IFTS 15

Realización y Producción de TV
Teorías cinetatográficas
TP1: MRP y MRI
Prof. Alfredo Marino
Alunma: Eliana Grela
Gracias a los avances experimentados en el mundo de la fotografía, a finales del
XIX se hizo realidad lo que para muchos había sido tan sólo un sueño: la
posibilidad de captar y exhibir imágenes en movimiento. El cine apareció primero
como una extraña atracción, algo particularmente de las ferias y de los
espectáculos ambulantes, pero luego de las repercusiones, las películas
comenzaron a señalarse como un entretenimiento de masas.

Mientras los pioneros de la realización se preocupaban por establecer las bases del
lenguaje cinematográfico, empezaron a surgir los grandes compañías de
producción y los primeros ídolos de la pantalla.

En estos primeros años, las películas eran como una especia de postales en
movimiento. La cámara rodaba una escena previamente planificada en un mismo
plano y en un mismo encuadre, lo que resulta un verdadero aburrimiento para el
espectador de hoy. Pero para los de antes les resultaba asombroso ver moverse una
persona en la pantalla, y si era un tren lo que se venía encima se producía un
“shock generalizado”. Las películas eran simples porque los primeros operadores
tampoco sabían filmar de otro modo. El cine aún carecía de un lenguaje propio, no
se había advertido la importancia del tamaño de los planos, ni de la iluminación, ni
del montaje, ni nada. Digamos que el cine todavía “estaba en pañales”. A este
período del cine se lo conoce como: Modelo de representación primitivo (MRP).

Los pioneros:

Los hermanos Lumière serán los primeros en efectuar proyecciones públicas

mediante el cinematógrafo. El enorme éxito del mismo animó a muchos otros
empresarios a lanzarse a la industria cinematográfica y desarrollar nuevos sistemas
de proyección.
Los hermanos Lumiere, por ejemplo, se empeñaron en explotar su invento (el
cinematógrafo) todo lo que pudieron en un plazo corto de tiempo, aunque nunca
tuvieron excesiva confianza en las posibilidades técnicas y artísticas del nuevo
invento. Poco a poco estas proyecciones van atrayendo a un número de
espectadores cada vez mayor. Las primeras películas combinaban indistintamente
dos tendencias cinematográficas que pronto se llamarían: cine documental y cine
de ficción. Por un lado exhibían escenas de la vida cotidiana, filmadas en
exteriores: trabajadores saliendo de las fábricas, trenes, transeúnte y, por otro,
representaciones escenificadas grabadas en interiores. Algunas de estas cintas son
las famosas Salida de la fábrica (1895),
http://www.youtube.com/watch?v=xxLGDF_121U La llegada del tren a la
estación (1895).
http://www.youtube.com/watch?v=tz_l8JDYXmc&feature=related o El regador
regado (1895) (primer film de humor, de un minuto, de la historia del cine).
http://www.youtube.com/watch?v=2Gr5KOe9Pc

(“El jardinero regado” primera historia con argumento en el cine)

Pronto, el particular invento fue distribuido por todo el mundo, bien a través de la
compra de la patente, o bien mediante la copia del artilugio. Diferentes inventores
alemanes, norteamericanos e ingleses copiaron y mejoraron el cinematógrafo, y
puede decirse que a finales del siglo XIX un amplio número de personas en Europa
y en Estados Unidos habían visto algún tipo de imágenes en movimiento. Por
ejemplo, en el caso de la India, el cinematógrafo llegó solamente un año después
de que lo inventaran los hermanos franceses.

La producción de los Lumiére resultó muy abundante. Se calcula que solo en 1897
llegaron a rodar más de 300 cortometrajes. El repertorio lo componían películas
familiares, sus hijos comiendo, o de la vida de las calles de Lyon, soldados
haciendo la instrucción, y al ser Louis Lumiére muy buen fotógrafo no evitó la
utilización de efectos como el humo en una herrería y las nubes de polvo en una
demolición, que tuvieron inmenso éxito. No en vano la fotografía era la madre del
cine y sus pioneros no evitaron el arte ya desde los comienzos.
En Inglaterra, los primeros años de la cinematografía están caracterizados
fundamentalmente por la Escuela de Brighton. Con esta denominación se conoce a
un grupo de fotógrafos profesionales que en Brighton empiezan utilizando algunas
películas de escenas familiares tipo Lumière, películas que luego se convierten en
pequeños relatos dramáticos, en los cuales van a utilizar nuevas fórmulas
narrativas.

