Está en la página 1de 266

TERMINOLOGIAS DEL ARTISTA

ALMIRON GISELA SILVANA E.A.R.I 2DO P.A.V

2020

EVANGELINA
LENGUAJE VISUAL 2
PROF: ALTAMIRANO
Abstracción Geométrica
Término que intenta englobar a aquella abstracción en la que ni la obra en sí ni ninguna de sus
partes representa objetos del mundo visible. Caracterizada por planificar una obra sobre
principios racionales, aspira a la objetividad y a la universalidad defendiendo el uso de
elementos neutrales, normalmente geométricos que confieren claridad, precisión y objetividad a
la obra, eliminando a su vez, la capacidad sensitiva y expresiva de los materiales y logrando así
una composición lógicamente estructurada.
Abaco
Parte superior del capitel. En el orden Dórico tiene forma de prisma. En el Jónico de espiral y en
el Corintio my simple.
Abalaustrada
Columna renacentista o barroca con mucha decoración.
Académico
Que se atiene a normas consideradas como clásicas. Se dice asimismo de un trabajo correcto y
canónico, pero frecuentemente falto de inspiración o que repite con fidelidad exagerada temas y
formas tradicionales.
Acanto
Planta de hojas espinosas que decora el capitel corintio. Palabra q proviene del latín acanthum.
La hoja de acanto sirvió para añadir elegancia al capitel de estilo corintio, del que derivara a su
vez el romano capitel compuesto, que también mantendrá la misma decoración de creación
griego.
Marco Vitruvio Polion en su obra <<los diez libros de Artquitectura>> atribuye este ornato al
pintor y escultor griego Calimaco, quien vivió en Atenas entre los años 432 y 408 a.C.
El ornamento sobrevivirá a la Antigüedad clásica, reapareciendo en el gótico medieval
añadiendo en ocasiones el detalle de tener espinas.
Acetato
El nombre común para un tipo de hojas fuertes, transparentes o semitransparentes de
plástico, disponibles en varios espesores, y utilizado en la fabricación de las cubiertas para
las ilustraciones, como la base para la película fotográfica, en la separación de colores, en
retoque como fotogramas en animación tradicional; como material para las placas de
impresión.
ABSIDE
Bóveda normalmente semicircular o poligonal que sobresale de la fachada posterior o cabecera
de un templo, en el se sitúan el altar mayor y el presbiterio. Puede contener en su perímetro
capillas más pequeñas rodeando el ábside principal. Estas reciben el nombre de Absidiolos.
El origen del Ábside esta en el absis o apsis, que consistía en una estancia cuyo extremo era un
cubículo semicircular.
Las basílicas romanas, (edificios donde se impartía justicia) tenían el fondo del rectángulo en
forma de ábside, donde se situaban los asientos para el magistrado y los demás juristas. También
llamaban ábside al nicho de los templos donde se depositaba la estatua del dios consagrado.
Abstracción postpictorica
Movimiento artístico de la década de los años 60. Reacciono contra el expresionismo abstracto
produciendo composiciones grandes, frías, impersonales y de colores ordenados. Próximos a la
Bauhaus y a la psicología de la Gestalt.
ABSTRACCION-CREACION
Asociación de artistas, dirigida por Auguste Herbin (1882-1960) y fundada en Paris en 1931,
para el desarrollo de la plástica informal: desde el geometrismo constructivista hasta la
abstracción lirica.
Entre sus miembros más destacados se encontraban Mondrian, Kandinsky, Lissitzky y Kupka. A
partir de 1932 la agrupación publico un álbum anual con el titulo de << Absrtraccion-creation
art non-figuratif >> y realizo regularmente exposiciones hasta 1936.
Acrílico
Técnica que brinda un efecto similar al del óleo constituida a base de la mezcla de pigmentos,
agua y resinas que no amarillea, seca rápidamente sin cambiar de color y sin oscurecer con el
tiempo. Una de las ventajas del óleo sobre el acrílico es que tiene mayor brillo.

Pintura hecha con resina acrílica sintética, de secado muy rápido y casi siempre con base de
agua. Se comenzó a utilizar en los años cuarenta, y combina algunas de las propiedades del
óleo y la acuarela y puede ser usada para crear una variedad de efectos desde lavados muy
diluidos hasta brochazos densos. Se comporta como el óleo cuando está húmedo pero no es
translúcido.
Acuarela
El nombre de este material proviene del latín "aqua", puesto que su base fundamental es el agua.
El efecto es el de una pintura muy desleída, de colores suaves y algodonosos. Su base es una
serie de pigmentos que se aglutinan no a través de aceites, como en el caso del óleo, sino con
goma arábiga o sustancias similares. La característica que este aglutinante les confiere es la
capacidad de ser solubles en el agua. El pincel que aplica los colores ha de tener un núcleo
absorbente para acumular el agua coloreada. El papel para acuarela tiene un grosor especial y
una gran absorbencia, que evita que se enrosque. Normalmente es blanco, aunque también
puede estar tintado en neutro. El color así extendido resulta transparente, dejando apreciar la
textura del papel debajo, así como otras capas de color. La acuarela se descubrió en el siglo II
a.C., en el antiguo Egipto, aunque fue una técnica minoritaria hasta el siglo XVI, en que
redescubierta por Durero y Van Dyck se aplicó para terminar partes y detalles de obras mayores.
La mayor escuela acuarelista de la historia llegó con la Inglaterra del siglo XIX, quedando desde
ese momento indisolublemente unida a los paisajistas románticos y posteriores.
Action Painting
Expresión acuñada en 1952 por el crítico Harold Rosemberg en su texto
"The American Action Painters" (Art News), considerado como el manifiesto oficioso de la
escuela de Nueva York, para referirse, en un principio, a la pintura de W. De Kooning y que
posteriormente se extiende a los pintores gestuales como Pollock y Kline. Rosemberg defiende
la idea de que el lienzo se ha transformado para los pintores de la vanguardia norteamericana en
“una arena, un lugar de acción”. Subraya la idea de que el cuadro no debe ser sólo un producto
acabado, sino que debe reflejar el proceso de su creación, es decir, las acciones realizadas por el
artista mientras lo pinta. En definitiva, lo que sucede en el lienzo constituye un acontecimiento y
no una imagen. Por ello, y según Rosemberg, las referencias estéticas tradicionales (forma,
color, composición, dibujo) no deben tenerse en cuenta y deben dejar paso al acto mismo de la
creación de la obra. En este grupo de artistas cabe destacar a Gorky, Hofmann, Pollock,
De Kooning y Franz Kline. El término se hará de uso común en los años cincuenta, como
denominación alternativa para expresionismo abstracto.
Aguatinta/Aguafuerte
Impresión que se produce por un método relacionado con el aguafuerte (el aguafuerte es aquella
que a través del trabajo en laminas de metal que luego se sumergen en acido, consigue una
figura que permita ser grabada en papel) , con un efecto de lavado similar a la acuarela. La
superficie usada se cubre con resina en polvo y se pone dentro de un ácido, el cuál ataca a la
superficie que queda desprotegida o sea entre los granos de resina para dar una superficie
finamente granulada. El diseño por lo tanto se logra al bloquear con este barniz ciertas áreas lo
que varía las tonalidades para sacar la impresión deseada.

La estampación se efectúa empapando la superficie de la lamina con tinta y colocando un papel


sobre ella y pasándola por una prensa.
Albúmina (Impresión de)
Se utiliza un papel de albúmina, muy popular para impresión fotográfica entre los años de 1850
y 1900. A un delgado papel se le aplica una superficie de clara de huevo (albúmina) con sales y
sensibilizada con una solución de nitrato de plata luego se utiliza la luz del día para imprimir un
negativo. El papel resultante tiene una suave superficie con un grano muy fino. Estas
impresiones pueden ser coloreadas con una solución de oro que le da una rica tonalidad sepia a
la imagen y también reduce el riesgo de decoloración.
Alla prima
Método en que la pintura es aplicada directamente en la superficie y se termina
enseguida. También conocida como pintura directa, es la principal técnica al óleo en el siglo 19
cuando los pintores querían crear un sentimiento espontáneo en su trabajo.
Alma
En la escultura realizada por fundición, interior del molde, generalmente de material refractario
y ligero, en el que se ha vertido metal fundido para realizar una estatua y que puede ser extraído
del interior de la pieza una vez terminada la operación.
Altorrelieve
En escultura, aquella figura, ornamento o composición que resalte del fondo más de la mitad de
su bulto.
Amate
Corteza de un árbol, con la que los precolombinos hacían el soporte de sus códices untando las
fibras con lechada de cal.
Ancona
Retablo de gran tamaño sin alas, formado por numerosos paneles pintados que constituyen
una sola pieza con su marco.

Antropomorfo
La representación que tiene o sugiere semejanza con la forma corporal del hombre.
Armonía
Proporción y concordancia perfecta entre las partes de un todo.
Art Brut
Término acuñado en 1945 por Jean Dubuffet para referirse al arte creado por gente ajena al
mundo artístico sin una formación académica. Sus obras son el reflejo de una creatividad pura
sin contaminar por la imitación de modelos ya establecidos. Dubuffet afirma que todos llevamos
un potencial creativo que las normas sociales actuales anulan. Esto se observa en las creaciones
de personas que se mantienen al margen de la sociedad, tales como: internos de hospitales
psiquiátricos, autodidactas, solitarios, inadaptados o ancianos. Desde 1945 Dubuffet recoge
estas obras, fundando en 1948 la “Compagnie d´Art Brut” junto a André Breton, Michel Tapié y
otros. La colección formada llega a las 5.000 obras, que se exponen por primera vez en 1967 en
el Musée des Arts Decoratifs de París, instalándose definitivamente en 1976 en
el Château de Beaulieu de Lausana. La colección está formada en su mayoría por obras de
enfermos psiquiátricos, generalmente esquizofrénicos; pese a ello, Dubuffet rechazó siempre la
idea de “arte psiquiátrico” afirmando que “no existe un arte de los locos”. El art brut constituye
un aspecto fundamental del primitivismo asumido a lo largo de todo el siglo XX por ciertos
artistas que permanecen al margen de la modernidad.
Arte Conceptual
Es un movimiento artístico en el que las ideas dentro de una obra son de interés primordial, más importantes
que el objeto mismo.

La "idea" es la obra sobre sus aspectos formales, quedando el resultado final de la obra como mero soporte.

Movimiento que aparece a finales de los años sesenta y setenta con manifestaciones muy
diversas y fronteras mal definidas. La idea principal que subyace en todas ellas es que la
"verdadera" obra de arte no es el objeto físico producido por el artista sino que consiste en
"conceptos" e "ideas". Con un fuerte componente heredado de los "ready made" de
Marcel Duchamp , es el artista americano Sol Lewitt quien mejor define este movimiento en una
serie de artículos publicados en 1967 y 1969. En el arte conceptual la idea o concepto prima
sobre la realización material de la obra y el mismo proceso - notas, bocetos, maquetas, diálogos
- al tener a menudo más importancia que el objeto terminado puede ser expuesto para mostrar el
origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere
una mayor implicación del espectador no solo en la forma de percibirlo sino con su acción y
participación. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el
cuerpo o la naturaleza dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy
diferentes: body art, land art, process art, performance art , arte povera...
Arte Figurativo
Este término se usa para referirse a la representación de imágenes reconocibles del mundo que
nos rodea, a veces fieles y exactas, y otras, sumamente distorsionadas.
Arte-objeto
Obra de arte hecha de piezas u objetos cotidianos, ensambladas entre si formando una escultura,
es un fenómeno del siglo XX. A menudo se usa lámina de metal, pero cualquier material es
conveniente. Estas piezas se unen entre sí con técnicas de engomado, soldado o atornillado. El
ensamble puede se combinado con otros conceptos que se encuentran dentro de la escultura
moderna como el uso del movimiento o la luz.
Assemblage
Es la expansión del lienzo hacia la tridimensionalidad a partir de la unión de materiales y
objetos comúnmente ajenos al terreno artístico, Duchamp y Picasso son los padres de esta
técnica.
Bajorrelieve
Ornamento, figura o composición esculpida que sobresale del fondo menos de la mitad de su
bulto.
Bestiario
Es un conjunto de animales que pueden ser reales o imaginarios representados a través del arte,
a menudo con significado simbólico. Su origen se encuentra en la literatura medieval.
Boceto
Esbozo, apunte o proyecto. Fase previa de realización o diseño de una obra de pintura, escultura
u otra arte decorativa. Por extensión, cualquier obra artística que no tenga forma acabada
.
Bronce
Es una aleación (mezcla) de cobre y latón, el bronce es uno de los más resistentes materiales
usados para la escultura pero no es fácil trabajar con él. El método más usado es el de bastidor,
donde el hueco del molde de la escultura es llenado con bronce derretido. El lustre y la
durabilidad del bronce lo ha hecho el material preferido para pequeñas esculturas pues puede
ser transportado maniobrado y admirado desde muchos puntos de vista sin que se dañe.
Bruñir
Pulir la superficie de un objeto.
Bulto Redondo
La escultura de bulto redondo es aquella obra aislada visible desde todos los ángulos y que
puede ser rodeada por el espectador. La escultura de bulto redondo se denomina también exenta.
Por su parte, el medio bulto es un bajo o medio relieve.
Busto
Retrato escultura o pintura que muestra la cabeza, cuello, hombros y la parte superior de los
brazos y el pecho.
Carboncillo/Carbonilla
Palo carbonizado que hace las veces de lápiz blando. Se utiliza para la ejecución de bocetos.
Caricatura
Un retrato en el que se ridiculiza o caracteriza de una forma distorsionada o exagerada al
modelo. La caricatura política como sabemos es la más popular, generalmente usada como un
arma contra la represión.
Carnación
El tratamiento pictórico de las carnes en la representación de la figura humana. Por
«carnaciones» se entiende las partes desnudas en las figuras pintadas o esculpidas, por oposición
a los ropajes.
Cera Perdida
La fundición a la cera perdida es un procedimiento que permite realizar obras de arte en metal,
conocido desde la Antigüedad. La primera fase consiste en realizar un modelo de la escultura en
arcilla que se recubrirá con una fina capa de cera; este modelo se recubre a su vez con arcilla
líquida o cualquier otra sustancia refractaria y se deja endurecer. Cuando se ha secado, se
practica un orificio en la pared superior y otro en la inferior. La cera es derretida y se deja salir
por el orificio inferior, dejando un espacio libre que se rellena con la colada de bronce fundido
que se vierte en el orificio superior. Una vez enfriado el metal, se rompe la capa exterior de
arcilla. Si se desea obtener una escultura que no sea maciza, debe utilizarse una alma interior
también de materia refractaria, como la arena.
Cinético, Arte
Expresión adoptada hacia 1954 para designar las creaciones artísticas fundadas en la
introducción del movimiento como elemento plástico dominante en la obra. Desde 1912
numerosos artistas experimentan con producciones cinéticas, como Larionov y Archipenko, para
pasar en los años 20 a las construcciones de Gabo y Moholy. Estos son los antecedentes de una
serie de creaciones que manifiestan la influencia del ambiente tecnológico de los 50, muchas de
ellas expuestas en la Galería Denise René de París en 1955 bajo el ilustrativo título de
“Le Mouvement”. Diez años más tarde la exposición “The Responsive Eye”, en el Museo de
Arte Moderno de Nueva York, supone la consagración oficial del arte cinético. Como
indica Frank Popper, el movimiento puede ser real o virtual. En el movimiento virtual los
efectos ópticos crean la ilusión de movimiento recurriendo a la psicología de la percepción; en
ello trabajan artistas como Víctor Vasarely, Bridget Riley o Jesús Rafael Soto, entre otros
muchos. El movimiento real se produce por medios naturales, como el viento en los móviles
de Calder, o por medios mecánicos, utilizando motores, como en ciertas obras de Tinguely. En
España el arte cinético está representado a través del Equipo 57 y de artistas notables como
Eusebio Sempere (1923-1985).
Cincelado
Técnica de orfebrería que consiste en labrar una pieza a golpes de martillo sobre el cincel. Se
distingue entre el cincelado sobre fundido o acabado, que tiene por objeto cortar los sobrantes de
metal de las piezas moldeadas y repasar los contornos; el cincelado de piezas, verdadera talla del
metal que el artista trabaja para dar forma; y el cincelado repujado, en el que el cincelador
transforma una lámina de metal en un bajorrelieve.
Clásico
El arte que pertenece o toma como referencia las obras de la Antigüedad grecorromana. Por
«clásico» se entiende asimismo el período del arte griego que abarca desde mediados del siglo V
hasta el 330 a.C., caracterizado por un naturalismo idealizado. Por extensión de este momento
del arte griego, considerado durante mucho tiempo la cumbre del arte occidental, así se
denomina al período artístico de mayor esplendor de cualquier cultura. Para algunos teóricos, y
por oposición a «romántico» o a «barroco», es clásica cualquier obra de arte en que predomine
el equilibrio, la mesura y la razón sobre la pasión o la exaltación.
CLAVES TONALES
Gradación de valores entre un tono y otro, desde el más claro al más oscuro,
independientemente de que sean escalas acromáticas, es decir grises, monocromáticas, de un
solo color, o poli cromáticas, de varios colores.
La valoración tonal puede ser en
CLAVE MAYOR: cuando además de los grises están presentes los extremos de la escala que
son el blanco y el negro puro.
CLAVE MENOR: cuando está presente el blanco o el negro (solo uno de ellos) además de los
grises.
ALTO CONTRASTE: cuando solo están el negro y el banco puro.

