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REPÚBLICA BOLIVARIANA DE VENEZUELA.

MINISTERIO DEL PODER POPULAR PARA LA DEFENSA.


ARMADA BOLIVARIANA.
DIRECCIÓN NAVAL DE EDUCACIÓN.
LICEO NAVAL”GD JOSÉ ANTONIO ANZOÁTEGUI”.
LINAJANZO.

Profesora: Alumna:
Carmen Olivares. Natalia Nadal.
V-31.734.424.
2/B.

Puerto Píritu, 25 de Mayo de 2020.


Nadal, Natalia.
2/B.
LINAJANZO.

ARQUITECTURA DEL SIGLO XX.


(TALLER)

PRIMERA PARTE.
Conceptos básicos.

Instrucción: Elabora los conceptos básicos de forma precisa y


adecuada al tema.

1. El nuevo realismo. En 1960, se perfila un nuevo realismo, que se


opone al abstraccionismo. Es un movimiento francés inspirado en el mundo
de la realidad circundante, del consumismo y la sociedad industrial, del que
extraen, al contrario que en el pop art, su aspecto más desagradable, con
especial predilección por los materiales detríticos. Sus representantes fueron
Arman, César Baldaccini, Yves Klein, Jean Tinguely, Piero Manzoni, Daniel
Spoerri, Niki de Saint Phalle, etc. Klein y Manzoni fueron antecedentes del
arte conceptual: Klein con sus antropometrías y sus cosmogonías (pinturas
expuestas a los elementos: fuego, lluvia) o con su exposición Vacío (1958,
Galería Iris Clert), donde vendió el espacio vacío de una galería; y Manzoni
envasando sus excrementos en lata (Merda d'artista, 1961).

2. Décollage. Décollage (literalmente, «despegue» en francés) designa la


técnica artística opuesta al collage; en lugar de construir una imagen con la
suma de otras imágenes, cómo en el collage, consiste en construir una
nueva obra arrancando o rasgando partes de la original, viéndose parte de la
imagen de atrás.

Esta práctica fue muy usada por los artistas François Dufrêne, Jacques
Villeglé, Mimmo Rotella y Raymond Hains, todos ellos englobados en la

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corriente del Nuevo Realismo, movimiento artístico francés que funcionó


como respuesta al Pop Art, bajo la tutela del crítico Pierre Restany y el artista
Yves Klein. A menudo estos artistas trabajaban conjuntamente o con otros
artistas y presentaban su obra de forma anónima en la ciudad de París.

3. Hard-edge. Hard edge (literalmente borde duro) es un movimiento


pictórico de la pintura abstracta definido por las transiciones abruptas entre
las áreas de color, que generalmente son de un solo color invariable. Las
transiciones de color se dan muchas veces a lo largo de líneas rectas,
aunque los bordes curvos también son comunes. Este estilo está relacionado
con la Abstracción geométrica, el Op Art, la Abstracción postpictórica, y el
Color Field.

El término fue acuñado por el escritor, curador y crítico de arte del Los
Ángeles Times Jules Langsner en 1959 para describir el trabajo de pintores
de California, quienes, en reacción a las formas más pictóricas o gestuales
del Expresionismo abstracto, adoptaron una aplicación impersonal de la
pintura y el delineado de áreas de color con particular nitidez y claridad. Este
enfoque de la pintura abstracta se extendió en la década de 1960. La hard-
edge painting se conoce por el nombre de pintura de contornos nítidos.

4. Pop-art. El pop art surgió en Estados Unidos como movimiento de


rechazo al expresionismo abstracto, como tendencia del arte formal a
mediados del siglo XX, englobando una serie de autores que retornaron a la
figuración, con un marcado componente de inspiración popular, tomando
imágenes del mundo de la publicidad, la fotografía, el cómic y los medios de
comunicación de masas. Con un precedente en el llamado New Dada
(Robert Rauschenberg, Jasper Johns), destacaron en el pop art Andy
Warhol, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Eduardo
Paolozzi, Richard Hamilton y, en escultura, Claes Oldenburg.

