister ?
Pour remédier à ce problème, le premier réflexe adopté par la majorité des

compositeurs consiste à jouer sur la promotion. En effet, ces derniers mettent à
profit l’ensemble des supports de communication dont ils disposent pour pouvoir
diffuser leur musique au plus grand nombre. Néanmoins, cette solution ne va pas
régler le problème dans sa totalité car pour qu’une chanson puisse retenir l’attention,
il faut avant tout qu’elle se démarque par sa qualité. Appelez-moi idéaliste si vous le
voulez, mais je reste convaincu que la démarcation d’un artiste passe avant tout par
la qualité de son travail. Si une chanson arrive à toucher les cœurs et susciter des
émotions, alors il n’y a aucune raison qu’elle reste dans l’anonymat. Certes le travail
de communication est important, mais il ne doit pas être privilégié au détriment de la
qualité, et du partage que cette qualité va sûrement engendrer.
Dans ce chapitre, nous n’allons donc pas aborder les moyens de promouvoir votre
musique (ça fera l’objet d’autres articles ou pourquoi pas d’un autre bouquin !) ;
Nous allons plutôt nous concentrer sur la façon de rendre votre chanson inoubliable
par sa qualité.

I / Attirer l’attention de ses auditeurs
Il y a des chansons comme ça, on a beau les avoir écoutées plus de mille fois, on ne
s’en lasse jamais. Leur CD a beau avoir tourné des heures et des heures dans le
tourne-disque, on éprouve toujours le même sentiment de satisfaction au moment
de les entendre. Elles possèdent ce « petit truc », ce charme inexplicable
qui fait qu’elles sont indémodables, comme intemporelles.
Elles ont un étrange pouvoir qui leur permet de monopoliser littéralement l’attention
de leur public. Par je ne sais quelle magie, elles arrivent à nous envoûter, à nous
marquer de leur empreinte, et à rester dans nos esprits.
Quelle est l’origine de cette mystérieuse force ? Qu’est-ce que ces chansons ont de
plus que les autres ? Et comment peuvent-elles à ce point marquer les esprits ?
Bien entendu, il n’existe aucune formule magique permettant d’expliquer ce

phénomène (sinon, vous vous doutez bien que je l’aurais gardé pour moi :p).
Cependant, il existe tout de même quelques astuces très simples qui vous aideront à
rendre vos chansons plus « accrocheuses » et plus envoutantes.
1) Les « hooks »
Le hook est une technique de composition très efficace. Elle
contribue grandement à rendre une chanson inoubliable.
Littéralement « hook » veut dire hameçon. Utiliser un hook
dans une chanson consiste donc à utiliser un élément qui puisse
accrocher l’attention de votre public. Exactement comme vous
utilisez un appât pour attirer le poisson à vous lorsque vous
pêchez, vous allez utiliser un « appât » musical pour attirer
l’attention de vos auditeurs vers votre chanson.
© Muriel. M
Concrètement qu’est-ce qu’un hook ? Il s’agit généralement d’un fragment musical

court, répétitif, et particulièrement efficace. Le hook est la partie mémorable de
votre morceau. C’est la portion de chanson qui va rester en tête après l’écoute. Par
exemple, c’est le « Heeeeeey Sexy Lady ! » de Gangnam Style (désolé d’avoir pris cet
exemple mais au moins, tout le monde connaît... n’est-il pas ? hey bah oui. :))

Il existe de très nombreuses façons de créer un hook car il en existe de plusieurs

sortes :
Le hook mélodique : Le hook mélodique est sans doute le plus efficace de tous. Il
consiste à créer un fragment mélodique particulièrement court et intense. Les 4
premières notes de la 5ème symphonie de Beethoven (le « TA TA TA TAAAAAM » au
violon) constituent un parfait exemple de hook mélodique. À l’instant même où l’on
entend ces notes, elles restent gravées en tête. Pour composer un hook mélodique,
prenez une partie de votre mélodie de refrain (par exemple ses 3 premières notes) et
répétez-les à intervalle régulier durant votre morceau.
Le hook musical : Ce type de hook prend racine dans l’instrumentation du morceau. Il

