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Contexto y música del renacimiento

-¿Qué es? (movimiento cultural) ¿Dónde nace? Florencia, Italia.

-Renacimiento nace con las ideas del humanismo ¿Qué es humanismo?

¿Por qué el termino renacimiento? Retoman ideas básicas greco-romanas

Pasa del teocentrismo al antropocentrismo.

-La idea determinante que formulo el historiador y artista Giorgio Vacarí

Nacimiento del arte antiguo rompió con la tradición artística medieval

-El renacimiento no fue un movimiento cultural que apareció en todo el mundo y tampoco al
mismo tiempo (solo llego a la cultura europea y a territorios americanos) El renacimiento surge en
el mismo tiempo de la edad moderna (característica de la edad moderna).

En la pintura renacentista se aprecia el retrato como genero autónomo, también el desnudo que
viene del arte clásico.

DESARROLLO

-El renacimiento: la era de los descubrimientos y conquistas ultramarinas.

Expansión europea por el mundo (portugueses y españoles) descubrimiento de americe y caída del
teocentrismo

-El declive de la cristiandad la reforma protestante / introducción de la imprenta (140 y 1480)


definición de la cultura / clave para el cambio social y cultural: desarrollo económico europeo,
principios del capitalismo.

-Arte renacentista: el artista toma conciencia del individuo con valor y personalidad propia /
atracción al saber y estudiar modelos de la antigüedad clásica, investigaba nuevas técnicas (como
el claro oscuro pintura) / se representa al mundo real y la perspectiva con materialidad / interés
por la anatomía humana y técnicas de construcción arquitectónicas / seno de la figura de este
movimiento: Leonardo Da vinci atraído por las imágenes de la antigüedad preocupado por adquirir
nuevas técnicas de escultura, pinturas y arquitectura, como la música, la poesía, y la nueva
sensibilidad humanística.

-Cuattrocento: o primer renacimiento Italiano (1400) búsqueda de principios de belleza clásica y


bases científicas de arte (esto sucede en Florencia Italia) / algo parecido ocurre en Flandes
especialmente en la pintura. Vasado en la observación de la vida y la naturaleza, muy ligado a la
figura de Tomas de Kempis, la búsqueda de la humanidad en Cristo. Este renacimiento con la Italia
tuvo mucha repercusión en Europa oriental.

-La segunda fase del renacimiento o cinquecentro (1500) hegemonía artística de Roma, cuyos
papas apoyaron el desarrollo de las artes, así como la investigación de la antigüedad clásica. Las
guerras en Italia hicieron que muchos artistas emigraran haciendo propagar los principios
renacentistas por toda Europa.

CARACTERISTICAS

-La vuelta a la antigüedad: antiguas formas arquitectónicas, la utilización de motivos formales y


plásticos antiguos, algunas creencias, temas de mitología, de historia, algunos elementos
simbólicos.

Querían conocer las leyes que sustentan el arte clásico.

-Nuevas relación con la naturaleza: concepción ideal y realista de la ciencia. La matemática va a


fundamentar racionalmente un ideal de belleza.

-El hombre es la medida de todas las cosas.

-Hay un profundo interés por la literatura clásica.

-Italia estaba integrada por una serie de estados (Venecia, Florencia, Milán etc.) no se pudo
realizar la unión de reinos o estados pero si se produjo el fortalecimiento de la conciencia cultural
de los italianos.

-En Florencia el desarrollo de la rica burguesía ayudo al despliegue de las ideas del renacimiento,
bajo la protección de los médicis por toda Italia, luego por toda Europa.

ATAPA DEL ARTE RENACENTISTA

1 Cuattrocento siglo 15 renacimiento temprano en Italia.

2 Cinquecentro siglo 16 se centra en el primer cuarto de siglo, es el apogeo del arte


renacentista termina hacia 1520-1530 con el manierismo que tiene una reacción anti clásica.

-Mientras que en Italia se va desarrollando el renacimiento, en el resto de Europa se mantiene el


gótico en sus formas tardías y esto se va a mantener hasta comienzo del siglo 16.

-Es posible que el arte renacentista haya surgido primero en Italia por el enfrentamiento y
connivencia con la antigüedad grecorromana, considerada como legado nacional, que proporciona
una amplia base para una evolución artística homogénea y de valides general.

-Fuera de Italia, el desarrollo del renacimiento dependerá constantemente de los impulsos


marcados por Italia. Artistas importados desde Italia o formados allí, hacen el papel de verdaderos
transmisores.
ARQUITECTURA

-Carácter profano, a comparación de la medieval , surge en una ciudad donde la arquitectura


Gótica apenas había penetrado, Florencia sin embargo muchas obras serán edificios religiosos.

