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Fichas didácticas de películas 4


Orden alfabético

Me-R
Recopilador:
José L. Caravias sj
Asunción – Paraguay
Navidad 2018

Me llaman Radio
TITULO ORIGINAL Radio 6.3/10 MB
AÑO 2003
DURACIÓN 109 min.
PAÍS
DIRECTOR Michael Tollin
REPARTO Cuba Gooding Jr., Ed Harris, Debra Winger, Alfre Woodard,
S. Epatha Merkeson, Riley Smith, Sarah Drew
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Fútbol americano. Chico subnormal amigo del entrenador.
SINOPSIS: Me Llaman Radio es un cuento dramático y edificante
inspirado en los sucesos reales basados en la relación entre un entrenador de fútbol de
instituto y Radio, a quien su madre describe como “igual a todo el mundo, sólo un poquito
más lento que la mayoría”, y como su relación cambia totalmente las clasistas actitudes de
un pequeño pueblo de Carolina del Sur. Apodado ‘Radio’ por su famosa colección de radio y
su amor por la música, empuja su carrito arriba y debajo de las calles. Él no habla con nadie
y es raro que alguien se dirija a él, hasta que un día, el entrenador Harold Jones, uno de los
hombres más respetados del pueblo, y entrenador del popular equipo de fútbol del instituto,
se hace amigo suyo. Poco a poco, el entrenador Jones se gana la confianza de Radio y abre
un nuevo mundo ante él. Le invita a ayudar en los entrenamientos y durante los partidos y
a sentarse durante sus clases en la escuela, a pesar de las desavenencias iniciales con la
directora Daniels.
Drama sentimental que obtuvo flojas críticas en Estados Unidos. Basada en hechos reales,
"Radio" cuenta la historia de la relación que se establece, en el instituto de una pequeña
localidad de Carolina del Sur, entre un respetado entrenador de fútbol americano (Ed
Harris) y un joven mentalmente retrasado, apodado Radio (Cuba Gooding Jr.), que es
objeto de chistes y bromas por parte de sus compañeros. Su amistad durará décadas, en
las que Radio pasará de ser un chico tímido y atormentado a convertirse en toda una
inspiración para su comunidad.
La vida del entrenador de fútbol americano se enriquece con Radio, con el que aprende a valorar la amistad y los
lazos familiares, tanto como valora los trabajos de entrenador.
• Objetivos pedagógicos
Conocer y analizar el papel de los otros en la edificación de una persona.
Valorar los sentimientos, las motivaciones y los principios morales que mueven a los principales
protagonistas de la historia.
Apreciar el valor de la amistad incluso cuando hay diferencias generacionales.
• Procedimientos
Valoración de la película como reflejo del sentido de la amistad partiendo de la aceptación personal.
Identificación y explicación de los referentes personales que aparecen en el film.
Análisis de la estructura narrativa y temporal del film.
• Actitudes
Comprender las reacciones y los sentimientos de los principales personajes de la película a partir del
momento en qué entran en contacto.
Entender el valor simbólico de algunos protagonistas del film
Valoración crítica del final del film.
GUÍA DIDÁCTICA
• Tema: Ser persona.
• Valores: Amistad, comprensión.
• Propuesta de actividades:
- Debate en clase entorno a los conceptos y valores que expone la película: ser persona, amistad,
comprensión. Trabajar con atención los fenómenos de actitudes personales que se puedan dar hoy
día.
- Hoy día se da cierto grado de marginación con personas discapacitadas, analízalos y relaciónalos con
la película.
- Que influencia tienen los sentimientos de culpa que uno tiene en la vida para ser personas auténticas.
FICHA DE TRABAJO
1. Haz un breve comentario de la siguiente afirmación: La historia de Radio trata esencialmente sobre
una gran amistad que se forja entre dos hombres que, gracias a su ejemplo, tocan las mentes y los
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corazones de todo el que los rodea.


2. Después de ver la película, ¿cómo interpretas la siguiente frase: "alguien en quien confiar"?
3. ¿Cuál fue la gran enseñanza de "Radio" a sus jóvenes compañeros?
4. La película nos adentras en razones para creer, ¿cuáles?
5. De los diferentes personajes que aparecen en la película, ¿con cuál te identificas más? ¿Por qué?
6. ¿Qué moraleja le pondrías a la historia de "Radio"?

Melody
TITULO ORIGINAL Melody 7.5/10 MB
AÑO 1971
DURACIÓN 106 min.  
PAÍS GB
DIRECTOR Waris Hussein
REPARTO Mark Lester, Tracy Hide, Jack Wild, Sheila Steafel, Roy Kinnear,
Billy Franks, Ken Jones, Kate Williams
GÉNERO Y CRÍTICA Drama / Historia de dos jóvenes amigos que se rebelan contra el sistema adulto
establecido. Escrita por -posteriormente conocido- director de cine Alan Parker y con música
de The Bee Gees.
La vi una sola vez, a los ocho, diez años,.... Desde entonces la he tenido casi siempre en la punta de la lengua. Y el
tiempo que ha transcurrido no es poco. Hoy estoy cerca de las cuatro décadas. Pero no me atrevo a verla una segunda
vez. El niño que fui y que aun llevo dentro se resentiría de no apreciarla como la vez primera. La sensibilidad no ha
variado; ha cambiado el hombre, que ahora sabe un poco más, aunque tal vez no lo suficiente.

Memorias de África
TITULO ORIGINAL Out of Africa 7.4/10 MB
AÑO 1985
DURACIÓN 160 min.  
PAÍS
DIRECTOR Sydney Pollack
GUIÓN Kurt Luedtke (Novela: Isak Dinesen:
Biblioteca Fe y Vida. Textos de Literatura\Novelas)
REPARTO Robert Redford, Meryl Streep, Klaus Maria Brandauer,
Michael Kitchen, Michael Gough
GÉNERO Y CRÍTICA 1985: 7 Oscar: mejor película, director, guión adaptado, fotografía, dirección artística,
banda sonora original, sonido
Drama romántico. Aventuras. Canto a África, naturaleza y sentimientos humanos.
SINOPSIS: A principios del siglo XX Karen Blixen (Streep), una mujer europea de gran
coraje, llega a Kenia para dirigir una plantación de café junto a su marido (Brandauer), un
mujeriego incorregible con el que no se ha casado por amor. Para su sorpresa, Karen se da
cuenta de que poco a poco se está enamorando de la tierra, de sus gentes... y de un
enigmático cazador aventurero.
En plena década de los ochenta, cuando el cine resbalaba por su vertiente más comercial
(con alguna oscarizada excepción) y exhibía una preocupante falta de talento, llegó Sidney
Pollack y nos regaló esta absoluta, emotiva y maravillosa obra maestra. Un hermosísimo
canto a África, a la naturaleza y al arte de contar una historia tocando los resortes más
básicos de los sentimientos humanos. Algunos dicen que es "blanda". ¿Blanda? Vayan
contando (SPOILER): adulterio, enfermedad, muerte, soledad, marginación, ruina,
desamor... Mágicamente al final sólo queda el encanto de un viaje memorable marcado por
dos vuelos en avioneta (en el primero iban dos, en el segundo sólo uno). Y queda el
recuerdo del mejor retrato sobre el dilema entre independencia y compromiso que se haya
visto jamás en una pantalla de cine. El guión -basado en una excelente novela-, la
fotografía, la música, las interpretaciones -inmenso Brandauer-... todo en "Memorias de
África" tiene un adjetivo: inolvidable.
"Magníficos paisajes, excepcional fotografía y unos actores que bordan sus papeles"
Narra el caso de un matrimonio danés que se establece en Africa dispuesto a criar ganado. Los planes iniciales no salen después
como se pretendía y ella vivirá un apasionado romance con un individualista cazador y aventurero americano.

Memorias de Antonia ver Antonia

Memoria del saqueo


TITULO ORIGINAL Memoria del saqueo 7.3/10 MB
AÑO 2004  
DURACIÓN 118 min.  
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PAÍS Argentina
DIRECTOR Fernando Ezequiel Solanas
GÉNERO Y CRÍTICA Documental. Gobiernos que empobrecen al pueblo.
SINOPSIS: Desde los comienzos de la dictadura militar, hace ya
veinticinco años, Argentina y su pueblo han tenido que hacer
frente a una de las peores crisis económicas y sociales vividas
jamás por un país en periodo de paz. Argentina, un país que fue próspero, ha tenido que
enfrentarse de forma periódica a todos y cada uno de los traumas estigmatizados por la
militancia anticapitalista: exorbitantes deudas nacionales, el desalmado ultraliberalismo, la
desenfrenada corrupción política y financiera y el expolio regular de los bienes públicos.
Todo ello, con la ayuda de las compañías multinacionales occidentales y
la complicidad de los organismos internacionales. La política de la tierra abrasada,
representada por tipos como Carlos Menem, ha conducido al país a un increíble cataclismo
de hambre, enfermedad y sacrificio de vidas humanas: un genocidio social. “Memoria del
Saqueo” saca a relucir los mecanismos que han provocado esta catástrofe. Esta película
está dedicada a todos aquellos que resisten con dignidad y coraje. Es inaceptable dejar que
un pueblo vaya sumiéndose poco a poco en la pobreza. Pero todavía es más inaceptable
dejar que la pobreza se establezca, cuando dicho proceso ya se había vaticinado. Y lo que
es peor aún, permitir que la pobreza se instale en una tierra tan rica en recursos.
Historia de una infamia. El único problema del filme es que, sin buscar la imparcialidad, le
falta mordiente, su relato es cansino.
Un análisis pormenorizado y lúcido. Lo mejor: el apabullante ejercicio de montaje de un
material inabarcable, perfectamente organizado y comprensible, que asombra, indigna y
conmueve.
Un relato de cómo las recetas del FMI llevaron a la Argentina a la ruina y vaciamiento de sus riquezas.

Mensaje enterrado de Jesús de Nazaret El


Director: J. J. Benítez R
Duración: 51’
Año: 2002
Nos habla de Jesús de Nazaret desvelando secretos, así como desmintiendo ciertas
creencias e informaciones algunas manipuladas y otras mal interpretadas.
Ante este tipo de documentales uno puede dudar, como no, de la información expuesta,
pero de lo que no hay duda, y estoy totalmente de acuerdo con lo que dice Benítez al
final del vídeo, es que "...llegará el día en que este planeta encantado será mundo sin
dogmas y con una sola religión, la del espíritu".
Este capítulo se adentra en dos países tan llenos de historia, belleza y misterio como
Israel y Jordania, para contar una historia muy especial, la que se desarrolla en la Tierra
Santa y que tiene a Jesús de Nazaret como protagonista. A partir de la investigación
periodística, las explicaciones de astrónomos, y las teorías de la teología moderna, JJ
Benítez muestra una historia llena de errores y confusiones. El capítulo se centrará en los denominados "años
ocultos", en los que Jesús de Nazaret se convierte en líder político, en un brillante orador, en un entusiasta
viajero... Para acabar transformándose en Hombre-Dios.
Las primeras correcciones sobre la infancia de Jesús están de acuerdo con las investigaciones modernas, pero luego
realiza afirmaciones atrevidas, sin ningún tipo de pruebas, especialmente lo de los viajes de Jesús. En general, tiene
una actitud altanera, negativa y despreciadora.

Mente brillante (maravillosa) Una


TITULO ORIGINAL A Beautiful Mind 7.3/10 EXC
AÑO 2001  
DURACIÓN 130 min.  
PAÍS
DIRECTOR Ron Howard
REPARTO Russell Crowe, Jennifer Connelly, Ed Harris, Paul Bettany,
Adam Goldberg, Christopher Plummer, Judd Hirsch.
GÉNERO Y CRÍTICA 2001: 4 Oscar: Mejor película, Director, Actriz de reparto
(Jennifer Connelly), Guión adaptado. 2001: 4 Globos de Oro:
Mejor película dramática, mejor actor (Russell Crowe),
Mejor Actriz de reparto (Jennifer Connelly), Mejor Guión
Drama. Basada en hechos reales SINOPSIS: El eminente matemático Dr. Nash descubrió
una teoría cuya aplicación revolucionó varios campos de la ciencia, pero su prodigiosa
mente también le causó una terrible enfermedad.
Muy poco de la verdadera complejidad de la vida de Nash ha sido plasmada en la pantalla.
Previsible pero sólida. No hay nada en ella que me entusiasme, tampoco me convulsiona
emocionalmente, pero casi todo me parece eficaz.
El filme es ambicioso, brillante, pero tramposo y epidérmico.
Las escenas que corresponden a los ataques de Nash son las mejores, si tenemos en cuenta
las licencias necesarias para visualizarlas. Las alucinaciones están llenas de misterio y
salpican la narración.
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¿Puede el deseo de sobresalir llevar a un hombre a los límites de la locura?; ¿puede éste abandonar
su mundo, para vivir en otro de su propia creación?; ¿puede la esquizofrenia ser curada sólo con la
fuerza de voluntad? y ¿puede el Amor rescatarnos de los infiernos que nuestras propias mentes nos han
edificado? La respuesta está en A Beautiful Mind.
John Forbes Nash Jr. es un matemático brillante y bien parecido, quien acaba de ingresar a la prestigiosa
Universidad de Princeton para un postgrado, a través de una afamada beca. Nash está convencido que la única
manera en que un hombre como él puede sobresalir, es descubriendo una idea original verdadera.
Para asombro de todos y de él mismo, este descubrimiento llega: La Teoría del Juego; la matemática de la
competencia. Esto lo catapulta al MIT (Instituto Tecnológico de Massachusetts), una institución para genios; sin
embargo, su deseo de sobresalir le sigue acosando y su ambición ahora se centra en el Pentágono y la decodificación
de mensajes ocultos al inicio de la Guerra Fría. No obstante sus planes, dos encuentros transformarán su existencia:
La Esquizofrenia y el Amor. Estos elementos a la larga se convertirán respectivamente en su agonía y su éxtasis; su
infierno y su redención.
Tribulaciones de un genio
¿Qué no podrá bordar el neozelandés Russell Crowe? Aún se desconoce. Si en su primera nominación al Oscar
se comió al carismático Al Pacino con su papel en El dilema, y en su segunda se hizo con la cotizada estatuilla
encarnando al hispano Máximo en Gladiator, en la última edición de la gala volvió a las listas por tercer año
consecutivo gracias a su papel en Una mente maravillosa. El Oscar al mejor actor fue a parar a otras manos, pero
Crowe fue sin duda pieza esencial del engranaje de esta película, que con 4 Oscar -película, director, actriz secundaria
y guión adaptado- se convirtió en la gran triunfadora de la noche. La película es un biopic de John Forbes Nash, un
joven prodigio de las matemáticas que en 1948, cuando contaba veintiún años, demostró su maestría en el manejo de
los números con su elaboración de la "teoría del juego", por la cual recibiría en 1994 el Premio Nobel de Economía.
Sin embargo, un genio es un genio, y todos sabemos el mal endémico que suele acompañarles: la excentricidad.
Desde sus tiempos de Princeton, Nash (Russell Crowe) se revela como un tipo huraño, sin apenas amigos, muy
metido en el mundo imaginario de los problemas matemáticos. Esto no impide que logre un trabajo de prestigio en el
Instituto de Tecnología de Massachussets, donde conoce a Alicia (Jennifer Connelly), quien se convierte en su esposa.
Pero la vida de Nash se trastoca cuando es requerido por un tal William Parcher (Ed Harris) para descifrar mensajes en
clave para un proyecto de alto secreto militar. Es justo cuando su mente comienza a hacer aguas y se le diagnostica un
terrible estado de esquizofrenia.
La película es una adaptación de la biografía "Una mente prodigiosa", escrita por Sylvia Nasar y galardonada con
el National Book Critics Circle de EE.UU. Ron Howard, eficaz artesano de historias populares (Willow, Apolo 13) se
muestra muy solvente para trasladar a la pantalla el oscarizado guión de Akiva Goldsman (Tiempo de matar), que
aborda con particular empeño los primeros años de Nash en Princeton, la relación con su mejor amigo, Charles
(fantástico Paul Bettany), y la primera fase de su enfermedad, coincidente también con su relación secreta con Parcher.
Una mente maravillosa es un canto a la fuerza superadora del espíritu humano. Contra viento y marea, Nash
luchará por salir de su particular agujero negro gracias a la inconmensurable ayuda de su fiel esposa. Porque, aunque es
cierto que hay momentos de drama y de tensión (muy logrado el acoso de Parcher al protagonista), esta película trata
por encima de todo del amor, sin lugar a dudas el único poder en el mundo capaz de transformar la mente del ser
humano.
“Hay momentos que perturbarán tu futuro, y ahora... conocer el futuro no ayuda, pues no cambias el color de la vida, Recuerdos
vacíos en mi mente
Toman forma en la oscuridad, La luz de un nuevo día empieza y no lo puedo enfrentar,
Cuando encuentre la verdadera razón, tal vez entonces encontraré mi camino, tal vez encontraré este día, porque ayer, nunca pude
existir.
Nuestra mente es tan brillante, que a veces suele traicionarnos.
Y qué es más difícil? Borrar los recuerdos, ó quizás jamás haberlos tenido.
Se está viviendo? Ó se está muriendo?”

Mente indomable ver En busca del Destino (El indomable Will Hunting)

Mercedes de Jesús
Fecha de Estreno: Octubre 03, 2006 MB
Director: César Carmigniani
Cast: María Alejandra Paredes, Marilú Pesantes, Alvaro
Correa, Sara González, Rosalía Cáceres, Octavio Peláez
Género: Drama, Religioso
Duración: 104’
Una producción de la destacada historia de bondad
de Mercedes de Jesús Molina y Ayala quien a través de su
vida fuertemente activa y profundamente comtemplativa;
participa un legado de amor y de fe a quienes están junto
a ella. Ecuatoriana fundadora del instituto Mariana de
Jesús.

Tuve la oportunidad de asistir al estreno en


Guayaquil de la película “Mercedes de Jesús” la cual es una
adaptación de la vida de la beata Mercedes de Jesús Molina quien fundó la Orden de
las Hermanas Marianitas y creó el instituto Santa Marianita de Jesús, el cual ahora en el 2006 celebra un siglo de
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su creación. Justamente por este motivo las hermanas de esta comunidad decidieron realizar esta película
biográfica encargando su dirección a Cesar Carminiagni (Matilde) con un presupuesto aproximado de $75.000.
La vida de esta beata es casi desconocida razón por la cual la can you buy clomid over the counter historia,
escrita por Carminigni con la ayuda de las hermanas marianitas, ayuda a conocer un poco más a esta bella joven
que desechó una propuesta de matrimonio con el fin de dedicar su vida a Dios. Es así como inicia su labor de ayuda
a los más necesitados instalándose en Guayaquil en un asilo de huérfanos y repartiendo sus bienes heredados para
destinarlos a ayuda social. Sintiendo que esto no la llenaba siguió el llamado de un sacerdote que la invitó al
Oriente a que lo ayude en la evangelización de los Shuar, violenta tribu que cedió ante la bondad y paciencia de
Mercedes quien permaneció junto a ellos inclusive en un brote de viruela. Una vez terminada su misión se dirigió a
Cuenca para posteriormente ir a Riobamba donde pudo concretar su sueño de fundar una comunidad religiosa. En
general buy amoxil online without prescription la película logra abarcar todos los aspectos de la vida de Mercedes
de Jesús, desde antes de que dedicara su vida a lo religioso, ofreciendo una perspectiva amplia sobre su vida,
aunque en momentos, sobretodo al final, se puede sentir la pérdida de algunos detalles como por ejemplo su labor
en la congregación y su muerte.
Pero ese es el menor de los problemas, ya que a pesar de que personalmente me sumergí con mucho interés
dentro de la historia, es imposible el darse cuenta de la pobre calidad de la dirección de la película la cual recibe el
mismo tratamiento que recibiría un episodio de “De la vida real” o “Archivos del destino”, donde se notan las
forzadas locaciones, vestuario, sin cuidar detalles como el tener que ver un “slideshow” de los logos de los
auspiciantes o el formato de los créditos que parecían de un video casero. A nivel de producción debió haber sido
una tarea difícil el recrear a Guayaquil en las últimas décadas de 1800, y aunque se utilizaron locaciones como el
Parque Histórico de Guayaquil con efectividad, llega un momento en que se nota que se utiliza un mismo espacio
más de 4 veces lo que de alguna forma resta puntos al ambiente creado. Esta situación mejora al momento que se
transportan a Gualaquiza ya que se utilizan locaciones naturales.
A través de la historia el foco de atención es la beata, interpretada por María Alejandra Paredes, quien ha
participado en series como “Archivos del destino” e “Historias cialis canadian Personales”. A simple vista se le nota
un poco la falta de experiencia, pero a pesar de ello logra llenar el personaje con Generic Levitra Professional
Online Pharmacy mucho carisma, reflejando ternura en los momentos en que trata con las personas a las que
ayuda, lo cual es clave para un personaje de ese tipo. Junto a ella aparecieron otros actores los cuales en su
mayoría ofrecen sobreactuadas ejecuciones de su personajes a excepción de Alvaro buy cytotec Correa, quien
interpreta al sacerdote amigo de Mercedes con quien trabaja en la misión del Oriente.
La historia, acompañada de una suave y adecuada musicalización, llega a su fin entre un nuevo “slideshow”
de fotos actuales de la congregación y grabaciones de la beatificación, como si fuera un documental perdiendo todo
el ambiente creado previamente, ya que parece como si no perteneciera a la película. Es la primera vez que veo
una producción de Carminiagni y aunque disfruté de la interesante historia (que fue lo que salvó la película) me he
llevado una gran decepción por que no esperaba una super producción pero buy real propecia online si esperaba
que se traten con más profesionalismo detalles que hacen la diferencia entre cine y televisión.

Mesías El
Título original: Il Messia 6.1 MB
Año: 1975
Duración: 140 min.
País: Italia
Director: Roberto Rossellini
Guión: Roberto Rossellini, Silvia D'Amico Bendico
Reparto: Pier Maria Rossi, Mita Ungaro, Carlos de Carvalho, Fausto Di Bella, Vernon
Dobtcheff, Antonella Fasano, Jean Martin
Sinopsis: La última película de Rossellini, "Il Messia", explora el lado humano de Cristo.
Está en la línea de sus proyectos de los años 60 para la televisión italiana.
Completada en 1975, no fue estrenada hasta 1978 .

Diez años después de Pasolini, Roberto Rossellini rueda su última película, El Mesías (Le Messie, IT/FR
1975), siguiendo aparentemente la estela pasoliniana de menor espectacularidad en favor de la Palabra. Pero, a
pesar de las analogías formales, la película es profundamente distinta del Evangelio  a causa de una interpretación
ideológica fuertemente utópica que determina toda la acción.
Rossellini sigue en esta película el planteamiento de investigación histórica que caracterizó también a sus
obras didácticas realizadas para la televisión, situándose fuera de la escena para observarla de lejos, considerando
éste como el único modo a través del cual puede contarse la Historia en imágenes de forma objetiva.
En esta óptica, el Jesús del insípido Pier María Rossi termina moviéndose siempre en grandes y amplios
campos, y raramente vemos su rostro encuadrado en primer plano. Lo que domina es el ambiente, despojado de
cualquier atributo espectacular, en la ilusión de ser lo más cercano posible a la realidad histórica. Pero eliminando
todo lo que pueda resultar demasiado grande y por tanto espectacular, Rossellini cae en el exceso opuesto de
reducir todo a lo demasiado pequeño, como las poco creíbles multitudes que siguen a Jesús, compuestas por un
puñado de hombres que no parecen tener nada que ver con la dimensión universal de la encarnación de Dios. El
Mesías, en su calculada distancia con respecto a lo que cuenta, es una película carente de cualquier sentimiento
religioso y absolutamente poco creíble. Ofrece la imagen de un Jesús histórico frente al que no sólo no arriesga
ninguna interpretación personal, sino que escoge no tomar posición, llegando en su punto máximo a hacerse la
ilusión de haber alcanzado un resultado objetivo y verídico al haber mostrado sólo su lado humano.
Es precisamente esta humanidad la que se ha convertido, en los últimos años, en la temática más utilizada
por el cine para reproducir a Jesús, un Jesús sobre el que comienzan a proyectarse las angustias y las expectativas
de aquellos que, ya desde finales de los años sesenta, empiezan a esperar poder cambiar el mundo con sus propias
fuerzas.
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Mesías El (Versión Islámica)

Directed by Nader Talebzadeh B


Produced by Abdollah Sa'eedi
Starring Ahmad Soleimani Nia
Cinematography Sadegh Mianji
Release dates October 18, 2007 (Festival of Cinema and Religion)
Country Iran
Esta película ha suscitado diversas reacciones en las comunidades cristianas pues muestra a un Jesús que no
muere en la cruz y que es sustituido en ese evento por Judas Iscariote.
"El Mesías", escrito y dirigido por el productor de cine iraní Nader Talebzadeh es la película que presenta a
Jesús desde una perspectiva musulmana. Esta película ha sido rodada totalmente en Irán con actores iraníes. Su
narrativa está basada en los relatos de Jesús contados en el Corán y en el Evangelio de Barnabas.
En esta película se muestran dos finales en relación a la vida de Jesús, la versión musulmana y la cristina con
la cruz. Además ha ganado el premio del festival de cine «Religion Today» en Roma por fomentar el diálogo
interreligioso.
Según la revista Variety, "El Mesías" presenta a un Jesús muy similar a otras películas que se han hecho en
el mundo occidental, de tez clara, cabello castaño y hacedor de milagros, sin embargo la gran diferencia ocurre en
la versión musulmana donde milagrosamente Judas Iscariote se transforma en la imagen de Jesús y es crucificado
en su lugar.
Talebzadeh quien escribió y dirigió el guión de la película declaró a CNN diciendo que "Él (Jesus) no es el Hijo
de Dios y nunca lo fue. El es un profeta que no fue crucificado y que alguien tomó su lugar en la crucifixión".
Adem ás manifestó que su objetivo al brindar las dos versiones en relación a la crucifixión era promover la
conversación entre musulmanes y cristianos, diálogo que se ha tornado más bien discusión en los últimos tiempos.
Talebzadeh afirma que "El Mesías" es la respuesta musulmana a "La Pasión de Cristo" de Mel Gibson. El iraní
alaba mucho esta película aunque afirma que es la versión equivocada de la historia.
"El Mesías", con más de 1000 personas en escena, entre actores y extras, es una de las mayores
superproducciones hechas en Iran, de acuerdo a la revista Variety y es la primera película que muestra las dos
caras de la moneda en relación a la crucificción.

Historia de Jesús a través de los ojos iraníes


NT: Casi habíamos terminado de filmar cuando Mel Gibson comenzó a disparar. Vi la película, y es la
primera vez que el Evangelio de Juan siempre ha sido representado. Fue muy agradable. Pero fue la historia
equivocada. En mi película, yo respeto esa creencia común con todas las buenas intenciones de los cristianos
tienen... de acuerdo con lo que dice el Islam. Sin embargo, Jesús, en la noche de la última cena, asciende al cielo
[sin ser crucificado]. Un hombre hermoso, un hermoso profeta. ¿Por qué se le hizo sangrar de esa manera?
LS: ¿Qué clase de respuesta has recibido de los cristianos? ¿Qué tipo de retroalimentación e intercambio ha
habido desde que se estrenó la película?
NT: Muchos pensaron que esta película es un buen paso para el diálogo interreligioso serio. Muchos de ellos
me gustó - viendo el final basada en el Corán. Y yo estaba muy contento de que los cristianos practicantes
estaban muy contentos con la película. Nunca he encontrado un caso entre cristianos practicantes que se ofenden
[en la película].
Los cristianos de América, los respeto mucho. Creo que estos cristianos, los cristianos nacidos de nuevo,
sobre todo, son un grupo muy interesante de que Irán no tiene conocimiento de, debido a toda una generación de
iraníes no han podido viajar a Estados Unidos. Y los que lo hacen moverse a América, se quedan en Estados
Unidos. Así, la forma de crear una comunicación seria, no en la política, sino también a nivel religioso? Pensé que
esto sería un atajo.
LS: ¿Hay planes para una película que ayude al diálogo entre musulmanes y Judios?
NT: Esta película es acerca de Jesús, que es el último profeta judío. El público tiene que darse cuenta de
que los iraníes han estado viviendo con Judios y cristianos durante siglos. Judios fueron salvados por los reyes
iraníes. Esto siempre fue su casa, y lo sigue siendo su hogar. Además, la primera iglesia cristiana fue construida
en Irán. La primera tribu cristiana que se convirtió en cristiano, la primera tribu - fueron los armenios. Armenios
fueron parte del Imperio Persa ... se encontraron con el confort de vida con los iraníes.
LS: ¿Cuál es su esperanza para la película?
NT: La película es una excusa para sentarse y hablar. Irán se demoniza de manera consistente. Una vez
que una visita americanas Irán, saben que es una historia diferente. Entonces, ¿cómo exportamos nuestro
pensamiento? Es el cine. Esta es una película para los estudiantes y para la práctica de los cristianos, para que las
personas se vuelvan curiosos y van a investigar más.
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Mi esperanza para la película era, y es, y será, hacer que la gente piensa acerca de cómo Dios ve a los
profetas, como Dios habla de Jesús en el Corán. ¿Cuál fue el mensaje principal de Jesús? Y lo que fue censurado
de la historia? Parte del mensaje de Jesús fue censurado, lo cual fue la venida de los próximos profetas.
Si usted escucha lo que dijo Jesús, Jesús habló sobre el profeta Mahoma, muchas, muchas veces. Y fue
eliminado en los Evangelios y en las Biblias que [hizo a través de] la historia. En el año 325, el Concilio de Nicea
fue a destruir a todos los otros evangelios. Uno de los Evangelios era el Evangelio de Bernabé, que utilicé en gran
detalle.
LS: ¿Y qué decía eso que quedó fuera?
NT: Tenía una gran cantidad de sermones de Jesús, que no se ven en la Biblia; milagros, y por lo menos un
centenar de referencias al profeta Mahoma, sobre su venida. Es una de las mayores censuras de la historia. Por lo
tanto, pensé que alguien debería decir esto, y luego otros podrían no estar de acuerdo, por ejemplo, "Ahhh, esto
no podría ser! Esto es una blasfemia!" Pero está bien - esto es el siglo 21. Es la hora de la información. Es la hora
de la comunicación. Pueden ir a comprobarlo.
LS: ¿Algo más que sentiste al hacer la película?
NT: Pensé americanos cuando yo estaba filmando esto... Estaba pensando que tengo muy buenos
recuerdos de los años 90, que viví en Virginia, recuerdos de la bondad. La falta de comprensión de las últimas tres
décadas se quema realmente mi corazón. Hay mucho malentendido sobre el Islam en la actualidad. Y uno de esos
eslabones perdidos clave, que unirían la cadena juntos, es Jesucristo.
Pensé, debemos trabajar en hablar a través de algo que es mucho más querido para nosotros que otras
cosas. Pensé que, a través del arte, se podría hacer mucho más que con la política.

Messie (Le)
Puntuación del Film: 4.9 / 10 MB
Duración: 87 min
Año: 1999
Dirigido por: William Klein
Música de G.F. Haendel (1685-1759)
Reparto: Lynne Dawson - Nicole Heaston, sopranos
Magdalena Kozena, mezzo
Charlotte Hellekant, contralto
Brian Asawa, contra-tenor
John Mark Ainsley, tenor
Russell Smythe, baritono
Brian Bannatyne-Scott, bajo
Choeur des Musiciens du Louvre
Les Musiciens du Louvre
Direccion : Marc Minkowski
Enregistré à l'Opéra Bastille en 1997
Género: Documentary Music
País: France
Obra maestra de Haendel en versión de Mark Minkowski, sobre la versión mixta de la obra, para la película -un
tanto, digamos un muy mucho posmoderna- de William Klein sobre “El Mesias” a finales del siglo XX. Esta es la
banda sonora que salió en 2001, y que fue acogida violentamente por la crítica, que la acuso de extremadamente
imaginativa, fuera de estilo y numerosas chorradas –ya podreis comprobar que es falso-. Los cantantes son los
clásicos barrocos de ARCHIV y Minkowski se sale como es habitual con tempos rápidos, transparencia y vivacidad.

Método El (El Método Gronhölm)


TITULO ORIGINAL El método (El Método Gronhölm) 7.1/10 MB
AÑO 2005
DURACIÓN 105 min.  
PAÍS España
DIRECTOR Marcelo Piñeyro
GUIÓN Mateo Gil & Marcelo Piñeyro (Obra: Jordi Galcerán)
REPARTO Carmelo Gómez, Eduardo Noriega, Eduard Fernández,
Natalia Verbeke, Najwa Nimri, Ernesto Alterio, Adriana Ozores.
GÉNERO Y CRÍTICA 2005: 2 Premios Goya: Mejor actor de reparto (Carmelo Gómez) y mejor guión adaptado /
Drama / SINOPSIS: Siete aspirantes a un alto puesto ejecutivo se presentan a una prueba
de selección de personal para una empresa multinacional en un rascacielos de oficinas de
Madrid. Entre ellos, las personalidades más dispares: el triunfador, el agresivo, la mujer
insegura, el crítico, el indeciso...desde ese instante, y en un clima de tensa competitividad,
la inseguridad de los participantes se convertirá en miedo y dudas, y estos a su vez en un
estado de paranoia general donde los participantes se preguntarán si están siendo
observados por cámaras, o incluso si entre ellos podría haber un psicólogo infiltrado que les
está ya examinando. En este claustrofóbico clima de máxima desconfianza y absoluta falta
de escrúpulos, se crearán alianzas, se producirán disputas, se revelarán secretos, se
destaparán pasados...
Adaptación cinematográfica de una exitosa obra teatral de Jordi Galcerán, autor que, por
cierto, declaró que el film no tiene nada que ver con su obra de teatro (más inclinada a la
comedia que al drama).
Queda la brutal crítica del ultracapitalismo, el estupendo entretenimiento, la explicitud y la
redundancia de algunos diálogos y acciones rebaja un tanto su calidad. Por desgracia, el
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magnífico resumen final de la obra de Galcerán se ha perdido por el camino.


El fichaje en el guión de Mateo Gil afila aún más el canino de su carga de profundiad. La
potencia modular de la pieza sigue intacta.
Temática: Opciones, fines y soledad
Opciones. El método de selección es la excusa adoptada por la historia para mostrar el dilema  de ser los que somos
o lo que debemos ser.
Fines. Una pregunta planea a lo largo del proceso de selección: ¿El fin justifica los medios?
Soledad. La película nos plantea la soledad y la deshumanización que genera una competitividad destructiva.
Sugerencias para ver y escuchar la película
Una película se puede ver y escuchar de muchas maneras. Ofrecemos unos puntos de referencia. Concretamente,
sugerimos ver y escuchar la película…
…hacia adentro. Reflexionar sobre lo que la película nos sugiere en primera persona y sobre las preguntas que nos
plantea en nuestra propia vida. No pretendemos buscar respuestas definitivas, atendemos a las resonancias que
nos deja.
…hacia fuera. Promover un coloquio sobre la película en familia o en grupo. No se trata de llegar a conclusiones.
Compartimos lo que hemos sentido y percibido e intentamos escuchar y entender la percepción diferente de los
otros.
…no sólo con la cabeza, también con el corazón. Se trata de dejar por un momento a un lado los prejuicios
ideológicos o ideas preconcebidas para que, al hilo de lo que nos cuenta la película, puedan hablar los
sentimientos.
…y después de algún tiempo repensar. Estar atentos al poso que la película deja después de unos días. Ese
«poso» es una impresión en la que se funden nuestra reflexión sobre lo que hemos visto y la vida propia que la
historia cobra en nosotros/as.
Algunas preguntas…
…antes de la película
·Sobre el objetivo: ¿El fin justifica los medios? ¿Los medios justifican el fin?
·Sobre las apariencias: ¿Nos preocupa la imagen que damos?¿Vivimos esclavos de esa imagen?
·Sobre la prioridad: ¿A qué le damos prioridad en una situación conflictiva: al objetivo o al valor de la persona?
…después de la película
·¿Cuál es el error del primer eliminado del proceso de selección?
·¿No conseguir el objetivo, cometer un error, es un fracaso?
·¿Asumimos el conflicto y la soledad que genera, en ocasiones, la fidelidad a uno mismo?
Con la colaboración de Aitor Sorreluz.
Siete ejecutivos sin piedad
Alegato contra la competitividad voraz del capitalismo neoliberal, en una aceptable adaptación que no
alcanza el nivel de la obra teatral de Galcerán.
 Dos desafíos suponía esta película desde su planteamiento: su origen  teatral, no sólo por tratarse de
una adaptación sino de una obra condicionada como pocas por las limitaciones de espacio y tiempo del
drama, y, segundo, por pertenecer al género de cine pretendidamente claustrofóbico al estilo no
superado de “Doce hombres sin piedad”.
         Basada en la exitosa obra de teatro "El metodo Grönholm" de Jordi Galceran, el cineasta
argentino Marcelo Piñeyro, director, entre otras, de “Plata quemada” y “Kamchatka”, se puso al frente
de los ocho actores (los siete candidatos y una secretaria) que se someten a una peculiar y despiadada
selección de personal para competir por un puesto de alto ejecutivo de una importante empresa sita en
la zona Azca de Madrid. Como telón de fondo, casi exclusivamente sonoro, una multitudinaria
manifestación antiglobalización, mientras los siete candidatos son sometidos al peculiar método
Grönholm, que en definitiva es una coctelera o encerrona para enfrentarlos y despedazarse entre si.
Fuera de esto la película tiene un breve prólogo de los personajes dirigiéndose desde sus casas a la
prueba y un plano epílogo en la calle.
         La excelente y demoledora comedia de Galcerán, donde no falta una importante dosis de humor,
es aquí una pretendida y claustrofóbica tragedia, con apósitos de ruptura del encierro en las escenas de
los lavabos, por  obra y gracia del guión coescrito por el director y Mateo Gil, guionista de “Mar
adentro”, “Vainilla sky”, “Nadie conoce a nadie”.
         La realización de Piñeyro ha optado por una ambientación premeditadamente fría, con predominio
del gris metal azulado, que va desde la decoración de las oficinas al maquillaje de los actores y por
prestar dinamismo fílmico, como se suele hacer en todo film de encierro, a través de una cuidada
planificación en la que domina el primer plano psicológico. Porque, desengañémonos, se trata, como
tantas otras adaptaciones teatrales, de un cine en el que domina la palabra y la tensión dramática de
las relaciones preverbales de los personajes. Aparte de la citada “Doce hombres”, cabe recordar, entre
otras muchas, “La huella”, “El ángel exterminador” , “Cube”…
         De aquí la importancia de la interpretación en la que hay que reconocer que el excelente casting
-Eduardo Noriega, Najwa Nimri, Eduard Fernandez, Pablo Echarri, Ernesto Alterio, Carmelo Gómez,
Adriana Ozores y Natalia Verbeke- responde con creces al desafío. Todos ellos recrean con matices los
típicos deshumanizados candidatos al triunfo voraz de la sociedad agresiva y sin sangre denotada por la
competitividad empresarial: el pijo, la madurita, el machista celtibérico, el cínico y pelota, el argentino
prepotente, la madre frustrada, la secre de plástico.
         Lo mejor del film es lo que tiene de la obra teatral: la metáfora escalofriante, en  actualizada
versión del “homo homini lupus”, de un pensamiento único liberal cuya escala de valores se traduce en
la máxima ganancia y el sacrificio de todo al dios del éxito empresarial capitalista, y cuyas víctimas son
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en definitiva los pobres y desheredados de nuestro mundo, representados por el ululante colectivo que
se manifiesta fuera.
         Ahora bien, todo eso estaba ya en la obra literaria. ¿Qué añade la película? En parte Piñeyro
consigue, como he dicho, romper las unidades teatrales con la planificación. Para ello se encerró con los
actores y tres cámaras en unos estudios a las afueras de Madrid para, según él, hacer una relectura
libre cinematográfica de la obra. Pero en el momento en que introduce escenas de su cosecha –
paradójicamente, cuando intenta hacer más cine-, como son las de los lavabos, el film decae y se hace
más premioso y aburrido, si es que la carga verbal no lo ralentiza ya antes desde un punto de vista
cinematográfico.
         Lo más valioso de “El método” es la presentación de esa teoría de prototipos y actitudes que,
aunque estén un tanto exageradas –en la obra de Galcerán se acercan, creo, más a personajes de
carne y hueso- nos recuerdan a gentes que conocemos todos. De aquí que la película tenga éxito y
especialmente entre gente joven, porque desenmascara a muchos de sus semejantes tan obsesionados
con el triunfo económico que llegan a desestructurarse como personas y constituyen un auténtico
mundo aparte. Otra cosa es que para acentuar la crítica a ese colectivo helador se conviertan en la
película a veces en caricaturas de sí mismos. No me extraña que el catalán Galcerán no esté contento
de la adaptación.
         Dos tipos están especialmente logrados a mi entender: el de Ernesto Alterio, el hipócrita débil y
pelota, y el de Najwa Nimri, una chica desnortada como mujer en aras del éxito empresarial, por ser
más creíbles y provistos de matices.
         Esto supuesto, y reconociendo una calidad por encima de la media en  “El método”, tengo que
confesar que personalmente me he aburrido en muchos momentos y me he sentido fuera de la película,
pendiente de si los personajes eran reales o no y hasta de cuándo se iba a acabar, lo cual no es un
buen síntoma.
         Insisto no obstante que Piñeyro ha respondido con nota alta al desafío y que el film llega a ser
una denuncia eficaz de un planteamiento socioeconómico que nos está devorando y aniquilando global
y personalmente. Pero una vez más me quedo con la obra de teatro, decididamente más fresca y
auténtica. Quizás porque, como siempre, el teatro está muy bien  en el teatro; y el mejor guión de cine
es el que desde su origen se escribe para el cine. Pedro Lamet (Cine para leer)

Mi bella dama
Título original My Fair Lady 7.6/10 MB
Año 1964
Duración 170 min.
País  Estados Unidos
Director George Cukor
Música Frederick Loewe
Reparto
Audrey Hepburn, Rex Harrison, Stanley Holloway, Wilfrid Hyde-White, Gladys
Cooper, Jeremy Brett, Theodore Bikel
Género Musical. Romance. Comedia romántica. Joven pobre convertida en culta dama.
Sinopsis
Versión cinematográfica del mito de Pigmalión, inspirada en la obra teatral
homónima del escritor irlandés G.B. Shaw (1856-1950). En una lluviosa noche de
1912, el excéntrico y snob lingüista Henry Higgins conoce a Eliza Doolittle, una harapienta y ordinaria
vendedora de violetas. El vulgar lenguaje de la florista despierta tanto su interés que hace una arriesgada
apuesta con su amigo el coronel Pickering: se compromete a enseñarle a hablar correctamente el inglés y a
hacerla pasar por una dama de la alta sociedad en un plazo de seis meses.
Premios
1964: 8 Oscars, incluyendo mejor película, director, y actor. 12 nom.
1964: BAFTA: Mejor película
1964: 3 Globos de Oro, incluyendo Mejor película - Comedia o Musical. 5 nominaciones
1964: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor película y actor (Harrison)
1964: Premios David di Donatello: Mejor actor, actriz y producción extranjeros
Críticas
Magistral adaptación de la comedia musical de Lerner y Loewe, que a su vez se inspiraba en el Pigmalión de
Bernard Shaw. Gozoso espectáculo en el que todos sus elementos se ensamblan de manera mágica. Elegante,
deliciosa, vibrante, una obra maestra más allá del bien y del mal"
Delicada, preciosa y vitalista desde su título, "My Fair Lady" es un maravilloso musical que adapta la obra
"Pigmalión" (1912) de George Bernard Shaw, y que obtuvo un enorme éxito de crítica, público y reconocimiento
-en forma de importantes premios-. De forma sorprendente, entre las 12 nominaciones a los Oscar en otras tantas
categorías, no estuvo la encantadora Audrey Hepburn entre las candidatas a mejor actriz. Viendo esta arrebatadora
obra maestra se puede comprobar que es una gran injusticia.

Mi Cristo roto
RAMÓN CUE, S.J MB
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Mi Cristo roto, Cué, 83’ .d.i. (Charlas televisivas sobre presencia de Jesús en ns. vidas)
Mi Cristo roto, 37’,
Dios tiene mano izquierda 26’, B.
Se ha perdido una cruz, 20’, B
Charlas cuaresmales del P. Ramón Cué. TVE
“A mi Cristo roto, lo encontré en Sevilla. Dentro del arte me subyuga el tema de Cristo en
la cruz. Se llevan mi preferencia los cristos barrocos españoles. La última vez, fui en
compañía de un buen amigo mío. Al Cristo, ¡Qué elección! Se le puede encontrar entre
tuercas y clavos, chatarra oxidada, ropa vieja, zapatos, libros, muñecas rotas o litografías
románticas. La cosa, es saber buscarlo. Porque Cristo anda y está entre todas las cosas de
este revuelto e inverosímil rastro que es la Vida…”

Mi encuentro conmigo (El chico)


TITULO ORIGINAL The Kid 5.2/10 MB
AÑO 2000
DURACIÓN 104 min.  
PAÍS
DIRECTOR Jon Turteltaub
REPARTO Bruce Willis, Spencer Breslin, Emily Mortimer, Lily Tomlin,
Chi McBride, Jean Smart, Dana Ivey, Daniel von Bargen.
PRODUCTORA Walt Disney Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA Comedia familiar. Hay que recordar y asimilar la infancia.
SINOPSIS: Willis es un hombre muy ocupado con poco tiempo
para los sentimientos que, tras una experiencia sobrenatural, se encuentra con un niño que
resulta ser él mismo de chico. Un comedia bondadosa con toques fantásticos para consumo
familiar.
No podemos ignorar nuestra infancia. Hay que recordarla y asimilarla…
Si tuvieras la oportunidad de encontrarte contigo mismo cuando tenías 8 años, ¿Estaría ese niño feliz con la
persona en que te has convertido? En el caso de Russ Duritz, la respuesta es un sonoro "¡NO!" En la comedia de Walt
Disney "Mi encuentro conmigo", Bruce Willis interpreta a Russ Duritz, un exitoso consultor de imagen cuya vida se
pone repentinamente de cabeza cuando mágicamente conoce a Rusty (Spencer Breslin), el mismo Russ, pero con 8
años de edad.
Rusty es un niño dulce, listo y un poco torpe que dolorosamente le recuerda a Russ todo lo que odiaba de él
cuando era pequeño. Un niño regordete y llorón que era víctima diaria de los ataques de los grandulones de la
escuela, una imagen que Russ ha trabajado duro para superar y olvidar de manera consciente.Irónicamente, el niño
tampoco está contento con él mismo a la edad de 40 años. No está para nada impresionado con su atractivofísico, su
fortuna o con sus, aparentemente importantes logros.
No puede entender el concepto del trabajo de Russ como un consultor de imagen, o la razón por la cual se
olvidó de su sueño de convertirse en piloto.Todo lo que sabe es que creció para convertirse en un perdedor de 40
años; un adulto que ni siquiera tiene esposa o perro
Reflexión
Relacionamos esta película con la felicidad, ya que el personaje principal cree ser feliz con lo que tiene, con las
cosas materiales que lo rodean. Pero al encontrarse con un niño que tenia los mismos sueños que él, en su infancia,
descubre que era su “OTRO YO” y juntos emprenden una maravillosa búsqueda que los llevara a conocerse mejor y a
aprender que siempre vale la pena luchar por aquello con lo que soñamos.

Mi gran boda griega


TITULO ORIGINAL My Big Fat Greek Wedding 5.9/10 MB
AÑO 2002  
DURACIÓN 95 min.  
PAÍS
DIRECTOR Joel Zwick
REPARTO Nia Vardalos, John Corbett, Michael Constantine, Laine Kazan,
Andrea Martin, Joey Fatone, Christina Eleusiniotis.
GÉNERO Y CRÍTICA Comedia romántica. Solterona cambia y triunfa, con su cultura griega
SINOPSIS: Todos los miembros de la
familia Portokalos están preocupados por Toula (Nia Vardalos). A sus treinta años sigue
soltera y trabaja en el restaurante griego de sus padres. Pero es que Toula quiere algo más,
algo para sí misma y está dispuesta a cambiar. Su familia, por desgracia, no. La única
revolución que necesitaba la vida de Toula eran unas cuantas clases de informática, un par
de lentillas y un cambio de actitud. Toula empieza a trabajar en la agencia de viajes de su
tía y un apuesto desconocido repara en su transformada presencia. Es Ian Miller (John
Corbett), un profesor de instituto alto, guapo y sin una gota de sangre griega...
El gran éxito del cine independiente del año 2002 en Estados Unidos; buenas críticas y una
gran taquilla conseguida sin grandes recaudaciones de fin de semana, pero tras permanecer
casi 8 meses en el top ten del box office USA. Todo ello la alzó al primer puesto en el
ranking de las comedias con mayor recaduación de la historia en USA.
Simpática e informal comedia sobre las identidades étnicas y la última oportunidad de
797

enamorarse... Conmovedora y divertida.


Una chica de origen griego sale con un chico no griego y su familia no lo ve con buenos ojos. El amor de la
pareja acerca las posiciones de las dos familias y buscan lo que acerca y no lo que separa.
Ante la interculturalidad de nuestra sociedad ¿Cómo nos situamos ante los diferentes? ¿Qué son más
importante, las costumbres o las personas? Sin embargo, la tolerancia requiere un esfuerzo personal, no sólo para
adaptarnos a lo que los otros piensan o sienten, sino para “romper” con aquellos aspectos de nuestra cultura que son
accesorios.
Se trata de un proyecto personal de la protagonista de la película, la actriz de origen griego Nia
Vardalos. Ella dio a conocer su proyecto a Tom Hanks que, casado a su vez con una griega, decidió
producir la película. La historia cuenta los avatares de una treintañera de origen griego que
vive en Chicago y que decide casarse con un norteamericano de origen wasp, es decir,
anglosajón y protestante. La familia de la chica, tremendamente reacia a salir de su pequeño mundo
heleno, se opondrá en un principio a dicha boda, aunque poco a poco irán flexibilizando sus posturas.
El irrenunciable valor de la familia, la necesidad de mantener viva, que no enquistada,
la propia tradición, así como el cada vez más real problema de la multiculturalidad son los
grandes temas que atraviesan esta fresca y divertida comedia. Los nacionalismos cerrados y el
rechazo de lo extranjero, así como un rancio machismo patriarcal, también son ridiculizados con una
inteligente ironía. Aunque muy divertida, esta película no es nada ingenua y nunca propone soluciones
idílicas. También se puede ver una solapada crítica a cierto modelo de mujer delgada y estilizada,
mostrando cómo la belleza puede no tener nada que ver con eso.
Los diálogos son brillantes, y aunque algunas situaciones parecen algo surrealistas —como la del
bautizo ortodoxo del novio—, nunca se pierde un profundo sentido de autenticidad. Buenas
interpretaciones, que van de la sobriedad al histerismo, y una banda sonora de música tradicional
griega son el broche perfecto de esta simpática y recomendable comedia.
“No dejes que tu pasado te dicte como eres, pero deja que forme parte de como vas a ser…
Mi madre siempre estaba cocinando platos llenos de cariño y sabiduría, pero sin olvidar nunca esa guarnición de culpabilidad al
horno…
Mi padre me lleva diciendo desde que tengo 15 años que las buenas chicas griegas deben hacer 3 cosas en la vida:
- Casarse con un chico griego
- Tener hijos griegos
- Y dar de comer a todo el mundo hasta el dia de su muerte
Las mujeres griegas seremos corderitos en la cocina pero somos tigresas en la cama.”