correspond par exemple à un riff de guitare particulièrement accrocheur (« Smoke on
the Water » de Deep Purple), ou à une ligne de basse très entrainante (« Seven
Nation Army » des Whites Stripes). Pour être efficace, un hook musical doit être le
cœur du morceau. La chanson doit être composée à partir, et autour de cet élément.
Si on reprend Seven Nation Army, on voit par exemple que le motif est répété tout au
long du morceau et qu’il n’y a que l’instrumentation autour qui évolue.
Le hook lyrique : Le hook lyrique consiste à créer une accroche à partir des paroles du
morceau. Il y a un moyen très simple de le créer : répéter le titre tout au long de la
chanson. Non seulement ça va favoriser sa mémorisation, mais en plus ça va insuffler
à votre morceau une rythmique entrainante. Ce procédé est d’ailleurs abondamment
utilisé en poésie, les poètes n’hésitant pas à commencer chacun de leurs vers par une
référence au titre. Dans le poème « Bluebird » de Charles Bukowski, on voit par
exemple que chaque strophe commence par la même phrase :
>>>

Je n’ai pas pu résister à l’envie de vous mettre le poème en entier. Magnifique n’est-ce pas ?
En composition, libre à vous d’utiliser ce même procédé. Vous pouvez par exemple
mentionner votre titre à chaque fin de couplet comme dans la chanson «The Times
They Are A-Changin » de Bob Dylan, au sein du refrain comme dans
« Californication » des Red Hot Chili Peppers, ou un peu partout comme le font les
Beatles dans leur chanson « Let it Be ». (Le titre y est répété pas moins de 42 fois !).
Le hook rythmique : Aujourd’hui, la rythmique d’une chanson peut avoir autant

d’importance (si ce n’est plus), que la musique elle-même. Un simple rythme peut
suffire à donner envie de danser et à mettre tous les sens du corps en alerte. Prenez
la chanson « We Will Rock You » de Queen. N’éprouvez-vous pas un frisson en
entendant l’immense « POUM POUM TCHAC ! » du début ? Si vous trouvez un
rythme entrainant pour votre morceau, n’hésitez donc pas à le répéter en boucle
pour en faire un hook rythmique.

Les hooks sont un excellent moyen d’impliquer votre auditeur, mais comme toutes
choses, il ne sert à rien d’en abuser. En effet, trop de hooks peuvent rendre votre
morceau trop confus et contribuer à le déstructurer. Utilisez-les donc avec
parcimonie et uniquement si vous le jugez nécessaire. Car les hooks sont au morceau
ce que les piments sont au plat : utilisés judicieusement ils peuvent contribuer à le
relever, mais à forte dose, ils ne feront que le gâcher !
2) Les motifs
Les motifs sont très semblables aux hooks. Comme ces derniers, ils consistent à
répéter un certain fragment du morceau pour accrocher l’attention de l’auditeur.
Mais contrairement aux hooks, on ne peut pas les identifier clairement ; ils agissent
dans l’ombre du morceau. Je m’explique : lorsqu’on entend un hook, on peut
facilement le pointer du doigt et l’isoler du reste du morceau. On peut dire : « Voilà le
riff, voilà la ligne de basse, voilà le titre etc… ». Mais les motifs eux, agissent de façon
plus subtile : ils se cachent derrière un fragment musical.
Vous vous souvenez par exemple de la technique consistant à répéter une structure
rythmique pour créer une mélodie mémorable ? Eh bien vous avez là un parfait
exemple de motif : il y a répétition d’un élément, mais cet élément ne peut pas être
directement perçu par l’oreille. L’oreille sent qu’il y a une familiarité quelque part,
mais cette dernière n’apparaît pas au premier plan. Ce qui est répété, c’est en fait la
structure rythmique de la mélodie et non la mélodie en elle-même.
Le recours aux motifs est très apprécié en composition car ces derniers permettent
de créer une sensation de familiarité et de structurer le morceau. Ils agissent en fait