Collage
Un collage es un cuadro compuesto de diferentes trozos de materiales pegados sobre la superficie, puesto
que coller significa en francés pegar. Los materiales más usados suelen ser planos, como telas, cartón, papel,
fotografías, recortes de periódicos, trozos de plástico, etc. aunque se pueden adherir al cuadro elementos más
voluminosos, como prendas, cajas, objetos metálicos... También es frecuente que el collage se combine con
otras técnicas de dibujo o pintura, como el óleo, el grabado o la acuarela. El origen de la técnica se encuentra
en los papiers collés de los cubistas, que consistían en simples trozos de papel con un color plano, que se
adherían a los cuadros para aumentar los efectos de color absoluto. Pero el desarrollo absoluto del collage se
debe a los cubistas, siendo atribuido el primer collage de la historia a Picasso. La técnica tuvo mucho éxito
entre surrealistas y dadaístas.
Concreto, Arte
En el arte concreto está excluido todo ilusionismo; la obra y los elementos de los que consta se
presentan estrictamente en cuanto a lo que son, sin cualidades virtuales. Los materiales no
simulan nada que no sea ellos mismos. El eslogan “materiales reales, espacio real” se emplea
frecuentemente con respecto a esta forma artística.
El término fue acuñado en 1930 por Van Doesburg en su manifiesto “Arte Concreto”.
Correo, Arte
El Arte Correo o Arte Postal (AP), en inglés Mail Art, es un movimiento planetario de
intercambio y comunicación a través del medio postal. Su historia viene de antiguo, tanto
como el servicio postal, ya que es ese su medio de difusión, aunque puede rastrearse hasta sus
primeras manifestaciones en el grupo Fluxus (arte-diversión) o los neo-dadaístas.
Cristal
Vidrio muy fino y transparente, elaborado mediante la mezcla y fusión de arena de sílice con
potasa y minio. El «cristal de roca» es el nombre que recibe el cuarzo cristalizado incoloro,
utilizado en la estatuaria, la orfebrería y la joyería.
Devastar
Operación de eliminar la materia que no ha de utilizarse para el modelado o talla de una pieza.
Dibujo
Representación, por medio de líneas o sombras, de objetos reales o imaginarios. Suele hacerse a
lápiz, tinta, carboncillo o gis, o bien, combinando algunos de estos procedimientos. El lápiz
permite hacer líneas, así como trazos suaves o gruesos y sombreados difuminados.
Dibujar consiste en registrar las impresiones recibidas básicamente a través de la vista, sin
embargo, como no es posible presentar en un solo plano todos los aspectos de un objeto, el arte
del dibujo está en la capacidad del artista para sugerir. Por lo general, lo primero que hace el
creador es observar el modelo con el que trabaja o que imagina, repasa mentalmente sus rasgos
y hace apuntes sobre las líneas dominantes para luego incorporar los detalles. Se requiere
ligereza en el trazo y seguridad en la línea. Las técnicas de dibujo varían según el medio
empleado y la superficie sobre la que se dibuja. Entre las superficies sobre las que el ser
humano ha dibujado a lo largo de la historia se cuentan: cavernas, yeso, papiro, pergaminos,
seda, tablas, bloques de piedra, láminas de metal y, principalmente, sobre papel de distintas
consistencias y tonos.
Dibujo tonal
Procedimiento técnico del Dr. Atl:
Se coloca un papel blanco, se unta con una capa de polvo negro marfil, hasta obtener el tono
deseado, se sacan los brillos y trazos con un pequeño esfumino de fieltro y las luces con una
goma de borrar, este trabajo.
Dactiliforme
Que tiene forma de palmera. Termino empleado para denominar un tipo de capitel egipcio.
DADA
Movimiento artístico surgido durante la Primera Guerra Mundial y que se caracterizo por
rebelarse contra los valores artísticos tradicionales mediante formas de expresión absolutamente
irracionales y nuevas. El dadaísmo fue la respuesta de algunos artistas a un mundo considerado
fuera de quicio. Comenzó en el Cabaret Voltaire de Zurich, fundado el 5 de febrero de 1916 por
Hugo Ball, donde un grupo de creadores escandalizo al público con recitales de poesía, lecturas
de textos demenciales y actores disfrazados con elementos cotidianos. Así pretendían protestar
contra la ignorancia y la vanidad del hombre y lo hicieron con trabajos que cuestionaban todos
los valores vigentes hasta ese entonces y que no tenían relación con lo que hasta ese entonces se
entendía por arte. Algunos de sus representantes fueron Jean Arp, Richard Huelsenbeck,
Johannes Baader y quienes se bautizaron como dadaístas. Este término veía del concepto
francés de dada que significa “caballito de madera” y que fue encontrado por Hugo Ball al abrir
al azar una enciclopedia.
En su crítica a lo que ellos llamaban arte burgués, crearon un anti arte fuera de cualquier
encasillamiento histórico. Ejemplo de eso fue la creación que Marcel Duchamp expuso en 1913
en una galería: un botellero, la rueda delantera de una bicicleta y un urinario. Con ello quiso
decir que el arte no solo depende de la obra en si sino del contexto de su presentación. En los
años 1920, coincidió con el surrealismo. Representantes Dada fueron: Picabia, Arp, Duchamp,
Schwitters.
DEGRADADO
Transición gradual entre dos colores o tonos de un color. Antes de la “era digital” los
degradados solo se podían realizar con el aerógrafo. Actualmente los programas de ilustración y
maquetación incluyen la posibilidad de realizar degradados lineales, centrales, circulares.

DINTEL
Bloque de piedra o madera que coloca sobre las jambas o pies derechos de un vano, para
soportar las cargas.
DORICO
La más antigua fase de los tres estilos en que se divide el arte griego, durante el desarrollo de tan
brillante civilización llámese este estilo dórico, porque nació de la cultura de las tribus de la
Doria, que después de las guerras de Troya invadieron la Grecia. Eforo y Callistenes
consideraban esta época como el comienzo de la historia positiva de aquel gran pueblo. El
centro de la civilización dórica fue Esparta, de la que no se conserva sino insignificantes ruinas,
que parecen demostrar que son ciertas las palabras de Tucidides que dice que Esparta,<<mas
que una ciudad., es una reunión de villorrios donde no se ha buscado la magnificencia ni para
sus templos ni para otros edificios.
DRIpping
Mediante oscilaciones pendulares se deja chorrear la pintura desde un recipiente perforado sobre
un lienzo extendido en el suelo. Es una característica del <<Action Painting>> , una de las
modalidades de pintura abstracta. Y la mas típica a finales de los años 1940 por Jackson
Pollock, este procedimiento exige la actuación automática simultanea del artista excluyendo la
reflexión estilístico-formal.
EBRU
Técnica de pintura tradicional muy popular en Turquía, consiste en dibujar sobre una superficie
liquida. Con pintura que flota en el agua y una mano hábil para moldear cada color en cuestión
de segundos se forman las imágenes de un caballo, una rosa o un camello en el desierto.
ECLECTICISMO
En arte corriente estética que admira las obras maestras de todos los tiempos y estilos
2. Sincretismo, mezcla de estilos y modos.
Doctrina que consiste en escoger de un cuerpo de doctrinas aquellos aspectos mas favorables

Ecorchée
Voz francesa que indica la representación en dibujo o escultura de una figura sin piel, para
mostrar los músculos. De estas representaciones, que formaron parte de los estudios anatómicos
de numerosos artistas, existen muchos ejemplos realizados en el siglo XVI.
EFECTISMO
Afán de un artista por producir o causar gran efecto o de impresionar vivamente al espectador
por medio de la concepción de su obra.

ÈGLOMISÈ (TECNICA DE DIBUJO EN VIDRIO)


La palabra no tiene traducción al español. Es un término que se usa para describir la aplicación
de la hoja de oro sobre un vidrio con un adhesivo de gelatina.
Los diseños se pueden dibujar/ rayar en la hoja oro con una aguja fina que crea minuciosos
detalles. El lado del dibujo es el reverso, ya que la imagen final se ve a atreves del cristal, en
sentido contrario. Se cree que la técnica de Verrre Eglomise tiene miles de años de antigüedad,
pero su apogeo se produjo en el S. XV!!! Cuando el decorador francés Juan-Baptiste Glomy
(1711-1786) asesor parisino de los Reyes Luis XV y Luis XVI, fue el responsable de su
renacimiento y, en consecuencia, su nombre se convirtió en sinónimo del procedimiento
decorativo. Eglomise.
ENCAUSTICA
Técnica pictórica, que tuvo gran desarrollo en Grecia y en Roma durante la antigüedad, consiste
en pintar con colores disueltos en cera de abejas y aplicarlos en caliente. La cera resulta una base
estable para el color: no amarillea ni se oxida, tampoco se contrae, es poco sensible al agua y
resistente a los ácidos. Para la aplicación de los colores se utiliza, además del pincel, los
cauterios (laminas de bronce para extender el color) y espátulas. La cera se calienta sobre
braseros o estufillas y se aplica mezclada con el color en estado fluido y caliente. Esta operación
exige una gran habilidad en el manejo de la materia. Además de aplicarse sobre muros, esta
técnica se utiliza sobre objetos y tablas, especialmente en Egipto, donde se han conservado
sarcófagos decorados de esta manera.
Escorzo
Representación en profundidad, respecto al plano vertical del cuadro o figura.
Escultura
Arte de modelar, de tallar y esculpir en barro, piedra, madera, metal u otra materia conveniente,
representando de bulto un objeto, real o imaginario, una figura, etc.
- Obra de un escultor.
- Fundición o vaciado que se forma en los moldes de las esculturas hechas a mano.
ESFUMATO
Difuminado de contornos en pintura característica de Leonardo da Vinci.
ESGRAFIADO
CERAMICA- Decoración que se lleva a cabo sobre piezas crudas, engobadas y todavía
húmedas, raspando sobre el engobe determinados diseños y dejando al descubierto el color de la
arcilla del cuerpo de la pieza. También se lo conoce como sgraffito.

CONSTRUCCION- Es una técnica ornamental arquitectónica que en España es de origen


mudéjar aunque su uso es milenario y conocido por etruscos y egipcios. Esta técnica decorativa
mural, consiste en enlucir en dos tiempos, primero se aplica una capa de mortero que puede
estar teñido de algún color. Una vez seco se aplica una segunda capa con otro color y antes de
que esta seque, sobre esta superficie lisa, enlucida y fresca aun, se raspa o levanta la primera
capa de enlucido, de acuerdo con un dibujo previo, consiguiendo de esta forma, el contraste
entre tonalidades diferentes. El dibujo se aplica mediante una plantilla de estarcido y se va
acometiendo el muro, no de una vez, sino por pequeñas áreas de aproximadamente un metro
cuadrado. Segovia es un magnifico y profuso ejemplo de esta técnica decorativa que es una de
las señas de identidad de la ciudad.
ESTARCIDO
Sea cual fuere el estilo decorativo que vamos a utilizar, esta técnica es una de las más fáciles
económicas formas de decorar cualquier superficie plana. Consiste en estampar sobre una
superficie el dibujo que queda en el hueco de una plantilla perforada (trepa), pasando sobre ella
un pincel o trapo empapados en pintura: se emplea principalmente como técnica decorativa.
El estarcido es una técnica primitiva y extendida universalmente. El mas antiguo que se conoce
se encuentra en España, donde se ha localizado un panel de manos con una antigüedad de
66.000 años.
Estatua
Obra de escultura en bulto redondo representando la figura humana.
ESTILO TIPOGRAFICO INTERNACIONAL
El estilo tipográfico internacional (international typographic style), también conocido como
Estilo Suizo (swiss style), es un estilo de diseño grafico que surgió en Rusia, los países bajos y
Alemania en la década de 1920 y fue desarrollado por diseñadores en Suiza durante los años 50.
Ha tenido una profunda influencia en el diseño grafico como parte del movimiento modernista,
afectando a muchos campos relacionados con el diseño, incluyendo la arquitectura y el arte.
Enfatiza la limpieza. La legibilidad y la objetividad. Las características distintivas del estilo son
los diseños asimétricos, el uso de una cuadricula y los tipos de letra sans-serif como la univers o
hevética. El estilo también se asocia con una preferencia por la fotografía en lugar de
ilustraciones o dibujos. Muchos de los primeros trabajos de estilo tipográfico internacional
incluyeron la tipografía como un elemento de diseño principal, es por esto que se nombra el
estilo. Las influencias de este movimiento grafico aun se pueden ver en la estrategia y la teoría
de diseño a día de hoy.
Estofado
Dorar una superficie
Entre doradores, la técnica que consiste en raspar la capa de color aplicada sobre el dorado de
una madera con un instrumento punzante, formando de este modo un diseño o dibujo. Es una
especie de esgrafiado sobre oro. Fue muy frecuente en la imaginería española barroca para la
decoración de ropajes. Por estofar también se entiende blanquear una escultura en madera para
dorarla y bruñirla después, así como pintar sobre el fondo dorado motivos al temple.
ESTUCO
Masa compuesta de cal apagada, Creta o tiza, agua cola y mármol blanco pulverizado: la cual
pulida y colorida según conviene, se emplea en arquitectura para revestimientos y adornos,
imitando el jaspe o el mármol. También se da el nombre de estuco a la argamasa hecha de cal y
arena dulcificada, sobre la cual, extendida en la pared, o en cualquiera otra superficie, se pinta al
fresco.
EXPRESIONISMO
Este término da nombre en los primeros años del siglo XX al estilo que reacciona frente al
impresionismo y al Jugendstil en Alemania, al igual que ocurre en Francia o Italia como el
cubismo o futurismo. Asimismo se utiliza para denominar un clima de desencanto frente a la
estructura social y política de la Alemania de Guillermo II y engloba además al resto de las
manifestaciones artísticas. Dos grupos en Alemania se consideran específicamente
expresionistas. "Die Brücke"(El Puente) fundado en 1905 en Dresde y "Der Blaue Reiter" (El
jinete azul) en Múnich (1911), Desde una posición postromántica, el expresionismo en sus
comienzos se centra en la utilización del cuadro para expresar sentimientos humanos de un
modo muy libre, con fuerte colorido y dibujo agresivo. Ahondan en la deformación y el color
adquiere contenidos emocionales. Las fuentes de inspiración de los artistas de "Die Brücke" son
Van Gogh, Gauguin y Munch; la escultura primitiva de África y Oceanía, y los grabados
alemanes en madera. Se proponen una renovación del lenguaje artístico al tiempo que
los fauvistas y los primeros cubistas, pero éstos llevan al extremo la idea de la deformación
subjetiva. Son artistas que tienen clara conciencia de grupo. Kirchner, Heckel, Bleyl y Smichdt-
Rottluff, a los que se unen Nolde y Pechstein, se trasladan de Dresde a Berlín en 1910, justifican
sus ideas en escritos teóricos y editan periódicamente carpetas de grabados, todo ello
documentos de primer orden. En 1913 la "Crónica" de Kirchner provoca la disolución del grupo
"En 1911 Kandinsky y Marc lideran la formación del "Blaue Reiter", sin un programa
ideológico tan claro pero tendente a la búsqueda de una renovación espiritual que les conduciría
a la abstracción y que pronto tiene eco internacional. Marc y Macke mueren al inicio de la
guerra en 1916 y cada artista inicia un trayecto diferente.
EXPRESIONISMO ABSTRACTO
El expresionismo abstracto es un movimiento que nace en Estados Unidos hacia 1947, fecha en
la que la mayor parte de los artistas más importantes de esta corriente se apartan del lenguaje
figurativo y crean un nuevo estilo en donde se fusionan abstracción y surrealismo. De éste
toman el automatismo, además de experimentar con nuevas técnicas practican un arte
marcadamente individualizado en el que prima la expresión de la personalidad del artista. La
época de mayor auge de este movimiento coincide cuando el arte americano logra alcanzar su
propia identidad y desvincularse de la influencia del arte europeo. La presencia de importantes
artistas de las vanguardias europeas en Nueva York tras el estallido de la Segunda Guerra
Mundial, y en especial la del grupo surrealista en pleno determina e influye de manera decisiva
en el nacimiento de esta nueva corriente. En el expresionismo abstracto se pueden distinguir dos
grandes vías: la gestual o "pintura de acción" ("action Painting") y la "pintura de superficie -
color" ("color field- Painting"). En la "pintura de acción" encontramos artistas como Pollock,
de Kooning, Kline, Motherwell, Gorky y Hoffmann. Estos artistas conciben la creación pictórica
como un verdadero ritual y utilizan la pintura para dar rienda suelta a sus estados de ánimo. La
"pintura de superficie-color" centra su interés en las diferentes posibilidades de ciertas
yuxtaposiciones cromáticas y en la combinación de colores en superficies generalmente de
grandes dimensiones. Mark Rothko, Clifford Still y
Barnett Newmann aparecen vinculados a esta vía.
Exvoto
Cualquier tipo de testimonio generalmente trabajado de forma artística que se lleva como
ofrenda a un ser sobrenatural en cumplimiento de una promesa.
Factura
En Bellas Artes, ejecución, manera de ejecutar una cosa. La buena o mala factura de un obra
indica su buena o mala ejecución.

Fauvismo
Movimiento que surge de la unión de una serie de amigos en contra del arte académico y de los
planteamientos que derivan del impresionismo y conceden más importancia al fenómeno de la
visión que a la percepción total. Lo forman tres grupos de artistas que proceden de lugares
diferentes: Matisse, Manguin, Camoin y Marquet, discípulos
de Gustave Moreau; Dufy, Friesz y Braque, de El Havre, y Derain y Vlaminck, de Chatou.
Aunque ya pintaban desde 1902, el grupo toma conciencia de si mismo en el "Salón de Otoño"
de 1905, cuando el crítico Louis Vauxcelles les denomina "fauves"(fieras), y en el "Salón de
Independientes" de 1906. Admiran la pintura de Van Gogh y de Gauguin y bajo el liderazgo
de Matisse optan por la utilización arbitraria del color como elemento estructural y expresivo. Se
sitúan así cercanos al expresionismo, pero sus composiciones buscan el equilibrio mediante el
color puro y sin mezclas. El dibujo se limita a sugerir los límites de las formas por lo que el
fauvismo supone el triunfo del color frente a él. Aunque el movimiento carece de escritos
teóricos y manifiestos y su existencia es corta en el tiempo, ya que sus miembros se disgregan a
partir de 1908, es la primera de las revoluciones de arte del siglo XX y trasciende su influencia a
"Die Brücke" y "Der Blaue Reiter".
Figulino
Objeto o estatuilla hecho en barro cocido.