Mi mejor amigo
TÍTULO
Mon meilleur ami 6.2/10 MB
ORIGINAL
AÑO 2006
DURACIÓN 94 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Patrice Leconte
GUIÓN Patrice Leconte, Jérôme Tonnerre (Idea: Olivier Dazat)
Daniel Auteuil, Dany Boon, Julie Gayet, Julie Durand, Jacques Mathou,
REPARTO
M. Pillet, Elizabeth Bourgine, Henri Garcin, Jacques Spiesser, Christian Gazio.
GÉNERO Comedia | Comedia dramática. Amistad. Empresario antipático busca amigo.
Un marchante de arte (Daniel Auteuil) hace una apuesta: si en el plazo de diez días no encuentra al
amigo perfecto, tendrá que entregar un valioso jarrón de su propiedad. Se pone manos a la obra
SINOPSIS rápidamente y acaba eligiendo a un taxista (Dany Boon), una persona entrañable pero algo débil.
Con tal de ganar la apuesta, se esfuerza por seducirlo. Pero con la amistad no se juega
impunemente.
Daniel Auteuil y Dany Boon despliegan naturalidad y seducción a pesar de que el guión haga aguas
CRÍTICAS por demasiados de sus flancos.
Su absurda premisa no impide que se acabe ganando nuestro interés.
Apuntes para el animador
Agradecemos a Patrice Leconte el hecho de ofrecernos una película sencilla y para todos los públicos, pero con
un tema de fondo de vital trascendencia. Es una propuesta que se queda a mitad entre la comedia y el drama,
porque nos presenta algo tan importante como la amistad, de una forma amena y divertida. Como diremos más
adelante,  “Mi mejor amigo” nos da la oportunidad de reflexionar sobre las capacidades humanas necesarias y
básicas para poder llevar a delante un proyecto de vida vocacional. Por eso es apropiada para un video-fórum de
carácter vocacional.
La película nos ofrece un díptico con dos personajes centrales que son muy diferentes pero que en el fondo
tienen un mismo problema. François es un marchante de arte con un carácter distante, prepotente y
malhumorado; más interesado por lo material que por la interioridad o la afectividad. Por su arrogancia se verá
dentro de una apuesta sin sentido con la que le reta su colega Catherine. La apuesta no es otra que demostrar en
un plazo de diez días que tiene un amigo de verdad, porque le echan en cara el hecho de no tener ninguno.
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François se irá dando cuenta que, verdaderamente, tiene muchos socios, conocidos, clientes y contactos, pero
que no tiene amigos. Y es algo que no nos debe extrañar porque François no sabe ni siquiera lo que es la amistad,
por lo que llegará a reconocer que es un negado para ella.
En esta búsqueda desesperada de hacer un amigo se topará con Bruno, un taxista que es una enciclopedia
viviente y que tiene una facilidad enorme de “enganchar” con la gente. Fascinado por su “don de gentes”,
François le pedirá que le enseñe a ser simpático, porque “debe haber unos principios básicos”. Bruno acepta la
propuesta dando lugar a disparatadas situaciones. Al final parece que el método de las tres “S” es muy sencillo:
sinceridad, simpatía y sonrisa. Tan sencillo es el método que François irá de fracaso en fracaso.
Sin embargo, vamos descubriendo poco a poco que Bruno tampoco tiene amigos de verdad: “ser amigo de todo el
mundo es ser amigo de nadie”. Llegará a aceptar que la amistad no existe y que esos seres raros y diferentes
que son ellos dos, siempre restarán solos. Pero conforme pasa el tiempo los dos solitarios van desarrollando
entre ellos los lazos de una amistad, o al menos eso es lo que pensaba Bruno. A François sólo le interesaba ganar
la apuesta y con ella, el jarrón griego, poco le importa la persona de Bruno.
Así, la destrucción de ese jarrón griego que estaba en juego y que representaba la amistad entre Aquiles y
Patroclo, se convierte en un símbolo de la ruptura de esa amistad incipiente entre François y Bruno. De la mano
de Catherine, François aprenderá al final la lección. Tiene que reconocer que no se ha dejado ayudar y que ha
sido ciego. No ha sabido ver que Catherine era la primera candidata para convertirse en su amiga. Pero se
enceró en sí mismo preso de su arrogancia y su orgullo.
La referencia final que se hace a “El Principito” nos da la clave para entender la verdadera amistad. He aquí el
texto:
-Ciertamente –Dijo el Zorro-. Para mí tú no eres aún más que un muchachito semejante a cien mil muchachitos.
Y no tengo necesidad de ti. Y tú tampoco tienes necesidad de mí: yo soy para ti más que un zorro semejante a
cien mil zorros. Pero si tú me domesticas, tendremos el uno necesidad del otro. Serás entonces el único del
mundo para  mí. Yo seré también para ti el único en el mundo (De Saint-Exupéry, Antoine. El Principito)
Como nos dice Martín Palma: “François tiene el problema de que sólo quiere domesticar y ser el único para el
otro pero no quiere ser domesticado ni que el otro le sea único… En otras palabras: quiere los beneficios pero no
las exigencias de la verdadera amistad. “.
Vale también este comentario de Oswaldo Osorio: “Más que hablar expresamente de la amistad, la película
propone ser un pequeño tratado, no exento de ironía y humor, sobre cómo no tener amigos. Y para hacerlo nos
presenta al personaje de François con una colección de defectos que no le huyen a la caricatura y que son el
antídoto perfecto para conseguir congéneres que lo estimen, aunque sea sólo un poco. Básicamente, lo
importante para François es él mismo y sus posesiones, es decir, es un egoísta rematado y un materialista sin
asomo de humanidad, lo cual no excluye que sea cortés y bien educado (…) Es una ironía con la que juega Patrice
Laconte, que este personaje sea un maestro sin práctica, también un desvalido social, con lo cual se echan por
tierra todas las fórmulas que aquí se proponen para acceder a la amistad ”.
“Mi mejor amigo” nos permite reflexionar sobre la madurez humana de la personas. Porque uno de los criterios
de discernimiento vocacional es que el candidato tenga unas relaciones humanas normales y una capacidad normal
de vivir la amistad. Ante todo, personas sin rarezas. Quien no es capaz de comprometerse en una relación de
amistad, ¿cómo se va a comprometer con el Cristo que llama a seguirle?
Además, la película nos puede servir para evaluarnos ( o que nos evalúen) en cuanto a la sinceridad, la simpatía y
la sonrisa. ¿Soy sincero, simpático? ¿Sonrío? O por el contrario ¿soy retorcido, huraño y siempre con muecas?
Aunque es una película apropiada para todos, es aconsejable de trabajarla con los adolescentes.
Materiales para trabajar la película
1.Ver y analizar
 ¿Cómo describirías los dos personajes principales: François y Bruno?
 ¿Por qué tienen dificultades para tener o conservar amigos?
 ¿Qué definiciones de amistad aparecen en la película?
 ¿Por qué el director Patrice Leconte introduce una referencia a “El Principito”? Se puede encontrar el
capítulo entero de el Príncipe y el zorro en este enlace:
 ¿Qué lección ha aprendido François al final?
2.Nos interpela
 Recuerda las definiciones que se dan de la amistad en la película: amigo es aquel a quien le puedes llamar
a cualquier hora, amigo es quien correría riesgos por ti, alguien a quien se puede pedir lo que sea… ¿Estás
de acuerdo con estas definiciones? ¿Qué es para ti la amistad?
 ¿Cuántos amigos tienes? ¿Quiénes son? ¿Por qué son tus amigos?
 ¿Has tenido alguna vez la misma experiencia de François y Bruno: conocer a mucha gente y no tener
amigos de verdad? ¿En qué te pareces a ellos?
 ¿Te consideras un buen amigo? ¿Cómo alimentas y mantienes la amistad?
 ¿Qué te sugiere el texto citado de “El Principito”?
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 ¿Qué sacrificios te pide la amistad? ¿Qué eres capaz de hacer por tus amigos? ¿Estás dispuesto a
dejarte domesticar?
 ¿Qué relación de amistad tienes con Jesús?
3.Oramos
- Canto adaptado y conocido por el grupo
- Poema
Feliz el que ha sabido encontrar grandes amigos y en cada uno de ellos,
ha encontrado una parte de sí mismo, que así quedó salvada para siempre.
Feliz el que en sus amigos halló comprensión. Y esa comprensión le ayudó a comprenderse a sí mismo.
Feliz el hombre que, a travéz de los datos de una firme amistad,
ha sabido concebir como “Amor de Amistad”
el amor que entre su alma y su Señor debe mediar.
(José María Cabodevilla)
- Oración
Señor: Hoy te pido por todos mis amigos... Tú sabes cuáles, cuántos y cómo son.
Algunos más antiguos y otros más recientes; Algunos alegres y expresivos;
Otros tímidos y callados; Otros sinceros y bulliciosos...
En fin, todos diferentes. Todos especiales y muy valiosos.
Te pido que tengan una buena comunicación contigo,
aunque a veces entre nosotros no nos comuniquemos tanto.
Que con sus padres y hermanos y en general su familia,
compartan mucho, aunque a veces sin quererlo nuestro compartir como amigos no sea tan frecuente.
Que cuando brinden su cariño a otros, lo hagan con dedicación y lealtad y obren siempre con sinceridad,
Aunque a veces la gente que encuentren en su diario vivir no les responda así.
Pero lo que más te pido señor, es que el día en que nos llames y nos encontremos todos allí contigo,
sigamos contando los unos con los otros y podamos decir que... seguimos siendo Buenos Amigos!
(Tomado de oracionyreflexion.com)
- Texto bíblico: Jn 15, 11-17
- Momento de silencio para meditar la Palabra de Dios desde la película y el debate. Después se puede
compartir lo reflexionado y hacer oraciones espontáneas.
- Salmo de la amistad:
Voy de camino contigo, Señor Jesús, al romper el alba.
He dejado atrás la noche y quiero contigo andar el camino de la amistad, Maestro.
Vengo ante ti en tu búsqueda para encontrar tu amistad sincera
Quiero abrir mi mano y dar sin medida.
Quiero decirte al hermano que la vida es bella y es nueva cuando nos encontramos y nos queremos.
Quiero derribar las murallas de mi castillo. Quiero amar más allá del amor, con el amor de Dios.
Quiero dar sin esperar. Quiero hacer de mi corazón lugar de reconciliación.
Quiero que mi mano sea saludo y perdón. Quiero sembrar estrellas de alegría y de paz.
Quiero llevar mi ramo de olivo a los hombres de la tierra.
Quiero llenar mi vida de tu amistad. Quiero llenar mis amistades de ti.
Preparado por Carlos Comendador Arquero

Mi mejor enemigo
TÍTULO ORIG. Mi mejor enemigo 6.7/10 MB
AÑO 2004
DURACIÓN 100 min.  
PAÍS Chile  
DIRECTOR Alex Bowen
GUIÓN Julio Rojas, Paula Del Fierro
REPARTO Erto Pantoja, Nicolás Saavedra, Felipe Braun, Miguel Dedovich,
Jorge Román, Victor Montero
GÉNERO Dictadura. Soldados Chilenos y Argentinos amigos guerra Patagonia.
SINOPSIS Diciembre 1978. Chile y Argentina están a días de comenzar un enfrentamiento armado en la
frontera sur. En la Patagonia, una patrulla chilena rompe accidentalmente su brújula y se
pierde en la inmensidad de la pampa. Cavan sus trincheras en algún lugar sin saber si es Chile
o Argentina. Comienza una larga espera que interrumpirá una patrulla argentina que se instala
frente a ellos. Ambas patrullas esperan ahora la guerra, pero la tensa espera dará paso a la
amistad que se da entre seres humanos que son enemigos, pero que confundidos por la
800

soledad de la pampa, transitan en una frágil línea entre el deber y el querer, contando así una
profunda historia humana.
Interesante, resulta más acertada cuanto más cerca del absurdo están las situaciones. En su
CRÍTICAS parte final, la película siempre va hacia arriba, sobre todo por el tono elegido para su
culminación.
Una interesante película ambientada en la patagonia en 1978, que habla a la vez de la guerra pero
también sobre la sensatez y la ausencia de sentido común en determinadas situaciones que suelen rodear
este tipo de conflictos.
La película es más para hombres, ya que quizás para muchas chicas puede parecer algo lenta y es que
demora en su introducción, de cómo el protagonista llega finalmente a la tundra patagónica. En este
sentido no se nos puede pasar mencionar lo poco explotado que está el contexto político y social que se
vivía en ambos países -quizá a propósito-, algo que de por sí ha sido motivo de múltiples cintas.
Los silencios, la inmensidad de la pampa y la pequeñez del hombre, su carácter, voluble, todo crea
una atmósfera acorde a dejar la impronta de Alex Bowen y su percepción de este tipo de circunstancias.
No alcanza a ser una película bélica, por el contrario critica el belicismo. Es sobre el carácter. Cómo se
puede planificar y planear, juramentarse y aún así siempre el destino se encargará de sorprender a quienes
den por sentado el futuro. Más en un ambiente con una fotografía y paisajes que son tan bellos
como inhóspitos.
La cinta sin ser completamente lograda entrega muchos mensajes. Tantos que se confunden y funden
unos con otros. Como decíamos, la banda sonora es suave y prácticamente predomina el silencio y eso
imprime más obviedad a lo ridículo de algunas situaciones, que también se suceden una tras otra. Pero ojo,
que según los entendidos y quienes experimentaron esas avanzadas en el extremo sur, no se alejan de lo
que realmente sucedió.
El miedo une los bandos y el enemigo principal puede estar en tu trinchera o en el propio ser. Sin
rumbo, en penumbras.
Buena realización. Una película sencilla que sin mayores pretensiones logra más de lo pensado.

Mi nombre es Joe
TITULO ORIGINAL My Name is Joe 7.4/10 MB
AÑO 1998  
DURACIÓN 105 min.  
PAÍS GB
DIRECTOR Ken Loach
REPARTO Peter Mullan, Louise Goodall, Gary Lewis, David McKay,
Anne Marie Kennedy, David Hayman, Lorraine McIntosh
PRODUCTORA Coproducción GB-España-Alemania-Francia
GÉNERO Y CRÍTICA Drama social. Drogadicto se supera y se enamora.
SINOPSIS: Joe está en el paro. Alcohólico durante años, ahora ha conseguido dejar de
beber y dedica buena parte del tiempo a entrenar al peor equipo de fútbol de Glasgow. Joe
ayuda a una pareja de jóvenes drogadictos con un hijo, Liam y Sabine. En su casa conoce a
Sarah, una asistenta social que se está ocupando de ellos. Joe y Sarah se enamoran
apasionadamente, pero no les será nada fácil mantener esta relación en un mundo donde la
vida cotidiana es realmente dura.
"Excelente y durísimo Loach; vuelve a dar la enésima lección en cine de realismo social"
"Tragedia con toques de comedia y ternura -con su novia, el robo de camisetas-,
absolutamente redonda"
Dura crítica a las consecuencias de la política thatcherista sobre los más desfavorecidos.
Retorno del director británico Ken Loach al cine de crítica social de su país. La película obtuvo la Espiga
de Oro en el Festival de Cine de Valladolid 1998 y su protagonista, Peter Mullan, el premio de
interpretación en el Festival de Cannes. Este cineasta combativo, que sólo entiende el cine como vehículo de
conocimiento y de compromiso, acierta a radiografiar con lucidez y sin dogmatismo los males de un sistema
generador de injusticias.
JOE QUIERE TRABAJAR, NO LE DEJAN;
quiere amar, no sabe; quiere ayudar, no puede; quiere protestar, es castigado;
quiere vivir, ... tiene que conformarse con sobrevivir malamente.
Con los brazos abiertos, con el cubo de pintura blanca y la brocha,
con una amplia e ilusionada sonrisa,
ES EL RETRATO DE LA IMPOTENCIA, LA LIMITACIÓN,
LA MARGINACIÓN, LA INJUSTICIA.
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Historia de amor, llena de humor, pasión y peligro, MI NOMBRE ES JOE se rodó en el corazón de uno de los
barrios más desfavorecidos de la ciudad más poblada de Escocia: Glasgow.
Los dos personajes principales, Joe y Sarah, son dos seres vulnerables y al mismo tiempo firmemente
decididos a enfrentarse a las dificultades y presiones de la vida cotidiana, que lea dejan muy pocas opciones en sus
vidas. Los detalles de su historia reflejan la realidad del Glasgow de hoy, una sociedad dividida en la que la frágil
frontera entre la supervivencia y el desastre es a menudo una cuestión de suerte. Estas dos personas, procedentes de
dos ambientes distintos de Glasgow, ¿serán capaces de mantener su relación amorosa, llena de ternura y prudencia,
en su lucha permanente contra la droga, la prostitución y la violencia?.
El contexto de la historia de MI NOMBRE ES JOE ha sido estudiado muy de cerca, con la ayuda de asistentes
sociales, de personas que han conocido la droga y la prostitución y cuya experiencia ha contribuido a enriquecer el
guión. Paul Laverty, el guionista, dedicó meses a pasear por las calles de Glasgow, hablando con la gente. y
escuchando sus historias, antes de escribir ni una sola palabra. La realidad es que en una de las más avanzadas y
dinámicas ciudades de Europa, a muy poca distancia de las zonas de moda, hay núcleos que parecen haber salido de
alguna novela del siglo XIX, de Dickens o de Zola.
La radical visión política de Loach sigue firme e irrenunciable en MI NOMBRE ES JOE. "Todos esos problemas
se esfumarían si la gente tuviera trabajo", dice. "Los únicos empleos que existen son los que están ligados a la
pobreza: programas contra la droga, ayudas sociales, asesoría jurídica." Pero, como en todas sus películas, las vidas
y las emociones de los personajes ocupan un lugar central que atrae a cuantos las ven.
PREGUNTAS PARA EL DIÁLOGO
1. Describe cómo es el barrio donde vive Joe. ¿Qué es lo que más te ha llamado la atención al ver ese barrio de
Glasgow? ¿Qué está ocurriendo en los barrios obreros? ¿Por qué ocurre eso?
2. ¿Por qué Joe quiere ayudar a la gente de su barrio? ¿Qué le ha impulsado a ello?
3. ¿Puede Joe, por sí solo, ayudar a Liam y a Sabine? ¿En quiénes podría apoyarse? ¿Aparecen en el film
asociaciones o instituciones en los que podría haberse apoyado? ¿Qué tiene que ver todo esto con la llamada
“retirada del Estado en la cuestión social”?
4. ¿Qué es lo que pone en crisis a la relación de pareja que mantienen Joe y Sarah? ¿Cómo se comporta cada
uno de ellos ante ese conflicto?
5. En un momento dado, Joe le dice a Sarah: "Algunos no pueden ir a la poli, algunos no pueden pedir un
crédito en el banco, algunos no pueden cambiarse de casa y salir de aquí, ... algunos no pueden elegir". ¿Estás
de acuerdo con esto? ¿Por qué?
6. El cine de Loach se caracteriza por su compromiso político con la clase obrera... ¿En qué consiste la
denuncia social que hace Ken Loach con esta película? ¿Cómo se presentan la cuestiones del desempleo, las
toxicomanías y las políticas sociales?

"De la cárcel iba al albergue; en el albergue bebía; la bebida le llevaba a delinquir; y de nuevo a la cárcel."
(Joe, al comienzo del film)

Mi nombre es Khan
TÍTULO ORIG. My Name Is Khan 7.0/10 MB
AÑO 2010
DURACIÓN 165 min.  
PAÍS India  
DIRECTOR Karan Johar
GUIÓN Shibani Bathija, Niranjan Iyengar
REPARTO Shahrukh Khan, Kajol, Christopher B. Duncan, Steffany Huckaby.
GÉNERO Drama romántico.Terrorismo. Racismo. Hindú con Ásperger enamorado en NY 11-S.
SINOPSIS Rizwan Khan es un niño musulmán que se crió con su madre en el Borivali sección de Bombay
en la India y que sufre de síndrome de Asperger. Ya como un adulto, Rizwan se enamora de
una hindú madre soltera, Mandira (kajol) que vive en San Francisco. Después de los atentados
del 9/11, Rizwan es detenido como sospechoso de terrorismo por la autoridades por la
conducta sospechosa que tiene a razon de su discapacidad. Después de su arresto, él se reúne
con Radha, un terapeuta que ayuda a superar los traumas vividos. Rizwan entonces comienza
un viaje para encontrar y reunirse con el Presidente Barack Obama, a fin de limpiar su
nombre.
CRÍTICAS 'My name is Khan' pertenece a ese puñado de filmes hindúes sobre hindúes viviendo en la
paranoica America post-9/11 y existe algo fascinante en contemplar este país a través de una
lente de Bollywood, incluso cuando la historia es una especie de cuento de hadas.
Hay una molesta tendencia al pasteleo y a la sensiblería. O tal vez sólo se trate de inocencia.
Alegre perpetuación de ciertos estereotipos étnicos y su retrato del autismo, bienintencionado,
aunque indocumentado y algo manipulador.
Infinitas dosis de incredulidad acecharán al espectador ante el melifluo carrusel de
maniqueísmos inmersos en Mi nombre es Khan
La receta parece infalible, pero algo en su presentación, una grandilocuencia desmedida y un
tufillo a los peores tics de Kevin Costner nos impiden relajarnos a gusto en la butaca.
¡Mi nombre es Khan y no soy un terrorista!
Primero de todo hay que saber que esta película no está en el grupo de películas mal-llamadas "Bollywood" y no es
ninguna copia de ninguna película americana, porque que yo sepa, los americanos no son los únicos que tienen
derecho a hacer una película donde el protagonista es autista. El "pasteleo" que algunos comentan es justificado
porque la inocencia que se muestra en la película, es precisamente porque el protagonista es un tipo inocente que no
entiende lo complejo que es el mundo por su síndrome de Asperger. Tal vez quien no sepa eso, tache la película de
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una "historia de hadas", que no lo es, porque contiene muchos mensajes contundentes que quizás los pocos atentos
no vean, como el trato de los musulmanes en occidente después del 11-S y las consecuencias indirectas que ha
tenido. Mi Nombre Es Khan es una película que debería ver todo el mundo y que tiene un mensaje de paz y
humanidad que necesita mucho este mundo hoy en día.
Un respiro
Rizwan Khan (inmigrante indio, musulmán, autista, instalado en Banvilla) inicia un viaje para ver al presidente de
Estados Unidos y decirle que él no es un terrorista. Durante el viaje, va haciendo repaso de su vida en un cuaderno,
su infancia en Bombay, su familia, cómo llegó a América, las razones que le llevan a querer hablar con el presidente,
etc.
He de confesar que esta película me ha cautivado como ninguna otra en mucho tiempo. El verdadero hilo argumental
es el punto de vista de Khan, tan inteligente como cargado de inocencia, sobre la vida en general, y en particular
sobre algunos acontecimientos contemporáneos de sobra conocidos por todos nosotros (que al protagonista y a su
familia marcan sobremanera).
El colorido, la fotografía, la música, los actores. Unos diálogos y una frescura memorables. Pura risa y llanto. Una
lección de humildad. Y un respiro para todos aquellos que sólo ven la vida como una amalgama de conspiraciones
político-económicos. Aunque nosotros intuyamos (o incluso sepamos) todo lo que puede haber detrás, otro punto de
vista es posible. Quizá incluso un mundo mejor.

Mi Nombre es Sam (Yo soy Sam)


TITULO ORIGINAL I Am Sam 7.1/10 EXC
AÑO 2001  
DURACIÓN 132 min.  
PAÍS
DIRECTOR Jessie Nelson
GUIÓN Jessie Nelson & Kristine Johnson
Sean Penn, Michelle Pfeiffer, Laura Dern, Dianne Wiest,
Dakota Fanning, Joseph Rosenberg, Richard Schiff, Loretta Devine.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Deficiente mental lucha educar hija. Amor padre-hija.
Sean Penn es un padre soltero y disminuido psíquico al que asuntos sociales quiere quitarle
la custodia de su hija porque le determina incapacitado para educarla. Magistral
interpretación del gran actor-director americano en un drama entretenido y con emotivos
momentos, pero que no pasaría de ser un telefilme de lujo si no contara con un estupendo
reparto.
Un hombre con minusvalía mental reclama la custodia de su hija.
Sam Dawson tiene la capacidad mental de un niño de 7 años. Trabaja en una cafetería y está obsesionado
con los Beatles. Tiene una hija a la que ha criado con la ayuda de un extraordinario y especial grupo de amigos.
Cuando su hija cumple siete años y comienza a sobrepasar intelectualmente a su padre, su fuerte unión se ve
amenazada por una trabajadora social que quiere entregar a la niña en adopción, ya que el Estado considera que
no está capacitado para hacerse cargo de su educación.
Sam decide luchar contra el sistema legal y a pesar de lo difícil de su caso, recurre a una prestigiosa
abogada, interpretada por Michelle Pfeiffer, para conservar la custodia de su hija. El inicial desinterés y frialdad de
ella cambiarán tras conocer a Sam, descubriendo el amor que siente por la niña y tomará la determinación por
defender sus derechos como padre...

¿Se necesita ser inteligente para ser padre?


Sam Dawson (Sean Penn) es un hombre  con  parálisis cerebral grado dos, donde su inteligencia es considerada
de la edad de 7 años. Aproximadamente muestra una edad cronológica  de  30 años. Es independiente, seguramente
apoyado por programas de gobierno, ya que vive en un complejo de departamentos de personas con alguna capacidad
diferente, debido a trastornos psicológicos, físicos o motores. Trabaja en una cafetería como intendente, ordenando
mesas, limpiando tablas de servicio, etc.  Gracias a su obsesión por el orden y el acomodo de las cosas, su desempeño
es fantástico para mantener la organización en el lugar.
De una relación con una chica, nace una bebita deseada por él, mas no por ella. Lo abandona saliendo del
hospital y con sus límites intelectuales pero su gran sensibilidad y afecto a la vida toma la responsabilidad de cuidado
de la recién nacida, Lucy. Hasta donde puede, le da de comer, la asea, la arrulla, pero como es de esperarse alguien más
debe indicarle cómo es el cuidado ideal, horas para comer, etc. Es un padre amoroso, protector y pendiente de
mantener a Lucy, su hija, contenta y feliz.
Sam, cuenta con un grupo de amigos con los que comparte momentos de entretenimiento en horarios que todos
obsesivamente respetan. Lucy se debe integrar a estas actividades y ellos la incluyen con respeto y amor. Son la familia
y apoyo de los dos.
En su empeño de cuidado y responsabilidad la lleva a la escuela pero, es rebasado por la edad cronológica y la
capacidad intelectual de su hija. Acontecimiento que marca severamente su vida, ya que con las causales de
agresividad y limitada capacidad es separado de su hija. Sin embargo, Sam prosigue bajo los derechos de la ley y
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encuentra a una abogado de alto reconocimiento. Sam, muestra su sensibilidad ante el dolor y sentimientos de las
demás personas, así como su compasión por ellas.
Sam, bajo el estrés divaga y es poca la capacidad de concentración, reaccionando de manera abrupta y obsesiva,
con movimientos incontrolados y toscos. Es necesario para su situación mostrar control de impulsos ya que eso es una
de las acusaciones  para que los encargados le busquen otro hogar a su hija.
Sam, cambia de trabajo a uno que puede adaptarse para cuidar de Lucy,  se cambia cerca del lugar donde Lucy
vive ahora y modifica su rutina a pesar de lo difícil que es hacerlo para personas como él. 
Lucy Diamond Dawson (Dakota Fanning) hija de Sam, crece en ambiente de amor y de cuidado de su padre
tomando conciencia a cada nivel de la diferencia con los otros papás de su alrededor. Lo adora y lo más importante
para ella es no hacerlo sentir menos o poco inteligente, Al momento de entrar a la escuela se da cuenta de las burlas y
los juicios que sus compañeros emiten sobre él.  En consecuencia, ella justifica que fue adoptada y se resiste a mostrar
su avance escolar, evitando querer rebasar a su padre. Lucy es una niña madura, tenaz y fuerte que ágilmente busca
maneras de reencontrarse y volver a vivir con su padre,
Rita Harrison (Michelle Pfeiffer) abogada exitosa, muestra una imagen de cuidado personal excesivo, ejercicio,
dieta, etc. Sin embargo, cuando se encuentra en momentos de frustración tiene la ansiedad por comer dulces, como
gomitas o bombones. Tiene un hijo, al que notablemente resiente la ausencia constante de sus padres,  ya que muestra
indiferencia y rebeldía. Como abogada, Rita muestra contar con  fama de tener clientes con la posibilidad de pago y
Sam es el primero para el que trabaja sin costo, sin saber que la presencia de él y su caso en su vida le daría un cambio
completo a su lado sensible y maternal. Perdió su matrimonio y está dispuesta a recuperar a su hijo. Rita acepta que fue
más la ayuda que ella recibe de Sam que Sam de ella.
Mr. Tunner, abogados y departamento infantil;  representan la parte de la sociedad que se preocupa por el
cuidado y protección del niño. Con argumentos como la incapacidad del tutoreo en la actividad escolar y el limitado
control de impulsos, defienden que la niña debe tener un hogar regular. Sin tomar en cuenta las muchas posibilidades
de apoyo que pudiera recibir de distintas instituciones para llevar a cabo su buen procedimiento como padre y el buen
desarrollo integral de la niña.
Es notable la necesidad de esta parte de la sociedad por mostrar que sin una capacidad normal y preparación es
imposible el buen procedimiento como padres. Sin tomar en cuenta que en la educación de los hijos es más importante
el afecto, la presencia, la constancia, paciencia y tolerancia que la capacidad intelectual o preparación académica. Una
persona con limites intelectuales puede ser tan capaz de llevar a cabo una responsabilidad tan importante como la de
ser padre y vivir independiente.
No se especifica si la convivencia de Sam con Lucy es total o parcial, ya que al final  se muestra la presencia de
la abogada y de los padres que cuidaron de Lucy durante el proceso y que tenían la intención de adoptarla. Sin
embargo, se establece que la influencia de Sam sobre su hija es positiva para su desarrollo intelectual y en los procesos
de identidad personal, ya que se muestra que Sam se relaciona con su hija por medio de lectura de cuentos, canciones y
pinturas. 
Conviviendo en un partido de futbol de Lucy, y  Sam siendo el árbitro del partido, la abogada con su hijo, y los
amigos de Sam. Se da a entender que la abogada nunca pierde y se muestra que Sam a pesar de su retraso cuenta con la
capacidad de hacer que su hija viva y crezca en un ambiente feliz, rodeada de relaciones afectivas. Al final todos los
personajes son involucrados a la vida de Sam y Lucy y muestran su gran interés por apoyarlos y quererlos.

Mi pie izquierdo
TITULO ORIGINAL My Left Foot 7.6/10 EXC
AÑO 1989  
DURACIÓN 119 min.  
PAÍS GB
DIRECTOR Jim Sheridan
Daniel Day-Lewis, Brenda Fricker, Ray McAnally, Fiona Shaw,
Ruth McCabe, Alison Whelan, Cyril Cusack, Adrian Dunbar.
GÉNERO Y CRÍTICA 1989: 2 Oscar: mejor actor (Daniel Day-Lewis), mejor actriz secundaria
(Brenda Fricker). 5 Nominaciones (película, director, guión adaptado)
Biográfica. Drama. Triunfo en arte y amor de paralítico cerebral.
SINOPSIS: Narra la inspiradora vida de Christy Brown, un escritor irlandés aquejado de
parálisis cerebral, cuya tenacidad echó por tierra todas las barreras que impedían su
integración en la sociedad. Un conmovedor ejemplo de superación y lucha por conseguir las
metas.
Temas: Derechos humanos, derechos de los discapacitados.
La dignidad y el valor de la vida está en el cariño que le pongas y que te den.
Se trata de una película basada en una historia real, la de Christy Brown, el décimo de 22
hermanos, de los que sólo 13 sobrevivieron. Christy nació en 1932 con una parálisis cerebral
irreversible. Sólo tiene pleno control sobre una parte de su cuerpo: su pie izquierdo. Pero a fuerza de
tesón y con la ayuda de su madre, consigue relacionarse con los demás, escribir -el guión se ha
elaborado a partir de su autobiografía- y pintar. Murió en 1981.
    La película describe muy bien el ambiente en el que se desenvolvió su infancia: en el seno de
una familia católica de un barrio obrero de Dublín. Vemos las dificultades económicas que atraviesan, el
hacinamiento en la casa, las pequeñas y grandes discusiones, los problemas con los demás hijos, etc.
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Para dar más sensación de la pobreza de la familia, se utilizan mucho los claroscuros, de manera que se
iluminan los rostros y se oscurece la habitación. Esto crea problemas para su proyección en vídeo en
pantalla grande.
Aunque el guión es bastante fiel al relato, Sheridan oculta injustamente uno de los elementos más
interesantes de la vida de Cristy, tal y como aparece en su autobiografía: la influencia decisiva que tuvo
la fe católica en su afán de superación, sobre todo a partir de una viaje que realizó a Lourdes. Por el
contrario, el film nos lo muestra bastante escéptico. Aunque el director no oculta sus raíces católicas,
en algunas de sus películas suele presentar a algún sacerdote rígido y legalista, que es una forma de
realizar una velada crítica.
El guión es sólido; el ritmo narrativo, adecuado, y la puesta en escena correcta, a pesar del bajo
presupuesto. Pero donde realmente supera el film la calificación de notable es en el capítulo
interpretativo. La meritoria actuación de Daniel Day Lewis -Una habitación con vistas, El último
mohicano, En el nombre del Padre, La edad de la inocencia- es difícil de olvidar. Como ha señalado un
crítico, "en la pantalla no hay un actor que interpreta a un minusválido; hay un auténtico paralítico
mental". Lo dicho de Lewis es igualmente aplicable a Huhg O'Connor, el joven actor que da vida a
Christy de pequeño. Por su parte, Brenda Fricker se muestra deslumbrante en su papel de madre. Las
escenas en las que aparecen ella y Lewis tienen, gracias a sus interpretaciones, una enorme fuerza
dramática.
Lewis y Brenda Fricker recibieron el Oscar a los mejores actores de 1990. Además, fue nominada
a otros 3 Oscars, que no recibió: mejor película, director y guión adaptado.
Juan Jesús de Cózar

CUESTIONARIO
1. ¿Qué temas familiares nos ofrece la película para el coloquio? Características del padre y de la
madre.
2. ¿Cuál es la actitud de los padres ante el número de hijos? Naturalidad. No lo ven como causa
de lo que les pasa.
3. ¿Cuál es la actitud de los miembros de la familia ante el hijo-hermano enfermo? Fijarse en la
aceptación por parte del padre, de la madre y de los hermanos.
4. ¿Sabe educar la madre? . (En realidad está siempre educando). Papel de la madre en la
educación. La madre no sustituye el hijo. No le compadece: le quiere y por eso le exige para que se
supere. La madre le aumenta la autoestima y le eleva el concepto de sí mismo. Simbiosis madre-hijo.
Hay que educar siempre, aún sin esperanza. La madre tiene fe en el hijo y le enseña a luchar y a
vencer ("Yo no me rindo"). Necesidad de la estimulación: le hace la habitación para que pinte.
5. Influencia del tono de voz en la educación.
6. ¿Es cierto que un niño siempre está aprendiendo, aunque no lo parezca? (En la película se ven
los progresos del niño, aunque todos -salvo la madre- piensan que no entiende: "yo siempre le he
entendido")
7. ¿Sabe educar el padre? (Tiene un corazón de oro a pesar de su brusquedad). El adolescente
necesita la autoridad para sentirse seguro.
8. ¿Cómo valorar la actitud formativa y educativa del sacerdote? Debe formar en lo positivo, en el
amor y no en el temor. (Aquí aparece una velada crítica a la Iglesia).
9. ¿Cómo es el trato de la mujer con su marido? ("Vete a tomar una cerveza"; "dejad a vuestro
padre que gane; lo necesita"). Le respeta y no le deja en mal lugar; no permite que se le humille;
también para sentirse ella segura.
10. Educación sexual. No aparece que la hagan los padres (estamos en los años 30-40). Escena
de la revista.
11. Enseñanza religiosa. Papel de los padres en este aspecto de la educación.
12. Necesidad del humor en la familia, sobre todo en los momentos de tensión (escena de las
gachas).
13. Causas del embarazo de la hija. Reacción de la madre (no pone el grito en el cielo); reacción
del padre (lo siente por él, por su orgullo herido). ¿Se debe aconsejar el matrimonio? ¿Qué consejos se
deben dar en estos casos?
14. Felicidad y pobreza; felicidad y número de hijos; número de hijos y dinero: importancia del
dinero como medio educativo. No hay quejas. Se ahorra.
15. La parálisis no afecta a la inteligencia. Peligro de la inadaptación de Christy. Peligro al sufrir
decepciones en la vida social, afectiva y familiar. No se le puede considerar normal en el aspecto
profesional. La enfermera sí elige vivir con él, después de valorar la situación: así sí es posible el amor
entre ellos.
Juan Jesús de Cózar.

Mi querido Frankie
TÍTULO ORIG. Dear Frankie 7.1/10 MB
AÑO 2004
DURACIÓN 102 min.
PAÍS GB  
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DIRECTOR Shona Auerbach


REPARTO Emily Mortimer, Jack Mcelhone, Gerard Butler, Mary Riggans, Sharon Small,
Sophie Main, Katy Murphy, Sean Brown, Jayd Johnson
SINOPSIS Historia de un niño de nueve años llamado Frankie (Jack Mcelhone) y de su madre, Lizzie
(Emily Mortimer), que siempre están moviéndose de un lugar para otro. Como no quiere
contarle a su hijo la verdad, Lizzie se ha inventado una historia para satisfacer la curiosidad
del pequeño Frankie. Cada cierto tiempo manda una carta a Frankie de su supuesto padre,
que está embarcado en un navío viajando a tierras lejanas.
Construida con astucia, con escrupulosidad y con un enorme cariño por sus personajes,
CRÍTICAS incluso por los más negativos, a los que siempre se les intenta encontrar una defensa, una
motivación, huyendo así del estereotipo. Lástima que el segundo final del filme venga un tanto
forzado.
Una de esas pequeñas películas que desmienten la presunta crisis del cine europeo. Enfoque
sobrio y directo que le permite llegar al fondo emocional de la historia sin necesidad de
excitarnos el lagrimal. No es que la película carezca de clímax, sino que llega a él por medios
nobles.
Una bonita historia, muy bien fotografiada, y de cuyo sentimentalismo no se abusa en la
interpretación pero sí en el argumento.
INDICACIONES PARA EL PROFESORADO:
• Objetivos pedagógicos
Conocer y analizar el papel que juega la familia en la vida de un niño
Valorar los sentimientos, las motivaciones y los principios morales que mueven a los principales
protagonistas de la historia.
Analizar el problema de integración de una persona discapacitada.
Entender el valor de la verdad en las relaciones familiares.
• Procedimientos
Valoración de la película como reflejo de las situaciones familiares contemporáneas.
Identificación y explicación de los referentes de formación en las relaciones paterno-filiales.
Comparar la relación de hijo a madre con la de madre a abuela.
Análisis de la estructura narrativa y temporal del film.
• Actitudes
Comprender las reacciones y los sentimientos de los principales personajes de la película.
Entender el valor simbólico de algunos protagonistas del film.
Valoración crítica del final del film.
GUÍA DIDÁCTICA
• Público: Mayores de 13 años.
• Destinatarios: 2º ciclo de ESO y Bachillerato.
• Tema: Familia monoparental.
• Valores: Sinceridad, soledad.
• Propuesta de actividades:
- Debate en clase entorno a los conceptos y valores que expone la película: familia, sinceridad soledad.
Trabajar con atención los fenómenos de actitudes personales que se puedan dar hoy día.
- Hoy día se da cierta soledad en los niños, analízalas y relaciónalas con la película.
- Qué influencia tienen los padres en la felicidad de los hijos.
FICHA DE TRABAJO
1. ¿Crees que la historia inventada por la madre de Frankie equivale a un cuento de hadas?
2. En Tu vida personal, ¿Con quién te identificas?
3. ¿Utilizarías la mentira por el amor que le tienes a un ser querido?
4. ¿Cómo definirías la familia en la que vive Frankie?
5. ¿El acontecimiento que narra la película se da en las familias de hoy?

Mi Socio
Título: Mi Socio MB
País: Bolivia
Dirección: Paolo Agazzi
Año: 1982 Duración: 85 min.
Intérpretes: David Santalla (Vito) y Gerardo Suárez (Brillo)
“Mi Socio” se constituyó en el primer Road Movie boliviano y en uno de los filmes de mayor
éxito de público en Bolivia. Protagonizada por David Santalla y Gerardo Suárez, la película
narra de forma amena y divertida las aventuras de un camionero “colla” –occidente de
Bolivia– Vito (David Santalla), y un niño “camba” –oriente de Bolivia– Brillo (Gerardo Suárez)
en su trayecto entre Santa Cruz y La Paz. Dos culturas diferentes van atravesando en el
trayecto desde la desconfianza y la intolerancia hacia la comprensión y la integración, en un
país multicultural y plurilingüe confundido en su identidad.
“Mi Socio” es el nombre del camión…

Mi vida
TITULO ORIGINAL My Life 5.9/10 MB
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AÑO 1993
DURACIÓN 114 min.  
PAÍS
DIRECTOR Bruce Joel Rubin
GUIÓN Bruce Joel Rubin
REPARTO Michael Keaton, Nicole Kidman, Bradley Whitford, Haing S. Ngor,
Richard Schiff, Michael Constantine, Queen Latifah
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Marido desauciado cáncer filma p. su hijo en gestación. Amor pareja.
SINOPSIS: Bob Jones es un ejecutivo de éxito al que la vida le va a poner a prueba. Casado
con Gail, la felicidad le llega con la noticia del próximo nacimiento de su primer hijo. Pero la
alegría se tornará en tristeza cuando, tras unas pruebas médicas, le comunican que padece
una grave enfermedad y que quizá no podrá llegar a conocer a su hijo.
"Cinta de desarrollo lúcido e interpretaciones sentidas firmadas por un guionista en labores
de debutante"
Temas: Ante la propia muerte. Sentido de la vida. Muerte y reconciliación. Muerte-paternidad-maternidad. Cuerpo-
alma.
Cuando nos desprendemos de los “egos”, la reconciliación se va haciendo más fácil.
El tema central de la resurrección nos permite detectar muchos ejemplos cinematográficos que no se ajustan al
sentido cristiano de la resurrección. Entre muchos podemos citar Más allá de los sueños (What Dreams May Come,
1998)) de Vicent Ward, Mi vida (My Life, 1993) de Bruce Joel Rubin o Gattaca (1997) de Andrew Niccol como
exponentes de visiones reencarnacionistas y tendencias panteístas.
INCRUSTACIONES REENCARNACIONISTAS
SELECCIÓN DE ESCENAS
Escena 1. La visita al sr. Hu
(Especialmente significativa es la llegada al sr. Hu, por invitación de su mujer que aquí hace de guía-compañera.
Aparecen unas palomas y un espacio vacío donde el tiempo parece detenerse, todo nos coloca en un territorio
sobrenatural) (La petición de Bob como punto de partida: “Quiero que sepa que lo que necesito es un milagro”)
(Hay un momento en que el protagonista a través del contacto con las manos del Dr. entra en una especie de
trance. Aparece un fundido en blanco y luces poderosas. Se despierta desconcertado)
Hu ¿Quiere llevarse el dolor a su próxima vida?
Bob ¿Mi próxima vida?
Hu El último segundo de su vida es el momento más importante de todos. Es todo cuanto es, cuanto ha dicho, cuanto
ha pensado. Todo en uno. Es la semilla de su próxima vida. Hasta ese último momento, le queda tiempo. Puede
cambiarlo todo. Libérese de sus miedos, libérese de su ira.
Bob De ira nada ¿vale? (Sale rápidamente tirando de su mujer)
Bob Y no paraba de hablarme de mi ira. Estúpido cabrón.
Gail ¿Y qué más te ha dicho?
Bob Que no tenía fe. Gilipolleces. Que la vida siempre intenta hablarme. Que me envía invitaciones. Me gustaría
saber a qué me ha invitado la vida…
Gail Tienes una para la boda de tu hermano.
Escena 2. Con un amigo en la sauna
Amigo ¿La reencarnación?
Bob ¿Tú crees en ella?
Amigo No lo sé. Pensándolo bien diría que sí ¿por qué?
Bob Últimamente he pensado en ella.
Amigo ¿Pensado en qué? Vamos a ver, ganas 250.000 al año ¿no? Eres un privilegiado. Olvida la vida futuro y goza
de ésta.
Bob Pero nunca se te ha ocurrido pensa ¿qué es todo esto? ¿por qué estás aquí? ¿Nunca lo piensas?
Amigo No.
Bob Nunca.
Amigo No, ¿qué te pasa? ¿vas de filósofo? Di filosofía en la univesidad. No me sirvió de nada.
Bob ¿Eres feliz?
Amigo Cambia de tema.
Bob No, espera. ¿Cuándo dijiste por última vez “soy realmente feliz”?
Amigo Fui realmente feliz dándote una paliza al squash. Soy realmente feliz dándome esta sauna. Y lo era hasta que
empezamos esta estúpida conversación ¿Te sientes bien?
Bob ¿Por qué me lo preguntas?
Amigo Porque estás raro. No debes atormentarte tanto. Desconecta.
Escena 3. Nuevas visitas al sr. Hu
Hu Le dire la verdad, me sorprende que haya vuelto. Su ira es muy profunda y antigua. Tiene que perdonar.
Bob Yo no tengo que perdonar a nadie. (Poco después nace el niño, el padre realiza una serie de tomas de video. La
enfermedad sigue su curso y ya está realmente grave. Vuelve a visitar al Dr. Chino por última vez)
Hu Esa luz (refiriéndose a la luz que ve cuando entra en trance) es la luz del yo. Es la fuente de la vida. La fuente de
todas las curaciones. Déjelo todo arreglado y resígnese
Escena 4. Despedidas
(El deterioro es definitivo. Sigue un proceso de reconciliación que culmina cuando le visitan sus padres y hermano y le
han preparado un circo. El circo es la imagen del deseo infantil, del proyecto de vida. Entonces dirá a su hijo en el
video)
Bob “A veces los deseos se cumplen. Más vale tarde que nunca. No olvides esto. No lo olvides nunca” (Despedida del
hijo) (Despedida de los padres y de su esposa)
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Gail Tranquilo. No tienes que hablar, lo sé (le besa). Te quiero, eres el amor de mi vida.
(En el momento de la muerte hay una luz que ilumina el rostro y vamos a un fundido en blanco. Volvemos a la
montaña rusa bañada en blanco, Bob se sumerge en la luz blanca con paz y alegría) (La madre muestra un video
al niño)
Gail “Ese es papá”. (Y le cuenta un cuento. Fundido en negro)
CUESTIONES DE ESCATOLOGÍA
“¿Por qué no se habla de la muerte?” Se pregunta Bob, el ejecutivo protagonista, cuando se le diagnostica un
cáncer terminal. Y así toma la decisión de grabar en video su vida: “Contar la historia de mi vida para mi hijo”. La
perspectiva reencarnacionista será la tesis central de la película: “Tengo fe de que existe otra oportunidad”
1. La absorción entre Dios y el yo
La presencia del sr. Hu anuncia la entrada de perspectivas religiosas orientales. Occidente pendiente del dinero
ha evitado las cuestiones que plantea la muerte. Necesitará volverse a la sabiduría oriental para recibir orientación en
esta cuestión capital. Para ello, Bob tendrá que adentrarse desde la superficialidad a su yo más profundo y allí
encontrarse con la luz, “la fuente de la Vida, la fuente de las curaciones”. Así en el momento de la muerte hay una luz
que ilumina su rostro y vamos a un fundido en blanco. Volvemos a la montaña rusa bañada en una irrupción luminosa,
Bob, se sumerge en esa luz con paz y alegría. Es clave esta imagen de inmersión, el protagonista se sumerge en la
luz
2. La clave re-encarnación
No oculta el film su espera reencarnacionista. Así Bob confesará a un amigo después del encuentro con el sr.
Hu: “Últimamente he pensado en la reencarnación”. Y así llegara a hablar de su “próxima vida” y confesará al final que
tiene la confianza en otra oportunidad. En la película se plantea la alternativa de la trascendencia espiritual frente al
materialismo ambiente. Así la clave de la reencarnación como consecuencia natural de un proceso espiritual hacia la
plenitud.
Sin embargo, la referencia a Dios desaparece o queda como una petición infantil. La promesa del futuro abierto
se realiza más por despliegue de lo humano que por un don divino, la alteridad de Dios desaparece. Estamos en una
clave New Age que integra la perspectiva religiosa oriental con los ingredientes de la cultura contemporánea.
3. El niño y el vídeo
El vídeo es instrumento de la memoria: “Si estoy haciendo esto no es porque me esté muriendo, sino porque tú
vas a nacer”. Así la grabación será un testigo ante el hijo de su padre. Al final, la madre cuenta con el vídeo para que
el niño pueda conocer a su padre.
Pero también hemos de tener en cuenta como el niño representa en alguna forma la continuidad de la vida del
padre que ha muerto pero vive en su hijo. Y el vídeo es un instrumento, pobre y limitado, para transmitir al hijo las
cosas esenciales. Además se aporta la sugerencia que en el hijo no solamente hay un heredero sino en alguna forma
la continuidad de la vida del padre. El único ciclo de la vida permanece eternamente.
4. El proceso de reconciliación
El proceso de reconciliación es desde el interior al exterior. Liberada la ira interior, realizado el perdón consigo
mismo, surge el perdón con los demás. Este es el proceso que se da con su familia. Ante la muerte nuevamente un
proceso de reconciliación. En este caso emprendido desde dentro hacia fuera. Nuevamente la dinámica de una ética
de la interioridad.