comme une image subliminale : le cerveau les perçoit, mais de manière inconsciente,
ce qui permet de décupler leur effet car ils sont hors de toute maîtrise.
Exemples de motifs :
 Dans la chanson « You Shook Me » de Led Zeppelin, le motif correspond à la

reprise de la ligne de guitare par le chant.
 Pour « Superstition » de Stevie Wonder, le motif est rythmique. Le rythme du

clavier et repris pour la mélodie de la trompette.
 Enfin, dans la chanson « Yesterday », le motif correspond aux intervalles de la

mélodie qui sont répétés tout au long de la phrase musicale.
3) L’énergie
Je suppose que vous avez déjà dû avoir des cours particulièrement soporifiques où le
prof se contentait de s’asseoir à table, d’ouvrir son bouquin et d’en dicter le contenu
à voix haute. Durant ces moments, les heures sont si interminables, que le morpion
et les mots croisés finissent par devenir vos plus grandes passions. Eh bien en
musique c’est exactement la même chose : si votre morceau n’évolue pas d’un
pouce, votre auditeur va finir par se lasser et stopper son écoute. Pour éviter que cela
n’arrive (parce franchement, entre nous, le morpion ce n’est quand même pas super
fun), vous devrez apporter de l’énergie à votre chanson. Voici 4 astuces pour y arriver
très facilement :

Astuce n°1 : Avoir recours aux degrés 5 en fin de phrase musicale
Par degrés 5, j’entends les accords de degré 5 d’une gamme ainsi que les dominantes
d’une mélodie. Comme nous l’avons vu, ces degrés permettent de créer une tension
et de relancer naturellement le mouvement du morceau.
Astuce n°2: Utiliser une mélodie plus aigüe
Utilisée aux moments clés (comme lors des refrains), une mélodie plus aigüe
permettra d’insuffler de l’énergie au morceau.
Exemple: Aqualast de Rover. Le passage de la voix dans les aiguës donne de la

puissance au refrain.
Astuce n°3 : les montées instrumentales
Connaissez-vous le morceau « Hystéria » de Muse ? C’est une parfaite illustration de

ce que peut-être une montée instrumentale. Dès le début du morceau, on entend la
guitare rugir et prendre de l’ampleur jusqu’à l’explosion du riff. Cette technique est
également très répandue dans le domaine de l’Electro où les artistes n’hésitent pas à
faire monter progressivement la température, avant de lâcher toutes leurs décibels
sur le dancefloor.
Exemples : Above & Beyond - « Walter White »

Ghinzu - « Mirror Mirror »
Astuce n°4 : Ajouter d’autres instruments
Pour donner plus de puissance à votre morceau, une technique simple consiste à
faire entrer un nouvel instrument. Cet instrument peut se contenter de répéter la
ligne mélodique ou de jouer un autre thème pour la compléter. Petite astuce simple
pour la route : faites entrer une nouvelle guitare sur le refrain qui doublera la
mélodie à l’octave. Effet garanti !
Exemple : We are scientist - « Can’t Lose »

4) Le contraste
Imaginez que vous soyez assis dans la salle d’attente de votre assurance maladie (bon
courage, vous en avez pour des heures ;)) et que soudainement, la personne assise à
côté se mette à pousser un cri. À ce moment-là, il y a fort à parier que toute
l’attention de la pièce se porte alors sur cette personne.
C’est un réflexe humain hérité du passé : chaque fois que votre environnement est
perturbé, vos sens s’aiguisent pour évaluer le danger. (Les hommes préhistoriques
guettaient les bruits environnants pour évaluer la distance des prédateurs). Croyez-le
ou non, mais nous allons pouvoir tirer parti de ce vieux réflexe humain pour nos
compositions.
Quoi ? Je vais devoir pousser un cri en plein milieu de ma chanson pour attirer
l’attention ?
Je n’irai pas jusque-là, mais en tout cas, l’idée est la même : en apportant du
contraste à votre morceau, vous allez aiguiser le sens de vos auditeurs et ainsi
accroitre leur attention.
Chaque fois que vous avez envie de relancer votre morceau, je vous invite donc à y
ajouter du contraste. Par exemple, si la mélodie de votre refrain est basée sur des
notes aiguës, essayez de composer votre couplet à l’aide de notes graves. Ou alors, si
votre couplet contient beaucoup de paroles prononcées avec un débit rapide,
essayez un refrain avec peu de mots et des notes tenues. De même, essayez de
passer d’un tempo lent à un tempo rapide ou encore, d’incorporer un break après
votre refrain.
Exemple : Babe I’m gonna leave you de Led Zeppelin.

