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1.

CONTEXTO HISTÓRICO DEL IMPRESIONISMOY POSTIMPRESIONISMO(SIGLO XIX)El siglo


XIX supone para Europa laruptura definitiva con el Antiguo Régimen, y lainstauración de
la sociedad liberal-burguesa y de la economía industrial y capitalista. Es unaépoca de
grandes transformaciones en todos los niveles de la sociedad. Se trata de una era
deprogreso industrial, que eleva poderosamente el nivel económico, aunque se crea los
desequilibriosque generarán graves convulsiones políticas. Francia, epicentro de todas
esas transformacionespolítico-sociales, se convertirá también en capital de las
vanguardias artísticas.Elcambiomás significativo fue laprogresiva sustitución del Estado
absolutista, basado en lamonarquía absoluta donde el rey tenía poderes ilimitados y
sólo respondía ante Dios por susactos, por un Estado Liberal, caracterizado por la
limitación y separación de los poderes(legislativo, ejecutivo y judicial). Poco a poco,
también van abriéndose paso ideas másprogresistas, como las de los liberales
demócratas, partidarios también de que el gobierno seaexpresión de la voluntad
popular: soberanía popular y sufragio universal.EnEuropa, el intento de alcanzar el
liberalismo y eliminar el Antiguo Régimen y la MonarquíaAbsoluta se producirá conuna
serie deoleadas revolucionarias en la primera mitad del sigloXIX:las revoluciones
liberales de 1820, 1830 y 1848. Tres intentos de conseguir el poder,,eliminar la
monarquía absoluta e implantar el liberalismo y la monarquía constitucional (limitación
del poder de los reyes).Con las Revoluciones Liberales desaparece poco a poco de
Europa el absolutismo y seinstauran regímenes liberales (monarquías constitucionales,
repúblicas...).En general, losnuevos regímenes se caracterizan por:Desaparece la
soberanía (poder de decidir) real y se sustituye por soberaníacompartida por el rey con
la representación del pueblo o simplemente soberanía nacional opopular.Los
gobernantes tienen su poder limitado por una Constitución(ley superior).Se reconoce la
división y separación de poderes del estado (legislativo, ejecutivo y judicial),conforme a
las ideas ya planteadas por Montesquieu.Los habitantes de un estado dejan de ser
súbditos del rey para convertirse en ciudadanos,personas con derechos reconocidos,
incluidos los políticos, como el de votar (sufragio).Además de todos estos cambios
políticos, desde el punto de vista económico se produce laindustrialización en Europa.
Tras la Revolución Industrial iniciada en Inglaterra, en el sigloXIX, se produce la segunda
revolución industrial (finales del siglo XIX y principios del XX). Unarevolución que supuso
la aparición de la electricidad y el petróleo como principales fuentes deenergía.La
industrialización supuso desde el punto de vista social, la desaparición de la
sociedadestamental y su sustitución por la sociedad de clases. También los trabajadores
industriales, yacon conciencia de la situación de dominación y explotación a la que están
sometidos, se conviertenen una clase social, laclase obrera, que combatirá el nuevo
orden. En ese sentido seráfundamental la organización del denominado movimiento
obrero.
Las influencias del impresionismo: La fotografía y el grabado japonésUna de las influencias más marcadas del
impresionismo fue la fotografía.Esta
esun“procedimientootécnicaquepermiteobtenerimágenesfijasdelarealidadmediantelaaccióndelaluzsobresuperficie
sensible o sobre un sensor”(Real academia española, 2014). En el siglo XIX todos los campos artísticos se vieron
influenciados por este importante acontecimiento como lo fue el surgimiento de la fotografía. En el impresionismo, la
fotografía tuvo un peso muy importante, ya que contribuyo al desarrollo de lo que más tarde fueron sus principales
características.
Tanto la fotografía como el impresionismo comparten un concepto fundamental: la instantaneidad de
laimagen.La intención no es buscar una imagen narrativa o poética, sino la representación de lo que esta
sucediendo en ese momento. Sin embargo, a diferencia de la fotografía que captaba el instante como estaba
sucediendo, los artistas de este movimiento representaban los objetos según sus impresiones personalesrespecto a la
influencia de la luz,sin preocuparse por las convenciones artísticas existenteshasta el momento.Algo a destacar que
extrajoel impresionismo de la fotografía no fueron sus virtudes sino sus defectos. Este movimiento pictórico adoptó
errores como el desenfoque,ylas fotografías borrosaso en movimiento. El impresionismo buscócapturarla
temporalidad, es decir la apariencia fugaz del fenómeno que se buscaba representar a través de la simulación de
movimiento por medio de figuras borrosas.Para el desarrollo de sus principales características el impresionismo no
solo se vio influenciado por la fotografía. La otra de sus grandesinfluencias fue el grabado japonés también
conocido como Ukiyo-e(mundo flotante). Estas eran estampas que representaban escenas de la vida
cotidiana.Las estampas llegan al occidente en 1854 cuando los puertos japoneses abren el comercio luego de un
aislamiento de 215 años, en donde Holanda era el único país habilitado para el comercio con los japoneses.En cuanto a
las características plásticas de estos grabados, los japoneses utilizaban grandes masas de color planos con una
casi completa ausencia de sombras. Poseíanademás como una distinguible característica una despreocupación por
la perspectiva, encuadres asimétricos de las escenas y una gran capacidad de síntesis para la representación
de los temas. Algo que influenció al impresionismo, fue que los maestros de la técnica del Ukiyo-e plasmaban en
sus trabajos los cambios tanto de la atmosfera como de la luz que percibían en el ambiente, a causa delos
cambios climáticoscomo la lluvia o el viento.
Es así, que a partir de todas estas influencias, más los estudios e investigaciones de sus principales referentes el
impresionismo pudo ir defiendo sus más distinguibles rasgos y características como la luz, el color, la composición,
la temática y la pincelada. 1.4 Característicasprincipalesdel impresionismopictóricoComo ya se mencionóantes, al ser el
impresionismo una corriente o movimiento artístico, este contaba con ciertas características influenciadas de otras
formas de representación artística (como la fotografía o el grabado japonés), de las cuales los autores se regían
para la realización de sus obras.Estas características abarcan desde la temática, la composición y distribución de
loselementos en el cuadro, hasta aspectos más fácilmente reconocibles como la luz, el color y la pincelada.