Mi vida en rosa
ITULO ORIGINAL Ma vie en rose 7.4/10 MB
AÑO 1997  
DURACIÓN 88 min.  
PAÍS Alemania
DIRECTOR Alain Berliner
GÉNERO Y CRÍTICA 1998: Globo de oro: mejor película extranjera. European Film
Awards: mejor guión. Nominada a mejor película extranjera.
Drama / Aclamada película que cuenta la historia de un niño
de 7 años que se creía una niña.
"Triste e inteligente historia"
Temas: Incomprensión familiar y social de un niño que quiere ser niña; los prejuicios y la presión del grupo de
iguales; autoestima, búsqueda y encuentro de sí mismo; la comunicación familiar; educación sexual;la
igualdad de oportunidades.
Ludovic tiene siete años y le gusta vestirse con ropa de mujer. Sus padres se van inquietando cuando lo que
consideran un juego parece ser más serio para el muchacho, que habla de convertirse en mujer cuando sea mayor y
de casarse con otro niño del vecindario. La extravagancia del pequeño empezará a causarle problemas a él y a toda
su familia.
Si ya temas como homosexualidad o transexualidad resultan controvertidos por sí, no digamos cuando
hablamos de menores de edad. La vida sexual no existe legalmente antes de los 18 años y sigue perdurando la idea
de que cualquier información que se les de a los menores acerca de sexualidad equivale a una propaganda que
puede alterar incluso la orientación sexual del pequeño. De la misma forma no se ve como algo natural que un niño se
haga preguntas acerca de su identidad sexual; Ludovic está a los siete años de edad rotundamente convencido de
que es una niña y sus genitales masculinos son sólo fruto de un error que sueña con que se podrá reparar fácilmente
cuando crezca. Muchos transexuales declaran que desde muy pequeños se sintieron siempre del otro sexo; no
obstante, todos tendemos a filtrar los recuerdos de la infancia y darles mayor o menor relevancia en función de lo que
somos o nos consideramos cuando llegamos a la edad adulta, además de que hasta hace poco sólo se admitía la
transexualidad cuando iba acompañada de una operación quirúrgica y se exigía al transexual para reconocer su
condición que respondiera a ese perfil de haberse sentido desde siempre en un cuerpo equivocado, por lo que tal vez
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muchos transexuales digan lo que se espera de ellos, que tal vez no responda exactamente a la verdad acerca de lo
que pensaban y sentían en su infancia.
Si es más bien difícil saber si se dan en la realidad casos como el que presenta la película de niños que dicen
tener claro que son mujeres a una tierna edad, es todavía más complicado el interpretar este hecho de forma
adecuada. ¿El niño está pasando por una fase temporal de confusión o realmente será un transexual en su vida
adulta? De hecho el caso contrario, de una niña que durante una época prefiriera vestirse con ropa de niño y no se
sintiera muy contenta con su sexo, sería una fuente mucho menor de preocupaciones para sus padres, que no darían
automáticamente por hecho que la niña es lesbiana o transexual, mientras que en un varón cualquier desviación del
rol asignado a su sexo se considera un síntoma de homo o transexualidad.
El gran acierto de la película es alternar las luces y las sombras, no plantear una situación idílica e irreal en la
que ser diferente no supusiera ningún problema ni tampoco cargar las tintas en exceso mostrando la vida de quien es
distinto como una sucesión de calamidades y sufrimientos sin esperanza posible, como hace el film recientemente
estrenado XXY. Los padres de Ludovic no son ni héroes ni monstruos; el resto de su entorno, un barrio burgués y
conservador, si se muestra de forma más maniquea como hipócrita y represor. De hecho, cuando la costumbre del
pequeño de vestirse de mujer provoca su expulsión del colegio, la película no aclara si se trata de una escuela pública
o privada de carácter religioso. En el primer caso, esta discriminación no resultaría creíble.
Otro punto fuerte de Mi vida en rosa es que muestra que son los adultos los que provocan que los niños
perciban a otros o se perciban a sí mismos como diferentes y rechacen estas diferencias. Lo que para los pequeños
sólo es un juego es motivo de escándalo para los mayores; sus hijos no tardarán en imitar su conducta y ser
intolerantes.
La historia es excelente, está muy bien contada. La interpretación, la propia evolución de la película, estupendas.
Expone el tema de una forma, que cualquier persona, sea de la ideología que sea, puede sentir ablandado su corazón
ante la realidad que se muestra.

Mi vida sin mí
TITULO ORIGINAL Mi vida sin mí (My Life Without Me) 7.8/10 MB
AÑO 2003  
DURACIÓN 106 min.  
PAÍS España
DIRECTOR Isabel Coixet
GUIÓN Isabel Coixet (Cuento: Nancy Kinkaid)
REPARTO Sarah Polley, Mark Ruffalo, Amanda Plummer, Scott Speedman,
Leonor Watling, Deborah Harry, María de Medeiros, Alfred Molina
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Madre con cáncer vive con intensidad sus últimos meses.
SINOPSIS: Ann tiene 23 años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo en paro que
trabajando, una madre que odia al mundo, un padre que lleva 10 años en la cárcel, un
trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que nunca podrá asistir durante
el día... Vive en una caravana en el jardín de su madre, a las afueras de Vancouver. Esta
existencia gris cambia completamente tras un reconocimiento médico. Desde ese día,
paradójicamente, Ann descubre el placer de vivir, guiada por un impulso vital: completar
una lista de "cosas por hacer antes de morir".
Por las venas de los adictos al cine corre un líquido rojo y espeso: se llama curiosidad.
Como en la vida, el espectador acude a un encuentro, cargado de preguntas, intentando
resolver ciertos misterios de la existencia y los sentimientos. "Mi vida sin mí" es una
invasión de respuestas. Conmovedora hasta el aliento, hermosísima de principio a fin, la
historia de esta joven que exprime la vida ocultando al mundo su destino es un
deslumbrante ejercicio de sutileza, un impagable despliegue de emociones sin parangón en
el cine reciente. Puede que no sea un film perfecto, pero la cámara de Coixet y la actuación
de Polley -la mejor interpretación femenina que este cronista ha visto en años- consiguen
una intensidad y un realismo que traspasa el tiempo e inunda el corazón... y tan grabada
queda que su recuerdo se hace melancólicamente imprescindible. (Pablo Kurt)
"Coixet seduce y hace llorar (...) palabras e imágenes se complementan fraternalmente, te
meten dentro, te solidarizan con el hermoso ritual de una despedida tan realista como
poética, tan lúcida como emotiva. 'Mi vida sin Mí' regala ozono, supone un acto de
afirmación en la puta vida." (Carlos Boyero: Diario El Mundo)
"Bello y conmovedor melodrama (...) los intérpretes son más que una decena de magníficos
rostros, son un todo, un prodigio de unidad colectiva, de delicada interacción."
"Isabel Coixet evita los elementos más sensibleros para convertirla en una historia
genuinamente emotiva e inspiradora (...) La delicadeza con que está llevada y la
maravillosa actuación de la protagonista aseguran el éxito más allá de cualquier
perspectiva"
"Pertenece a ese tipo de historias que nunca se olvidan y que deberíamos recomendarnos a
nosotros mismos y a nuestros seres queridos. Ayuda a entender el misterio de la vida. La
vida absurda, la vida breve, la vida aparcada en la roulotte de los sueños."
Temas: Ante la propia muerte. Sentido de la vida. Muerte y paternidad-maternidad. Vivos y muertos. Muerte y
reconciliación.
Es la historia de una joven madre, Ann, que tiene veintitrés años, dos hijas, un marido que pasa más tiempo en
paro que trabajando pero que es un buen hombre, que quiere a su mujer y a sus hijas. Una madre que odia al mundo, es
una mujer gris, amarga y solitaria. El mundo no ha sido muy justo con ella, lo que le influye para ver la vida de forma
pesimista. Un padre que lleva diez años en la cárcel. Un trabajo como limpiadora nocturna en una universidad a la que
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nunca podrá asistir durante el día… Vive en una caravana en el jardín de su madre, a las afueras de Vancouver. Esta
existencia gris cambia completamente tras un reconocimiento médico. Desde ese día, paradójicamente, Ann descubre
el placer de vivir. Ante la inminencia de su muerte anunciada opta por no despedirse de la vida, sino abrirse a los
capítulos hasta entonces no explorados de su existencia.
Se escribe una lista de las cosas que no quiere dejar de hacer antes de morir, desde visitar a su padre en la cárcel
o tener sexo con alguien que no sea su esposo y se lanza a lo que otros descartarían: vivir. La protagonista demuestra
en todo momento un autocontrol de sus emociones y sentimientos ya que decide ocultar el fatal desenlace que no
tardará en producirse así como una muestra de valentía y adaptación ante la nueva situación que le ha tocado vivir y
que le aportará nuevas experiencias.
REZAR SIN SABER A QUIEN
SELECCIÓN DE SECUENCIAS
Escena 1. La lluvia
(Exterior patio, es de día. Lluvia. Alguien, una chica, una mujer, se descalza con decisión. Pies descalzos firmemente
aposentados en la hierba mojada. Manos sobre las que se desliza el agua pestañas vencidas por el peso de las
gotas) (Cejas, rodillas, pelo, labios, espalda, nariz… Una voz)
Ann (off) Esta eres tú. Con los ojos cerrados, bajo la lluvia. Nunca pensaste que estarías así, nunca te viste, cómo lo
dirías… como…, como esas personas que disfrutan mirando la luna, que se pasan mirando las olas o los
atardeceres o, o el viento en los sauces, supongo que sabes de que clase de personas hablo, a lo mejor no. Pero
resulta que te gusta estar así, pelándote de frío, notando como el agua traspasa tu chaqueta, te llega a la piel.Y el
olor. Y el tacto de la tierra que se ablanda. Y el sonido del agua chocando contra las hojas. Todas las cosas de las
que hablan los libros que no has leído.Esta eres tú, quien iba a pensarlo. Tú. (Unos ojos vivos, hambrientos se
abren. Deja de llover)
(TITULOS) (Los títulos transcurren sobre imágenes de un grupo de mujeres y hombres que limpian una universidad
vacía. Es de noche. Los vemos vaciando papeleras abrillantando el suelo, despegando chicles, pasando un spray
por las mesas, barriendo, canturreando al fondo de un largo pasillo despoblado… la universidad vacía tan sólo
iluminada por los fluorescentes de seguridad tiene algo de submarino fantasma) (Una de estas personas es Ann,
la chica que hemos entrevisto empapándose en la secuencia 0, que se dedica a fregar con vigor los cristales de la
biblioteca. Parece muy concentrada en ellos, como si en vez de sacar brillo, estuviera cincelando una escultura.
Lleva unos jeans debajo de la bata de trabajo y unos auriculares puestos. Oímos lo que ella oye: un audiobook
que narra un fragmento de Barbara Cartland) (Ahora estamos en un cuarto de baño enorme que se abre ante
nosotros con veinte puertas cerradas. Oímos a alguien vomitar. Los regüeldos del vómito superan las palabras
almibaradas de la abuelastra de Lady Di. Ann sale con el rostro descompuesto del baño. Agua fría por la cara.
Papel de esos que dejan las mejillas enrojecidas. Mirada al espejo)
Ann (off) ¿Quién soy?, ¿Adónde voy?, ¿cuánto tiempo hace que no formulo un deseo?, ¿habrá suficiente leche para
el desayuno de las niñas?
Escena 2. La noticia
(Sala hospital es de día. Ann está sentada en el mismo asiento. Aparece el doctor Thompson y se sienta a su lado.
Lleva diversos papeles en la mano)
Thompson Ann, ¿sabes si tu madre ha recogido a los niños?
Ann Sí… acabo de hablar con ella. Todo está bien…
Thompson ¿Su marido vive con ustedes?
Ann Sí… Es… Construye piscinas… Hoy estaba afuera todo el día…
Thompson ¿Y usted trabaja en la universidad?
Ann Limpio la universidad. Por la noche.
Thompson Tiene veintitrés años…
Ann Sí…, en diciembre cumplo veinticuatro… soy acuario… ¿Y usted? ¿Qué signo tiene? ¿Qué coño me pasa?
Thompson ¿No preferiría llamar a su marido?
Ann No. No lo preferiría.
Thompson Hemos repetido la ecografía tres veces y he encargado una prebiopsia…
Ann ¿Y eso que significa?
Thompson Tiene un tumor. En los dos ovarios. Le ha alcanzado los intestinos y empieza a tocarle el hígado… (Ann
deja de morderse las uñas porque ya no le quedan)
Ann Está lanzado, ¿eh?
Thompson Ann, si tuviera veinte años más, todo iría más lento y podríamos operarla, habría tratamientos… pero sus
células son muy jóvenes… demasiado jóvenes y no hay nada que podamos hacer. (Ann tiene una expresión
pétrea, intenta hablar varias veces sin conseguirlo)
Ann ¿Cuán…? ¿Cuánto tiempo?.
Thompson Dos meses, quizás tres.
Ann Creí que estaba embarazada…
Thompson Desgraciadamente, no… (Ann y el médico miran cada una para un lado…)
Ann Supe que era algo malo, cuando se sentó a mi lado.
Thompson Mi despacho está en obras… Están cambiando los conductos del aire… (Ann le mira como a un bicho raro)
Thompson No, no es cierto… (no le mira a los ojos) es que… me siento incapaz de sentarme frente a alguien y decirle
que va a morir… Nunca he podido… las enfermeras me critican siempre por eso… quizás quiera consultar con
otro médico su familia… puede que quieran una segunda opinión…
Ann Un médico que me diga lo mismo que usted, pero mirándome a los ojos… (Una pausa dolorosa, los dos mirando
al frente, como si pretendieran no estar allí)
Thompson ¿Quiere un café?
Ann No.
Thompson ¿Un whisky?
Ann ¿También va a ofrecerme un cigarrillo?
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Thompson No. Lo siento.
Ann ¿Tiene un caramelo?
Thompson ¿Un caramelo? Sí. (Se saca un caramelo del bolsillo de la bata y se lo da. Ann le quita el papelillo y se lo
mete en la boca)
Thompson ¿Quiere que hable con su familia?
Ann No… Está bueno… ¿De qué es?
Thompson De jengibre.
Ann Pica un poco, pero está bueno.
Thompson ¿Quiere que la lleve a su casa?
Ann No.
Thompson Le he preparado unos folletos que… explican… más o menos todo…; también unas recetas de calmante
para las náuseas y espero verla la semana que viene… Le he apuntado la cita… y mi teléfono directo por si quiere
llamarme… Tenemos una psicóloga muy amable, está acostumbrada a llevar… a tratar casos como el suyo.
Ann Bien… ¿Tiene más de esos caramelos para el camino?
Thompson Lo siento, era el último…
Ann Vaya… pues… adiós. (Ann se levanta, cruza ante el doctor y abre la puerta para irse.)
Thompson La semana que viene tendré más… caramelos.
(El médico ha pronunciado la palabra “caramelos” muy bajito, como para sí mismo)
Escena 3. Cosas que hacer antes de morir
(Interior coffee shop, es de noche) (Sobre la mesa de formica verde poblada de recipientes de kepchup, mostaza,
azucar y sweet - and – low, las manos de Ann abren una libreta infantil bastante manoseada con el diablo de
Tasmania en la cubierta. Ann pasa las primeras páginas llenas de palabras sueltas y dibujos de Penny hasta
encontrar una en blanco. Intenta escribir algo con un bolígrafo de plástico con el nombre de un motel en él, pero el
bolígrafo se niega a escribir. Ann, con un suspiro levanta la mirada. La camarera está atendiendo al único cliente
que hay, aparte de Ann, un hombre en sus early thirties, que pide un trozo de tarta de queso y un expreso, y que
no pestañea cuando le dicen que se ha estropeado la máquina que hace expreso y capuchino. Está leyendo una
especie de informe y le dirige una brevísima mirada a Ann) (La camarera, una mujer de sesenta años, con el pelo
gris violeta se acerca a Ann)
Ann Hola, ¿podría prestarme un bolígrafo, por favor?
Camarera Claro, cariño, pero antes dime lo que quieres, así, yo lo apunto, te presto el bolígrafo y todos tan contentos.
Ann Oh… sí… Tráigame…un
Camarera No digas expreso porque se nos ha estropeado la máquina, ni capuchino… los hace la misma máquina…
Ann No, ahhh, esteeeee… ¿pastas danesas?
Camarera No habrá hasta mañana…
Ann ¿Pecan pie?
Camarera Está bien. Tú ganas. Te presto el bolígrafo y no hace falta que pidas nada. Me he tirado las cartas esta
mañana y decían que si hoy era paciente, me tocaría la loto está semana.
Ann No espere… Tráigame café o algo dulce, lo que sea.
Camarera ¿Pastel de queso con crema de piña? Es lo más dulce que tenemos. Bueno, y lo único.
Ann Bien, sí.
(La camarera apunta el pedido y le entrega con gesto solemne el bolígrafo a Ann que sonríe, a su pesar. Ahora Ann
abre de nuevo el cuaderno. Con gesto decidido, empieza a escribir.)
Escribe en mayúsculas: COSAS QUE HACER ANTES DE MORIR.
1. Decirles a mis hijas que las quiero varias veces al día.
2. Buscarle a Don una nueva esposa a la que le gusten los niños.
3. Grabarles a mis hijas mensajes de cumpleaños hasta que cumplan dieciocho años.
4. Ir todos juntos a Whalebay beach y hacer un gran picnic.
5. Fumar y beber todo lo que quiera.
6. Decir todo lo que se me pase por la cabeza.
7. Hacer el amor con otros hombres para ver cómo es.
8. Hacer que alguien se enamore de mí.
9. Ir a ver a mi padre a la cárcel.
(Ha escrito todas esas cosas de corrido, como si las palabras hubieran estado agazapadas en su interior. Ahora está
intentando recordar la última mientras la camarera se acerca con el café y el pastel. Se mira las uñas)
10. Ponerme uñas de porcelana.
Camarera Aquí tiene el pastel más dulce del mundo. Puede quedarse el bolígrafo todo el tiempo que quiera. Ya he
rellenado el boleto de la loto antes.
Ann ¿Ha pensado qué va a hacer cuando le toque?
Camarera Pues sí. Claro que sí. (La camarera saca un recorte de revista bastante ajado y le enseña a Ann una foto de
Cher)
Camarera Quiero ser como ella, quiero su nariz, sus labios, su pelo, sus ojos, su cintura… Eso es lo que haré si me
toca la loto. Seré otra persona. Seré tan parecida a Cher que en el supermercado la gente me parará y me dirá
“¿ No es una tragedia lo que le ocurrió al pobre Sonny?” ¿Qué le parece? (Tararea un trozo de “And the beat goes
on”.) (Ann mira el recorte. Mira a la mujer. Mira su libreta. Sonríe)
Ann Me parece… me parece una completa estupidez.
(Fundimos en círculo sobre la sexta “cosa”: “decir todo lo que se me pase por la cabeza”. Está tachado)
Escena 4. Mensajes para después
(Ann está leyendo atentamente las instrucciones de la grabadora. Parece que, a diferencia de la vendedora
embarazada, sí entiende los folletos. Le pone una cinta al aparato. En el asiento de al lado del conductor está la
libreta dónde Ann apuntó todas las cosas que tiene que hacer. Leemos: “7º cumpleaños de Penny”)
Ann Querida Penny, no, no voy a estar en tu fiesta de cumpleaños, aunque no hay otra cosa en el mundo que me
gustaría más… Seguro que la abuela te ha hecho un pastel especial con tu nombre muy grande hecho de trocitos
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de nuez. Cariño, quiero que sepas que el día que naciste y te pusieron en mis brazos, fue el día más feliz de mí
vida, me quedé sin palabras, no hacía más que acariciarte los piecitos y llorar de alegría y que ahora mientras
grabo esta cinta… siento que eres lo más importante que me ha pasado. Te quiero muchísimo, Penny,
muchísimo. Sin ti, nunca hubiera descubierto que mi cama puede ser una canoa o que a los leones les gustan los
pancakes. (Sin ti mi vida hubiera sido muy aburrida y triste…) Cuida de Patsy, aunque a veces te fastidie, ya sé
que no es fácil ser la hermana mayor, amor mío, pero sé que tu sabrás como hacerlo. Mamá te envía muchos
miles de montones de besos. (Ann parece exhausta y a punto de llorar después de grabar el mensaje. Pero saca
la cinta, la mete en su cajita y vuelve a meter otro) Ann Querida chiquitina Patsy, mi cielo, así es que ya tienes
cinco años. Seguro que Penny ya deja de meterse contigo, seguro que ahora te cuida y ya no te critica. Cariño no
quiero que estés triste porque no estoy en tu fiesta de cumpleaños. Me acuerdo muy bien de tu primer
cumpleaños, ¿sabes?, cuando te pusiste a llorar sin parar porque no te gustaba como cantábamos “Cumpleaños
feliz”. Cada vez que empezábamos te ponías a llorar y a chillar que no, que no querías que te cantáramos. (Y
nunca más lo volvimos a cantar en tu cumpleaños, aunque a lo mejor ya te gusta más…). Muchas felicidades,
chiquitina, mamá te quiere un montón y más aún… (Ann saca otra vez la cinta y empieza otra. Ahora vemos un
montaje de cómo graba diferentes fragmentos de las cintas correspondientes a diferentes años) Ann Diez años,
debes estar tan alta. Imagino que ya no te gustan las Barbies… Cariño, quiero que seas feliz, ya sé que a veces
es muy difícil por las cosas que pasan y las personas te lo ponen difícil… Pregúntale a papá todas las cosas que
te preocupan, él sabe más de lo que parece, en serio y si no sabe lo preguntará y te lo dirá. La abuela también
sabe muchas cosas, espero que te las sepa explicar. Ten paciencia con ella, es buena aunque a veces no lo
parezca… Ella… ninguna de las cosas con las que había soñado se le han cumplido. Intenta entenderla y no
dejes que te irrite… … si tienes una nueva madre, quiérela, no vayas a hacerle la vida imposible, solo por lealtad
a mí o algo por el estilo, ¿vale? Ya sé, ya sé que no es lo mismo…… cuando yo tenía quince años, odiaba al
mundo, odiaba el colegio, odiaba a mi madre, odiaba a mis amigos, bueno, no tenía amigos. Odiar las cosas es
normal. Penny, de hecho a veces, es más normal que quererlas, pero no gastes más energía en ello de la
necesaria, cariño… ¿Te acuerdas de la historia que te conté del arco iris y lo que se encuentra al fina … y pase lo
que pase, termina el colegio, aunque te parezca odioso, pero qué estoy diciendo, cariño, a lo mejor a ti te encanta,
ojalá te guste, ojalá no seas como yo… Debes tener fe en ti misma. Aunque ya has dejado de ser una niña. Me
gustaría poder decirte cosas sobre los chicos, cosas que pudieran ayudar, pero me temo. Yo tenía diecisiete años
tu naciste Penny, justo los que tu tienes ahora. Tienes que confiar en ti, confiar en tu capacidad para hacer cosas,
para salir adelante… abrazos fortísimos, de esos que cortan la respiración… (Oscuridad, llanto contenido)…
besos y muchas caricias, aunque ya no seas una chiquitina…
Escena 5. Lo que el médico puede hacer
(Sala de espera del hospital, es de día. Ann está sentada en la misma sala donde el doctor Thompson le comunicó la
noticia de que iba a morir. Está sola. Ya ni siquiera se muerde las uñas. De hecho no le quedan uñas que
morderse. Tiene una mirada opaca. Está más delgada y pálida que hace quince días cuando estuvo allí por
primera vez. En el asiento de al lado hay un paquete. Hace su aparición el doctor Thompson. Esta vez trae una
silla y se sienta frente a ella, a horcajadas en la silla)
Doctor Hola, Ann… (Ann señala la silla)
Ann Doctor… ¿es alguna clase de terapia para superar la timidez?
Thompson Algo así… No vino la semana pasada.
Ann ¿Para qué?
Thompson Deberíamos hacer otra ecografía… Y una biopsia más completa… y
Ann Escúcheme, quiero que me escuche por que no me queda tiempo… Siempre durante toda mi vida… me han
dicho cómo debo vivir. Ann haz esto, Ann tienes que hacer aquello, Ann no pasees bajo la lluvia porque te
resfriarás… Ahora quiero… quiero sentir que; al menos tengo control sobre cómo quiero morir ¿lo entiende? No
quiero más pruebas si no van a salvarme, no quiero estar en este sitio, no quiero morir en este sitio, no quiero que
todo lo que recuerden mis hijas de mi, sea una habitación de hospital. Prefiero, por una vez, por una sola vez,
hacerlo a mi manera...
Thompson ¿A qué ha venido, entonces?
Ann Tengo algo que pedirle… Es este paquete. Quiero que usted se haga cargo de él. Si de verdad quiere
ayudarme…
Thompson No sé… ¿Qué es?
Ann He grabado mensajes para mis hijas para sus próximos cumpleaños, hasta que cumplan dieciocho años… está
todo apuntado dentro.
Thompson ¿Quiere que yo se los entregue? ¿Por qué no se lo dice a su marido?
Ann Mi marido los perdería… se los daría el año que viene y el otro quizás… o se los daría todos de golpe y las niñas
no entenderían nada. Por favor dígame que lo hará.
Thompson Sólo lo haré si me promete venir cada semana, tengo que darle medicación, imagino que las náuseas
están siendo fuertes y que no tiene apetito y que se siente muy débil… Ann, morirse no es tan fácil como parece,
¿sabe? No tiene por que pasarlo mal…
Ann Es que me da miedo, entrar aquí y no volver a salir… Y tengo que hacer tantas cosas antes de morir, tengo que
hacerlas todas porque de lo contrario, sentiré que he desperdiciado mi… mi vida… No quiero que la gente
empiece a tratarme como a una moribunda, no lo soportaría, esas miradas furtivas cuando a alguien se le escapa
la palabra muerte… No me pregunte como lo sé, pero lo sé, sé que voy a aguantar… (El doctor Thompson mira a
Ann con admiración)
Thompson Sólo serán unos calmantes. Le prometo que no habrá más pruebas… Sólo algo para mitigar el dolor… Y
además le he traído sus caramelos. (El doctor saca una bolsa de caramelos de Jengibre del bolsillo. Ann sonríe.
Toma la bolsa. Abre un caramelo)
Ann ¿Se encargará de las cintas?
Thompson Sí, lo haré… Digamos que es parte de su terapia.
Ann O parte de su terapia.
Thompson Sí, eso también…
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Ann Están buenos estos caramelos…Dios que ricos están. (El doctor sonríe dolorosamente y acaricia el rostro de
Ann)
Escena 6. Para Don
(Interior del remolque, es de día. Ann está en la mesa de la cocina, bebiendo un vaso de leche, despacio y grabando
dos nuevas cintas…)
Ann Querido Don, quiero que entiendas por qué no te dije que me iba a morir, es que, ése era… el único regalo que
podía haceros a ti y a las niñas, ahorraros el sufrimiento, los viajes al hospital, la espera… Es mejor que haya
pasado todo esto sola, si lo piensas bien, es así… aunque ahora te des golpes en la pared y me maldigas por no
haber confiado en ti… Ahora tienes que sacar adelante a las niñas y estar alegre y hacerles la vida alegre.
Invéntate un cielo para mi, no dejes que me recuerden con pena, recuerda todas las cosas buenas que hemos
pasado juntos, tu siempre serás el chico que se quitó la camiseta para que pudiera secarme las lágrimas… (Ann
empieza a cantar la canción de “Smell like teen spirit”)
Escena 7. Para mamá
(Interior del remolque de día. El vaso de leche está vacío y Ann se dispone a grabar otra cinta)
Ann Querida mamá, imagino que tú no me perdonarás nunca que no te dijera que me iba a morir… Una cosa más que
reprocharle al mundo y a Dios, en el que no crees… Mamá, hubo un momento en mi vida en que yo te perdoné
por haber amargado mi infancia y mi adolescencia con tu incapacidad para disfrutar de la más pequeña cosa en
nombre de los agravios que has sufrido y que sigues sufriendo, como si el hecho de ser pobres y de que papá
estuviera borracho ese día en que llovía y mató a esos niños fueran parte de un plan concebido por alguien que te
odiaba para arruinarte la vida. Basta, mamá. Oh, ahora sé que estoy siendo dura contigo, perdóname. Siempre he
sido dura contigo, lo siento, te quiero y sé que me quieres y que adoras a las niñas. Por favor, díselo,
demuéstraselo cada día. Intenta disfrutar un poco, sólo un poco de las cosas, ayuda a Don y cuéntales a las niñas
los cuentos que tú quieras, aunque sean las películas de Joan Crawford…
Escena 8. Mi vida sin mí
(Interior del remolque donde vive la familia. Don, las niñas y la vecina, están poniendo la mesa. Ann está delicada en
la cama, oímos su voz detrás de la cortina…)
Ann Ann, es una vergüenza invitar a alguien para que lo haga todo el mismo…
Vecina Ann No tengo que hacer nada… sólo calentar las gambas…
Don Todavía no he entendido porque tuviste que ir a Shrimps’n Prawns, encontrándote así…
Ann Creí que me encontraba mejor de lo que me encontraba, ya te lo he dicho…
Vecina Ann Una anemia fuerte no es cosa de tomársela a la ligera,
Ann, debes descansar…
Don Haz caso a la enfermera Ann, Ann. (La vecina y Don se echan a reír, también las niñas)
Penny y Patsy Ann, Ann, Ann, ANN, ANN, ANNANNANN…
Vecina Ann Niñas, Don, lavarse las manos, vamos…
(Ahora estamos tras la cortina con Ann, tendida, escuchando los sonidos en sordina del grifo, las risas de las niñas,
las bromas de Don, que parece simpatizar con la enfermera. Los sonidos de los cubiertos entrechocando, las
niñas pinchándose al intentar pelar las gambas. Los vasos que se derraman con gritos. La vida doméstica en su
trágico esplendor. Ann cierra los ojos despacito)
Ann (OFF) Rezas para que ésta sea tu vida, tu vida sin ti… para que las niñas quieran a esa mujer que se llama como
tú, para que tu marido acabe por quererla, para que vivan en la casa de al lado y las niñas jueguen a muñecas en
el remolque recordando apenas a su madre, que dormía de día y las llevaba en canoa… Rezas para que tengan
momentos de felicidad tan intensos que cualquier pena a su lado parezca pequeña. Rezas no sabes a qué, ni a
quién, pero rezas. Y ni siquiera sientes nostalgia por la vida que no tendrás porque para entonces, habrás muerto
y los muertos no sienten nada, ni siquiera nostalgia. (Fundimos a blanco lentamente)
Escena 9. Para Lee
(Interior coche Lee. Sus manos depositan una cinta en una casette)
Ann (OFF) Querido Lee, imagino que cuando te llegue esta cinta ya sabrás que he muerto y en fin, esas cosas… A lo
mejor estás enfadado conmigo, o dolido, o triste, o hecho polvo o todo junto… Sólo quiero que sepas que me
enamoré de ti, que no me atreví a decírtelo porque pensé que de alguna manera lo sabías y no creía que tuviera
tan poco tiempo… bueno, tiempo es la única cosa que no me ha sobrado últimamente… La vida vale más de lo
que crees, amor mío, eso lo sé, porque tú llegaste a enamorarte de mí, sólo viendo un, ¿cómo era?, ¿un diez, un
cinco? Quizás si me hubieras conocido del todo no te hubiera gustado… O me hubieras querido a pesar de todo,
ya no lo sabremos… Ah, una última cosa, por amor de Dios Lee, pinta las paredes de tu casa y COMPRA
muebles, ¿me oyes? No quiero que la próxima mujer que lleves a casa se lleve una idea equivocada y salga
corriendo, no todas están tan mal de la cabeza como yo. Me encantó bailar contigo.
(Con estas palabras de banda sonora, vamos viendo diversas de personajes que han salido en la película: la
camarera del coffee shop recortando una foto de Britney Spears, la obsesa de Mili Vanili enseñando a la de Lleida
unos pasos de coreografía, sin mucho éxito; el doctor Thompson ordenando las cintas en su despacho por años;
Laurie comiendo una zanahoria con cara de mala leche; las niñas, Don y la vecina paseando por Whalebaybeach;
la madre flirteándo en un bar con Seymur, y finalmente Lee en su casa, todavía vacía pero en la que hay un
televisor… en fin, FIN)
CUESTIONES DE ESCATOLOGÍA
La historia de esta joven madre con un cáncer terminal, nos enfrenta a la muerte de alguien que tiene que dejar
a sus hijas pequeñas e indefensas en un mundo difícil. No sólo su muerte, sino su muerte en sus hijas, que vivirán “la
vida sin mi”
1. Afrontar la muerte
La situación de muerte le hace mirar al pasado y descubre una vida no vivida (“Tu vida ha sido un sueño y sólo
ahora estás despertando”). Además te obliga a escrutar a fondo lo vivido (“Pensar, no está acostumbrada a pensar”).
Una vida marcada por la pobreza de lo recibido y la falta de tiempo para construir:
“¿Sabes por qué estoy vomitando? ¿De verdad quieres saberlo? Vomito porque cuando tenía ocho años la que
se suponía que era mi mejor amiga dijo de mi que era una zorra, vomito porque a los quince años no…no me invitaron
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a la única fiesta a la que he querido ir en mi vida, vomito porque… a los diecisite años tuve un bebé y tuve que crecer
de golpe… vomito porque ya no me quedan sueños y sin los putos sueños es imposible vivir, vomito porque cada vez
que pongo la televisión no veo más que a gente que sufre de una manera atroz en guerras que no entienden…”
Sin embargo, Anne toma una peculiar decisión: decidirá vivir intensamente y no comunicar a nadie su
proximidad a la muerte. Pero nosotros tendremos el privilegio de acompañar su secreto y sus pensamientos. Le
veremos disfrutando de sus hijas, cuidando de su marido, enamorándose de otro hombre, reconciliándose con su
madre y procurando convivir con su madre. Todo ello mientras la vida se escapa. Dos urgencias emergen
especialmente en este momento: la necesidad de amar y ser amada y además la de dejar su pequeña herencia. La
primera la cumple especialmente en sus hijas y en su deseo de procurarles una madre, pero también en el amor
romántico, fugaz e imposible con Lee. La segunda se concentra en sus cintas-testamento. La voz grabada será una
forma de vivir en la muerte, trayendo en cada cumpleaños su recuerdo y su vida, sus consejos y su cariño
incondicional. Así pues, dos grandes cuestiones ante la muerte: el amor y el recuerdo. Ambos empeños quedan en
frágil realidad. Un amor sin tiempo hace la historia más escasa y de la eternidad un absurdo. Y el recuerdo permanece
pero es tan frágil como las cintas grabadas, llamadas a quedar inmensamente llenas de vida pero vacías de
presencia.
2. Rezas sin saber a quien, pero rezas
La película comienza con una anticipación. Ella está bajo el agua, sintiendo la vida, una vida que se escapa
pero que ahora siente dentro de sí. Le lluvia es una metáfora de la vida. Los fundidos en blanco inicial y final también
son extraños en una historia trágica. Una irrupción de luz se coloca al principio y al final: Marco que desborda la
oscuridad de la sala y de la vida. También tenemos un personaje kieslovskiano, el joven que hace sonar los vasos,
Alguien que nos habla de una misteriosa presencia.
Todo ello se concentra en la oración final. En ella se nos habla del abandono de la esperanza: los muertos no
sienten nada. Pero sin embargo, se lanza esta oración a Dios sin Dios. Es una oración ante la ausencia que no deja
de añorar una presencia. Como la lluvia que moja y llega hasta la piel.
3. La memoria de más allá de la muerte
La voz grabada a sus hijas es una forma de sustituir su presencia. En la ausencia quedará su voz como
mensaje para cada cumpleaños. Una forma de vida más allá de la vida. La película también funciona en este registro.
De hecho la voz en off que nos acompaña suena también conservada después de la muerte. Es como si hablara
desde más allá en el artificio de la grabación cinematográfica. El tema de la memoria posee un fuerte contenido de
trascendencia y tiene un componente de alusión al misterio de más allá de la vida.
“¿Quieres saber por qué vomito? Vomito porque cuando tenía ocho años la que era mi mejor amiga fue diciendo por ahí que yo
era una zorra. Vomito porque cuando tenía quince años no me invitaron a la única fiesta a la que he querido ir en toda mi vida.
Vomito porque a los diecisiete años tuve mi primer hijo y tuve que hacerme mayor a la fuerza. Y ya no me quedan sueños. Y sin
sueños no se puede vivir…
Cuando miras a una persona, cuando la miras de verdad puedes ver el 50% de lo que es. Querer descubrir el resto es lo que
estropea las cosas…
Tengo que decirte algo, tengo que decírtelo ahora, Te quiero!, me he enamorado de ti. Y creo que el mundo es un poco menos malo
porque existes, siento que quiero pasar contigo...compartir el resto de mi vida y todo eso, las palpitaciones, los nervios, el
sufrimiento, la felicidad y el miedo. Quiero... deseo acariciarte a todas horas y quiero cuidar de ti y de tus hijas, e incluso buscarle
un trabajo decente a tu marido y comprarte una casa digna que no tenga ruedas…
Esta eres tú. Con los ojos cerrados, bajo la lluvia. Nunca pensaste que estarías así, nunca te viste, como lo dirías... como...., como
esas personas que disfrutan mirando la luna, que se pasan horas mirando las olas o los atardeceres o, o el viento en los sauces,
supongo que sabes de que clase de personas hablo, a lo mejor no. Pero resulta que te gusta estar así, pelándote de frío, notando
como el agua traspasa tu chaqueta, te llega a la piel. Y el olor. Y el tacto de la tierra que se hablanda. Y el sonido del agua
chocando contra las hojas. Todas las cosas de las que hablan los libros que no has leído. Esta eres tú, quien iba a pensarlo…
Mi querido Lee: imagino que cuando te llegue esta cinta ya sabrás que he muerto, y bueno..esas cosas...quizas estes enfadado
conmigo o dolido o trizte o molesto, o quizas todo a la vez, solo quiero que sepas que me enamore de ti, no me atrevi a decirtelo
porque...pensé que en cierto modo lo sabias, y no me di cuenta como se iba el tiempo... tiempo es la unica cosa que no me ha
sobrado ultimamente. La vida vale mas de lo que crees amor mio, lo se porque tu llegaste a enamorarte de mi aunque vieras..
cuanto era?, un 10%? o un 5 talvez?. Si hubieras visto todo quizas no te hubiera gustado, o te habria gustado a pesar de ello. ya
nunca lo sabremos. Una ultima cosa Lee. por amor de Dios pinta las paredes y compra algunos muebles, de acuerdo? no quiero que
la proxima mujer que lleves a tu casa se haga una idea equivocada de ti y escape antes de conocerte, que no todas estan tan locas
como yo. Me encant.o bailar contigo…
Te quiero. Me he enamorado de ti. Y creo que el mundo es un poco menos malo porque existes…
Morir no es tan fácil como parece…
Pensar, no estas acostumbrada a pensar. Cuando tienes un hijo a los 17 años con el único hombre al que has besado en tu vida y
luego otro a los 19 con el mismo hombre, y además vives en un remolque en el jardín de tu madre, y tu padre lleva 10 años en la
cárcel no tienes tiempo de pensar, quizá se te ha olvidado por falta de práctica…
Y te das cuenta de que todos los escaparates brillantes, todas las modelos de los catálogos, todos los colores, las ofertas, las recetas,
Martha Stewart, el Día de Acción de Gracias, las películas de Julia Roberts, las montañas de comida grasienta, intentan alejarnos
de la muerte. Sin conseguirlo (…). Nadie piensa en la muerte en un supermercado.”

Microcosmos
Título original: Microcosmos, Le Peuple De L'Herbe) MB
Francia-Bélgica-Gran Bretaña, 1996
Documental diirigido por Claude Nuridsany y Marie Pérennou.
Microcosmos es bastante singular. Documental en parte, fruto del esfuerzo denodado de dos
biólogos franceses que invirtieron 15 años en investigaciones, tres en el rodaje y seis meses
en el proceso de edición para una película sobre los insectos. Que es ficción por lo demás, ya
que aunque no figura en la ficha técnica, un nutrido ejército de superstars está llamado a
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hacer de Microcosmos un gran espectáculo de acción, romance y fugas: el escarabajo, la
mariposa (también en sus fases de gusano y libélula), la araña, el grillo, el caracol...
Poderosos lentes macro convierten a ínfimas parcelas de suelo en los planos generales que
permitirán el lucimiento de los bichos. En este sentido, Microcosmos no tiene nada que
envidiar a los meticulosos documentales del Discovery Channel, de los que desecha, en
cambio, toda pretensión pedagógica.
No hay una sola voz en off que procure educar al espectador acerca de la naturaleza de los procesos expuestos. En
su lugar hay un empeño a fondo, por momentos excesivo, tendiente a humanizar el espectáculo de los animalitos.
Los recursos son del cine de ficción, incluso hollywoodiano: podrá verse a una vaquita de San Antonio iluminada
como lo solía estar Grace Kelly, y no habrá que sorprenderse –o tal vez sí– ante un par de caracoles copulando al
son de la más dulce melodía incidental, cual si fueran la pareja protagónica de una fábula romántica de los '40.
La compresión del tiempo también juega un rol central. La filmación con temporizador (tan usada para mostrar la
conversión de un capullo en flor) hace que una temporada transcurra en minutos, y un día en segundos, lo que
resulta apropiado para revelar el breve ciclo vital de las criaturitas. Inmejorable en los aspectos técnicos, tal vez
quepa cuestionarle a Microcosmos ese afán ilimitado por deslumbrar al público con analogías que, muy a su pesar,
llevan aguas hacia la variante más naïf del documental didáctico. Aquella que presenta a un escarabajo como un
obrero de la construcción, a dos caracoles como amantes o a una caravana de orugas como un convoy heroico, y
que con el correr del metraje puede llegar a empalagar.
Guillermo Ravaschino

Michael Collins
TITULO ORIG. Michael Collins 6.7/10 MB
AÑO 1996  
DURACIÓN 132 min.  
PAÍS GB
DIRECTOR Neil Jordan
Liam Neeson, Aidan Quinn, Stephen Rea, Alan Rickman, Julia Roberts,
Ian Hart, Brendan Gleeson.
GÉNERO Y 1996: Venecia: León de Oro. Copa Volpi Mejor Actor (Liam Neeson)
CRÍTICA Drama. Biográfica. Rebelión irlandesa contra ingleses.
SINOPSIS: Michael Collins fue el carismático líder de la rebelión irlandesa contra los
ocupantes ingleses. Con sus jóvenes pistoleros llevó a cabo una serie de sanguinarios
atentados que generaron una no menos cruel represión.
"Sobria, poderosa, impactante, emocionante, estupenda"
"Intensa, compleja, dolorida"
   0. Es una historia irlandesa -no americana- y acaba mal (La sombra del diablo). Datos históricos. Origen del Sinn
Fein (Nosotros Solos)
    1. Premio a la mejor película y mejor actor en el festival de Venecia. Optó a 2 Oscars.
    2. Magnífica fotografía de Chris Menges, gracias a una rica paleta de grises, azules, verdes y marrones.
    3. Cuidada ambientación (tipo Chicago años 20).
    4. Banda sonora de tonos épicos de Elliot Goldenthal.
    5. Ritmo perfecto: 132 minutos.
    6. Montaje austero, con algunos espectaculares montajes paralelos (hay dos). Atentos a los movimientos de masas y
al clima de suspense de alguna escena.
    7. Género épico: se narra una epopeya (hechos memorables, poema narrativo de acción bélica con hechos heroicos).
Se conjugan drama intimista y acción. Resumir la trama. Se refleja bien la soledad del héroe y sus dudas.
    8. ¿Quién era M. Collins? Un irlandés de Cork que nació en 1891 y murió el 22.VIII.1922 (31 años). Fundador del
Ejército Republicano Irlandés. Según Jordan "fue el cerebro creador de una forma de lucha que se reveló brutal;
pero luego, y eso es lo que le convierte en un hombre único y en un héroe trágico, trató de pararla, firmando un
tratado y convirtiéndose en un demócrata...(...)...simplemente, una lección de historia".
    9. Lugar y época: Irlanda del Norte, 1916-1922.
    10. Es una película sectaria, al estar narrada desde el punto de vista norirlandés. Los ingleses son las fuerzas de
ocupación. Terrorismo del IRA y matanzas de los ingleses (violencia terrorista y violencia institucional): quiénes
son más crueles (cfr. escena del estadio). Hay que comprender la historia (Kamen). Jordan no ha querido hacer
una apología del terrorismo ni del IRA, pero le faltan matices y es imparcial. La historia no fue así: hay
conjeturas que se dan como hechos ciertos (¿es posible un cine histórico estrictamente hablando?). Por ejemplo,
acentúa la utilización política que De Valera -más político y al que presenta como envidioso del carisma de
Collins- hace de Collins -generoso y legendario- y arroja la duda sobre la implicación en su asesinato.
    11. Actores: estupendo Liam Neeson y los secundarios. Poco definido el de Julia Roberts.
    12. Muchos quisieron hacer esta película: Huston, Redford, Cimino, Costner y... Jordan. La Warner eligió a Jordan
(después del éxito de Entrevista con el vampiro).
Juan Jesús de Cózar. Con autorización de www.foroedu.co

Mies es mucha La
TÍTULO
La mies es mucha 5.3/10 B
ORIGINAL
815

AÑO 1948
DURACIÓN 142 min.
PAÍS España
DIRECTOR José Luis Sáenz de Heredia
Fernando Fernán Gómez, Sara Montiel (AKA Sarita Montiel),
REPARTO
Enrique Guitart, Rafael Romero Marchent
GÉNERO Drama misionero. Misionero India defiende a nativos de usura.
El misionero español Santiago Hernández llega a Kattinga, en la India, para suceder al padre Daniel,
gravemente enfermo y que fallece pocos días después. Sandem, traficante y usurero, presta dinero a
los indígenas, que son obligados a trabajar como esclavos en una mina cuando no pueden pagar sus
SINOPSIS
deudas. Para acabar con esta situación, el padre Santiago se responsabiliza de las deudas de toda la
tribu. Pero cuando vence el pagaré que ha firmado, Sandem le exige el dinero. En estas
circunstancias, empiezan a llegar al poblado indígenas enfermos de peste.
El filme fue un enorme éxito de taquilla en su momento. Fue rodada en Málaga bajo el patrocinio de su
obispo, Herrera Oria.
La película narra los infortunios del Padre Santiago Fernando Fernán Gómez , misionero que se traslada
a la India para ejercer su labor apostólica. Allí debe enfrentarse a unas condiciones de vida atroces y es
testigo de la extrema pobreza en la que viven los nativos. La situación se ve agravada por una
epidemia que terminará costándole la vida al misionero.

Mil años de oración


TÍTULO ORIG. A Thousand Years of Good Prayers 6.7/10 MB
AÑO 2007
DURACIÓN 83 min.  
PAÍS  
DIRECTOR Wayne Wang
REPARTO Henry O, Faye Yu, Vida Ghahremani, Passa Lychnikoff
PREMIOS 2007: San Sebastián: Concha de Oro mejor actor (Henry O)
GÉNERO Drama | Vejez. Jubilado chino visita a hija en USA. Conflicto.
SINOPSIS El Sr. Shi es un viudo jubilado de Pekín. Cuando Yilan, su única hija que vive en Estados
Unidos se divorcia, decide visitarla en la pequeña ciudad en la que trabaja como bibliotecaria.
Su intención es estar con ella hasta que se recupere del trauma. El es un “ingeniero
aereospacial”, como le gusta decir a la gente que conoce en América para disfrutar de la
atención que le prestan. Pero a Yilan no le entusiasman tanto sus demostraciones, ni está
interesada en su plan para salvar su matrimonio y recomponer su vida. Cuando el Sr. Shi
insiste en encontrar las causas de su divorcio, Yilan empieza a evitarlo...
Una joya intimista. Wang logra aroma y encanto en una sugerente e irónica película.
CRÍTICAS Una fascinante y cálida película, sencillamente maravillosa.
Una filigrana de orfebrería, preciosa película, quizá la mejor de su ya larga filmografía. Wang
rueda con maestría y sensibilidad.
Es una película austera y minimalista, quizá en exceso, que nos cuenta el viaje que hace un hombre mayor chino a
Estados Unidos, para visitar a su recién divorciada hija y acompañarla en esos momentos. Como era de esperar,
los problemas de convivencia y los desencuentros generacionales (y culturales) no se harán esperar.
Es por tanto, una historia que ya hemos visto en otras ocasiones, y más profundamente desarrollada, pero se deja
ver muy bien gracias a la labor de ambos actores y a la serena realización de Wang.

Milagro de Anna Sullivan El


Título original: The Miracle Worker 7.7 (B&W) MB
Año 1962
Duración 107 min.
País  Estados Unidos
Director Arthur Penn
Guión William Gibson (Teatro: William Gibson)
Reparto
Anne Bancroft, Patty Duke, Andrew Prine, Inga Swenson, Victor Jory.
Género Drama | Biográfico. Educa a niña ciega sorda mimada.
Sinopsis
Una familia contrata a Anna Sullivan para educar a Helen, una niña sorda y ciega. Un
trauma infantil, un oscuro complejo de culpa, por la muerte de su hermano, impulsa a la
maestra a redimirse mediante la educación de la niña. La incompetencia y la negligencia
de los padres han hecho de Helen una niña mimada, incapaz de someterse a ninguna
disciplina, y con la que toda comunicación parece imposible. La adolescente vive aislada en un mundo propio
completamente ajeno a los demás. Sin embargo, Anna Sullivan conseguirá, con mucha paciencia y rigor, romper
esa burbuja, ese aislamiento.
Premios
1962: 2 Oscar: Actriz (Bancroft), Secundaria (Duke). Nominada a Director, Guión, Vestuario
1962: 3 nominaciones al Globo de Oro: Drama, Actriz (Bancroft), Secundaria (Duke)
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1962: Premios BAFTA: Actriz extranjera (Bancroft). Nominada a Film internacional
1962: Sindicato de Directores (DGA): Nominada a Mejor director
1962: National Board of Review: Top 10 mejores películas y Mejor actriz (Bancroft)
1962: Festival de San Sebastián: Mejor actriz (Bancroft), premio OCIC (Penn)
Críticas
Un drama labrado en la fría intensidad de los gestos auténticos. Del cómodo sentimentalismo, ni rastro.
Temas vocacionales: Salvación, fe, fidelidad, superación de dificultades
El milagro de Ana Sullivant" es una película vocacional. Apuntes para el animador
El milagro de Ana Sullivant es una entrañable película que ha dejado una honda impresión en mucha gente a lo
largo de sus casi 50 años de existencia. El aspecto central del film es la relación y los métodos educativos entre
Hellen, una niña sorda, ciega y muda, y su educadora, Ana Sullivant, que está basada en hechos reales. Aunque el
aspecto central es educativo y da lugar a un debate sobre cómo armonizar la exigencia y la comprensión,
nosotros, como siempre, vamos a hacer una lectura vocacional de la película, porque la historia nos ofrece
además algunas referencias bíblicas y teológicas.
El comienzo del film nos presenta a Helen y su entorno familiar. Su hermano la rechaza como una desgracia de
la naturaleza, su padre se resigna y sólo su madre tiene un deseo de comunicarse con ella pero, esclava del
fatalismo y un  exceso de protección, no sabe cómo. Esta situación provoca grandes discusiones y una cierta
desestabilidad en la familia.  Finalmente, se ponen de acuerdo para llamar a una institutriz que vendrá de
Boston: Ana Sullivant.
Ana es una joven testaruda y algo fuerte en sus modales, con un pasado tormentoso en un hospicio, que carga
aún con la culpa por la muerte de su hermano, y que ha sufrido varias operaciones en sus ojos para tener la vista.
Todo este perfil hace que el padre de Hellen desconfíe de ella como la más adecuada.
Pero algo nos llama ya la atención en Ana porque quiere ver y conocer cuanto antes a Hellen, Su primer
encuentro en los escalones de la casa es ya una lección. Para ella, no hay tiempo que perder, porque “no tiene
otra cosa que hacer u otro sitio a donde ir”. Después las cosas no serán fáciles pues tendrá que vencer la
agresividad de la chica con fuerza y mucha paciencia.
El gran drama que vive Ana en su interior es la lucha entre la frustración y la esperanza. Quiere comunicarse
con Hellen, quiere hacerla salir del cascarón (precioso el símbolo que utiliza el director), quiere desenterrar su
alma humana… Pero se siente frustrada. Para la familia, Hellen ha hecho un gran avance y todos están
satisfechos, todos… menos Hellen, por su deseo de saber, y Ana, por sus ideales y sus esperanzas. Ella no quiere
que Hellen se limite a obedecer porque “ la obediencia sin comprensión es también ceguera”. Quiere que sea una
persona con su dignidad y su capacidad de comunicación; quiere, en definitiva, enseñarle el lenguaje. Y lo
expresa así justo antes de dejar la casita de la granja: “ Todo lo que el hombre piensa, siente y sabe lo que
expresa con palabras. Y yo sé que estoy segura que de  con una palabra conseguiría poner el mundo en tus
manos. Y bien sabe Dios que no me conformaré con menos ”.
No tendrá un trabajo fácil debido al historial de la familia y sus hábitos que han hecho de la compasión, la
excesiva protección y la indiferencia, su manera de relacionarse con Hellen. Ana, por su parte, es demasiado
rígida y no llega a saber mostrarle el amor que Hellen necesita. Sí, Ana reconoce que ella también necesita
ayuda, cree que tiene porqué quererla porque no es su hija. Se equivoca.
Desde un punto de vista pedagógico, Mauricio Játiva nos ofrece este perfil de Ana Sullivant:
 No desfallece: actitud firme (¿excesiva?). Educar es un auténtico reto: siempre es complicado, no tirar
la toalla, no hay casos perdidos. Fortaleza, constancia y mucha paciencia.
 Planifica una estrategia: fuera improvisaciones; los problemas no suelen solucionarse solos. No buscar
resultados inmediatos.
 Actitud creativa: flexibilidad, originalidad, redefinición; piensa en alternativas (trasladarla a la casa de
campo). Las dificultades no la paralizan.
 Pensamiento positivo (se fija en lo que estima la gran capacidad de aprender de Hellen.
 Su total disponibilidad.