Le contraste entre les couplets calmes et le refrain énergique attire l’attention.

II / Transmettre de l’émotion grâce à sa musique
« La musique est la langue des émotions. »

Emmanuel Kant
Avec cette citation, tout est dit. La musique a un pouvoir indescriptible qu’aucun
autre art ne pourra jamais procurer. Elle permet de susciter des sentiments, porter
des messages et toucher les cœurs. Elle peut exprimer une idée ou un sentiment avec
plus de justesse que n’importe quels mots.
Une musique qui est capable de faire ressentir des choses à son auditeur, qui lui
permet de réfléchir ou de se remémorer un moment précis de son existence, aura
donc beaucoup plus de chances d’être écoutée qu’une musique fade ne suscitant
aucune émotion.
Alors comment réussir à transmettre de l’émotion grâce à sa musique ? C’est une

bonne question à laquelle il est très difficile de répondre. Je pense en effet que je ne
pourrai jamais vous expliquer par A + B la façon dont une musique émeut une
personne ou touche tout un auditoire.
Alex : Alors là, tu enchaines ton couplet avec un accord de Fa mineur, et tu

verras que ton public va pleurer à fond !
Charles : Wouah t’es sûr ?
Alex : Ouais essaye !
Charles : *joue un accord de Fa mineur* Wouha !
Si la composition se passait vraiment ainsi, ça se saurait…
J’aime d’ailleurs cette idée selon laquelle il existe un côté inexplicable et presque
magique dans la musique. Néanmoins, il y a tout de même quelques petites astuces
qui vont vous aider à véhiculer plus facilement des émotions à travers vos
compositions.

Avoir pour objectif de susciter de l’émotion

Ça à l’air tout bête dit comme ça, mais si vous écrivez une chanson avec l’objectif de
faire passer une émotion précise, alors vous aurez plus de chance d’y arriver. Votre
cerveau agit en effet comme un filtre : il va naturellement sélectionner les sonorités
faisant échos à ce que vous ressentez.
Par exemple, si vous vous mettez au piano pour écrire une chanson sur votre chagrin
d’amour, vous allez naturellement réagir aux sonorités plus « froides » tels que les
accords mineurs et les notes altérées. Et puisque cette musique reflète précisément
vos émotions, alors, en l’entendant, votre public ressentira aussi ces mêmes
émotions.
Écrire des paroles qui suscitent l’émotion

De bonnes paroles ne décrivent pas une émotion, elles la suscitent. Dire que vous
vous sentez triste et dépressif ne rendra donc pas votre auditeur triste et dépressif
pour autant. (Vous imaginez sinon ? Il suffirait d’écrire « je suis triste » pour que
votre auditeur le soit vraiment. Je ne vous explique pas la galère dans laquelle on
serait…)
Plutôt que d’exprimer directement un sentiment, je vous conseille donc de le

suggérer. Pour cela, décrivez un fait objectif qui puisse faire ressentir le sentiment en
question. Par exemple, plutôt que de dire « je me sens triste et seul », dites : « je t’ai
attendu assis au bord du trottoir seul sous la pluie mais tu n’es jamais venu(e). » - En
décrivant cette scène, votre auditeur pourra se mettre à votre place, et donc
ressentir vos émotions.
Cette technique est d’ailleurs utilisée par Queen dans leur chanson d’amour « Love of
My Life ». Freddy Mercury se contente de raconter des faits mais il n’exprime jamais
directement ce qu’il ressent. Il laisse aux auditeurs le soin d’éprouver tout cela pour
lui.
Love of my life don’t leave me