Uno de ellos fue George Albert Smith, gran aficionado a la astronomía, que
además de realizar algunas películas documentales recopiló en otra serie de
cortometrajes algunos trucos ópticos muy curiosos. En su cortometraje cómico La
lupa de la abuela ( http://www.youtube.com/watch?v=6ho05y9IMr4 ), rodado en
1900. En ella, un niño se apodera de la lupa y jugando con ella el realizador va
alternando tomas en plano americano largo con planos detalles, y es así que nos
muestra sucesivamente utilizando una mascara circular sobre la pantalla un reloj, la
jaula con un canario, el ojo de la abuela, la cabeza de un gato.

Este cineasta incluyó un primer plano con el objeto de hacer reír a los
espectadores. Con el tiempo, Smith llegaría a inventar el primer proceso de
película en color que tuvo cierto éxito, el kinemacolor.

(Primer plano del corto “La lupa de la abuela”)

James Williamson, colega de Smith, también fue otro innovador de esta escuela.
Mostró un primer progreso de una historia en Attack on a chinese mission station,
donde utiliza el montaje alterno para conseguir mantener el suspenso y consiguió
un travelling subjetivo en A Big swallow
( http://www.youtube.com/watch?v=OyC7WXAkxx0 ), ya que supuso uno de los
primeros intentos en explotar el contraste entre el ojo de la cámara y el del
expectador. En este corto, aparece un hombre que se come, literalmente, al
fotógrafo que lo estaba retratando y en Stop thief! Introdujo un elemento
fundamental en la historia del cine, las persecuciones.

(“A Big Swallow”)

En Francia donde Charles Pathé estaba forjando su particular imperio
cinematográfico, y donde nacería el primer noticiario de la historia del cine bajo el
nombre de “Pathé Journal”. La mayoría de estos noticiarios eran dramatizaciones
de hechos importantes, dada la imposibilidad de asistir al lugar de la noticia. Este
género gozó de una gran acogida, porque gracias a su espectacularidad tenían una
gran capacidad de impacto emocional. Además, durante la Primera Guerra
Mundial se convirtió en un referente informativo fundamental. En sus películas
aplicó una fórmula para atraer a todo tipo de espectador. Su gran eficacia se debió
a las llamadas "escenas dramáticas realistas", en las cuales aparecían los crímenes
del Museo de Cera Grévin o los pasajes más violentos de L'assommoir de Émile
Zola sobre las víctimas del alcohol. Esta tendencia al realismo sentó las bases para
futuros movimientos cinematográficos, como el realismo poético francés y el
neorrealismo italiano.

La primera productora de la historia del cine fue fundada por los hermanos Pathé. (Cartel francés
de 1908).

También en Francia Georges Méliès se reveló como un caso único. Se entusiasmó

con el invento de los Lumiére, y siendo un hombre de una gran sensibilidad,
capacidad creativa y espíritu empresarial, enseguida le vio posibilidades al
espectáculo. Se la ingenió para adquirir un proyector y comenzó a rodar
inmediatamente. Al poco tiempo, debido a su conocimiento del mundo de la
“farándula”, había desarrollado su carrera de cineasta, aplicando sus habilidades al
mundo del espectáculo en el Teatro Robert Houdini, de París, que compró para el
efecto y al que dotó de todos los inventos necesarios para realizar sofisticadas
puestas en escena y sorprender a los parisienses con sus decorados, proyecciones,
vestuarios y representaciones.
Fue así que en el momento en que casi todo lo que se filmaba eran escenas de la
vida real, él demostró que el cine podía potenciar la imaginación del espectador
por medio de la ficción. Méliès, que procedía del mundo del teatro, desarrolló una
actividad impresionante rodando mas de 500 películas. En ocasiones, éstas no eran
mas que un simple truco de apenas un minuto de duración. Aplicó fundidos y
encadenados tal y como se hacían en las sesiones de diapositivas.

Ya en 1899 rodó la primera película de diez minutos, El proceso Dreyfus (L’affaire

Dreyfus, 1899), reportaje periodístico sobre dicho acontecimiento. (1era parte:
http://www.youtube.com/watch?v=t_LgdB3o5Qk ).

Su obra cumbre fue Viaje a la Luna

( http://www.youtube.com/watch?v=EsRIQXuQHSE&feature=related ), historia
que empezó a preparar en 1896 y culminó en 1902, donde fue productor, guionista,
actor y director. En ella se explica la historia de un grupo de científicos que
viajaban hasta la luna en una especie de nave espacial. Allí, los viajantes, se
encontraran con nativos hostiles, los selenitas. Descubrirán que es muy fácil
destruirlos. Los franceses logran escapar y luego de caer en el mar y explorar los
abismos, son rescatados y regresan a París como héroes.