Consideramos “El milagro de Ana Sullivant” como una película vocacional porque ofrece una idea de la salvación.
Efectivamente la situación en la que se encuentra Hellen es contraria a su dignidad de persona e hijo de Dios. La
ausencia de las capacidades de ver, oír y hablar la imposibilitan para la comunicación. No tiene un  contacto
“amable” con el mundo exterior. Vive encerrada en sí misma incapaz de sentirse amada y de amar. Sin embargo
tiene sed, se muere por saber…
Es Ana quien es capaz de descubrir la riqueza interior de Hellen: “ dentro de ella hay algo que quiere brotar
como una fuente escondida”. Su misión es de abrirla al mundo, de pronunciar sobre ella un “effeta” que la haga
expresarse y mostrar amor. En definitiva su misión será la de hacerla “ver” y salvarla de su condena, una
condena dictada por el fatalismo de su propia familia, que no supo ver en ella más que un problema.
En este sentido, después de su primera batalla con Hellen, cuya victoria ha sido que ha doblado la servilleta,
Ana toma un cuaderno en el que lee la motivación de su misión, salvar su alma:
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“¿No puede hacerse algo para desenterrar esta alma humana? Todos los vecinos vendrían a salvar a esta mujer
si hubiera quedado sepultada en un derrumbamiento y trabajarían con denuedo hasta librarla de la muerte. Pues
bien, si alguien tuviera tanta paciencia como denuedo podría despertar. Podría despertarla al conocimiento de su
naturaleza inmortal. La posibilidad es muy pequeña, pero con otra menor hubieran hecho esfuerzos
desesperados por desenterrarla. ¿Y acaso la vida del alma es menos importante que la del cuerpo?”.
La lectura que hace Ana de este texto queda interrumpida por un flashback que nos lleva a su infancia. Por ser
ciega, ella también estuvo condenada por el fatalismo. Pero al final, pudo estudiar. Por eso sale decidida a
compartir su misma experiencia con Hellen, algo que se tiene que hacer también con amor. Por eso al final, la
última frase que escuchamos es elocuente: “yo quiero a Hellen”. El amor ha hecho fructificar la pedagogía de
forma “milagrosa”.
En resumen, los valores vocacionales que encontramos en “ El milagro de Ana Sullivant” son la salvación, la fe, la
fidelidad, la superación de las dificultades…
Materiales para trabajar la película
1.Ver y analizar
 ¿En qué situación se encuentra Hellen?
 ¿Cómo describirías a Ana Sullivant?
 ¿Cuáles son las dificultades que encuentra Ana para poner en práctica su método pedagógico? ¿Cómo las
soluciona?
 ¿Qué es lo que Ana quiere conseguir de Hellen? ¿Cómo vive su frustración ante el fracaso de su
trabajo?
 ¿En qué se equivoca Ana?
2.Nos interpela
 ¿Qué experiencia has tenido de sentirme aislado y rechazado como Hellen?
 ¿Cuándo has sentido que alguien ha confiado en ti a pesar de lo que otros decían? ¿Cómo te ha influido
esta experiencia?
 Hellen no podía comunicarse con el mundo exterior, además sufría las consecuencias del fatalismo y la
compasión de sus padres. ¿Quiénes se encuentran en la sociedad de hoy en un estado parecido al de
Hellen? ¿Cuál es la “salvación” que necesitan?
 ¿Qué puedes hacer tú por ayudarles, por hacerles salir de su estado?
 Ante las situaciones de sufrimiento del mundo, ¿en qué ocasiones se comportas como los padres de
Hellen, ya sea por fatalismo o excesiva compasión? ¿Qué hacer para descubrir los valores que la gente
encierra en su interior?
 ¿Qué rasgos de la personalidad de Ana te gustaría encontrar en tu vida?
 ¿Qué sientes que el Señor te dice a partir de la película?
3.Oramos
- Canto apropiado y conocido por el grupo.
- Poema:
¿No sabes que estar cerca de alguien puede ponerte enfermo o curarte, puede hacerte vivir o morir?
¿No sabes que estar cerca de alguien puede hacerte bien o mal, ponerte triste o alegre?
¿que la ausencia de alguien puede llevarte a morir? ¿que la llegada de alguien puede mantenerte vivo?
¿que la voz de alguien puede ayudar al sordo a oír?
¿No sabes que una palabra o un gesto pueden enseñar al ciego a ver,
a ver el significado de su vida en este mundo?
¿No sabes que tener tiempo para alguien es la mejor medicina?
¿A veces más efectiva que una operación con éxito?
¿No sabes que solamente el escuchar a alguien puede obrar milagros? ¿Tú ya sabes todo eso?
Y ¿no sabes que el camino entre el saber y el hacer, entre las palabras y su realización,
es largo, realmente largo? (Wilhelm Willms)
- Oración:
Aquí estoy, Señor, como el ciego al borde del camino -cansado, sudoroso, polvoriento-;
mendigo por necesidad y oficio.
Pero al sentir tus pasos, al oír tu voz inconfundible,
todo mi ser se estremece como si un manantial brotara dentro de mí.
¡Ah, qué pregunta la tuya! ¿Qué desea un ciego sino ver?
¡Que vea, Señor! Que vea, Señor, tus sendas. Que vea, Señor, los caminos de la vida.
Que vea, Señor, ante todo, Tu rostro, tus ojos, tu corazón. (Florentino Ulibarri)
- Palabra de Dios Mc 7, 31-37
- Momento de reflexión personal en torno a la palabra de Dios teniendo como fondo lo reflexionado sobre la
película. Después se puede favorecer la participación para compartir lo meditado.
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- AMAR A TODOS
Señor, enséñanos, a no amarnos a nosotros mismos,
a no amar solamente a nuestros amigos, a no amar sólo a aquellos que nos aman.
Enséñanos a pensar en los otros y a amar, sobre todo, a aquellos a quienes nadie ama.
Concédenos la gracia de comprender que, mientras nosotros vivimos una vida demasiado feliz,
hay millones de seres humanos, que son también tus hijos y hermanos nuestros,
que mueren de hambre, que mueren de frío, sin haber merecido morir de frío…
No permitas, Señor, que nosotros vivamos felices en solitario.
Haznos sentir la angustia de la miseria universal, y líbranos de nuestro egoísmo. Amén. (Raúl Follereau)
Preparado por Carlos Comendador Arquero

Milagro en Milán
TITULO ORIGINAL Miracolo a Milano 8.2/10 MB
AÑO 1950  
DURACIÓN 92 min.  
PAÍS Italia
DIRECTOR Vittorio de Sica
Emma Gramatica, Francesco Golisano, Paolo Stoppa,
Guglielmo Barnabò, Brunella Bovo, Alba Arnova, Anna Carena
GÉNERO Y CRÍTICA 1951: Cannes: Palma de Oro. 1951:
New York Film Critics Circle: Mejor película extranjera Drama
Totó es un muchacho huérfano que vive en un mísero barrio de chabolas a las afueras de
Milán. Cuando en el terreno donde vive se descubre petróleo, Totó, a pesar de su poca
inteligencia, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi. A pesar de contener elementos
fantásticos se la considera, junto a "Umberto D." y "El ladrón de bicicletas", una de las tres
obras claves del neorealismo italiano dirigidas por Vittorio de Sica.
Cuando hablamos de esta genial película no podemos olvidarnos del tremendo giro que da la película en la
segunda parte de la misma. El comienzo es genial, se respira amor y cariño en la película, amistad y fantasía
desbordan la pantalla hasta tal punto de que la emoción te embriaga y pareces vivir un sueño. Totó es grandioso,
afable y el gran generador de la felicidad de muchos. En la segunda parte "vuelan" del realismo italiano a un
sueño, en el cual podremos entenderlo como un escape hacia la consecución nuevamente de la felicidad, pero de
una manera que me ha dejado algo decepcionado, bajando algo el nivel de la cinta. El film es maravilloso, te carga
las pilas… Así siento Milagro en Milán. Pasan los años, uno vuelve a verla y es como que vuelve a producirse "el
milagro": sólo el genio de Vittorio de Sicca pudo lograrlo.
Obra representativa del llamado neo-realismo italiano, no desvirtuado en esta película por la introducción de
elementos fantasiosos (especialmente en la parte final), ya que fundamentalmente retrata la dura realidad de los
pobres de la época, condenados a vivir en condiciones infrahumanas, casi peor que en las "favelas" brasileñas de la
actualidad. Pero no es el suyo un retrato sórdido o desgarrado, ya que los pobres de su relato tienen la alegría de
vivir, de gozar con muy pequeñas cosas, de solidarizarse con el prójimo y de tener tanta fe que, de la mano de
Totó (principal protagonista), les llega el milagro que esperaban. Una hermosa pieza cinematográfica.
Sin duda Milagro en Milán, de Vittorio de Sica y Cesare Zavattini es una de las películas más conmovedoras
jamás filmadas y constituye, junto a Ladrón de bicicletas y Umberto D., la magistral trilogía neorrealista del director.
De una inteligencia aguda y con un planteamiento en tono de crítica social, esta obra, ganadora de la Palma de Oro en
el Festival de Cannes y del premio a la mejor película de habla no inglesa por el Círculo de Escritores
Cinematográficos de Nueva York en 1951, a un tiempo sorprende, apabulla y consigue contagiar su profunda
sensibilidad.
Totó es un joven huérfano que vive en un mísero barrio de chabolas a las afueras de Milán, poderoso centro
industrial del norte de Italia que empieza a dotarse de los habituales cinturones de miseria y precariedad producto de la
inmigración incontrolada del campo a la ciudad que huye de la escasez de la postguerra. Cuando en el terreno donde
vive se descubre petróleo, Totó, a pesar de la poca educación que ha recibido y de ser famoso en el vecindario por sus
pocas luces, decide enfrentarse al poderoso señor Mobbi, que corre raudo y veloz para hacerse con el negocio. Esta
trama un tanto simple en apariencia, está aderezada, sin embargo, con sutiles diálogos llenos de comicidad, situaciones
bufonescas a medio camino entre Chaplin y ¡Qué bello es vivir! (aunque sin el almíbar que derrochan las películas de
Capra) y, ante todo, por unas poderosas imágenes que ilustran a la perfección el abandono y la crudeza de los años
posteriores a la Segunda Guerra Mundial, especialmente las tomas de las desoladas calles y los descampados llenos de
piedras y escombros, los grises nubarrones que acechan desde el cielo y el frío que destila la pantalla y que da la
impresión de poder tocarse, todo ello como plasmación de las amenazas que condicionan y pervierten las relaciones de
los seres humanos dentro de las comunidades de intereses, sobre todo económicos, y de las consecuencias de la lucha
salvaje por éstos.
Con un aire a lo Cuento de Navidad de Dickens, la película es una mirada un tanto complaciente y reivindicativa
de los personajes que viven en la miseria, pobres pero amantes de la vida, llenos de amor, de respeto y de cariño,
resistente incluso a una infancia difícil y a una estancia en un orfanato que no ha podido alienar los buenos
sentimientos de Totó, su inocencia, su bondad, su ingenuidad, herramientas con las que lucha sin rencores, odios ni
daños materiales contra una sociedad fría, injusta, en la que unos pocos monopolizan los recursos y dejan en el
abandono a sus semejantes. De Sica retrata con un gran lirismo cada una de las situaciones clave de la película, y
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aunque se le puede acusar de dar una imagen demasiado ligera y edulcorada de los guettos económicos de los
suburbios milaneses, ya que no abundan las muestras de las problemáticas que suelen generarse en este tipo de ámbitos
vitales (la delincuencia, la marginalidad, la crueldad desgarrada, la ausencia de valores y de conceptos morales que tan
bien retrata por ejemplo Luis Buñuel en Los olvidados, grupos humanos desprovisto de cualquier otro valor que no sea
una descarnada lucha por la supervivencia diaria) y excede los cánones del más estricto neorrealismo para derivar hacia
el cuento fantástico en el último tercio de la película, no por ello merma el poder y el mensaje de esta fábula de la lucha
de clases y de la reivindicación del ser humano como primer valor a conservar, que, a la vez que invita a disfrutar de
apenas hora y media de diversión, la recubre con una potente carga de profundidad que mueve a reflexiones
importantes acerca de nuestro papel en la vida y de lo que verdaderamente importa.
Una obra que hace reír, emociona y proporciona una buena inyección de optimismo, que insufla buenos
sentimientos en su primera parte y deriva hacia un hermoso sueño fantástico en el que un milagro viene a compensar
los denodados esfuerzos de los humildes para salir adelante, los castigados por las leyes de una miseria para las que
nunca han tenido, tienen, ni tendrán, voz ni voto.
Análisis formativo de la película Milagro en Milán
1. Sentido y destinatario
Película italiana de contenido social, fantástico y religioso que plantea el reto de la felicidad como un estado
basado en la amista, el amor y el sacrificio por el otro, supeditando aspectos como la posesión material y la
acumulación de riquezas como fuentes de pobreza espiritual, soledad y tristeza.
Desde una perspectiva original que combina perfectamente elementos fantásticos, religiosos y dramáticos, la
película efectúa una severa crítica al concepto de libertad individual, de ciudadanía social, por cuanto pone en tela de
juicio el verdadero alcance de las diferencias sociales, económicas y culturales en el seno de un todo comunitario
cuya naturaleza humana es directamente proporcional a la riqueza del espíritu, e inversamente proporcional al
número de cifras que un individuo es capaz de acumular en su cuenta corriente.
Se ha escogido esta película y no otra debido, precisamente, a sus enormes valores humanos, a cómo el
concepto de ciudadanía social puede y debe existir en una sociedad, y cómo, al unísono, los rasgos éticos y los
valores morales que caracterizan al ciudadano son, más bien, papel mojado, incluso entre aquellos que, en principio,
poseen ese otro garante de ciudadanía: la ciudadanía política.
Lo interesante radica en el interés por despertar en el alumno adolescente la visión crítica de la sociedad en la
que se desenvuelve, oculta muy a menudo por medio de lo sobreabundante, el exceso y la desproporción.
2. Objetivos
1) Comprender el concepto de ciudadanía en sus múltiples facetas.
2) Reflexionar sobre la propia conciencia de ciudadanía.
3) Saber contrastar la particular situación del alumno como poseedor de la condición de ciudadano frente a otros
ciudadanos políticos que no la poseen de igual modo.
4) Observar y comprender los rasgos esenciales de ser ciudadano y contrastarlos con los rasgos de esa ciudadanía
que poseen otros ciudadanos menos favorecidos.
5) Aprender a discriminar y sancionar los actos y conductas que en el seno de la sociedad local, nacional y mundial
impiden el alcance del concepto de ciudadanía en el individuo.
6) Comprender la relación existente entre ciudadanía, sociedad democrática y Estado de Bienestar.
7) Mostrar comprensión sobre la necesidad de incorporar en la sociedad las diferencias étnicas, sociales, políticas,
lingüísticas y económicas.
8) Valorar la exigencia del concepto de ciudadanía universal como eje vertebrador del resto de ciudadanías existentes.
9) Valorar y poner en práctica la precisa y urgente toma de conciencia de la participación en la vida pública y política.
10) Saber rechazar todo comportamiento y rasgo susceptible de discriminación social, racial, etc.
11) Potenciar el espíritu crítico en el alumno ante la realidad socio-política que lo envuelve.
12) Aprender a satisfacer las necesidades físicas y culturales de los otros para que lleguen a alcanzar un estatus
decente de ciudadanía.
13) Aprender habilidades de observación y comprensión de la realidad fílmica, textual y artística, así como de la propia
sociedad.
14) Saber llevar a cabo el análisis crítico de un texto fílmico.
3. Metodología
1. Se pide al alumno que establezca cuáles son, a su parecer, los derechos y deberes que cualquier ciudadano debe
poseer.
2. Se establece una lista de los derechos inalienables que todo ciudadano debería tener (libertad, intimidad, integridad
física y moral, respeto por sus ideas, derecho a la educación, a la formación, derecho a una vivienda digna, a un
trabajo, a una prestación sanitaria...).
3. Se le plantea al alumno que todos esos derechos configuran la ciudadanía socio-económica y cultural, y se le pide
que piense si todos los denominados ciudadanos de pleno derecho político poseen o no esta otra dimensión de
ciudadanía.
4. El alumno debe recapacitar acerca de qué se necesita prioritariamente para ser persona y ciudadano, con la
intención de reconducir su pensamiento hacia la necesidad de la satisfacción física y educacional como bases de
una futura participación pública y política.
5.Tareas de observación y comprensión
a) Totó
1. ¿Quién es? ¿Cuál es su origen? ¿Quién es su familia? ¿En qué contexto socioeconómico se desenvuelve su
infancia y adolescencia?
2) Analizar el comportamiento de Totó desde que sale del centro de menores: ¿Qué posesiones tiene? ¿Tiene mucho
dinero? ¿Cómo se siente Totó, triste o alegre ante su enfrentamiento con el mundo? ¿Cómo reacciona frente a
las dificultades de los demás? ¿De qué forma reacciona ante las dificultades que se le presentan cuando le roban
la maleta y cuando ha de vivir en un contexto de pobreza y miseria? Ante el desencanto y el sufrimiento de los
marginados con los que vive, ¿cómo actúa, de forma pesimista o constructiva; de forma negativa u optimista?
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b) Totó y los marginados
1) ¿Cómo es el lugar donde deben residir las personas marginadas que viven con Totó? ¿De qué manera construyen
su "ciudad"?
2) Observa la conducta general de Totó y sus compañeros y señala si se sienten muy tristes o han logrado alcanzar
algún tipo de felicidad ajeno a lo material. ¿De qué modo?
3) En principio, todos los marginados y Totó son "ciudadanos políticos" de su país, pero ¿son también ciudadanos
sociales? ¿Que les falta y qué poseen para tener ciudadanía social?
4) En consecuencia, ¿ser ciudadano político implica necesariamente ser ciudadano social? ¿Por qué?
5) ¿Existe en el contexto en que se mueven los personajes marginados la posibilidad de participar en la vida pública
para mejorar su situación? ¿Qué se lo impide? ¿De qué manera las necesidades físicas y educacionales influyen
en la posibilidad de reivindicar los propios derechos como ciudadanos?
6) Observa a Totó en la "ciudad" y señala de qué forma intenta introducir la educación y la cultura entre sus miembros.
¿Crees que lo hace por pura diversión?
7) Es interesante analizar el comportamiento de los marginados y de Totó cuando se tropiezan con la obligación de
abandonar sus hogares: ¿cómo actúan aquéllos que carecen de formación?, ¿y Totó?
c) Relaciones intersociales entre marginados
1) La propia comunidad de marginados refleja los comportamientos discriminatorios, abusivos, egoístas y elitistas de
la sociedad. Analiza este aspecto basándote en los siguientes aspectos:
a) La presencia de la novia de Totó y su rol de criada de sus "señores (el elitismo).
b) La disputa de los dos hombres del poblado por la posesión de la estatua hallada (la posesión y la violencia).
c) El amor "imposible" entre el chico negro y la chica blanca (los prejuicios étnicos y el sentimiento de culpa).
d) La figura del personaje huraño, egoísta y distante que traiciona a sus compañeros (la insolidaridad y el egoísmo).
e) La desmesurada petición de objetos y deseos materiales que los marginados realizan a la paloma de Totó (la
avaricia).
2) ¿Es preciso modificar estos comportamientos para conseguir que todos sean de verdad ciudadanos? Compara los
derechos de los ciudadanos con tus reflexiones personales antes de responder.
d) Los marginados
1) La sociedad se refleja en el film mediante determinados personajes, acciones, conductas y espacios. Analiza los
siguientes aspectos:
a) Los hombres de negocios inmobiliarios y la consideración que tienen de las tierras y las personas que las habitan.
¿Qué es más importante para ellos? ¿les preocupa el bienestar y el futuro de los marginados? ¿Cuál es su
máxima obsesión y prioridad? ¿Son ciudadanos sociales e intentan que los marginados también lo sean?
b) Reflexiona y averigua con qué animales identifica la película a estos hombres de negocios. ¿Por qué lo hace?
c) Los marginados se organizan para reivindicar vivir en sus chabolas; no obstante, el terreno no es de su propiedad y
los intereses económicos de los hombres de negocios están por encima del derecho a la vivienda digna. ¿quién
tiene la razón, según el concepto de ciudadanía político y social? ¿Son incompatibles ambas necesidades? ¿De
qué manera intentan los hombres de negocios convencer a los marginados, de forma honrada y ciudadana o
individual e hipócrita? ¿Qué se puede derivar de ello? ¿Dónde se encuentra el Iímite de la especulación
inmobiliaria? ¿Podrían solucionar sus problemas los marginados si tuvieran formación y educación formal? Pero,
¿se puede desear educación si no se tiene siquiera para comer y vivir? ¿Cómo se relaciona lo anterior con el
concepto de ciudadanía social y política?
d) ¿Cómo actúan las fuerzas de orden público frente al destierro y el abandono de las viviendas de los marginados?
¿Qué se hace desde la organización social y política institucional para conseguir que éstos consigan sus
derechos? Relaciona este aspecto con el estatismo y la pasividad de la sociedad y su deseo de inmobilidad.
e) La necesidad de conseguir la ciudadanía del otro:
1) Cuando se es ciudadano y se tienen derechos sociales y educacionales, se debe desear que aquél que no los tiene
llegue a alcanzarlos. ¿De qué manera intenta Totó que sus compañeros tengan derechos?
2) Observa la reacción de Totó ante la violencia de sus compañeros, la conducta ante quienes tienen taras o defectos
en su comunidad, ante los que sufren o desean, simplemente, mejorar. ¿Es una respuesta de amor e integración,
o de exclusión y repulsa? ¿Qué tiene que ver esta actitud con el concepto de ciudadanía social.
3) Ante la ayuda divina que la paloma otorga a Totó y a sus compañeros, ¿cómo es la reacción de Totó frente a su
lluvia de necesidades, de desesperación, egoísmo, compasión o misericordia?
4) ¿La ayuda que Totó presta a los suyos es sólo material? ¿De qué es síntoma el que Totó y sus amigos casi
siempre rían y celebren fiestas, teniendo tan poco? Compara la conducta alegre y festiva de los marginados con
la actitud de los hombres ricos del film. Analiza el lugar donde vive el hombre de negocios (sobriedad,
impersonalidad, soledad, pequeñez ante lo colosal, frialdad...). Extrae tus conclusiones.
5) Se puede afirmar que la ciudad marginal es feliz, a pesar de sus carencias, ¿por qué?, ¿en qué se observa esa
felicidad?, ¿qué necesitan para ser felices? ¿Tienen los hombres de negocios más felicidad por tener dinero y
posesiones?
6) La amistad de Totó es un tesoro que conduce a la felicidad, ¿por qué?. ¿qué nos enseña Totó sobre la amistad, la
solidaridad y la felicidad?, ¿contribuye Totó a dotar de ciudadanía a sus vecinos?
4. Tarea de relación y aplicación social.
1) Tal como se ha visto en la película, investiga la realidad social de la ciudad donde vives y establece qué lugares y
qué personas son ciudadanos de verdad y qué lugares y personas carecen de los rasgos de ciudadanía.
2) Analiza tu propio barrio y expón si todas las personas que lo habitan son o no ciudadanos sociales.
3) Analiza tu propio bloque de pisos o entorno cercano y corrobora o no que todos tus vecinos son, en efecto,
ciudadanos.
4) Efectúa una lista de actuaciones que de forma individual y colectiva pueden servir para conseguir la ciudadanía en
las personas que has analizado.
5) Realiza un listado de las diferentes formas que existen en tu barrio, tu ciudad, tu provincia, tu comunidad, tu país y
tu mundo de participar en la vida pública y mejorar de alguna manera sus carencias y defectos.
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Milagro para Lorenzo ver El aceite de la vida (Lorenzo's Oil)

Milla verde La
TITULO ORIGINAL The Green Mile 7.7/10 MB
AÑO 1999  
DURACIÓN 180 min.  
PAÍS
DIRECTOR Frank Darabont
GUIÓN Frank Darabont (Novela: Stephen King
Biblioteca Fe y Vida Textos de Literatura\Novelas)
REPARTO Tom Hanks, David Morse, Bonnie Hunt, Michael Clarke Duncan,
Harry Dean Stanton, James Cromwell, M. Jeter, Graham Greene,
Doug Hutchison, Sam Rockwell, Barry Pepper, Jeffrey DeMunn.
GÉNERO Y CRÍTICA 1999: 0/5 Nominaciones a los Oscar
Drama. Fantástico. Condenado muerte bueno hasta el milagro.
SINOPSIS: En el sur de los Estados Unidos, en plena Depresión, Paul Edgecomb es un
vigilante penitenciario a cargo de la Milla Verde, un pasillo que separa las celdas de los
reclusos condenados a la silla eléctrica. Esperando su ejecución está John Coffey, un
gigantesco negro acusado de asesinar brutalmente a dos hermanas de nueve años. Tras
una personalidad ingenua, Coffey esconde un don sobrenatural prodigioso. A medida que
transcurre la historia, Paul Edgecomb aprende que los milagros ocurren... incluso en los
lugares más insospechados.
Una brillante idea de Stephen King y un sólido trabajo de Darabont.
Excesiva, absurdamente estirada, sirve para marcar la distancia entre las buenas
intenciones y los resultados artísticos.
Título en Chile: "Milagros Inesperados".
Temas: Sacrificio-redención. Pena de muerte. Sufrimiento. Resurrección-milagro. Pecado-muerte. Presencia de Dios.
Cielo-paraíso.
EL MILAGRO DE LA VIDA Y DE LA MUERTE
SELECCIÓN DE ESCENAS
Escena 1. Sólo he deshecho el mal
(Paul se levanta del suelo con dificultad y se dirige a la celda de John Coffey)
John Acérquese.
Del (Desde la celda de al lado) Jefe, no debería hacerlo.
Paul Métete en tus asuntos, Del. ¿Qué quieres, John Coffey?
John Sólo aliviarle. (Le agarra fuertemente de la solapa y le golpea contra las rejas. Con una mano aprieta
fuertemente sus genitales) No tenga miedo.
Del (Gritando) ¡Socorro! ¡Socorro! ¡Va a matar al Jefe Edgecomb! ¡Socorro!
Paul ¿Qué estás haciendo?
Del ¡Socorro! ¡Socorro! ¡Jefe Howell! ¡Socorro! (Una bombilla en la pared brilla de repente y explota. John suelta a
Paul)
Del ¡Vengan! ¡Está matando al Jefe Edgecomb!
Paul ¡Del, por el amor de Dios, cállate! (John tose, ahogándose.
Expulsa algo de su boca que parecen luciérnagas) ¿Qué me has hecho?
John Aliviarle. ¿No le he aliviado? He deshecho el mal. Eso es todo. Ahora estoy muy cansado. Agotado. (Se recuesta
sobre su cama)
Del Jefe, ¿qué le ha hecho ese hombre? (Paul se aleja de allí, sudoroso y perplejo)
Escena 2. Villa Ratón
(El ratón hace avanzar un pequeño rodillo de madera)
Paul (A Del) ¿Qué me dices de Dean? Tiene un hijo pequeño. Le encantaría tener un ratón de mascota.
Del No puedo confiarle el Señor Jingle a un niño. Podría olvidarse de darle de comer. No sabría adiestrarlo. Sólo es
un niño, ¿n 'est-ce pas? (Lanza el carrete, el ratón corre tras él)
Paul Bueno, me lo quedaré yo. Yo.
Del Merci beaucoup. Es muy amable, pero usted vive en el bosque. Al Sr. Jingle le asustaría vivir en medio del
bosque.
Brutus ¿Qué tal Villa Ratón?
Del ¿Villa Ratón?
Brutus Una atracción turística en Florida. En Tallahassee, creo. ¿Es allí, Paul? ¿En Tallahassee?
Paul Tallahassee, sí. Un poco más abajo de la universidad canina.
Brutus ¿Cree que le aceptarían? ¿Es suficientemente bueno?
Paul Bueno, es bastante listo.
Del ¿Qué es Villa Ratón?
Brutus Una atracción turística. Hay una gran carpa.
Del ¿Se paga?
Brutus ¿Bromeas? Por supuesto. Diez centavos la entrada. Dos centavos para los niños. Dentro de la carpa hay una
ciudad de ratones hecha con cajas y canutos de papel higiénico, con ventanitas para ver el interior. Y está el Circo
de las Estrellas de Villa Ratón. Sí, hay ratones trapecistas. Ratones que hacen rodar barriles, que apilan
monedas.
Del (Riendo) Eso me gusta. Es el mejor sitio para él. (Mirando al ratón) Serás un ratón de circo, después de todo.
Vivirás en una ciudad para ratones en Florida. (Lanza el rodillo, que sale fuera de la celda. El ratón va detrás. El
guarda Percy, que está al otro lado, lo pisa y lo mata)
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Del (Gritando histérico) ¡No! ¡Señor Jingles! ¡No! (Paul y Brutus tienen que sujetarlo. Acuden otros dos guardias al oír
el alboroto) (Vemos un inserto del ratón fallecido)
Percy (A Paul) Sabía que acabaría pillándolo. Sólo era cuestión de tiempo.
Del (Gritando desde su celda) ¡Cruel cabrón de mierda! (Llora) (John asoma su brazo desde su celda)
John Démelo. Démelo. Puede que aún esté a tiempo. (Paul coge en sus manos el ratón y se lo lleva a John)
Brutus ¿Qué vas a hacer? ¿Qué diablos. . .?
Del Por favor, John. Ayúdale. Por favor, Johnny, ayúdale. (John lo coge en sus manos. Se lo lleva cerca de su boca y
aspira)
Brutus Dios Santo. El rabo. Mira el rabo. (Por entre las manos de John, se ve el rabo del ratón que empieza a
moverse. Una luz brilla en el interior de sus manos e ilumina los rostros de Paul y Brutus. John sigue aspirando
ante la atenta mirada de Del. De repente empieza a toser ahogándose. De su boca vuelve a salir el mismo polvillo
que antes. Deja el ratón en el suelo. Vuelve a estar vivo. Atraviesa el pasillo hacia las manos de Del, que lo
recoge llorando)
Guarda (A John) ¿Qué has hecho?
John Ayudar al ratón de Del. Su ratón de circo. Vivirá en una ciudad para ratones en. . .
Brutus Florida.
John El Jefe Percy es malo. Cruel. Aplastó el ratón de Del. Pero yo deshice el mal.
Del (Mirándole agradecido) Merci.
Escena 3. Nos encontramos en la oscuridad
(De noche. Hal en el porche de su casa, está apuntando con un rifle a John, que viene custodiado por Paul y Brutus.
Al fin, baja el arma. Se oye desde el interior la voz de la mujer de Hal, Melly)
Melly (off) Hal ¿Con quién estás hablando? ¡Maldita sea!
Paul Hal, nadie está herido. Hemos venido a ayudar.
Hal ¿Ayudar a qué? No lo entiendo.
Paul Tendrás que confiar en mí. (John avanza hacia Hal)
Hal ¿Qué quieres? (Se oye a la mujer gritar desde el interior)
Melly (off) ¡Hal! ¡Diles que se vayan! No quiero que vengan vendedores en plena noche. Diles que se vayan a tomar
por el culo, joder.
John (Poniendo sus manos sobre el cañón del rifle) Sólo ayudar. Sólo ayudar, jefe. Eso es todo.
Hal No puedes. Nadie puede. (John coge el rifle y se la da a Paul. Entra en la casa)
Hal ¡No entres ahí!
Off ¡Seas quién seas, fuera!
Hal ¡No te atrevas! (John se acerca a las escaleras)
Melly (off) No estoy vestida para recibir visitas.
Hal Detente, ¿me oyes? Paul, no le quiero allí arriba.
John Jefe, no hable ahora. (Sube las escaleras. Llega arriba. Por la rendija de la puerta ve a la mujer en la cama.
Entra. La mujer está agonizando. Detrás de él entran Hal y los guardias)
Paul Tranquilo, Hal. Tranquilo.
Brutus Observa. Tú obsérvale.
Melly (A John) No te acerques, cerdo mamón. (John se sienta en la cama a su lado)
Melly ¿Por qué tienes tantas cicatrices? ¿Quién te ha hecho tanto daño?
John Casi no lo recuerdo, señora.
Melly ¿Cómo te llamas?
John John Coffey, señora. Como el café, pero se deletrea diferente. ¿Señora?
Melly ¿Sí, John Coffey?
John Ya lo veo. Ya lo veo.
Melly ¿Qué vas a hacer?
John Ahora estése quieta. Estése calladita y quietecita. (Primero le besa la frente y después en la boca ante la mirada
asombrada del marido. Un gas luminoso brota de la boca de la mujer) (Bajo el pasillo, el péndulo de un reloj se
para. Se rompe el cristal. En la habitación todo tiembla. John aspira el gas luminoso que la mujer suelta. Ella
queda con el rostro tranquilo. John se ahoga y cae al suelo)
Brutus Vamos, John. Vomítalo. Vomítalo como has hecho otras veces. Se está ahogando. Lo que le aspiró le está
ahogando.
John Se pasará. Déjenme. (Hal se acerca a Melly)
Melly ¿Qué hago aquí? Íbamos al hospital de Vicksburg. ¿Recuerdas?
Hal Melly, no importa. Ya no importa.
Melly ¿Me hicieron la radiografía? ¿La hicieron?
Paul Sí. Sí. Y fue bien. No había ningún tumor. (Hal rompe a llorar sobre su mujer. Ella le abraza)
Paul ¿John? ¿Puedes levantarte? Vuélvete y mira a la señora. (John se levanta con esfuerzo)
Melly ¿Cómo se llama?
John John Coffey, señora.
Melly Como el café. Pero se deletrea diferente.
John Se deletrea muy diferente, señora. (Ella se levanta de la cama. Hal intenta detenerla)
Hal No, no puedes.
Melly (Acercándose a John) Soñé con usted. Soñé que estaba perdido en la oscuridad. Y yo también. Y nos
encontramos. Nos encontramos en la oscuridad. (Se quita el collar que lleva puesto y se lo da)
Paul Cógelo, John. Es un obsequio.
Melly Es San Cristóbal. Quiero dárselo, Señor Coffey. Y que se lo ponga. Velará por usted. Por favor. Llévelo por mí.
(Se lo pone)
John Gracias, señora.
Melly Gracias a usted, John. (Se funden en un abrazo)
Escena 4. Un milagro de Dios
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(John está en su celda. Entra Paul y se sienta frente a él. Brutus aguarda en la puerta)
John Hola, jefe.
Paul Hola, John. Supongo que sabes que ya se acerca. Sólo un par de días. ¿Quieres cenar algo especial esa
noche? Podemos conseguir casi de todo.
John Pastel de carne. Puré de patatas, salsa. Okra. Y ese pan de maíz que prepara su esposa, si no le importa.
Paul Bueno, ¿y un predicador? Alguien con quien recitar una oración.
John No quiero predicadores. Diga usted una oración, si quiere.
Paul ¿Yo? Supongo que lo haría, si fuera necesario. Voy a hacerte una pregunta muy importante.
John Ya sé qué va a decir. Y no es necesario.
Paul No. Lo es. Lo es. Tengo que decirlo. Dime qué quieres que haga. ¿Quieres que te saque de aquí? ¿Que deje
que te fugues? ¿A ver si puedes salvarte?
John ¿Por qué hacer algo tan descabellado?
Paul El día del juicio final, cuando me encuentre ante Dios y me pregunte por qué maté a uno de Sus auténticos
milagros, ¿qué voy a decirle? ¿Que hacía mi trabajo? Es mi trabajo.
John Dígale a Dios, nuestro Padre, que fue un acto de bondad. Ya sé que sufre y está preocupado. Puedo sentirlo.
Pero no debería hacerlo. Tengo ganas de que acabe todo esto. De verdad. Estoy cansado, jefe. Cansado de
recorrer el mundo, solo como un gorrión bajo la lluvia. De no tener a un amigo con quien estar .que me diga
adónde vamos, de dónde venimos, y por qué. Y estoy cansado de las personas que son feas con las demás.
Cansado de todo el dolor que siento y oigo por el mundo cada día. Hay demasiado dolor. Son como trozos de
cristal en mi cabeza en todo momento. ¿Puede entenderlo?
Paul Sí, John, creo que sí.
Brutus Tiene que haber algo que podamos hacer por ti. Algo que quieras.
John Nunca he visto una función de cine. (Corte a una pantalla donde se proyecta a Fred Astaire y Ginger Rogers
bailando. Vemos el rostro de John mirando la película mientras Astaire canta)
Astaire “Cielo. Estoy en el cielo. Y mi corazón late tan fuerte Que apenas si puedo hablar. Y parece que encuentre La
felicidad que busco Cuando salimos Y bailamos mejilla contra mejilla”.
(Plano de la sala de proyección, sólo con John y los guardas. Paul y Brutus se miran y sonríen) (Primer plano de John,
en contraluz. Detrás suyo los haces de luz del proyector, como si salieran de su cabeza)
John Pero si son ángeles. Ángeles como los del cielo.
Escena 5. El entierro
(Los guardias avanzan por el pasillo. En su celda. John levanta la cabeza. Abren la puerta. John se acerca a ellos. Se
detiene frente a Paul)
John Estaré bien, amigos. Ésta es la parte difícil. Pero pronto pasará.
Paul Debo quitarte esto de momento. (Le quita la medalla que le había colgado Melly) Ya te lo devolveré después.
John Sabe, esta tarde me dormí y tuve un sueño. Soñé con el ratón de Del.
Paul ¿En serio?
John (Habla mientras avanzan por el pasillo) Soñé que el Sr. Jingles estaba en ese lugar del Jefe Howell. Esa Villa
Ratón. Soñé que había niños. Y cómo se reían de sus números. Soñé que esas dos niñas rubias estaban allí. Y
también se reían. Las abrazaba y sentaba sobre mis rodillas. Y no salía sangre de sus cabezas, y las dos estaban
bien. Veíamos cómo el Sr. Jingles hacía rodar el carrete. Cómo nos reíamos. Reíamos hasta reventar.
(Entran en la sala de la ejecución. Se ve la gente de la comunidad, sentada. En primera fila, los padres de las niñas)
John Hay mucha gente aquí que me odia. Mucha. Puedo sentirlo. Como abejas picándome.
Brutus Siente lo que sentimos nosotros. No te odiamos. ¿Puedes sentir eso? (El padre de las niñas habla)
Padre ¡Matadle dos veces, chicos! ¡Matad a ese violador asesino de niñas dos veces! ¡Eso estaría bien! (Le atan en la
silla. Uno de los guardias, Bill, llora)
Paul (A Bill) Límpiate la cara antes de levantarte, Bill.
Bill Sí, señor.
Paul Activando uno. (Se oye la voz de la madre)
Madre ¿Ya le duele? Espero que sí. Espero que sufra mucho.
Paul Has sido condenado a la silla eléctrica por un jurado. Y un juez de renombre ha impuesto la sentencia. ¿Quiere
hablar antes de que se cumpla?
John Pido perdón por lo que soy. (Un guardia le cubre la cara) Por favor, jefe, no me cubra la cara con ese trapo. No
me deje a oscuras. Me da miedo la oscuridad.
Paul (Mira a Brutus y después hace que no con la cabeza al guardia) Está bien, John. (Le moja la cabeza y le pone los
electrodos) (John repitiendo con la voz entrecortada la letra de la canción)
John Cielo, estoy en el cielo Cielo, cielo Estoy en el cielo Cielo, cielo Estoy en el cielo
Paul John Coffey, la corriente atravesará tu cuerpo hasta matarte de acuerdo con las leyes estatales. Que Dios se
apiade de tu alma. (Se queda en silencio)
Brutus (Acercándose a Paul) Tienes que decirlo. Tienes que dar la orden. (Paul se acerca a John y le estrecha la
mano)
John Las mató con el amor. Y eso sucede cada día, por todo el mundo.
Paul (Con el rostro lloroso) Activando dos. (Bill llora) (Se ve una bombilla explotando detrás de Paul y echando
muchas chispas)
(Corte. Paul, en mangas de camisa, tiene el medallón en la mano. Lo coloca en el cuello ya inerte de John. Brutus
cubre su rostro con una sábana)
CUESTIONES DE ESCATOLOGÍA
Una propuesta de sumo interés recomendable a pesar de algunas limitaciones.
1. El mal tiene poder de muerte
El extraordinario John Coffey tiene un secreto, puede luchar contra el mal. A pesar de ello está condenado a
muerte: “Intenté deshacer el mal, pero ya era tarde”, dijo cuando le encontraron con dos niñas asesinadas. En esta
propuesta cinematográfica el mal funciona como una posesión que invade al hombre. Y John Coffey cura aspirando el
mal, que como una nube de insectos sale del interior del poseído. Sin embargo, a pesar del mal siempre es posible el
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arrepentimiento. “Que Dios se apiade de mí y me perdone” dirá Delacroix mientras muere rezando. La dinámica del
mal genera una especie de locura. Así se manifiesta en William Wharton, el asesino, y en Percy, el carcelero. Tiene
que ver con el Maligno (“Eres un hombre malo” “Sí, malo como el Demonio”). La enfermedad se presenta también
como una manifestación del mal y así la mujer con el tumor tiene más los rasgos de una endemoniada que vive en la
oscuridad. También la pena de muerte que suprimirá a un hombre bueno es otra manifestación del mal: una defensa
injusta, un sistema que no funciona y una muerte atroz.
2. Uno de los milagros de Dios
La misión de John Coffey es absorber el mal. “Todo ese dolor entró en mí”. Y luego todo el mal sale hasta
convertirse en polvo. Así mismo, en el enfrentamiento con el mal aparece la manifestación de una luz poderosa y una
gran energía. La lucha contra el mal genera sufrimiento: “Estoy cansado del dolor que siento por el mundo. Hay
demasiado dolor. Son como trozos de cristal que no puedo quitármelos”. Coffey es un hombre bueno e inocente, pero
a la vez enormemente poderoso que trabaja por establecer el equilibrio roto por el pecado como enviado de Dios.
Pero también en él se manifiesta la ira de Dios. Así cuando coge a Percy por el cuello siente una gran repulsa.
Mientras el carcelero mira de forma ostensible hacia arriba con pavor y miedo. Luego dirá: “he castigado a esos
hombres malos. Los he castigado”. Así que en ocasiones la lucha contra el mal supone el castigo y este pena viene
directamente de Dios. Asunto este peligroso en la medida en que la ira de Dios puede traspasarse del pecado al ser
humano pecador. Así aparece el castigo inflingido al hombre pecador. Como si se describieran los límites de la
misericordia divina.
3. Cielo, estoy en el cielo
Aparecen algunas representaciones de la vida eterna. Así funciona la parábola de Villa Ratón. El circo-cielo para
ratones. El representante del mal en este caso el carcelero Percy dirá: “Villa ratón no existe. Es sólo un cuento que te
contaron para que te callaras”. Los que viven según el mal no pueden creer en la vida eterna. Este no creer es una
forma de locura, como quedará reflejado en el destino del personaje. Pero los que viven en la espera del bien están en
condiciones de esperar: “Sí, así es como creo que debe ser el cielo” dirá el viejo carcelero. La imagen de la
resurrección-transfiguración está sugerida en la muerte de John Coffey. El proyector de cine le ilumina desde atrás
como un aura de santidad, de la que salen rayos de luz. Y suena la canción “Cielo, estoy en el cielo. Y mi corazón late
tan fuerte que apenas puedo hablar. Y parece que encuentro la felicidad que busco cuando salimos y bailamos mejilla
contra mejilla”. La famosa Cheek to Cheek de “Top hat” (Sombrero de copa, 1935) con la pareja Astaire-Rogers.
Aquí tenemos el cine como ilusión en esta representación del musical romántico, la danza como fiesta, el
enamoramiento como felicidad y todo ello al servicio de una imagen escatológica del cielo. Como decía el mismo John
Coffey, “ángeles como los del cielo” alusión también al himno de difuntos "In paradisum deducant te angeli”.
“Las mató con el amor que ellas se tenían. Y eso sucede cada día. Y sucede por todo el mundo…
Sé muy poco de nada…
A veces mi milla verde parece interminable.”

Million Dollar Baby (Golpes del destino)


TITULO ORIGINAL Million Dollar Baby 8.2/10 MB
AÑO 2004  
DURACIÓN 132 min.  
PAÍS
DIRECTOR Clint Eastwood
RREPARTO Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman, Anthony Mackie,
Jay Baruchel, Mike Colter, Lucia Rijker, Brian O'Byrne.
GÉNERO Y CRÍTICA 2004: 4 Oscar: Mejor película, director, actriz (Hilary Swank)
y actor secundario (Morgan Freeman) .
7 nominaciones. 2004: 2 Globos de Oro: Mejor director, Mejor actriz drama (Hilary Swank)
Drama. Chica boxeadora: tenacidad en la lucha de la vida.
SINOPSIS: Frankie Dunn ha entrenado y representado a los mejores púgiles durante su
dilatada carrera en los cuadriláteros. La lección más importante que ha enseñado a sus
boxeadores es el lema que guía su propia vida: por encima de todo, protégete primero a ti
mismo. Tras una dolorosa separación de su hija, Frankie ha sido incapaz durante mucho
tiempo de acercarse a otra persona. Su único amigo es Scrap, un ex-boxeador que cuida del
gimnasio de Frankie y sabe muy bien que tras el arisco exterior de su colega, hay un
hombre que acude a misa diariamente desde hace 23 años, buscando una redención que
hasta ahora le elude. Entonces, Maggie Fitzgerald aparece un día en su gimnasio. Maggie
nunca ha tenido mucho, pero sí posee algo que muy poca gente en el mundo tiene: sabe lo
que quiere y está dispuesta a hacer lo que haga falta para conseguirlo. En una vida de lucha
constante, Maggie ha llegado hasta donde está apoyándose en su innato talento, impasible
concentración y tremenda fuerza de voluntad. Pero más que nada, lo que desea es a alguien
que crea en ella. La última cosa que Frankie necesita en este mundo es asumir ese tipo de
responsabilidad y no digamos de riesgo. Sin rodeos, le describe a Maggie la amarga
realidad: ella es demasiado mayor, y él no entrena a chicas. Pero la palabra no carece de
significado cuando no se tiene elección. Incapaz de abandonar su máxima ambición en esta
vida, Maggie se machaca cada día en el gimnasio, con el único apoyo de Scrap. Finalmente,
convencido por la inquebrantable determinación de Maggie, Frankie acepta a regañadientes
entrenarla.
"Million Dollar Baby es la mejor película estrenada por un gran estudio este año, y no
porque sea la más grande, la más ambiciosa o incluso la más original. Por el contrario, es
una drama contenido e íntimo sobre tres personas dirigido con un estilo paciente y sin
complicaciones"
"Maravillosamente anticuada, felizmente libre de ingeniosidades posmodernas"
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"Los diálogos de Haggis son dignos de Hemingway, y los tres protagonistas bordean la
perfección"
"Una obra maestra (exquisitamente realizada) sobre la fe, la redención y el boxeo que
bellamente ilustra la vieja filosofía de Eastwood de "menos es más".
Temas: Sufrimiento. Sentido de la vida. Eutanasia. Iglesia-sacramentos. Muerte-paternidad-maternidad.