You’ve taken my love and now desert me…
Back – hurry back

Please bring it back home to me

De même, l’utilisation d’images, d’analogies et de métaphores dans vos paroles

permettra de favoriser l’impact émotionnel de votre chanson.
Tenir les notes de la mélodie

Une technique très simple pour apporter de l’émotion à votre mélodie consiste à
tenir les notes qui la composent. Les notes tenues font en effet monter l’intensité de
la mélodie, ce qui lui confère plus de puissance et de résonnance. De même, un
tempo généralement lent vous aidera à donner plus d’émotion à votre musique (s’il y
avait des chansons d’amour à 250 BPM, ça se saurait ^^).
Pour voir la façon dont vos émotions peuvent se traduire en

musique, je vous conseille le site « Steromood ». Ce dernier
permet en effet de sélectionner des morceaux en fonction de
votre humeur du moment.

III / Créer son identité musicale
L’identité musicale va définir la marque de fabrique du groupe. Elle permet à un

artiste de se démarquer de la masse et de proposer une musique qui lui est propre.
En général, tous les plus grands musiciens possèdent leur propre identité musicale.
Vous ne pouvez pas vous tromper : seules quelques secondes d’écoute suffisent à
identifier leur musique. Pour certains d’entre eux, l’empreinte qu’ils ont laissée dans
l’industrie musicale est tellement forte, que leur style finit par devenir une norme et
un outil de comparaison. (Tiens, ça sonne un peu comme du Radiohead non ?).
Un style musical se construit naturellement

Tout d’abord, je ne pense pas qu’il faille aller à contre sens de tout ce qui existe déjà
pour se créer une identité musicale. Comme son nom l’indique, une identité musicale
va refléter ce que vous êtes et ce que vous voulez transmettre à travers votre
musique. Or, par définition, votre musique va naturellement refléter vos préférences.
Votre identité musicale va donc se construire toute seule et au fur et à mesure de
votre vie de musicien. Plus vous allez jouer et composer, et plus votre style se
précisera !
Le poids des influences

Votre style musical va également se construire à partir de vos influences. Vos artistes
référents sont là pour vous guider et pour nourrir votre musique. Même les plus
grands groupes ont eu recours à des influences musicales (Led Zeppelin et les Rolling
Stones se sont par exemple beaucoup inspirés du blues). C’est d’ailleurs le cycle
naturel de la musique : prendre une base existante, puis l’enrichir et la faire évoluer à
l’aide d’éléments extérieurs (Évolution technologique, goûts personnels,
particularités culturelles…).
Je vous encourage donc vivement à vous inspirer des musiques qui vous tiennent
particulièrement à cœur : piochez-y les éléments de votre choix, puis agrémentez-les
de votre touche personnelle.

Le choix des instruments et des sonorités

Chaque instrument possède une sonorité qui lui est propre, et c’est l’assemblage de
ces sonorités qui va définir votre style musical. Si un groupe de rock sonne comme un
groupe de rock, c’est justement parce qu’il est formé d’une guitare, d’une basse et
d’une batterie. Si la musique classique sonne comme de la musique classique, c’est
grâce aux différents instruments qui composent l’orchestre. Aussi, soyez
particulièrement attentif au moment de choisir vos instruments : ils définiront à eux
seuls votre identité musicale.
Pour vous démarquer des autres, une astuce simple consiste donc à choisir un
instrument « inhabituel » par rapport à votre style musical. Son timbre particulier va
en effet apporter de la profondeur et de l’originalité à votre musique. Par exemple,
l’utilisation du piano dans le groupe Muse donne une saveur tout à fait particulière à
leur musique. Il est en de même pour l’orgue de Jon Lord ; à lui seul, il a permis de
fonder le style unique de Deep Purple. Les effets musicaux liés aux traitements du
son constituent également un excellent moyen de construire des sonorités originales.
Jouer la carte de l’originalité