Fundición
Técnica para obtener esculturas en metal. Se conocen dos procedimientos, la fundición a la cera
perdida y a la arena. Este último consiste en fraccionar la pieza en diversas partes, que se
moldean en cajas rellenas de arena y en las cuales se vierte el bronce líquido. Posteriormente las
distintas piezas se unen mediante remaches. Este procedimiento permite hacer tiradas en serie de
una misma pieza.
FALLENBILD (CUADRO CASUAL)
Técnica practicada por Daniel Spoerri que consiste en fijar los restos de una situación sobre su
base casual, considerando como cuadro el relieve resultante. Spoerri emplea esta técnica
preferentemente con restos de comida, fijando con resina sintética los objetos sobre la mesa.
FLUXUS
El termino designa un movimiento de artistas que no trabaja bajo el signo de una misma
poética, sino que se mueve bajo el objetivo de recrear la experiencia artística de modo
alternativo y liberatorio. Son los indicadores del Happening y la Performance.
La palabra <<Fluxus>> significa flujo, diarrea, movimiento imparable hacia un empeño
mas ético que estético.
<<Fluxus>>, que se desarrolla en Norteamérica y Europa bajo el estimulo de la obra de
John Cage, no mira a la idea de vanguardia como renovación lingüística, sino que
pretende hacer un uso distinto d los canales oficiales del arte separado de todo lenguaje
especifico.
Es decir, pretende la interdisciplinaridad y la adopción de medios y materiales procedentes
de diferentes campos. El lenguaje no es el fin, sino le medio para una noción renovada del
arte, entendido como <<arte total>>. La experiencia artística, obra o evento, da ocasión
para lograr una presencia y un signo d energía en el ámbito de la realidad. De este modo
<<Fluxus>> actúa como frente móvil de personas y no como grupo cualificado de
especialistas, que mas que la táctica de experimentación de nuevos lenguajes persigue la
estrategia del contagio social, la posibilidad de crear una serie de reacciones en cadena,
ondas magnéticas por debajo y por encima del arte.
<<Fluxus>> fue promovido en 1962 en Norteamérica por George Maciunas. La primera
manifestación colectiva <<Fluxus Internationale Festspiele>> tuvo lugar en Wiesbaden, en
septiembre de 1962.
Artistas como Joseph Beuys, Yoko Ono entre otros, trabajaron bajo la influencia de
Fluxus.
FOTOMONTAJE
Unión de fotografía o productos impresos en un collage. Introducido por los dadaístas como
medio artístico en los años 20.
FRESCO
Pintura sobre muro de argamasa de arena y cal y con pigmentos minerales mezclados con agua y
cola.
Este término se suele usar erróneamente para describir muchas formas de pintura mural pero el
verdadero fresco se basa en un cambio químico. Se trata de colores de tierra, molidos y
mezclados con agua pura que se aplican sobre una argamasa reciente, de cal y arena, mientras la
cal esta en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmosfera, la cal se
transforma en carbonato cálcico, de manera que le pigmento se cristaliza en el seno de la pared.
Según los entendidos, los procedimientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos, y
consumen muchísimo tiempo.
FROTTAGE
(DEL FRANCES FROTTER, “FROTAR”)
Es una técnica artística que consiste en frotar un lápiz sobre una hoja colocada sobre un objeto,
consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese objeto. Se puede hacer también con
lápices de colores, o pintar sobre el primer esbozo. Fe ideado por el pintor surrealista Max Ernst
en 1925.
Esta técnica se basa en reproducir la textura de diferentes objetos con resultados en muchos
casos sorprendentes sobre el papel; por ejemplo: una moneda, una hoja seca de árbol, etcétera;
frotando con una barra de color, un lápiz de grafito o de colores, con ceras, u otros materiales
que permitan atrapar la textura en la hoja de papel.
FUSTE
El fuste es la parte de columna colocado entre la basa y el capitel, y son lisos, estriados o
adornados con imbricaciones. El fuste, en los órdenes clásicos se ajusta a proporciones
determinadas, imoscapo, es el diámetro inferior del fuste, y sumoscapo el extremo superior que
se une al capitel.
FUTURISMO
Movimiento literario y artístico surgido en Italia hacia 1909-1916, en el que destacaron Balla,
Boccioni y Severini. Defendía la ruptura con el pasado artístico y perseguía integrar al arte en lo
que consideraba el glorioso mundo moderno de la velocidad, la violencia y la guerra.
GÁRGOLA
(Del francés gargouille > gargouiller «producir un ruido semejante al de un líquido en un tubo»,
latín gurgulio y griego γαργαρίζω «hacer gárgaras») es la parte sobresaliente de un caño que
sirve para evacuar el agua de lluvia de los tejados. En la arquitectura de la edad media,
especialmente en el arte gótico, son muy usadas en iglesias y catedrales y suelen estar adornadas
mediante figuras intencionadamente grotescas que representan hombres, animales, monstruos o
demonios. Esto se mantuvo, aunque con menor desarrollo, en la arquitectura renacentista
española o incluso en algunas iglesias barrocas.
Giclée
Es el proceso de imprimir una obra de arte por medio de una fuente digitalizada y una impresora
de chorro de tinta de alta calidad, generalmente sobre canvas o papel muy fino, aunque esta
impresión podría ser sobre cualquier material.
Giclée corresponde a los conceptos de Fine Art o Iris Print.
GEOGLIFOS
Grabados de gran tamaño realizados sobre la tierra como los que se encuentran en las planicies
de Nazca, Perú.
GLÍPTICA
Término que indica el arte de tallar y cortar las piedras preciosas y las piedras duras para hacer
con ellas objetos decorativos y de uso (del griego “tallar”). Esencialmente concierne a dos
grupos de productos: los camafeos, que se obtienen por el trabajo en relieve de una piedra
(sardónica, ónice, diaspro, ágata) en capas de diferente color, de modo que se obtengan figuras
claras sobre fondos oscuros; y las piedras preciosas, que al ser talladas en profundidad, en el
pasado se utilizaban como sellos. La piedras empleadas son numerosísimas: ágata, amatista,
aragonita, calcedonia, cornalina, cristal de roca, diaspro, jade, granate, lapislázuli, malaquita,
olivastro, ónice sardónica, mármol serpentino, turquesas.
GOFRADO
La técnica del gofrado se aplica a muchas disciplinas de las artes como el grabado, el repujado
en cuero o la impresión. Básicamente consiste en estampar sobre la superficie para obtener
relieves. En Grabado se llama también aguafuerte profundo y consiste en la estampación de una
plancha grabada acentuando las texturas y los relieves, habitualmente no se entinta. Se realiza
protegiendo las partes de la plancha que no queremos que sean atacadas por el ácido, mediante
barniz. Luego se sumerge en un mordiente, dejando más tiempo de lo habitual en inmersión,
para acentuar los relieves.
En el trabajo sobre cueros se realiza por medio del calor y la humedad. En otras palabras la piel
se graba con los bronces calientes presionando sobre esta previamente humedecida.
En artes gráficas recibe también el nombre de golpe seco pues se obtiene el relieve sobre el
papel, estampando con fuerza la matriz metálica sobre el pliego de papel.
GOMA LACA
Sustancia secretada por el insecto llamado cochinilla de la laca y que se utiliza para fabricar un
barniz, también llamado goma laca, que se utiliza en ebanistería y se aplica frotando la madera
con un paño o hilos de algodón impregnado de barniz.
Gouache
Técnica similar a la acuarela. En el gouache los pigmentos están aglutinados con cola o
mezclados con pigmento blanco. Aunque carece de la delicada luminosidad de la acuarela, es
más sustancioso que ésta y su textura se parece a la de la pintura al óleo. Además, la tendencia
de los colores del gouache a aclarar a medida que se secan permite una amplia gama de efectos
nacarados. También conocido como témpera.
Grabado en Madera
El grabado consiste en realizar una serie de incisiones sobre una superficie, la cual, entintada, se
aplica sobre un papel para obtener una imagen determinada. La ventaja de esta técnica es que a
partir del original pueden conseguirse infinidad de ejemplares idénticos, tantos como veces pase
la plancha por la prensa. El grabado en madera o xilografía parte de una matriz tallada en
relieve. Para realizarlo, se tallan con un cuchillo o gubia las partes del dibujo que se quieren
dejar en blanco y sólo se entintan las que permanecen en relieve, que son las que darán luego la
imagen. Este procedimiento se puede realizar sobre madera (xilografía) o sobre planchas de
linóleo (linografía).
Grabado en Metal
Consiste en sumergir una plancha metálica en una solución ácida capaz de “atacar” el metal,
cuyas caras deben ser protegidas por un barniz insoluble en el agua y en el ácido, éste sólo
corroe (es decir, hace que queden más hundidas) las partes descubiertas y produce unas
hendiduras que son los negros. Las superficies no atacadas constituyen los blancos. A los
grabados en metal se les llama aguafuerte y aguatinta.
GRAFITO
El grafito es una forma de carbono que se produce de forma natural y cristalizada. Es el núcleo
del lápiz y se usa como medio de dibujo. El grafito se usó por primera vez para hacer marcas
después de que se encontró un depósito del mineral en el siglo XVII en Inglaterra. El grafito era
extremadamente suave y rompible, y finalmente se colocó dentro de soportes de madera para
protegerlo del usuario. A finales del siglo XVIII, Nicolas-Jacque Conté descubrió que el grafito
en polvo se podía mezclar con arcilla, luego formar palos y hornear. Esto permitió el ajuste de la
dureza o suavidad del instrumento de escritura. Las mezclas más suaves hicieron marcas más
oscuras, más saturadas, mientras que una combinación más dura podría usarse para crear líneas
muy precisas.
El grafito es un medio versátil que se puede utilizar para crear líneas de muchas cualidades, en
parte debido al hecho de que su dureza puede variar. Si bien se usa a menudo en papel, el grafito
se puede aplicar a muchos soportes, incluidos lienzos y madera.
Grisalla
Es una técnica pictórica basada en una pintura monocroma, ésta da una sensación de relieve
escultórico. En el S. XIV era muy utilizada en bocetos y dibujos.
Da un efecto de relieve al lograr un claroscuro con diversas gradaciones de un solo color,
generalmente gris y algunas veces con ocre, buscando un color que asemeje a la piedra.
La grisalla se usaba en representaciones religiosas para el tiempo de cuaresma. También se
usaba en vidriería.
Gubia
Especie de cincel vaciado y tallado en bisel cortante, utilizado por los escultores
HAPPENING
Fusión de arte, teatro y danza representada ante una audiencia, que a menudo supone
participación. El término fue acuñado por el artista Allan Kaprow en 1959 y procede del título
de su espectáculo multimedia en la galería Reuben de Nueva York, que tenía como título 18
happenings en 6 partes. Provenientes de las escenificaciones dadaístas en el cabaret Voltaire de
Zurich y de las actividades del grupo de Gutal japonés, los happenings intentaron llevar el arte a
un público más amplio. Fueron utilizados especialmente por el grupo Fluxus y algunos artistas
pop, entre ellos Dine, Oldenburg y Warhol.
También se dice que la palabra la usa por primera vez el compositor John Cage, que siendo
profesor de Black Mountain, organizó su primer happening. (El término en sí es atribuible al
estudiante de Cage, Allan Kaprow)
HARD-EDGE
Tendencia dentro de la pintura Colour field que dispone cada superficie de color en formas
claramente definidas, casi siempre geométricas, separando una de otra mediante contornos
precisos.
Hieratismo
Término que se aplica a las figuras esculpidas o pintadas, en las que predomina una actitud
monumental, majestuosa y rígida, y más especialmente al arte egipcio.
HIPERREALISMO
Movimiento surgido como reacción frente al arte abstracto y al movimiento conceptual a
comienzos de los años setenta. Utiliza la fotografía en lugar de la representación directa para
elaborar sus obras. La fotografía, con una precisión mucho mayor que la del ojo humano, le
permite al artista lograr una representación de la realidad que va mucho más allá de la realidad
percibida por el espectador. En esa distancia – en la que ambas imágenes discrepan – es donde
surge aquello que algunos han definido como «más verdadero que lo real», o en palabras de
Howard Kanovitz: «todo es como es y sin embargo es distinto de cómo se nos aparece.»
HIPOGEO
Tumba en subterránea. Excavadas en las rocas, con varios pasillos de acceso que llevaban a
cámara mortuoria de faraón. Destacan los hipogeos del Valle de los Reyes y de las Reinas cerca
de Tebas. El mas conocido es la tumba del faraón Tutankamon.
HIPÓSTILA
Son estancias cuyos techos planos están sostenidos por columnas (de hipo bajo, y stylos,
columna). Mezquita con columnas como la de Córdoba es el modelo de mezquita hipóstila.
Además de ésta hay otros dos tipos de mezquita: la de planta central con cúpula y la de patio con
cuatro iwanes o pórticos abiertos.
Iconografía
Disciplina que se ocupa de la descripción y clasificación de los símbolos y de los temas en las
obras de arte, así como de su origen y desarrollo a lo largo de la historia; las dos grandes series
iconográficas del arte occidental son la mitología clásica y la cristiana.
Iconología
Disciplina que estudia el significado intrínseco de la obra de arte, interpretando los símbolos,
atributos, alegorías y emblemas utilizados por los artistas para la representación de personajes
históricos o mitológicos, o de ideas abstractas. En última instancia, intenta entender una obra de
arte en relación a un ambiente cultural en el que símbolos e imágenes adquieren valores y
significados especiales.
Imaginería
Talla o pintura de imágenes sagradas.
IMBRICACIÓN
Disposición de las tejas, láminas u otros objetos, de modo que uno cubre parcialmente al otro.
Se trata de un verbo que refiere a la acción de disponer diversos elementos iguales para que
se superpongan de manera parcial.
Más allá de su significado literal, imbricar puede usarse como pronominal o en sentido figurado.
El concepto se utiliza como involucrar, insertar o integrar.
IMPASTO
Es una técnica utilizada en pintura, donde la material se coloca en un área de la superficie en
capas muy gruesas, por lo general suficientemente gruesa como para que sean visibles los trazos
del pincel, cuchillo de paleta o los propios dedos. La pintura también se puede mezclar
directamente sobre el lienzo.
Incrustación
Procedimiento decorativo consistente en vaciar parcialmente un fondo y engastar pequeñas
piezas de otra materia distinta, generalmente preciosa (piedras, metales, maderas) formando
diseños y motivos ornamentales.

(tabla con incrustaciones)


INFORMALISMO
Movimiento pictórico clasificado dentro de la abstracción no geométrica. «Lo informal es la
‘forma irregular’ que no ofrece la regularidad de lo geométrico ni de lo orgánico. El
informalismo no sólo se opone a la pintura basada en la construcción con formas, sino a todo
tipo de composición o estructura precisa, oponiendo a ella la indeterminación y el
aprovechamiento del azar. La indeterminación hace que el color pueda a la vez ser materia y
viceversa, y el trazo o la línea puedan ser color.» (Aldo Pellegrini) Variantes: «tachismo (ver),
pintura matérica» (basada en la preeminencia de la materia), pintura caligráfica (signos).
INSTALACIÓN
Empleada inicialmente para designar el proceso de colocación de las obras en el marco de
galería, la instalación ha llegado a significar también un tipo diferenciado de hacer arte. En el
arte de instalación, los elementos individuales dispuestos dentro de un espacio dado puede verse
como una obra única y a menudo ha sido diseñados para una galería en particular (véase
Tiravanija y West). Estas obras se llaman específicas de un lugar y no pueden ser reconstruidas
en ningún otro: el marco forma parte de la obra en la misma medida que las cosas que contiene.
Los primeros ejemplos del arte de instalación aparecieron a finales de la década de 1950 y
comienzos de la de 1960, cuando artistas pop como Warhol comenzaron a diseñar entornos para
happenings, y sus ejemplos característicos suponen dramatizaciones teatrales del espacio
(busque Kabakov y Haacke). Las instalaciones son con frecuencia temporales, y, debido a que a
menudo son invendibles, la mayoría de las instalaciones permanentes se crean específicamente
para grandes colecciones particulares.
INTERSTICIOS
(Mosaico) los intersticios son los espacios que quedan entre las teselas y juegan un papel
fundamental en la elaboración del mosaico y en el efecto final del mismo. La textura y el color
del cemento o la lechada utilizada para rellenar los intersticios pueden cambiar absolutamente el
efecto del mosaico y ello debe tenerse muy en cuenta a la hora de planificar el diseño de un
mosaico.
JAMBA
Cada uno de los elementos verticales que sostienen un arco o dintel de puerta o ventana.
JASPEADO
En pintura decorativa, se define con este nombre a la técnica que consiste en producir ciertos
entramados y efectos por medio de colores preparados de forma tal que floten en un líquido
viscoso. Al flotar se van disponiendo en entramados, que se trasladan a una lámina de papel por
contacto dejando caer suavemente este sobre el citado preparado.
JATAM (o Khatam)
Es una forma persa de marquetería, una forma de arte que se caracteriza por usar piezas de
madera, metal, hueso y otros materiales para decorar productos de madera. Es practicado por
artistas iraníes desde el Imperio safávida (1501-1736) cuando los Jatam fueron tan populares
que incluso los príncipes lo estaban aprendiendo. La forma de arte decayó después de la caída de
la dinastía safávida en el siglo XVIII, pero fue revivida durante el reinado de Reza Shah (1925-
1941). Hoy, los principales centros de Khatam-kari son Teherán, Shiraz e Isfahan.
La técnica consiste en patrones que por lo general se hacen en forma de estrella, con la
incorporación de tiras finas de diversas maderas de latón para las partes doradas y normalmente
hueso de camello, —el marfil, el oro y la plata también se usan especialmente para
coleccionistas— . Estas barras o tiras se ensamblan primero en haces triangulares, se vuelven a
ensamblar y se pegan en paquetes en un orden estricto para formar un cilindro de unos 70 cm.,
cuyo corte muestra la unidad básica de la decoración final por ejemplo: una estrella de seis
puntas contenida en un hexágono. Estos cilindros se cortan en cilindros más cortos, luego se
comprimen y se secan entre dos placas de madera, antes de someterse a un corte final que
produce rodajas de aproximadamente 1 mm de espesor. Estos últimos están listos para ser
chapados y pegados al objeto de soporte y ser decorados antes de ser laqueados.
De esta delicada artesanía son herederas las tradicionales cajas de marquetería que se fabrican en
Granada y otras capitales como Toledo.
KIRIGAMI
El kirigami es el arte y la técnica de cortar el papel dibujando con las tijeras. Se diferencia
de los «recortables» en que estos últimos necesitan de un trazo o dibujo previo y en el kirigami
se recortan las figuras directamente con las tijeras, lo que lo convierte en una técnica muy
creativa. Su término deriva de las palabras japonesas kiru, que significa cortar, y gami, papel. El
kirigami tiene muchas variantes. El kirigami milenario practicado en oriente desarrolla modelos
decorativos y muy artísticos. Hay un kirigami arquitectónico que usando cuchillas desarrolla
modelos muy elaborados. También existe una variante educativa del kirigami, desarrollada
especialmente en Sudamérica, la cual se usa como técnica y material educativo. Para ello se han
creado dinámicas, juegos y aplicaciones didácticas del recorte del papel.
KITSCH
Estilo de objetos que se inscribe dentro de lo que llamamos mal gusto.
Son característicos del kitsch: los materiales disfrazados (yeso pintado como mármol, plástico
imitando oro), los elementos sentimentales (enanitos de jardín, familia perfecta, hadas y
princesas), la inutilidad (souvenirs turísticos, artesanía prefabricada, gadgets).
KOLAM
Es un dibujo que se realiza mediante el uso de harina de arroz o tiza en polvo, en Tamil Nadu,
Karnataka, Andhra Pradhesh, Kerala y algunas partes de Goa, Maharashtra, Indonesia, Malasia,
Tailandia y algunos otros países asiáticos. Un Kolam es un dibujo lineal geométrica compuesta
por bucles curvados, elaborado en torno a un patrón de cuadrícula de puntos. En el sur de India
es ampliamente practicado por las mujeres hindúes miembros de la familia frente a sus casas.
Los kolams son conocidos regionalmente por diferentes nombres en la India, Raangolee en
Maharashtra, Aripan en Mithila , Hase y Raongoli en Canarés y en Karnataka, Muggulu en
Andhra Pradhesh, Golam en Kerala, etc. Kolams más complejos de dibujo y color, a menudo se
elaboran durante las vacaciones o eventos especiales.
LAND-ART
En la década de 1960, un grupo de artistas pioneros apartó la vista del entorno de la galería o el
museo y se orientó hacia los abundantes recursos de la naturaleza. Así nació el
movimiento Land Art, un arte que utiliza los elementos naturales de un paisaje como medio.
Para ver una pieza de Land Art, el visitante debe viajar a su ubicación y, a veces, ver la obra
desde un punto de vista particular. A menudo, los artistas documentan la obra de arte a través de
fotografías y mapas, que pueden mostrar en una galería. Quizás el ejemplo más famoso de este
arte sea el embarcadero en espiral «Spiral Jetty» de Robert Smithson de 1970, una escultura
monumental de una bobina sinuosa formada por miles de toneladas de rocas de basalto y tierra.
La escultura solo puede verse completamente desde un punto de vista aéreo. Otra pieza bien
conocida de Land Art es «Sun Tunnels» de Nancy Holt (1976), que consiste en cuatro grandes
tubos de concreto dispuestos en forma de cruz abierta en el desierto de Utah. Holt seleccionó las
ubicaciones de los tubos para que encuadrasen perfectamente el amanecer y el atardecer de los
solsticios de verano e invierno.
Richard Long creó piezas efímeras de arte terrestre, de las cuales su documentación sigue siendo
el único elemento permanente. Hizo su trabajo «A Line Made By Walking» (1967) caminando
hacia adelante y hacia atrás muchas veces en un campo de hierba, hasta que se formó una línea
distintiva. Long luego hizo una fotografía de la obra, después de lo cual la ubicación volvió a su
estado original, borrando la línea. Muchos artistas asociados con el movimiento Land
Art también hacen obras escultóricas para exhibir en galerías con materiales naturales.
LÁPIZ
Desde su invención, el lápiz (mejor dicho lápiz de grafito) es una herramienta indispensable para
todos los artistas. El grafito es una forma de carbono que se produce de forma natural y
cristalizada que frecuentemente forma el centro de un lápiz y se usa como medio de dibujo. El
grafito se usó por primera vez para hacer marcas después de que se encontró un depósito del
mineral en el siglo XVII en Inglaterra. El grafito era extremadamente suave y rompible, y
finalmente se colocó dentro de soportes de madera para protegerlo del usuario. A finales del
siglo XVIII, Nicolas-Jacque Conté descubrió que el grafito en polvo se podía mezclar con
arcilla, luego formar palos y hornear. Esto permitió que el suministro del material valioso se
racionara, y también permitió el ajuste de la dureza o suavidad del instrumento de escritura. Las
mezclas más suaves hicieron marcas más oscuras, más saturadas, mientras que una combinación
más dura podría usarse para crear líneas muy precisas.
El grafito es un medio versátil que se puede utilizar para crear líneas de muchas cualidades, en
parte debido al hecho de que su dureza puede variar. Si bien se usa a menudo en papel, el grafito
se puede aplicar a muchos soportes, incluidos lienzos y madera.
LETTERING
Letras y letreros realizadas a mano. Hoy es una tendencia de moda y se usa para carteles y
rótulos. El lettering se ha convertido hoy en una disciplina puramente artística de la rama del
diseño gráfico que tiene una gran variedad de aplicaciones este ámbito y en el de la
comunicación.
Hoy está muy especializado y hay diversos tipos de lettering. El Brush Lettering es el que más
se parece a la caligrafía tradicional, con letras ligadas y se utilizan pinceles o rotuladores con
punta pincelada. El Chalk Lettering tiene como soporte la pizarra, por lo tanto su instrumento
para pintar es la tiza. Es un estilo muy libre que admite en un mismo letrero diversos tipos de
tipografías.
LEVKOS
(del Ruso) Compuesto para preparar las tablas donde se pintan los Iconos. Es una mezcla de cola
de conejo, sulfato de cal o polvo de alabastro con unas gotas de aceite de oliva para facilitar su
buena extensión. A la tabla se les da de ocho a diez capas que forma la base. Después de lijarla
se pule para que quede suave como el cristal. Sobre esta base se graba el dibujo.