En Million Dallar Baby Clint Eastwood interpreta a Frankie Dunn, un veterano entrenador de boxeo que lee
poesía irlandesa y asiste diario a Misa, atormentado por todo lo que cree no hizo bien en la vida, mientras acumula
cartas devueltas por su hija. Morgan Freeman es Scrap, un viejo boxeador retirado, que perdió un ojo en una pelea, y
que ahora maneja el gimnasio de Frankie y narra la historia que seguimos en pantalla. Hilary Swank es Maggie, una
joven sureña de treinta y dos años, que ha trabajado como mesera desde los trece, decidida a triunfar en el boxeo y salir
adelante en su vida hasta ahora tan maltratada. Tres almas golpeadas, imágenes vivas del dolor y la frustración
acumuladas, que habrán de encontrarse y aceptar el desafío de ver probados sus valores, sus ideales, su moral y su
lealtad. Tres almas que casi toda la película vamos viendo entre claroscuros o casi en la oscuridad -no podía ser de otra
manera para fotografiarnos ese misterio del alma-, hasta encontrarnos como espectadores con la luz propia de la
decisión y la responsabilidad de cada uno.
Million Dollar Baby no es una película sobre boxeo, sino sobre las peleas que se libran en la vida, más allá del
cuadrilátero. Allí donde cada uno de nosotros va aprendiendo cómo pararse, cómo moverse; cuándo avanzar, cuándo
retroceder; dónde dar el golpe... Aprendemos junto con otros y de otros; nos acompañamos y nos apoyamos en
aquellos que nos quieren -como Frankie, Scrap y Maggie-. La vida nos va entrenando, nos hace pelear; nos hace subir
y triunfar, nos tira a la lona y nos deja heridas.
Clint Eastwood, a sus 75 años de edad, es capaz de llevarnos, con suavidad y seguridad admirables, al fondo del
alma, acercamos a la libertad personal y permitimos tocar las heridas de la vida. Es un privilegio, ¡pero es muy
doloroso! (Gª Orso)
Clint Eastwood continúa siendo un referente obligado para todo aquel que quiera acercarse al mundo del cine por la puerta
ancha. No sólo como actor, sino también como director, algunas de las películas de Eastwood se han convertido en hitos de la
historia del cine. Podríamos afirmar que este es el caso de “Million Dollar Baby”, una cinta que desde el inicio muestra que detrás
de las cámaras se encuentra alguien que maneja el lenguaje cinematográfico con una soltura pocas veces vista. La historia, en
apariencia, es simple. Frankie (C. Eastwood) es un ya viejo entrenador de boxeo, que muy a regañadientes acepta entrenar a
Maggie (H. Swank), una camarera que vive en condiciones bastante miserables, y que tiene todas sus esperanzas puestas en
convertirse en una gran estrella sobre los rings.
Poco a poco, nos vamos introduciendo en la historia de un grupo de individuos cuya vida ha estado marcada por diversas
dificultades y tristezas. Sin necesidad de entrar en detalle en sus experiencias pasadas, Eastwood va utilizando la cámara como
una testigo, que casi con timidez, va penetrando en la vida privada de los distintos personajes. Por un lado, Frankie, dueño de un
gimnasio y prudente entrenador de boxeo, quién intenta reiteradamente tomar contacto con su hija, sin obtener grandes resultados.
Maggie, por otro lado, parece estar escapando de una familia disfuncional y egoísta, sin perder del todo, el cariño que siente por
ellos. A medida que Frankie entrena a Maggie, va naciendo una particular amistad entre los dos, amistad que se convertirá en un
refugio frente a una realidad, que a pesar de los esfuerzos de los protagonistas, no deja de ser despiadada y cruel.
Al igual que “Río Místico”, “Million Dollar Baby” es una película llena de dolor. Una historia de superación, que
lamentablemente se desarrolla en un mundo donde los valores que sostienen la sociedad, aparecen diluyéndose inexorablemente.
Ante esta situación, a pesar del esfuerzo de los protagonistas, éstos no pueden cambiar un destino que parece estar escrito desde
el momento en que nacieron. Con un trabajo de cámara excelente y con una muy interesante utilización de los claroscuros,
Eastwood nos entrega una cinta que invita a reflexionar en torno al mundo contemporáneo. Vemos a un grupo de individuos que
luchan por construir una vida digna, sin embargo, en el momento en que bajen la guardia, la sociedad los golpeará sin misericordia.
EL PESIMISMO INCONFORMISTA
SELECCIÓN DE ESCENAS
Escena 1. La columna rota
(Maggie en la cama completamente inmovilizada. A su lado Scrap)
Scrap ¿Duele mucho?
Maggie No me duele nada.
Scrap Eso es bueno.
Maggie ¿Dónde está Frankie?
Scrap Está ahí fuera hablando con los médicos. Seguramente les dirá cómo hacer su trabajo.
Maggie Le dirán que tengo la C1 y la C2 enteras. Tengo la espina dorsal tan rota que nunca podrán arreglármela. Me
quedaré así paralizada el resto de mi vida. Les pedí que se lo dijeran. No sé cómo se lo tomará. ¿Viste la pelea?
Scrap Pues claro que sí. Ya era tuya, Maggie.
Maggie No debí bajar las manos. No debí girarme. Protégete siempre, ¿cuántas veces me lo ha dicho?
Scrap Sí. Le gusta repetirlo todo.
Maggie ¿Puedes decirle que lo siento?
Scrap No. No pienso hacerlo. (Rostro de Maggie)
Escena 2. No quiero vivir así
(Maggie en la cama de la clínica. A su lado Frankie hojeando un catálogo)
Frankie ¿Necesitas algo?
Maggie Quiero saber qué significa mo cuishle.
Frankie No ganaste. No tengo que decírtelo.
Maggie Es usted un hombre muy malo. No me extraña que nadie le quiera. Me recuerda a mi padre.
Frankie Debió de ser un hombre muy inteligente y guapo.
Maggie No me hará leer a Yeats, ¿verdad?
Frankie No, estaba mirando un catálogo de la universidad. Podría buscarte una silla de ruedas de esas que funcionan
soplando por una paja. A lo mejor te gustaría volver al colegio.
Maggie Tengo que pedirle un favor.
Frankie Claro. Lo que quieras.
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Maggie ¿Recuerda lo que mi padre hizo por Axel? (Pausa larga. Intercambio de miradas entre los dos)
Frankie Ni se te ocurra pensar en eso.
Maggie No puedo estar así, Frankie. No después de lo que he hecho. He visto el mundo. La gente coreaba mi
nombre. Bueno, ese maldito nombre que me dio. Pero me animaban. Salía en las revistas. ¿Cree que alguna vez
soñé con eso? Al nacer pesé un kilo. Papá me decía que luché para llegar a este mundo y lucharé para irme de
él. Es todo lo que quiero, Frankie. No quiero pelearme contigo para que lo hagas. Tuve lo que quise. Lo tengo
todo. No dejes que me lo quiten. No me dejes aquí hasta que deje de escuchar a esa gente animándome.
Frankie No puedo.
Maggie Por favor...
Frankie Por favor, no me lo pidas.
Maggie Te lo estoy pidiendo.
Frankie No puedo. (Rostro de Maggie) (Rostro de Frankie, meditando) (Plano general de los dos)
Escena 3. No puedes hacerlo
(En la iglesia vacía. Sentados en un banco Frankie y su amigo sacerdote)
Sacerdote No puedes hacerlo y lo sabes.
Frankie Lo sé, padre. No sabe lo terca que es y lo difícil que fue entrenarla. Otros boxeadores hacen lo que les dices.
Ella preguntaba por qué esto y lo otro y hacía lo que quería. Cómo luchó por el título... No fue por escucharme a
mí. Pero ahora quiere morir y yo quiero conservarla conmigo. Y le juro por Dios, Padre, que hacerlo es cometer un
pecado. Pero manteniéndola viva, la estoy matando. ¿Sabe lo que es eso? ¿Cómo salgo de ésta?
Sacerdote Mantente al margen, Frankie. Déjaselo a Dios.
Frankie No le pide ayuda a Dios. Me la pide a mí.
Sacerdote Te he visto todos los días en misa durante 23 años. Los que hacen eso es porque no se pueden perdonar
por algo. Sean cuales sean tus pecados no son nada comparados con esto. Olvídate de Dios, o del cielo y el
infierno. Si lo haces, estarás perdido en algún lugar tan profundo, que nunca más volverás a encontrarte.
(Frankie llora. El sacerdote se levanta y se marcha)
Escena 4. Yo así descansaría en paz
(En el vestuario del gimnasio, casi a oscuras, Frankie pone unas inyecciones en una bolsa. Entra Scrap)
Scrap Fui a ver a Maggie esta mañana. Debías estar en otra parte.
Frankie Sí.
Scrap ¿Había alguna pelea?
Frankie No fue culpa tuya. Me equivoqué al decírtelo.
Scrap Ya lo creo que sí. Te encontré una boxeadora y tú la convertiste en la mejor boxeadora posible.
Frankie Y la maté.
Scrap No digas eso. Maggie entró por esa puerta con nada más que agallas sin una oportunidad de ser lo que quería
ser. Un año y medio después disputaba el campeonato del mundo. Tú lo hiciste. Todos los días muere gente,
fregando platos, barriendo suelos. ¿Y cuál es su último pensamiento? Nunca me dieron una oportunidad. Gracias
a ti, Maggie la tuvo. Si muere hoy, ¿sabes qué pensará? ''Creo que lo hice bien''. Yo así descansaría en paz.
Frankie Sí… (Se levanta y se va) Sí…
Escena 5. “Te pondré una inyección”
(Frankie al lado de la cama de Maggie, en penumbra)
Frankie ¿Estás bien? Desconectaré el respirador y te pondrás a dormir. Luego te pondré una inyección y te quedarás
dormida. Mo cuishle significa ''mi querida, mi sangre''. (La besa en la mejilla. Ella le mira sonriendo) (Frankie
desconecta los tubos y prepara la inyección. Suena la música) (Oímos la voz en off de Scrap)
Off Le puso una inyección. Suficiente para hacer el trabajo unas cuantas veces. No quería que ella sufriera más.
(El aparato al lado de la cama deja de emitir señal. Frankie la besa y se marcha) (Plano del rostro de Scrap)
Off Luego se fue. No creo que le quedara nada. (Plano general de Frankie saliendo de la clínica)
CUESTIONES DE ESCATOLOGÍA
1. Pesimismo antropológico
Ya la iluminación del film nos coloca en la clave de un progresivo pesimismo en Clint Eastwood. La melancolía de
películas como Los puentes de Madison o Myctic River desciende a la trágica imposibilidad de ser felices a pesar de la
bondad. Y el claro-oscuro y los interiores clausurados (gimnasio, vivienda, hospital) representan exteriormente la
ausencia de luz interior. Si bien los protagonistas son figuras generosas y entregadas todos los personajes
secundarios tienden a resaltar la negatividad y las propias dificultades de la vida (la familia de Maggie y el duro mundo
del boxeo).
La motivación de la vida en torno al éxito es una clave de felicidad. Maggie llega a vivirlo cuando vence pero sin
embargo postrada e inútil ya no hay motivos para seguir viviendo. Sobre los personajes de Eastwood se ciñe cada vez
con más frecuencia un destino de perdición tras tocar por unos instantes el éxito y la felicidad. Lo irremediable es el
sufrimiento y la muerte no deja de ser una liberación.
2. La fe que no ayuda
Los encuentros con el sacerdote definen más el terreno del deber que el de la compasión. El propio protagonista
acude más a la Iglesia por una culpa no perdonada o por un dolor no desvelado que por la acción de gracias confiada.
Incluso el argumento del peso de la culpa que esgrime el sacerdote nos vuelve a colocar en una clave más de pecado
que de gracia y salvación. El propio final insinúa el posible suicidio (dos jeringuillas) o el enterramiento en vida de
Frankie (el bar escondido). No hay mucho lugar para la esperanza a pesar de la bondad.
La fe de Frankie ha hecho de el un hombre bueno y generoso pero no le ha otorgado la esperanza. Como decía
Charles Péguy , "esperar es algo difícil... lo fácil es desesperar y es la gran tentación". Y una fe sin esperanza está
vacía.
3. El hombre tiene que hacer lo que Dios no hace
Hay una queja jobiana ante la densidad del dolor. El sacerdote le aconseja, con buen criterio aunque no mal enfoque
global, dejar a Dios ser Dios en el límite entre la vida y la muerte. Sin embargo, compasivamente, en la eutanasia
asume el protagonista la carga de la vida del otro. Como indicando que cuando Dios no hace nada, el hombre tiene
que hacerlo todo. Y esto no por soberbia sino simplemente por amor de compasión. Dios no salva al hombre y lo que
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el hombre no puede hacer es vivir sin dignidad. Y esto es lo que Eddie quiere recordar de Frankie cuando le escribe a
su misteriosa hija. Cuando Dios guarda silencio únicamente queda la dignidad del hombre que hizo lo que tenía que
hacer. Poca es la confianza que merece esta imagen de Dios.

Materiales para trabajar la película


1.Ver y analizar
 Describe el personaje de Frankie al principio del film. ¿Cómo se plantea su vida? ¿Cuál es su lema en el
boxeo? ¿Cómo es su fe? ¿Cómo es su pasado?
 Describe el personaje de Maggie
 ¿Cómo evolucionan Frankie y Maggie a lo largo de la película? ¿Qué escenas o momentos reflejan mejor
esta evolución?
 ¿Cuál es el papel de Eddie en esta relación?
 Lo que parece una historia de éxito queda truncada, ¿qué te parece el final de la película?
 ¿Te parece que el film es una "parábola de la vida"? ¿Qué semejanzas y diferencias encuentras entre el
boxeo la vida misma?
4.2.Nos interpela
 ¿Qué heridas nos has curado de tu pasado y aún te duelen?
 ¿De quién o de qué te proteges en tus relaciones con los demás?
 ¿En tu vida eres más bien prudente o arriesgado?
 ¿Qué sueños tienes para tu vida? ¿Qué haces para lograrlos?
 ¿Qué experiencias de fracaso has vivido? ¿Cómo has salido de ellas? ¿Qué has aprendido?
 ¿Quiénes son los que más te han ayudado a lo largo de tu vida?
 ¿Crees que en tu vida ya has tenido tu oportunidad?
 Eddie pone en boca de Maggie lo siguiente: "Creo que lo he hecho bastante bien. Puedo descansar". Si te
llegara hoy la muerte, ¿crees que podrías aplicar esta frase a ti mismo?
 ¿Qué sensación te deja la película? ¿Qué es lo que más te hace pesar, qué enseñanza sacas en limpio?
 ¿Qué otro título le darías al film?
4.3.Oramos
-SALMO EN BUSCA DEL SENTIDO DE LA VIDA
(Se lee y después se hacen coros de la frase que más ha llamado a cada uno)
Como si empezara a salir de un sueño, así me siento, Señor Jesús.
Comienzo a saborear el alba de un nuevo amanecer, y es algo así como la paz después de la tormenta.
Un arcoiris se abre sobre mi vida en búsqueda y ahora sé que después de la tempestad viene la calma.
Señor Jesús, Señor del sosiego y de la serenidad, acompáñame en este nuevo camino que estreno.
Yo quiero Señor, poner mis ojos dentro.
Quiero abrir los ojos del corazón y con 'nuevos ojos de ver' mirar la luz y buscar el bien y la belleza, la verdad y el
amor en mi corazón escondido y silencioso.
Quiero, Señor, construir mi vida desde la Vida. Quiero levantar mi vuelo desde una libertad responsable.
Quiero hacer verdad en mi camino desde la Verdad. Quiero, Señor, vivir el amor y el servicio desde el Amor.
Te necesito, Tú que eres la respuesta a mi búsqueda. Señor Jesús, yo quiero un sentido para mi vida,
Quiero crecer en búsqueda de razones para mi existencia; encontrar el ideal, la norma, el modelo de ser hombre.
Quiero, Señor Jesús, orientar mi vida, darle rumbo; saber la razón de mi origen, de dónde vengo.
Quiero que el río de mi vida tenga en ti su manantial.
Quiero saber la razón de lo que haga en la vida; saber si mi vida vale la pena vivirla.
Quiero que el sentido de mi vida seas tú.
Quiero saber hacia dónde camino, saber cual es el destino y la meta de mi vida.
Quiero que tú, Cristo el Señor, seas el final de mi camino.
Señor Jesús, no quiero una vida que se apoye desde fuera.
No quiero muletas que no me dejen ir lejos. No quiero soportes que no aguanten mi libertad.
No quiero parches para mi camino, ni caretas para mis problemas.
No quiero manos que me empujen, ni que den cuerda a mi fracaso.
No quiero quedarme en la cáscara de las cosas mientras mi corazón se muere de hambre.
No quiero optar por la muerte, por la destrucción, por las cosas que se acaban, por el humo de pajas.
No quiero vivir desde la superficie, desde la piel. No quiero ser vida vacía, vida gastada.
Señor Jesús: ¡quiero vivir con fuerza y desde dentro!. Señor Jesús, quiero pedirte fuerza para optar.
Fuerza para optar como persona, como hombre. Fuerza para optar por una fe recia en ti;
para optar por la comunidad en que vivo. Fuerza para optar por un proyecto de vida;
para optar por los necesitados de ayuda. Fuerza para optar por una vida sin término;
para optar y vivir siempre decidido a comenzar de nuevo. Señor Jesús, abre mis ojos a la luz de tu verdad.
Abre mis ojos al corazón del hombre que transciende; a los valores de tu Reino.
Abre mis ojos a la bondad y la ternura, al perdón, a la justicia, a la fraternidad, a la verdad, a la pureza y a la
sencillez.
Señor Jesús, abre mis ojos a los valores que no se acaban.
Señor Jesús, abre mis ojos más allá de tu muerte: a la luz y la libertad de tu Resurrección.
Tú, Señor Jesús, estás aquí, en mi nuevo camino.
Tú, Señor Jesús, estás aquí y me ofreces tu proyecto de vida.
Yo cuento contigo: eres la respuesta a mi pregunta; eres la razón a mis razones.
Yo cuento contigo: eres el ideal de hombre que yo quiero; eres el proyecto que yo asumo.
Yo cuento contigo: eres la Persona y el Programa de mi vida; eres el sentido de mi vida.
-Proclamación de la Palabra de Dios: Jn 21,1-19
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-Silencio, reflexión
-Texto de reflexión (se puede leer como voz en off)
Entresacado de las reflexiones de www.pastoralsj.org
NO TE RINDAS
Sigue echando las redes. En lugar de estar esperando. En lugar de vivir a medias. En lugar de ceder al desánimo.
Porque tienes sueños, deseos, inquietudes. Porque crees en quien te invita a intentarlo. Echa las redes para ver si
con la pesca se pueden alimentar las ilusiones y los días. Toma iniciativas. Acomete proyectos. Comparte ideales.
Abraza y déjate abrazar. ¡¡¡Echa las redes!!!
A veces miro al mundo y me siento así. No solucionamos los problemas y se multiplican los dramas, con vientres
hinchados o con ojos tristes, con heridas físicas y esas otras que no se ven.
Me miro a mí y me descubro indiferente a ratos, insensible en otros. Y amo a trompicones. Y se me ocurre que tu
evangelio no termina de envolverme. Y me aturde la sensación de fallarte. Señor, ¿dónde estás?
Porque siempre vuelves. También cuando más desmoralizado estoy, o quizás entonces especialmente. Y no me
dejas refugiarme en la rendición.
Me sigues llamando. Por mi nombre, conociendo cómo soy. Me susurras: "Echa las redes".
Redes donde puedan agarrarse quienes no tienen otro apoyo. Redes de encuentro y de cariño, de acogida y aliento.
Redes hechas de brazos entrelazados y el verbo amar conjugado en todas las lenguas y tiempos.
Señor, aquí estás.
-Momento para compartir. Oración espontánea.
“La magia de librar batallas más allá de lo humanamente soportable se basa en lo mágico que resulta arriesgarlo todo por un sueño
que nadie más alcanza a ver excepto tú…
Papá decía que luché para entrar en este mundo y que lucharía para salir de él.”

Millones
TITULO ORIGINAL
Millions 6.4/10
MB
AÑO 2004
DURACIÓN 98 min.
PAÍS GB  
DIRECTOR Danny Boyle
REPARTO Alexander Nathan Etel, James Nesbitt, Daisy Donovan,
Lewis Owen McGibbon, Christopher Fulford, Pearce Quigley, J. Hogarth
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Dos niños huérfanos encuentran mucho dinero. ¿Para qué sirve?…
SINOPSIS: Empezando de nuevo tras la muerte de su madre, Anthony, de nueve años de
edad, se muestra siempre pragmático, mientras que su hermano pequeño Damian, dos
años menor que él, emplea la imaginación, la fantasía y la fe para que su confuso mundo
tenga un sentido. Una bolsa llena de billetes cae de los cielos a pies de Damian y lleva a los
niños a una aventura imperecedera que les hace darse cuenta de que el verdadero valor de
las cosas no tiene nada que ver con el dinero.
Danny Boyle ("Trainspotting", "28 Days Later") da un giro completo en el tono de sus
anteriores películas y se embarca con esta aventura infantil en el terreno de la fantasía
imaginativa y la fábula alegre, consiguiendo buenas críticas aunque discretos resultados de
taquilla. Narra la historia de dos hermanos de 9 y 7 años, uno muy práctico y el otro muy
imaginativo, que acaban de perder a su madre. Un día se encuentran una bolsa llena de
dinero, y ahí comenzará una inolvidable aventura.
"Un film familiar de desbordante imaginación y sorprendentemente alegre.
"Una sincera y emocionantemente delicada película de niños que va sobre la vida, la muerte
y todo lo que hay entre medias.
Un trabajo casi milagroso de Mr. Boyle, una película que es alegremente divertida y
enormemente inventiva. Una de las más deliciosas y satisfactorias películas familiares.
Ingeniosa, dulce y encantadora sin llegar a ser ñoña.
"Intenta evitar ser empalagosa pero flirtea con ser preciosista. Aunque Boyle tiene el estilo
suficiente para hacerlo todo pasable. Es una de esas películas en la que fans y detractores
puede ver el punto de vista del otro.
Tan desigual como deslumbrante, buena parte de lo mejor de 'Millones' está en el
imaginativo universo en el que viven los dos críos protagonistas. Boyle huye del empalago
de la mayoría de las comedias familiares con niño.
Incontables sorpresas los dos pequeños son un prodigio sobre el papel y bajo los focos. La
cinta remite a un clásico tan fabuloso como 'La noche del cazador'
Desde 'El sexto sentido' no se había visto en pantalla un personaje infantil tan memorable
Temas: Sentido de la vida. Fuentes bíblicas. Luto. Vivos y muertos. Cielo-paraíso. Muerte-paternidad-maternidad.
¿En qué se gastarían un millón de dólares dos niños de siete y nueve años, en una semana? Este es el hilo
que sigue la cantidad de aventuras y de decisiones a que tienen que enfrentarse los dos hermanitos protagonistas de
Millones (Millions) , la última película del británico Danny Boyle. Y si a alguien le parece irreal tener tal cantidad de
dinero, aun así hágase la pregunta: Y yo ¿en qué me los gastaría?
Damián y Anthony se mudan de casa con su papá, a un nuevo lugar residencial en las afueras de Liverpool. El
cambio les puede venir bien a los tres, a poco tiempo del fallecimiento de la mamá de los niños. Damián es un niño
muy religioso que se sabe las vidas de todos los santos y platica con ellos y sobre ellos. En los juegos y la fantasía
propios de su edad, Damián construye con grandes cajas de cartón su ermita o refugio en el campo, junto a las vías
del tren. Una mañana le cae del cielo una gran bolsa de viaje repleta de libras esterlinas reales: casi un millón de
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dólares. Damián piensa que Dios le mandó ese regalo y ahora se pregunta qué le pedirá Dios hacer con él. San
Francisco de Asís le dará la respuesta más espontánea: ¡darlo a los pobres!
A partir de esta intención tan generosa, la película nos va mostrando con humor y agilidad lo complicado de
nuestra sociedad y de nosotros mismos; lo fácilmente que nos distraemos de algo bueno, y lo que realmente van
queriendo nuestros deseos más cotidianos si tuviéramos dinero suficiente.
La historia sucede exactamente a poco más de una semana de que los británicos han de dejar las libras
esterlinas para hacer el cambio al Euro. Sólo queda ese tiempo para cambiar el dinero o para gastarlo, lo mismo que
han de hacer los dos hermanos, sin que nadie se entere. Sólo que mientras a Damián lo aconseja San Francisco, a
Anthony el sentido práctico y financiero. En el ir y venir de sus acuerdos, los que están cerca de ellos mostrarán sus
intereses reales, incluso los pobres y uno misioneros mormones.
Narrada a manera de un cuento muy moderno de Navidad o de una historia de los santos católicos para chicos
de esta época, Millones sorprende por su frescura, su percepción de la vida, su invitación a reflexionar sobre lo
extraordinario en lo cotidiano. Resulta una buena película para que papás e hijos pequeños hablen de lo que para
ellos significa el uso del dinero, el gastar en gustos y ofertas, las necesidades básicas no satisfechas para millones de
gente, el hacer bien a los demás o ser generosos, el ejemplo que otros pueden darnos.
Sorprende también que el director sea el mismo Danny Boyle de La vida en el abismo ( Trainspotting , de
1996) y de Tumba al ras de la tierra ( Shallow Grave , en 1994, su primera película), donde tres estudiantes que
comparten un departamento encuentran también una maleta llena de dinero. Boyle muestra así esta preocupación por
nuestras verdaderas intenciones e intereses.
Damián, el chico de siete años, cree en la bondad de Dios, en la generosidad y en el testimonio vivo de los
santos, en el cielo, en su mamá ahí, en la misión que cada uno tiene en la vida, y en que siempre puede hacer un
milagro para los demás. Pero, ¿nosotros también lo creemos? (Gª Orso)

Millones es una película sencilla y atractiva para trabajar aspectos de la vocación con todos los públicos. No
obstante habrá que saber adaptar la propuesta didáctica según el grupo para que no quede demasiado abstracta con
los más pequeños o ñoña con los mayores (a éstos habría que invitarles mirarla como los niños). Y es así porque es
raro encontrarnos en el cine de hoy con un planteamiento como el que nos propone el director Danny Boyle, donde se
nos habla de la fe y se reflexiona en torno a la santidad a partir del ejemplo y la “amistad” que se puede tener con los
santos. Este aspecto me parece más interesante que la crítica que la película hace al dinero. Sin embargo esto que
puede parecer un proyecto arriesgado no termina mal, pues el director nos cuenta la historia a modo de cuento de
navidad donde la realidad se mezcla con lo trascendente.
Anthony y Damian son dos hermanos que se enfrentan a la muerte de su madre de dos maneras
completamente diferentes. Para el primero esta situación le ofrece una posibilidad para sacar provecho cuando le
convenga. Para el segundo, es una cierta angustia pues no sabe si su madre está en el cielo y es por ello una santa.
En este contexto, la acción se desarrolla sobre a las actitudes que los diversos personajes tienen en torno a una
gran cantidad de dinero que se encuentra por casualidad (o enviado por Dios), con el agravante de tener que gastarlo
lo más rápido posible debido a la entrada del euro.  ¿Qué valor tiene el dinero en nuestras vidas? Si escuchamos
atentamente las reflexiones de Damian, veremos que es más importante en nuestras vidas de lo que pensamos. Para
él, “el dinero es un objeto, y los objetos cambian”. No merece más valor que éste.
“Damian va descubriendo que, si el resto de la gente no puede ver a los santos, es precisamente por el apego a
las cosas materiales: eso es lo que les incapacita para acceder a un mundo espiritual. Su hermano, por ejemplo, está
preocupado por obtener cosas, por el aspecto de las chicas en ropa interior, por el modo de obtener más dinero. Su
padre no cree en nada y sus buenas intenciones, su ética laicista, se desmoronan ante los estímulos del mundo. Y
hay una mujer que recauda dinero para los países pobres del Tercer Mundo pero que, a la vista de los millones, no
puede resistirse a su encanto” (tomado de arvo.net).
Damian, desde su ingenuidad y su profunda fe, cree que es Dios quien le ha enviado ese dinero
encomendándole una misión: ayudar los pobres. Es llamativo que no busque otras respuestas más “razonables” al
hallazgo del dinero. ¿Quién sino Dios podría enviarlo? Por ello la consecuencia lógica de ayudar a los pobres. Damian
sólo quiere ser bueno, pero no sabe cómo hacerlo. Y en sus intentos por hacer le bien veremos cómo Santa Clara,
San Francisco de Asís, San Nicolás, los Mártires de Uganda, San Pedro y San José le irán ayudando, orientando y
acompañando incluso cuando llegan los problemas y dificultades. Su hermano Anthony sólo se mueve en el mero
cálculo matemático con un corazón frio e insensible. Para él los pobres no existen donde él vive.
De lo más interesante es la conversación que tiene al final Daniel con su madre cuando ella le dice que “ tener fe
en las personas les hace fuertes”. Además se nos ofrece una reflexión sencilla sobre la santidad. Para ser santo hace
falta un milagro (ya San Pedro le había dicho a Damian que “algo que es un milagro es muy sencillo”). Ahora su madre
le dice a Damian que él mismo ha sido el milagro que ella ha hecho. Y es cierto. Si nos fijamos en los valores que
tiene Daniel, en la manera de enfrentarse a la vida desde la inocencia de un niño, ¿no es eso un milagro?
También merece la pena la manera que tiene Damian de terminar la película, un poco a su manera: toda su
familia disfrutará jugando con aquellos a los que él había ayudado para hacer un pozo. Podría sobrar este final por
parecer algo forzado, pero se le acepta bien desde la perspectiva del cuento de navidad.
Por todo esto Millones es una película vocacional; porque nos ayuda pensar en la santidad como algo sencillo y
cotidiano (que es la vocación de todo cristiano) y de la relación que hemos de tener con las cosas materiales para que
no nos impidan llegar a nuestro objetivo vital (El dinero no mide el valor de las cosas, se puede leer en la cartelera).
Además, es una invitación a vivir desde la inocencia de los niños pues el hacerse como niños es la condición para
entrar en el Reino de Dios y a conocer un poco más de cerca la vida de los santos.
Materiales para trabajar la película
1.Ver y analizar
 ¿Qué sensación te deja la película?
 ¿Quién es Damian? ¿Qué cosas son importantes en su vida?
 ¿Te parece adecuada la manera de presentar la relación que tiene Damian con los santos? Explica tu
respuesta.
830

 ¿Cómo se nos presenta el tema de la santidad?


 ¿Cuál te parece que es el tema-mensaje sobre el que nos quiere hacer reflexionar el director?
 ¿Qué otro título pondrías a la película?
2.Nos interpela
 ¿Te consideras una persona que tiene muchas cosas? ¿Qué experiencia tienes de frustración ante
determinadas cosas por las que has luchado y luego te han defraudado?
 ¿Cómo te planteas el trabajo u oficio que te gustaría hacer? ¿Para ganar dinero?
 En la película aparecen varios santos (Santa Clara, San Francisco de Asís, San Nicolás, los Mártires de
Uganda, San Pedro y San José). ¿Qué sabes de ellos?  Se pueden consultar sus biografías aquí.
 ¿Tienes algún santo/a “favorito” a quien tengas una especial devoción? ¿Por qué?
 ¿Has pensado en serio que Dios te llama a ser santo? ¿Qué consecuencia tiene esto en tu vida de cada día?
 ¿Qué “milagros” puedes hacer en tu vida?
3.Oramos
Desde que mi voluntad está a la vuestra rendida,
conozco yo la medida de la mejor libertad.
Venid, Señor, y tomad las riendas de mi albedrío;
de vuestra mano me fío y a vuestra mano me entrego,
que es poco lo que me niego si yo soy vuestro y vos mío.
A fuerza de amor humano me abraso en amor divino.
La santidad es camino que va de mí hacia mi hermano.
Me di sin tender la mano para cobrar el favor;
me di en salud y en dolor a todos, y de tal suerte
que me ha encontrado la muerte sin nada más que el amor. Amén. (José Luis Blanco Vega)
- Palabra de Dios Mt 25, 31-46
- Momento de silencio para compartir con el grupo lo reflexionado a partir de la Palabra de Dios, el visionado de la
película y su discusión en grupo.
Preparado por Carlos Comendador Arquero
ENTRE EL TERRITORIO DEL MITO Y EL DE LA FE
SELECCIÓN DE ESCENAS
Escena 1. Santa Clara
(Damian en un descampado. Corre a esconderse dentro de unas cajas donde hay un libro titulado “Los santos de las
seis”. Desde el interior ve pasar el tren y su vibración hace mover el habitáculo. Se le aparece Santa Clara,
fumando)
Damian CIara de Asís, 1194-1253.
Clara Muy bien. Yo también tenía una ermita. Iba allí a esconderme. Si alguien me necesitaba, Ie enviaba una visión.
Por eso soy la patrona de Ia teIevisión. Era una especie de teIevisión humana.
Damian ¿Eres Ia patrona de Ia teIevisión?
Clara Me mantiene ocupada.
Damian ¿Allá arriba te dejan fumar?
Clara AIIá arriba puedes hacer Io que quieras. Aquí abajo es donde tienes que esforzarte.
Damian ¿Conoces a Santa Maureen? Es nueva.
Clara No me suena. Pero claro, estamos habIando deI infinito. DeI puñetero infinito. Escucha. (Plano general del
exterior. Se ve un objeto volando. Cae directamente sobre la caja)
Damian (Asustado) Papá.
(Ve que es una bolsa que se abre sola. Está llena de dinero. Damián mira al cielo. Plano del cielo, diractamente al sol,
desde su punto de vista)
Escena 2. San Francisco
(Plano general inclinado de un prado. En la línea del horizonte, Damian llevando unas cajas)
(Plano picado abriendo las cajas. De ellas salen palomas, que echan a volar)
Damian Venga.
(Nuevo plano picado y plano general con el cielo, muy azul. De la linea del horizonte emerge una figura)
Damian Francisco de Asís, 1181-1226. Tú también las soltaste, ¿no?
Francisco Fue mi primer acto de santidad.
(Plano corto de Francisco soltando palomas con sus brazos)
(Plano general con los dos en el horizonte y el cielo al fondo)
Damian ¿CuáI fue eI siguiente?
Francisco Lavar a un Ieproso. Puedes ayudar a Ios pobres, Damian.
(Cambio de plano. En plena ciudad, una chica reparte diarios)
Chica Big Issue, Ayude a Ia gente sin hogar. (Damian le compra un ejemplar)
Chica HoIa.
Damian Quédate con eI cambio.
Chica Gracias. LIevo todo eI día sin comer.
Damian Vamos a Pizza Hut. ¿Vienes? (Su hermano mayor, Anthony, está a su lado)
Anthony No, no viene. Esta chica sólo busca más dinero. No nos queda nada.
Chica No, Ia verdad es que me hace falta una pizza. ¿Puede venir mi amigo?
(Señala un hombre que está agachado, a un lado)
(Cambio de plano. Los hermanos cruzan la calle y van seguidos de la chica, el hombre, y tres hombres más)
(En el interior de la pizzeria. Sobre planos rapidísimos de pizzas oímos cómo todos piden)
Todos “EspeciaI de carne con borde reIIeno”. “Dos”. “Una neoyorquina” . “Un combo”. “Una campesina” . “Pan de ajo
para todos”. “Y poIIo. Para compartir.”
831
Damian ¡Cómo moIa! Anthony creía que por aquí no había pobres.
Chica No somos de aquí. Yo he venido en autobús.
Hombre Yo cojo eI tren.
Chica No me puedo permitir vivir aquí.
Hombre ¿Quién va a pagar todo esto?
Damian Nosotros.
Hombre Debéis de estar forrados.
Damian Sí.
Anthony No. Es eI dinero de su cumpIeaños. Lo tenía ahorrado.
Camarero ¿Postres?
(Todos menos el hermano se lavantan para pedir)
Todos ¡Sí!
Anthony (Poniéndose las manos en la cabeza) ¡No!
Escena 3. San Nicolás
(Damian se encuentra con San Nicolas, repartiendo sobres por los portales, y que habla su propio idioma, subtitulado)
Nicolás Adentro. Adentro.
Damian Eres San Nicolás
Nicolás San NicoIás de Mira. SigIo IV, patrón de Ios marineros. Ah, y Papá NoeI, por supuesto.
Damián No va a caber todo.
Nicolás No importa. Siempre hay pobres entre nosotros.
Damian San NicoIás, ¿conoces a Santa Maureen?
Nicolás ¿A quién? ¿Qué hacía?
Damian Trabajaba en Ia sección de maquiIIaje de SeIfridges.
Nicolás ¿SeIfridges? No me suena, pero es que yo saIgo poco.
Escena 4. Mártires de Uganda
(Damian en el campo lleno de trabajadores negros con ropajes africanos)
Damian ¡Los Mártires de Uganda, 1881!
(Un mártir le da la mano. La lleva totalmente ensangrentada)
Mártir Exacto. Perdona. Me decapitaron. Cuando estaba vivo trabajaba en Ia construcción. No sé quién ha construido
esto, pero es un chapuzas.
Damian Lo he construido yo personalmente.
Mártir A ver qué podemos hacer, pero no te prometo nada.
Damian ¿Por qué no? Sois un montón.
Mártir AdeIante. Bienvenido.
(Damian entra en la parcela, que en realidad es el interior de las cajas. Saluda a otro mártir. Se oyen cánticos de
fondo)
Damian HoIa. ¿Qué cantan?
Mártir 1 Cantan para que IIueva. En mi tierra nataI Ia gente paga Ia décima parte de su saIario por eI agua. Es tan
cara que no pueden Iavarse Ias manos. Y se ponen enfermos. No hacen faIta medicinas ni hospitaIes modernos
para vivir bien. Basta con un pozo. Y 100 Iibras bastan para construir un pozo.
Damian Qué bien. Gracias. (Se marcha)
Escena 5. San Pedro
(Damian en su habitación poniendo billetes en diferentes sobres)
Damian Para los samaritanos. Para Intermon. Para Ayuda Cristiana.
(Por la puerta entra San Pedro)
Pedro Por Dios, no marques Ias casiIIas para que te pongan en contacto con otras organizaciones. Te acosarán.
Damian ¡San Pedro! Muerto en eI 64 d. de C.
Pedro No me Io recuerdes.
Damian Es dinero robado.
Pedro Ya Io sé. Soy eI patrón de Ias IIaves, Ias cerraduras y Ia seguridad en generaI. AIIá arriba también. Soy eI
portero.
Damian ¿Sigue siendo váIido aunque sea robado? ¿Se puede hacer eI bien con éI? ¿O hay que devoIverIo? Creía
que era un miIagro, pero es dinero robado.
Pedro Damian, escucha. Una vez estaba con quien ya sabes: Jesús. Subió aI monte y Io siguió un montón de gente.
Según Ia poIicía, unas 5.000 personas.
Damian Todo eI mundo sabe esa historia. Los panes y Ios peces.
(Damian empieza a ponerse el pijama)
Pedro Sabía que dirías eso. Es Io que dice todo eI mundo.
(San Pedro se fija en unas llaves que hay sobre la mesita)
Pedro ¿Es tuya?
Damian Es Ia IIave de Ia casa vieja.
Pedro CIavija ensambIada. Es una virguería. En fin, se nos acerca un niño, más o menos de tu aItura. Se IIamaba...
No me acuerdo. Aún Ie veo de vez en cuando. Se nos acerca con Ios panes y Ios peces. Eran sardinas. Jesús Ios
bendice y pasa eI pIato.La primera persona a Ia que se Io da se Io pasa a Ia siguiente. No coge nada. Se Io da aI
siguiente. ¿Sabes por qué? Porque tenía un trozo de cordero escondido en eI boIsiIIo. Cuando pasa Ios peces,
saca un trocito de carne y finge que Io coge deI pIato. ¿Entiendes? Y Ia siguiente persona hace exactamente Io
mismo. Todos aqueIIos cabrones tenían comida. Se Io tenían bien caIIadito, cada uno mirando por su propio
interés. Pero cuando eI pIato de sardinas empezó a circuIar, todos sacaron Ia comida y Ia compartieron. EI pIato
pasó por todas Ias manos y voIvió a Jesús, y seguía IIeno de panes y peces. Jesús se sorprendió. Dijo: ''¿Qué ha
pasado aquí?''. Y yo dije: ''MiIagro''. AI principio, creía que Io había engañado. Pero ahora sé que fue un
miIagro.Uno de Ios mejores que ha obrado. AqueI niño se puso de pie y todo eI mundo se engrandeció (hace un
gesto con el brazo). ¿Entiendes?
832
Damian (Metiéndose en la cama) La verdad es que no.
Pedro Me refiero a ti.
Damian Ahora Io entiendo aún menos.
Pedro Te estás empeñando demasiado. AqueI niño no tenía intención de obrar un miIagro. SóIo quería comer. Lo que
parece un miIagro es aIgo muy simpIe.
Damian Pero ¿qué hago con todo esto? Sólo quiero ser bueno.
Pedro No puedo decirte mucho, por Ia cosa deI ''Iibre aIbedrío''. Pero... ¿Ves esta IIave? GuárdaIa bien. ¿VaIe?
HabIaré con eI de arriba. A ver si podemos asignar aIguien a tu caso permanentemente. (Damian se duerme)
Escena 6. Diálogo con el padre
(En la buhardilla de su antigua casa, Damian, Anthony y su padre ante los sacos con el dinero)
Anthony (Señalando a Damian) Lo encontró éI.
Damian Me cayó deI cieIo. Pensé que Io había mandado Dios.
Padre ¿Dios? Dios es su especialidad, ¿no crees? ¿Por qué iba a regalar Dios...?
Anthony 229.320 Iibras.
Padre Madre mía.
Damian Quería dárseIo a Ios pobres, pero es muy difícil.
Padre ¿Por qué no me Io dijiste?
Damian Anthony me dijo que no lo hiciera, por Io de Ios impuestos. (Cambio de emplazamiento. Entrando los tres en
el coche)
Anthony Quedémonos con una parte. Como recompensa.
Padre Sube.
Anthony ¿Qué vas a hacer?
Padre Vamos a devoIverIo. Todo. ¿Qué vamos a hacer si no? No es nuestro. (El coche se pone en marcha)
Escena 7. Diálogo con la madre
(De noche. Plano picado de Damian contemplando cómo arde el dinero en medio de la vía del tren) (Contrapicado del
cielo, con las nubes avanzando muy rápido ante el brillo de una estrella) (El dinero va ardiendo. Damian casi no se
percata que llega el tren y tiene el tiempo justo de saltar de la vía) (Cuando el tren ya ha pasado Damian se
encuentra al otro lado de la vía con su madre)
Damian Sé que eres un sueño, pero me da iguaI. Me aIegro de verte, aunque seas un sueño. (Rostro de la madre
mirándolo con cariño) EI dinero sóIo sirve para empeorar Ias cosas. Tengo una cosa para ti. Es deI Reader's Digest,
Toma. Puede que hayas ganado 10.000 Iibras. HabIa conmigo, por favor.
Madre Cinco minutos. No me interrumpas. Estoy muerta y sé Io que digo. Tienes que usar acondicionador. Tu padre
no piensa en esas cosas, pero son importantes. En cuanto a mí, No debes preocuparte por mí. Estás preocupado
por mí, ¿verdad?
Damian Estoy bien.
Madre Anthony parece haberIo encajado mejor que tú, pero no es cierto. Tiene buen corazón, pero aún no Io ha
encontrado. (Vemos a Anthony en el campo buscando a su hermano)
Anthony ¡Damian!
Madre Te va a necesitar. Sé bueno con éI.
Damian Papá no cree.
Madre ¿En qué?
Damian En nada. Si creyese, no... ¿No puedes habIar con éI?
Madre No me ve.
Damian ¿Por cuIpa deI dinero?
Madre En cierto modo. EI dinero te puede confundir mucho. Como tú bien sabes. No ganas nada. Acabas con Iibros
sobre Ia construcción deI ferrocarriI en EE UU. ¿Te preocupa eIIa? Te preocupa que esté con tu padre. ¿Has
visto Io compIicado que es eI dinero? La gente es aún más compIicada. Recuerda que casi siempre hay suficiente
bien a tu aIrededor para ir tirando. Has de tener un poco de fe. Si tienes fe en Ia gente, Ies haces más fuerte. Y tú
tienes de sobra para Ios tres. Por eso cuento contigo.
Damian En realidad no estoy preocupado por ti. Sólo te echo de menos.
Madre Eso me parece bien.
Damian ¿Eres una santa de verdad?
Madre EI proceso de seIección es muy estricto. No basta con ser buena. Tienes que hacer un miIagro.
Damian Entonces...
Madre Yo cumpIo Ios requisitos.
Damian ¿CuáI es tu miIagro?
Madre ¿No Io sabes? Fuiste tú. (Le besa en la frente. Damian se levanta y echa a andar)
Madre Espera ¿Te vas sin decir adiós? (Damian corre hacia ella y la abraza)
Damian Adiós. (Anthony llega y les ve a los dos. Pasa un tren. Después ya sólo queda Damian, quien mira al cielo)
(Plano del cielo con las nubes pasando ante el brillo de una estrella) (Damian se acerca a Anthony)
Damian ¿La has visto?
Anthony (Asintiendo) ¿Qué te ha dicho?
Damian Que no te preocupes. Que todo va a saIir bien. Está pendiente de ti. Vamos.
Escena 8. Final
(Plano contrapicado del cielo con nubes y un paracaídas con una caja) (Plano picado del paracaídas descendiendo)
Damian (off) Así Ie gustaría a Anthony que acabase Ia historia: con un montón de cosas. Pero no es su historia, sino
Ia mía. Y yo quiero que acabe así.
(El paracídas ha caído en un desierto de África, donde unos nativos se acercan. De la caja salen Damian, su
hermano, su padre y Dorothy)
(Empieza una canción de ritmos africanos cantada por niños)
(Los personajes se acercan a un campamento donde los lugareños manipulan un pozo de extracción de agua. Todos
se acercan con cubos a recoger agua) (Se unen a jugar con ellos, arrojándose agua)
833
(El último plano es una canalización por donde transcurre el agua y fundido en blanco)
CUESTIONES DE ESCATOLOGÍA
A pesar del tratamiento simplista es una película con importantes intereses sobre la temática escatológica
1. La comunión de los santos
La afición del pequeño Ronnie por lo santos le lleva a encontrarse con ellos o imaginarlos. Tras la muerte de su madre
su compañía le ayuda a superar la pérdida. Ellos vendrán en su ayuda. Así una Santa Clara fumadora le prepara para
recibir el dinero. San Francisco le recordará el valor de la ecología. Los mártires de Uganda el sentido de la
solidaridad. San Nicolás la atención a los pobres. Y también San Pedro y San José vendrán en su ayuda cuando es
perseguido. Sencilla pero con interés teológico está presencia de los santos. Más allá de los modelos de identificación
social, futbolistas y estrellas, está la referencia de los hombres de Dios. En la película pertenecen a un mundo propio
de Ronnie y se sitúan en el territorio de la fantasía. Pero lo cierto es que le serán de ayuda y orientación para tener la
inocencia de la bondad.
2. El encuentro con la madre muerta
La madre confirma la certeza de Ronnie, ella está en el cielo junto con todos los santos.El encuentro es un momento
de agradecimiento y de aliento. Su madre le anima en los valores de la generosidad frente al mundo de intereses de
los que le rodean. Ronnie se presenta como el pequeño milagro que su madre ha realizado. Su bondad es el
testimonio del bien. Será el quien tenga que cuidar del mayor, que aparentemente sabe cuidar muy bien de sí mismo.
Encuentro realizado también en el territorio fantástico, está vez tendrá a Damián como testigo. A pesar del tono de
fábula y los recursos de la fantasía el pequeño protagonista es un modelo de fe que invita en su ingenuidad a creer.
3. Los pequeños milagros
Millones plantea un reclamo ético a la solidaridad, aunque por otra parte está plagada de publicidad explícita e
implícita. La crítica al consumo y a la perspectiva de la ambición (representada cómicamente en su hermano)
contrasta con la generosidad y desapego del pequeño Ronnie. El final con el agua que baña a todos es expresión del
milagro de otro mundo posible desde los pobres. Los pequeños milagros son posibles. Así la muy interesante
explicación de San Pedro en torno al milagro de la multiplicación de los panes y los peces nos indica que la utopía se
puede convertir en realidad. Probablemente el estilo es demasiado explícito y además la falta de un lenguaje simbólico
limita la posibilidad de presenta la referencia a Dios, pero a pesar de todo es una película valiosa.
Pedro Sánchez Rodríguez

Minerales de guerra
España (TVE) MB
2009, 38’
'En Portada ' nos lleva hasta República Democrática del Congo, donde una de sus
mayores riquezas, los minerales, desde los más comunes a los más raros y estratégicos,
se han convertido en la principal fuente de sufrimiento para su población, en particular en
el este del país, en las zonas limítrofes con Ruanda, Uganda y Burundi.
Minerales de guerra, es un estupendo documental que nos habla de una de las mayores
riquezas de la República Democrática del Congo, los minerales.
Lo paradójico es que esa riqueza --justamente- es la cuna de sus desgracias, y maquina
de sufrimiento de la población de origen, que dejan sus cuerpos en las minas con el fin de
poder dar de comer a sus hijos, ganando una miseria que, en la mayoría de los casos, no
alcanza para COMER.
La mayor desolación y desgracia se encuentra en las zonas limítrofes con Ruanda, Uganda y Burundi, aunque todo
el país se resiente con la "fiebre" de algunos minerales (como el Coltán y la Casiterita, por ejemplo), que los países
ricos comercializan a precios exageradamente mayores...
Injusticias mundiales que te llevan a reflexionar y recordar que muchos de los congoleños que llegan a nuestras
costas, han sido los que trabajaron duro en la mina para que nosotros podamos tener un móvil de última
generación. Congoleños con unos riquísimos recursos mineros que, lo único que han obtenido a través de ellos es
pobreza y sufrimiento.
Hablamos de seres humanos que sobreviven con menos de un dólar diario y con una esperanza de vida de 43
años...
Por último quién relata la historia, Donato Lywando, un fenómeno, me encantó la manera de abordar el tema.