Ce que j’apprécie le plus dans la musique, c’est que c’est un art transversal. La
musique est en effet constituée de nombreuses disciplines : les paroles font appel à
l’écriture, le design des pochettes au graphisme, les clips musicaux à la vidéo, et les
prestations scéniques au théâtre. Vous pouvez donc tirer profit de chacune de ces
disciplines afin de vous démarquer.
Une personne comme Bob Dylan va par exemple sortir du lot grâce à la qualité de ses
textes, des gens comme Daft Punk ou David Bowie vont tout miser sur l’image en se
créant un univers qui leur est propre, d’autres artistes comme Ez3kiel vont proposer
un véritable show vidéo-ludique à leurs spectateurs, tandis que d’autres groupes
comme Enter Shikari ou Dyonisos vont mettre l’accent sur une prestation scénique
explosive.
Comme vous le voyez, absolument tout peut être exploité pour se démarquer des
autres. Parfois, vous pouvez même vous définir un élément caractéristique
particulièrement simple. Kevin Parker, le chanteur du groupe Tame Impala, est par
exemple connu pour jouer ses lives pieds nus !

À vous de jouer :
Exercice 1 : Choisissez trois chansons qui passent en boucle à la radio. (Ces

chansons sont très intéressantes car elles utilisent énormément de hooks). Repérez
où se situent leurs hooks, et définissez leur nature. Inspirez-vous de ce que vous avez
appris pour les inclure (si besoin) dans vos compositions.
Exercice 2 : Choisissez un sentiment que vous avez envie de communiquer dans

une de vos compositions. Rappelez-vous d’une situation qui a provoqué en vous la
naissance de ce sentiment et couchez-la sur le papier. Prenez ensuite cette idée
comme point de départ d’écriture de votre composition (texte et musique).
Exercice 3 : Pour vous aider à déterminer votre identité musicale, répondez aux
questions suivantes : Qu’aimeriez-vous faire passer comme message dans vos
chansons ? Quelle image souhaiteriez-vous que les gens gardent de vous ? Quelle est
la meilleure façon d’exprimer ce que vous êtes à travers votre musique ? Vers quel
style musical aimeriez-vous vous diriger ? Quelles peuvent-être vos influences dans
ces cas-là ?
Exercice 4 : Réfléchissez à un élément qui puisse vous distinguer des autres

(dans la limite du raisonnable hein, pas besoin d’aller mettre des robes de viande
pour attirer l’attention ;)). Cet élément peut être tant musical (instrument, sonorité…)
que scénique (image, logo, identité…)

Conclusion
Voilà... nous y sommes : vous voilà maintenant arrivé au terme de notre grand
voyage. Il est maintenant temps pour moi de vous quitter et de vous laisser continuer
votre petit bout de chemin par vous-même. À vous maintenant d’explorer de
nouvelles terres et de découvrir de nouveaux horizons.
J’espère que vous avez beaucoup appris durant notre traversée et que le monde de la
composition ne vous apparaît plus comme une terre inaccessible, mais comme un
eldorado plein d’opportunités. J’espère également que vous avez bien pris le temps
d’intégrer les concepts présentés, de les appliquer et de les remettre en question.
Surtout, n’hésitez pas à revenir sur les étapes de votre itinéraire de temps en temps
et de relire le livre : l’expérience nouvellement acquise vous aidera à aborder les
chapitres avec un regard neuf.
En tout cas, sachez que j’ai pris énormément de plaisir à effectuer cette traversée en
votre compagnie. J’espère sincèrement pouvoir recroiser très vite votre chemin au
détour d’une nouvelle aventure musicale. En attendant, vous pouvez toujours venir
me rendre visite à mon port d’attache : le site « composer-sa-musique.fr », vous y
serez toujours le-la bienvenu-e. ;)
Avant de vous quitter, j’aimerais vous donner un dernier conseil qui est sans aucun
doute le plus important de tous ceux que j’ai pu vous donner jusqu’à présent :
« N’oubliez jamais une chose : malgré ce livre, toutes mes techniques pirates et
toutes mes astuces, la musique ne se trouve pas dans les livres. J’ai essayé de faire de
mon mieux pour vous aider, mais mes mots ne pourront jamais exprimer ne serait-ce
qu’une infime partie de ce que peut être la musique.
Une feuille de papier ne pourra jamais remplacer la sensation de jouer d’un
instrument, une méthode ne pourra jamais vous faire connaître l’émotion d’une belle
chanson, et un texte ne pourra jamais vous faire connaître le sentiment de
satisfaction que l’on éprouve après avoir donné vie au silence...
Créer quelque chose de beau à partir de rien est en effet l’une des plus belles choses
qui soit, et seul la pratique permet d’y arriver. »
Aussi, j’aimerais que vous fassiez une dernière chose pour moi ; ce sera votre ultime
exercice : tournez vite cette page et prenez votre instrument. Commencez à jouer et
laissez-vous emporter ! ... Ça y est, vous voilà parti... Un nouveau voyage commence.