Limpieza de polvo en obras al óleo


Se recomienda una solución que imita a la saliva por su propiedades en minerales y agua que
preserva el lienzo o tabla actúa sobre el polvo sin dañar la pintura. Se utilizará un hisopo para
este fin.
Se puede usar saliva humana.
Es importante tomar en cuenta que no se debe frotar el lienzo sino dar pequeños golpes a que
suelte el polvo incrustado. Ejemplo de los resultados de la limpieza con este método. Otro
método es con migajón de pan dando igualmente toques suaves sobre la pieza.

LITOGRAFÍA
Grabado sobre piedra. Inventado por Aloys Senefelder de Munich en 1796. Los dibujos se hacen
sobre una superficie de piedra calcárea pulida, con tinta y tiza jabonosa.

LUCUBRAR
Dedicarse a trabajos artísticos, especialmente de noche.

M.A.C.
El Movimiento por el Arte Concreto, o MAC, es un movimiento artístico fundado en Milán en
1948 por Atanasio Sldatu, Gillo Dorfles , Bruno Munari y Gianni Monnet , con el objetivo de
promover el arte no figurativo, y en particular un tipo de El abstraccionismo libre de cualquier
imitación y referencia al mundo externo, de una orientación predominantemente geométrica.
El nombre del movimiento se refiere a una expresión del término «concreto», utilizado en dicho
sentido, introducido inicialmente en los años treinta por Van Doesburg y Kandinskij . El
concretismo se opone, por lo tanto, así como a la figuración, también a la llamada abstracción
«lírica». El movimiento se disolvió en 1958.

MANIERISMO
Tendencia del arte europeo del s.XVI que representa la transición entre el Renacimiento y
el Barroco, en especial para una tendencia de la pintura italiana introducida por Miguel
Ángel, que se extendió pronto a Francia, España, los Países Bajos y Alemania, con
paralelos en la arquitectura y la escultura. No obstante, se usa el término para designar
cualquier tendencia artística erudita y rebuscada.
Marfil
Sustancia ósea dura, obtenida de los colmillos e incisivos de algunos mamíferos como la morsa
o el elefante. El marfil es de color blanquecino, muy elástico y duradero, y se ha utilizado desde
la prehistoria para incrustaciones, tallas delicadas, objetos de adorno y otras obras de arte. El
arte de trabajar este material se llama eboraria, y los objetos realizados con él elefantinos.
(Arte) Marginal
Es la traducción del concepto Art Brut concebido por el francés Dubuffet para describir el arte
creado fuera de los límites de la cultura oficial específicamente llevado a cabo por pacientes de
hospitales psiquiátricos a diferencia de Outsider que se aplicaba sólo a autodidactas o Naif .
El artista Marginal desarrolla su labor sin contacto con instituciones artisticas establecidas y con
materiales y técnicas inéditos. Refleja estados mentales extremos.

MARQUETERÍA
Trabajo de ebanistería que consiste en embutir en las tablas pequeñas, chapas de madera de
varios colores componiendo dibujos.
Mediorrelieve
Relieve que sobresale la mitad del bulto.
MEDIOTONO
Esta técnica de impresión, inventada en 1878 por el fotógrafo francés Charles-Gillaume Petit
(1848-1921), se utilizó para lograr reproducir tonos intermedios entre el negro y el blanco. Se
trataba de romper una imagen en una serie de puntos que dependiendo de su tamaño, generaban
variaciones de grises reproduciendo el rango tonal completo de una fotografía u obra de arte.
El mediotono generalmente se llevaba a cabo a través de la inserción de una pantalla sobre la
placa que se exponía. Esta pantalla contenía un número variado de líneas por pulgada —a partir
de 50 y hasta 150— para alcanzar una reproducción de la más alta calidad.
El éxito del mediotono se comprobó en 1850, cuando se utilizó como pantalla una tela tejida,
causando una serie de efectos geométricos que evidenciaron que una pantalla diseñada para este
proceso debía de realizarse con un patrón sobre vidrio o alguna otra superficie transparente.
En 1890, los hermanos norteamericanos Max y Louis Levy, produjeron las primeras pantallas
comerciales de mediotono, utilizando vidrio óptico laqueado de alta calidad sobre el cual se
cortaban líneas paralelas.
La técnica del mediotono fue perfeccionada en 1883 por el grabador alemán George Meisenbach
(1841-1912). El norteamericano Frederic Eugene Ives (1856-1937) también empleó su versión
del proceso utilizando relieve de gelatina e introduciendo comercialmente, en 1881, las placas
de impresión de mediotono.
No se han dado cambios significativos en los métodos de elaboración de las pantallas de
mediotono desde la aportación de los hermanos Levy, empleándose actualmente este método
para llevar a cabo amplios tirajes de reproducciones fotográficas.

MEMPHIS
El movimiento Memphis nació en Italia bajo la meta de diseñar una colección completamente
nueva de muebles, lámparas, objetos de cristal y cerámicos, que se produjeran en modestos
talleres artesanales. El resultado; la fundación del movimiento de la mano de Ettore Sottsass,
Marco Zanini, Matteo Thun y Aldo Civic a principios de 1980. Tomaron su nombre de una
canción de Bob Dylan titulada «Stuck Inside of Mobile con Memphis Blues Again» que
escucharon repetidamente durante su primera reunión.
Como muchos movimientos creativos, Memphis fue una reacción contra el status quo. Las
décadas de 1950 y 1960, y el minimalismo de los años 70, fueron tendencias de estructura y
líneas rectas. Para contrarrestar eso, Sottsass centró el pensamiento del grupo en torno a lo
«radical, divertido e indignante«, esencialmente, sin tener en cuenta lo que se consideraba de
«buen gusto» en ese momento. Las figuras geométricas de Art Deco, la paleta de colores del
Pop y el kitsch de los años 50, el misticismo Indio y la culturas primitivas inspiraron su estética
inusual.
Las principales características de Memphis son los materiales laminados y de terrazo , que
generalmente se encontraban en los pisos, se incorporaron a las mesas y lámparas. Las texturas
«Bacterio», que fueron diseñados por Sottsass en 1978. Objetos brillantes, multicolores con un
rechazo de formas típicas . A menudo, en lugar de que las patas de las sillas sean rectangulares,
serían círculos o triángulos.
El Grupo Memphis hizo su debut en el Salone del Mobile de Milán 1981. Su estilo, aunque
atrajo la atención, fue rechazado comercialmente y en su lugar atrajo a un público de culto. El
diseñador Karl Lagerfeld era fanático y compró la totalidad de la primera colección de
Sottsass, y cuando la finca de David Bowie subastó su colección de arte en 2016, se reveló que
había recolectado más de 400 piezas desde los años 80.
El Movimiento Memphis se disolvió en 1988.

METÁFORA
(Del griego metaphora, que indica transporte, traslación, desplazamiento. Alude al hecho de
transportar una carga de un lugar a otro.) Desde el punto de vista de la retórica, la metáfora es
una operación de desplazamiento semántico que implica una transferencia de significado, a
través de la cual, un término designa a otro, que tiene con él, una relación de semejanza. Indica
un significado traslaticio, es decir, distinto del literal.
Una metáfora opera en la formulación de un dispositivo, cuyas asociaciones, contexto y
ordenamientos, se dan en términos que son propios de otro ámbito. Esto se lleva a cabo gracias a
la interacción de al menos dos concepciones de cosas diferentes dentro del único símbolo que se
refiere a ambas.

MÍMESIS
(Del lat. mimesis. Imitar, representar y este del griego mimeistkai, imitar). La mímesis, en
términos generales, contiene a la representación (análoga condición del doble), sin embargo, la
principal diferencia radicaría en su mecánica; la mimesis reencarna, en cambio, la
representación traduce.
La mimesis escapa casi absolutamente a la comparación con el referente, se convierte en uno
equivalente al original, sin embargo la producción mimética obliga el uso de rasgos
representativos. Por el mismo motivo, si bien la mimesis es un sinónimo adecuado de analogía,
en general se designa a la mímesis dentro de un parecido más absoluto y en consecuencia bajo
un efecto de credibilidad, a pesar de que estas imágenes sean además diegéticas (cargadas de
ficción). La mimesis en la historia del arte se desarrolló ampliamente a través del género de la
naturaleza muerta, donde el pintor encontraba, en la excepcional inmovilidad del modelo, el
provecho de exaltar ante un público su capacidad de duplicar la realidad.
En el siglo XIX, ante la aparición de la fotografía, se consideró este instrumento como el medio
más satisfactorio de imitación perfecta (objetiva) de la realidad, según leyes de mecánica y
óptica, sin la intervención de la mano del artista. A través de esta concepción mecánica de la
realidad se inició el cuestionamiento de la función de la pintura, dentro de la función imitativa,
como también se inició el análisis del estatuto de la fotografía dentro del arte, en tanto se trata de
un medio tecnológico que se opone al trabajo (manual) del artista .

Miniatura
Pintura de pequeñísimo formato.
......
Se trabajó la miniatura desde el Imperio Antiguo en Egipto, así como en Grecia y Roma,
asociada con frecuencia a técnicas de gran valor como la orfebrería, la talla en marfil o la talla
de gemas. La edad dorada de la miniatura fue la Edad Media. De hecho, la palabra miniatura se
asocia también con la pintura "miniada", puesto que el minio fue uno de los pigmentos base para
la confección de delicadísimas escenas e iniciales historiadas en los códices que se copiaban a
mano en los scriptorium de los monasterios y escuelas catedralicias. La miniatura medieval tenía
relación estética con la vidriera. Eran extremadamente coloristas, con silueteado lineal que
según la escuela podía alcanzar hondos niveles de virtuosismo. Otro nombre por el que se
conocía este trabajo era la iluminación de manuscritos, puesto que sus imágenes iluminaban los
textos, no siempre accesibles para una población mayoritariamente analfabeta. Sus escenas
constituían una vía de plasmación de lo fantástico y lo monstruoso, puesto que se reservaba a los
márgenes de los manuscritos los temas eróticos, cotidianos, mitológicos, profanos a veces
rozando lo blasfemo. Paralelamente, la miniatura puede encontrarse en los manuscritos
islámicos de Al Andalus, India, Persia, etc. La miniatura evolucionó a lo largo de la historia
adaptando pigmentos variados como el óleo o la acuarela, sobre soportes preciosos, como el
cobre, el marfil, el esmalte, etc. La llegada de la fotografía en el siglo XIX marca su declive.

Minimal Art
El término fue empleado por primera vez en 1965 por Richard Wolheim en un artículo en la
revista Art Magazine. Con él se calificarán después una serie de obras fechadas en 1962 que
insistían de forma metódica en manifestar formas puras creadas como reacción contra la
preeminencia del expresionismo abstracto. En las obras Minimal se insiste en la forma pura y
poco expresiva, no hay gestualidad ni tema sino la búsqueda de una factura impersonal. Entre
los artistas que pusieron en práctica estas ideas figuran Robert Mangold. Robert Rayman y
Brice Marden , así como otros artistas más jóvenes que abandonaron la pintura
como Carl Andre, Dan Flavin, Robert Morris, Sol Lewitt y Donald Judd. La obra de estos
últimos queda definida por la utilización de formas geométricas primarias, de productos en serie
y materiales fabricados. Para conseguir la reducción formal deseada el objeto Minimal, de un
estilo puritano y estricto, se despoja de todo adorno decorativo y se remite a las relaciones del
espacio circundante que se resaltan tanto por el efecto específico de la luz sobre el material,
como por la expansión del volumen.
MINOTAURO
En la mitología griega, monstruo con cabeza de toro y cuerpo de hombre. Era hijo de Pasifae,
reina de Creta, y de un toro blanco como la nieve que el dios Poseidón había enviado al marido
de Pasifae, el rey Minos. Cuando Minos se negó a sacrificar el animal, Poseidón hizo que
Pasifae se enamorara de él. Después de dar a luz al Minotauro, Minos ordenó al arquitecto e
inventor Dédalo que construyera un laberinto tan intrincado que fuera imposible salir de él sin
ayuda. Allí fue encerrado el Minotauro y lo alimentaban con jóvenes víctimas humanas que
Minos exigía como tributo de Atenas. El héroe griego Teseo se mostró dispuesto a acabar con
esos sacrificios inútiles y se ofreció a sí mismo como una de las víctimas. Cuando Teseo llegó a
Creta, la hija de Minos, Ariadna, se enamoró de él. Ella lo ayudó a salir dándole un ovillo de
hilo que él sujetó a la puerta del laberinto y fue soltando a través de su recorrido. Cuando se
encontró con el Minotauro dormido, golpeó al monstruo hasta matarlo, salvando también a los
demás jóvenes y doncellas condenados al sacrificio haciendo que siguieran el recorrido del hilo
hasta la entrada.
MITO
Nombre dado a tradiciones de origen incierto que nos han llegado de la más remota antigüedad,
antecedente de la historia escrita.
Modelado
Creación de una forma tridimensional en un material maleable.
Modelo
Ejemplar o muestra que se copia o imita al ejecutar una obra. En escultura, es aquella figura
realizada en pequeño formato en barro, yeso o cera para su posterior reproducción escultórica en
otro formato y material (mármol o metal), que permite tener una idea del resultado final.

Molde
Objeto que reproduce en negativo la forma que quiere darse a la figura que se trata de
reproducir. El molde presenta una cavidad en la que se introduce el material en el que haya de
hacerse la reproducción, el cual, al solidificarse, adopta la forma de dicha cavidad. El molde de
piezas, que consta de varias piezas movibles que encajan unas con otras, permite obtener
cuantos vaciados se deseen, mientras que el molde perdido da un solo ejemplar del objeto
vaciado y para obtenerlo hay que romperlo. Cuando se trata de moldear metal fundido, se
recurre a moldes hechos a base de materias refractarias.