Miserables Los
TÍTULO
Les Misérables 7.5/10 MB
ORIGINAL
AÑO 2012
DURACIÓN 152 min.
PAÍS GB
DIRECTOR Tom Hooper
William Nicholson (Novela: Victor Hugo:
GUIÓN
Biblioteca Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas históricas)
Hugh Jackman, Russell Crowe, Anne Hathaway, Amanda Seyfried, Eddie Redmayne, Samantha Barks,
Helena Bonham Carter, Sacha Baron Cohen, Aaron Tveit, Isabelle Allen, Daniel Huttlestone, Colm
REPARTO
Wilkinson, Natalya Wallace, Michael Jibson, Bertie Carvel, Tim Downie, Marc Pickering, Patrick
Godfrey, Killian Donnelly, Fra Fee, Gabriel Vick, George Blagden.
PREMIOS 2012: 3 Oscar: mejor actriz reparto (Hathaway), maquillaje y sonido. 8 nom.
2012: Globos de Oro: Mejor película musical, actor (Jackman), actriz sec. (Hathaway)
2012: 4 Premios BAFTA, incluyendo actriz secundaria (Hathaway). 9 nominaciones
834

2012: Critics Choice Awards: Mejor actriz secundaria (Hathaway). 11 nominaciones


2012: Satellite Awards: 3 premios, incluy. actriz de reparto (Hathaway).
2012: National Board of Review (NBR): 10 mejores films y Mejor reparto
2012: Críticos de Los Angeles: 2ª posición en mejor actriz sec. (Hathaway)
2012: American Film Institute: Top 10 - Mejores películas del año.
2012: Directors Guild of America (DGA): Nominada a Mejor director
GÉNERO Musical. Drama | Drama de época. Pobreza. Siglo XIX
El expresidiario Jean Valjean (Hugh Jackman) es perseguido durante décadas por el despiadado
policía Javert (Russell Crowe). Cuando Valjean decide hacerse cargo de Cosette, la pequeña hija de
SINOPSIS
Fantine (Anne Hathaway), sus vidas cambiarán para siempre. Adaptación cinematográfica del famoso
musical 'Les miserables', basado a su vez en la novela homónima de Victor Hugo.
Como fiel adaptación de un musical tan querido, 'Les Miserables' dejará muy satisfecha a su legión de
fans. La miseria y la agitación de la Francia de principios del siglo XIX se transmiten con una viveza
de la que Victor Hugo estaría orgulloso.
Además de ser una fiesta para los ojos y los oídos, 'Les Misérables' rezuma humor, desamor, una
emocionante acción y un encantador romance.
Las almas sensibles en busca de emociones dolorosas tienen garantizados sus momentos Kleenex.
Pero aparte de la escena de apertura, no saldréis contentos desde el punto de vista cinematográfico.
Soberbio Hugh Jackman. Hooper patina con esos alocados zooms a lo 'Moulin Rouge'. Y es una pena,
porque 'Los Miserables' es una gran película que podía haber sido excepcional, como el Musical..
CRÍTICAS
Hooper tampoco demuestra que sepa qué hacer con una cámara para rodar un musical. Hooper
plantea un melodrama cantado, no un musical. Es lo más semejante a una película muda enganchada
a los primeros planos de sus sufrientes protagonistas, extrayéndoles las emociones como un vampiro.
Sobrecarga emocional, barroquismo en las formas y un avasallador sentido del star-system. Es difícil
que el público ganado de antemano se sienta decepcionado. No obstante, la caligrafía visual del
director plantea más de un problema.
Realza el limitado registro vocal de algunos actores (en especial, Russell Crowe) y las carencias del
director Hooper convence más en los momentos íntimos, en los que la proximidad del gesto se carga
de sentido, en especial por Anne Hathaway".
Tratamiento de la fe cristiana
Cuando la injusticia se cierne sobre Jean Valjean y, posteriormente, en torno a Fantine, ambos se
cuestionan el papel de Dios, su aparente falta de auxilio. Poco a poco, va quedando patente que Éste
no es indiferente a los sufrimientos humanos, que actúa, pero lo hace con sus misteriosos tiempos y
maneras.
Uno de los puntos principales de Los miserables es la redención; la de un hombre, Valjean, que
entrega su alma a Dios. Su perseguidor, Javert, también quiere servir al Altísimo en su celo por cumplir
la ley. Sin embargo, ni las leyes terrenales son siempre justas, ni tiene una pizca de la misericordia del
hombre a quien persigue.

Misión La
TITULO ORIGINAL The Misión 7.6/10 MB
AÑO 1986
DURACIÓN 125 min.
PAÍS GB
DIRECTOR Roland Joffé
REPARTO Robert De Niro, Jeremy Irons, Aidan Quinn, Liam Neeson,
Ronald Pickup, Ray McAnally, Cherie Lunghi, Chuck Low.
GÉNERO Y CRÍTICA 1986: 1 Oscar: mejor fotografía. 7 Nominaciones: película, director,
fotografía, montaje, música, decoración, vestuario. Cannes:
Palma de Oro / Drama. Aventuras. Histórica
SINOPSIS: América, siglo XVIII. La Misión se encuadra en la jungla tropical que está por
encima de las cataratas de Iguazú. Allí un jesuita, el padre Gabriel -Jeremy Irons-, sigue el
camino de un jesuita crucificado, sin más armas que su fe y una flauta. Al ser aceptado por
los indios guaraníes, Gabriel crea la misión de San Carlos. A sus seguidores se une Rodrigo
Mendoza -Robert De Niro-, extraficante de esclavos, mercenario y asesino, que encuentra
su redención entre sus antiguas víctimas, convirtiéndose a su vez en jesuita. Después de
años de luchar juntos, se ven divididos por posturas opuestas en una dramática batalla por
la independencia de los nativos. Uno confía en el poder de la oración. El otro cree en la
fuerza de la espada.
América, siglo XVIII. La Misión se encuadra en la jungla tropical que está por encima de las cataratas de Iguazú.
Allí un jesuita, el padre Gabriel -Jeremy Irons-, sigue el camino de un jesuita crucificado, sin más armas que su fe
y una flauta. Al ser aceptado por los indios guaraníes, Gabriel crea la misión de San Carlos. A sus seguidores se
une Rodrigo Mendoza -Robert De Niro-, extraficante de esclavos, mercenario y asesino, que encuentra su
redención entre sus antiguas víctimas, convirtiéndose a su vez en jesuita. Después de años de luchar juntos, se
ven divididos por posturas opuestas en una dramática batalla por la independencia de los nativos. Uno confía en el
poder de la oración. El otro cree en la fuerza de la espada.
Los diferentes pasos y caminos de la misión en el seguimiento de Cristo, descubiertos en cercanía al
pueblo indígena y en medio de los ataques del poder institucional. Bella y conmovedora recreación de las
Reducciones del Paraguay de la Compañía de Jesús en el siglo XVIII.
835

Soberbia banda sonora, excepcional fotografía, y un impresionante trabajo actoral, para un guión en ocasiones
un tanto simple, pero muy eficazmente descrito en imágenes. Juzgada superficialmente como una especie de duelo
entre una “Iglesia contemplativa y resignada” y una Iglesia más próxima a la “teología de la liberación”, el paso del
tiempo permite valorar su contenido esencia: el compromiso de la Iglesia con la difusión del mensaje de Cristo, el
carácter universal de ese mensaje, la identificación de la Iglesia con los débiles, los indefensos, y los perseguidos, y la
total entrega de sus sacerdotes a la extensión del reino de Cristo. Gran trabajo de Jeremy Irons y de Robert de Niro, y
con ellos de secundarios que empezaban a dejar de serlo, como Liam Neesin y Aidan Quinn. Inolvidable banda sonora
de Ennio Morricone. Excelente fotografía de Chris Menges. Una gran película.
Temas de debate:
Una profunda reflexión sobre el poder, la naturaleza de la fe, la justicia y el amor. Porque la idea medular del
filme se apoya en la secuencia del himno de la Caridad de San Pablo. “Si el poder tiene la razón –afirma el
padre Gabriel–, entonces no hay lugar para el amor en este mundo”.
¿Qué alcances morales y filosóficos posee esta frase? Es un buen ejemplo para plantear los temas del
martirio, la conversión y la redención. También respecto de los criterios evangelizadores sustentados por los
dos sacerdotes.
FICHA DIDÁCTICA
1. OBJECTIVOS PEDAGÓGICOS
 Conocer las contradicciones existentes dentro de la Iglesia católica en el proceso de evangelización de la
población indígena de América.
 Conocer los debates que se produjeron durante el proceso de conquista y colonización sobre la naturaleza
de la población indígena de América.
 Reflexionar sobre el papel de la religiosidad en el proceso de colonización de América.
2. CLAVES DE TRABAJO PARA EL PROFESORADO
El contexto en el que se sitúa la película es el de las contradicciones entre los Estados y distintos sectores de la
Iglesia Católica en el proceso de colonización de América a mediados del siglo XVIII. A partir del episodio del
acuerdo de transferencia de territorios entre España y Portugal se plantea que los jesuitas estarían dificultando
el proceso de colonización y acceso a la mano de obra indígena en los territorios que estaban pasando a ser
controlados por los portugueses. Algunas misiones de los jesuitas, en las cuales trataban de evangelizar a la
población indígena, se habían acabado convirtiendo en un refugio para estos frente a los intentos de otros
sectores de los colonizadores para esclavizarlos. En este contexto, la jerarquía de los jesuitas se encuentra en la
disyuntiva de apoyar la labor de sus misiones y enfrentarse a Portugal, o bien acceder a los deseos de estos y
desautorizar a sus misiones. El riesgo es que si no acceden pueden acabar siendo expulsados de Portugal, con
toda la pérdida de poder e influencia que esto podría suponer. La argumentación formal para dirimir su posición
versará sobre la naturaleza de la población indígena, cuestionando si los indios pueden ser considerados seres
humanos o no. Al final, la película nos informa del genocidio que acabaron sufriendo los pueblos indígenas en
América Latina.
La película ofrece varios niveles de lectura y problemáticas a tratar:
 Un primer nivel de lectura sitúa el debate sobre la consideración y el trato que merecen los indígenas
entre los distintos sectores colonizadores.
 Un segundo nivel se sitúa alrededor de las distintas posiciones de la Iglesia frente al poder del Estado y
frente a la población indígena: entre aquellos que optan por estar con los pobres y aquellos que forman
parte del poder y justifican lo que sea necesario para mantenerse en él.
 Un tercer nivel de lectura pone de manifiesto las distintas posiciones por las que opta este sector de la
iglesia identificada con la población indígena una vez estalla claramente el conflicto y se ordena la
destrucción de las misiones, dejando a los colonizadores libre acceso a la mano de obra indígena para su
beneficio privado. Mientras unos optan por la vía pacífica, otros lo harán por la vía de la resistencia
armada. Esto nos sitúa ante un dilema moral que algunos sectores de la iglesia católica se han planteado
desde los tiempos de la conquista hasta la actualidad: la legitimidad o no del uso de la violencia por parte
de los oprimidos frente a los opresores. La posición del director es claramente favorable a ese sector de
la iglesia identificada con la población indígena, pero la película no resuelve este polémica a favor de
ninguna de las dos posiciones, en la medida que tanto la una como la otra fracasan en su intento de
defenderse de los colonizadores.
 Un último nivel de lectura de la película plantea la evolución de la población indígena frente a los
colonizadores, tanto los misioneros más sensibles a la causa indígena como los otros. A pesar de que la
película ofrece una lectura positiva de los jesuitas de las misiones, a partir de aquí puede plantearse la
discusión sobre el papel que jugó en su conjunto la Iglesia Católica en el proceso de conquista y
colonización de América Latina. Un tema destacado es el proceso de adaptación y relectura de la propia
tradición cultural y religiosa de la población indígena frente a la cultura y la religión de los
conquistadores.
3. ELEMENTOS DE DEBATE
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 ¿Qué posiciones y argumentos aparecen en la película en el debate sobre la naturaleza de los indígenas?
 En el fondo, ¿cuáles son los intereses de unos y otros?
 ¿Por qué la jerarquía de los jesuitas acaba accediendo a los deseos de los colonizadores de desmontar las
misiones?
 ¿Cuál es la evolución del personaje interpretado por Robert de Niro?
 ¿Qué resultado tiene la resistencia a la destrucción de las misiones?
 ¿Cómo evoluciona la relación entre los indígenas y los jesuitas?
 ¿Conoces otras experiencias en las que la Iglesia Católica se haya dividido entre posiciones favorables a
los oprimidos y posiciones que estarían al lado, dando apoyo y legitimando el poder establecido?
 ¿Cómo acaba para la población indígena este proceso de conquista y colonización?

“Si la violencia es lo que cuenta, entonces no tengo fuerzas para vivir en un mundo así…
Así pues, vuestra santidad, vuestros sacerdotes están muertos...y yo sigo vivo. Pero en verdad soy yo quien ha muerto, y ellos son
los que viven. Porque como ocurre siempre, los espíritus de los muertos sobreviven en la memoria de los vivos.”
Esquema para diálogo en: Azuela.Un modo nuevo de saborear el cine
Ficha sobre “El mal personal y el mal social” EE1 en Uriarte.Cine para creer.doc

Misma Luna La
TITULO ORIGINAL Under the Same Moon (La misma luna) 6.8/10 MB
AÑO 2007
DURACIÓN 109 min.  
PAÍS
DIRECTOR Patricia Riggen
REPARTO Kate del Castillo, Adrián Alonso, Eugenio Derbez, Isaac Bravo,
Mario Almada, Maya Zapata, Carmen Salinas, America Ferrera
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Inmigración. Niño mexicano busca a mamá en EEUU.
SINOPSIS: Con la esperanza de dar una vida mejor a su hijo, Rosario trabaja de manera
ilegal en los Estados Unidos, mientras que su madre cuida de Carlitos en México.
Circunstancias inesperadas llevan tanto Rosario como a Carlitos a embarcarse en sus
propias travesías, en un desesperado intento por reunirse. Por el camino, la madre e hijo se
enfrentan a retos y obstáculos, pero nunca pierden la esperanza que algún día estarán
juntos.
De visita en la ciudad de México, Riggen charló con La Jornada. Señaló que su película, que habla
sobre la migración de mexicanos hacia Estados Unidos surgió “con la intención de conmover; mucha
gente me cuestionó sobre hacer una cinta que tratara el tema de la migración, que era un tema muy
manoseado. Les respondí que es como el de la guerra y que se podría abordar desde muchas
perspectivas; yo lo abordé por el del desmembramiento que sufren las familias cuando la madre
abandona a sus hijos para irse a trabajar a Estados Unidos”.
La cineasta extiende su respuesta: “También me han preguntado si está basada en una historia
real; existen en Estados Unidos cuatro millones de mexicanas migrantes que se han visto forzadas a
abandonar a sus hijos, o sea, La misma Luna está basada en cuatro millones de historias reales. Esta
cantidad es como si existiera una ciudad completa de madres sin hijos en Estados Unidos y otra de
hijos sin madre en México, lo cual me parece una injusticia terrible”.
La misma Luna sigue la historia de un niño de nueve años educado por su abuela en México,
porque su mamá trabaja ilegalmente en Estados Unidos. Cuando la abuela muere, el pequeño
emprende un viaje para rencontrarse con su madre. El filme está protagonizado por el niño de nueve
años Adrián Alonso, Kate del Castillo, Eugenio Derbez, América Ferrera y Los Tigres del Norte.
Patricia Riggen considera: “Mi punto de vista sobre el tema es diferente, porque es desde la
mirada de un niño; pero sobre todo la diferencia está en el tono en que está narrada la película.
Estamos acostumbrados a ver cintas de migración que son muy oscuras y deprimentes, que son
crueles; esta película es muy luminosa, positiva y llena de esperanza. La hice para que le gustara a los
migrantes no para agradar a los que viven en la colonia Condesa, a los que observan desde la
comodidad de una sala de cine VIP… Quise hacer una película que le gustara a los migrantes, por lo
tanto son personajes bellos, solidarios, capaces de reírse de su situación, son humanos. Además metí a
los actores que les gustan y la música que escuchan, como Los Tigres del Norte.
“La película aún no se estrena, pero es muy importante que llegue a ese público, porque es su
historia… creo que habrá opiniones de que es muy comercial, pero no es esa la intención, nunca pensé
en hacerla, porque ya tenía un trato con un estudio para que me financiaran la película, pero me
querían hacer unos cambios en la parte creativa, de contenido y en el casting, así que rechacé el dinero
y decidí el camino independiente.”
Mover y conmover
La autora del documental Retrato de familia, que aborda el tema de la pobreza de los negros en
Harlem, precisa: “El guión de La misma Luna cambió mucho de cómo lo recibí a cómo lo filmé, pero
esencialmente trataba de la separación de una madre y su hijo por motivos económicos. Supe que
había una buena historia para hacer lo que a mí me gusta: mover y conmover. No hay relación más
fuerte que la de una madre con un hijo y, por lo tanto, no hay dolor más fuerte que su separación. Y
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como en todas las historias de amor se necesita que se junten; así construí esta historia”.
Inconforme con sus palabras anteriores, suelta: “La película no es explícitamente política, me
concentré en el lado humano de un problema político. Quise convertir la estadística en algo con lo que
uno se puede identificar, que es exactamente lo que pasa con Elvira Arellano: la madre y el hijo
separados, para hablar de un caso específico”.
Patricia Riggen finalizó: “La película no critica explícitamente las políticas migratorias del gobierno
estadunidense, como la construcción del muro fronterizo, a la cual me sumo. Más bien trata de llamar
la atención sobre la idea de que el problema está en el gobierno de México, que tiene la responsabilidad
de ver por sus ciudadanos; preguntarnos qué está haciendo mal, para que millones de trabajadores
mexicanos emigren a Estados Unidos en condiciones adversas. Es una muestra de inequidad, injusticia,
desesperanza… nadie deja lo más preciado de su vida, como son los hijos, y México les niega esa
esperanza a todos esos millones de mexicanos migrantes.
“Qué estamos haciendo mal en nuestro país que tiene al millonario número uno del mundo y otros
tantos en el top 100; además México es el segundo país en comprar autos de superlujo, de esos que
valen más 500 mil dólares, en la ciudad de México hay tres tiendas de diamantes Tiffannys cuando en
Nueva York hay una… para mí eso es indignante. Hay que comenzar a responsabilizarnos de lo que
estamos haciendo como gobierno y sociedad”.

Misterio (la sombra) de la libélula El


TITULO ORIGINAL Dragonfly 5.7/10 EXC
AÑO 2002
DURACIÓN 90 min.
PAÍS
DIRECTOR Tom Shadyac
REPARTO Kevin Costner, Susanna Thompson, Joe Morton, Ron Rifkin,
Linda Hunt, Kathy Bates
GÉNERO Y CRÍTICA Intriga. Drama. Esposa fallecida de médico le pide que vaya…
El jefe de urgencias del Chicago Memorial Hospital, el Dr. Joe Darrow (Kevin Costner) es un
respetado experto en traumatología. Pero su dilatada experiencia profesional no le sirve de
mucho cuando su mujer fallece trágicamente. Emily Darrow (Susanna Thompson), que
también es médico, se encontraba en misión cuando falleció en accidente de autobús en una
carretera de montaña de Venezuela. Seis meses después de su muerte, el cuerpo de Emily
sigue sin aparecer y Joe no consigue superar el dolor por su pérdida. Entonces empieza a
captar señales que parecen indicar que ella quiere comunicarse con él. Una extraña forma
abstracta empieza a aparecer en todo lo que rodea a Joe. Parece decirle que debe mirar
más allá de lo que tiene ante los ojos si quiere encontrar la respuesta a sus preguntas.
"Mientras la película me robaba el tiempo, creí oir una misteriosa voz, y sentí una poderosa
atracción hacia la luz. La luz de la salida: 'He venido del más allá para advertirte: esta
película dura 90 minutos, y la vida es muy corta."
Cuando un ser amado muere, ¿se va para siempre?
Como jefe del servicio de emergencia del Chicago Memorial Hospital, el Dr. Joe Darrow (Kevin Costner) es un respetado
experto en trauma y en determinar la prioridad de los pacientes para tomar acción. Pero sus conocimientos profesionales le
proporcionan poco consuelo cuando trágicamente pierde la vida su esposa. Siendo doctor ella también, Emily Darrow (Susanna
Thompson) estaba en una misión médica de solidaridad cuando murió en un accidente de autobús en un camino remoto en una
montaña en Venezuela. Joe se opuso a que ella hiciera el viaje y ahora sólo puede imaginarse lo peor cuando piensa en sus
últimos momentos.
Seis meses después de su muerte, el cuerpo de Emily aún no ha sido recobrado y Joe se ha encerrado en sí mismo. Su
comportamiento profesional está empezando a sufrir debido a que se ha insensibilizado con turnos maratónicos de 20 horas, siete
días a la semana. Su comportamiento cada vez más variable obliga al administrador del hospital, Hugh Campbell (Joe Morton), a
ordenarle a Joe a tomar unas vacaciones y a sosegarse.
A pesar de los esfuerzos de amigos que los estiman, de la familia y de Miriam Belmont (Kathy Bates) que vive al lado, Joe
permanece aislado por la tristeza no expresada. Recuerdos de Emily están por todas partes, entre ellos imágenes de libélulas
[dragonflies], su emblema protector o tótem personal debido a una marca de nacimiento en el hombro. Solo en su laberíntica casa,
Joe se espanta una noche cuando el atesorado pisapapeles de Emily en forma de libélula cae de una mesa de noche al suelo, casi
como si hubiera sido empujado.
El malestar de Joe se agudiza cuando visita a los antiguos pacientes de Emily en el pabellón pediátrico de oncología. Joe le
prometió visitar a los niños cuando Emily se marchó a Venezuela, y ahora que los conoce, lo sorprenden con todo lo que saben
acerca de él y de su vida. Para ellos, él no es un agotado doctor de emergencias, sino el ‘Joe de Emily’.
Joe se siente particularmente conmovido por Jeffrey, un niño que ha estado al borde de la muerte numerosas veces. Él
alega que ha visto a Emily "dentro de un arco iris" y que ella se está tratando de comunicar con Joe. Luego otro niño se recobra
después de estar a punto de morir con una historia sumamente similar, y al igual que Jeffrey, está obsesionado con dibujar una
misteriosa forma abstracta apenas recobra el conocimiento. Esa extraña forma empieza a aparecer en otros contextos en el mundo
de Joe, como avisándole que debe ver más allá de lo ordinario para encontrar las respuestas a sus preguntas.
Aquellas preguntas incomodan prácticamente a todos, excepto a la Hermana Madeline (Linda Hunt), una monja Católica que
ha estudiado a profundidad las experiencias de la gente que ha estado cerca de la muerte. Despedida del hospital después de que
la prensa exagerara su trabajo, ayuda a Joe a ver que no está perdiendo la razón. Mientras otros le dicen que limpie los roperos,
que vacíe los cajones y que continúe con su vida, la Hermana Madeline entiende que Joe y Emily podrían tener asuntos
inconclusos y que ninguno de los dos descansará hasta que sean resueltos.
Con esa idea firme en la mente, Joe puede finalmente dar el siguiente paso en su vida, con fe en lugar de hechos como
guía. Y ese paso hace nada menos que cambiar su vida para siempre.
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Misterio de Picasso El
Título original Le Mystère Picasso 7.2 B
Año 1956
Duración 75 min.
País  Francia
Director H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot)
Reparto
Documentary, Pablo Picasso, H.G. Clouzot (AKA Henri Georges Clouzot), Claude
Renoir
Género Documental | Pintura
Sinopsis
Esta película pone al alcance de los espectadores la posibilidad de contemplar la
técnica y el modo de trabajar de Picasso, uno de los genios del siglo XX. Rodada en el estudio del pintor
malagueño mediante novedosas técnicas cinematográficas, muestra pincelada a pincelada, el nacimiento de
una obra de arte.

Misterios del Rosario


LOS MISTERIOS GOZOSOS (1)
LOS MISTERIOS DOLOROSOS (2)
LOS MISTERIOS GLORIOSOS (3)
La apremiante y poderosa historia del Evangelio es
presentada en tres videos con cinco segmentos de 20
minutos cada uno.
Estas obras fueron filmadas en España en 1957
con la participación de un gran reparto.
Dirigidas por Joseph Breen.
Patrick Peyton, su promotor, fue un sacerdote sencillo,
devoto y perseverante perteneciente a la Orden de la Santa
Cruz, quien dedicó su vida a fortalecer a la familia a través de la oración. Deseaba que familias en todo el
mundo abrieran sus corazones y sus hogares a Nuestra Santa Madre y rezaran el rosario juntas diariamente.
El siervo de Dios, el padre Patrick Peyton, CSC fue conocido como "el Padre del Rosario." Él sabía que las
familias que rezaban juntas tenían ideales espirituales y morales en común y que podían contar con el apoyo
de la gracia de Dios y de la amorosa guía y protección de Nuestra Señora. Familias en todo el mundo
respondieron prontamente a su mensaje: "La familia que reza unida, permanece unida."
Los Misterios Gozosos – Volumen 1. La Anunciación, La Visitación; La Natividad, La Presentación en
el Templo, y Jesús es hallado en el Templo.
Los Misterios Dolorosos – Volumen 2. La Agonía en el Huerto, La Flagelación, La Coronación de
Espinas, La Cruz a Cuestas y La Crucifixión.
Los Misterios Gloriosos – Volumen 3. La Resurrección, La Ascensión, La Venida del Espíritu Santo,
La Asunción, y La Coronación.

Moisés 1 - Los años del Exilio


Moisés 2 – La tierra prometida
Titulo original: Moses MB
Director : Roger Young
Interpretes :: Ben Kingsley, Frank Langella, Christopher Lee, Anna Galiena,
Enrico Lo Verso.
Duración 1 hora 34 minutos
Pais y año: EE.UU, República Checa, UK., Francia, Italia, Alemania, España /
1996
Narra las historias más importantes del viejo testamento. Aparecen
escenas tan familiares como: el descubrimiento de Moisés en el Nilo, las
plagas, el milagro del Mar Rojo...y la anunciación de los Diez Mandamientos
en el Monte Sinaí.
Cuando el faraón ordena asesinar a todos los bebés varones de los esclavos hebreos, una madre
coloca a su hijo en un cesto a la deriva del Nilo, con la esperanza de salvar su vida. El bebé es recogido
por la hija del faraón, quien lo adopta como suyo llamándolo Moisés. Años después, Moisés ocupa un
lugar privilegiado en la corte del faraón. Desde su alta posición desaprueba los abusos de los egipcios
hacia el pueblo hebreo, en el que más tarde descubre sus raíces. Tras matar fortuitamente a un soldado
egipcio defendiendo a su hermano Aarón, huye al desierto, donde espera que Dios le muestre el camino
a seguir.
Producción televisiva de dos capítulos que forma parte de una serie de filmes sobre la Biblia. En el
reparto figuran actores de la valía de Christopher Lee, Frank Langella y el oscarizado Ben Kingsley como
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Moisés, un personaje que ha tenido destacadas adaptaciones como Los diez mandamientos (1956) o la
película de animación El príncipe de Egipto.
Tratamiento de la fe cristiana
Cuando Moisés recibe el mandato de Dios de liberar al pueblo de Israel de la esclavitud, responde que
tiene demasiadas limitaciones para conseguir tal fin. Sus dudas no carecen de fundamento, pero para
Dios nada hay imposible y la fuerza que necesita la encuentra abandonándose en un Dios que le auxilia.
La confianza en el Señor vuelve a ser recurrente, una y otra vez, en el duro periplo del pueblo
hebreo. Incluso tras ver signos extraordinarios como las siete plagas, la apertura del Mar Muerto o la
caída del Maná, a los hebreos les cuesta entregarse a Dios. Moisés se esfuerza para que su pueblo
acepte la Ley del Señor no por obligación, sino con libertad y por amor.

Moisés: Dios presente entre los oprimidos, pide compromiso con ellos
Texto bíblico: Ex 3,1-17; 4,1.10-14
Aclaraciones
El trasfondo de este nuevo paso en el conocimiento de Dios es una dura realidad de esclavitud y opresión en
Egipto (Ex 1,13-16), peor aun que la que sufrimos hoy muchos pueblos. Entonces les reventaban de trabajo de
forma que no tuvieran tiempo ni de pensar. No gozaban ni del derecho a tener hijos varones.
En la religión egipcia la gente pensaba que los dioses ayudaban con sus favores sólo a los poderosos. La
esclavitud era vista como maldición de los dioses. El Dios de Abrahán, en cambio, que había pedido que se fiaran
de él y se comportaran como hermanos, dice que él, a diferencia de los otros dioses, ve la humillación del pueblo,
escucha sus gritos, conoce sus sufrimientos y baja para liberarlos.
Pero esa liberación no la realiza directamente, venida de lo alto en forma milagrosa, sino a través de
personas concretas: “Ve, Yo te envío”. Y a pesar de las muchas resistencias que pone Moisés, Dios insiste en
comprometerlo a favor de sus hermanos oprimidos.
Algo así nos pide también Dios a nosotros. Y, como Moisés, solemos poner como pretexto que no somos
nadie, que no estamos instruidos, que no nos van a creer, que no sabemos expresarnos bien, por lo que rogamos
que envíe a otros, pero el Dios de Moisés insiste en que no tengamos miedo, pues él estará siempre al lado
nuestro para ayudarnos.
Este Dios se llama a sí mismo Yavé, o sea, “Yo soy el que estoy activo en medio de ustedes, los marginados y
explotados...” Su presencia es completamente distinta a la de los otros dioses... Los dioses de Egipto viven en los
palacios, legitimándolos; Yavé vive entre los marginados, ayudándoles a salir de sus esclavitudes.
Dialogo
a) ¿En qué se parecen los problemas de aquellos esclavos a los problemas que tenemos nosotros
hoy? Enumerarlos, si podemos...
b) ¿Conocemos a gente que busca a Dios sólo en medio de los ricos? ¿Qué pensamos de ellos?
¿Dónde realmente pensamos que actúa Dios?
c) ¿En qué se parecen las resistencias de Moisés a nuestras propias resistencias para escuchar el
llamado de Dios para comprometernos a favor de nuestros hermanos?
d) ¿Por qué el Dios bíblico insiste tanto en el compromiso a favor de los marginados y explotados?
e) ¿Sentimos el sufrimiento de la gente como un llamado de Dios? ¿Qué estamos haciendo para
ayudar a que nuestra gente se libere de sus esclavitudes?
Orar el mensaje: Credo, perdón, peticiones, gracias, alabanzas:
 Creemos, Señor, que tú ves la humillación del pueblo,
escuchas sus gritos, conoces sus sufrimientos y bajas para liberarnos.
 Creemos que te duele de forma especial el sufrimiento de todos los oprimidos de la tierra.
 Creemos que estás presente en todo lo que lleve a una auténtica liberación.
 Ayúdanos a superar nuestros miedos para poder aceptar tu llamamiento.
 Ayúdanos a prepararnos bien para poder comprometernos a favor de los más explotados.
 Gracias por las organizaciones populares que nos ayudan a defender nuestros derechos.
Seguir improvisando algunas oraciones más…
JL Caravias, Catequesis bíblica para jóvenes

Moisés y los 10 mandamientos (Serie TV)


Novedad
Título original: Os Dez Mandamentos (TV Series) 4.3 B
Año 2015
País  Brasil
Director Alexandre Avancini, Daniel Ghivelder, Vivianne Jundi, Armé Mamente, Michele
Lavalle, Hamsa Wood
Guion Joaquim Assis, Emílio Boechat, Alexandre Teixeira, Vivian de Oliveira, Altenir
Silva,Maria Cláudia Oliveira, Paula Richard
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Reparto
Guilherme Winter, Camila Rodrigues, Sérgio Marone, Giselle Itié, Gabriela Durlo,Denise Del Vecchio, Larissa
Maciel, Tammy Di Calafiori, Juliana Didone, Petronio Gontijo, Vera Zimmermann, Sidney Sampaio, Victor
Pecoraro, Barbara França, Mel Lisboa, Pérola Faria, Roberta Santiago, Zécarlos Machado, Angelina Muniz, Paulo
Gorgulho, Lizandra Souto, Adriana Garambone, Nanda Ziegler, Marina Moschen,Dayenne Mesquita, Samara
Felippo, Edu Pinheiro
Género Serie de TV. Drama | Antiguo Egipto. Biblia. Religión. Histórico. Sobrenatural.Telenovelapsis
Serie de TV. La historia comienza en la ciudad de Pi-Ramsés, en Egipto, alrededor del año 1.300 A.E.C., cuando el
poderoso faraón Seti I manda a asesinar a todos los recién nacidos de sexo masculino. Un matrimonio hebreo,
compuesto por Amram y Jocabed, desafía la orden del faraón y esconde a su hijo en un canasto que flota por el río
Nilo, confiando en que Dios lo llevaría a un lugar seguro. El canasto lleva al bebé hasta las manos de la princesa
Henutmira, quien se conmueve ante la imagen del niño huérfano y decide adoptarlo. Moisés se cría como un
verdadero príncipe egipcio junto con su tío Ramsés y la hermosa Nefertari, cuya belleza y encanto cautivan a
ambos hombres. 
Esta novela brasileña tuvo dos temporadas, la primera dividida en tres fases y con 176 episodios, y la
segunda divida en dos fases y con 66 episodios.

Moisés y los diez mandamientos: La película


Novedad
Título original Os Dez Mandamentos: O Filme B
Año 2016
Duración 120 min.
País  Brasil
Director Alexandre Avancini
Guion Vivian de Oliveira
Reparto Guilherme Winte, Sérgio Marone, Camila Rodrigues, Giselle Itié, Petronio
Gontijo,Denise Del Vecchio, Tammy Di Calafiori, Juliana Didone, Gabriela
Durlo, Samara Felippo, Paulo Figueiredo, Roger Gobeth, Paulo Gorgulho, Aisha
Jambo, Isabella Koppel, Paula Lafayette, Mel Lisboa, Zécarlos Machado, Larissa
Maciel, Heitor Martinez, Angelina Muniz, Floriano Peixoto, Edu Pinheiro, Kiko
Pissolato, Sidney Sampaio, Rafael Sardão, Enzo Simi, Nanda Ziegler, Vera
Zimmermann
Género Drama. Fantástico | Biblia. Religión
Sinopsis: Espectacular superproducción de la época que narra la historia bíblica de Moisés, favorito de la familia del
faraón, que decide renunciar a su vida de privilegios para conducir a su pueblo elegido hacia la libertad. Versión
largometraje de la exitosa serie de TV, pero con escenas inéditas y un final diferente.
Críticas: El mayor éxito del cine brasileño en su año.
"Esto es, en verdad, televisión en gran formato y no cine, lo que no quiere decir que sea del todo cuestionable:
solo es anómalo y puede requerir de algo más que fe para completar los nudos vacíos que dejan las elipsis
forzadas y sin éxito de esta "resumitón"

Monja de cuidado Una


TÍTULO ORIGINA Sister Act 4.7/10 B
AÑO 1992
DURACIÓN 100 min.
PAÍS  
DIRECTOR Emile Ardolino
REPARTO Whoopi Goldberg, Maggie Smith, Harvey Keitel, Bill Nunn,
Kathy Najimy, Wendy Makkens, Richard Portnow, Robert Miranda.
SINOPSIS Deloris Van Cartier (Whoopi Goldberg) es una mediocre cantante de
cabaret. Su amante Vince ha cometido un crimen, y ella decide
acogerse al programa policial de protección de testigos.
Así, Deloris consigue una nueva identidad como monja en un convento que, tan sólo con su
presencia, perderá su habitual tranquilidad.
CRÍTICAS Típico vehículo de lucimiento para Whoopi Goldberg. Obtuvo un gran éxito de taquilla.
Una cantante brusca y deslenguada, Deloris Van Cartier (Whoopi Goldberg) presencia un asesinato y, desde
entonces, su vida corre peligro. Para protegerla, las fuerzas de seguridad optan por camuflarla en un convento de
monjas, donde se convertirá en la hermana Mary Clarence. La nueva integrante de la hermandad no tardará en
revolucionar a sus compañeras a ritmo de rock.

Molino y la cruz El (AKA El molino del tiempo)


Título original: Mlyn I Krzyz (The Mill and the Cross) 6.1/10 B
Año: 2011
Duración: 92 min.
841
País: Polonia
Director: Lech Majewski
Reparto: Rutger Hauer, Charlotte Rampling, Michael York, Joanna Litwin, Dorota Lis,
Bartosz Capowicz, Mateusz Machnik, Marian Makula, Sylwia Szczerba,
Wojciech Mierkulow, Ruta Kubas, Jan Wartak, Sebastian Cichonski
P
Drama Histórico. Cine épico
La película se inspira en la obra "Cristo cargando la cruz" del pintor flamenco Pieter
Brueghel "el Viejo". Se eligieron doce personajes del cuadro y sus historias se
combinaron con los avatares de la creación de la tela. Majewski pintó los decorados y
se utilizó lo último en técnicas digitales para incorporar a los actores al mundo de
Brueghel. La película se exhibió en Sundance.
Premios: 2011: Festival de Sevilla: Premio Especial del Jurado
Críticas: "Majewski penetra en el interior de la obra para recrear su génesis realiza un bellísimo zoom multiangular
por la obra de Brueghel, deteniéndose en cada detalle. Fausto Fernández: Fotogramas
"Es un espectáculo en sí misma, una pequeña y extraña joya desde el punto de vista formal hipnótica

Bruegel prepara un nuevo cuadro, una de sus grandes concepciones con centenares de personajes. Una tela de araña le proporciona la
idea conceptual; los acontecimientos históricos serán el fondo.
El molino y la cruz es una rareza para público minoritario, quizá tan minoritario que resulta
excesivamente selectivo. No se puede encuadrar en ningún género determinado porque su expresión
está alejada de los parámetros narrativos y se acerca más a términos pictóricos.
Lech Majewski toma el cuadro del Camino del Calvario de Peter Bruegel, el Viejo, e intenta
animarlo, interpretándolo, imaginando vidas a sus personajes.
Una parte del metraje es una mirada sobre la crucifixión de Jesucristo. Pero ni siquiera podemos decir
que se trata de un drama. El director lo contempla como un elemento más de la composición de la
pintura, no como tema central en sí. Además esa crucifixión no es más que una comparación con la
situación histórica del momento, cuando los Países Bajos, bajo el dominio de España, se debaten entre
Reforma y Contrarreforma.
El intento de contención del rey de España, la violencia que se desencadenó, es contemplada por
Bruegel (¿o por la visión de Majewski sobre lo que cree que pensaba Bruegel?) como una
comparación con la crucifixión. De modo que la muerte de Jesucristo, en realidad, más que
contemplarse del modo tradicional, acontece desde el clásico problema religioso-político de las
sociedades que aún no han descubierto cómo separar Iglesia y Estado.
Y si la lectura de la crucifixión se trata en clave política, fría, aséptica, con distanciamiento, el resto de
vidas de los personajes no trasciende más allá de lo meramente costumbrista.
En realidad la película no tiene mucho fondo. Escasa de contenido (probablemente de forma
intencionada) es mucho más interesante por su estilo, un continuo juego visual en el que se entrelaza
realidad y pintura y donde el espectador no sabe dónde empieza el paisaje natural y dónde comienza la
imagen pictórica.
En este sentido, lo que más destaca es una labor de fotografía impresionante y un trabajo descomunal
de vestuario. Es evidente que el director está mucho más interesado en engañar al ojo del espectador,
buscando las cualidades pictóricas del cine, que en cualquier otro aspecto.
La película es fría, casi sin diálogos. No hay evolución en el guión. Es una película para contemplar. La
imagen, a veces, se detiene durante largo tiempo o realiza lentos travellings con los personajes
inmóviles, detenidos en su pose. Sólo algún niño travieso, algún caballo, se mueven ligeramente. El
director se ensimisma demasiado en su propia película para mostrarnos lo bien que lo hace. Pero es
otro tipo de cine diferente, muy personal (Majewski dirige, fotografía, pone música, participa en el
guión), que tiene su interés.
Rutger Hauer y Charlotte Rampling encabezan el reparto, pero la frialdad de la propuesta no deja
mucho espacio para que muestran sus posibilidades interpretativas. Realmente, la dirección de actores
no va más allá de lo necesario para que los personajes se identifiquen, lo más posible, con las pinturas
de Bruegel.
Lo mejor: Su extravagante propuesta radical.
Lo peor: La falta de centro, de ese anclaje que Bruegel tenía y la película no.
La idea del film del polaco Lech Majewski se ubica a mitad de camino entre lo descriptivo y lo didáctico y toma
como punto de partida una de las creaciones más conocidas del pintor holandés Pieter Brueghel (Padre). “Procesión
al calvario”, óleo de gran tamaño y compleja estructura, está a punto de cumplir 450 años y en ella se representa el
Via Crucis de Cristo en un contexto anacrónico: el sometimiento del pueblo de Flandes (hoy Bélgica) a manos de los
soldados españoles, poco antes del comienzo de la Guerra de los 80 años.
El largometraje de Majewski se presenta desde sus primeros minutos como un proyecto serio, grave, adusto. Y
que utiliza hasta el límite de sus posibilidades, casi como una obsesión, la textura hiperrealista de las cámaras de alta
definición, cortesía de un trabajo de fotografía fusionado con la más pura ingeniería digital. Si el objetivo desde lo
visual es “meterse” en la pintura, observar cada uno de sus pormenores, la película imagina asimismo la vida cotidiana
de algunos de sus habitantes, en viñetas que van de lo banal a lo trágico. El film aclara y explica contextos,
particularidades, causas y consecuencias a través de tres personajes: el mismo Brueghel, interpretado por Rutger
Hauer, su mecenas (Michael York) y la mismísima Virgen María (Charlotte Rampling). Son esos tres veteranos de
varias guerras –acompañados por un ejército de anónimos extras polacos– quienes se explayan ocasionalmente con
palabras en un film que sólo las utiliza en contadas ocasiones, pero que precisamente en esos momentos abandona
por completo cualquier inquietud experimental para entrar de lleno en el terreno de lo pedagógico.
842
Por momentos, El molino y la cruz parece una versión remozada de aquellos tableaux vivant que el cine
primitivo adoraba reproducir cinematográficamente, pura pose y gesto grandilocuente. La calidad iconográfica que
adquiere cada uno de sus planos y secuencias recubre al film de una pátina de autoindulgencia técnica que no logra
esconder su esterilidad estética y falsa profundidad discursiva. No hay aquí ninguna reflexión sobre el proceso
creativo; menos aún un retrato sobre una época y su cosmovisión. Apenas un aliciente para buscar y admirar alguna
reproducción del “calvario” original. Para finalizar con otra cita, El molino y la cruz se asemeja al sueño hecho realidad
del cineasta que en Pasión, de Godard, intenta llevar a la vida fílmica una serie de famosas pinturas barrocas.
Casualmente, ese personaje de ficción era polaco como Majewski y su proyecto estaba destinado al fracaso desde un
primer momento.

Molokai: La historia del Padre Damián


TITULO ORIGINAL Molokai: The Story Of Father Damien 5.6/10 MB
AÑO 1999
DURACIÓN 113 min.  
PAÍS Australia
DIRECTOR Paul Cox
GUIÓN John Briley (Libro: Hilde Eynikel)
REPARTO David Wenham, Sam Neill, Peter O'Toole, Kris Kristofferson,
Derek Jacobi, Tom Wilkinson, Leo McKern, Kate Ceberano, Jan Decleir.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Religión. Biográfico. Desde 1873 apóstol de los leprosos.
SINOPSIS: Narra la historia del Padre Damián, sacerdote católico que en 1873 viajó a la isla
de Molokai, en Hawai, para dedicar su vida a los enfermos de lepra allí confinados.

Molokai la isla maldita


TITULO ORIGINAL Molokai, la isla maldita 4.9/10 MB
AÑO 1959  
DURACIÓN 105 min.  
PAÍS España
DIRECTOR Luis Lucia
GUIÓN Luis Lucia, Jaime García Herranz (Historia: Jaime García Herranz)
REPARTO Javier Escrivá, Roberto Camardiel, Gerard Tichy, Marcela Yurfa,
Nani Fernández, Ángel Aranda, María Arellano
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Religión. Enfermedad. Biográfico.
SINOPSIS: A finales del 1800, un comité de higiene de Hawaii había decidido que todo
enfermo de lepra debía de pasar el resto de su vida en la isla de Molokai, alejados de sus
familias, en una tierra de nadie donde imperaba solo la ley de la fuerza y de la muerte. Es
allí donde por propia voluntad llega en una goleta el padre Damián, belga, sacerdote de la
congregación de los Sagrados Corazones. El sacerdote ha decidido dedicar todo su tiempo a
la población leprosa de esta pequeña isla del archipiélago de Hawaii...
El Padre Damián (Javier Escrivá) llega a la isla de Molokai en 1873 para ocuparse de los leprosos obligados a vivir 
en esta isla del archipiélago de Hawaii.
Después de muchos años de lucha, logra llamar la atención de las autoridades y consigue mejorar las
condiciones de vida de estos enfermos. La película plantea el enfrentamiento de la bondad del padre Damián,
que acabará contagiándose, y la maldad del leproso Blum (Roberto Camardiel) que se ocupa de la
administración de la isla.

Momentos de una vida (Boyhood)


Título original: Boyhood 7.5 MB
Año 2014
Duración 166 min.
País Estados Unidos
Director Richard Linklater
Guión Richard Linklater
Reparto
Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard,
Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother, Evie Thompson, Tess Allen, Megan
Devine, Fernando Lara, Elijah Smith, Steven Chester Prince, Bonnie Cross, Libby
Villari, Marco Perella, Jamie Howard, Andrew Villarreal, Shane Graham, Ryan Power
Género Drama | Infancia. Adolescencia. Familia. Cine independiente USA
Sinopsis
Drama filmado a lo largo de 12 años (2002-2013) pero únicamente en 39 días de
rodaje. Es la historia de Mason (Ellar Coltrane) desde los seis años y durante una
década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios,
primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro
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y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el
paso del tiempo.
Premios
2014: Premios Oscar: 6 nominaciones incluyendo Mejor película y director
2014: 3 Globos de Oro: Mejor película - Drama, director y actriz sec. (Arquette)
2014: Premios César: Nominada a Mejor film extranjero
2014: Premios BAFTA: 5 nominaciones incluyendo Mejor película
2014: Premios Guldbagge: Nominada a Mejor película extranjera
2014: Festival de Berlín: Mejor director
Críticas
"Linklater ha creado una misteriosa cápsula del tiempo, invitando a los espectadores a revivir su propia educación a
través de una serie de recuerdos artificiales. 
'Boyhood' es una epopeya sobre lo ordinario, una película que puede resultar normal momento a momento, pero
que se convierte en algo muy especial en su totalidad.
Menudo logro tan asombroso; menuda película tan hermosa.
Es una narración dramática fascinante y única en su género: una hermosa estratagema de película.
Inquebrantable, ingeniosa y muy sentida, la película va a estar pagando dividendos emocionales durante mucho,
mucho tiempo.
Linklater se tomó su tiempo para completar este hermoso y simple proyecto. Y se lo premiamos con nuestra
completa atención. 
'Boyhood' es una obra maestra épica que parece totalmente despreocupada en tratar de serlo.
Habla de personas que conoces, tal vez de gente como tú.
El relato de Richard Linklater sobre el paso hacia la mayoría de edad es la mejor película del año, un punto de
inflexión de cuatro estrellas que se ha ganado un sitio en la cápsula del tiempo cultural.

Monseñor. El Último Viaje de Oscar Romero


Director: Ana Carrigan y Juliet Weber MB
Duración: 88 minutos
Año: 2011
Reportaje muy crudo.
Tal vez sin intención, o al menos sin esfuerzo, la película es una hagiografía, un
registro de una vida santa. Es una sorprendente recopilación de película de los últimos
tres años de vida de Romero, no sólo del arzobispo mismo sino de muchas patrullas
del ejército y madres de los desaparecidos, de la guerrilla en movimiento y, sobre
todo, de esas misas inolvidables donde el diminuto y poco llamativo arzobispo leía en
voz alta el parte de las atrocidades del gobierno mientras cientos de campesinos
harapientos y perseguidos escuchaban con gratitud cómo al fin se les reconocía el
sufrimiento y la existencia.
La Red Nacional Salvadoreña en el Exterior RENASE-WDC presenta un nuevo
documental: "Monseñor, el último viaje de Oscar Romero", conmemorando el día del
salvadoreño en el mes de agosto. El documental de 87 minutos, dirigido por Ana
Carrigan y Juliet Weber, narra la historia de la represión en ascenso a finales de la
década de los años 70 en El Salvador; es una historia que refleja cómo la gente tomó
la opción de organizarse para enfrentarse al régimen en turno.
La película que presenta a Monseñor Romero rodeado de campesinos que lo amaban y a quienes el también
amó, se centra entre el nombramiento de su posición como Arzobispo y su muerte. En el documental se utilizó
material de archivo de sus homilías y actividades, como material que muestra la represión a los campesinos y
testimonios de personas cercanas hasta el momento de su muerte.
Aparecen diferentes personajes: campesinos, líderes de la Iglesia, miembros del gobierno, sacerdotes,
soldados y miembros de la guerrilla que lucharon en el Frente de Liberación Nacional Farabundo Martí (FMLN).
Con este pueblo no cuesta ser pastor", es una cita de Romero y efectivamente él se enamoró de su pueblo, y
decidió dedicar su vida a los pobres, se mantuvo fiel al verdadero llamado del Evangelio de mostrar el amor y la
opción preferencial por los pobres. San Romero de América predicó la filosofía de la no violencia, las
bienaventuranzas y el mensaje evangélico del amor al prójimo, y por su fidelidad a Cristo y a la Iglesia de Cristo.
Fue asesinado por la derecha de esa época, convirtiéndose en un "mártir del evangelio y de su pueblo.
Ahora presentamos este valioso documental en Washington DC, en un momento en que en Estados Unidos
hay una gran oleada de odio y discriminación por las comunidades de color y en especial por los inmigrantes.

Entrevista a Robert Pelton CSC, director del documental “Monseñor, el último viaje de Óscar
Romero”
Publicado el 20 octubre, 2010 en Actualidad por Valentina Justiniano
Si bien existen varias películas sobre este personaje, esta es la primera que va más allá del género clásico de
una biografía filmada pues logra explorar y sondear el significado contemporáneo de la trágica muerte y el
legado de vida de Monseñor Romero. Además, muestra a los campesinos como personajes fundamentales de
la historia y como fuente inspiradora de la misión de Oscar Romero.
De visita en Chile, conversamos con su director, el norteamericano Robert Pelton CSC. Pelton es profesor de
teología y dirige el Instituto Kellogg de la Universidad de Notre Dame.
¿Cómo surge la idea de hacer este documental?
Fue una idea que tenía hace bastante tiempo dando vueltas. Desde hace veinticinco años tenemos en la
Universidad unos días en honor a Monseñor Romero en los que hacemos charlas, conferencias y otras
844

actividades. Este 2010 se cumplen treinta años desde su asesinato en marzo de 1980, y era una excelente
fecha para presentar el documental.
¿Cómo fue el trabajo de producción?
Yo soy teólogo, experto en la Iglesia de América Latina y especialmente del El Salvador, pero tuve que
formar un equipo de profesionales para llevarlo a cabo. En primer lugar está Ana Carrigan, con mucha
experiencia en documentales, además es la realizadora de la premiada película “Roses in December”, sobre la
vida de la misionera Jean Donovan y su asesinato en El Salvador. Emanuele Pasquale, con treinta años de
trabajo en la BBC. Juliet Weber y Gene Palumbo, un periodista que ha trabajado más de veinte años como
corresponsal de distintas guerras y que conoce muy bien la zona de San Salvador..
¿Cuánto tiempo duró el trabajo?
Desde el inicio y hasta el estreno, fueron cuatro años.
¿Dónde obtuvieron el material?
Las imágenes las solicitamos de dos formas: una, en el archivo que tiene la oficina de canonización de
Monseñor Romero y la otra, comprando fotos estuvieran con todos los permisos legales. Esto, porque
queremos llevar la película a todos los festivales que sea posible, y es muy importante tener los permisos al
día.
¿Qué fue lo más difícil de realizar en estos años de trabajo?
Conseguir el financiamiento.
Aquel largometraje de Pixar de hace más de diez años que trató de una manera muy original el tema del
miedo. Cómo olvidar aquellos monstruos tan humanos y encantadores como Sully y Mike Wazowski, a los
sorprendentes Waternoose y Randall, como a la pequeña y tierna Boo. Y todo lo que en esta bella película
aprendimos sobre los miedos, los prejuicios, la amistad y la confianza.
Con excepción de Boo a estos personajes los volvemos a encontrar en Monsters University, cuando estos
monstruos eran jóvenes estudiantes. En aquella Sully y Boo eran los protagonistas, aquí es Mike. A este
simpático monstruo verde, redondo, con un sólo ojo lo conocemos desde pequeño, cuando en una excursión
de su escuela va a Monster, inc. y no le queda la menor duda que él quiere ser un asustador profesional.
Monsters University nos evoca a tantas películas desarrolladas en el ambiente universitario con sus pugnas,
competencias, fraternidades y alianzas. Por supuesto los realizadores –como ya es costumbre en Pixar-
hicieron investigación y fueron a conocer las instalaciones y actividades de algunos campus universitarios
para crear esta universidad de monstruos con sus jardines, biblioteca, aulas, maestros (la decana
Hardscrabble, estupenda en su caracterización)… y toda las historias que puede haber en este espacio del
saber.
Visualmente la película es estupenda y entretenida y, como todas las películas de Pixar, llena de valores. Al
acompañar a Mike en sus esfuerzos por entrar al Programa de Sustos podemos ver su tenacidad en los
estudios, su apertura a los demás (sobre todo a los excluidos y marginados), su confianza y liderazgo, su
honestidad y creatividad. Desde Monster, inc. sabemos que Mike no logra llegar a ser un asustador
profesional… pero en la universidad y luego en la empresa Monster, inc. encontrará su vocación y su misión
en la cual se realizará como monstruo, por no decir como persona.
A nivel de guión Monsters University no tiene el impacto y la fuerza de Monster, inc., pero sí es una película
muy disfrutable para verse en familia y permite una buena reflexión sobre la vocación.
Sergio Guzmán, S.J. Monterrey, N.L. a 5 de julio de 2013.