-Búsqueda de la ciudad ideal, opuesto al modelo caótico y desordenado del Medievo, es la


preocupación del artista y la mecena.

-Toman elemento de la arquitectura clásica, aun que de forma selectiva, igualmente se crean
nuevas formas (columnas abalaustrada, nuevos ordenes de capiteles o decoraciones, las cúpulas
se utilizaron mucho como elemento monumental en iglesias o edificios públicos)

-El arquitecto ya no tiene el carácter anónimo (como en la edad media) ahora se convierte en un
intelectual, un investigador.

Elemento constructivo del estilo renacentista:

Estructurales: arco de medio punto, columnas, cúpulas semiesféricas, bóveda de cañón y cubierta
plana con casetones todos ellos usado en la antigüedad por el arte romano.

-Predomina la simetría, claridad estructural, la sencillez y la adaptación de espacio a la medida del


hombre.

Decorativos: pilastras, portones, pórticos, decoración heráldica, almohadillado, voluta, grutescos,


guirnaldas, candelabros y medallones.

-En el Cuattrocento: centro en Florencia y la Toscana, sencillez y claridad estructural y decorativa


como rasgo principal. Los modelos clásicos se adaptan al templo cristiano. La arquitectura
cuatrocentista da la impresión de orden, sencillez, ligereza y simetría, predominando en el interior
de los edificios la luminosidad y la desnudez.

-En el Cinquecento : renacimiento pleno o alto renacimiento tubo como centro roma / los edificios
tienden más a la monumentalidad y la grandiosidad / miguel Ángel Introduce el orden gigante es
un proyecto para la Basílica vaticana la que rompe con la idea de hecha para el hombre,
predomina la idea de riqueza, monumentalidad y lujos en las construcciones. Este movimiento se
introduce con mas suntuosos con decoraciones y elementos que pretenden captar la atención por
su originalidad y extravagancia.

Pintura

Las novedades se introducen en el siglo 15

-Un antecedente fue Giotto (1267-1337), pintor dentro del gótico, pero desarrollo en sus pinturas
conceptos como volúmenes tridimensionales, perspectiva, naturalismo.

-En el Cuattrocento: se recogen todas estas novedades y adaptan a la nueva mentalidad


humanista/ se tratan temas religiosos en la mayoría, pero se introduce también la mitología, la
alegoría y el retrato, que ahora se desarrollara fuertemente/ se busca desarrollar la perspectiva:
generar la ilusión de un espacio tridimensional de forma científica y reglado/ se abandona
lentamente la rigidez gótica y se aproxima cada vez más a la realidad. / Aparece la naturaleza
retratada en un fondo y se introduce los desnudos en las figuras.

-En el Cinquecento etapa culminante de la pintura renacentista. Llevan a nuevas simas creativas.
Los pintores asimilan las novedades y experimentaciones cuatrocentista Aparecen grandes
maestros y la Llevan a nuevas simas creativas. Aparecen grandes maestros:

Leonardo Da Vinci uno de los grandes genios de todos los tiempos, artista multidisciplinar,
intelectual y obsesionado con la perfección. A pesar de no tener muchas obras en el campo de la
pintura, hizo grandes innovaciones como el esfumato o claroscuro y delicada graduación de luz
que otorga a sus pinturas una gran naturalidad, a la vez que ayuda a crear espacio. Una de sus más
conocidas obras es la última cena, las figuras se ajustan a un esquema geométrico. Supo unir en
sus trabajos la perfección formal a ciertas dosis de misterios, presente por ejemplo en la Gioconda

Miguel Ángel fundamentalmente escultor se dedico a la pintura de forma esporádica. Los frescos
de la capilla Sixtina muestra el atormentado mundo interior de este artista, poblado de figuras
monumentales, cálidas y tridimensionales como si fueran esculturas y la llamativa presencia física
/ en sus obras cobra mucha importancia el desnudo, aun cuando la mayoría era para decorar
iglesias.

Rafael Sanzio su estilo tubo enorme éxito y se puso de moda entre los poderosos/ busco entre
todo la gracia o belleza equilibrada y serena, sus madomnas recogen las novedades de Leonardo
sobre la composición y el claroscuro, añadiendo una característica de dulzura/ anticipa la pintura
manierista en sus últimas obras, con un estilo agitado y dramático.

Estos elementos implementados por estos tres grandes artistas se incorporan por los
contemporáneos y a la vez se buscara un estilo propio y original para superarlos. Esto mas el
ambiente pesimista que se respiraba en la cristiandad en la década de 1520 (Roma, reforma
protestantes, guerras) hizo surgir una nueva corriente llamada manierismo, se buscara desde
entonces, lo extravagante, lo extraño, lo exagerado y lo irreal.