Tracklist
Ce livre a été écrit en écoutant (entre autres) les albums suivants :
Rock
Mikal Cronin - MC 2
Telekinesis - Dormarion
Portugal The Man - In the Mountain in the clouds
Ghinzu - Blow
Rover - Rover
King Khan & The Shrines – Idle No More
Pond – Beard Wives Denim
Sum 41 – Screaming Bloody Murder
Psycho 44 - Suburban Guide To Springtide
Rock “classique”
Jethro Tull – Stand Up
Love- Forever Changes
Led Zeppelin – Led Zeppelin I / Led Zeppelin III
The Velvet Underground – The Velvet Underground
Joe Cocker – With a Little Help From my Friends
Metal
Betraying the Martyrs – Breath in Life
Red Fang – Red Fang
Memphis May Fire - Challenger
August Burns Red - Rescue & Restore
He is Legend – It Hates You
Enter Shikari – Common Dreads

Electro
Compact Disk Dummies – Last Mess With Us
Gooral - Gooral
Chinese Man – The Groove Sessions
Pendulum – Hold Your Color
The Qemists - Join the Q
The Subs - Decontrol
Rap
Scred Connexion - Scred Selexion 99/2000
Stupeflip – Terrora
IAM – L’Ecole du Micro d’Argent
Mr Zou – Remettre en Jeu
CunnninLynguists - Southernunderground
Necro – Gory Days
Jedi Mind Tricks – Violent by Design
Classique
Rachmaninov - Concerto pour piano n°1
Liszt – Etudes
Gustav Mahler
Ez3kiel – Naphtaline

Remerciements
Je tiens avant tout à remercier l’ensemble des lecteurs de Composer sa musique pour
leur implication, leur soutien indéfectible, et leur centaine de messages
d’encouragement. Sans eux, jamais je n’aurai pu avoir la force et le courage de finir
un tel projet.
Je tiens également à remercier du fond du cœur mon ami Laurent Breillat, sans qui
rien n’aurait été possible. Je le remercie pour ses conseils avisés, sa patience, et son
implication depuis le début de l’aventure Composer sa Musique. Il a eu la gentillesse
de m’épauler, de m’aider et de me guider comme l’aurait fait un vrai mentor.
Enfin, je tenais à remercier Maxime Evrard et Virginie Houillon pour le travail de

qualité fait sur le design puis sur la refonte de couverture.
Ce livre numérique est protégé par le dépôt d’un copyright auprès de copyrightdepot.com dans 163
pays. Tous les droits sont exclusivement réservés à Alexandre Koutso et aucune partie de cet ouvrage
ne peut être republiée, sous quelques formes que ce soit, sans le consentement écrit des auteurs.
Vous n’avez aucun des droits de revente, ni de diffusion,
ni d’utilisation de cet ouvrage sans accord préalable de l’auteur.
Vous ne disposez d’aucun Droit de Label Privé.
Toute violation de ces termes entraînerait des poursuites à votre égard.
Copyright © 2013 – Alexandre Koutso, composer-sa-musique.fr. Tous Droits Réservés.
Copyright numéro 00050067-1


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Composer sa chanson de A à Z 1

« Au départ, le peintre a une toile.