Moolaade (Protección)
TITULO ORIGINAL Moolaade 7.6/10 EXC
AÑO 2004  
DURACIÓN 117 min.  
PAÍS Burkina Faso
DIRECTOR Ousmane Sembene
REPARTO Maimouna Helene Diarra, Fatoumata Coulibaly, Salimata Traore,
Dominique T. Zeida, Mah Compaore
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Rebeldía contra ablación genital femenina.
Ambientada en un pueblo de Burkina Faso, un film de un
veterano director de 81 años (muy conocido en África y en
algunos festivales de cine) que relata la historia de una dura
mujer africana que protege a las niñas de la ablación genital
femenina.
"Es un filme claramente deudor de formas de hacer a las que estamos poco acostumbrados,
pero que se ve con prístina claridad, que se comparte sin esfuerzos; que constituye, en fin,
una imprescindible herramienta de denuncia y conocimiento.
"Una película bien accesible, el desarrollo de la acción no tiene nada de naif. Sembene
aplica una mirada sabia, serena y colorista a sus personajes.
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En la película vemos como una aldeana que en su día no permitió que le practicaran la ablación a su hija, acoge en su
casa a unas cuantas niñas apoyándose en su derecho de protección. Esta mujer lucha hasta la saciedad para impedir la
mutilación de estas niñas, prácticamente todo el pueblo está en contra de ella, sobre todo los hombres, que en una
sociedad predominantemente machista por tradición ven en esto una sublevación de la mujer. La película es una crítica a
la sociedad machista que todavía pervive en muchos países en vías de desarrollo y que los hombres quieren mantener
valiéndose de la ocultación de la información a base de tratar a los medios como una mala influencia.

FICHA DIDÁCTICA
1. Objetivos pedagógicos
 Valorar la capacidad cambio y resistencia inspirada en las propias tradiciones culturales.
 Entender la situación de conflicto interno que viven las sociedades de los distintos pueblos del Sur, alejándose
de una supuesta uniformidad.
 Informar sobre la situación de opresión y dominación que viven las mujeres en determinadas sociedades, así
como su capacidad de lucha para cambiar dichas situaciones.
2. Claves de trabajo
Moolandé es una película realizada y producida en África, por africanos y, fundamentalmente, pensada para un
público africano. Esto nos permite, de entrada, una aproximación a un mundo rural totalmente distinto al que nos
presentan la mayoría de películas comerciales norteamericanas que llegan a las pantallas de cines o a nuestras
casas. Gracias a esta película podemos ver cómo son las casas de la gente de este pueblo, cómo cocinan, cómo
trabajan, cómo comen, cómo obtienen el agua, cómo son sus relaciones matrimoniales. Y también nos muestra la
complejidad social de estas sociedades, con sus diversas instituciones y leyes. Un primer nivel de interés de esta
película es la posibilidad que nos ofrece de observar todos estos aspectos que configuran la vida cotidiana de gran
cantidad de familias africanas.
La película plantea en forma de controversia varios temas de enorme interés como son la denuncia de la
ablación, el debate existente en las sociedades africanas en torno al peso de la tradición y la modernidad en su
desarrollo y, finalmente, la lucha de las mujeres rurales africanas por transformar las relaciones de dominación que les
son impuestas por los hombres.
La denuncia de la ablación constituye el cuerpo narrativo fundamental de la película. En una entrevista su
director, el senegalés Ousmane Sembene, afirma: "Acabamos de entrar en el siglo XXI y las mutilaciones genitales
femeninas siguen vigentes en más de veinticinco países africanos repartidos en el este, norte, oeste y sur del
continente entre los cincuenta y cuatro miembros de la OUA reconocidos por la ONU." La ablación no es una práctica
común para la mayoría de la población musulmana, sólo de determinados sectores que le confieren una dimensión
religiosa a una práctica claramente dirigida al control y dominación de las mujeres por parte de los hombres. Collé, la
protagonista del film, argumenta ante la Purificadora, la mujer encargada de las mutilaciones, que ella misma sufrió las
consecuencias de la ablación, provocándole problemas en el parto. De hecho, la ablación (además de de la gravedad
en sí que conlleva la mutilación genital) puede implicar graves problemas de salud, tanto cuando se está realizando
(herramientas poco apropiadas, falta de anestesia) como posteriormente (infecciones crónicas, dolores, etc.), y de tipo
psicológico y de desarrollo personal.
Esta práctica, como cualquier otro mecanismo de control y dominación, se acostumbra a sustentar sobre todo
un entramado ideológico que lo justifica y que le da sentido. En la película vemos cómo la ablación se entiende como
una forma de "purificación" de la mujer y cómo se sanciona a aquellas mujeres que no han pasado por este ritual,
conocidas como bilakoro, impidiendo que sean aceptadas en matrimonio. Conocida como "salindé" en lengua
mandinga, ésta, según el propio Ousmane Sembene, "es un gran acontecimiento en la vida de una mujer y suele
tener lugar a los siete años, bajo la mirada condescendiente de los hombres. Nada es bastante bonito ni bastante caro
para la fiesta que se celebrará para la ocasión. Durante las dos semanas que preceden a la entrada en el bosque
sagrado, las madres y las tías preparan psicológicamente a las niñas para que aguanten el dolor sin gritar, sin
quejarse. Deben controlar y dominar la mordedura viva y abrasadora del cuchillo. Si puede con el dolor, la joven
demostrará que de mujer sabrá sobreponerse a los tormentos y las aflicciones de la existencia. La salindé coloca a la
niña al nivel de esposa. Alcanza la cima de la honorabilidad, entra en el círculo de las madres colmadas, la eleva al
rango de realeza. La mujer que ha pasado por la ablación simboliza la pureza. Es un honor para su marido, para su
familia."
En la película se muestra claramente el peso de la tradición en la realización de esta práctica. La discusión del
Consejo de ancianos y notables, máximo órgano de poder en la comunidad, sobre la demanda de las "purificadoras"
contra Collé ilustra claramente esta idea. En su exposición inicial la "Purificadora" afirma: "La purificación es una
tradición. Nadie puede oponerse a una tradición." A partir de ahí, los argumentos girarán principalmente en torno al
respeto o no de la tradición. En otro momento, el mismo cuñado de Collé trata infructuosamente que ésta retire su
protección a las niñas, tras lo cual se queja a la primera esposa de su hermano menor diciéndole: "La segunda esposa
carece de modales. Es una maleducada. La purificación se remonta a tiempos inmemoriales, pero ella está empeñada
en desafiar la tradición. Prefiero morir antes que verlo."
La película se opone tanto a la mutilación como a cualquier forma de discriminación vinculada a ésta. La misma
Collé le dice a su hija en un determinado momento: "No te avergüences de ser una bilakoro. Perdí a tus dos hermanas
en el parto. Te di el nombre de la doctora que te salvó la vida al nacer. Tuvo que rasgarme de aquí hasta aquí para
sacarte. La purificación no es buena. Ser una bilakoro no te impide ser una buena esposa, una buena madre, ni saber
cuidar de tu marido." Y esta es la posición del director de la película: denunciar la ablación como mecanismo de
control de las mujeres. Al respecto considera: La "salindé" permite a los hombres controlar la fidelidad y la sexualidad
de sus mujeres. Personalmente, creo firmemente que debe abolirse la práctica de la ablación."
Otro de los temas fundamentales que plantea la película es el debate y tensión existente en las sociedades
africanas entre la conservación de la tradición o su abandono a favor de procesos de modernización de tipo
Occidental. En muchas ocasiones hemos oído argumentos favorables a considerar que los problemas de pobreza de
las zonas rurales de los países del Sur, y especialmente en África, están motivados por el peso de la tradición cultural
de estas sociedades. Se considera entonces que, para alcanzar la modernidad, es necesaria la superación de dichas
tradiciones y costumbres entendidas como una carga del pasado. En esta película, sin embargo, la relación entre
tradición y modernidad no se presenta en términos tan maniqueos, sino que adopta otra perspectiva mucho más
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compleja e interesante. En ella encontramos ejemplos de distanciamiento tanto de determinados aspectos de la propia
tradición como de la modernidad Occidental. Ejemplos de lo primero los encontramos en diversos momentos y resulta
sencillo identificarlos. Además de la ablación u otras formas de violencia o sometimiento de las mujeres por los
hombres, la destrucción de las radios simboliza el miedo de éstos ante lo que consideran una amenaza de contagio
con otras formas de pensar y entender el mundo. Al respecto hay una secuencia en la película que resulta ilustrativa.
Mientras continúa la localización y destrucción de radios por parte los hombres de la comunidad, dos mujeres hablan
sobre ello y una se pregunta: "¿Sabes por qué les ha dado por quitarnos las radios?" Y la otra contesta: "Los hombres
quieren encerrar nuestro pensamiento". Este distanciamiento con los elementos más conservadores de la propia
tradición resulta, de este modo, bastante evidente.
Pero al mismo tiempo, la película también incluye otras situaciones que nos ayudan a tomar distancia con
respecto a los referentes de modernización Occidental. Para ello el personaje del comerciante al que llaman
Mercenario resulta clave. Los diálogos entre éste e Ibramina, el joven llegado de África, por ejemplo, ilustran esta idea.
Para justificar lo caro que cobra las barras de pan (lo que Ibrahima entiende que es un robo y un abuso), éste contesta
sarcásticamente: "Has estado en Europa. Sabes lo que significa globalización y mercado libre". En otro momento,
cuando el Mercenario le cuenta a Ibrahima porqué le echaron del ejército, explica que "nos mandaron a la enésima
misión de paz con la ONU, íbamos a Oriente Próximo, y nos dimos cuenta, mis compañeros suboficiales y yo, de que
los oficiales se quedaban con parte de nuestro sueldo. Total, me convertí en el portavoz. Armamos tanto jaleo que nos
devolvieron lo nuestro. Pero ahí no acaba la cosa. Me la tenían jurada. Me metieron 6 años en el trullo y me echaron
del ejército de por vida." Pero en la película no sólo aparece este distanciamiento, sino también la atracción de mucha
gente africana siente hacia Occidente y sus riquezas, representada en la forma cómo la comunidad recibe a Ibrahima
cuando éste llega de Francia. Además de la secuencia de su bienvenida, destaca un diálogo que mantiene un padre
con su hijo en presencia de Ibrahima. El padre le explica que Ibrahima vive en Francia, a lo que añade: "de mayor,
también irás a Francia, allí hacen el dinero."
La posición de Sembene en esta tensión entre tradición y modernidad es más matizada y compleja. Al respecto
afirmó: "los gobiernos no ofrecen proyectos a la sociedad, y la gente se deja seducir por el liberalismo a ultranza en el
que no tiene cabida la cultura. África imita a Francia y va hacia atrás. Por eso insisto en que debemos mirarnos. Como
todos los pueblos de este planeta, tenemos fuerza y cualidades. No debemos alejarnos del mundo. Debemos rehusar
vivir en una autarquía, pero sabiendo lo que es bueno para nosotros y llevarlo a cabo." Abrirse al mundo pero desde
nuestra propia realidad y con referentes autóctonos. Esta parece ser la visión con la que el director de Moolaandé
resuelve la controversia planteada. Y el final de la película, con el contraste entre la visión del minarete y la antena de
televisión resulta elocuente. Al respecto, Sembene ha afirmado: "La antena de televisión dice claramente que África
no puede quedarse replegada sobre sí misma. Debe abrirse al futuro. Debemos cambiar de comportamiento, pero
nosotros debemos decidir para nosotros."
Y partiendo de esta idea de mirarnos hacia nosotros, las propuestas de cambio y desarrollo deben llevarse a
cabo con el rescate de la propia tradición, de aquellos aspectos de la propia cultura que ayudan a avanzar hacia una
vida mejor. Esta propuesta en la película se plantea a través del recurso que hace Collé de la figura del moolaadé.
Según el propio Sembele "el moolaadé expresa la noción de derecho de asilo. Es la protección que se da a alguien
que huye. Se nos ha transmitido por tradición oral a través de los cuentos, las historias, las leyendas y los enigmas
que se cuentan de generación en generación. Es una convención oral con valor jurídico reconocida por todos desde
tiempos inmemoriales. Sus reglas, leyes y decretos están grabados para siempre en la conciencia. Portador de
presagios funestos, ningún hombre, mujer o niño se atreve a ignorarlo. Sólo el castigo público del poseedor del
moolaadé permite alejar la amenaza."
El tercer tema que pone en evidencia la película es la lucha de las mujeres rurales africanas por generar
cambios y mejorar su vida. El ejemplo de Collé en contra de la ablación acabará siendo seguido por la gran mayoría
de mujeres de la comunidad que se rebelan frente a los hombres y las normas impuestas. Resulta interesante ver
cómo la propia tradición aporta recursos y herramientas para la transformación de la sociedad. Esto es importante, por
cuanto a menudo desde el mundo Occidental se habla de defender los derechos de las mujeres de los países
africanos, pocas veces se rescatan y toman en cuenta los esfuerzos de ellas mismas por generar cambios a favor de
una mayor equidad sin abandonar por completo su propia cultura.
Más allá de esta dimensión de resistencia y lucha más evidente, la película también permite darnos cuenta de la
importancia que tiene en las sociedades rurales la articulación de espacios propios de las mujeres, en los que realizan
un determinado trabajo (como cargar agua, lavar, etc.) y que además permiten compartir, charlar, divertirse y salir del
aislamiento, algo básico para poder generar cambios de forma colectiva. El pozo en torno al que se juntan las mujeres
en esta película es este espacio de encuentro y autonomía. Resulta especialmente significativo que al principio de la
historia, Umy, una de las niñas que solicita la protección de Collé, cuente que cuando iban al pozo de la comunidad a
por agua oyeron a las mujeres cómo contaban que ella se había opuesto a la ablación de su hija y que por eso
decidieron pedirle protección. En muchos países del Sur estos momentos y espacios son fundamentales en la vida de
las mujeres rurales, algo que la película refleja muy bien.
3. Elementos de debate
 ¿Cuáles son los aspectos de la película que más te han sorprendido e interesado?
 ¿Qué opinión te merece la práctica de la mutilación genital femenina? ¿De qué manera ésta se vincula a la
dominación de los hombres sobre las mujeres? ¿Crees que está relacionada una cosa con la otra?
 ¿Crees que debe permitirse esta práctica por parte de inmigrantes africanos residentes en países europeos
como una forma de respeto a su cultura?
 ¿Cuál es la posición del director de la película con respecto al debate existente en las sociedades africanas
sobre si deben mantener el respeto a la tradición y a las costumbres o bien optar por su abandono y
encauzarse por la senda de la modernización occidental? ¿Y cuál es tu opinión al respecto?
 ¿Cómo entiendes la reacción de los hombres de destruir todas las radios de la comunidad? Por qué lo hacen?
 ¿Cómo entiendes el final de la película en la que se muestran de forma contrastada el minarete y una antena
de televisión?
 ¿Qué crees que ha querido decir el director con este final?
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 ¿Cómo valoras la reacción de la comunidad ante la llegada de Ibrahima procedente de Francia? ¿A qué
responde la reacción que suscita su llegada?
 ¿Qué te parece el hecho que la lucha de las mujeres contra la ablación se plantee con el recurso de otra
figura de la tradición como es el moolaadé? ¿Crees que esto puede plantearse como una posición política
sobre de qué forma deben desarrollarse los países pobres? Y si es así, ¿cuál es tu opinión al respecto?
 ¿Cuáles son las diversas formas de organización y resistencia de las mujeres de la comunidad para hacer
frente a la ablación?

Moon
TÍTULO ORIG. Moon 7.1/10 MB
AÑO 2009
DURACIÓN 97 min.  
PAÍS GB
DIRECTOR Duncan Jones
GUIÓN Duncan Jones, Nathan Parker
REPARTO Sam Rockwell, Kaya Scodelario, Matt Berry, Malcolm Stewart,
Benedict Wong, Dominique McElligott, Robin Chalk, Kevin Spacey
PREMIOS 2009: BAFTA: Mejor debut de autor británico (Duncan Jones).
Nominada a mejor film británico.
2009: Sitges: Mejor película, actor (Sam Rockwell), guión y mejor diseño de producción
GÉNERO Ciencia ficción. Clonados cuidan de mina en la Luna. Brutalidad capitalista.
SINOPSIS Moon está ambientada en un futuro no muy lejano, y nos presenta a un astronauta (Sam
Rockwell) que se encuentra aislado en la luna durante un periodo de 3 años en una
excavación minera. Su contrato está a punto de finalizar, pero algo empieza a ir mal y
descubrirá un terrible secreto que le concierne.
Esta fascinante alucinación te va atrapando y te golpea fuerte. 'Moon' es una potente
CRÍTICAS provocación que se apoya en ideas en lugar de trucos de ordenador para resultar excitante.
La han hecho como se solía hacer - un novedoso estallido de ciencia-ficción a la vieja escuela,
rebosante de ideas y con la vuelta estelar de Rockwell.
No hay acción, apenas aventura, tan sólo una pizca de emoción, y, en materia de intriga, su
sorpresa final se ve venir desde mitad del trayecto.
Una elegante marcianaza. Pese a sus eclipses y cráteres, mantiene un tono (o tonillo) y una
actitud retro e 'hipnótica' de lo más prometedores como para seguir la pista de este director.
Más que interesante película, atmósfera desasosegante y desazonadora. Lo mejor:
Probablemente sea cuestión de presupuesto, pero la ausencia casi total de efectos especiales
da mayor credibilidad a la historia.
Ciencia ficción en estado puro
Encontrar un diamante dentro del género de la ciencia ficción es bastante complicado. Pero esos diamantes persisten en
el tiempo y son recordados entre los amantes del género.
Desde mi punto de vista la ciencia ficción sirve no solo para entretener al personal con batallas y efectos
espectaculares. Se trata de llevar al espectador a un mundo fabulado y remoto donde desde la distancia poder transmitir
más claramente ciertos mensajes de capital importancia. En este caso la brutalidad de un sistema capitalista sin
escrúpulos capaz de deshumanizar al ser humano.
Es algo que puede verse en cualquier lugar del mundo a diario. La explotación y la falta de principios morales sobre los
que se construyen las grandes fortunas. Y creo que es la transmisión de este mensaje el meollo central de la película
que nos ocupa.
71 MBSi a ello sumamos el inteligente tono narrativo, y la sutil sensación de ingravidez emocional con la que se tratan
los terribles hechos que acontecen en la base encontramos una cinta memorable llena de homenajes a grandes títulos de
la ciencia ficción que también llevaban dentro de si muchos mensajes que transmitir desde su futuro lejano. En
definitiva, una película que transmite un mensaje le pese a quien le pese.

Morir cruzando ver De Nadie


Moulin Rouge
TITULO ORIGINAL
Moulin Rouge
6.8/10 MB
AÑO 2001
DURACIÓN 129 min.  
PAÍS Australia  
DIRECTOR Baz Luhrmann
REPARTO Nicole Kidman, Ewan McGregor, John Leguizamo, Jim Broadbent,
Richard Roxburgh
GÉNERO Y CRÍTICA 2001: 2 Oscar: Mejor dirección artística, Vestuario. 8 nominaciones
Musical. París 1900 chica estrella lucha por amor verdadero.
SINOPSIS: París, alrededor de 1900. El mundo ha sido conquistado por la revolución de
Bohemia. Satine, la estrella más rutilante del Moulin Rouge, encandila a toda la ciudad con
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sus bailes llenos de sensualidad y su enorme belleza. Atrapada entre el amor de Christian,
un joven escritor, y la obsesión del duque, lucha por hacer realidad su sueño de convertirse
en actriz. Pero, en un mundo en el que vale todo excepto enamorarse, nada es fácil.
El talento de Luhrman, cual aprendiz de Fellini del siglo XXI, explotó en estado de gracia en
este arrebatador y magistral musical ambientado en el París bohemio de 1900. Algunos sólo
vieron confusión y efectismo, pero muchos otros asistimos a un prodigio de originalidad, a
un film tragicómico y trepidante, romántico hasta el paroxismo, que tributa en cada
fotograma un goce para los sentidos. ¿Obra maestra?¿Estafa vanguardista? Poco importa su
clasificación para aquellos cuyas pupilas quedaron impactadas por un despliegue asombroso
de imágenes (eso sí, a ritmo de videoclip) mientras una banda sonora, maravillosa y
sorprendente, acompañaba una bellísima historia de amor.
Filme engaño. Insuperable despliegue de malas artes fílmicas, tan apresurado que se hace
mareante y a veces estomagante.
Una modernez vacía, una memez lujósamente adornada, postmoderna, militantemente gay,
una cosita de diseño absúrdamente sobrevalorada.
Absoluta obra maestra. Un amable musical que trabaja hábilmente una catarata de números
musicales apoyados en unos prodigiosos efectos especiales que sirven, sin embargo, para
ocultar la vaciedad de la narración.
Ella es la más bella corista de todas. Él, un pobre escritor con sueños de amor y libertad. Una noche, gracias al
azar y a una serie de malos entendidos, el destino los cruza. Él la enamora con su poesía, ella lo hechiza con la luz
que irradian sus ojos. Vuelan. Pero todo se termina abruptamente, cuando la dulce Satine (Nicole Kidman) advierte la
confusión: no era él el millonario duque al que estaba predispuesta a convencer de financiar una obra de teatro. El
joven escritor le ofrece a ella amor verdadero; el rico noble le ofrece cumplir sus sueños de convertirse en una actriz
legítima; ¿por quién se decidirá?. Una historia que se enmarca en el delirante mundo bohemio de París a principios de
siglo, donde la "modernidad" buscaba derribar el pensamiento convencional en todas las áreas, particularmente en las
artes.
Presentar Moulin Rouge como una película con elementos vocacionales le puede parecer a más de uno un
atrevimiento. No obstante y si descartamos algunos aspectos que nos pueden distraer, este film nos ayudar á sin duda
a descubrir matices importantes de todo proceso vocacional.
Es cierto que el formato de video-clip que se nos ofrece puede aburrir o molestar a quien no le guste este
género musical. Podría parecer que para la trama las canciones sobran. Pero no es así. Los momentos más emotivos
y de mayor intensidad coinciden con determinados temas musicales. Por ello conviene prestar atención a las letras de
las canciones pues han sido escogidas con toda la intención. Si el tiempo y el contexto lo permite, y con la intención
de aprovechar mejor el contenido propondría ver Moulin Rouge dos veces. Con el primer visionado uno se empapa del
video-clip que puede distraernos si uno está preparado para ello. Después, uno puede centrarse en algunos detalles
del guión siguiendo las orientaciones del animador. De todas maneras ofrezco este enlace donde se pueden encontrar
las letras de las canciones e incluso una traducción al español.
Se puede presentar Moulin Rouge como una historia de amor en el que se ven envuelto tres personajes:
Christian (el escritor bohemio), Satin (la cortesana) y el duque.. En este sentido enfocamos la vocación como
experiencia de enamoramiento, de “amar y sentirse amado” (esto es la experiencia mística) y así podemos entresacar
algunos puntos más generales y válidos para cualquier proceso vocacional.
Christian ha dejado su casa y su familia para vivir en Paris los valores de una vida bohemia: el amor, la libertad,
la belleza y la libertad. Su ideal es el amor, pero un amor que no conoce de manera experiencial porque nunca ha
estado enamorado. Ello no le impide, no obstante, de hablar con pasión del amor: “ es como el oxígeno…” que repite
varias veces como una fórmula memorizada . Tiene por ello, una imagen demasiado ingenua, ilusa y distorsionada del
amor. Pero también hay que decir que por amor superará todos los problemas y obstáculos que se le presenten.
Satin es el objeto del deseo de todos los hombres. Todos la quieren y la desean ardientemente pero ninguno la
ama de verdad. Simplemente le compran el amor para escuchar de ella “ todo lo que a un hombre le gusta escuchar ”.
Dos son los sueños de su vida: en primer lugar, ser una verdadera actriz y dejar de ser una cortesana, y después un
amor, el verdadero amor que echa en falta en su vida a pesar de todos los diamantes que le puedan ofrecer como el
mejor regalo. Sin embargo Satin vive en una estructura que la esclaviza de tal manera que el amor es algo que le está
prohibido y al que incluso no tiene derecho. Por ello al principio rechaza la declaración de amor de Christian en esa
escena sobre el elefante con una extraordinaria mezcla de canciones súper conocidas.
El duque es quien pretende comprar el amor y piensa que con su dinero lo puede hacer. Le promete a Satin una
de las cosas que desea: ser una actriz con un gran teatro consagrado a ella sola. Pero no le ofrece el amor. De
manera magistral se refleja que lo que pretende no es otra cosa que poseer a Satin de una manera egoísta y
enfermiza como si fuera una cosa. Por eso le molesta que “ otros toquen lo que es suyo ”.
Cuando Christian canta con toda su sinceridad que “The greatest thing you'll ever learn is just to love and to be
loved in return” (la cosa más grande que jamás aprenderás es simplemente amar y sentirse amado) Satin descubrirá
lo que es el verdadero amor (maravilloso el cambio de gesto y la mirada de Nicole Kidman en la escena). Satin
entonces le corresponde con su amor aún con el riesgo de poner en peligro el Molin Rouge de sus amigos; un amor
ya tan puro y verdadero que le pide rechazar a Chrisitan para que éste pueda salvar su vida. En la segunda parte de
la película la historia nos muestra las dificultades por las que pasan Christian y Satin para proteger su amor de la
amenaza del duque, refugiándose un mundo irreal (la obra de teatro) que les sirve de pretexto para hacer real su
amor. Dudas, celos, mentiras, etc… se irán sucediendo ante el drama de la muerte de Satin.
Por todo ello, Molin Rouge es sin duda un cuento sobre el amor que está por encima de todas las cosas y la
superación de todo lo que lo pude destruir. Por ello es una historia vocacional porque la respuesta vocacional nace del
amor que se recibe de Jesús y es por ello una respuesta de amor. Christian nos recuerda a aquellos que tienen una
idea demasiado teórica de la vocación (¿quizá también una idea demasiado teórica y abstracta de Jesús?) hasta que
un día experimentan el amor de Jesús que les llama. Un amor personal y que les llena completamente. Todo cambiará
desde entonces. No se puede responder a la llamada de Jesús sin pasión. Satin refleja a tantos que viven sumergidos
en un estilo de vida que les tiene tan esclavizados que se olvidan que están llamados a amar y dejarse amar. Cuando
lo descubra será capaz de dejarlo todo por aquel a quien se ama. Tanto Christian como Satin se ayudan el uno al otro
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y se complementan a lo largo de la historia.
Como conclusión, este comentario de Leandro Marques: “ También es posible amar siendo un hombre común,
miedoso y real. También se pueden vivir historias increíbles siendo una persona normal, lo único es que hay que estar
dispuesto a vivirlas pese a no ser más que un ser humano simple y corriente. Igualmente, películas como Moulin
Rouge , capaces de regalar un buen rato de entretenimiento, no tienen la culpa de nada. La culpa es de todos, los que
tanto tardamos en advertir que, para soñar, no hace falta vivir en ningún cuento de hadas ”.
En fin, con Moulin Rouge podemos trabajar valores vocacionales como la experiencia mística de la llamada y la
respuesta vocacional, la vocación como pasión, la superación de las dificultades y problemas.
Materiales para trabajar la película
1.Ver y analizar
 ¿Cuáles son los ideales de Christian? ¿Con qué dificultades se encuentra para llevarlos a la práctica?
 ¿Qué podemos decir de Satin? ¿Quién es, qué hace, porqué lo hace, a qué aspira?
 ¿Qué hace cambiar la rutina de Satin? ¿A dónde le llevará esta nueva situación?
 ¿Qué relación tiene el duque con Satin?
 ¿Qué dificultades experimentan Satin y Christian en su amor? ¿Cómo las va a superar?
2.Nos interpela
 ¿Qué momento de la película te ha gustado más? ¿Por qué?
 ¿Con cuál de los tres personajes principales te identificas más? ¿Por qué?
 Al igual que Christian ¿también tú tienes una idea teórica del amor, de la vocación o incluso de Jesús?
 ¿En qué medida puedes decir que has vivido esa experiencia mística de sentirse amado por Jesús?
 ¿Respondes a su llamada con pasión?
 ¿Qué dificultades tienes en tu vida para vivir esta experiencia mística de amor?
 Después de haber visto la película, ¿qué enseñanza sacas para tu vida? ¿Qué te dice Dios a través de la
película?
3.Oramos
Para la oración nos servimos en esta ocasión de una poesía de Sta. Teresita del niño Jesús. Aunque es larga,
merece la pena. Si hay alguien que en nuestra época haya tenido esta experiencia profunda del amor místico, no es
otra que ella. De su mano intentaremos acercarnos al amor insondable de Jesús. Dos lectores pueden preparar la
lectura que se puede hacer con música de fondo.
- Poesía: Vivir de amor
En la última noche, la noche del amor, hablando claramente y sin parábolas, Jesús decía así:
«Si alguno quiere amarme, que guarde mi palabra, que la guarde fielmente. Mi Padre le amará, y vendremos a él,
moraremos en él, será para nosotros una morada viva, será nuestro palacio.
Pero también queremos que more él en nosotros, lleno de paz, que more en nuestro amor.»
¡Vivir de amor quiere decir guardarte a ti, Verbo increado, Palabra de mi Dios!
Lo sabes, Jesús mío, yo te amo, me abrasa con su fuego tu Espíritu de Amor.
Amándote yo a ti, atraigo al Padre, mi débil corazón se entrega a él sin reserva…
Por mí vives oculto en una hostia, por ti también, Jesús, vivir quiero escondida.
Soledad necesitan los amantes, que hablen sus corazones noche y día.
Me hace feliz tan sólo tu mirada, ¡vivo de amor!
Vivir de amor no es en la cima del Tabor su tienda plantar el peregrino de la vida.
Es subir al Calvario a zaga de las huellas de Jesús, y valorar la cruz como un tesoro...
En el cielo, mi vida será el gozo, y el dolor será ido para siempre.
Mas aquí desterrada, quiero, en el sufrimiento, ¡vivir de amor!
Vivir de amor es darse sin medida, sin reclamar salario aquí en la tierra.
¡Ah, yo me doy sin cuento, bien segura de que en amor el cálculo no entre!
Lo he dado todo al corazón divino, que rebosa ternura.
Nada me queda ya... Corro ligera.
Ya mi única riqueza es, y será por siempre ¡vivir de amor!
Vivir de amor es disipar el miedo, aventar el recuerdo de pasadas caídas.
De aquellos mis pecados no veo ya la huella, junto al fuego divino se han quemado...
¡Oh dulcísima hoguera, sacratísima llama, en tu centro yo fijo mi mansión.
Y allí, Jesús, yo canto confiada y alegre: ¡vivo de amor!
Vivir de amor guardar es, en sí misma, en un vaso mortal, un inmenso tesoro.
Mi flaqueza es extrema, Amado mío, disto mucho de ser un ángel de los cielos.
Mas si es verdad que caigo a cada paso, lo es también que tú vienes en mi ayuda
y me levantas y tu gracia me das.
¡Vivo de amor! Vivir de amor es navegar sin tregua en las almas sembrado paz y gozo.
¡Oh mi Piloto amado!, la caridad me urge, Pues te veo en las almas, mis hermanos.
La caridad me guía, ella es mi estrella, bogo siempre a su luz.
en mi vela yo llevo grabada mi divisa: ¡Vivir de amor!
Vivir de amor es mientras Jesús duerme permanecer en calma en medio de la mar aborrascada.
No temas, ¡oh Señor!, que te despierte, espero en paz la orilla de los cielos...
Pronto la fe desgarrará su velo y habrá sido mi espera sólo un día.
La caridad me empuja, ella hinche mi vela, ¡vivo de amor! …
Vivir de amor es enjugar tu rostro, es a los pecadores alcanzar el perdón.
¡Oh Dios de amor!, que vuelvan a tu gracia, que bendigan tu nombre eternamente.
Vivir de amor es imitar, Jesús, la hazaña de María cuando bañó de lágrimas y perfumes preciosos
tus fatigados y divinos pies y los besó arrobada, enjugándolos luego con sus largos cabellos...
Y alzándose del suelo, rompió el frasco y tu cabeza María perfumó.
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¡Oh Jesús, el perfume que yo doy a tu rostro es y será mi amor!


«¡Vivir de amor, oh qué locura extraña -me dice el mundo-, cese ya tu canto!
¡No pierdas tus perfumes, no derroches tu vida, aprende a utilizarlos con ganancia!»
¡Jesús, amarte es pérdida fecunda! Tuyos son mis perfumes para siempre.
Al salir de este mundo cantar quiero: ¡muero de amor!
¡Morir de amor, dulcísimo martirio, y es el martirio que sufrir quisiera!
Acordad, querubines, vuestras liras, siento que mi destierro va a acabar...
Llama de amor, consúmeme sin tregua.
¡Oh vida de un momento, muy pesada tu carga se me hace!
¡Oh divino Jesús!, haz realidad mi sueño: ¡morir de amor!
Morir de amor, es ésta mi esperanza, cuando vea romperse mis cadenas.
Mi Dios será mi recompensa grande, otros bienes no quiero poseer.
Quiero ser abrasada por su amor, quiero verle y unirme a él para siempre.
Este será mi cielo y mi destino: ¡¡¡Vivir de amor...!!!”
-Silencio. Momento para hacer ecos de la poesía.
-Momento para compartir lo que ha sugerido la poesía teniendo de trasfondo las ideas debatidas sobre la película.
-Para terminar el animador elige una de las estrofas de la poesía y la repiten todos juntos.
Preparado por Carlos Comendador Arquero

Movida bajo el mar


TITULO ORIGINAL Shark Bait 4.1/10 MB
AÑO 2006
DURACIÓN 77 min.  
PAÍS
DIRECTOR Howard E. Baker, John Fox
GUIÓN Scott Clevenger (Historia: Chris Denk)
GÉNERO Y CRÍTICA Animación. Aventuras de peces en arrecife. Pequeño contra tiburón.
SINOPSIS: Tras haberlo perdido todo, un joven pez llamado Chip,
se va a vivir con su tía Perla a un exótico arrecife. Allí conoce al amor de su vida, Leti, una
preciosa y encantadora pececilla. Sin embargo las cosas en el arrecife no están todo lo bien
que pudieran estar ya que viven amenazados por Nerón, un tiburón matón. Éste no sólo
tiene atormentados a todos los habitantes del lugar sino que además ha puesto sus ojos en
Leti. Chip, junto con sus nuevos amigos, decide emprender una gran lucha para salvar al
arrecife de la amenaza de Nerón e intentar conquistar el corazón de Leti. Western
subacuático. Destacan algunos destellos de ingenioso humor y la sencillez de una trama en
todo momento convencional.
Chip es un pececillo que tras perder a sus padres acude al arrecife a buscar a su tía Perla. Allí conocerá a otros
animalitos marinos y se enamorará de Leti, una preciosa pececilla rosa que se dedica a ser modelo para las portadas de
las revistas. A pesar de la belleza y la riqueza de sus aguas, los habitantes del arrecife viven atemorizados por Nerón, un
tiburón tigre que no para de molestarles y que persigue a Leti para que sea su novia.  Chip hará todo lo que esté en
su aleta para salvar el arrecife y conseguir a la pececilla de sus sueños. 
El film está especial y únicamente dedicado al público infantil. A pesar del esfuerzo de los guionistas, la película no
consigue, ni mucho menos, llegar al listón que dejó Buscando a Nemo; y, dicho sea de paso, ¡Movida bajo el mar! repite
modelos de personajes de manera descarada. Podemos ver tortugas, medusas, peces globos, incluso peces pelícanos
(esos dentudos con una lucecita en la cola). Las técnicas de animación utilizadas no llegan al nivel que ya, hoy en día,
estamos acostumbrados a disfrutar. La aventura del protagonista contra el tiburón es una historia manida y los
personajes secundarios no tienen el tirón ni la gracia que se espera de ellos.
De todos modos, los niños más pequeños podrán disfrutar del colorido de las imágenes que tanto les llama la
atención, además de buenos valores como son la amistad o el trabajo en equipo.

Mozart y la ballena ver Locos de amor

Muchacho llamado Norte Un (El pequeño gran héroe)


TITULO ORIGINAL North 4.8/10 MB
AÑO 1993
DURACIÓN 88 min.
PAÍS
DIRECTOR Rob Reiner
GUIÓN Alan Zweibel & Andrew Scheinman (Novela: Alan Zweibel)
MÚSICA Marc Shaiman
FOTOGRAFÍA Adam Greenberg & Mark Vargo
REPARTO Bruce Willis, Elijah Wood, Dan Aykroyd, Kathy Bates, Alan Arkin,
Jason Alexander, Jon Lovitz, Kelly McGillis, Alexander Godunov,
Graham Greene, Pat Morita, Lauren Tom, John Ritter, R. McIntire.
PRODUCTORA Castle Rock Entertainment
GÉNERO Y CRÍTICA Comedia. Niño 10 años escapa en busca de padres ideales.
SINOPSIS: Cansado de la poca atención que le prestan sus padres, un brillante niño de 10
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años decide divorciarse de ellos y salir en busca de unos padres ejemplares. Así comienza
una aventura por medio planeta, y con fecha límite, al encuentro de los progenitores
ideales.
"Tan ambiciosa como finalmente fallida. Un hijo viaja sin tino detrás de unos padres ideales.
Localizaciones mil y, de su mano, el caos"
Norte (Elijah Wood) es el hijo que, por sus cualidades, muchos padres desearían tener: deportista y buen estudiante;
destaca en el teatro; sus amigos y profesores le aprecian... El problema para él son precisamente sus progenitores. Inmersos en el
egoísmo de sus problemas personales, no le prestan la más mínima atención. La situación llega al extremo de que Norte acude a
un abogado que le buscará unos nuevos padres, los padres perfectos que él se merece. El caso de Norte conmociona al mundo
entero, y cartas de posibles candidatos llegan al chico de los cuatro puntos cardinales. Norte viajará a distintos países para
conocerlos: le acompañará en su búsqueda un misterioso personaje (Bruce Willis), a modo de peculiar ángel de la guarda.
Reiner dirige con habilidad esta agradable película, un cuento con un aura a veces mágica, y hasta surrealista. Lo hace
transmitiendo una idea clara a padres e hijos: ambas partes han de esforzarse para que su relación funcione. Sin didactismos
aburridos, el director imprime ritmo a la historia, que avanza fluidamente. Los posibles padres con que va topando Norte, de
diferentes nacionalidades y tradiciones, y el creciente poder de un movimiento político de niños, desatan situaciones divertidas; a la
vez, Norte va madurando en su singular aventura. Reiner supera además con originalidad el escollo de que el final de la historia
sea previsible.
El niño Elijah Wood se erige en protagonista absoluto de la película; a las puertas de la adolescencia, demuestra una vez
más que, de entre la numerosa hornada de niños actores con que Hollywood trabaja últimamente, es de los que más esperanzas
dan de poder seguir en la pantalla cuando crezcan.
“Si buscas oro, no puedes quedarte siempre en el mismo río.”

Mud
Título original: Mud 7.0/10 MB
Año: 2012
Duración: 130 min.
País: Estados Unidos
Director: Jeff Nichols
Guión: Jeff Nichols
Reparto: Matthew McConaughey, Tye Sheridan, Jacob Lofland, Reese Witherspoon,
Sam Shepard, Ray McKinnon, Paul Sparks, B. Sturdivant, Sarah Paulson, Michael Shannon.
Género: Drama. Aventuras. Adolescencia. Dos chicos ayudan a fugitivo enamorado.
Sinopsis; En una isla del Mississippi, dos chicos descubren a un fugitivo llamado Mud. Ha matado a un hombre para
proteger al amor de su vida, Juniper, y ahora se oculta de los cazadores de recompensas. Los chicos
acceden a ayudarle a reunirse con Juniper y preparar su huida juntos, sin saber que la aparición de Mud
significará el fin de sus infancias.
Premios: 2012: Festival de Cannes: Sección oficial de largometrajes
Críticas: 'Mud' se presenta como un simple cuento de aventuras adolescentes, pero explora un rico filón de
preocupaciones adultas, explorando los códigos de honor, el amor y la familia.
En las manos de Nichols, 'Mud' emerge como una cosa bella magullada. Hay magia en ella.
El guión del Sr. Nichols quizás está trazado de una manera algo pesada, pero se compensa con creces con
el ritmo elegante, con su mirada detallada a la belleza natural y con una gran seguridad en los personajes
y los lugares.
'Mud' es una película atractiva y bonita con dos brillantes trabajos de sus protagonistas Sheridan y
Lofland.
"Es difícil de creer que Nichols piense que puede salirse con la suya con todo esto y aún más difícil de
creer que lo consiga. Es la cualidad de la atención que presta- su enfoque- lo que hace su trabajo tan
apasionante.
Un precioso retrato adolescente. Nichols describe admirablemente la fascinación de estos chavales hacia
el peligro desconocido. Todo respira en esta preciosa película.
Tom Sawyer revisitado. Habla de la infancia con suficiente elegancia e inteligencia, una historia cruel, tan
cruda como cálida.

Interesante propuesta este “Mud” de Jeff Nichols, un relato de iniciación que tiene aire de clásico y que se mueve entre el thiller y el
drama rural incluso con cierto influjo del western. Extremo en el enfoque, cuenta con un guion excelente para ofrecer una reflexión
sobre cómo la inocencia original se enfrenta a la violencia y al mal para comprender, apenas, el significado del amor.
Dos muchachos Ellis (estupendo Tye Sheridan) y Neck (Jacob Lofland) descubren en una isla solitaria en medio del río una barca colgada de un
árbol. Y allí conocen a su único habitante Mud (genial Matthew McConaughey), un tipo duro pero aparentemente sincero que espera a la que dice
ser su novia Juniper (bien, por fin, Reese Whiterspoon). Su nuevo amigo resulta un fugitivo al que deciden ayudar en su empeño. Mientras Ellis se
enfrenta al proceso de separación de sus padres y a los primeros escarceos en el amor, el huérfano Neck está al cuidado de su tío que busca
tesoros en el fondo de la desembocadura del río, que es el escenario del drama. Los acontecimientos terminan por desencadenarse cuando
irrumpe la sed de venganza mientras desde lejos todo es contemplado por el viejo Tom Blankenship (en su línea Sam Shepard).
El cine independiente americano, que encandila a la crítica pero que no atrae a los públicos, sigue haciendo de las suyas. En este caso una
película sórdida y esperanzada, cerrada como la vida dura en una naturaleza exigente, pero luminosa como los cielos entre los que se distrae la
cámara. El mundo rural americano, marcado por la violencia de las armas siempre a punto, está habitado por sujetos que incomprensiblemente
siguen buscando en amor. Los dos adolescentes representan esa inocencia luchadora que mezcla una bondad ilusa con el deseo no colmado
de plenitud. A su lado Mud se va erigiendo en un eterno adolescente, solitario y enamorado, heredero de los viejos cowboys, que lucha por
mantener a flote su vida.
Aparecen todos los registros de un amor tan deseado como imposible: el viejo solitario que vive de amores pasados, la pareja que se han
querido pero ya no tienen futuro, el joven que sigue cantando al amor y buscando con su escafandra, los adolescentes que quieren pero no pueden
y los violentos que convierten su amor en venganza. Un universo extremo en el que se va imprimiendo un mapa de las dificultades de la relación
donde el ser humano se queda al borde de la soledad, aislado en el río de la vida.
Mud, más que un relato de iniciación para jóvenes es una fábula para viejos, de variadas edades, sobre la vida como búsqueda de un amor
mayor, de un horizonte más amplio. El desarrollo no escatima todo tipo de traspiés, desde la venganza ciega hasta el realismo donde no bastan
los sentimientos, desde la amargura por lo perdido a la incapacidad de estabilidad emotiva y de decisiones maduras. Pero a pesar de todo, qué
sería del ser humano sin este deseo insaciable. Probablemente con los límites que se describen resulta casi imposible pero esta nostalgia de ser
queridos y querer invita a seguir navegando e incluso a mirar de vez en cuando al cielo. Quizás allí esté la respuesta.
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Muerte de Cristo
Death of Christ,
1898,
¿Pathé?,
11'
(De oración del huerto a ascensión) B

Mujer china Una (La historia de Qiu Ju)


TITULO ORIGINAL The Story of Qiu Ju (Qiu Ju da guan si) 7.3/10 MB
AÑO 1992
DURACIÓN 100 min.  
PAÍS China
DIRECTOR Zhang Yimou
GUIÓN Liu Heng (Novela: Chen Yuan Bin)
REPARTO Gong Li, Lei Lao Sheng, Ge Zhi Jun, Liu Pei Qi, Yang Liuchun,
GÉNERO Y CRÍTICA 1992: Venecia: León de Oro y mejor actriz (Gong Li)
Drama. Lucha por dignificar a marido ultrajado.
SINOPSIS: En un pequeño y remoto pueblo del norte de China
vive Qiu Ju junto a su marido, quienes esperan con impaciencia el nacimiento de su primer
hijo. Pero un día su felicidad se ve alterada debido a un enfrentamiento con el jefe de la
comunidad en la que están integrados.
Premiado drama con excelentes críticas que confirmaba el talento de Yimou y la
extraordinaria actriz Li, así como el reconocimiento de ambos en Europa.
Qiu Ju, tras la agresión que sufre su marido por parte del alcalde de su pueblo, comienza a acudir a las autoridades en busca de
justicia. Como las resoluciones de dichas autoridades no se ajustan a su concepción de justicia, y el alcalde no esta tampoco
dispuesto a ceder, Qiu Ju se dirige cada vez a estamentos superiores, llevándole su insistencia a recorrer casi todo el país.
- Otro impresionante homenaje de Yimou a la mujer china como motor social y transformador, como detentadora de valores, y
como pilar básico del futuro de su país. Aquí no tenemos a la Gong Li “al borde de un ataque de nervios” de “La Linterna Roja” o
“Semilla de Crisantemo”, sino más bien a la heroína que Yimou, por ejemplo, presentaba en “Ni Uno Menos”; la mujer enfrascada
en una misión o gesta personal.
De hecho, en otros aspectos, “Qiu Ju” también me ha recordado a “Ni Uno Menos”. Ambas, no solo comparten la denodada lucha
de sus protagonistas, sino también la sencillez de la propuesta, y la falta de obsesión ornamental característica de otras películas de
Yimou. En ambas películas, las protagonistas, intentando en principio resolver un problema personal, que parece ceñirse al ámbito
del interés privado, acaban, sin proponérselo, poniendo su granito de arena a la transformación de los problemas de su país, y a su
transformación social, luchando por erradicar uno de tantos males incrustados en la dinámica social, política o económica de su
tierra. Mientras, la gran mayoría del resto de personajes se complacen, pasivos y conformistas, con la situación y condiciones
establecidas, desentendiéndose, por pereza, orgullo, miedo, o cualquier otra pobre causa, de la labor de aquellos que, a su manera,
con sus actos y actitudes, suponen un revulsivo.
- En “Qiu Ju”, Yimou inserta a sus personajes en contextos sencillos y humanos, con muchas escenas filmadas entre el ajetreo y
la actividad de las ciudades y pueblos chinos, cosa que me ha encantado. Aparte de mostrarte ciertos aspectos del día a día de ese
país, consigue de esta forma dar mayor envergadura a la figura de su protagonista, que lleva su tenacidad y fuerza de voluntad a
través de la cotidianeidad de su pueblo, y no a través de deslumbrantes decorados que propicien una visión heroica del personaje.
Pero es que la odisea de Qiu Ju es casi épica, luchando con constancia y una apabullante serenidad contra todo un sinfín de
obstáculos que van surgiendo en su camino, de parte de las autoridades, de su familia, de su desconocimiento de la vida urbana y
moderna,… ¡Y se lanza a tal gesta porque su alcalde ha propinado una patada en sus partes a su marido! Dicho así puede parecer
chistoso, pero cuando la cuestión se convierte en asunto de honor, orgullo y justicia, es increíble ver como la protagonista parece
ser la única persona del mundo que, ignorando el camino fácil, que al final siempre es el más vil e inútil, siendo la indiferencia, el
olvido, y la falsa reconciliación, sigue defendiendo sus ideales y su concepto de justicia, dispuesta a llevar su lucha hasta las
últimas consecuencias, y apelando siempre a los estamentos establecidos y lícitos, sin tomarse la justicia por su mano, a lo que
muchos recurrirían, pese a que dichos estamentos no parecen estar muy por la labor de ejercer una verdadera justicia, aquejados de
un mal generalizado. Es alucinante ver a su personaje, embarazada y torpona, recorriendo todo ese inmenso país, enfrentándose a
unas gentes y una realidad alejadas de las de su pueblecito, y afrontando con firmeza y un temple asombroso todos los obstáculos
con que se topa.
- Un personaje impresionante y una historia insólitamente hermosa, conmovedora y épica.

