Las Vanguardias Fotográficas

“Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es

necesario mostrarles los objetos cotidianos y familiares bajo
perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones
inesperadas”. Alexander Rodtchenko
Futurismo: se intereso por la fotografía, sobre todo en su relación con el
registro del movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las
cosas.
• Los futuristas utilizaban fotomontajes, imágenes superpuestas, fotogramas.
• Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas:
vibrantes composiciones de color, el divisionismo, la abstracción y
desmaterialización de los objetos y finalmente la multiplicación de las
posiciones de un mismo elemento (objeto o persona), realización de las
líneas de fuerza, intensificación de la acción a través de la repetición y la
yuxtaposición de frente y dorso de la figura.
• Los futuristas apelaron a muchos medios expresivos para crear un arte de
acción (pintura, arquitectura, urbanismo, diseño gráfico, publicidad, moda,
cine, música, poesía).
Los artistas futuristas
estaban interesados
principalmente de reflejar
en sus obras la velocidad y el
movimiento.
Aunque hay ciertas similitudes entre ambos Desnudos Duchamp aseguró no
recordar haber visto este Desnudo bajando una escalera de Eadweard
Muybridge.
En cambio, sí reconoció la influencia de las fotografías de Étienne-Jules Marey, que trataban
de capturar el movimiento mediante fotografías repetidas, como éstas.
Dadaismo: es un arte que propugna destruir, provocar el caos y aniquilar.
Buscaban impactar y dejar perplejo al público (que reaccionaba tirándoles cosas e
insultándolos).

se caracterizó por:
- El empleo de materiales inusuales.
- Montaje de fragmentos y de objetos de desecho cotidiano
presentándolos como objetos artísticos.
- Collage de diversos materiales (papeles, etiquetas, prospectos,
diarios, telas, maderas, etc.).
- Fotomontajes con frases aisladas, palabras, pancartas, recitales
espontáneos y la provocación.
Surrealismo: creía en la existencia de otra realidad y en el pensamiento libre.
Plasmó un mundo absurdo, ilógico, donde la razón no puede dominar al subconsciente.

Técnicas y métodos surrealistas:

- La fotografía, la cinematografía y la fabricación de objetos (tomadas del Dadaísmo).
- El Collage y el ensamblaje de objetos incongruentes (también heredadas del Dadaísmo,
de personajes como Marcel Duchamp).
- El Frottage (dibujos logrados por el roce de superficies rugosas contra el papel o el
lienzo).
- Técnica del “Cadáver Exquisito” o la pintura automática (varios artistas dibujaban las
distintas partes de una figura o de un texto sin ver el trabajo del anterior, logrando
imágenes interesantes e ilógicas).
- Automatismo (cualquier forma de expresión en la que la mente no ejerza ningún tipo de
control).
- Inspiración en el pensamiento oculto y prohibido, en el erotismo descubren realidades
oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica.
- Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los
dementes.
Man Ray: la figura emblemática. Se relaciono con los dadaístas
primero y luego con los surrealistas. Se dedico a la pintura y a la fotografía.
• Su cualidad principal reside en crear la realidad utilizando las texturas y la
luz. Para eso utiliza dos técnicas: el rayagrama y la solarización.
• Sus Rayographs (rayogramas) eran imágenes fotográficas sacadas sin
cámara, donde se exponen objetos sobre papel sensible a la luz que se
revela posteriormente, logrando imágenes abstractas. En sus
composiciones no buscaba retratar la realidad sino de crear un mundo
donde las cosas no son lo que son.
• Solarización: se obtiene sobre el negativo sobreexpuesto a la luz blanca
durante el revelado. La solarización provoca que las zonas oscuras
aparezcan como zonas de luz y las zonas luminosas, como zonas oscuras.
Las zonas tienen un borde bien definido, por lo cual, el contraste se
acentúa.
Rayograma
Solarización
Pop Art:
es un fenómeno artístico que refleja en su lenguaje y en su ideología la sociedad de consumo. Hace referencia
al repertorio de imágenes populares producidas por la publicidad, la televisión, el cine, la fotonovela y los comic.

• El Pop Art utiliza como elementos representativos objetos de uso común

elaborados en serie a los que eleva a la categoría de obras de arte.

• Son comunes los símbolos de la era moderna, como los automóviles, las estrellas
de cine, los artefactos y artículos de uso domésticos, así como otros productos de
consumo masivo.

• Colores puros, brillantes y fluorescentes, inspirados en los empleados en la

industria y los artistas como Andy Warhol (que hizo famosas en todo el mundo las
latas de sopas Campbell). Robert Rauschenberg y Roy Lichtenstein.
Cubismo: es un arte mental no sólo en las formas sino en la concepción de la obra. Para comprender
un cuadro hay que pensarlo. Hará un replanteamiento de la obra de arte, de lo que son las formas, de la luz, la
perspectiva, el movimiento, el volumen, el espacio, el color, etc. Todo ello exige del espectador un esfuerzo mental
para reconstruir la figura, que no se observa a simple vista. En el cubismo no es el color, sino la línea la que crea la
figura y compone el cuadro. Sus obras no son producto de la casualidad sino de un proceso de creación meditado
y consciente.