1.4.1 La temática

Respecto de lo que los impresionistas plasmaban en sus cuadros, algo a destacar es la utilización de la ley de
mimesis. Es decir, los artistas copiaban o reproducían algún aspecto de la realidad. Sin embargo, a diferencia de
otros movimientos artísticos, los impresionistas focalizaban su atención en reproducir de manera fiel la realidad
y no de introducir a sus obras algún elemento ideológico. Para el impresionismo lo más importante es lo que es
artista percibe y como este se siente frente a aquello que percibe. De esta forma este movimiento deja de lado
el enfoque academicistadonde se exigíaque el artista transmita un mensaje moral o realice una denuncia o
críticahacia las injusticas sociales.Algunas de las escenas másclásicas y frecuentes que retrataron los impresionistas de
su vida moderna fueron por ejemplo las estaciones de ferrocarriles cubiertas de humo y vapor de las
locomotoras, los bulevareso calles repletas de gente de la ciudad de Paris, el interior de caféso lugares como el circo y
las bailarinas de ballet.

1.4.2 La composiciónEl concepto de plasmar el momento no era lo único que el impresionismo compartía con la
fotografía. Este movimiento extrajo de ella muchos otros recursos. Esel caso de la composición,en donde esta
corrientetomo de la fotografíala selección del encuadre, es decir,el desplazamiento selectivo de un punto de interés
hacia alguno de los lados. A partir de esto las escenas yano tenían por quéser representadas desde el frente sino que
sus ángulosde enfoque podían variare incluso elcentro quedar vacío. A esto se lo denomina encuadre selectivoy
es un recurso que fue utilizado por la mayoríalos impresionistasen alguna de sus obras.Otro de los estímulos que
generóla fotografía en el impresionismo, fue el de elaborar riesgosascomposicionescompuestas por figuras en
ángulos contrapicados, o el desbordamiento del primer plano, que consistía en escenas que se
encontraban incompletas. Estas ayudaban a crear un efecto de inmersión del espectador en la obra, también
esto ayudaba a que se genere una sensación de que la obra se extendíamásalláde los límites del cuadro. Este
último recurso fue uno de los más utilizados por Degas.