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Así, esta tendencia retoma formas y personajes de las historietas, el cine,


la televisión y la música, entre otros medios, reconociendo su valor cultural y
colocando mucho de su estilo y sus técnicas visuales a la consideración de
los más exigentes críticos del arte.

5. Arte Conceptual. Tendencia que, a partir de la crítica al predominio de


la obra de arte como objeto para el puro goce visual, propone reflexionar
acerca de la práctica artística como producto de ideas, relacionadas con el
lenguaje, el conocimiento y la filosofía.

El arte conceptual es una forma contemporánea de representación


artística, en la cual, una idea o concepto específico, muchas veces personal,
complejo e inclusivo, toma una forma abstracta, no convencional, basada en
la negación de principios estéticos.

A través del uso de diversas técnicas, el minimalismo, el performance, la


Instalación, los artistas conceptuales buscaron reinterpretar lo que los artistas
pop ya habían presentado de una forma desorganizada y sin bases en la
teoría del arte. De hecho, definiendo el concepto de un objeto, de diversas
formas y a través de una presentación lingüística y con explicaciones
escritas, cuestionaron directamente la más intrínseca naturaleza del arte, sus
aspectos mentales e imaginarios.

6. Land-art. El land art, es una tendencia del arte contemporáneo que


usa los paisajes y los elementos de la naturaleza como escenario y medio
para realizar obras de arte. El principio más importante del Land Art es
intervenir en el espacio de la naturaleza, pero en ningún momento quiere ni
busca maltratar el espacio, todo es con sentido artístico.

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El land art, también conocido como arte de la tierra, puede ser visto como
parte del amplio movimiento de arte conceptual con auge en las décadas de
1960 y 70. Los artistas del land art empezaron a trabajar directamente en la
naturaleza, el paisaje; esculpiéndolo o realizando esculturas con rocas o
ramas; algunos de ellos usaron máquinas para mover tierra. Uno de sus
exponentes, Richard Long, simplemente caminó de un lado a otro del terreno
hasta que dejó una marca en la tierra.

El land art ha sido usualmente documentado con fotografías y mapas que


los artistas han exhibido en las galerías. Los artistas de esta corriente
también han realizado land art en la propia galería trayendo materiales de la
naturaleza y usándolos para crear instalaciones. Probablemente la obra más
famosa de Land art es Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, una obra
llevada a cabo en los lagos de Great Salt Lake de Estados Unidos.

7. Happening. El happening, es un término acuñado por Allan Kaprow en


1959. Es una manifestación colectiva que requiere la participación activa del
público y en la que el proceso tiene tanto interés, si no más, que el resultado.
Su origen proviene del desarrollo del Assemblage y del Environment y se
inicia y desarrolla principalmente en Estados Unidos, siendo sus
protagonistas: John Cage, Kaprow, Jim Dine, Rauschenberg o Lichtenstein,
entre otros. Fuera de América el happening fue utilizado por el grupo Gutai
en Japón y por el grupo Fluxus. Íntimamente ligado al teatro, a las acciones y
al Arte de la Performance.

8. Arte pobre. El arte povera, en italiano significa “arte pobre“. El arte


povera surgió en Italia en 1967, es una tendencia que surge en Italia como
una crítica al mercado, comercio e industrialización que gira en torno a la
obra artística. Proponen el uso de materiales “pobres” (desechos, madera,

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piedras, vegetales), pero de gran significado por formar parte de la


cotidianidad humana.

Bajo la denominación de arte povera se integran actividades artísticas muy


variadas, pero que, en general, todas ellas se caracterizan por un común
denominador, el hecho de que las obras se hallan constituidas por materiales
pobres. Sus obras parten de una acción, como modelar, estrujar, doblar,
entre otros. una transformación natural del material, o bien parten del propio
material que con un pequeño movimiento o acción se transforma, como por
ejemplo el fuego o el hielo.