En esta película se refleja, claramente, la personalidad histriónica de Mèliés. La

cinta experimenta técnicas cinematográficas que se utilizaran con mucha
frecuencia mas adelante y es conciderada como el primer ejemplo de cine de
ciencia ficción. Ya que contiene muchos elementos del género (una nave espacial,
el descubrimiento de una nueva frontera, un nuevo mundo). Sin dudas, Viaje a la
luna fue una película totalmente insólita y revolucionaria para la época.

“Viaje a la Luna”

Un año después de Viaje a la luna, en Estados Unidos, Edwin S. Porter presentó

Vida de un bombero americano, también conocida como Salvamento de un
incendio (1902)
(http://www.youtube.com/watch?v=oM-DhskWrDA ). En ella, a este operador de
la compañía Edison se le ocurrió mezclar imágenes ya existentes sobre incendios y
bomberos reales con otras rodadas expresamente por él, para contar la historia de
un niño que está atrapado en una casa en llamas. La capacidad narrativa de Porter
quedó aún mejor reflejada en El gran asalto al tren
(http://www.youtube.com/watch?v=Bc7wWOmEGGY&feature=related ),
que también se estrenó en 1903 y que en veinte planos, presentaba una historia de
acción perfectamente estructurada en la que se aportan novedades esenciales, como
el montaje de escenas paralelas, llamado montaje alternado. Cuando se habla de
montaje alternado se refiere a el “mientras tanto” literario, habrá dos acciones que
ocurrirán al mismo tiempo que luego se encontraran.

“Flyer moderno de El gran asalto al tren”

El gran asalto al tren, también fue conciderada como el primer western del cine, un
género que en pocos años se convertiría en el mas polular de los Estados Unidos.
Como otra novedad, se le incorporó un primer plano, en este caso fue al final,
donde uno de los ladrones dispara a quemarropa contra la pantalla, esto provocaba
en el espectador, la sensación de estar en la línea de tiro o de fuego.

“Primer plano de El gran asalto al tren”

Quien perfecciona estos métodos de montaje alterno es David Wark Griffith. Ya

para 1908 Griffith utilizó la técnica de la persecución presentada en forma de
montaje alterno, en su película La masacre. En un final donde una caravana es
atacada por los indios y la caballería se apresta a presentarse en el lugar, vemos
como la demora causa un dramático suspenso. Griffith sería famoso por causar esta
“salvación a último momento”.

”David Wark Griffith”

El comienzo de Griffith fue como actor, quien se destacó, en primer lugar, por su
capacidad de trabajo: sólo entre 1908 y 1913, rodó para la compañía Biograph
nada menos de 411 cortometrajes. Para él el cine era conciderado como un
instrumento artístico, por eso aparte de abordar todo tipo de temas, se preocupaba
por buscar los recursos mas expresivos de la imagen. Aunque la mayoría de los
elementos narrativos del cine ya estaban inventados, a él le apasionaba
experimentar para integrarlos con fines dramáticos en sus obras.

En 1915, su nombre se hizo universalmente conocido gracias a su película El

nacimiento de una nación, hay que remarcar que el verdadero interés de esta
película no reside en su argumento, sino en sus aportes a la narrativa
cinematográfica. Aunque está claro que El nacimiento de una nación es una
potente herramienta de propaganda.

En esta película, Griffith aplicó todo lo que había aprendido durante sus anteriores
años como realizador: la variedad en el tamaño de los planos, el montaje o los
movimientos de cámara. Digamos que aplicó todos los recursos ya existidos, pero
por varios motivos: para que el espectador no se aburra ya que el filme dura 2
horas y veinte minutos y también para demostrar de lo que era capaz. Él estaba
mucho mas interesado en las posibilidades que le brindaba el medio que en el
mensaje que podía dar con sus obras. Fue así que en el sentido artístico, sentó las
bases de Hollywood.

“El nacimiento de una nación”

A partir de esta película, podemos decir que comenzó un nuevo modelo de
representación, donde la narración y el mensaje toman otro valor. Según el teórico
Ángel Faretta:

“Griffith crea tres conceptos o elementos que son a la vez heurísticos y estéticos —
siendo también polémicos—. Digamos que Griffith tiene como tarea fundamental,
desde el principio, la de desviar o separarse del modelo fotográfico-teatral
heredado de la ya acuñada modernidad, tarea que fue impensable para el modelo
constituido por Lumière y Meliès quienes prosiguieron con la tarea de la
continuidad fotográfico-teatral, preocupándose tan sólo en «polemizar»
instrumentalmente con el modo de realidad o verosímil con el cual trabajarían.
Teniendo esto presente, Griffith trasforma radicalmente el espacio fotográfico-
teatral como modelo o paradigma del distribucionismo burgués creando, tres
elementos heurísticos que son a la vez, y sin solución de continuidad, elementos
formales y estéticos. Ellos son: el fuera de campo, el principio de simetría y el eje
vertical.”