1.4.3 El colorDentro de todos los estudios que realizaron los impresionistas una de sus mayores aficiones era el
color. Como dijo Cézanne “el dibujo y el color no son cosas separadas:cuando se pinta, se dibuja. Cuanto másse
armonizan los colores, másexactos se hace el dibujo.” (Callen, 1996, p.105)Los impresionistas comenzaron a realizar
sus propias composiciones de colores, representando las manchas de color presentes en la naturaleza que ellos
percibían. Los colores utilizados por los impresionistas eranuna selección de pigmentos lo másparecidosa los del
circulo cromático. Como ya fue mencionado con anterioridad, hicieron
énfasis en la utilización de los colores primarios (rojo, azul y amarillo), y sus complementarios, ya que al
mezclarse permitíanuna amplia variación de tonalidades. Por otro lado para obtener los tintes neutros lo que
hacían era mezclar los colores complementarios o casi complementarios evitando asíla utilización de marrones o
negros para los tonos más oscuros. En el caso de que la mezcla necesitara ser aclarada, añadían grandes cantidades de
blanco de plomo a la mezcla original. Anthea Callen(1996), sostiene que los impresionistas creían que la brillantez de un
color depende más de la relación de los colores entre sí que el brillo que cada color pueda poseer
individualmente;es decir, que para los impresionistas como se vería un color dependía del color que tenga al lado.
(p. 108)Esto significa que cuando los impresionistas mezclaban colores buscaban obtener mezclas puras y brillantes
y para lograrlosolo lo hacían con colores muy próximos entre sí.Esto se debe a que la mezcla de colores
pigmentarios es sustractiva, por lo cual cuanta más pintura se agregue más disminuye la luz reflejada.La utilización de
loscolores era llevada a cabo de una forma particular, ya que no se aplicaban y mezclabanen una paleta
previamente a comenzar la obra, sino que se aplicaban directamente sobre el lienzo y eran mezclados a través de las
pinceladas. Algo a destacar que será tenido en cuenta para la realización de este PG, es que enla paleta de los
impresionistas, la utilización de algunos colores se destaca por sobre el resto, como lo son el blanco de plomo,
amarillo de cromo y cadmio, verde esmeralda y viridiana, azules de cobalto y ultramar, lacas rojas y carmesí y
bermellón. Por otro lado, a excepción de Cézanne y Renoir, todos los artistitassuprimieron la utilización del negro, y en
el caso de que lo utilizaran siempreera como un color másy no para oscurecer algún tono.

1.4.4 La luz
Junto con el color, la luz es un pilar fundamental dentro de las características técnicas del impresionismo. Esto se debe a
que los impresionistas buscaban representar el paisaje o la situación que tenían frente a sus ojos influenciados por
el instante de luz que lo atravesaba en el momento en el cual pintaban el cuadro. La luz no solo significaba para los
impresionistas una unificación entre la figura y el espacio, sino que, también se trataba del elemento esencialque
envuelve la materia y por eso resulta inseparable de cualquier figura representada. La luz fue lolespermitióa los
impresionistascaptar el instante, lo fugaz, y las variaciones en los objetos con diferente iluminación. Los
impresionistas descubrieron, através de sus estudios, que un color se va a ver afectado y modificadopor la luz
que lo ilumina. Estefue el punto de partida que llevo a estos artistas a realizar estudios sobre las variaciones en la
luminosidad del cielo, de las nubes, del agua, influenciadas por las diferentes condiciones climáticas como el sol
radiante, la lluvia, la niebla,el vientoo la estación del añoentre otras. De esta formase generó que muchos autores
realizaran el mismo paisaje o motivorepetidas veces en diferentes momentos del día obajo distintas condiciones
atmosféricas, y aque realizaran estudios del efecto de la luz en distintas superficies como la nieve o el suelo mojado
luego de la lluvia.

1.4.5 La pinceladaA nivel visuallaspinceladasimpresionistas, eranquizás, una de las másdistinguibles y características.


Estas, eran breves y gruesas y se ejecutaban de manera rápida sobre el lienzo. Lo que buscaban los artistas con esta
técnica era captar y resaltar aquello que era realmente importante, la esencia delo que representaban y no sus detalles.
Otra de las características que
poseía esta pincelada, es que en el lienzo se encontraban de manera yuxtapuestas unas con otras, es decir, que las pinceladas
estaban puestas de forma contigua. El propósito de esto, como bien explica Phoebe Pool(1993), era quela sobre posición y
contigüidad de los colores en el lienzo permitía que a la distancia el ojo los fundiese, generando así colores más
intensos de los que se hubiese podido conseguir si estos eran mezclados en la paleta. (p. 15)Un hecho no menor, es que los
impresionistas buscaban utilizar pinceladas descriptivas, es decir, una pincelada que ayude a la descripción de la obra. Esto lo
hacían mediante la combinación de pinceladas largas y cargadas de pigmento junto con pinceladas cortas y menos empastadas,
de esta manera se conformaba una sensación de profundidad
Intro