9. Body-art. El body-art, con el cuerpo humano como soporte. También


conocido como arte corporal, es un estilo enmarcado en el Arte conceptual,
de gran relevancia en los años 60 en Europa y, en especial, en Estados
Unidos. Es un género artístico perteneciente a las artes plásticas en el que
se fusionan la expresividad del cuerpo junto a otras manifestaciones del arte
como las escénicas, danzarías y musicales. Algunos representantes de este
género han sido: Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-
Jaschin y Eduardo Sanguinetti, entre otros.

10. Minimal-art. El minimal-art, es una tendencia estética que se resume


en la frase del arquitecto alemán Mies Van Der Rohe “menos es más”.
Propone suprimir al máximo la expresividad emotiva en la obra para
centrarse en la precisión industrial, la austeridad o simplicidad de la forma y
lo esencial geométrico. Son obras de carácter abstracto, de acusada
simplicidad, reducidas a un mínimo motivo, depurado al planteamiento inicial
del autor, la base sobre la que habría desarrollado la idea que, sin embargo,
queda plasmada en su fase inicial. Destacaron los pintores Robert Mangold y
Robert Ryman, y los escultores Carl Andre, Dan Flavin, Donald Judd y Sol
LeWitt.

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SEGUNDA PARTE.

Observa e identifica:

1. ¿A qué tendencia artística correspondes estas imágenes?


Tomando como referencia los conceptos de la primera parte.

Spencer Byles.

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Frank Stella.
Pintura polimérica y polimérica fluorescente
sobre lienzo.

Pablo Reinoso.
Banco Spaguetti.

Charlie Chaplin.
Andiko Arya Nugraha

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2. ¿Por qué Armando Reverón fue considerado el precursor del Arte


Conceptual en Venezuela? Comenta la imagen.

Armando Reverón (1889-1954). Pintor y Escultor. Nació el 10 de mayo de


1889, en Caracas. El arte venezolano se hizo luz en la vida de Armando Julio
Reverón Travieso, un caraqueño que, con su trabajo, dedicación y particular
manera de hacer las cosas sentó las bases de la iconografía pictórica
nacional y sirve de inspiración para muchos creadores del mundo en la
actualidad.

A Reverón se le considera el maestro de la luz tropical, la cual plasmó en


distintas superficies y con todo tipo de materiales.

Armando Reverón es considerado como uno de los precursores del arte


conceptual en Venezuela porque fue el primer artista verdaderamente
venezolano que existió, porque él estudió afuera como todos los artistas, que
tenían la costumbre de estudiar afuera y venían para acá a hacer lo que se
hacía allá. Pero, Reverón, en Macuto comenzó a crear un arte autóctono.

Estuvo influenciado por movimientos como el impresionismo, que impuso


el valor plástico del color sobre el dibujo, y el postimpresionismo, que impulsó
la voluntad diferenciadora de estilos entre los artistas.

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En cuanto a éste
collage de obras que
observamos del maestro
Reverón, se aprecia, que
hay representaciones de
las diferentes etapas, la
etapa azul, influenciada
por el pintor Nicolás
Ferdinandov, la etapa
blanca, llamada así por el crítico e intelectual venezolano Alfredo Boulton, en
la que exploró los efectos de la luz, y la etapa sepia, en la que dedica sus
trazos a reflejar el litoral y el puerto de La Guaira y en donde los tonos
marrones del soporte del coleto, constituye el valor cromático dominante de
la composición.

