Ensayo: separación del arte del siglo XIX y el arte del siglo XX

En el siglos XIX ocurre una transformación en el arte proporcionando un cambio

radical en cuanto a conceptos y formas. Considerando la base de un estudio
clásico, realizado durante el siglo XIX empiezan a suceder diversos movimientos
artísticos, producto de procesos ideológicos que abarcan diferentes áreas en el
campo del arte en los que resalta la temática como la composición tradicional la
cual será sustituida por la imaginación y por nuevas maneras de entender la vida.

En la música y en la literatura Alemana e Inglesa a finales del siglo XIX es donde

encuentran los orígenes más remotos de este movimiento. El cual surge como
reacción en contra de los esquemas regidos del clasicismo y recibe un enorme
influjo en el arte gótico. Fundamentalmente se caracteriza por su tendencia a lo
fantástico, la exaltación del yo y el cultivo de sentimientos nacionalistas
combinados con los nuevos ideales de libertad herederos de la revolución
Francesa a esta porte de la historia del arte en este siglo (XIX) la conocemos
como: Romanticismos.

Del pasado surge una mezcla de sentimientos estéticos y religiosos que llevara al
estudio del paisaje y la naturaleza como algo místico. Napoleón hombre de muy
baja extracción social quien llega a ser emperador, será el héroe de este
movimiento, con su caída el romanticismo dará un giro hacia el nacionalismo
donde cada país buscara sus raíces históricas propias y exaltara sus valores…

El realismo es otra fase de este siglo el cual se desarrolla entre los años 1850 y
1857 como una reacción al exceso de anti mentalismo propio del romanticismo el
cual se caracteriza por representar las cosas como son en realidad, nuevas
ideologías sociales como el nacimiento de la fotografía y el desarrollo científico se
convertirán en sus bases doctrinales. Surgiendo en Francia pero luego se difundirá
por todo Europa; entre sus figura más destacadas se encuentran: Gustave
Courbet(18191879) con el entierro de Ornans, obra que fue muy destacada donde
refleja la vida del trabajador; Daumier (18081879) cuya característica es la
satirizacion de sus personajes.

El impersonalismo movimiento desarrollado en Francia entre los años 1860 y 1886

como nueva corriente artística el cual rompo con el realismo, la nueva concepción
del artista quería intentar transmitir el ritmo cambiante de las cosas, bajo la
influencia de lo espontáneamente percibido y utilizando la vibración de la luz. De
esta manera intentaban exponer las impresiones que el artista experimentaba al
observar la naturaleza.
El origen del término “impresionismo” es peyorativo, pues fue dado por un crítico al
ver la obra de Claude Monet Impression, soleil levant expuesta en la sala del
fotógrafo Nadar. Entre los principales exponentes de este movimiento figuran
Edouard Manet (1832-1883), Claude Monet (1840-1926), Camille Pissarro (1830-
1903), Alfred Sisley (1839-1899), Auguste Renoir (1841-1919) y Edgard Degas
(1834-1917), grupo que expuso hasta en siete ocasiones por su cuenta, apartado
siempre de los ambientes oficiales de los salones parisienses, y todas ellas con
una crítica adversa.

Posteriormente se produjo una separación, en 1880 de Monet, Renoir y Sisley

resquebrajó el ideal comunitario de estos exploradores de la luz y de la naturaleza,
y a partir de 1886 cada pintor siguió su camino personal. Próxima al
impresionismo se encuentra la pintura luminista levantina del español Joaquín
Sorolla.

La temática de su obra está encauzada hacia las escenas de pescadores

trabajando y las de playa. En algunos de sus cuadros como “¡Aún dicen que el
pescado es caro!” cultivó el tema anecdótico.

El postimpresionismo bajo este término suele agruparse la obra de pintores tan

diversos como Paul Cézanne (1839-1906), Paul Gauguin (1848-1903), Vincent
van Gogh (1853- 1890), Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) y otros artistas
que en uno o en otro momento figuraron entre los llamados impresionistas, pero
que más tarde servirían de puente a tendencias posteriores como el cubismo y el
expresionismo, ya en el siglo siguiente.

Puntillismo, neoimpresionismo o divisionismo son términos que se utilizan para

designar lo que podría considerarse como una exacerbación del impresionismo.
Sus representantes principales son Georges Seurat (1859-1891), cuya obra más
destacada es Un domingo de verano en la Grande Jatte, y Paul Signac (11 de
noviembre de 1863-15 de agosto de 1935). El propósito de Seurat era aplicar a la
pintura la teoría del contraste simultáneo de los colores postulada por el químico
M. E. Chevreul (1786-1889). Para los puntillistas, la espontaneidad preconizada
por los impresionistas resultaba excesiva por lo que encarnaron una corriente
antiintuitiva y cientificista que pretendía monumentalizar el impresionismo. En
Alemania se adscriben a la corriente impresionista Max Liebermann (1847-1935),
Max Slevogt (1868-1932) y Lavis Corinth (1858-1925).