Literatura

-Tras el descubrimiento del nuevo mundo en 1542 trajo consigo una nueva concepción de la
ciencia, investigación y formas distintas de hacer arte.

-Surge una nueva forma literaria que desembocaría en la novela/ una de las más conocidas en esta
primera época es la Utopía de Tomas Moro.

-Las obras dramáticas del entretenimiento (opuesta al propósito moralizante) volvieron al


escenario/ William Shakespeare es el dramaturgo mas notable.

Reforma y contrarreforma
-Final de la edad media: un malestar general en toda la cristiandad por la teología que se
transforma en ciencia especuladora y no llega a la gente; y por la inmoralidad vigente entre todo el
clero.

-Surge una nueva mentalidad que pretende reformar la iglesia sin separarse de ella, con espíritu
renacentista, conciliador. Surge el humanismo cristiano denominado filosofía Christi, máximo
representante: Erasmo de Rotterdam.

-La obra de Erasmo: el elogio de la locura, critica a la situación intelectual de la escolástica y


propugna la reconsideración de las dimensiones impulsivas y afectivas, doctrina muy acorde con la
revalorización humanística de la persona, del individuo.

-Luego la philosophi christi quedo hundida bajo el surgimiento de la reforma protestante.

Esta reforma llevo a la ruptura de la unidad de la iglesia, que había mantenido unida a toda
Europa.

-La reforma acentuó algunos aspectos de la mentalidad renacentista valor de la libertad y


conciencia individual/ por ejemplo: el individualismo se ve en el principio del libre examen de las
escrituras.

El Luterismo como idea

-Lutero en 1517 publica sus 95 temas contra las indulgencias, que marca el inicio de la reforma.

-Luego afirma su postura, negando a la iglesia la autentica interpretación de las escrituras, reduce
los sacramentos a bautismos, penitencia y eucaristía, y niega el poder espiritual sobre el temporal.

-La ruptura definitiva se da en la dieta de Worms 1521, presidida por Carlos 5, en la que Lutero se
niega a retrotraerse de sus tesis y es excomulgado y expulsado del imperio.

-A partir de eso empieza a extender su doctrina y se producen numerosas revueltas y desordenes


públicos.

La contrarreforma como idea

-La reforma católica tenía como objetivo la renovación de la cultura teologica, de las costumbres y
de la organización, aunque algunos elementos fueron más bien de contra-reforma, mas polémicos
y especialmente anti-protestantes.

-Elementos contra-reformistas: el índice 1540, la inquisición romana 1542, las guerras de


reconquistas de territorios perdidos y algunos eventos como la controversia de Berlamino.

-El concilio de Trento, gran elemento de la reforma católica, realizo un trabajo de clasificación de
la doctrina y de la moralidad.
-El concilio reafirmo la mediación de la comunidad eclesial, y interpretación de la sagrada escritura
a la luz de la fe y tradición.

-Al no conocer la música griega y romana con la misma presicion que la escultura y arquitectura, la
música renacentista fue solo la culminación del periodo anterior.

-Música: suave sonoridad/aceptación de terceras y sextas como consonantes (uniéndose a las


quintas y octavas), progresivo aumento de numero de voces, todas de igual importancia y regidas
por la reglas de contrapunto e independencia de las voces, preparación y resolución de
disonancias, etc.

-Predomina la pieza vocal de textura polifónica, frecuentemente imitativa, escrito para entre 3 y 6
voces de carácter cantábile, en donde cada línea podrá ser interpretada indistintamente con voces
reales o instrumentos.

-Si bien el rango de cada voz apena superaba la octava, la extensión general del conjunto, rebasa
ampliamente las dos octavas, entrando así en cruses de voces.

-El sistema melódico utilizado siguió siendo el de los 8 modos gregorianos.

Música religiosa

Tubo una creciente difusión debido a la impresión musical, que permitió la difusión del estilo en
todo Europa (hasta las colonias de Américas)

-Formas litúrgicas más importantes: la misa y el motete

Misa: cubría el siclo ordinario (Kyrie, gloria, credo, Sonetus, Benedictus, o Agnus Dei). Se seguían
dos procedimientos compositivos.

Misa de cantus firmus: el autor toma como melodía preexistente ya sea del canto llano o de
alguna canción profana, e incluso popular y la sitúa en una de las voces, habitualmente llamado
Tenor, las otras voces son creadas completando la textura generalmente a cuatro voces (cantus o
superius, contratenor Altus y contratenor Bassus). De aquí surgen las posteriores denominaciones
de las voces según su tesitura. Una variante de esta misa es la de paráfrasis, en donde la melodía
preexistente es fragmentada y repartida entre las cuatro voces.