En los locos años 20 las grandes ciudades eran calderos efervescentes de modernidad creatividad y fiesta mucha fiesta
las vanguardias artísticas se influyen y se yuxtaponen unas a otras y ahora son los propios artistas los que determinan
el devenir de la importancia de su estilo
el art nuvoe y el
simbolismo venían arrastrándose desde el
siglo 19 como los modernos que ya no
eran y sin embargo las nuevas
vanguardias serias como el cubismo el
expresionismo el futurismo el
surrealismo el dadaísmo y la abstracción
se postulaban para ver cuál de todos era
el adalid del nuevo siglo y su
modernidad apostando por el compromiso
entre el arte y la sociedad pero con lo
que no contaban era que unas artes
plásticas totalmente decorativas
ostentosas e inútiles alcanzaran
tantísima popularidad durante los años
veinte treinta cuarenta y parte de los
cincuenta el llamado art decó

si algo define bien el siglo 20 es la


contradicción donde el ser humano
convive en una vida cada vez más plural
más mixta y variada es un siglo de
guerra y paz de destrucción y
construcción tan tenso como intenso tan
inspirador como desolador y tan
horroroso como fascinante
es heredero
del siglo 19 donde se comenzaron a
cocinar las confluencias de corrientes
de culturales y de pensamiento no
coincidentes
el siglo 20 es el llamado
siglo de las vanguardias por sus
múltiples rupturas y cambios y avances
científicos y sociales
un tiempo en el
que las minorías reivindican su hueco en
la sociedad poniéndose de moda en un
mundo cada vez más globalizado y
consumista la brutal industrialización
del siglo 19 le provocó al siglo 20 una
sociedad y un arte totalmente mecanizado
pero también le provocó la primera
guerra tecnológica más eficazmente
destructora de la historia y sin
precedentes la primera guerra mundial
y
tras ella el mundo quería volver a la
normalidad olvidando el desastre a base
de diversión y placeres
pero para dejar
el pasado atrás era necesario romper el
status quo y lanzarse al cambio radical
de todos los aspectos de la vida y la
forma más fácil y eficaz de hacerlo era
utilizando la magia del arte

la sociedad
del siglo
es la más variada de toda la historia
puesto que comienza a dar prioridad al
individuo único en medio de una sociedad
totalmente industrializada y consumista
y todo el mundo quiere encontrar su
lugar y destacar por ello

las corrientes
de pensamiento se disfrutan creando casi
una línea por cada individuo
se pone de
moda la ciencia la tecnología el diseño
las culturas minoritarias y la mujer
buscando su hueco en el binomio humano y
el arte que es el más fiel reflejo de
una sociedad también se pone de moda y
se diversifica en múltiples estilos que
conocemos como las vanguardias

de las
diez décadas del siglo 20 los años 20
fueron los más locos de todos y no me
extraña porque se corresponden con el
periodo inter bellum o período
entreguerras donde la gente tenía que
adaptarse a la nueva configuración
mundial viviendo en ciudades en ruinas
en sociedades mermadas por la guerra con
una profunda crisis económica política y
de identidad mientras intentaban olvidar
los desastres de la guerra enterrando a
sus muertos y en una paz firmada que no
aseguraba para nada que la guerra
volviese a estallar

pero la generación
que había sido demasiado joven para
luchar en el frente había crecido y se
había cansado ya de llorar a sus
difuntos y lo único que tenía era unos
irresistibles de pasárselo súper bien
porque realmente no tenían la culpa de
ser adolescentes cuando terminó la
guerra

además la modernidad se imponía a


pasos agigantados tras la segunda
revolución industrial que había traído
consigo un montón de descubrimientos de
avances y progresos que disparaban el
crecimiento demográfico y con él el
capitalismo

por ejemplo los edificios se


hacían mucho más altos para albergar a
mucha más gente en mucho menos espacio o
también se democratizaron los vehículos
a motor las cámaras fotográficas los
cines y los espectáculos en el arte el
surgimiento de las múltiples vanguardias
fue prácticamente inevitable porque el
progreso convivía con el estancamiento
artístico que venía del academicismo del
siglo 19 y obviamente los artistas pues
reaccionaron contra todas estas normas y
contra todo lo establecido en el siglo
anterior las vanguardias se imponen como
las abanderadas de la renovación del
progreso y de la libertad de expresión
en definitiva de la modernidad y su
dogma se hace ley que es alterar todo lo
alterable

desde la concepción de belleza


pasando por la composición y perspectiva
hasta comprometerse con la política

las
vanguardias nacen o se multiplican y se
esparcen a campos como la literatura la
filosofía
política la arquitectura o el cine
influyendo se unas a otras

y se puede
decir que se establece como una especie
de jerarquía entre ellas
autodenominándose vanguardias históricas
apoyándose en sus propios manifiestos y
obviamente dejan fuera a las artes
aplicadas de las artes decorativas que
no se consideran importantes ni
influyentes

y podemos hablar de más de


30 vanguardias pero este vídeo va del
art déco porque en mi humilde opinión
creo que es la vanguardia que mejor
explica la primera mitad del siglo 20

