La intimidad inherente a esta selección de 1966 sitúa a este disco

como único en su propia clase. Un trabajo fascinante que ha

creado el multitalentoso artista Sammy Davis, Jr. Los diez temas
presentan a Davis como cantante y a Laurindo Almeida, famoso
guitarrista brasileño quien ya había hecho su propio nombre como
acompañante de Carmen Miranda antes de volcarse
decididamente al jazz de la Costa Oeste junto al saxofonista Bud
Shank a mediados de los 50. Ambos se complementan uno a otro
sin ningún esfuerzo con la verdadera entonación y el tenor de sus
respectivos artes.

Las incisivas habilidades emocionales que imprime Davis como

intérprete le otorgan una cualidad dramática al amplio rango del
material versionado. La interpretación del tema “Here’s That Rainy
Day”, cuando se la compara con la de sus compañeros del Rat
Pack de Frank Sinatra, denota que la voz de Davis se apoya sobre
la canción dándole una palpable sensación de melancolía. Él evoca
un sentimiento similar en la triste y dolorosa versión de “Ev’ry
Time We Say Goodbye” de Cole Porter, pero también en la
esperanzadora y optimista “I’m Always Chasing Rainbows”.

Como sea, la magia que ha tejido este trabajo en colaboración sin

duda es la incorporación de varias conocidas melodías de
Broadway. “Where Is Love”, tomada de Oliver de Lionel Bart, es una
sorprendente, si no hipnótica, interpretación. “Joey, Joey, Joey”
alcanza una ambiciosa cercanía, ofreciendo lo que es
posiblemente un momento definitorio y trascendiendo el lugar que
ocupó el tema en la producción teatral The Most Happy Fella,
transformándose aquí en una excepcional y exquisita balada.

En 2004, Collectors’ Choice Music reeditó Sammy Davis, Jr. Sings

and Laurindo Almeida Plays como parte del completo proceso de
restauración del catálogo de Davis de los 60 en Reprise Records.

(traducción libre de mi genial primo Guillermo sobre el texto de

Allmusic)
Tracklist
1 – Here’s That Rainy Day 2:19

2 – Two Different Worlds 3:24

3 – The Shadow Of Your Smile 4:08

4 – Where Is Love 3:04

5 – Ev’ry Time We Say Goodbye 4:08

6 – I’m Always Chasing Rainbows 2:25

7 – We’ll Be Together Again 3:18

8 – Joey, Joey, Joey 4:23

9 – The Folks Who Live On The Hill 3:50

10 – Speak Low 3:35

Sammy Davis Jr. – vocals

Laurindo Almeida – acoustic guitar

Tiempo: 34 min.

Tamaño: 68 MB
Nace en Milán en 1972. Con 15 años debuta profesionalmente. Ya
antes de graduarse Cum Laude en el Conservatorio Cherubini de
Florencia (1993), Stefano Bollani había realizado giras por Europa
como tecladista de cantantes de pop italianos y con el rappero
Jovanotti. Por esta misma época comienza a colaborar
ocasionalmente con músicos como Richard Galliano, Gato Barbieri,
Pat Metheny y con Enrico Rava, con quien mantiene una
colaboración rica y prolífica desde 1996. Bollani ha tocado en los
festivales más importantes del mundo, como el Umbría Jazz,
Saalfelden, Montreal… y ha interpretado su música en prestigiosos
escenarios como la Scala de Milán o el Town Hall de Nueva York.
Su reconocimiento fue creciendo en Italia y en 1998 ganó la
encuesta de la revista Música Jazz como nuevo talento; en 2000,
consiguió el prestigioso premio francés Django D´or. En 2003, la
revista japonesa Swing Journal le concedió -por primera vez a un
músico europeo-, el premio New Start. Y entre los últimos
galardones, el prestigioso European Jazz Prize 2007 recaía en
Stefano Bollani: éste valorado galardón está patrocinado por la
ciudad de Viena y la Asociación de Músicos austriaca. Y en
noviembre de ese mismo año, todo Estados Unidos podía escuchar
a Bollani a través del famoso programa de radio que la pianista
Marian McPartland dirige con todo rigor y prestigio desde hace
décadas. Bollani era su invitado y habrá ocasión de escuchar este
concierto a través de una grabación de próxima aparición.

La música de Bollani vive bajo el signo de la ironía, de marcado

sabor italiano y de reminiscencias del pasado. Estas
características son evidentes en los cuatro discos publicados por
el sello francés Label Bleu: Les Fleures Bleues, inspirado en el libro
homónimo del escritor Raymond Queneau, con Scott Colley (b) y
Clarence Penn (bat); Smat, Smat, un álbum en
solitario, Concertone, con trío de jazz y orquesta sinfónica, e I
Visionari, un ambicioso proyecto en formación de quinteto.
También 2006 fue el año de su debut en solitario para el sello
alemán ECM, después de colaborar con Enrico Rava, su padrino
musical, en dos discos editados por el mismo sello: Easy
Living y Tati. Con Piano solo, su destacada técnica, su estilo
versátil y afilado ingenio han convertido a este italiano de 36 años
en el más popular de su país además de que su prestigio
internacional crece constantemente. Para ECM ha grabado
también en dúo con Enrico Rava: The Third Man, disco publicado a
finales de 2007 y que ha conseguido las críticas más elogiosas por
parte de prensa y público.