• El cubismo se preocupa por la representación del movimiento y por lo tanto

del tiempo: de la cuarta dimensión.

• El cuadro cubista pretende representar, al mismo tiempo, todas las formas

posibles de ver una figura, esto implica que el espectador está obligado a
mover los ojos para recomponer la figura.

• La cuarta dimensión está en la mente humana, vemos el mundo con

movimiento, con el paso del tiempo, y eso es lo que pretende captar el
cuadro cubista.
Todo ello no hubiera sido posible sin la aparición de la fotografía pues esta, al representar la realidad visual de manera
más exacta que la pintura, liberó a este último arte de la obligación de representar las cosas tal como aparecen ante
nuestros ojos y forzó a los artistas a buscarle un sentido diferente a la mera transcripción a las dos dimensiones de la
apariencia externa de las cosas.
Fauvismo:
Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores.

• Expresa sentimientos representados por formas mediante un juego cromático,

donde plasma colores saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención.

• Se destaca por su sencillez.

• Utiliza la imaginación, mezclando el mundo real con el mudo interior.

• El Fauve deja fluir su intuición al momento de crear una obra, que es de

interpretación libre, lo que la hace subjetiva.

• Destaca las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o

marcando los contornos con líneas oscuras bien definidas.
Minimalismo: Es la tendencia a reducir a lo esencial.
• Las formas son las que establecen una estrecha relación con el
espacio que las rodea. Para ello el artista se fija sólo en el objeto y
aleja toda connotación posible.
• Las obras del Minimalismo buscan la sencillez y la reducción para
eliminar toda alusión simbólica y centrar la mirada en cuestiones
puramente formales: el color, la escala, el volumen o el espacio
circundante.
• Abstracción total: las obras operan sólo en términos de color,
superficie y formato.
• Economía de lenguaje y medios.
 Arte concreto: "materiales reales, espacio real".

• Rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico.

• Utiliza la representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter universal y constante.

• La expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superficie, relegando al color a un segundo

plano.

• Empleo de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones.

• La forma tiene más importancia que el color.

• Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o arquitecturas.

• Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración plástica.

Hiperrealismo: se basa en la reproducción detallista y casi fotográfica de la
realidad.

• Este movimiento se caracterizó por el uso de la fotografía como

elemento de referencia primordial para el desarrollo de obras
pictóricas y escultóricas.
• Los artistas de este movimiento, surgido principalmente en Estados
Unidos encontraron en la fotografía el medio para desarrollar sus
obras e incluso, según ellos, hacer la realidad más real de lo que la
fotografía la representa.
• El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la
visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.
Cuándo apreciamos una buena obra hiperrealista, asistimos al más notable triunfo de la
representación, debido a la máxima eficacia del oficio como modo de producción y método de
apropiación de la realidad visible.
Conceptual: es una forma de expresión que intenta evitar el estímulo óptico a
favor de los procesos intelectuales que el público es invitado a compartir con el artista.

• En el arte conceptual las ideas priman sobre los materiales.

• La idea siempre prima por encima del resultado final.

• Eligen fotografías, vídeos, documentales escritos, grabaciones,

presentaciones de actos en público… y muchos otros materiales efímeros que
les sirven para documentar sus ideas o explicar eventos que ocurren fuera de
los museos.

• La idea en síntesis: expresar y desafiar la idea de ¿Qué es arte?

“Las ideas por si solas pueden ser obras de arte; forman parte de una cadena de desarrollo que
puede o no hallar una forma final. No todas las ideas deben materializarse”. Sol LeWitt.
Barroco: es un arte con tendencia a lo exagerado y la abundante decoración.
• En el Barroco se trataron, principalmente, temas mitológicos, religiosos y también el retrato;
todos ellos con la nueva visión naturalista en la que los artistas expresaban pasión, emoción y los
sentimientos en general. Más tarde surgen otros temas importantes como el paisajismo y la
pintura de género, con temas de la vida cotidiana.

• la luz, el espacio y el tiempo predominaron como los tres elementos más importantes del arte
barroco.

• surge la aparición del claroscuro, un recurso que resaltaba el detalle que tomaría protagonismo
en el cuadro mediante el juego de luces y sombras.

• Paralelamente, también nace el arte temático de naturalezas muertas, como bodegones, paisajes,
e incluso costumbristas.

• La idea en síntesis: vida, luz y efectos dramáticos inspiran emociones.