en el año 1900 en turín se realizó


una exposición que ya dejaba intuir más
o menos que se aproximaba a una
revolución estética de la mano de la
escuela de glasgow de wingers westat y
de carlos bugatti

pero no fue hasta 25


años más tarde que el art decó se
configuró como tal hasta la primera
exposición internacional de artes
decorativas y de industrias modernas

la
premisa de esta gran exposición de 1925
era la modernidad querían mostrarle al
mundo los avances y diseños industriales
más novedosos en las artes aplicadas las
decorativas para alejarse al máximo de
la tradición y del pasado

y la
exposición fue un éxito rotundo
más de 16 millones de visitantes y
además ocurrió algo clave en toda esa
exposición de mezcolanza de estilos y
vanguardias el mal visto y repudiado
ardeko se convertía en el estilo
predominante porque se había extendido a
los cinco continentes y a ramas como la
arquitectura la pintura y la escultura
pero también al diseño gráfico a los
audiovisuales como el cine la danza y el
espectáculo pasando por decoración de
interiores el diseño industrial o la
moda textil

el art decó llegó a la


exposición y no tenía ni nombre de hecho
se lo pusieron allí despectivamente las
vanguardias serias que sólo consideraban
a la pintura representante de la
modernidad y por lo tanto las artes
decorativas las artes aplicadas y las
artesanías en definitiva se consideraban
artes menores y por lo tanto artes que
no eran importantes

así que decir art


decó o artes decorativas era como decir
artes y artes sin mucha importancia y
como luego veremos es así de obvio que
el art decó esté plagado de diseñadoras
pero luego como dijo algún gracioso las
mujeres hacen artes decorativas porque
son artes menores o las artes
decorativas son artes menores porque las
hacen las mujeres

pues bien nos encontramos en parís en la


exposición más importante de 1925 donde
coexisten las vanguardias con el estilo
funcional de le corbusier con el
orgánico del raid con la bauhaus con el
compromiso político y social útil no
decorativo del constructivismo de
ródchenko y con el art decó

que es un
estilo ecléctico elegante excesivo
ostentoso y altamente inútil

pues bien
aquí es donde la modernidad obliga al
arte a poner sobre la mesa sus dos
conflictos inherentes

uno que el arte


tiene miles de posibles caras

y dos el
conflicto que existe desde siempre entre
el arte artista artesano y mercado

porque ahora tanto el artista como el


artesano de piezas únicas viven en una
sociedad moderna industrializada
demandante y consumista
y el que mejor
lo supo ver de todas las vanguardias y
aprovecharse de ello fue el arte como

porque el art decó es un estilo que


suplanta al modernismo y al art nouveau

pero que además es súper elegante por


haber nacido en la alta burguesía
parisina y que es muy ecléctico porque
asume y sintetiza absolutamente todo lo
que tiene alrededor desde los elementos
de la vanguardia
hasta incluso las noticias más sonadas
de última hora que consigue
transformarlo todo en sus propios
objetos
os pongo dos ejemplos
estos dos mini bares son mobiliario
aparentemente cubista pero que tienen
unos trabajos de ebanistería que
recuerdan a los rayos solares y son
reminiscencias obviamente aztecas lo que
pasa es que en 1925 fue portada en todos
los periódicos la desaparición en
extrañas circunstancias del
teniente-coronel harrison face junto con
su hijo jacques en la selva amazónica
buscando la ciudad del dorado

otro ejemplo de eso de noticias para


crear objetos por parte del art déco es
cuando en 1922 el arqueólogo howard
carter descubrió la tumba de tutankamón
que creo en el mundo pues una boom y un
revival súper loco que puso hiper hiper
de moda toda la cultura egipcia y no
porque tutankamón fuese un faraón
increíble sino porque fue la primera vez
en la historia en la que se descubría
una tumba sin profanar con todo el
tesoro ahí bien colocado así que nada
incluso andy warhol creó una colección
de joyas egipcias para cartier pero el
arte con no solamente asumió elementos
de las vanguardias vecinas o de los
acontecimientos
importantes del momento también supo
sacarle partido a todas las
civilizaciones extinguidas o incluso a
los colonialismos tanto del mundo
asiático como de áfrica o de incluso los
nativos americanos