Tras estas dos grabaciones en solo y en dúo, Bollani ha publicado

un proyecto bien diferente, Carioca (Universal, 2008), como
homenaje a una música y unos compositores por los que se siente
fuertemente atraido. Sin dejar de girar con el grupo
brasileño-italiano que lo acompaña en esa grabación, ha vuelto a
los estudios, de nuevo para el sello alemán ECM y para un disco en
trío con Jesper Bodilsen (b) y Morten Lund (bat) que saldrá el
próximo otoño.

Stefano Bollani es además escritor y tiene dos libros

publicados: L’America di Renato Carosone (2004) y La síndrome di
Brontolo (2006).
texto tomado de:

Musicians:

Stefano Bollani – Piano, Vocals

Ares Tavolazzi – Bass

Walter Paoli – Drums

Tracks:

1. Here’s To Life

2. Se Non Avessi Piu Te

3. Ma L’Amore No

4. Arrivederci

5. Una Lacrima Sul Viso

6. De Conversa Em Conversa

7. Sono Conteno
8. Non Ho L’eta Per Amarti

9. Boccuccia Di Rosa

10. I’m Begi

Con tan sólo una voz y una guitarra, Tuck & Patti han cambiado el
mundo sigilosamente; sin ser revolucionarios, a través de su
música pueden despertar emociones más profundas que aquellas
avivadas por la airada indignación. El suyo es un estilo basado en
exquisitos gestos en miniatura que cautivan a sus oyentes de
forma más potente que cualquier extravagancia modernista. En
efecto, el sonido de Tuck & Patti es una semilla que se acomoda y
brota en el jardín de nuestra imaginación. Se abre lentamente,
como una flor que, al florecer, logra emitir tanta luz como la que
absorbe, hasta que la última brizna de oscuridad desaparece.
Como el sol y una suave llovizna sobre la tierra árida, su sonido
logra milagros. Desde las baladas susurradas hasta el swing
juguetón, con un estilo que matiza la simplicidad con destellos de
virtuosismo, Tuck Andress & Patti Cathcart llevan años
embrujando al público — pero ahora, están en su onceavo
álbum, Live in Holland grabado tanto en DVD, como en dos CDs en
Groningen (Nordeste de Holanda). Su fuente, según Tuck, es la
decisión que él y Patti tomaron hace años de desarrollar su arte
dentro de unos límites que quizás otros músicos consideren
estrictos. “Al ser sólo nosotros dos, probablemente estemos
medio locos al meternos tanto en los detalles,” admite. “Y después
de haber decidido hacer sólo lo que puedes hacer con una voz y
una guitarra en vivo, sin modificar el sonido de ninguna manera ni
añadir efectos, el siguiente paso es hacer como si cada canción
que interpretamos fuera la única canción en el mundo y darle el
respeto que se merece. Eso también fortalece el proceso
compositivo de Patti: Cada canción se convierte en su propio
pequeño universo.” Estos universos, y la unidad que logran en cada
CD, son las señas inequívocas de su triunfo — una afirmación de
las creencias que les sostienen en su música y en su vida.
(www.tuckandpatti.com)

tomado de: 

tracks

1. Tears of Joy

2. Time after Time

3. Castles Made Of Sand/Little Wing

4. Better Than Anything

5. Takes My Breath Away

6. Europa

7. Dream

8. Love Is The Key

9. Sitting In Limbo

10. Sweet P

11. Love Warriors

12. As Time Goes By

Braulio, asiduo colaborador de este blog, me sorprendió hace un

tiempo enviándome este disco. Y me sorprendió por varios
motivos: primero, porque es el primer disco que me envía que no
es de un guitarrista, y en segundo lugar porque desconocía
absolutamente todo acerca de Julie London, la seductora cantante
que presentamos hoy aquí.
Como no se nada acerca de ella, busco en la red, y en
las   encuentro el siguiente
artículo:
La imagen de sensualidad felina y sugerente, y el estereotipo de
chica de calendario “Calendar Girl”, es justamente, el titulo de un
disco suyo de 1956), fue explotada sistemáticamente en las
portadas de los álbumes de Julie London (1926-2000).
Desde 1944 había iniciado su trayectoria cinematográfica
cambiando su verdadero nombre de Julie Peck, por el que adoptó
definitivamente. En 1955 entraba por primera vez en unos
estudios de grabación para grabar “Julie is her Name”, una especie
de disco presentación con el acompañamiento del maestro de la
guitarra, Barney Kessell y el contrabajista,Ray Leatherwood. Uno
de sus temas “Cry me a River” se convirtió rápida y
fulgurantemente en un enorme éxito de ventas y le abrió las
puertas del sello “Liberty” para continuar grabando de la mano de
su manager, por entonces, el inteligente, Bobby Troup.
Para Liberty, grabó entre 1955 y 1969, cerca de una treintena de
discos, algunos tan extraordinarios como el titulado: “Julie is her
Name”(1955-1958); “Julie…at Home” (1959), o el excelente “All
Through the Night” en 1965. Con extraordinarios acompañantes
siempre, y bajo la batuta de excelentes compositores como Jimmy
Rowles o André Previn, Julie London, transmitía en sus baladas una
carga de erotismo que su voz, sutilmente aprovechada, ayudaba a
realzar.
The magic of Julie London es una recopilación muy linda con una
tapa feísima. Por esta razón elegí esta foto para ilustrar el post.
Gracias Braulio!
Dianne Reeves, nacida el 23 de octubre de 1956 en la ciudad de
Detroit, en el estado de Míchigan, Estados Unidos, está
considerada como una de las más importantes cantantes
femeninas de jazz de nuestro tiempo.