Monolito
Escultura, monumento, columna o elemento arquitectónico tallados en un solo bloque de piedra.

MONOPRINT
También llamado monotipo. Es una obra de arte única hecha con una técnica de grabado. Los
monoprints difieren del propósito típico de varios métodos de impresión: hacer múltiplos de la
misma imagen. Los monoprints se pueden realizar mediante una serie de enfoques, todos los
cuales implican hacer marcas en una placa de algún tipo. Debido a que no hay reacciones
químicas involucradas, las placas monoprint pueden estar hechas de muchos materiales,
incluyendo cobre, zinc, vidrio, plexiglás o incluso espuma de poliestireno. Para producir una
imagen, el artista puede cubrir la placa con una capa uniforme de tinta, luego limpiar o raspar la
tinta con palos, trozos de tela o pinceles mojados en aguarrás. Esto se conoce como un método
sustractivo. Un artista puede usar alternativamente un método aditivo, comenzando con una
placa en blanco y dibujando o pintando con tinta. Una vez que el artista está satisfecho con la
imagen, coloca un trozo de papel humedecido sobre la placa y lo pasa por una imprenta,
transfiriendo la imagen al papel. La placa se puede limpiar y usar de nuevo para producir más
monoprints.
Las monoprints tienen una estética distintiva; muchos consideran la impresión de monoprints
como el tipo de grabado más pictórico. El medio traduce bellamente los gestos del artista desde
la placa hasta la impresión final. Mientras que otras técnicas de grabado tienen una curva de
aprendizaje empinada, casi todos pueden aprender fácilmente a producir un monoprint debido a
su similitud con la pintura y el dibujo.
Montea
Es el dibujo, a tamaño natural, que se hace del todo o de una parte de una obra en el suelo o en
la pared. Es también el nombre dado al arte de cortar piedras y maderas, como la estereotomía.
MOSAICO
Elemento decorativo formado por la combinación de «teselas» de colores y formando dibujos.
Aunque heredado de Grecia los romanos utilizaron también la técnica del mosaico para decorar
sus interiores, alcanzando un gran desarrollo y perfección técnica. Llegó a su máximo apogeo
durante el reinado de Adriano, y se usaba en la decoración de pavimentos. Los temas y los
colores principales proceden de la pintura helénica (blanco, rojo, negro y amarillo), aunque a
partir del s. III d. C. se introdujeron teselas de vidrio y se dio entrada a toda clase de tonos y
semitonos. Los mosaicos se dividen por sus materiales y tipo de corte y ensamble en:
▪ Opus signinum. Los dados de mármol con mortero formaban decoración geométrica.
▪ Opus tessellatum. Las teselas, pequeños dados de mármol polícromo de 1 cm de tamaño,
posibilitan un dibujo más preciso.
▪ Opus sectile. Las placas de mármol se recortan, de acuerdo con el dibujo, en
composiciones regulares e irregulares.
▪ Opus vermiculatum. Las teselas, aún más pequeñas que en el anterior, se disponen de
forma ondulada, como el cuerpo de un gusano (vermis). Así el cuadro posee un dibujo
más minucioso, con un gran sentido pictórico, y permite representar muy bien la luz.
Móvil (escultura)
Escultura que se mueve accionada por impulso del agua o del aire.
Mural
Tipo de composición pictórica o gráfica realizada sobre un muro; puede ser al fresco, temple,
acrílico, etc. También las composiciones cerámicas, policromadas o no, realizadas sobre un
muro.
Pintura en una pared o en un muro
MUSAS
Se denomina así a las representaciones personificadas de las artes. Su representación
convencional es como sigue:
Calíope: La musa de la poesía épica. Se representa con una losa y un estilete, a veces con un
rollo de pergamino.
Clío: La musa de la historia; sentada en un sillón con un rollo de papel, a veces con un reloj de
sol.
Euterpe: Musa de la poesía lírica; con una flauta doble.
Melpómene: La Musa de la tragedia; con una máscara trágica, el bastón de Hércules, y una
espada; coronada con las hojas de parra de Baco.
Terpsícore: La Musa de la danza coral y del canto religioso; con lira y con plectrum. Al ser la
musa de la poesía religiosa, su expresión es severa y digna.
Erato: La musa de la poesía erótica y de la música; a veces aparece con una lira y otras se
representa bailando, siempre con expresión gentil.
Polimnia: La Musa de los himnos sublimes y de la tradición divina; suele aparecer sin ningún
atributo, en actitud de meditación.
Urania: La musa de la astronomía, apunta a la esfera celestial con un cayado.
Talía: La Musa de la vida pastoril, de la comedia y de la poesía idílica; aparece con una máscara
cómica, con el cayado de un pastor y con una guirnalda de yedra o con una cesta.
Las Musas se representan a veces con plumas en la cabeza, en alusión a su competición con las
sirenas, a quienes les despojaron de sus plumas, que ahora llevan como adorno.
NATURALEZA MUERTA
Estilo pictórico consistente en suprimir cualquier motivo vivo, humano o animal.
NDEBELE
(Patrones Ndebele) EL Arte Ndebele es producido por las personas de habla Nguni de
Sudáfrica. La mayoría de estas personas viven en la patria llama Kwa-Ndebele que fue creada
por el gobierno de Sudáfrica en la década de 1970.
En el siglo 18 los Ndzundza pueblo ndebele de Sudáfrica crearon su propia tradición y el estilo
de pintura de la casa. Hasta comienzos de 1900, estas personas Nguni eran guerreros muy
feroces y propietarios de grandes extensiones de tierra. En el otoño de 1883, el pueblo ndebele
fue a la guerra con los vecinos Boer. La pérdida de la guerra trajo una vida dura y castigos
terribles para el Ndebele. A través de estos tiempos difíciles símbolos expresivos fueron
generados para expresar su dolor. Estos símbolos fueron el comienzo del arte africano de pintura
mural conocido como Ndebele.
La mujer es responsable de la pintura de las puertas exteriores, revestimientos de paredes, muros
laterales, y por lo general el interior de su casa. Hoy esta decoración mural está considerada un
arte y tiene su mayor figura en Esther Mahlangu.
NECRÓPOLIS
En arqueología, agrupación de enterramientos sepulcrales anteriores a la era cristiana,
cementerio.
NEOCLASICISMO
Movimiento artístico entre 1750 y 1840 que se inspira en la antigua Grecia: La pintura está
caracterizada por un trazado fino de las líneas y colores claros.
El término Neoclasicismo surgió en el siglo XVIII para denominar al movimiento estético que
venía a reflejar en las artes los principios intelectuales de la Ilustración, que desde mediados del
siglo XVIII se venían produciendo en la filosofía y que consecuentemente se habían transmitido
a todos los ámbitos de la cultura. Sin embargo, coincidiendo con la decadencia de Napoleón
Bonaparte, el Neoclasicismo fue perdiendo adeptos en favor del Romanticismo.
NEODADAISMO
Arte de los años 60 que colocaba en lugar de un cuadro objetos y productos extraídos de la vida
cotidiana y formaba con ellos nuevas estructuras artísticas. Neo-dada Tendencia más reciente
del Dada, desaparecido este último en 1924. Participan en ella pintores europeos y americanos
(1958) que se atienen a cánones similares a los del Dada, aunque preocupados de una búsqueda
pictórica. El Neo-Dada americano deja de lado la crítica, la sátira y el escándalo; busca, sí,
«despertar a la vida que vivimos». Acercamiento entre el arte y la realidad de la vida y
eliminación de las fronteras entre los géneros artísticos. (Influyó en el «happening»,
«environment» y «acumulación». Objeto encontrado) Concepto introducido en las artes plásticas
por el artista Kurt Schwitters que define los productos de desecho, sin valor alguno: etiquetas,
cajas de fósforos, tapas de botellas, residuos metálicos, textiles, de vidrio, con los que Schwitters
elabora sus «collages«. Fue retomado por el Pop Art que al elevar el «object trouvé» a la
categoría de obra de arte formula una crítica a la sociedad de consumo.
NEOPLASTICISMO
Corriente artística promulgada por Piet Mondrian en 1917 que proponía despojar al arte de todo
elemento accesorio en un intento de llegar a la esencia a través de un lenguaje plástico objetivo
y, como consecuencia, universal. Junto con Theo van Doesburg fundó la revista De Stijl,
principal órgano de difusión del movimiento, en cuyo primer número apareció publicado el
manifiesto neoplasticista.
Las teorías de Mondrian, que tienen su origen en las obras cubistas de Georges Braque y Picasso
y en la teosofía, reivindican un proceso de abstracción progresiva en virtud del cual las formas
se irían reduciendo a líneas rectas horizontales y verticales, y los colores al negro, el blanco, el
gris y los tres primarios. Entre sus principales representantes se encontraban, además de Van
Doesburg, el pintor Wilmos Huszár, el escultor Georges Vantongerloo y los arquitectos Jacobus
Johannes Pieter Oud y Gerrit Thomas Rietvel, entre otros. El excesivo rigor de las propuestas de
Mondrian provocó violentas críticas tanto dentro como fuera de su círculo de adeptos. No
obstante, el neoplasticismo está considerado, junto con el suprematismo de Maliévich, el origen
de la abstracción geométrica.
NET.ART
El net.art es un fenómeno artístico que surge en la década de los 90, paralelamente al periodo de
mayor crecimiento de Internet.
La primera característica a señalar es el carácter digital del net.art. En pocas palabras, arte digital
es aquel que se realiza con el ordenador y que es producto de operaciones matemáticas, las
cuales posteriormente serán interpretadas y convertidas en imágenes (o sonidos, o textos) que se
observan en un monitor u otro dispositivo de salida.
Es multimedia, al fusionarse en el ordenador distintos fragmentos de textos, vídeo, fotografía,
música, etc., tenemos un producto final que mezcla las características de
diversas manifestaciones artísticas.
Nimbo
Luminosidad que rodea la cabeza de una figura. Se suele emplear como sinónimo de aureola,
aunque ésta sirve también para designar una luminosidad que envuelve todo el cuerpo.
En el arte cristiano es un elemento tomado del arte pagano. El de Cristo, que suele llevar una
cruz inscrita, es como el de los santos, de forma circular, a diferencia del de los personajes del
Antiguo Testamento, que suele ser de forma poligonal. Los nimbos de forma cuadrada
corresponden a personajes vivientes. Para los beatos se utilizan desde la Edad Media nimbos de
forma estrellada
OBJET TROUBE
Arte encontrado, es un objeto de consumo sin origen artístico al cual un creador le atribuye un
sentido estético, Ej. 1917 Marcel Duchamp y su mingitorio.
OBELISCO
Pilar conmemorativo de forma piramidal. (de obeliskos, que en griego significa aguja), son
prismas piramidales muy altos de base cuadrada, y llamábase en egipcio menú, que significa
rayos solares y columnas de Hermes (Anubis), porque se consagraban a este dios de la sabiduría
divina, según indican los jeroglíficos. Lo emplearon principalmente los egipcios cubierto de
inscripciones jeroglíficas.
Óleo
La pintura de óleo consiste en mucho polvo de color muy finito mezclado con aceite formando
una pasta espesa (Al material del cual se saca este polvo le llamamos pigmento). Para pintar con
óleo necesitamos un pincel, un trapo para limpiarlo, una tablita para mezclar los colores y aceite
de linaza para hacer más aguada la pintura y para limpiar el pincel. También necesitamos un
soporte sobre el cual pintar.
Muchos artistas pintan con óleo porque es de las pinturas que tiene el color más intenso y
brillante. Con óleo puedes pintar sobre muchos materiales, los más comunes son sobre tela y
sobre madera.
El óleo se conoce desde la Edad Media y se aplicaba normalmente en combinación con la
pintura al temple o al fresco. Esto se debía a la lentitud de su proceso de secado, que se
aceleraba un tanto al combinarlo con otros materiales como el temple o la témpera.
Normalmente servía para retocar los detalles de los grandes paneles realizados a toda velocidad
sobre el yeso fresco. La gran innovación llega con la época de los primitivos flamencos, que
revolucionan con sus investigaciones esta técnica. Los descubrimientos tuvieron mucho que ver
con el desarrollo de la alquimia, que dio lugar a las modernas ciencias químicas. El avance
consistió en combinar los óleos, que literalmente significan aceites, no sólo con los pigmentos
minerales que ofrecen el colorido, sino con productos secantes que aceleren el acabado. El más
extendido fue la linaza, aunque cada maestro y cada taller de pintura tenía su fórmula secreta
que se transmitía oralmente de generación en generación. Los efectos que permite el óleo son,
por una parte, realizar una composición de manera más lenta que al fresco, que ha de finalizarse
diariamente. También permite trabajar sobre un conjunto inacabado, en lugar de por áreas
concluidas en una sesión. La técnica posibilita los retoques, es decir, se podía variar la
composición, el número de figuras, los colores, etc. El detalle y la precisión aumentan con este
material. Y la profundidad de la escena aumenta mediante un efecto óptico, ya que el color
permanece opaco bajo capas y capas de barnices traslúcidos que además aumentan la resistencia
del cuadro al paso del tiempo. El óleo puede ser utilizado sobre diversos soportes, lo que apenas
varía su aspecto, pero sí la preparación de dicho soporte. A partir del siglo XV, como se ha
mencionado la base más usada para el óleo será la tabla de madera, especialmente desarrollada
durante la pintura flamenca. El fresco no puede considerarse una base, puesto que se aplica una
vez seco el yeso para retocar los grandes fragmentos pintados a toda velocidad. Los otros
soportes mayoritarios serán el lienzo y la lámina metálica.
OLINALÁ
Es una técnica de laqueado artesanal originaria del pueblo prehispánico del mismo
nombre, Estado de Guerrero (México) que consiste en la impermeabilización y decoración
artística de objetos de madera o corteza vegetal del árbol de lináloe. Posteriormente a la tala de
este árbol, se procede a tratar el material para evitar el deterioro por larvas o polilla; asimismo,
las hendiduras naturales de la madera son lijadas y resanadas para después ser barnizadas con
una mezcla hecha a base de aceite de linaza con chía, tierra blanca y tierra tecoztle.
OMBROMANÍA
Se llamó así en Francia durante el siglo XVIII a la gran afición que desperto el arte de hacer
siluetas con tijeras.
Op Art
Movimiento internacional que surge a finales de los años cincuenta. El arte óptico pretende
producir efectos de relieve o profundidad o movimientos de formas geométricas sin recurrir al
relieve ni a la animación real de las superficies. Los artistas de esta tendencia centran su trabajo
en el estudio de las relaciones entre color y espacio con el fin de provocar vibraciones retinianas,
para conseguir finalmente una experiencia física en el espectador. Esto se consigue a través de la
seriación, es decir en la repetición ilimitada de un módulo formal. Los primeros artistas en llevar
a cabo estas nuevas investigaciones se reúnen en torno al artista Vasarely y son apoyados por la
galería francesa Denis René. Otros artistas de esta tendencia son Carlos Cruz Díez y Rafael
Soto.
OPUS
En arquitectura se entiende como aparejo. Se utiliza generalmente para designar las múltiples
maneras que tenían los romanos de colocar las piedras en sus muros. OPUS CEMENTICIUM.
Mezcla de arena, cal y guijarros. OPUS INCERTUM. Formado por pequeñas piedras
irregulares. OPUS QUADRATUM. Conseguido con paralelepípedos de piedra colocados
regularmente. OPUS SIGNINUM. Mortero con el que se recubría la sección del specus en
contacto con el agua para hacerla impermeable.

OPUS Musivum
Es una continuación del Opus vermiculatum, y presenta las teselas hacia afuera siguiendo los
contornos y ocupando todo el fondo. Esta composición aporta una gran sensación de
movimiento y ritmo, y da vida al mosaico.

OPUS Regulatum
Es una técnica de mosaico creada por los romanos en la que las teselas son todas del mismo
tamaño y se alinean horizontalmente (pero no verticalmente), produciendo un efecto parecido al
de un muro de ladrillos.

OPUS Tesellatum
Técnica en la que las teselas cuadradas están dispuestas en líneas verticales y horizontales dando
lugar a un diseño en forma de reja. Es una técnica muy efectiva para rellenar fondos.

OPUS Vermiculatum
Se utilizan teselas cuadradas para perfilar el diseño principal, siguiendo cuidadosamente los
contornos de la forma y realzándolos con las estelas dispuestas en forma de gusano (vermis
significa gusano en latín). Esta técnica crea un efecto de halo alrededor de la imagen principal.

Orden
En arquitectura clásica, una columna entera; es decir, la basa, el fuste, el capitel y el
entablamento. Los órdenes clásicos son estilos arquitectónicos canónicos con los que, en la
arquitectura griega y romana clásica, se intentaba obtener edificios de proporciones armoniosas
en todas sus partes.
El orden arquitectónico surge de la necesidad de fijar una relación entre cada una de las partes
del edificio, consiguiendo definir un patrón estético que reproduzca el ideal de belleza del
periodo histórico de qué se trate.
ORDEN CORINTIO
Es el más elegante y ornamentado de los órdenes griegos clásicos. Se atribuye su creación al
escultor Calimaco en el siglo IV a. C. Es similar al orden jónico, del que difiere básicamente en
la forma y tamaño del capitel. Una de las construcciones más destacables según las pautas
estilísticas del orden corintio es el monumento de Lisícrates en Atenas, levantado hacia 334 a.
C.
Se caracteriza por que las columnas van dotadas de basa. El capitel es el elemento más
reconocible con su apariencia de campana invertida o cesta de la que rebosan las hojas de
acanto, cuyos tallos dan lugar a una especie de volutas o espirales (caulículos) en las cuatro
esquinas.

ORDEN DÓRICO
El orden dórico es el más arcaico y simple de los órdenes clásicos. Proviene del pueblo dorio. Es
el orden griego por excelencia. Cuanto más antiguo, más sencillo, dando sensación de robustez
(protodórico), cuanto más tardío, más esbelto y proporcionado es; logrando así la armonía y
belleza clásica. Se empleó en la Grecia continental desde el siglo VII a. C. y en el sur de Italia.
El Partenón, templo dedicado a Atenea Parthenos en la Acrópolis de Atenas, es sin duda el
máximo exponente de este estilo arquitectónico.