de hecho se hacían
exposiciones como la famosa exposición
colonial donde se mostraba el grandísimo
interés occidental por todo los chinesco
y lo negro y dentro de que todo esto hoy
en día nos pueda parecer un poco racista
resulta que los años 20 y 30 la
necrofilia estaba súper de moda gracias
a la ayuda que prestó eeuu en la gran
guerra que además supuso la irrupción de
la raza negra que con él trajo pues
nuevos ritmos como el charlestón el jazz
o los bailes como el black button
y la
alta sociedad estaba además fascinada
con todas las culturas minoritarias así
de mujeres del espectáculo como la
bailarina cantante y actriz
josephine baker eran lo más de lo más
para que electrizó parís con su red de
negre y fue un icono musical y político
internacional
apodada como la venus de bronce la perla
negra o la diosa criolla

además fue la
primera mujer afroamericana en
protagonizar una gran película y sus
bailes locos y subway care fix su manera
de peinarse para aplacar su gran afro
se pusieron super de moda tanto que
hasta kiki de montparnasse se peinaba
como ella pero a veces josephine baker
era poco negra para el gusto burgués

de
la época o la época en la que el black
fail se puso de moda el gusto por lo
exótico y lo oriental ya venía desde
finales del siglo 19 pero no es hasta en
1990 cuando se populariza y se pone muy
de moda de la mano del empresario ruso
sergei diaghilev por la creación de su
ballet ruso con los mejores bailarines y
coreógrafos venidos directamente del
ballet imperial de san petersburgo como
rubenstein o nijinsky nijinsky diáguilev
de hecho eran pareja o sea que ya
suponían en sí mismos una auténtica
revolución

durante los años 20 esta


compañía revolucionó por completo el
mundo de la moda y la decoración con
obras como sherezade con su vestuario y
su escenografía que había creado leon
bass que revolucionó y se puso
totalmente de moda porque rompía con los
refinamientos y la simbología del art
nouveau el cine también tuvo su flirteo
con el art decó porque las películas
europeas eran fieles representantes de
las vanguardias porque tenemos el cine
expresionista o el surrealista

lo que
pasa es que el art decó se metió dentro
del cine
dentro de las escenografías o de incluso
de la cartelería publicitaria ya que en
eso era especialista así que por ejemplo
tenemos a metrópolis de 1926 que tiene
una estética puramente art decó o por
ejemplo también el cantor de jazz de
1927 con aquello de lo exótico y el
espectáculo la fotografía que mejor
representa a la art decó es la del
fotógrafo jacques henri lartigue porque
lejos de experimentar a lo loco como las
otras vanguardias él simplemente se
dedicaba a fotografiar momentos felices
de la clase media-alta al aire libre el
arctic comenzó en el mundo de las
carreras de coches y fotografiando a las
mujeres de la alta burguesía desde
perspectivas diferentes
y supo sacarle
el máximo partido al blanco y negro para
transformar su fotografía en las
imágenes más elegantes del momento
gente
haciendo deporte coches de carreras
mujeres saltando riendo metiéndose en el
agua vacaciones escenas de playa todos
los momentos felices de una persona
fueron retratados por la artista total
que la fotografía de lartigue es una
mirada temporal de la modernidad donde
los protagonistas son la tecnología en
pleno movimiento o las mujeres elegantes
las características básicas del arte con

el mundo de la moda ya venía


introduciendo mucha imaginación desde el
siglo 19 gracias a charles words lo que
pasa es que con el art decó ya se nos
vuela la peluca

la moda es uno de los


fuertes del art déco no solo porque
reflejan perfectamente el espíritu de la
época sino porque además revolucionó el
mundo textil introduciendo nuevos
aspectos formales funcionales y de
producción creando una mega industria
alrededor de ella entre diseñadores
modistas ilustradores y escenógrafos y
toda la parafernalia que ello conlleva
la vida al aire libre se pone de moda
por el día y la fiesta por la noche y
todos los momentos necesitan una nueva
indumentaria y cuanto más llamativa y
lujosa mejor la moda de ccoo es
simplemente brutal porque las prendas
que aparecen son totalmente nuevas y
nunca antes se había visto nada igual
tiene influencias de todos lados en un
eclecticismo exagerado pero a la vez es
súper elegante tomando influencias
andróginas exóticas orientales egipcias
griegas victorianas futuristas todo lo
que se te ocurra es poco porque es que
el arte con la moda de ccoo es pura
fantasía

sobre todo destaca la ruptura que se


tiene con la básica figura femenina de
reloj de arena del siglo pasado para
pasar a una forma tubular pero ojo esto
no acaba con el corsé victoriano lo que
ahora pasa es que las mujeres se
enfundan unas prendas hiper ajustadas y
estrechas que llegan hasta la cadera
donde la ciñe y además también hace las
veces de ligero esta nueva moda bajaba
los talles y subía las faldas para poder
mover las piernas a lo loco y
simbolizaba la libertad física femenina