Misa parodia o imitación el compositor toma un motete o una canción polifónica anterior, y
utiliza el material melódico y armónico, motivos de imitación, cadencia típicas o a veces incluso
fragmentos, pero reelaborando el material, añadiendo motivos y a veces voces nuevas y, siempre
cambiando el texto.

El motete pieza polifónica de texto sacro y en latín/procedente del motete medieval, asumía una
continua textura imitativa de voces, de igual importancia (era cada vez mayor: 4 en el siglo 15 y 5,6
en el siglo 16) con frases musicales imbricadas y nuevos motivos para cada frase textual. El autor
generalmente generaba material original/sin tomar prestado como la misa. / En el siglo 16 se
desarrollan motetes bipartitos y en la escuela veneciana los policorales, para ocho incluso 8 voces.

-Géneros sagrados impotentes ya en lengua vernácula, fueron el villancico religioso español, el


madrigal espiritual, la lauda italiana y el coral luterano.

Música vocal profana

Un gran número de impresos y canciones manuscritos, un amplísimo repertorio polifónico profano


renacentista:

-En Italia la villamella, la frotlola y el madrigal

-En España el romance, la ensalada y el villancico

-En Francia se creó la peculiar Chanson polifónica parisina.

-En Inglaterra se emitió el estilo madrigalectico italiano apareciendo hasta 1600 la canción con
laúd isabelina. Hacia el final del periodo aparecen los primeros antecedentes dramaticos de la
opera tales como la monodia, la comedia madrigal y el intermedio.

Música instrumental

Como en la expansión del rango vocal de la polifonía, los instrumentos ampliaron su texturas
creándose familias completas de cada modelo, por ejemplo: las flautas de pico soprano, alto,
tenor, bajo de manos tallas.

Algo parecido pasaba con las violas de Gamba, de metal como los sacabuches.

Los instrumentos participaban en conjuntos con las voces, ejemplo existían ministriles (flautas,
cornetas, etc.) En las catedrales ibéricas siglos 16. También mucha música polifónica, se ejecutaba
solamente instrumental, con instrumentos de una sola familia (consorte) o en grupo combinados
de diferentes familias, o también se tocaban en instrumentos polifónicos como el órgano, el arpa,
el laúd, o en España la vihuela.

-Eran habituales conjuntos de instrumentistas improvisados, estos músicos eran incapaces de leer
la notación convencional, por lo que debía escribirse la música instrumental en un sistema de
escritura llamada tablatura. El laúd pronto se convirtió en el instrumento solista más popular de
Europa, se utilizaba como instrumento solista con el canto y en conjunto de cámara. La vihuela de
mano fue su equivalente español

-El relativo escases de fuente de música instrumental, no debe hacer pensar la errónea idea de
que esta música fuera poco habitual o de un nivel técnico bajo, al contrario. La técnica
instrumental solía transmitirse oralmente y su música específicamente era raramente escrita: era
habitual la improvisación.

-Forma Instrumentales:
•Periodos de formas vocales: del motete derivaron: ricercare, fantasía o tiento/ del chanson
derivo la canzona.

•Danzas: generalmente escrita a 4 voces, textura homofonica: bajodanza, la pavana, la gallarda


etc.

•Formas improvisaciones: los músicos a beses anotaban sus improvisaciones más logradas, podría
tratarse de puras improvisaciones pero en instrumentos polifónicos (tocata, preludio, nuevo
tiento) o variaciones melódicos ornamentales de un modelo vocal preexistente o bien largas series
de variaciones sobre un basso ostinato muy conocido, como la romanesca

Teoría y Notación

-Se usaban mucho las partichelas /las partituras generales eran muy raras y no usaba la barra de
compas.

-Las figuras eran generalmente más largas que las actuales/ la unidad de pulso era la redonda.

-Como ocurre en el ars nova coda breve (cuadrada) podría equivaler a dos o tres semibreve, esto
era un valor de nota y no un compas, era algo parecido a la actualidad: una negra puede valer a 2
corchea o tres que se escriben como tresillo.

-En la misma lógica se puede tener 2 o 3 valores más corto en la siguiente figura, la mínima
(blanca) en cada semibreve.

-Estas diferentes permutaciones se denominan tempus perfectos/imperfecta, según la relación


breve-semibreve y prolacion perfecta /imperfecta en el caso de la relación semibreve mínima.

-La relación tres-uno se llamo perfecta y la dos-uno imperfecta.

-Para figuras______ existían reglas que reducían a la mitad (imperfeccionaban) o doblaban


(alteraban) el valor cuando estaban precedidos o seguidos de determinadas figuras.

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