ORDEN JÓNICO
Es el segundo, en sentido cronológico, de los órdenes arquitectónicos griegos que tuvo su origen
hacia el siglo VI a. C. en la costa oeste de Asia Menor y en las islas Cícladas. Más esbelto y
airoso que el orden dórico, ha dejado abundantes muestras de su estilo, de las que, habiendo sido
imitado a lo largo de la historia, la versión más admirada y copiada, desde el siglo XVII en
adelante, fue la del romano Templo de Portunus.
El capitel es el elemento más representativo de este orden y se reconoce por las dos volutas o
espirales con que se adorna.

ORDEN TOSCANO
Es la aportación etrusca a los órdenes clásicos. Deriva del dórico, del que es una simplificación,
y fue utilizado en Etruria , Italia, en época anterior a la conquista de Grecia. Con el paso del
tiempo, dado que los renacentistas conocían mucho mejor el arte romano que el griego, el orden
toscano fue también muy habitual desde el siglo XV.
El capitel está integrado por cinco piezas, todas ellas lisas. La columna toscana, a diferencia de
la dórica griega, se apoya sobre una base y todo su fuste es liso.

ORDEN COMPUESTO
El orden compuesto no se encuentra en la arquitectura en la Antigua Grecia y hasta el
Renacimiento no se clasificó como un orden separado. Era considerado como una forma
imperial romana del orden corintio.
ORFISMO
Corriente pictórica francesa que reaccionó contra la monotonía cromática del cubismo analítico.
Las pinturas del matrimonio Delauna y, de formas simultáneas y vivo colorido, y con modos
muy cercanos a los de los futuristas italianos y rayonistas rusos, fueron las que permitieron
acuñar el término de «orfismo» a G. Apollinaire en 1912. También se debe incluir en esta
tendencia al checo F. Kupka.
OUTSIDER ART
El término «Outsider Art» fue introducido en 1972 por el historiador de arte inglés Roger
Cardinal como un equivalente anglosajón para el término Art Brut, establecido por el pintor
francés Jean Dubuffet. El Outsider Art no es un es
tilo de arte ni una escuela. Por lo tanto, es todo menos una unidad homogénea y autónoma. Su
carácter esencial es que tiene lugar fuera del mundo del arte establecido, más allá de la historia y
la tradición del arte, independientemente de las tendencias y modas.
Los creadores de este arte son principalmente personas que hicieron experiencias inusuales en
sus vidas o aquellos que están sujetos a estados mentales extremos: personas con discapacidades
mentales, con experiencia en psiquiatría, prisioneros de cárceles, excéntricos, personas al
margen de la sociedad, en fuera de juego social, en aislamiento voluntario o no intencionado,
también personas autodidactas con potencial artístico.
PACKAGING
Vocablo inglés que designa la parte del marketing que se encarga del diseño de envases y
embalajes.
PAISAJE
Técnica pictórica consistente en representar a la naturaleza como tema independiente. Se
atribuye a los artistas chinos, a partir del siglo V, el mérito de ‘descubrir’ el paisaje como
elemento pictórico, por influencia del budismo y su concepción de la naturaleza. En Europa el
paisaje no se cultiva propiamente en pintura hasta el siglo XVII. No ganó categoría de género
pictórico hasta el siglo XVII en Holanda, país que desarrolló una importante escuela paisajística,
representada por artistas como Jacob van Ruysdael.
En literatura, la descripción del paisaje es una forma literaria que se denomina «topografía».
PALADIO
El paladio, junto con el platino, es considerado como uno de los mejores procesos de impresión
monocroma. Presentado comercialmente en 1916, por la compañía Platinotype, este
procedimiento utiliza la mezcla de tres concentraciones que incluyen cloruro de potasio, paladio
y soluciones férricas, entre otros elementos. El resultado de esta mezcla se emplea para cubrir
con una brocha el papel y posteriormente exponerlo a una luz ultravioleta.
El paladio reacciona casi de la misma manera que el platino, produciendo imágenes más
duraderas que cualquier otro medio. Sin embargo, el paladio es más barato y su tonalidad más
cálida. Algunos fotógrafos utilizan una solución combinada de metales (cloroplatinito y
cloropaladito) para una misma impresión, como es el caso del fotógrafo mexicano Manuel
Álvarez Bravo (n.1902).
Pan de Oro
Hoja o lámina de oro muy fina que se aplica sobre una superficie para dorarla. (oro de hoja)
PALEKH
La miniatura Palekh es una artesanía popular rusa de pintura al temple sobre artículos
lacados hechos de papel maché, basado en la tradición local del icono. Surgió en la ciudad de
Palekh, a 360 km al este de Moscú y tradicional centro de la producción de iconos religiosos, en
la década de 1920, como consecuencia de la prohibición de producir iconos religiosos a partir de
la Revolución de 1917.
La técnica del icono llegó a Palekh en el siglo XVII, alcanzando su apogeo en el XVIII y
principios de siglo XIX. El estilo local se desarrolló bajo la influencia de Moscú, Novgorod,
Stroganov y las escuelas de Yaroslavl. Los iconos Palekh eran famosos por la exquisitez
especial de la pintura con un uso intensivo de oro en traje pintado de los santos y de los
ornamentos.
Los artistas generalmente se basan en imágenes de la vida real, así como en personajes
conocidos de cuentos populares para sus miniaturas, usando colores brillantes sobre un fondo
negro. Desde el principio, los pintores palekh hicieron un uso generoso de los motivos
populares, pero también encontraron inspiración en la poesía de Pushkin, Lermontov, Gorky y
otros.
PALIMPSESTO
Tablilla en la que se podía borrar lo escrito para volver a escribir. Manuscrito antiguo que
conserva huellas de una escritura anterior borrada artificialmente.

(Palimpsesto de Arquímedes)
PALMETA
Motivo ornamental basado en hojas de palma.
PALÍNDROMO
Palíndromo es una palabra o frase que se lee igual de izquierda a derecha, que de derecha a
izquierda. Ejemplos: «A la catalana banal, atácala».
PANTOCRÁTOR
Representación de Cristo sentado con los Evangelios y en actitud de bendición. Mosaico o
escultura con la imagen de Cristo con la diestra levantada y en la izquierda los evangelios.
PANTOMIMA
Del griego pantomimos, que imita todo. La pantomima es un espectáculo compuesto sólo por los
gestos del actor. Próximo a la anécdota o a la historia narrada por medios teatrales, la
pantomima es un arte independiente, pero también un componente de todo expresión teatral,
particularmente en los espectáculos que exteriorizan al máximo la actuación y facilitan la
producción de cuadros vivientes. En el siglo XX, los mejores ejemplos de pantomima se
encuentran en el cine mudo.
Pastel
Técnica que tiene la particularidad de no utilizar ningún aglutinante, por lo que el color de la
barra es el definitivo. A cambio, tiende a ser alterado con facilidad y necesita de un fijador para
su total adherencia al soporte, que suele ser papel. Tiene su origen en Italia durante el siglo XVI
como evolución del gis para dibujar. Los artistas impresionistas lo utilizaron con maestría.
Pátina
Especie de lustre o barniz que toman ciertos objetos con el paso del tiempo, la humedad o el
uso. La más característica es la coloración verdosa que adquiere la superficie del bronce por
efectos de la oxidación. La pátina se puede obtener también artificialmente mediante la
aplicación de ácidos amoniacales.
PASSEPARTOUTS (paspartú)
Del francés passer, pase y partout , en cualquier lugar’. Consiste en un encuadre de papel o
cartón para gráficos , fotos y pinturas.
Los passepartouts, por un lado, se utilizan para dirigir la atención del espectador a la obra de
arte al alejar el marco de la imagen , por otro lado, también permite encajar una obra de arte en
un marco cuyas dimensiones superan las dimensiones de la obra de arte.
Otra tarea del passepartout es la protección de la obra de arte contra la evaporación de la madera
del marco. El paspartú se une a los contaminantes y no llegan a la obra de arte o en menor
concentración . Además, como la mayoría están hechos de cartón fuerte, proporcionan una
distancia entre el acristalamiento del marco y la obra de arte. Incluso para los gráficos que se
almacenan sin enmarcar en carpetas o cuadros , esto es ventajoso porque el paspartú evita que
las hojas superpuestas se froten unas contra otras.
PASTA DE VIDRIO
Mezcla de vidrio molido, de fundentes y de óxidos metálicos, que se funde en un molde.
PATAFÍSICA
Movimiento cultural vinculado al surrealismo y creado en 1948 e inspirado en el imaginario
de Alfred Jarry, un reconocido y extravagante escritor francés. Precursor del movimiento Dadá,
del Surrealismo y del teatro del absurdo, Jarry escribe Ubú Rey: El capitán de ejército Polaco,
ex Rey de Aragón, y gran doctor en Patafísica. El nombre proviene de la obra “Gestas y
opiniones del doctor Faustroll, patafísico”, de Alfred Jarry. A raíz de su lectura, algunos
admiradores empezaron a practicar una ciencia paródica llamada Patafísica, dedicada «al estudio
de las soluciones imaginarias y las leyes que regulan las excepciones»
Perspectiva
Es el arte que enseña el modo de representar en una superficie los objetos y disposición con que
aparecen a la vista. Aérea: es la que toma en consideración la gradación de tonos y la
imprecisión de líneas que provoca la interposición de la atmósfera entre los objetos y el
observador. A vista de pájaro: representación de un objeto visto desde lo alto, siguiendo los
principios de la perspectiva cónica. Caballera: modo convencional de representar en un plano
de un objeto, proyectando ortogonalmente todos los puntos de éste sobre áquel. Cónica: su
teoría se basa en la representación de la intersección de un plano con el cono visual formado por
el ojo del espectador y los puntos del objeto. Las paralelas al plano del cuadro conservan su
posición relativa y las demás convergen en determinados puntos de fuga.

PERSPECTIVA AÉREA
Utiliza la luz y color para mostrar la percepción del espacio. Por Ej. Rojo ante verde, azul detrás
de amarillo. Aumento de los tonos azules en el fondo del cuadro. El punto de fugo está elevado.
PERSPECTIVA FRONTAL
Utilizada por el arte prehistórico y egipcio para presentar el espacio en un solo plano
PERSPECTIVA LINEAL
Sistema de percepción espacial que utiliza un punto de fuga central desde el que divergen todos
los planos. Sistema matemático muy utilizado por el Renacimiento.
PERSPECTIVA TORCIDA
Representa orejas y cuernos de frente y cabeza de perfil (Rupestre.)
PETROGLIFO
Pictograma primitivo rupestre, tallado o grabado .
PETROGLIFOIDES
Del griego pétra, ‘piedra’, y glypho, ‘grabar’. Figuras en forma de espiral o círculos
concéntricos. Motivos de amplia difusión durante el Neolítico, sobre todo en forma de grabados