En la primera etapa de Reverón se hace muy notoria la influencia del


postimpresionismo, así como de artistas que merecieron su atención durante
su estancia en Madrid, como Goya en sus últimas etapas. Este sería una de
las figuras más emblemáticas para el pintor. En el cuadro La cueva se puede
ver a dos mujeres, como "odaliscas", recostadas sobre un fondo apenas
sugerido, que recuerda a La maja vestida y La maja desnuda de Goya. Claro
que esta variante de composición en la que se puede ver a una mujer
recostada de forma sugerente corresponde a un tipo bastante común en el
contexto del arte europeo. Pero algo novedoso introduce Reverón: las
mujeres se encuentran en una cueva. La atmósfera adquiere un tono de
misterio con la preponderancia de un azul. Este funciona como velo
sugestivo que trasparenta la escena.

Los desnudos serán uno de los temas constantes en la obra de Reverón.


El simbolismo se hará presente en esta obra. Con un trazo aún impresionista

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y con una atmósfera azul, se representa a una mujer desnuda bajo un árbol
de uvas. Ella lleva sobre su regazo a una mascota. El paisaje marino también
hace su aparición y no lo abandonará más. Un aura de misterio envuelve la
escena.

Las marinas siguen siendo todavía un tema recurrente en Armando


Reverón, pero al contrario de lo que sería una representación clásica
dominada por el azul del mar, el artista construye una marina turbia,
misteriosa y sepia sobre la base de tonos castaños, esa representa la pintura
El Playón (1949) empleando carboncillo, creyón, tiza y pastel sobre papel
encolado a cartón.

Así mismo, los autorretratos son repetitivos desde el inicio de la obra del
pintor, sin embargo, en el autorretrato con muñecas (y barba), llama la
atención que junto a él aparecen sus muñecas, la adoración de sus últimos
años de vida. Ellas parecen ser ya, para él, parte de sí mismo. En todo caso,
forman parte del mundo mágico y misterioso que comienza a construir
Reverón.

La pintura denominada Cinco Figuras, se observa un autorretrato del


maestro pintando junto a sus muñecas, se descubre que la disposición de
las figuras en la tela recuerda claramente la teatralidad de la pintura barroca,
donde se buscaban caprichosas armonías que rompiesen con la estática
simetría de la pintura renacentista. Cada figura ocupa un puesto asignado
por el artista, toda la escena está meticulosamente construida.

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TERCERA PARTE.
DESARROLLO.

1. Describe brevemente desde que época se pueden ubicar las


últimas tendencias del arte y su evolución hasta ahora.

Con el título “últimas tendencias” se hace referencia a estilos artísticos


acaecidos después de la Segunda Guerra Mundial ya que a los de la primera
mitad del siglo XX se les denomina vanguardias históricas.

El arte contemporáneo se caracteriza, y especialmente en pintura, por un


sinfín de novedades, originalidades e incluso provocaciones en orden a
conseguir impactar al espectador, en sentido positivo o negativo, tanto da, lo
importante es no pasar desapercibido. Cualquier soporte es válido para
expresarse y muchas veces se encuentran extravagancias que suponen
cierto escándalo al principio, pero que finalmente siempre todo, con el paso
del tiempo, acaba siendo admitido como clásico. Se usan ordenadores,
vídeos, pantallas, aparatos multimedia y todo aquello susceptibles de ser
usado como elemento artístico, el propio cuerpo humano, lámparas de neón,
productos industriales, entre otros.

Cronológicamente, las últimas tendencias del arte, se pueden ubicar a


partir del nuevo realismo, hacia el año 1960, a partir de esa década han
sucedido a nivel nacional o mundial múltiples acontecimientos relacionados
con la actividad artística. A continuación describiré a través de un gráfico las
últimas tendencias del arte.

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En 1960, se perfila En 1966, los artistas


un nuevo realismo,
se mueven dentro de
que se opone al
abstraccionismo. las corrientes Hard-
edge, décollage, pop-
art y op-art.

En 1967, se
establece la
relación entre el
arte y la tecnología.

En 1968, los artistas


utilizan el arte como
medio para protestar
contra la situación social,
política y económica del
En 1969, se producen las
país.
explosiones de libertad a
través del happening, el
arte pobre, los conciertos
de rock, el body-art, el
performance, entre otros.