Exemplaire unique de regis latour. Adresse e-mail: lechancel@wanadoo.fr

Petite présentation .................................................................................................... 7

Laissez-moi vous en dire un peu plus sur ce guide… ................................................... 9

Alors comme ça vous voulez composer ? .................................................................. 14

Partie 1 > Avant de commencer….

Chapitre 1 : Partir avec le bon état d’esprit .............................................................. 18

Démêler le vrai du faux : la FAQ de l’apprenti compositeur .................................... 20

Cultiver le bon état d’esprit ..................................................................................... 27

Chapitre 2 : Trouver l’inspiration .............................................................................. 34

Qu’est-ce que l’inspiration ? .................................................................................... 36

II / Comment trouver l’inspiration ? ........................................................................ 39

III / Passer de l’inspiration à la musique .................................................................. 47

Partie 2 > Mettre un premier pied à l'étrier

Chapitre 3 : Débuter sa composition ........................................................................ 53

I / Les composantes d’une chanson ........................................................................ 54

II / Par où et par quoi commencer sa composition ? ............................................... 56

III / Les différentes méthodes de composition d’une chanson ................................ 58

IV / Un dernier coup de pouce pour démarrer ........................................................ 61

Exemplaire unique de regis latour. Adresse e-mail: lechancel@wanadoo.fr

Partie 3 > Composer les 4 piliers d'une chanson

Chapitre 4 : Pilier 1, l’accompagnement ................................................................... 65

I / Qu’est-ce qu’un accord ?..................................................................................... 67

II / Comment trouver une suite d’accords qui sonne bien ? .................................... 68

III / Comment trouver une suite d’accords originale ? ............................................ 83

IV / Faire varier sa suite d’accords ........................................................................... 90

Chapitre 5 : Pilier 2, la mélodie ................................................................................. 93

I / Comment trouver une mélodie ? ........................................................................ 96

II / Comment trouver « LA » mélodie ? ................................................................. 101

III / Vérifier l’efficacité de sa mélodie .................................................................... 109

IV/ Le mot de la fin ................................................................................................ 113

Chapitre 6 : Lier l’accompagnement et la mélodie ................................................. 115

I / Créer une mélodie à partir d’une suite d’accords ............................................. 117

II / Trouver un accompagnement efficace pour sa mélodie .................................. 121

Chapitre 7: Pilier 3, les paroles................................................................................ 127

I / Quel sujet aborder dans ses chansons ? ........................................................... 130

II / Le processus d’écriture des paroles d’une chanson ......................................... 134

III / Écrire des paroles qui ont de l’impact ............................................................. 138

IV / Choisir un titre ................................................................................................ 144

Exemplaire unique de regis latour. Adresse e-mail: lechancel@wanadoo.fr

Chapitre 8 : Mettre en relation paroles et musique ............................................... 148

I / Écrire une mélodie à partir de paroles ............................................................. 151

II / Écrire des paroles à partir d’une mélodie......................................................... 154

III / Considérer l’écriture des paroles et de la mélodie simultanément................. 156

Chapitre 9 : Pilier 4, le rythme ................................................................................ 158

I / Le tempo ........................................................................................................... 161

II / La structure rythmique ..................................................................................... 164

III / Trouver les rythmes ........................................................................................ 167

Partie 4 > Développer la chanson dans son intégralité

Chapitre 10 : Structurer son morceau ..................................................................... 170

I / La structure du morceau ................................................................................... 173

II / Les sections d’une chanson .............................................................................. 176

III / Les différents types de structure ..................................................................... 178

IV / Comment structurer son morceau ? ............................................................... 185

Chapitre 11 : Composer sa chanson de bout en bout ............................................. 189

I / Évolution de l’accompagnement tout au long de la chanson ........................... 191

II / Évolution de la mélodie tout au long du morceau ........................................... 199

III / Évolution des paroles au cours du morceau ................................................... 204

IV / Évolution de la rythmique au cours du morceau ........................................... 209

Exemplaire unique de regis latour. Adresse e-mail: lechancel@wanadoo.fr

Partie 5 > Être unique

Chapitre 12 : Rendre ses compositions inoubliables............................................ 212