sobre roca .
PICTOREALISMO
Movimiento fotográfico internacional, surgido a fines del siglo XIX, intenta devolver al
soporte fotográfico entonces en una vía puramente comercial su auténtica dimensión
artística.
Iniciado en Inglaterra, con artistas y teóricos tales como P.-H. Emmerson, seguido de
Frederick Evans, pronto gana los Estados Unidos en donde hombres como Alfred Stieglitz
y Edward Steichen crean el grupo «Photo-Secession», dándole su más bella expresión, que
se proseguirá con Clarence White, George Seeley, Paul Haviland y el vienés Heinrich
Kühn.
Se ha reprochado al pictorialismo su carácter cerrado o superficial; sin embargo, ha
abierto la vía a un verdadero reconocimiento de la fotografía como creación en el siglo XX.
Al mismo tiempo, algunos fotógrafos artesanales aislados trabajaban con miras a plasmar
la realidad y dar cuenta del mundo. Eugène Atget, activo en este campo de 1898 a 1928, es
sin duda alguna el más grande de ellos
Plastilina
Mezcla formada a base de cera, óleos, arcilla y otros compuestos que puede sustituir al barro de
modelar en pequeñas obras.
Piroxilina
Es un barniz sintético de celulosa parcialmente nitrada. Resulta ser una sustancia de manejo muy
seguro y con importantes aplicaciones especialmente utilizada en la industria automotriz. El
trabajo industrial de preparación de la piroxilina es arduo y tedioso; en forma artesanal requiere
de un enorme esfuerzo ya que debe someterse a cambios de temperatura por largos períodos de
tiempo. En el campo artístico este proceso es trabajado con algodón puro y el uso de una mezcla
sulfocítrica en un cristalizador que permitirá el reposo de la mezcla hasta su uso. Conociendo
algo de este procedimiento, podremos comprender el valor de esta técnica.
Policromar
Decorar un objeto con diversos colores. Pintar una escultura imitando los colores del modelo.
POLÍPTICO
Cuadro formado por más de un tablero
Ponderación
En el arte de la escultura, equilibrio estático logrado por el peso uniformemente distribuido. Se
opone en cierto modo al contrapposto, que busca un equilibrio dinámico
POP ART
Movimiento artístico iniciado en la década de 1950 en Estados Unidos y Gran Bretaña. Las
imágenes del Pop Art (abreviatura de Popular Art, ‘arte popular’) se inspiraron en la cultura de
masas. Algunos artistas reprodujeron latas de cerveza o sopa, tiras de cómic, señales de tráfico y
otros objetos similares en sus pinturas, collages y esculturas. Otros incorporaron estos objetos
cotidianos a sus pinturas o esculturas, a veces completamente modificados. Los materiales fruto
de la tecnología moderna, como el poliéster, la gomaespuma o la pintura acrílica, ocuparon un
lugar destacado. El Pop Art no sólo influyó en la obra de los artistas posteriores, sino que
también ejerció un fuerte impacto en el grafismo y el diseño de moda.
Los antecedentes históricos del Pop Art se sitúan en la obra provocativa de los artistas dadaístas,
especialmente del francés Marcel Duchamp, y en la tradición pictórica estadounidense
caracterizada por el empleo del trampantojo en las representaciones de objetos cotidianos. Por
otra parte, varios integrantes de la corriente Pop se habían ganado la vida trabajando como
artistas publicitarios.
El movimiento Pop Art comenzó como una reacción contra el expresionismo abstracto, que
dominó el arte durante las décadas de 1940 y 1950, al que estos los artistas consideraban
demasiado intelectual y apartado de la realidad social.
POSTIMPRESIONISMO
Término que engloba los diferentes estilos pictóricos que sucedieron en Francia al
impresionismo, entre 1880 y 1905 aproximadamente. Fue acuñado por el crítico británico Roger
Fry en 1910, con motivo de la exposición celebrada en Londres de pinturas de Paul Cézanne,
Paul Gauguin y Vincent van Gogh. Además de estos tres artistas, también se incluyen en esta
corriente Henri de Toulouse-Lautrec y Georges Seurat.
Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los
impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una
visión más subjetiva del mundo
PRERAFAELISTA
Escuela de pintores ingleses de mediados del siglo XIX que, despreciando las leyes
convencionales y tradicionales en el arte, dirigen su estudio a las formas y colores de la
naturaleza. Tres estudiantes de la Royal Academia, son sus iniciadores: William Holman Hunt
(1827-1910), John Everett Millais (1829-1896) y Dante Gabriel Rossetti (1828-1882).
Juntos fundan, en 1848 la P.R.B. enigmáticas letras con las que firmarán en adelante sus cuadros
y que son las iniciales de Pre-Raphaelite Brotherhood (cofradía prerrafaelita). La elección de
este nombre recuerda que el grupo focaliza su crítica en torno a un cuadro de Rafael, La
Transfiguración (Museos del Vaticano), del que Hunt decía que «debería ser condenado por su
inmenso desprecio de la sencillez de la verdad, la pose pomposa de los apóstoles y la actitud,
poco espiritual del Salvador«. Querían volver a una forma de arte, acorde con la que existía
antes de Rafael, libre de cualquier amaneramiento académico. El arte medieval, y en particular
aquel de los primitivos italianos, es el que designan como modelo de pureza y de libertad.
Los prerrafaelitas rechazaban el arte académico predominante en la Inglaterra del siglo XIX,
centrando sus críticas en Sir Joshua Reynolds, fundador de la Royal Academy of Arts. Desde su
punto de vista, la pintura académica imperante no hacía sino perpetuar el manierismo de la
pintura italiana posterior a Rafael y Miguel Ángel, con composiciones elegantes pero vacuas y
carentes de sinceridad. Por esa razón, ellos propugnaban el regreso al detallismo minucioso y al
luminoso colorido de los primitivos italianos y flamencos, anteriores a Rafael (de ahí el nombre
del grupo), a los que consideraban más auténticos.
La cofradía se disuelve rápidamente, (1840-1853) pero sus ideas siguen nutriendo la vanguardia
inglesa, durante cerca de cincuenta años. La segunda generación, dominada por Edward Burne-
Jones y William Morris, aplica los principios prerrafaelitas a la decoración, al mobiliario y a la
ilustración de libros. Más allá de Inglaterra, en particular el universo de Burne-Jones, tendrá una
profunda influencia en la corriente simbolista.
Pulimentar
Operación de acabado a que son sometidos los objetos y superficies con el fin de eliminar
irregularidades y asperezas, y conferirles un aspecto brillante y liso.
PULP (ART)
Pulp (Art) es un término popular en inglés que refería a un formato de encuadernación
a la rústica, barato y de consumo popular, de revistas que se especializaban en
narraciones e historietas de diferentes géneros de la literatura de ficción. Las
publicaciones contenían argumentos simples con grabados e impresiones artísticas en
los que se mostraba el argumento de la narración, de manera similar a un cómic o una
historieta.
Frank A. Munsey fue pionera en el formato en el 1896 con The Argosy. Pulp tomó
fuerza con títulos como Blue Book (1906) y Adventure (1910), y luego estalló en 1912,
cuando All-Story imprimió en papel barato una novela de de Edgar Rice Burroughs
llamada «Tarzan of the Apes». En los años veinte, leyendas editoriales como Máscara
Negra (1920), Weird Tales (1923) o Amazing Stories (1926), suponen el momento
álgido de este género a mitad de camino entre la novela y el comic. Dichas
publicaciones aparecen durante el primer tercio del siglo XX y continúa su impresión
hasta finales de la década de 1950. Las publicaciones fueron descendientes directos
de las dime novels y los penny dreadfuls, formatos de revistas populares que contaban
las hazañas de soldados y bandoleros, los cuales eran baratos para el consumo
popular. En España un ejemplo de estas publicaciones era “Hazañas Bélicas.
PUNTO DE FUGA
Concepto de la perspectiva en el que confluyen todas las líneas perpendiculares a un mismo
plano.
PYSANKY
Pysanky. es una artesanía tradicional de Ucrania y Polonia cuyo soporte es la cáscara de
huevo sin romper. El método es similar al batik, los patrones se dibujan en el huevo con cera,
que a su vez protege las zonas cubiertas del colorante que se aplica. Mediante la repetición de
este proceso con diferentes colores de tinte, se construye un patrón multicolor. Finalmente, la
cera se retira para revelar los colores que estaban cubiertos en cada etapa. Una capa de
poliuretano se suele añadir sobre el huevo acabado para proteger el diseño teñido y para dar un
acabado brillante.
Prueba de artista (P.A.)
(Obra gráfica) Son las estampaciones de una tirada específicamente destinadas al uso del artista.
Estas estampaciones se hacen además de la tirada numerada y se las reconoce por llevar anotada
a lápiz la abreviatura P.A. (E.A. en francés o A.P. en inglés), si bien también es frecuente
individualizar cada una de ellas con cifras romanas. Éstas no son pruebas en un sentido estricto
sino estampas tan definitivas como las de la edición venal. Se trata de ejemplares no destinados
a la venta sino reservados al artista para su colección personal o, en su caso, para el depósito
legal. Aunque el número de pruebas de artista varía dependiendo de la exclusiva voluntad del
artista existen unos límites normalizados y aceptados.
Prueba de estado (P.E.)
(Obra gráfica) Las pruebas de estado (signadas en la estampa con las iniciales P.E., o bien P/E),
son aquellas estampaciones que realiza el artista grabador para conocer el estado actual de su
trabajo en la matriz o plancha. Mediante la prueba obtenida, el artista puede tomar decisiones
encaminadas a la mejora del resultado final de su trabajo: borrar líneas no deseadas, añadir o
intensificar otras, es decir, corregir la plancha. Siendo rigurosos podríamos decir que pruebas de
estado son aquellas en las que la matriz ha seguido evolucionando. En las pruebas de grabado
puede leerse el proceso creativo del artista. Cada una de estas pruebas será única y será este
hecho lo que convierta a estas pruebas en objetos muy cotizados por los coleccionistas y
gabinetes de estampas.
PÁTINA
Especie de barniz que adquieren los objetos con el paso del tiempo y que alteran su aspecto
superficial. La más característica es la del cobre y bronce, con colores pardos y verdes.
RAKU
Cerámica porosa de baja temperatura y aspecto rústico debido al agregado de camote y a que
son modeladas a mano. Se usa en el Japón para las teteras y cuencos destinados a la ceremonia
del té. En sus barnices, la base de los fundentes son el plomo y el bórax. Su cochura es muy
típica e inusual. Una vez sancochadas y barnizadas, se meten con largas pinzas en un horno que
ya subió a la temperatura necesaria y se dejan en el interior del fuego entre 15 y 30 minutos,
hasta que madure el barniz. Luego se extraen otra vez con las pinzas, generalmente mientras las
piezas están al rojo vivo. Luego se las enfría rápidamente, introduciéndolas en agua, pasto,
aserrín u otros materiales, los que a veces producen procesos de reducción en el barniz. Por lo
general, las piezas de raku tienen una coloración dispareja, manchada o tornasoleada, y los
resultados no son fáciles de prever o programar con anticipación.
RANGOLI
También conocido como Kolam o Muggu, es un arte popular de la India en la que los patrones
se crean en el suelo en las habitaciones o patios utilizando materiales como el arroz de colores,
harina seca, arena de colores o pétalos de flores.
Se hace generalmente durante las fiestas de Diwali (Deepawali), Onán, Pongal y otros festivales
de la India. Tradicionalmente, el Rangoli se hace sobre una cuadrícula en el norte de la India y
sobre una rejilla hexagonal en el sur de la India, mientras que en la fista de Onam los Rangolis
son típicamente circulares. El material utilizado también es respectivamente diferente. En el
norte de la India, el color se basa en yeso (chirodi), en el sur de la India en harina de arroz y en
Onam los Rangolis suelen ser de flores. Debido a la migración y la mezcla de personas dentro
de la India estos estilos están adoptadas y se mezclan libremente. Hoy en India se crean
Rangolis de plantilla libre, y se experimenta con materiales como el serrín, granos de colores,
etc.
Relicario
Desde la Edad Media, esta palabra designa un cofre de dimensiones reducidas, en forma de
sarcófago o iglesia, o medallón, en el que se guardaban las reliquias.
Relieve
Escultura realizada sobre una superficie de manera que resalte sobre el plano, sin despegarse
totalmente del fondo. Puede ser un altorrelieve, mediorrelieve o bajorrelieve.
REPRISTINAR
Restaurar una obra de arte por el procedimiento de sustracción. Es decir, retirar las capas
añadidas con posterioridad para hacer aparecer la obra original.
Repujado
Trabajo decorativo hecho sobre metal o cuero que se realiza martilleando el reverso para que
quede en relieve por el anverso. Posteriormente se retoca con el uso del cincel.
Retablo
Obra de arte que se coloca tras el altar, realizada sobre piedra, madera o metal, y decorada con
esculturas o pinturas, a ambas a la vez. Por lo general, el retablo está formado por un cuerpo
inferior, llamado banco o predela, y un cuerpo superior con piezas en forma y cantidad variables
según las épocas. El cuerpo del retablo se divide verticalmente en calles, que a su vez pueden
estar separadas entre sí por entrecalles, y horizontalmente por pisos o cuerpos. En ocasiones, el
retablo consta de dos puertas en los extremos laterales que pueden cerrarse, generalmente
pintadas por dentro y por fuera. El conjunto está protegido por el guardapolvo, que lo enmarca
en saledizo.
RETRATO
Imagen humana o animal en escultura, pintura o fotografía.
RONGORONGO
Se conoce con el nombre de rongorongo a un sistema de escritura ideográfica descubierto en
la isla de Pascua en el s. XIX, tallado primordialmente con puntas de obsidiana, en su mayoría
sobre tablillas de madera.
Los habitantes nativos de la isla de Pascua la llamaron también kohau rongorongo. La
traducción corriente del término kohau es madera que sirve para fabricar el casco de las canoas,
y rongorongo es ‘gran mensaje’ o ‘gran estudio’. También fue traducido como ‘líneas de
recitación’ o ‘báculos recitadores’.
Hay autores que dicen que esta forma de escritura es la única escritura estructurada en toda
Oceanía, aunque falta todavía un desciframiento fiable para comprobarlo. Los símbolos o los
glifos vienen tallados a lo largo de ranuras hechas con antelación al grabado en los artefactos y
son de una altura media entre 9 y 14 mm. Parecen representar gráficamente figuritas de seres
antropomórficos en diversas posturas, otras criaturas de fantasía que se asemejan a las aves, a las
plantas y a otros animales terrestres y acuáticos, objetos celestes, así como también objetos
geométricos, pequeños anzuelos, entre otros
ROSETÓN
Un rosetón (del latín rosa) es una ventana circular calada, dotada de vidrieras, cuya tracería se
dispone generalmente de forma radial.
El rosetón se utilizó principalmente en las fachadas de iglesias góticas. En el románico solía ser
de pequeño diámetro y se disponía a modo de óculo en los laterales de las naves.
A partir del siglo XIII, los rosetones fueron aumentando en tamaño y en complejidad de
decoración, hasta llegar a increíbles grados de filigrana pétrea. Pasaron a situarse en las
fachadas, por encima de las portadas, y en cada uno de los frentes del transepto. Las vidrieras se
decoraban normalmente con escenas bíblicas en vivos colores.
Su misión es doble: por un lado, la más simple de iluminar el interior de los templos; por otro, el
conseguir un ambiente misterioso al incidir en el altar los rayos filtrados por las multicolores
vidrieras cuando los rosetones se abren en el imafronte de la nave central. Los templos góticos y
románicos tienen su portada orientada a poniente, por lo que el mejor momento para verlos es al
atardecer
ROTORELIEVE
Concepto acuñado por Duchamp para unos discos de metal o de vidrio, que al girar consiguen
unos efectos plásticos mediante los efectos ópticos de la refracción de luz, con lo que
continuamente varían su propia manifestación óptica.
Sanguina
Lápiz de color ocre rojo o dibujo realizado con él.
SATURACIÓN
Grado de brillo e intensidad de un color. En pintura cada tono tiene un diferente grado de
saturación y todos los tonos pueden reducirse en cuanto a la brillantez hasta que lleguen a los
niveles más bajos, neutralizándose y apareciendo como grises.
SCHIACCIATO
Término italiano utilizado para definir una técnica del relieve que consiste en rebajar el volumen
de la superficie desde prácticamente el bulto redondo a los trazos más leves para obtener
mayores efectos de luz y volumen. Este sistema de modelado del relieve escultórico fue
utilizado por los romanos y perfeccionado por Donatello.
SECCIÓN ÁUREA
Regla de proporción armónica que resulta de dividir un segmento rectilíneo S en dos partes, A y
B, de modo que la división menor A, dividida por la mayor B, sea igual a B:S. Las llamadas
«reglas de Lamé» dan valores enteros aproximados de la sección áurea: 2:3= 3:5= 5:8= 8:13,
etc.
En la pintura renacentista se hallan abundantes ejemplos del uso de esta «divina proporción» o
«regla de oro», que tiene su origen en los tratados de Euclides.
SECTION D’OR (SECCIóN DE ORO)
Grupo que, en 1912, se escindió del Cubismo preconizado por Picasso y Braque, al que
criticaron tanto por su limitada gama cromática como por su temática, reducida en la práctica a
naturalezas muertas. Léger, Duchamp, Picabia y Juan Gris, entre otros artistas que integraron el
grupo, abogaban por una pintura más dinámica, de colores más violentos y que respetase unas
reglas precisas de armonía proporcional. La tentativa se disolvió en 1914.
SEMÁNTICA
Tendencia artística lírico-abstracta que desarrolla sus motivos a partir de signos simbólicos
empleándolos como clave de un determinado contenido mental y sensitivo.

SFUMATO
Término italiano que define un recurso pictórico que busca la captación ambiental al envolver el
espacio en una neblina y abandonar la definición del contorno. Es propio de la pintura de
Leonardo da Vinci y en cierto modo su aportación a la perspectiva aérea.

SGRAFIADO
Sistema de decoración italiano que superpone dos capas de pintura de color distinto. En
determinadas zonas se quita la capa superior quedando la inferior al descubierto.

SHAPED CANVAS
No tiene traducción, podría ser «lienzos con formas» Los primeros que rompieron con la norma
del rectángulo para los lienzos fueron los pintores italianos renacentistas, preferían el lienzo
circular para las representaciones de la Virgen. A estos lienzos circulares se le llaman «Tondo»
que es otra palabra que tampoco tiene traducción al castellano.
Esta tendencia de romper con la norma de los marcos rectangulares es difícil de datar pero su
mayor actividad se produce a finales de la década de 1950 hasta mediados de la década de 1960,
Jasper Johns experimentó con lienzos formados y compartimentados, en particular con su
«American Flag Painting «, un lienzo colocado sobre otro más grande. Los conjuntos
experimentales de Robert Rauschenberg y sus «combinaciones» también exploraron variaciones
de lienzos divididos y en forma. El artista argentino Lucio Fontana también comenzó temprano
el experimento en lienzos con formas y compartimentados con su Concetto Spaziale, serie
Attese en 1959.
Se suprime completamente el esquema de los formatos rectangulares del cuadro a favor de unas
formas alargadas, ovales o romboidales. El acto pictórico se traslada a menudo a los bordes del
cuadro e incorpora el marco y los cantos en la estructura de la presentación.