En 1970, se libera el arte


En 1980, el artista con el uso de la
aprovecha el auge de la computadora, la
ciencia y la tecnología y fotografía, la televisión y
continúa la búsqueda de el video.
nuevos planteamientos
estéticos.

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2. ¿En qué consiste la globalización del arte?

La globalización es inevitable, ocurre incluso en el arte, en aquello que se


define como “una expresión del espíritu humano mismo, una ostensión que
llega a rebasar ideologías, colores, creencias, pero sobre todo que relata un
suceso muy personal de un artista por distintos medios que puede
interpretarse de mil maneras ante los ojos del espectador, pero que manda
un mensaje sencillo y claro al ente más recóndito de nuestro ser.

La globalización en el arte es inminente, aparece como correspondencia


ante la raíz de ambos conceptos, uno como manifestación universal (arte) y
el otro como fenómeno global.

En ese contexto, durante el proceso de colonización iniciado por las


potencias europeas en el siglo XIX, y sobre todo en el XX con el auge de los
medios de comunicación (radio, televisión, internet) y el proceso de
globalización cultural producido a nivel mundial, el arte se ha estandarizado
progresivamente hacia la universalización de estilos, conservando en
muchos lugares las formas autóctonas y tradicionales, pero adquiriendo un
sello estilístico común perceptible en diversos puntos del planeta. Antiguas
formas artísticas basadas en materiales y tipologías tradicionales han
abrazado las nuevas tecnologías y un nuevo sentido estético dominado por
factores como la moda y la rapidez de difusión de los diversos movimientos
artísticos.

Por ejemplo, en el continente africano aún perduran ciertas formas


tradicionales de arte, si bien la colonización europea introdujo el arte
occidental, produciéndose cierta mezcolanza de ambos estilos. En muchas
partes de África el arte está marcado por la religión islámica, mientras que en

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otras es más de signo cristiano, pero aún perduran las antiguas formas
animistas.

Actualmente la India está viviendo un auge en el campo de la creación


emergente y las artes plásticas contemporáneas, siendo el artista indio más
cotizado el escultor Anish Kapoor, junto al que destacan nombres como Ram
Kinker Baij, Sankho Chaudhuri, Ajit Chakravarti y Nek Chand.

En el caso de China, el fin de la era imperial supuso la modernización, que


se abrió más a la influencia occidental. En 1989 tuvo gran resonancia la
exposición China/Vanguardia, en la Galería Nacional China de Pekín, que
mostraba las últimas creaciones del momento, incluyendo tanto obra pictórica
como fotografías, instalaciones y performances.

En Japón, el período Meiji (1868-1912) supuso una profunda renovación


cultural, social y tecnológica, abriéndose más al exterior y empezando a
incorporar los nuevos adelantos conseguidos en Occidente. Artistas
destacados del Japón contemporáneo son: Tsuguharu Foujita, Kuroda Seiki,
Tarō Okamoto, Chuta Kimura, Leiko Ikemura, Michiko Noda, Yasumasa
Morimura, Yayoi Kusama, Yoshitaka Amano, Shigeo Fukuda, Shigeko
Kubota, Yoshitomo Nara, Isamu Noguchi y Etsuro Sotoo.

Otro gran adelanto en el terreno del diseño se produjo con la Bauhaus,


que frente a la excesiva ornamentación del art déco introdujo un concepto de
diseño más racional y funcional, más adaptado a las necesidades reales de
la gente. En esta escuela destacaron creadores como László Moholy-Nagy,
Oskar Schlemmer, Johannes Itten, Paul Klee, Josef Albers, entre otros.

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3. ¿Cuándo inicia el uso tecnológico como impulso de los avances


artísticos?

La aparición de nuevas tecnologías desde los años 1960 (televisión, video,


informática) ha supuesto una gran revolución para el arte no sólo en cuanto a
nuevos soportes y materiales, sino a nuevas formas de expresión que han
ampliado los límites del arte.