El postimpresionismo inclina más en el color y sus posibilidades que el

impresionismo, exagerándolo con colores planos (en el caso de Toulouse-Lautrec)
o cambiándolos intencionadamente (arena rosa o caballos azules) en el caso de
Gauguin. Para todos ellos, un retrato fiel o un paisaje podía ser obtenido mediante
la fotografía; ellos pretendían otra estética.
El Puntillismo es una técnica impresionista que consistente en la yuxtaposición de
los colores sobre el lienzo, de modo que producen un nuevo tono al fundirse en la
retina del espectador.

El simbolismo este movimiento literario y artístico nació en Francia alrededor del

año 1885 como un intento de fundir elementos de la percepción sensorial y
elementos espirituales (el arte como expresión de la idea). El simbolismo,
formulado por el poeta Jean Moréas (1865-1910) en 1886 a través de un
manifiesto publicado en el diario Le Figaro, suponía una reacción frente al
naturalismo y al impresionismo, y a él se adscribieron nombres como Gustave
Moreau (1826-1898), Odilon Redan (1840-1916), Puvis de Chabannes (1824-
1898) y Paul Gauguin (1848-1903). La influencia de este último se reflejó más
tarde en el grupo de los «nabis» y en el fauvismo, mientras que los dos primeros
fueron considerados por los surrealistas como precursores de su movimiento.

El modernismo: arquitectura y diseño modernista

Paralelamente a todo este conjunto de estilos pictóricos que se desarrollan a lo

largo del siglo XIX, nace a finales de este siglo un estilo renovador,
particularmente en la arquitectura y en las artes decorativas, que incluye corrientes
de diferentes países que coinciden en el mismo estilo: art nouveau, modern style,
jugendsil, liberty, etc. El modernismo se caracteriza por su refinado gusto estético,
y su origen se encuentra en el movimiento inglés arts & crafts (artes y oficios) cuyo
precursor fue William Morris, que abogaba por el uso de prácticas artesanales
frente al maquinismo invasor.

Antonio Gaudí (1852-1926) es el máximo exponente del modernismo imaginativo,

que recrea motivos naturales misteriosos: grutas, fauces de animales, cubiertas de
tejas que recuerdan la piel de un animal prehistórico, huesos, etc.

El arte del siglo XX comienza a inicios de este período, destacándose la

vanguardia artística, que avanza hacia la ciencia, la tecnología y otras ramas
como la literatura.

Se ve fuertemente influenciado por la política y la sociedad del momento. No

escapa a la realidad sino que brota de ella. Luego de la “ilustración”, que había
creado un sentimiento de confianza en el ser humano, la razón y la ciencia
entraron en crisis. Las dos guerras mundiales marcan un clima tenso e inestable.
La crisis europea y la crisis de la bolsa estadounidense en los años 1930 impactan
en la sociedad creando movimientos artísticos de protesta. Es una época de
acelerados cambios, donde el progreso científico y tecnológico deja avances
impensados como el automóvil, el avión, la televisión, la llegada del hombre a la
Luna, etc. Todo esto provoca un gran impacto en la sociedad y surgen
movimientos artísticos como el futurismo. El crecimiento industrial y la vida en las
ciudades también dejaron su huella en el arte, por ejemplo en el arte pop.Se
pueden distinguir dos grandes movimientos en el siglo XX: Las vanguardias y
luego el arte posmoderno.

Vanguardia o vanguardismos; término que implica la idea de un grupo que avanza,

que se sitúa por delante. La vanguardia artística se manifestó en una acción de
grupo reducido, una élite que se enfrentaba, incluso con violencia, a unas
situaciones más o menos establecidas y aceptadas por la mayoría. Por esta razón
acostumbraba ser rechazada socialmente, aunque con el tiempo alcanzó
reconocimiento y se asimilaron sus ideas.

La palabra vanguardia con relación al arte apareció por primera vez en el primer
cuarto del siglo XX, en textos de los socialistas utópicos. Más adelante, sobre todo
a fines del siglo XX, el término vanguardia se utilizó en el vocabulario político, y
poco antes de la Primera Guerra Mundial, pasó a ser frecuente en la crítica
artística, aplicándose a una tendencia concreta: Cubismo, Futurismo. La
vanguardia artística es una búsqueda de renovar, experimentar y/o distorsionar un
sistema de representación artístico. Implica innovación, ruptura de preconceptos.

Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, tenían un carácter

contradictorio, la vanguardia no reconoce arte sin acción transformadora.

Su mismo móvil fue su fracaso; la novedad que las caracterizaba dejó de serlo,
para pasar a ser una parte más del pasado. Su éxito fue su final, ya que al ser
aceptado por el público y la sociedad de consumo, se perdieron los ideales de
ruptura y crítica a la sociedad.

En el siglo XX destacan diferentes artes más convencionales y actualizadas en los

que destacan: la música, artes visuales, la arquitectura, fotografía, y entre las más
relevantes están: el diseño industrial y el cine considerado el séptimo arte.

En líneas generales se producen principalmente dos tipos de ruptura Con la

tonalidad y armonía occidentales, se abandona la tonalidad como estructura
organizativa del discurso, en búsqueda de libertad absoluta para componer. Luego
se buscan nuevas formas de organizar el lenguaje musical (como el
dodecafonismo) porque esto había generado un caos.

Con el sonido tradicional, en todo aspecto se buscan nuevos sonidos, desde la

experimentación y uso no convencional de los instrumentos existentes, a la
creación de nuevos instrumentos acústicos y luego electro acústicos y
electrónicos, hasta llegar incluso a generar música desde consolas y aparatos. El
silencio pasa a ser música. También se comenzó a hacer música con objetos y
otros elementos de la vida cotidiana, ruidos de fábricas, autos, etc. (Futurismo).

Artes visuales sus principales innovaciones fueron ruptura con la perspectiva en la

pintura se abandona esta práctica que reinaba desde el Renacimiento, así como
también la intención de realismo.

La arquitectura moderna surge a partir de los cambios sociales y culturales

producidos por la revolución industrial. Se comienzan a utilizar nuevos materiales
en las construcciones y edificios; hierro, hormigón y acero. Empieza un proceso de
construcción en altura, desde los edificios industriales hasta llegar a rascacielos.

Entre otro aspecto de la arquitectura en el siglo XX es el abandono de ornamentos

en pos de una arquitectura funcional. Algunos de los arquitectos más conocidos
fueron Le Corbusier y Walter Gropius (director de la Bauhaus).

La fotografía es el proceso de capturar imágenes y almacenarlas en un material

sensible a la luz en un primer indicio. Actualmente se utilizan cámaras digitales,
por lo que las imágenes son guardadas en la memoria de la misma.

Si bien es cierto que la fotografía se inventó en el siglo XIX, su auge fue en el siglo
XX, ya que no siempre fue considerada un arte. Lo que posibilitó el debido
reconocimiento de la fotografía fue el gran interés por él [naturalismo], tendencia
que buscaba imitar la realidad con un alto grado de perfección.

El avance tecnológico posibilitó el surgimiento de nuevas formas de expresión

además de revolucionar las que ya existían.

El diseño industrial (considerado como el desarrollo de objetos funcionales para el

uso humano) existe desde que el hombre creó sus primeros utensilios. Pero el
verdadero avance en este campo se dio con la Revolución industrial a fines del
siglo XIX que originó la producción en serie.

Aunque no sea considerado un arte, con la creación la primera escuela de diseño

industrial en 1919, la Bauhaus, esta disciplina adquirió un verdadero campo de
conocimiento y grandes capacidades expresivas y estéticas. Esta escuela tuvo
una función importantísima al incentivar la interrelación de las artes, el diseño y la
arquitectura. El siglo XX aportó al diseño industrial nuevos materiales, procesos,
técnicas e incluso fuentes de inspiración estéticas y vanguardistas.

El cine es el arte del siglo XX por excelencia, La creación de este nuevo arte fue
una especie de revolución social y creativa que posibilitó un universo de ideas
nuevas y a su vez la difusión masiva de estas. Su éxito fue inmediato y poco a
poco se agregó sonido a las películas y luego color. Las capacidades expresivas
del séptimo arte parecen ilimitadas, ya que es una fusión entre, fotografía,
escenografía, vestuario, música, actuación, iluminación, literatura etcétera.

El siglo XX en diferencia de del siglo XIX, trae actualizaciones en todo los sentidos
del arte, no dejando absoluto el trayecto del arte; del siglo pasado sino mejorando
lo que ya existía con actualizaciones y creando nuevas artes que se van
añadiendo la lista de las ya existentes. Sabiendo que el siglo XIX si se pudiera
decir fue promotor de las artes en sus diferentes extensiones, al dar a paso al
nuevo siglo se actualizan y mejora, la versión y extensión del arte y este a su es
considerado parte de la vida cotidiana, ya que la principal inspiración es la misma
naturaleza por su belleza y deferentes textura, color, aroma y sonido.

Rosimar Bravo. C.I: 20.887.310