Descubierta por el trompetista Clark Terry cuando todavía iba al

colegio, la cantante comenzó a cantar en la banda de su escuela, y
con ella recibió un premio durante la Citywide Big Band, una
competición escolar celebrada en Denver. Aquel premio le sirvió
para asistir a la conferencia de la National Association of Jazz
Educators en Chicago. Terry la escuchó durante la conferencia y
decidió ayudarla. Dianne Reeves ha cantado con el trompetista
cuando aún estaba en la Universidad de Colorado. Inició su carrera
en Los Angeles en 1976. En California, Dianne Reeves descubre el
trabajo en estudio y se empapa de cultura musical. Graba con
Lenny White, Stanley Turrentine, Alphonso Johnson y The Latin
Ensemble.

Entre 1978 y 1980, conoce a Billy Childs y comienza una relación

artística que durará 10 años; con Childs, Dianne aborda el período
de desarrollo musical más importante de su vida. Acompaña al
grupo Night Flight en el conocido “circuito de las playas”
americanas, dándose a conocer en todo el sur de California En
1981 trabaja con Sergio Mendes y con el compositor Phil Moore.
Ya en aquella época recibe los primeros elogios de la crítica y las
primeras muestras de reconocimiento del público. Al año
siguiente, Dianne y Billy producen su primer álbum para el sello
Palo Alto titulado Welcome to My Love. En 1986 Reeves se instala
en Nueva York y tras grabar su segundo álbum, en el que se
aprecia mucho la influencia de Harry Belafonte, For Every
Heart (Palo Alto), regresa a la costa Oeste, donde ambos deciden
formar un trío con el que realizan una amplia gira por todos los
Estados Unidos.

En 1987, Dianne Reeves interviene en el concierto Echoes of

Ellington en Los Angeles, en homenaje al gran compositor y
pianista. Esa noche Bruce Lundvall, presidente de Blue Note
Records, está entre el público y tras escucharla la invita a entrar en
su discográfica, una decisión que reforzará definitivamente su
carrera. Su primer álbum para el sello de la etiqueta azul, Dianne
Reeves (Blue Note-1987), incluye un arreglo del tema de Ellington
“Better Days” que se convierte en un enorme éxito. Tras el éxito de
esa primera grabación, Dianne inicia una gira por los Estados
Unidos y Asia que se prolonga hasta 1989. Sus grabaciones se
suceden año tras año y su voz es muy apreciada por los
entendidos y el público de jazz.

En 1991 graba I Remember para Blue Note y el disco permanece

durante más de tres meses en la lista de jazz vocal más vendidos
de los Estados Unidos. A ese enorme disco le sigue Art &
Survival para el sello EMI en 1994, en el que trabajó junto al
productor Eddie del Barrio, amigo y cómplice de aventuras
musicales. Un nuevo álbum al año siguiente para Blue Note, Quiet
After the Storm, fue nominado para el Grammy por la mejor
interpretación vocal de jazz. Ya subida en la cresta de la ola, graba
un disco con los grandes del jazz (entre los que se encuentran Joe
Williams, Clark Terry, Harry “Sweets” Edison, James Moody, Phil
Woods, Toots Thielemans, y Kenny Barron), titulado The Grand
Encounter, que constituyó un enorme éxito.

Dianne Reeves sigue en la actualidad grabando discos para Blue

Note y está afianzada como una de las voces más calificadas en el
mundo del jazz vocal contemporáneo, y sus admiradores suelen
disfrutar con enorme interés cada actuación, concierto o disco que
saca al mercado.
de la Wikipedia.
Vocals: Dianne Reeves

Vibes: Bobby Hutcherson

Saxophone: Greg Osby,

Piano: Mulgrew Miller, Billy Childs, Donald Brown, Charles Mims

Bass: Charnett Moffett, Chris Severin

Drums: Billy Kilson, Marvin Smitty Smith

Percussion: Ron Powell, Bill Summers, Luis Conte

Guitar: Kevin Eubanks

tracks

1. Afro Blue

2. The Nearness Of You / Misty

3. I Remember Sky

4. Love For Sale

5. Softly As In A Morning Sunrise

6. Like A Lover

7. How High the Moon

8. You Taught My Heart to Sing

9. For All We Know

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