El videoarte surgió en 1965 con la aparición de la primera cámara de video


portátil (la Portapak de Sony). En esta modalidad destaca no sólo su
componente físico, la emisión de imágenes, generalmente en el marco de
instalaciones o performances, sino el mensaje inherente a la imagen filmada,
fusionando el mundo de la comunicación con la cultura popular. Exponentes
de esta modalidad son Nam June Paik, Dan Sandin, Bill Viola, Tony Oursler,
entre otros. El sound art (o audio art) se basa en el sonido, ya sea natural,
musical, tecnológico o acústico, y se integra en el arte a través de
ensamblajes, instalaciones, performances, videoarte, y otra gran variedad.
(Laurie Anderson, Brian Eno).

Igualmente, la informática e internet han supuesto un gran impulso para el


arte, no sólo como soporte sino por sus nuevas posibilidades creativas y,
especialmente, por su aspecto interactivo, suponiendo una nueva forma de
colaboración entre el artista y el público (Olia Lialina, Heath Bunting, Jake
Tilson).

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4. ¿Qué es la fotografía?

Se llama fotografía a una técnica y a una


forma de arte que consisten en capturar
imágenes empleando para ello la luz,
proyectándola y fijándola en forma de imágenes
sobre un medio sensible (físico o digital).

La fotografía toda se basa en el mismo principio de la “cámara oscura”, un


instrumento óptico que consiste en un compartimiento totalmente oscuro
dotado de un agujero pequeño en uno de sus extremos, por el cual ingresa la
luz y proyecta sobre el fondo oscurecido las imágenes de lo que ocurra
afuera del compartimiento, aunque invertidas.

En el caso de las cámaras fotográficas, el principio es exactamente el


mismo, excepto que están dotadas de lentes para afinar el foco de lo
proyectado, espejos para reinvertir la imagen proyectada y por último una
cinta fotosensible (o un sensor digital semejante), que capta la imagen y la
guarda, para poder luego revelarla o visualizarla digitalmente.

Las imágenes obtenidas así también se denominan fotografías o fotos, y


son el resultado de décadas de perfeccionamiento de la técnica y de los
materiales fotosensibles, hasta lograr la calidad óptica de las cámaras
modernas. Además, esta tecnología permitió el desarrollo y
perfeccionamiento de otras semejantes, incluida la cinematografía.

Desde 1990, fecha de aparición de la fotografía digital, la creación


fotográfica se ha vinculado fuertemente a las nuevas tecnologías,
preferentemente en el diseño por ordenador y los programas de retoque
fotográfico, como Photoshop.

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5. ¿Qué es el cine y por qué es considerado una expresión de gran


impacto social?

Una de las grandes


revoluciones artísticas y
audiovisuales del siglo XX ha sido
el cine: a partir de la invención del
cinematógrafo en 1895 por los
hermanos Lumière. El cine es un
arte y una técnica. Es el arte de
narrar historias mediante la
proyección de imágenes, de allí
que también se lo conozca con el nombre de séptimo arte. Y es la técnica
que consiste en proyectar fotogramas, de forma rápida y sucesiva, para crear
la ilusión de movimiento.

Para la realización del cine es necesaria la concurrencia de muchas otras


capacidades a nivel técnico, creativo y financiero, como el montaje, la
fotografía, la dirección, el guionismo, la operación de cámaras, el sonido, la
producción, entre otros, para lo cual es necesario todo un equipo de trabajo.
Asimismo, pasa por varias etapas: el desarrollo, la preproducción, el rodaje,
la posproducción y la distribución.

El cine es quizá uno de los medios artísticos más completos, ya que aún la
imagen con sonido, guion literario, interpretación, decorados, maquillaje,
vestuario, otros. Además, introduce una nueva dimensión, el tiempo, la
sucesión cronológica de los hechos, donde cobra un papel relevante el
montaje.