en fin que lo que se quería conseguir


era romper por completo con la idea de
la feminidad que se tenía del siglo
pasado ahora las mujeres se liberaban
gracias a la androginia cortándose el
pelo a lo garçon o peinándose al baker
fix también acordaban las faldas usaban
pantalones montaban en bici fumaban
salían a bailar verían como cosacos y
también conducían coches un buen ejemplo
de esto son las flappers

como el
objetivo principal del art déco era
pasárselo bien 24 horas por el día
teníamos la calle y por la noche
teníamos los locales y todo cuanto más
lujoso y exótico pues mejor los deportes
como el tenis y los bailes como jazz
acortaron las faldas para que las
piernas pudiesen moverse libremente
y se convirtieron así en el nuevo foco
de atención

las
escenografías y las decoraciones de
interiores tienen un lugar destacado
dentro del art déco y son un poco las
culpables de que las vanguardias
históricas lo rechacen no solo porque
crean envoltorios elegantes y
fantasiosos dentro de las casas sino
porque dan el paso libre a un montón de
objetos de consumo muy bonitos pero muy
inútiles y al alcance de todo el mundo

muchos de los grandes fabricantes de


objetos domésticos y decorativos
adoptaron el estilo art decó porque eran
muy fáciles de producir y mucho más de
vender

porque el ararteko se adaptaba a


todos los materiales gustos y bolsillos
y así las casas de los años 20 se
llenaban de objetos ornamentales
inútiles decorados con colores
estridentes líneas aerodinámicas
círculos concéntricos o líneas en tictac
que lo que hacían era crear una
escenografía alrededor de la casa para
hacerla más monumental elegante y
espaciosa pero claro es que el objetivo
del art déco es aparentar

la
arquitectura del art déco es como la
evolución de la arquitectura del art
nouveau sólo que sin tanta floritura y
fusionándose con elementos
vanguardia formal y con elementos
arquitectónicos del pasado y mezclando
un montón de materiales y todo ello en
un amalgama traducida a su propio
lenguaje

el art deco como cambiar las


florituras del arduo por geometrías
continuas para dar la sensación de
movimiento típico de las máquinas

nacen
las luces de neón que se ponen super de
moda no sólo por su función publicitaria
sino porque potencian muchísimo las
formas arquitectónicas

el deco da
importancia al diseño de absolutamente
todo incluyendo las tipografías y por
eso nace en las nuevas llamadas de palou
seco como el sanserif y el times new
roman que pasan a ser elementos
decorativos en sí y al diseñar todo con
especial atención y valor cualquier cosa
es susceptible de ser coleccionado lo
que provocó lo que he llamado como la
guerra del diseño y el coleccionismo

es
decir que todo el mundo se afanaba por
conseguir el jarrón diseñado por no sé
quién la silla más rara o el vestido más
loco
y por eso era muy común vender todo
lo que tenías para comprarte un
apartamento de diseño y que te hiciese
el diseño de interiores un diseñador que
estuviese

y
por último rápidamente voy a mencionar
la escultura y la pintura de ccoo que
obviamente y en la misma línea pues son
decoración pura y dura

la escultura de
ccoo te la puedes encontrar desde
miniaturas hasta tamaños colosales y en
todos los materiales que te puedas
imaginar desde maderas hasta piedras de
colores incluso mixtas

también sus temas


son muy variados porque puedes encontrar
bailarinas a tamaño real fieras feroces
bodegones traídos directamente del mar
incluso escultura funcional como los
fruteros los joyeros y las lámparas

en
pinturas puedo nombrar una lista
interminable de ilustradores
absolutamente fascinantes pero creo que
voy a hacer un vídeo solo de ellos y por