SIJL (Estilo) Movimiento


A través de la historia del diseño y del arte, dos movimientos recientes surgieron como
altamente influyentes en los campos gráficos del diseño industrial. Éstos son los movimientos
del DeStijl y del Bauhaus.
DeStijl:»el estilo» la escuela de DeStijl del pensamiento nace en Holanda en 1917, se funda
dentro de una filosofía idealista buscando que el arte diera una nueva visión a la vida. Dentro de
este movimiento tuvieron figuración pintores como Theo van Doesburg, Peit Mondrian,
arquitectos como J.P. And y Bod van Thoff, en todos ellos se observa un gradual proceso de
depuración de las formas que culmina en una abstracción geométrica total. Las ideas del
Movimiento STIJL están influenciadas por las del filosofo M.J.H. Schoenmackers, músico y
matemático quien afirmaba el orden matemático del universo.
La composición formal quedó reducida a los elementos fundamentales: línea vertical y línea
horizontal, tres colores primarios (rojo, amarillo y azul y los tres valores de base blanco, negro
y gris) que según creencia de artistas, en ellos subyacía toda la realidad objetiva, como se puede
observar en la silla roja y azul diseñada por Gerrit Rietveld.
A partir de los elementos fundamentales línea plano y color, buscaba una imagen en equilibrio y
proporción símbolo de la armonía universal de la vida.
STRATA-CUT
Es una forma de animación stop motion que consiste en modelar con plastilina de distintos
colores una forma o cuerpo, que después se va cortando en finas lonchas y se van fotografiando
para construir los frames de la animación. Los primeros en usarla fueron los animadores
alemanes Oskar Fischinger y Lotte Reiniger. Más recientemente, en 1985, la técnica fue de
nuevo popularizada por Will Vinton en un corto de 16 minuto de título «Buzz Box».
Esta técnica puedes verla y estudiarla en tuturiales en http://stratacut.com/
STRATA-STENCIL
Stratastencil es una técnica de animación stop motion desarrollada por Javan Ivey. Básicamente
consiste en recortar escenas en hojas de papel (una por fotograma) y hacer una película
superponiendo los papeles recortados. Ver un ejemplo.
STUDIO GLASS
El término “studio glass”, acuñado en los Estados Unidos, se popularizó en los años cincuenta y
sesenta para describir el vidrio trabajado en un estado caliente, generalmente soplado, por un
solo artista trabajando en solitario en un estudio en vez de hacerlo en una fábrica.
SUPREMATISMO
Corriente artística surgida del Cubismo. El Suprematismo fue lanzado en 1913 en Rusia por
Kasimir Malevich, quien sostenía que la pintura debe ser exclusivamente el resultado de los
elementos geométricos, rectángulo, triángulo, círculo y cruz, para reflejar, no sólo la esencia
material del mundo hecho por el hombre, sino también su anhelo de acercarse al misterio
inexplicable del universo. Para Malevich, además, el arte no tiene por que ser útil socialmente,
debiendo el artista mantener una independencia intelectual que le permita concentrarse en la
creación. Su pintura más famosa, Composición Suprematista: Blanco sobre Blanco (la cual
presenta un cuadrado blanco sobre otro del mismo color) es considerada como una lógica
conclusión de sus propuestas. El movimiento tuvo breve duración y limitada influencia en
Rusia, pero sus ecos quedaron recogidos en la metodología didáctica de la Bauhaus, gracias a la
labor de El Lissitzky y Moholy-Nag
Surrealismo
El surrealismo empieza en 1924 en París. Allí, el escritor francés André Breton publica el Primer Manifiesto
del Surrealismo y define el nuevo movimiento como "automatismo psíquico puro a través del cual nos
proponemos expresar, ya sea verbalmente o por escrito, o de cualquier otro modo, el funcionamiento real del
pensamiento". En principio era un movimiento de y para escritores, pero de inmediato se vislumbraron las
enormes posibilidades que tenían para la pintura y la escultura. Pronto se distinguieron dos modos de hacer
arte surrealista. De una parte, los pintores que seguían defendiendo el automatismo como mecanismo libre
de la intervención de la razón; entre los más destacados están Joan Miró y André Masson. De otra, cada vez
adquirió más fuerza la opinión de quienes creían que la figuración naturalista podía ser un recurso igual de
válido. Sin duda, Salvador Dalí llevaría al límite el poder rupturista de la figuración, pero también cabría
mencionar a René Magritte, Paul Delvaux o Yves Tanguy, éste último más interesado en las formas
viscosas, líquidas. El arte surrealista investigó nuevas técnicas, como el frottage, la decalcomanía,
el grattage, el cadáver exquisito o la pintura automática. También se interesó el surrealismo por la expresión
de colectivos a los que apenas se había prestado atención en el pasado. El arte de los pueblos primitivos, el
arte infantil, de los dementes o de los aculturizados fue revalorizado desde entonces. Su duración es
ciertamente muy extensa, desde 1924 hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. Además su capacidad de
promoción fue excepcional, se celebraron exposiciones en todo el mundo. Como consecuencia del
surrealismo y la abstracción, la pintura contemporánea norteamericana lideró a partir de 1945 el arte
mundial.
SUWER
Este tipo de pintura pertenece a un movimiento artístico típico de Senegal que tiene su origen
en el Mediterráneo y en el ámbito islámico. Se le conoce popularmente como Suwer; palabra
adaptada del francés “sous verre” que quiere decir, bajo el cristal. Este movimiento está
considerado como la primera expresión del arte pop africano de los años 50 y 60, por su
mensaje subversivo y político en respuesta al desafío de poder; y por su carácter urbano y
narrativo. Las características de este tipo de pintura son la delimitación de la figura y contorno
por medio de líneas de tinta; el gusto por el colorido, los fondos neutros de color plano, las
figuras hieréticas y la desproporción deliberada.
SYSTEMIC PAINTING
Corriente paralela al Minimal art en el terreno de la pintura, que en la segunda mitad de los años
veinte también se forma como desarrollo ulterior de la pintura Colour field. Es característica la
construcción del cuadro guiado por unas estructuras sistemáticas.
TACHISMO
(Taches = manchas de color). Corriente artística del expresionismo abstracto en Francia que se
abandona al acto pictórico ejecutado de forma totalmente espontánea permitiendo así la
expresión directa de sus imaginaciones. Fue una reacción al cubismo que estuvo activa durante
dos décadas: 1940 y 1950. Los artistas del Grupo Cobra y del japonés Gutai también están
relacionados con el tachismo.
Algunos de sus miembros eran Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Stael, Hans
Hartung, Serge Poliakoff, y Georges Mathieu
TAPE SCULPTURE
Nueva técnica para hacer una escultura hueca de casi cualquier cosa que desee utilizando sólo
una envoltura de plástico (film de cocina) y cinta adhesiva.
TECNICA DE PAÑOS MOJADOS
Es una técnica escultórica muy utilizada en el relieve especialmente y que consiste en
representar las trasparencias del cuerpo humano producidas cuando la ropa está mojada. Fidias
la utilizó en el Partenón y posteriormente el relieve romano también la usó.
TECNICA MIXTA
Se refiere a las obras en que el autor combinó varias técnicas (óleo y acrílico, por ejemplo) o
introdujo elementos extrapictóricos, como objetos de uso cotidiano o recortes.
TECNICA TRÉPANO
Un tipo de técnica escultórica que se realiza con un instrumento denominado «trépano», el cual
sirve para horadar. Cuando se utiliza esta técnica trépano, el artista produce una escultura que
presenta profundas incisiones y oquedades, con amplios contrastes de luz y de sombra.
TEMARI
Son una forma de arte popular y la artesanía japonesa que se originó en China y se introdujo en
Japón alrededor del siglo VII dC. » Temari » significa «bola de mano» en japonés . Los Temari
son regalos muy apreciados y apreciados, que simbolizan la amistad profunda y la lealtad.
Históricamente, los temarios se construyeron a partir de los restos de antiguos kimonos . Los
pedazos de tela de seda se enrollarían para formar una bola, y luego el rollo se envolvería con
tiras de tela. Con el paso del tiempo, el temari tradicional se convirtió en un arte, con una
costura cada vez más decorativa y detallada, hasta que las bolas mostraban intrincados bordados.
Estas bolas pasaron de ser juguetes a objetos de arte, aunque las madres todavía las fabrican para
sus hijos. Temari se convirtió en un arte de la clase alta y la aristocracia japonesas, y las mujeres
nobles compitieron para crear objetos cada vez más bellos e intrincados.
Témpera
Técnica similar a la acuarela. En la témpera los pigmentos están aglutinados con cola o
mezclados con pigmento blanco. Aunque carece de la delicada luminosidad de la acuarela, es
más sustanciosa que ésta y su textura se parece a la de la pintura al óleo. Además, la tendencia
de los colores de la témpera a aclarar a medida que se secan permite una amplia gama de efectos
nacarados. También conocido como gouache.
TEMPLE
Técnica de pintura que utiliza el huevo o la cola como aglutinante. Tradicionalmente, se
mezcla yema de huevo con agua. El medio es muy versátil, mucho más que los óleos, donde hay
que pintar en graso sobre magro, es decir, hay que añadir más aceite a cada capa de pintura para
impedir que las capas inferiores se agrieten. Con en el temple es posible trabajar en graso sobre
magro o en magro sobre graso. La principal diferencia entre el, temple y los óleos es que, para
obtener los mejores resultados, el pintor al temple debe hacer sus pinturas con huevos frescos,
agua y pigmento seco, pero no existe ningún misterio en ello, y de hecho es más sencillo hacer
pinturas con temple que con otros medios.
TENEBRISMO
Estilo o corriente de la pintura del Barroco correspondiente a su fase inicial, a comienzos del
siglo XVII, cuyos principales exponentes son el italiano Caravaggio y José de Ribera (el
Españoleto, afincado en Nápoles). El Tenebrismo se caracteriza por el violento contraste de
luces y sombras mediante una forzada iluminación (de forma muy evidente cuando se hace
llegar un foco de luz marcando una diagonal en la pared del fondo, como la que proviene de un
tragaluz en un sótano -es habitual referirse a este recurso como luz de sótano o luz de bodega.
La palabra proviene del latín tenĕbrae («tinieblas»).
Terracota
Del latín terra cocta, tierra cocida. Arcilla cocida al horno, utilizada para realizar esculturas,
vasos, jarrones, relieves, elementos y motivos arquitectónicos. Por extensión
escultura y pieza artística en barro cocido.
TEXTURA
El término proviene de la artesanía textil, y se refiere a la urdimbre y trama de los telares. Por
extensión, llamamos textura a la mayor o menor rugosidad de una superficie, a su riqueza al
tacto. La textura está compuesta por una serie más o menos persistente de pequeñas formas
planas o en relieve. Su condición depende de la proximidad visual que tengamos con la
superficie. Así, los árboles de un bosque aparecen como una textura si miramos desde un avión.
TIEMA
(Pintura) Listoncillo o vara delgada que mantiene el pintor en la mano izquierda para apoyar en
él la derecha en el acto de pintar. Tiene en uno de sus extremos una bolita o perilla para que al
apoyarlo no lastime al lienzo.
TONO
El tono es la longitud de onda que define a un color, o dicho con una terminología más casera,
es el nombre del color por ejemplo: rojo, naranja, verde, azul, amarillo, violeta, fucsia, salmón.
El color puede ser descrito de acuerdo a sus tres coordenadas: Tono, Valor y Saturación.
TRANSFER
Es un diseño trasladado a un papel generalmente mediante proceso digital y
estampado en la prenda por medio de calor. El proceso es similar al de una
calcomanía. Ventajas del transfer que puedes aplicar un diseño completo en
cuatricromía y queda perfectamente estampado en la prenda. Desventajas, al tacto es
incómodo si se trata de un diseño grande, es como llevar una pegatina y con el tiempo
y los lavados se acaba destrozando el dibujo hasta dejar inservible la camiseta.
Actualmente el transfer ha evolucionado, trasladando pintura textil, lacas, plastisol a
láminas de papel y aplicándolo mediante calor a cualquier tejido consiguientes tactos
más suaves y mejores resultados.
TRANSVANGUARDIA
Movimiento artístico italiano a partir de los años 80 del siglo XX con lo que comenzó la
posmodernidad. Los transvanguardistas defienden un individualismo extremo y expresan sus
sentimientos y emociones con espontaneidad. A menudo basan su arte en otros cuadros.
Nació en contraposición al arte povera, movimiento anterior de moda hasta entonces en Italia.
La transvanguardia teorizaba el regreso a la alegría y a los colores de la pintura después de
algunos años de dominación del arte conceptual. El movimiento tuvo como protagonistas a un
sexteto de artistas: Sandro Chia, Horacio de Sosa Cordero, Enzo Cucchi, Francesco
Clemente, Nicola De María y Mimmo Paladino.
Tricomía
Impresión tipográfica en color en la que se utilizan tres tintas diferentes.
TRÍPTICO
Es una forma de presentación artística que se encuentra a lo largo de la historia del arte y el
simbolismo religioso, en muchas culturas en todo el mundo. Los primeros ejemplos de trípticos
fueron tallados y pintados sobre paneles de madera y tablas de piedra, a menudo consistían en
un panel central con dos «alas» una a cada lado. Usadas con frecuencia en el contexto de una
ceremonia religiosa, estas obras eran populares como retablos, y se hacían con vitrales,
mosaicos o arcilla, además de pintar sobre paneles de madera. La pintura religiosa durante el
Renacimiento vio un aumento en el uso de pinturas de múltiples paneles o polípticos,
particularmente como un medio de narración, que representa escenas de la Biblia y otros textos
religiosos.
Los artistas flamencos, como Hieronymus Bosch y Hans Memling, a menudo utilizaban trípticos
para unir varios elementos en una composición representativa, ejemplificada en la monumental
obra de Bosch «El jardín de las Delicias» (1503-1515). El uso del tríptico ha aparecido en
muchos movimientos y en particular, como una herramienta fotográfica que muestra múltiples
perspectivas al mismo tiempo. Los ejemplos modernos incluyen «The Actors» (1942), del pintor
expresionista alemán Max Beckmann, y la famosa y millonaria pieza de Francis Bacon , «Three
Studies of Lucian Freud» (1969).
UKIYO-E
El arte del ukiyo-e («cuadros del mundo flotante» o «cuadro del mundo boyante»), nace en
Japón, en la cultura metropolitana de Edo (hoy Tokio) durante el período de la historia japonesa,
cuando la energía política y militar estaba en las manos de los shoguns (1603 – 1867), y el país
fue aislado virtualmente del resto del mundo. Es un arte conectado de cerca con los placeres de
teatros, restaurantes, de casas de té, de geishas, etc., que son entonces muy abundantes en la
ciudad . Muchas impresiones del ukiyo-e de los artistas como Utamaro y Sharaku eran carteles,
anunciando funciones de teatro (kabuki), o los retratos de ídolos populares y de muchachas
hermosas de la casa de té. Este el mundo más o menos sofisticado de placeres urbanos también
fue animado por el amor japonés tradicional a la naturaleza. Los artistas del ukiyo-e como
Hokusai e Hiroshige han tenido un impacto enorme en la representación del paisaje en todo el
mundo. Y sobre todo una gran influencia en el período impresionista que queda patente en los
carteles de Toulusse-Loutrec.
En su origen, fueron dibujos simples que se convirtieron gradualmente en grabados
xilográficos, para satisfacer así el crecimiento de la demanda. Grabados en los que desarrollaron
gran pericia llegando a menudo a utilizar más de veinte colores. En el siglo XVIII Suzuki
Harunobu desarrolló una técnica de impresión polícroma para producir nishiki-
e que es el nombre que reciben en Japón las xilograf´ias de muchos colores. Con Ukiyo-
e podemos ver y aprender las costumbres, la historia, y las maneras del Japón tradicional.
VACIADO
(Cerámica) Equivalente a moldeado. Proceso para la confección de piezas que se realiza
vertiendo una pasta líquida pero espesa en moldes de yeso; como éste absorbe el agua más
cercana, permite que se forme una capa de pasta más firme sobre la pared del molde: Este
proceso tomar desde unos pocos minutos hasta más de media hora, dependiendo de las piezas, la
humedad y el grosor deseado de la pared de la pieza. A continuación se extrae o elimina la pasta
líquida restante. Más tarde, cuando la pieza se haya secado algo más, adquiriendo la consistencia
suficiente para ser manipulada, se desprende del molde fácilmente.
VELADURA
En la pintura al óleo, técnica de pasar una capa de color opaco sobre un fondo o una capa ya
existente, de manera que este ultimo quede parcialmente borrado, logrando un efecto de color
apagado. Cuando el color que se aplica es transparente, se puede usar el galicismo «glacis».
-Método de lustrar utilizado por los pintores italianos antiguos, que consistía en frotar el color
con los dedos o con la palma de la mano, para llenar los intersticios dejados por la brocha y, de
este modo cubrir finamente la superficie del cuadro.
VIBRACIÓN CROMÁTICA
Término empleado para designar una ilusión óptica que sintetiza el considerable contraste de las
series simétricas cromáticas como un movimiento tridimensional espacial (Vasarely).
VIDEO INSTALACIÓN
Forma de expresión artística, que utiliza el video como componente central, y que relaciona la
imagen videográfica con otros objetos y materiales, ocupando un espacio específico. La imagen
de video en este caso, desborda el reducido marco de un televisor por su tamaño y forma y no
está condicionada ni tiene relación alguna con la televisión en cuanto medio de comunicación.
La imagen electrónica se segrega de la televisión y altera el estatuto del televisor, de la imagen
televisiva y del espectador. La video instalación cambia radicalmente las relaciones entre
espectador e imagen electrónica, entre audiencia y monitor. Las nuevas tecnologías han
permitido además, mediante sistemas de proyección, independizar la imagen de video del
monitor. No se trata por lo tanto de ver las imágenes ante una pantalla, sino de recorrer el
espacio integrando las imágenes y los otros elementos a él.
VIDRIO ARTESANAL
Vidrio manufacturado mediante los métodos de: soplado, colado, prensado, a rodillo. 2.- formas
del vidrio horneado: decorado, modelado ,laminado, fundido, etc.. 3.- vidrio modificado con un
tratamiento químico o mecánico: grabado, acidado, tallado, etc..
VIDRIO COLADO
(Casting) 1. Procesos de modelar por fundición de vidrios de desechos, granulados, o vidrio
vertido (pouring) hacia el interior de un molde o mesa, para la obtención de piezas en
volúmenes o planas, según los métodos de moldeado, vaciado, prensado, centrifugado, vertido
libre, etc.
2. antiguo método manual de fabricación del vidrio plano con rodillo iniciado en Francia a fines
del S. XVII, aún en uso. La masa del vidrio fundido se vierte desde un crisol y se aplana con el
rodillo sobre una mesa de hierro.
VIDRIO CURVADO
(bending) Técnica de moldeado de una pieza de vidrio a una temperatura baja, para retener sus
características físicas sin modificar el espesor de sus bordes.
VIDRIO DECORADO:
Modificación de la superficie externa del vidrio mediante la aplicación de técnicas de esmaltado,
incrustación, grisalla, lustre, etc.
VIDRIO ESTIRADO
(stretching) Técnica de estiramiento y deformación bajo su propio peso, mediante el cual el
vidrio horneado pierde uniformidad de su espesor cuando la temperatura supera su «Punto de
Ablandamiento».
VIDRIO FLOTADO
(float) Tecnología desarrollada desde 1960 para la fabricación industrial del vidrio plano
trasparente, ‘flotado’ sobre metal líquido. Este tipo de vidrio se lo denomina comercialmente
«cristal», y se diferencia del anterior sistema de «estirado» por la obtención de mayor
trasparencia en sus caras planas paralelas, exenta de distorsiones.
VIDRIO FUNDIDO
(fusing/fused glass) Proceso de amalgama completa entre capas, granos o polvos de vidrios sin
distinción de bordes, y se aplican en los métodos de colado y pasta de vidrio.
VIDRIO HORNEADO
(kilnforming) Método de recalentar y reformar el vidrio en el horno.
VIDRIO LAMINADO
(laminating) Proceso de pegado entre capas de vidrios a temperatura media , por el cual retienen
las características sus formas, con bordes redondeados. Se ubica entre los procesos de soldado y
fundido y, a igual que ellos, emplea vidrios compatibles.
VIDRIO SODACAL
Clasificación de los vidrios, según su composición química, en base de soda y cal, además de la
sílice. Son vidrios industriales de uso cotidiano, cuyas técnicas artesanales se desarrollan en este
libro. Se diferencian de los vidrios de «plomo» (o plúmbicos) y de los «potásicos», elementos
reemplazantes del sodio popularmente llamados cristales o vidrios artesanales , y de los vidrios
borosilicatos, en base de sílice y bórax, de uso industrial como el «pirex» y artículos de
laboratorio.
VIDRIO SOLDADO
(glass soldering) Proceso de pegado de dos o más piezas de vidrios a una temperatura baja, para
preservar sus características físicas, sin deformación de bordes.
VIDRIO STRASS
El strass es un tipo de vidrio de plomo que se caracteriza por una gran densidad y refringencia,
lo que le hace muy adecuado para imitar piedras preciosas. Ejemplo de ello es el vidrio
Swarovski.
VOLUMEN
En las Artes Visuales el volumen es la manera de tratar la tridimensionalidad de las
masas. Volumen (Artes Visuales). ... En escultura, se le llama volumen a una estructura formal
tridimensional, así como también volumen a las partes componentes del todo escultórico,
cuando éstas tiene el carácter de masas.
VORTICISMO
Movimiento artístico iniciado por Wyndham Lewis en Londres, en 1914. Según Herbert Read es
la versión inglesa del Futurismo, aunque también recibió influencias del Cubismo.
XIEYI (pintura china)
Xie significa escribir y Yi ideas. Las pinturas xieyi se llevan a cabo muy rápidamente, pero esto
necesita una muy larga experiencia. Es un género de pintura tradicional china que incluye
poema, caligrafía, pintura y sello.
Material y soportes:
Pintura Xieyi se practica en papel absorbente Xuanzhi.
Los pinceles utilizados en Xieyi varía en función de cada parte del tema pintado. Sin embargo ,
podemos hacer la siguiente distinción :
El pincel gran Langhao cuya rigidez de los pelos hace que sea posible pintar las ramas y las
rocas.
El Jianhao que combina la fuerza y la flexibilidad, es útil en la representación de los bambúes y
las orquídeas.
El Yanghao cuya flexibilidad hace que sea posible llevar a cabo los movimientos completos y
hermoso color.
Técnica
En general , se traza un proyecto muy esquemático con el lápiz en la hoja. Entonces, la pintura
se lleva a cabo en un proceso que tardará unos minutos como máximo. El pincel debe estar
siempre húmedo. Se puede utilizar tinta negra o de color, empapado en el pincel de acuerdo con
un principio de sombra: más oscuro con el punto y más claramente hacia la base de los pelos. El
diseño se hace en un solo movimiento. La obtención de los tonos depende de la presión y la
pendiente de la cepillo.
XILOGLIFO (geoglifo)
(Esc.) Cualquier escultura de madera.
XILOGRAFÍA
La palabra xilografía proviene del término griego “xylon” – que significa madera – y del término
“grafos” – grabado -. Por tanto, cuando hablamos de una xilografía o grabado xilográfico nos
referimos a un grabado realizado sobre una plancha de madera. El proceso xilográfico consiste
en dejar en relieve aquellas partes del bloque de madera que corresponden al dibujo, mientras
que el resto se vacía. En el momento de imprimir se entinta la superficie que sobresale.
YACENTE
Escultura que representa a una persona fallecida y acostada, generalmente esculpida sobre un
sarcófago.
YESERÍA
Obra hecha de yeso. También se refiere al hecho de crear con yeso falsos elementos
arquitectónicos que sólo tiene una finalidad decorativo y ornamental. Muy utilizada en el arte
musulmán
YESO
Sulfato de cal deshidratado, que al mezclarlo con agua forma una pasta que fragua (se endurece
progresivamente). Se emplea mucho en la escultura y la pintura, debido a la superficie blanca,
brillante y suave que ofrece. También se emplea en bajorrelieves y en muebles, ya que se puede
dorar.
YOSEGI
(o Yosegi-zaiku) Es un tipo de marquetería tradicional japonesa que se originó durante el
período Edo. Yosegi es el modo como el mosaico en sí es creado para después este ser
convertido luego en material para decoración y/o para crear objetos de madera tanto decorativos
como funcionales. El trabajo de mosaico se hace mediante el uso de recortes finos y texturados
de madera, para el Yosegi se emplean maderas de diferentes colores, las cuales se cortan en
barras de tantas secciones como se deseen. Según el tipo de madera se puede conseguir
determinados colores. Las barras se pegan juntas para formar la sección del diseño geométrico.
Después este «composite» se corta en láminas delgadas de madera, que se pegan en cajas y otras
obras de artesanía. Para agregar al esmalte y la robustez de la superficie, se aplican
recubrimientos de acabado de laca
ZENTANGle
La palabra Zentangle deriva de las prácticas del dibujo Zen y tangle que significa maraña o
enredo. Es una reflexión artística que admite la relajación, la concentración y la
inspiración y puede ser un ritual diario maravilloso. Es una forma fascinante de arte intuitivo
que es divertido y relajante. Aumenta la concentración y la creatividad. Crear Zentangles
proporciona a su vez una satisfacción artística y una mayor sensación de bienestar personal.
ZOOMORFO
(Del griego zoo «animal» y morfo «forma») Todo aquello que tiene o recuerda a la figura de un
animal.
ZOÓFOROS
Bandas de adorno en los frisos, jarrones… que representan animales.

ALMIRON GISELA SILVANA


PROFESORADO DE ARTES VISUALES