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El cine está considerado como expresión de gran impacto social, porque


tiene la masa como audiencia, y a través de las imágenes, traslada dicha
audiencia a mundos que jamás hemos conocido; identificándolos con las
muchas historias que cuentan y con ellos la transmisión de ideas y
emociones, cumpliendo el común denominador de todo medio de
comunicación, que es la función informativa.

Teniendo en cuenta su estructura audiovisual-narrativa y la masa como


audiencia, su potencia de difusión es muy considerable, aunque por la
necesidad de interpretación-reflexión por parte del espectador para ser
consumido, no es tan directo como otros medios (radio, Internet, medios
impresos, televisión, entre otros). Sin embargo, la audiencia del cine (en sala)
es “cautiva” y por ello queda más dispuesta a recibir el mensaje, lo cual unido
al clima de gran atención y abstracción (oscuridad y silencio dentro de una
sala de cine) y a la gran calidad audiovisual, también hacen del cine un
medio de comunicación social de mayor impacto personal en el espectador.

El cine también es considerado el reflejo de una época ya que, como


cualquier manifestación artística, refleja una realidad social en la que está
inmerso el creador.

TU FORMACIÓN HOY MÁS QUE NUNCA DEPENDE DE TI Y DE TU REPRESENTANTE.


RECUERDA QUE “CADA FAMILIA ES UNA ESCUELA”.

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REPÚBLICA BOLIVARIANA DEVENEZUELA


COMANDANCIA GENERAL DE LA ARMADA
COMANDO NAVAL DE EDUCACIÓN
LICEO NAVAL”GD JOSÉ ANTONIO ANZOÁTEGUI”
DIVISIÓN ACADÉMICA
DEPARTAMENTO DE EVALUACIÓN
Año académico Nivel Sección Asignatura Fecha Ponderación
2019-2020 2º A-B-C Arte y Patrimonio Lunes 25/05/20 al 20%
viernes 29/05/20
Contenido a Evaluar: Últimas Tendencias del Arte. Calificación
Estrategia de Evaluación: Actividad complementaria Taller (Plan de Contingencia
Educativa)
Docente: Carmen Olivares
Coordinador de Evaluación: Antonio Alcázar
Nombres y Apellidos: C.I.:
PRIMERA PARTE 25%(Total 5 puntos) Nivel de dificultad: Fácil. Conceptos básicos (Valor:
0,5 puntos C/U).
Instrucción: Elabora los conceptos básicos de forma precisa y adecuado al tema.
1.-El nuevo realismo 2.- Décollage 3.- Hard-edge 4.- Pop-art 5.- Arte Conceptual
6.- land-art 7.- Happening 8.- Arte pobre 9.- Body-art 10.- Minimal-art
SEGUNDA PARTE 25% (Total 5 puntos) Nivel de dificultad: Media. Observa e identifica
1. ¿A qué tendencia artística correspondes estas imágenes? Tomando como referencia los
conceptos de la Primera Parte. 0,5 puntos C/U

2. ¿Por que Armando Reverón fue considerado el precursor del Arte Conceptual en
Venezuela? Comenta la imagen. 2.5 puntos

TERCERA PARTE 50% (Total 10 puntos) Nivel de dificultad: Difícil.


1. Describe brevemente desde que época se pueden ubicar las últimas tendencias del arte
u su evolución hasta ahora. 2 puntos
2. ¿En qué consiste la globalización del arte? 2 puntos
3. ¿Cuándo inicia el uso tecnológico como impulso de los avances artísticos? 2 puntos
4. ¿Qué es la fotografía? 2 puntos
5. ¿Qué es el cine y por qué es considerado una expresión de gran impacto social? 2
puntos.

TU FORMACIÓN HOY MÁS QUE NUNCA DEPENDE DE TI Y DE TU REPRESENTANTE.


RECUERDA QUE “CADA FAMILIA ES UNA ESCUELA”.

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