bueno en
conclusión creo que el art decó es el
estilo más fiel a su época en tanto que
vive el momento y es consciente de la
herencia recibida absorbiendo de todo
pero guardando el respeto supo
aprovechar perfectamente todos los
recursos que tenía a su alcance como los
materiales las nuevas tecnologías
viviendo en una sociedad industrializada
y de mercado se extendió por todos lados
haciendo realidad el sueño de aunar la
alta y la baja cultura gracias a sus
diseños únicos y sintéticos inspirados a
los grandes estilos artísticos aunque en
realidad eran objetos hechos en masa por
eso el art decó fue repudiado y
expulsado de las grandes vanguardias
históricas porque lo consideraban un
arte lujoso de consumo totalmente
obsesionado por los objetos excesivos
puta comercial y consumista muy
decorativo y muy inútil no radicalmente
nuevo y carente de agenda política y
compromiso social la vanguardia pura se
sentía incómoda con el proyecto de
fusión y síntesis de la arte ccoo que
creaba objetos hedonistas y frívolos y
por eso la historia del arte lo
desprestigió como estilo y nunca nombró
al art decó como una vanguardia más pero
sin embargo lo podemos
la historia la cultura y la historia del
arte de la primera mitad del siglo 20
sin entender lo que significó el art
decó porque realmente el art decó
represento a los nuevos valores y
respondió a las necesidades humanas
celebrando la fantasía el glamour la
diversión y el comercio y aunque el art
decó estuviese muy presente durante la
década de los 20 de los 30 a los 40 y
parte de los 50 gracias a su diseño de
fusión de lo más puntero y vanguardista
con lo más puramente clásico siempre se
le consideró bastante hortera y kitsch
hasta que en la década de los 60 se
empieza a recuperar parte de su
prestigio robado
acerca de este
estilo arquitectónico el estilo de
collage en europa en la década de 1920 y
es básicamente un replanteo de todo el
sistema ornamental que había existido en
la arquitectura hasta ese momento si
llevamos dos estilos predecesores tenían
ornamentos figurativos con formas
sinuosas curvas extras grados al máximo
esta característica en el barroco y el
rococó y afianzándose fuertemente en el
arte pero el art decó rompe con esta
tendencia y se plantea con un estilo
futurista en su propia época utilizando
principalmente la geometría en su
ornamentación aunque el arte decoración
europa debido a las dos guerras
mundiales y las crisis económicas no se
desarrolló ahí sino que destinó el libro
hasta
dos unidos donde alcanzó su esplendor y
luego se propagó por todo el continente
americano ahora veremos una lista de
elementos ornamentales que son
frecuentes en el adn primero abstraer
las formas y las llevan a una geometría
más simple
[Música]
aunque soy un poco opuesto al punto
anterior realizador lamentaciones muy
complejas utilizando esa misma geometría
simple implementando formas en zigzag de
años rayas o espirales también se
utilizaba la luz como un elemento de
exaltar a la volumetría ya color de ser
tenemos una idea de cuáles serán los
elementos utilizados en grandes ahora
vamos a ver cómo eran aplicados y la
apariencia que tenían estos edificios a
diferencia de otros estilos
arquitectónicos que tienen toda una
serie de reglamentos rígidos los cuales
cumplir el arte de ccoo es un estilo un
poco más flexible y existen diferentes
variantes cada una con su propia
identidad ahora veremos las variables
más comunes del arte la primera variante
llamada sin shaq fue la más elegante y
elitista de todas y alcanzó su punto
máximo en la ciudad de nueva york y como
ya mencioné anteriormente relativo
una especie de futurismo de su época en
esta ocasión el estilo implementó formas
y figuras hechas a partir de metales
repujados dando una apariencia muchísimo
más elegante que todo lo que se ha visto
hasta ese entonces otra de las variantes
del arte ccoo es en la heroína
generalmente se desarrolla de manera
horizontal implementando todo un juego
de voladizos y sistema de cubiertas plan
es un máster o dinámicas en las esquinas
y videoblog siempre buscando similitud
con la geometría de los carros barcos o
aviones
y por último el tropical que se
desarrolló en la medida en la ciudad de
mañana donde se hace una mezcla de las
dos variantes mencionadas anteriormente
enfatiza la similitud del edificio con
varios utilizando elementos como muros o
ventanas circulares pero lo más
característico es la variedad de colores
rechazando que el blanco y el gris y
todos sus colores tengo estos bajos que
se veían en las dos primeras variantes
que he mencionado para quilla es de las
ciudades colombianas que tienen un mayor
inventario de obras arte y a
continuación veremos las implicaciones
de la ciudad y deberás identificar si
pertenecen o no al estilo art decó
número 1 teatro rex
[Música]
ornamentación de vendría cargada y el
uso de colores en saltando las formas
hacen del teatro rex uno de los mejores
exponentes de agregó de barranquilla
número dos el banco de la república
[Música]
a pesar desde dentro de composición
numérica excepcional su fachada
completamente cubierta en mármol sin
ningún tipo de ornamento geométrico no
va a estar de número tres edificios
calles real
[Música]
molduras del zigzag y apliques con
líneas radiales y demás figuras
geométricas es arte
número 4 el edificio de avianca
[Música]
una rea forjada con figuras geométricas
voladizos terminados en curvas que dan
ilusión aerodinámica están de catedral
maría reina
[Música]
a parte de los vitrales y los relieves
del altar es un edificio de poca
ornamentación además su cubierta de
formas curvas es todo lo opuesto a la
esencia del arte es decir no es de este
estilo teatro colon
[Música]
juego de volúmenes apliques geométricos
figuras inspiradas la guía de un barco
starlet pudiese sentar a todos