En este párrafo se resume la idea que tenía Griffith sobre el cine y cómo iba a
encararlo de ahora en más. Fue así que en 1916 filmó Intolerancia. Esta película se
destaca por narrar cuatro historias entrecruzadas por medio del montaje paralelo.
La diferencia radica que en lugar de cortar dos líneas de acción que ocurren al
mismo tiempo, aquí se juega con dos o mas líneas de acción que ocurren en
distintos tiempos. Griffith describe una acción que transcurre en los Estados
Unidos contemporáneos, otra en Babilonia, otra en la noche de San Bartolomé y la
última con la vida de Jesús. Todas concluían con un final apoteósico con montajes
paralelos y alternos.
Resulta bastante significativo que, mientras que la lección de Griffith fue
inmediatamente aprendida en EEUU, los realizadores europeos tardaron bastante
en tomarlo como modelo. Mientras que los europeos seguían rodando bajo la
influencia del teatro (MRP), los norteamericanos explotaron ese nuevo lenguaje
propio del cine que les permitía conseguir una mayor continuidad entre los planos
y dotar de ritmo a las historias. A este modelo se lo llamó: Modelo de
representación institucional (MRI). Debo aclarar que no era solo una cuestión
estética, si bien para Griffith ésto era una cuestión importante; también lo era, para
él y muchos empresarios mas, el hecho de la comercialización del producto, de lo
redituable, sustentable y favorable que era para los realizadores, productores, etc
este tipo de películas.

El nacimiento de una nación, es el primer ejemplo de éxito taquilla en Estados

Unidos. Las ventas prácticamente cuatriplicaron lo invertido, se vio una gran
ganancia, es decir, que gracias a este filme se dieron cuenta del gran negocio que
habían armado con esta “mezcla de recursos” excelentemente ordenados para una
narración coherete y cohesiva.

Mietras tanto en Europa, el cine también iba creciendo. Ole Olsen, un empresario
danés, fundó una compañía de produccón, la “Nordisk film kompagni”. Esta
productora fue la escuela de muchos futuros realizadores. Sus integrantes habían
sido pioneron en la utilización de la iluminación artificial con fines dramáticos;
asimismo habían experimentado el valor expresivo de los encuadres de la cámara,
de los decorados y del montaje. Aunque la composición visual de sus películas era
magnífica, seguían incluyendo interpretaciones exageradamente expresivas por
parte de los actores. En parte, el éxito de la Nordisk se debió a los temas
sensacionalistas que abordaban, como el adulterio, la trata de bancas o la locura y
también al atractivo toque erótico de sus historias. La productora de Olsen gozó de
gran popularidad gracias a filmes como Pecados de la juventud, Hacia el abismo, y
Atlantis.

En parte, el hecho de que la industria europea evolucionase a remolque de la

norteamericana, fue debido al estallido de la Primera Guerra Mundial. Esto
provocó una interferencia en la labor de los cineastas europeos. Fue así que los
hollywoodenses vieron la oportunidad para penetrar el mercado del viejo
continente.

La guerra dio lugar a una época bastante excéntrica con respecto a las creaciones.
Estas creaciones buscaban romper con los moldes clásicos de la vida cultural.
Fueron las vanguardias quienes también dejaron huella en el cine. En Francia, un
grupo de cineastas, se reunieron encabezando el movimiento “impresionista”,
caracterizado por la sencillez de su estilo y el refinamiento de sus argumentos. En
Alemania, tuvo una enorme fuerza la irrupción de la corriente artística demoninada
“expresionismo”, que defendía una interpretación subjetiva de la realidad con
decorados distorsionados y encuadres que hasta entonces eran impensables.

Otros movimientos vanguardistas, como el cubismo o el futurismo, aunque

tuvieron un menor impacto en el mundo del cine, si promovieron la realización de
obras experimentales insólitas y documentales abstractos que sirvieron para revelar
la enorme plasticidad y riqueza artística que podían alcanzar las imágenes en
movimiento.

BIBLIOFRAFÍA

POLVERINO, Leonardo: “Manual del director de cine”, Ed Libertador, Buenos Aires, 2007.

VARIOS: “El cine”, Ed Larousse, Barcelona, 2003.

SCHNEIDER, Steven Jay: “1001 películas que hay que ver antes de morir”, Ed Grijalbo,
Barcelona, 2009.

http://es.wikipedia.org/wiki/Cine

http://mundocinemudo.blogspot.com/2009/01/los-primeros-anos-de-la-cinematografia.html

http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/comienzoscine.htm