Mujer del obispo La


Título original The Bishop's Wife 6.8/10 MB
Año 1947
Duración 109 min.
País  Estados Unidos
Director Henry Koster
Guión Robert E. Sherwood, Leonardo Bercovici, Charles Brackett, Billy Wilder
(Novela: Robert Nathan)
Reparto
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Cary Grant, Loretta Young, David Niven, Monty Woolley, James Gleason, Gladys Cooper, Elsa Lanchester,
Sara Haden, Karolyn Grimes, Tito Vuolo, Regis Toomey, Sarah Edwards, Margaret McWade, Anne O'Neal,
Ben Erway, Erville Aldersonro
Comedia | Navidad. Ángel le enseña a amar a su esposa.
Sinopsis
El espíritu navideño parece dominarlo todo, pero no tiene cabida en el hogar del obispo Henry Brougham.
En su lucha por recaudar fondos para construir una nueva catedral, el joven clérigo ha desatendido de tal
manera a su afectuosa esposa Julia, que ahora lo único que puede salvar su matrimonio es un milagro.
Pero el poderoso ángel enviado desde el cielo no se conformará con darle a Henry una lección inmortal de
romanticismo.
Estamos ante una entrañable comedia familiar navideña, muy al estilo de las de Frank Capra, aunque guardando las diferencias,
en las que la visita de un ángel cambia y hace más feliz la existencia de las personas.
De manera muy sencilla se intenta transmitir valores como la alegría de vivir, el saber valorar a las personas que tenemos al lado y
que son causa de nuestra felicidad... Hay que destacar a David Niven en su papel de obispo, demostrando su calidad
interpretativa. Y por supuesto a Gary Grant en el papel de un ángel muy particular, tan humano que llega incluso a enamorarse y a
tener que marcharse para no perder el control.
En definitiva es una película entrañable de ver, entretenida, con buenas interpretaciones y con un gran mensaje.
Película navideña, familiar, con un buen reparto, un argumento sencillo y agradable, claramente inspirado en “¡Qué bello es
vivir!”, aunque con resultados más modestos, si bien es cierto que contó con la bendición de la Academia ( Oscar al mejor sonido y
otras 4 nominaciones, contando película, director, banda sonora y montaje).

Mujeres de verdad tienen curvas Las


TÍTULO ORIG. Real Women Have Curves 6.8/10 MB
AÑO 2002
DURACIÓN 90 min.  
PAÍS  
DIRECTOR Patricia Cardoso
REPARTO America Ferrera, Lupe Ontiveros, Ingrid Oliu, George Lopez, Brian Sites.
PREMIOS 2002: Sundance: Premio del público, Premio Especial del Jurado
(A. Ferrera, L. Ontiveros)
2003: San Sebastián: Premio del público joven
SINOPSIS Ana, una adolescente méxico-americana, está a punto de convertirse en mujer. Vive en la
comunidad hispana del Este de Los Ángeles, y recién acabado el instituto su profesor la anima
para que solicite una beca para estudiar en la Universidad de Columbia. Pero sus tradicionales
padres piensan que no es tiempo para estudiar, sino para ayudar a su familia. Dividida entre
sus ambiciones personales y su tradición cultural, accede a trabajar con su madre en la fábrica
de costura de su hermana, en el centro de Los Ángeles.
Cuando eres una chica gordita anclada en una familia latina de lo más tradicional, y la realidad
CRÍTICAS se planta ante tu cara con la misma intensidad que se desarrollan tus hormonas y tu forma de
ser, podría parecer que estás en un film de una directora estilo "Ken Loach" versión-hispana
de Los Ángeles. Pero, en este caso, Patricia Cardoso se inclina por el lado amable, difumina
cualquier atisbo de tragedia y añade unos acertados golpes de humor para ofrecer una
simpática comedia dramática sobre una adolescente que "pasa" de su talla y se enfrenta a su
madre por el sueño de un paseo por Nueva York con sabor a independencia y emancipación.
Un film realista de excelente reparto femenino que encantó al público de los festivales de
Sundance y San Sebastián, convenciendo a todo tipo de audiencia sin necesidad de tener
sobrepeso... porque la verdad es que está muy bien.
Impresionante actuación de la madre, la espléndida Lupe Ontiveros, (...) Rodado con habitual
solvencia por una debutante (...) el filme es una segura recomendación para espectadores (y
sobre todo espectadoras) con sensibilidad y sensatez
Sinopsis: Ana tiene 18 años y le espera un futuro brillante. Está a punto de acabar los estudios de secundaria. Ha
conocido a un chico al que le gusta tal como es. Ana es la primera de su familia que puede atreverse a soñar con
ir a la Universidad, pero su educación modesta en un barrio del Este de Los Ángeles y la lealtad que siente por su
familia la retienen. Carmen, su madre, tiene buenas intenciones, pero subestima el carácter de Ana y sus ganas
de cambiar de vida. Carmen, una mujer muy tradicional que ha tenido una vida dura, ya no espera que Estela, la
hermana mayor de Ana, se case. Ahora pone todas sus esperanzas en Ana para que ésta le dé los nietos que ella
cree merecer.
El trabajo se amontona en el taller de costura donde trabaja Estela. Ana, muy a su pesar, les echa una mano para
terminar un pedido de vestidos. Ana se indigna ante el trabajo que requieren esos vestidos tan elegantes que
llevarán unas mujeres cuya vida es muy diferente a la suya, vestidos en los que nunca cabrá. Durante las largas
horas en el taller pasando calor, Ana empieza a darse cuenta de cuánto trabaja su hermana y del talento que tiene.
Ana enseña a sus compañeras de taller a querer a sus cuerpos opulentos y a apreciar todo lo que les hace
diferentes. Durante este proceso, descubre que nunca entenderá a su madre ni su madre a ella. Cuando acaban el
último vestido, para Ana el trabajo ha terminado y ya puede ir en busca de su futuro.
"Las mujeres de verdad tienen curvas" está basada en la obra de teatro de Josefina López, escrita a partir de sus
experiencias. La película cuenta la historia de una joven latinoamericana, hija de emigrantes mexicanos, que vive
en la zona Este de Los Ángeles y que lucha para mantener un equilibrio entre sus ambiciones personales y su
herencia cultural mientras intenta abrirse camino en la vida.
La película ganó dos premios en el Festival de Sundance 2002, el Premio del Público y el Premio Especial del Jurado
a las actrices América Ferrera y Lupe Ontiveros y el Premio de la Juventud en el Festival de Donostia - San
Sebastián 2002.
Un film conmovedor sobre la sociedad obsesionada con la perfección física.
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FICHA DIDÁCTICA
1. OBJECTIVOS PEDAGÓGICOS
 Reflexionar sobre cómo se concibe la feminidad desde un modelo tradicional construido bajo el
patriarcado.
 Analizar qué temas entran en tensión entre un modelo de feminidad tradicional y otras formas de
concebirla (la maternidad, el cuerpo, la virginidad).
 Reflexionar sobre cómo se imponen socialmente determinados modelos y cánones de belleza.
2. CLAVES DE TRABAJO PARA EL PROFESORADO
Esta película aborda de forma amena y divertida cuestiones el conflicto de las segundas generaciones de
inmigrantes, la identidad cultural, el descubrimiento de la sexualidad y el amor en la adolescencia o la explotación
laboral de las trabajadoras de origen extranjero. En esta ficha didáctica vamos a abordar la película,
fundamentalmente, a partir de lo que nos permite discutir sobre las identidades de género, y concretamente
sobre cómo se construye la feminidad. Y sobre todo del conflicto entre formas distintas de entender esta
feminidad cómo entra en tensión con otras formas de entenderla bajo el peso del patriarcado.
La historia de Ana, una adolescente de origen mexicano en los EEUU que entra en conflicto con su familia en el
momento de decidir si continúa con los estudios universitarios o no, nos permite analizar una serie de temas
sobre la forma en qué ella se está concibiendo como mujer en contraposición a lo que espera de ella su madre y en
general una parte de su entorno social.
La madre de Ana representa la presión para que su hija viva y sea una mujer siguiendo un un modelo de feminidad
tradicional. Para ella la meta de su hija como mujer es conseguir un hombre, ser madre y reproducir el tipo de
modelo de familia tradicional que pasa también por cuidarla a ella, que tanto se ha esforzado por sus hijas. Esto
supone que Ana debe renunciar a otros objetivos que la desvíen de esta meta fundamental, como estudiar en la
Universidad, cuidar su tendencia a la gordura para conseguir atraer a los hombres o mantenerse virgen hasta
llegar al matrimonio. Es interesante en relación al personaje de la madre valorar el papel de las mujeres como
transmisoras de la tradición y las costumbres, en este caso concebidas desde un modelo patriarcal de entender
cómo debe ser la feminidad asociada a una función reproductiva y de cuidado.
Por el contrario, Ana, lucha con su familia para que, sin romper con ella, pueda desarrollarse como mujer desde
otros parámetros. En pocas palabras, Ana aspira a otra manera de ser mujer, a otro modelo de feminidad no
sujeto a los patrones tradicionales del patriarcado. Frente a la presión de la madre y de un modelo de feminidad
tradicional, ella contrapone otros valores. Veamos algunos de estos temas:
 Sobre la maternidad y la función social de las mujeres. Frente a la idea de que la meta de toda mujer
en la vida sea la de casarse y cuidar de su familia, Ana considera que ahora es más importante estudiar y
formarse profesionalmente. Sin renunciar a ello considera que la maternidad no es la única forma de
desarrollarse como mujer. En este sentido, la presión de la madre resulta muy fuerte a lo largo de toda la
película, y de hecho es el eje de tensión principal. La vemos reflejada, por ejemplo, en los comentarios que
le hace cuando le dice que ella ya le enseñará a coser, a atender a su marido, cuidar de sus hijos y que
todo esto no se lo enseñarán en la Universidad. Pero también queda claramente reflejado en cómo valora
a la hermana, Estela, que se ha quedado soltera y sin hijos.
 Otro aspecto de la película que permite ver la importancia que se le da a la maternidad, a la capacidad de
dar hijos al marido, es la dificultad con la que la madre asume su menopausia.
 Sobre el cuerpo y los cánones de belleza. Frente a la idea de que la gordura es fea y que debe
adelgazar para estar bonita ante los hombres según los cánones dominantes de la belleza, Ana afirma que
ella es algo más que físico y que no debe valorársela sólo por éste: el cuerpo no puede limitar su
autoestima. Además, afirma que su gordura, y la de sus compañeras, es bella porque es el cuerpo de
mujeres de verdad. Asimismo, en la escena que Ana y el resto de trabajadoras del taller de su madre se
quitan la ropa, se ve claramente cómo la gordura es algo relativo y que no hay que ponerla en el centro de
las preocupaciones.
 Con relación a este tema es importante remarcar cómo, durante toda la película, la madre de Ana se
dedica a insultarla y a reprimirla haciéndole comentarios de mal gusto al respecto de su físico. Para la
madre esta idea de belleza es instrumental, pues sirve para lograr un marido, después, una vez casada, ya
no es tan importante. Las referencias a las dimensiones de los vestidos que usan también tienen que ver
con unos determinados cánones de belleza impuestos socialmente. Es interesante observar la evolución
del personaje de Ana con relación a esta cuestión. Al principio de la película sufre también la presión
social y siente vergüenza de su cuerpo.
 Sobre la virginidad y la sexualidad. Frente a la idea de que una chica debe llegar virgen al matrimonio y
que se trata de un valor que debe conservar para conseguir casarse, Ana se rebela y no acepta esta
imposición. Vemos como la presión social es especialmente destacada. Por ejemplo, en un sentido
aleccionador se cuenta la historia de la compañera del taller que justo antes del día de la boda acepta
tener relaciones sexuales con su novio con la consecuencia de que este, después, no se presenta a la boda.
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Cuando la madre descubre que Ana ya no es virgen la acusa de ser una "puta", a lo que ella responde que
una mujer vale algo más que lo que tiene entre las piernas, que "una mujer piensa, tiene ideas, cerebro".
Ana considera que la virginidad no es un valor en sí mismo, que ella es algo más que eso y que tiene
derecho a descubrir el sexo y vivir una sexualidad que le de satisfacción. La forma en que es presentada
esta primera vez es hecha con mucho respeto y es interesante, también, por cómo es tratado el uso de
los preservativos. La forma en la que está tratada la sexualidad en la película permite tratar la
importancia de la aceptación, reconocimiento y autoestima del propio cuerpo.
3. ELEMENTOS DE DEBATE
- ¿Por qué razón entran en conflicto Ana y su madre? ¿Qué cree la madre que Ana debería hacer con su vida?
¿Cuál es la idea de la madre sobre lo debe ser una mujer?
- ¿Qué diferencia hay entre Ana y su madre en la valoración de la maternidad? ¿Entienden del mismo modo cuál
debe ser el objetivo de una mujer en la vida? ¿En qué situaciones podemos ver estas diferencias?
- Y en relación a la gordura y los cánones de belleza, ¿dónde están sus diferencias? ¿En qué momentos de la
película la madre está cuestionando la gordura de Ana? ¿En nuestro entorno social se da la misma presión?
¿Cuándo? ¿De qué forma? ¿Qué opináis de la escena en que Ana y sus compañeras de trabajo se desnudan
en el taller?
- ¿Qué valor se le da a la virginidad en la película? ¿Cómo se argumentan las dos posiciones que podemos ver
reflejadas? ¿Cuál es vuestra opinión al respecto?
Ficha larga sobre autoestima en:
http://portal.aragon.es/portal/page/portal/SALUDPUBLICA/CATALOGO/Programa%20Cine%20y
%20Salud/Autoestima/GPROFE+•+CURVAS.PDF

Mulan 1
TITULO ORIGINAL Mulan 6.4/10
AÑO 1998  
DURACIÓN 88 min.  
PAÍS
DIRECTOR Barry Cook , Tony Bancroft
PRODUCTORA Walt Disney
GÉNERO Y CRÍTICA Animación. Infantil. Aventuras. Musical. Joven china, valiente heroína.
SINOPSIS: Mulan es una joven china, hija única de la familia Fa, que en lugar de buscar
novio -como el resto de sus amigas- se esfuerza por entrar en el ejército imperial para
evitar que su anciano padre sea llamado a filas para defender al Emperador del acoso de los
Hunos. Cuando el emisario imperial ordena que los varones de todas las familias se alisten
en sus tropas, Mulan se hará pasar por soldado y se someterá a un duro entrenamiento,
hasta hacerse merecer la estima y la confianza del resto del escuadrón.
"Toda la técnica está al servicio de una historia bien contada y estupendamente resuelta,
que nos devuelve el aroma de los mejores trabajos de la Walt Disney"
Para salvar a su padre enfermo de ir a la guerra, una joven china se disfraza de hombre y toma su lugar en
el ejército. Sus antepasados le envían un pequeño dragón como compañero y ayuda. Ella hará todo por su patria y
por su padre.
“La flor que crece en la adversidad es la más hermosa de todas…
Un hombre puede marcar la diferencia entre victoria y fracaso…
Por mucho que sople el viento, una montaña nunca se arrodillará a su paso.”

Mulan 2
TITULO ORIGINAL Mulan II 4.9/10
AÑO 2004  
DURACIÓN 74 min.  
PAÍS
DIRECTOR Darrell Rooney, Lynne Southerland
PRODUCTORA Walt Disney Pictures
GÉNERO Y CRÍTICA Animación. Infantil
SINOPSIS: La leyenda de Mulan continúa en esta nueva aventura.
La bella y valiente heroína Mulan, siempre acompañada por su dragón guardián, Mushu y
sus nuevos amigos, recibe la noticia más emocionante de su vida cuando el General Shang
pide su mano en matrimonio, pero las sorpresas acaban de comenzar... El travieso Mushu
intentará separar a la feliz pareja durante el tiempo que sea posible para mantener así su
trabajo como dragón guardián. Además Mulan y Shang tendrán que escoltar por toda China
a tres princesas que se dirigen a celebrar sus respectivos matrimonios, previamente
concertados. Cuando Mulan descubre que ninguna de ellas desea estos matrimonios tomará
una decisión que cambiará el curso de la historia.
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Mulato llamado Martín Un


Título Original: Un mulato llamado Martín (6/10) MB
1975, México, Perú
Dirección: Tito Davison
Intérpretes: René Muñoz, Mario Almada, Berta Rosen, Irma Lozano, Mario Velázquez,
Pedro Armendáriz Jr., Sergio Bustamante
Duración: 1 hora 34 minutos
Desde su infancia el mulato Martín de Porres demostró un gran amor hacia sus
semejantes. Hijo de un noble español y de una negra manumisa de Panamá, ingresó como
donado en la Orden Dominicana, en Lima a comienzos del Siglo XVI. Fue D escription:
San Martín de Porres Velásquez O.P. (Lima, 9 de diciembre de 1579 † 3 de noviembre de
1639) es un santo peruano de la orden de los dominicos. Fue el primer santo negro de
América y es patrón universal de la paz. Conocido también como "el Santo de la escoba" por ser representado con una
escoba en la mano como símbolo de su humildad. Biografía Martín fue hijo de un español de la Orden de Alcántara,
Don Juan de Porres (según algunos documentos, el apellido original fue Porras) natural de la ciudad de Burgos, y de
una negra liberta, Ana Velázquez, natural de Panamá que residía en Lima. Su padre, debido a su pobreza, no podía
casarse con una mujer de su condición, lo que no impidió su amancebamiento con Ana Velásquez. Fruto de esta
relación nacieron Martín y dos años después Juana. Martín de Porres fue bautizado el 9 de diciembre de 1579 en la
Iglesia de San Sebastián en Lima. El documento bautismal revela que su padre no lo reconoció, pues por ser caballero
laico y soltero de una Orden Militar estaba obligado a guardar la continencia de estado. Ana Velázquez dio cuidadosa
educación cristiana a sus dos hijos. Juan de Porres estaba destinado en Guayaquil, y desde ahí les proveía de sustento.
Viendo la situación precaria en que iban creciendo, sin padre ni maestros, decidió reconocerlos como hijos suyos ante
la ley. Hacia 1586, decidió llevarse a sus dos hijos a Guayaquil con sus parientes. Sin embargo, los parientes sólo
aceptaron a Juana quien no había heredado la tez morena de su madre, y Martín de Porres hubo de regresar a Lima,
donde fue puesto bajo el cuidado de doña Isabel García Michel en el arrabal de Malambo, en la parte baja del barrio de
San Lázaro, habitado por negros y otros grupos raciales. En 1591 recibió el sacramento de la Confirmación de manos
del arzobispo Santo Toribio de Mogrovejo. Martín inició su aprendizaje de boticario en la casa de Mateo Pastor, quien
se casaría con la hija de su tutora. Esta experiencia sería clave para Martín, conocido luego como gran herbolario y
curador de enfermos, puesto que los boticarios hacían curaciones menores y administraban remedios para los casos
comunes. También fue aprendiz de barbero, oficio que conllevaba conocimientos de cirugía menor. La proximidad del
convento dominico de Nuestra Señora del Rosario y su claustro conventual ejercieron una atracción sobre él. Sin
embargo, entrar allí no cambiaría su situación social y el trato que recibiría por ser mulato y bastardo: no podía ser
fraile de misa e incluso le prohibieron ser hermano lego. Vida religiosa En 1594 y por la invitación de Fray Juan de
Lorenzana, famoso dominico, teólogo y hombre de virtudes, entró en la Orden de Santo Domingo de Guzmán bajo la
categoría de "donado", es decir, como terciario por ser hijo ilegítimo (recibía alojamiento y se ocupaba en muchos
trabajos como criado). Así vivió 9 años, practicando los oficios más humildes. Fue admitido como hermano de la orden
en 1603. Perseveró en su vocación a pesar de la oposición de su padre, y en 1606 profesó los votos de pobreza,
castidad y obediencia En el convento, Martín ejerció también como barbero, ropero, sangrador y sacamuelas. Su celda
quedaba en el claustro de la enfermería. Todo el aprendizaje como herbolario en la botica y como barbero hicieron de
Martín un curador de enfermos, sobre todo de los más pobres y necesitados, a quienes no dudaba en regalar la ropa de
los enfermos. Su fama se hizo muy notoria y acudía gente muy necesitada en grandes cantidades. Su labor era amplia:
tomaba el pulso, palpaba, vendaba, entablillaba, sacaba muelas, extirpaba lobanillos, suturaba, succionaba heridas
sangrantes e imponía las manos con destreza. En Martín confluyeron las tradiciones medicinales española, andina y
africana; solía sembrar en un huerto una variedad de plantas que luego combinaba en remedios para los pobres y
enfermos. Debió de empezar su labor como enfermero entre 1604 y 1610.
Beatificación y canonización. A pesar de la biografía ejemplar del mulato Martín de Porres, convertido en devoción
fundamental de mulatos, indios y negros, la sociedad colonial no lo llevaría a los altares. Su proceso de beatificación
hubo de durar hasta 1837 cuando fue beatificado por el Papa Gregorio XVI, franqueando las barreras de una anticuada
y prejuiciosa mentalidad. El Papa Juan XXIII que sentía una verdadera devoción por Martín de Porres, lo canoniza el 6
de mayo de 1962 con las siguientes palabras: "Martín excusaba las faltas de otro. Perdonó las más amargas injurias,
convencido de que el merecía mayores castigos por sus pecados. Procuró de todo corazón animar a los acomplejados
por las propias culpas, confortó a los enfermos, proveía de ropas, alimentos y medicinas a los pobres, ayudo a
campesinos, a negros y mulatos tenidos entonces como esclavos. La gente le llama Martín, el bueno." Su festividad en
el santoral católico se celebra el 3 de Noviembre, fecha de su fallecimiento. En diversas ciudades de Perú se efectúan
fiestas patronales en su nombre y procesiones de su imagen ese día, siendo la procesión principal la que parte de la
Basílica y Convento de Santo Domingo en Lima, lugar donde descansan sus restos mortales. Patronazgos Patrón
Universal de la Paz. Patrono de la justicia social en el Perú. Patrón de los enfermos. Protector de los pobres (junto a
San Vicente de Paul y San Camilo de Lelis). Patrón de los barberos. Patrón de los barrenderos. Patrón de la intercesión
de los animales. Patrón de los químicos farmacéuticos del Perú.

Mundo en sus manos El (Manos milagrosas)


TÍTULO ORIG. Gifted Hands: The Ben Carson Story (TV) 6.9/10 MB
AÑO 2009
857

DURACIÓN 90 min.
PAÍS  
DIRECTOR Thomas Carter
REPARTO Cuba Gooding Jr., Kimberly Elise
GÉNERO Hechos reales. Niño acomplejado llega a ser famoso neurocirujano.
SINOPSIS Ben Carson es un talentoso neurocirujano que, tras salvar la vida de
un niño, cuenta su historia desde la humildad y la honestidad,
dando el crédito de sus logros a su entorno, formado por su madre,
su hermano y Dios.
Excelente película para compartir en familia, destacan los problemas
propios de una sociedad, donde los adolescentes vivencian dificultades
económicas, racismo, intolerancias; pero lo más importante es como
logran salir adelante, pese a todas esas dificultades que les presentan,
como un madre analfabeta puede influir positivamente en sus hijos,
orientándolos, aumentando su autoestima, hasta hacerlos creer que
nada es imposible para ellos y que la fe en Dios puede convertirse en
una poderosa arma, para quienes no creen en si mismos.
Llegó a lo más profundo de mi sensibilidad, la recomiendo ampliamente a los padres, maestros y
escuelas para padres que busquen la reflexión sobre sus actuaciones.
Cuenta una historia real muy estimulante para cualquier persona, especialmente los más jóvenes: cuando uno se
esfuerza por algo, se mueve con esperanza y tiene apoyos humanos (y religiosos), consigue lo que se propone.
La recomiendo vivamente, sobre todo en las escuelas.
Una película que muestra la relevancia de la educación
Cuando una madre sabe lo que su hijo necesita y el hijo sabe escuchar. Entrañable historia de superación.
A resaltar las actuaciones, es especial la de Kimberly Elise en el papel de madre. Está impresionante!!

El mundo en sus manos: la historia de Ben Carson, es la película basada en la autobiografía de Ben Carson, famoso cirujano
estadounidense y cristiano comprometido con su fe y con los demás, especialmente los más necesitados. Es conocido en todo el
mundo por sus avances en neurocirujía, pero poca gente conocía sus orígenes humildes y sus dificultades en el colegio en su
primera etapa. Su madre, analfabeta, quería que sus hijos tuvieran un porvenir mejor y les inculcó el amor por los libros y la
lectura, obligándoles a leer un libro a la semana (que tenían que sacar de la biblioteca) y a entregarle un resumen.
Debido a las malas notas de Benjamin, su hijo pequeño, les redujo las horas de televisión, dejándoles ver sólo dos
programas a la semana, para que dedicaran más tiempo al estudio. Poco a poco sus notas fueron mejorando y llegaron a la
universidad, aunque antes sufrieron discriminaciones de todo tipo por el color de su piel. Ben llegó a Yale, y, aunque le costó, sacó
sus estudios con notas excelentes y conoció a la que sería su mujer. Durante su juventud tuvo que intentar dominar su fuerte
carácter, que le llevaba a ser violento en ocasiones, y para ello le fortaleció mucho su fe en Jesús y la oración.
A los 33 años consiguió el cargo de director de la sección de neurocirugía pediátrica del hospital John Hopkins y operó con
éxito a muchos niños a los que pocos se atrevían a operar, siempre encomendando sus manos a Dios. 
Hoy en día realiza numerosas obras de apoyo social a los chicos de zonas difíciles y deprimidas y promueve la lectura entre
los más jóvenes, con "habitaciones de lectura" y premios a los alumnos que más leen. En estas habitaciones, hay siempre un cartel
que pone "Think big" (piensa a lo grande). También ayuda, con becas, a los alumnos brillantes, pero que tienen pocos recursos,
para que puedan seguir estudiando e ir a la universidad.  
Para dialogar
¿Qué opinas sobre el papel que jugó la madre de Ben de cara a la mejora en sus estudios?
¿Qué te parecen sus normas sobre ver poco la tele y leer más?
¿Crees que Ben hubiera llegado a ser médico sin el apoyo de su madre?
¿Por qué crees que ha sido importante la fe en la vida de Ben?
¿Le ha ayudado a tomar decisiones y a  mejorar su vida? ¿Le ha ayudado a cambiar en algo?

Mundo según Monsanto El (TV)


Título original: Le monde selon Monsanto (The World
According to Monsanto) (TV) 7.6 MB
Año 2008
Duración 108 min.
País Francia
Director Marie-Monique Robin
Guión Marie-Monique Robin
Reparto Documentary, George Bush
Género Documental | Telefilm
Sinopsis
El documental señala los peligros resultantes del crecimiento
exponencial de los cultivos de transgénicos, que en 2007 cubrían
100 millones de hectáreas, con propiedades genéticas patentadas en un 90% por Monsanto.
Crítica de la película "El Mundo Según Monsanto"
Por Jeffrey Smith
¿Cuánta indignación puede una sola multinacional inspirar? ¿Cuántos daños puede causar? La nueva
asombrosa película. El Mundo Según Monsanto, se trata de una compañía que fija un nuevo estándar. De
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Iowa a Paraguay, de Inglaterra a la India, Monsanto está arrancando de raíz nuestros alimentos y
reemplazándolos con sus productos creados genéticamente. Y a medida que lo hace, los granjeros, las
comunidades y la naturaleza se convierten en daños colaterales.
The Gazette dice que la película “le congelará la sangre en las venas.” The Hour dice que es "una
película horrorosa" que merita "furia". Pero aún más importante, esta película de importancia fundamental
nos abre los ojos justo a tiempo.
La película es el trabajo de la celebrada y premiada directora de cine francesa, Marie-Monique Robin,
cuyos tres años de trabajo en cuatro continentes revelan porqué Monsanto se ha convertido en el prototipo
de la influencia corporativa maligna para el gobierno y la tecnología. Combinando documentos secretos con
relatos de las víctimas, de los científicos y de los diseñadores de políticas, nos conduce a través de una tela
de informes engañosos, de tácticas de presión, de la complicidad, y de intentos de corrupción. Y vemos
cómo la compañía sistemáticamente engañó a gobiernos a permitir alimentos peligrosos modificados
genéticamente (MG) a formar parte de nuestra dieta – con Monsanto encargado de determinar si son o no
peligrosos.
Engaño. Engaño. Engaño
La historia de la compañía con algunos de los químicos más tóxicos que se hayan producido, ilustra
porqué no se puede confiar en ella. Pregunte a los habitantes de Anniston, Alabama, donde la fábrica de
PCBs de Monsanto secretamente envenenó a la vecindad durante décadas.. Cuando finalmente el gobierno
fue informado, "en vez de tomar partido por la gente que estaba siendo envenenada", se pusieron de parte
de Monsanto.
La compañía produjo el Agente Naranja, el defoliador que causa cáncer y defectos congénitos, rociado
sobre Vietnam. Según William Sanjour, quién manejaba la División de Deshechos Tóxicos de la EPA, "se
negaron prestaciones sociales a miles de veteranos" porque "los estudios de Monsanto demostraban que la
dioxina [el ingrediente principal] no era un cancerígeno humano". Pero su colega de la EPA, Cate Jenkins,
descubrió que Monsanto supuestamente había falsificado datos. Cuando ella solicitó a la EPA repasar los
estudios viciados, dice Snajour, "no hubo investigación de Monsanto… a la que investigaron fue a Cate
Jenkins, ¡la denunciante! Le volvieron la vida un infierno".
El cáncer también estaba implicado en investigaciones por el Profesor Robert Bellé, del herbicida
Roundup de Monsanto. Pero su administración le ordenó "no comunicar [sus] resultados debido a las dudas
sobre los OGMs que aún quedaban". Monsanto tiene la patente de 90% de los OGMS (Organismos
Genéticamente Modificados) cultivados en el planeta, la mayoría de éstos modificados específicamente para
tolerar la aplicación del Roundup.
Golpes de estado corporativo
Las previas manipulaciones de Monsanto fueron apenas calentamientos comparadas con la toma
virtual de posesión del gobierno utilizada para aprobar los alimentos MG. El problema al que Monsanto se
enfrentaba era que los OGMs son intrínsecamente peligrosos. Pueden crear efectos secundarios peligrosos.
Ése era el consenso de los científicos de la FDA, según 44.000 documentos de la agencia hechos públicos
por un pleito. Pero el documento más importante, la política oficial de la FDA, afirmaba que los OGMs no
eran substancialmente diferentes y que no sería necesario hacer pruebas de seguridad.
El anterior coordinador de bioténica de la FDA, James Maryanski, reconoce que esta norma fue el
resultado de "una decisión política", no científica. De hecho, la persona asignada políticamente a la FDA,
Michael Taylor era el encargado. Taylor era anteriormente abogado, y más adelante vicepresidente, de
Monsanto.
Hay metraje (de cine) que muestra al Vicepresidente George Bush en una instalación de Monsanto
ofreciendo ayuda para pasar sus productos por la burocracia del gobierno. Y Dan Glickman, anterior
Ministro de Agricultura de EEUU dice, "cuando abrí la boca en la administración de Clinton [acerca de las
flojas regulaciones de los OGMs], me dieron mis cachetadas"
Tony Blair, el primer ministro británico pro-OGM administró sus propias cachetadas. Cuando uno de
los científicos más importantes del Reino Unido descubrió evidencia de que los alimentos MG causaban
serios efectos secundarios, "dos llamadas telefónicas desde Downing Street al director" resultaron en su
despido repentino después de 35 años.
Granjeros devastados
Los granjeros por todo el mundo sufren a manos de Monsanto. Demandan a los granjeros en los
EEUU.; Sacan a los granjeros suramericanos de sus tierras para abrir campo a la soja MG, o los envenenan
con Roundup; y decenas de millares de granjeros en la India endeudados, cuyas inversiones en al algodón
MG de Monsanto se fueron al suelo, se han suicidado. Los granjeros mexicanos están descubriendo plantas
de maíz MG de forma rara, lo que sugiere que cuando el maíz MG se cruza con las variedades tradicionales,
hay mutaciones en los descendientes.
Reemplazo de la naturaleza
Monsanto domina el mercado de semillas y muchos están preocupados. La renombrada física y
organizadora comunitaria Vandana Shiva dice, "Si controlan las semillas, controlan los alimentos; lo saben,
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es una estrategia. Es más poderosa que las bombas, es más poderosa que las armas. Ésta es la mejor
manera de controlar a los habitantes del mundo.”
El Mundo Según Monsanto está bien nombrada. Es sobre Monsanto intentando reconstruir el mundo a
su propia semejanza, para su propio provecho. Se proponen substituir (y patentar) las existencias de
alimentos completamente. Y puesto que su contaminación genética se auto-propaga en el medio ambiente,
superará los efectos del calentamiento global y de los deshechos nucleares.
Semejante influencia permanente y extensa puede ser peligrosa con cualquier individuo o compañía.
Con la historia de Monsanto, los resultados pueden solamente ser catastróficos.
Este convincente documental podría ser la inspiración para un rechazamiento global de los planes de
Monsanto para nuestro mundo. Si es así, será la película más importante de la historia.

Música del corazón


TITULO ORIGINAL Music of the Heart 5.4/10 EXC
AÑO 1999
DURACIÓN 105 min.  
PAÍS
DIRECTOR Wes Craven
REPARTO Meryl Streep, Aidan Quinn, Gloria Estefan, Angela Bassett,
Jane Leeves, Kieran Culkin, Jay O. Sanders
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Violinista triunfa enseñando en pobre.
SINOPSIS: Basado en hechos reales, narra la vida de
Roberta Guaspari, una mujer violinista que dejó su carrera al
casarse. Años después, su marido la abandona con dos hijos,
pero ella consigue rehacer su vida personal y profesional
enseñando música a los niños pobres del East Harlem, en
Nueva York.
"Relato verídico, de alto voltaje sentimental, trenzado en forma de concierto de músicas,
sonrisas y lágrimas orquestado por la infatigable Meryl Streep"
Muchas veces se ha escuchado el tópico de que la música "amansa a las fieras", pero parece que no creyeran en
ello ni los que lo repiten una y otra vez, pues en una sociedad como la nuestra, donde la violencia de las bandas
juveniles es una seria preocupación, sin embargo cuando llega la hora de recortar presupuesto la perjudicada suele ser
la música ya que, como es sabido, "eso no sirve para nada".
Por todo ello, no es extraño que muchos contemplen la historia de Roberta Guaspari como un modelo a seguir.
En 1981, la Guaspari comenzó a dar clases de violín a los niños de una escuela pública del barrio neoyorkino de
Harlem, que en principio parecería uno de los lugares menos indicados para esa labor. Sin embargo, su éxito fue
notable, consiguió despertar en cientos de niños el amor a la música (y el saber superar cualquier dificultad que se les
presente) y cuando diez años después la escuela dio por terminados los cursos, debido a un recorte presupuestario,
Roberta pudo continuar enseñando gracias a una fundación creada al efecto, llamada "Opus 118", que se financiaba a
través de donaciones privadas y conciertos benéficos; para estos últimos ofrecieron su desinteresada colaboración
artistas de la talla de Isaac Stern o Itzhak Perlman.
La actividad de la "Opus 118" y su "Programa de violín en Harlem Este" ya aparecieron en la pantalla en 1996,
cuando se rodó un documental titulado Small Wonders (Pequeñas Maravillas), donde aparecía la verdadera Roberta
Guaspari enseñando a sus alumnos, con observaciones de Isaac Stern, y luego la actuación de estos en el Carnegie Hall
(la famosa sala de conciertos de Nueva York, generosamente cedida para estas ocasiones por influencia de Stern). Este
documental, que también se conoce con otro título (Fiddlefest o Fiesta del violín), dirigido por Alan y Lana Miller,
estuvo nominado a un Oscar en la categoría de mejor documental, y fue el punto de partida para el proyecto de filmar
una película basada en la vida de Roberta Guaspari, que se estrenaría en 1999 con el título de Music of the Heart
(Música del corazón).
La película comienza cuando el marido de Roberta, un oficial de marina, la ha dejado por otra. Roberta está
desolada, se pasa todo el tiempo al teléfono suplicándole que vuelva. Por él había abandonado su carrera musical, para
atender a sus dos hijos, Nick y Lexi; si bien para ser profesional de la música había empezado sus estudios ya muy
mayor, al menos quería dedicarse a la enseñanza. Sin embargo, el ser esposa de un militar (con los previsibles cambios
de residencia ante los nuevos destinos de su marido) hizo que apenas pudiera impartir clase de forma reglada, y tuviera
que conformarse con dar algunas clases particulares y enseñar a sus hijos.
Su madre la convence de que hay que afrontar la nueva situación, de nada sirve lamentarse, y lo primero que
debe hacer es buscarse un trabajo. Así, Roberta comienza a envolver paquetes en unos grandes almacenes, pero allí la
descubre Brian, un antiguo compañero de estudios, y la convence de que eso no es para ella, que podría dedicarse a
enseñar música a niños, que es lo que le gusta, y que conoce a la directora de una escuela pública de Harlem que la
podría contratar.
Dicho y hecho, Roberta se presenta ante Janet Williams, la directora, pero esta rechaza contratarla al no tener
ninguna titulación que la acredite. Roberta no se desanima, no pierde el optimismo, y a pesar del rechazo insiste en que
la directora pueda escuchar a sus hijos tocando el violín con ella. La "demostración" tiene éxito, pues Janet le pregunta
si puede hacer que todos los niños toquen tan bien el violín, a lo que Roberta contesta que cualquier niño puede
aprender. Queda contratada como suplente.
860

Aún le espera lo más difícil, el saber motivar a sus alumnos. El primer día de clase encuentra la batalla habitual
en las escuelas de suburbios, que estamos acostumbrados a ver en las películas: los alumnos se le rebelan, le toman el
pelo, pero solamente expulsando a uno consigue imponerse a ellos. A otro alumno, DeSean, que pide que le expulse
porque el violín son "cosas de nenazas" se niega a echarle. En la siguiente clase ya le prestan atención: si parecía
asombroso lo fácilmente que pudo conseguir el puesto, esto ciertamente es más asombroso aún.
Roberta comienza a enseñar canciones infantiles a los niños, y surgen los primeros problemas. La madre de
Naeem, un niño negro, se niega a que su hijo toque música "de blancos muertos" y pregunta cuántos compositores de
música clásica han sido de raza negra (Roberta no le supo mencionar a Scott Joplin; también podría haberse acordado
de directores como Henry Lewis o pianistas como André Watts). Siguiendo el discurso típico de los líderes negros
radicales, la madre de Naeem acusa a Roberta de ser de aquellas personas que quieren salvar a los que no quieren ser
salvados. El problema tiene una solución también asombrosamente fácil: un día, Roberta aborda a la madre de Naeem,
le argumenta qué hubiera pasado si Arthur Ash (famoso tenista negro) nunca hubiera jugado al tenis por ser un deporte
de blancos, y le dice que el rostro de Naeem "se ilumina" cuando toca el violín. Poco tiempo después, su madre traerá a
Naeem de vuelta a clase: así de sencillo.
Otra de sus alumnas es Guadalupe, una niña con problemas de movimiento (debe llevar una estructura de
refuerzo en las piernas). Roberta enseña un día a sus alumnos la posición de un violinista, con los dos pies formando
ángulo recto, de modo que aunque recibieran un empujón no perdieran el equilibrio; al recibirlo Guadalupe, se cae, y
así Roberta descubre su situación y la hace tocar sentada. Guadalupe está deprimida, piensa que no será capaz de hacer
lo que los demás, todos son mejores que ella, y entonces Roberta le habla de Itzhak Perlman, uno de los más famosos
violinistas del mundo, que tiene los mismos problemas que ella, y le dice que la firmeza no es sólo cuestión de las
piernas, también se tiene desde dentro.
Los métodos de Roberta, para exigir autodisciplina a sus alumnos, empiezan a ser denunciados por algunos
padres, que creen que sus hijos reciben malos tratos cuando se enteran que la profesora les dice cosas como "vuestros
padres vomitarán si os oyen tocar así de mal en el concierto de fin de curso". Hay una llamada de atención de la
directora al respecto, y Roberta decide, para no perder el puesto, suavizar el tono y ser menos exigente. Los resultados
no se hacen esperar, los alumnos tocan de forma horrible y ellos mismos piden la vuelta a la disciplina anterior, incluso
Becky, la misma niña que se había quejado a sus padres del lenguaje "agresivo" de Roberta. Todos los problemas
parece que vayan teniendo solución.
Lo más grave que se encuentra Roberta es el ambiente de delincuencia habitual en barrios como Harlem. Un día,
Roberta le pregunta a una alumna, Lucy, por qué no ha practicado en casa y ella le contesta que han matado a su abuela
en un atraco. Otro día es su propio hijo Nick el que casi estrangula a otro niño en una pelea, y Roberta piensa que Nick
sufre carencias afectivas por no tener un padre con él. Al poco tiempo se ser abandonada, había iniciado una relación
con Brian, y piensa que sería un buen padre para sus hijos; en efecto, Brian se comporta como un padre con Nick,
ayudándole a recuperar el equilibrio emocional, y Roberta piensa en formar una familia con él. Pero Nick no quiere
comprometerse, prefiere seguir en libertad, y por ello Roberta rompe la relación, con gran disgusto de Nick. También
despide a todos los obreros que había contratado para remodelar la casa que se ha comprado en Harlem, para que sus
hijos tuvieran al menos un hogar: todos ellos eran ex-presidiarios y gente que estuviera dispuesta a trabajar por poco
dinero, pero su rendimiento era extremadamente bajo.
Llega por fin el día del concierto de fin de curso y es todo un éxito... hasta el punto de que 10 años después, no
sólo continúan los cursos sino que ya da clase a 150 niños de 3 escuelas, y no hay número de plazas suficientes para
todos los que se desean apuntar, hasta el extremo de que hay que recurrir al sorteo. Las clases de Roberta ya son objeto
de atención en reportajes de la prensa.
Uno de sus actuales alumnos es un niño hispano llamado Ramón, que se toma muy en serio el practicar en casa
para superarse, teniendo que luchar con sus familiares, que solamente quieren ver tranquilamente los programas
deportivos de la TV y no oír los maullidos del violín del niño; llegará a poner en la puerta de su habitación un cartel de
"Manténganse afuera". Su identificación con la profesora hace que cuando otro niño, Justin, interrumpe una clase
tirando un atril al suelo, Ramón le desee que se muera. Poco después, Justin muere en un tiroteo y Ramón se siente
culpable; Roberta le convencerá que él no ha tenido nada que ver, que "no es tan poderoso".
Otra alumna es Vanessa, que parece hija de "familia bien", y se olvida traer el violín a clase. Al ser reprendida
por Roberta, su padre la disculpará diciendo que es hija de padres divorciados, ya se sabe, en los continuos traslados se
pierden cosas: una situación que Roberta comprende perfectamente porque es la suya propia. También está Rachel, una
niña negra de gran talento para la música a la que Roberta quiere recomendar para que estudie con una beca en la
prestigosa Juilliard School; por desgracia, la madre de Rachel es maltratada por su marido hasta el punto que madre e
hija deben esconderse fuera de la ciudad, y perder esa oportunidad.
Los propios hijos de Roberta quieren encontrarle pareja: para ello no se les ocurre mejor idea que insertar un
anuncio de búsqueda de relaciones, describiendo a su madre como guapa, violinista, con 30 y tantos, etc. y añadiendo
frases del tipo de "Con mi violín saciaré tu alma". Roberta se enterará cuando vea que le llegan montones de cartas, y
decide contestar a una de ellas, por lo que conoce a Dan Paxton, un caballero de aspecto respetable que es profsor de
periodismo, con el que comienza a salir, aunque sin saber si desea formalizar una relación.
Cuando faltan 10 días para el concierto de fin de curso, Roberta se entera que la han despedido. Al ir a exigir
explicaciones a la directora, Janet, esta le dice que han sufrido un recorte presupuestario y que han tenido que suprimir
su clase, ya que ella siempre fue "suplente". La plaza fija de profesor de música la tenía un estúpido llamado Dennis
Rausch, que no ha conseguido nunca motivar a sus alumnos más allá de una mera rutina, dentro de la enseñanza
"oficial" de la flauta. Roberta está dispuesta a luchar porque su clase continúe, y recibe el apoyo de Janet para
conseguir, ya que no recortar el presupuesto por otra asignatura, que aparezca por algún sitio una financiación para las
861

clases de violín.
Durante el concierto de fin de curso, Roberta se dirige a los padres para advertir que puede ser el último que
haya, debido a los recortes, y más tarde los invita a su casa para pensar en una solución. De momento, gracias a la
influencia de Dan, el caso ha saltado a la prensa. La madre de una de las alumnas de Roberta, que es fotógrafa, se negó
una vez a cobrarle unas fotos a la profesora de su hija, como agradecimiento por lo que hacía por la niña; hablando con
ella, Roberta descubrió entonces que era la esposa de Arnold Steinhardt, el primer violín del Cuarteto Guarneri (en el
doblaje español, que debe estar hecho "al oído", Roberta dice "Cuarteto Ganeri"). Pues bien, la esposa de Steinhardt
propone en la reunión recaudar fondos mediante un concierto benéfico donde podría tocar su marido e invitar a otro
violinista amigo suyo que es nada menos que... ¡ Itzhak Perlman !
Los preparativos para el concierto son arduos: los niños ensayan sábados y domingos, deben presentar un
contrato firmado por sus padres para que garanticen que no podrán faltar a ningún ensayo, aprenden obras algo más
"serias" que las canciones infantiles que tocan habitualmente, ya se han impreso los programas que anuncian a Perlman
y Steinhardt... cuando surge un nuevo imprevisto, el teatro que pensaban alquilar para la ocasión ha quedado
inutilizado por una inundación y no hay ningún otro disponible en la zona. La solución a este contratiempo parece
propia de los cuentos de hadas: la mujer de Steinhardt ha recurrido, a través de un amigo común, a Isaac Stern y este
les ha cedido nada menos que el Carnegie Hall, la sala de conciertos más famosa de Nueva York, que en 1960 se salvó
de la demolición gracias a una campaña protagonizada por el propio Stern. Además, Stern pide a Roberta que le deje
tocar en el concierto e invitar a "algunos amigos" a que también toquen.
El día del concierto en el Carnegie Hall supone para Roberta un reencuentro con el pasado: vuelve a ver a Brian,
quien le dice que "sabía que llegarías a tocar aquí"; además, antiguos alumnos suyos de su primer año en la escuela,
como Naeem, Guadalupe DeSean o Lucy, han regresado para tocar en la orquesta. A todos les da esta instrucción:
"Tocad con el corazón" (lo que da título a la película). No hará falta decir que el concierto resulta un éxito apoteósico.
La película termina recordándonos que Roberta Guaspari continúa dando sus clases en la actualidad, que el concierto
del Carnegie Hall (que se dio en 1993) sirvió para costear el programa durante 3 años, y que en la actualidad esa tarea
la lleva a cabo una fundación, la "Opus 118".
La secuencia del concierto en el Carnegie Hall ofrece una de las mayores reuniones de músicos célebres que se
hayan visto en la pantalla en mucho tiempo. Además de Perlman y Stern (tocando codo a codo con los pequeños
Ramón o Vanessa) y Steinhardt, tenemos a otro célebre violinista, aunque más joven, como Joshua Bell; a Mark
O'Connor, violinista famoso como intérprete de sus propias composiciones, basadas en el folklore norteamericano y
que podríamos encuadrar en el género normalmente conocido como "crossover"; Michael Tree, también del Cuarteto
Guarneri; otros violinistas de estilo "crossover" como Karen Briggs, Charles Veal Jr. (que recibió clases nada menos
que de Heifetz), Sandra Park o Diane Monroe, o el pianista Jonathan Feldman, que ha grabado discos acompañando al
violinista Gil Shaham. Todos ellos se interpretan a sí mismos, y no participan en los diálogos. Sólo hay dos
excepciones: se ve a Steinhardt cuando telefonea a Perlman para proponerle tocar en el concierto benéfico ("Itzhak, soy
Arnold...") y también podemos ver a Isaac Stern dirigirse a Roberta, dentro del Carnegie Hall, para recordarle el pasado
esplendor de la sala: allí han tocado Tchaikovsky, Rachmaninov, Heifetz, Horowitz...
Aparte de estos músicos famosos, en el reparto encontramos algunos nombres de tanto prestigio como el de
Meryl Streep, que da vida a Roberta Guaspari (en la película usa a veces como nombre de casada "Roberta Demetras";
en la realidad, el apellido de su marido era Tzavaras, y como Roberta Tzavaras aparece en el documental de 1996).
Seguramente el nombre de la Streep (que acumula 2 Oscar a la mejor actriz y otras 10 nominaciones, una de ellas por
esta interpretación) habrá abierto muchas puertas a la distribución de la película, y a su éxito, que no hubiera tenido si
Roberta se hubiera interpretado a sí misma.
Por otra parte, cabe preguntarse cuánto hay en su personaje de Roberta Guaspari y cuánto de Meryl Streep, que
en todo caso sabe expresar muy bien el registro optimista de su personaje, esa energía que no se arredra ante las
dificultades. Un mérito indudable que hay que reconocer a la Streep (y que casi le valdría el Oscar) es haber aprendido
a tocar el violín para la película, siguiendo el mismo camino que los niños a los que se la veía dar clase, de piezas
fáciles a obras de Bach.
Otro nombre famoso del reparto es el de Angela Bassett, conocida por películas de gran éxito como Esperando
un respiro y nominada una vez el Oscar, que interpreta a la directora del centro, Janet Williams. Aidan Quinn (nada
que ver con Anthony Quinn) es Brian y es obligatorio citar también como la madre de Roberta (Assunta Guaspari) a la
veterana Cloris Leachman, nombre habitual en las películas de Peter Bogdanovich, como La última sesión o
Texasville, donde interpretaba a Ruth Popper: la primera de ellas le valió en 1972 el Oscar a la mejor actriz secundaria.
Todos los niños que aparecen en la película tocando el violín han sido, lógicamente, alumnos de Roberta en la
vida real. En cuanto al repertorio que tocan, en sus primeros conciertos se limitada a piezas como la canción infantil
Twinkle, twinkle, little star, que es la misma que la que se conoce en francés como Ah vous dirai-je, maman (y sobre la
que Mozart escribiría unas famosas variaciones) y en español como Campanitas del lugar. En esta pieza, Roberta hacía
a sus alumnos introducir un "rallentando", antes de lo que serían los dos últimos versos de la canción, que causaba un
gran efecto entre el público, preguntándose a qué venía esa detención: un detalle tomado de la vida real (puede verse en
el documental), pero por supuesto mucho más exagerado en la película.
En la época en que Roberta es despedida de la escuela, podemos oír en varios momentos cómo sus alumnos
tocan de modo bastante lento la música conocida como "el can-can de la Obertura de Orfeo en los Infiernos de
Offenbach", que no es un can-can sino galop, y tampoco fue incluido por Offenbach en esa Obertura, sino acoplado
posteriormente; pese a todo, así es como se conoce. En uno de esos momentos, cuando están ensayando en plena calle
solos, sin su profesora, un transeúnte les echa algunas monedas en una caja de violín abierta en el suelo.
Cuando surge la idea del concierto "de verdad", el que se acabará celebrando en el Carnegie Hall, es preciso
862

aprender un repertorio nuevo, pues según dice Roberta "la gente va a pagar mucho dinero y no querrán oír
Campanitas". De ahí que les haga ensayar lo que ella llama "El Minueto nº 1 de Bach" (que originalmente pertenece al
Libro de Anna Magdalena Bach, sin ser uno de los más conocidos). En el concierto final, con la orquesta llena de
músicos famosos, escucharemos el primer movimiento del Concierto para 2 violines de Bach.
Aparte de estas músicas, en la película suenan otras muchas y gran parte de ellas no son música clásica: parece
como si el carácter "universal" que se buscara de las enseñanzas del film hiciera que todas las tendencias musicales
debieran estar representadas en él. Así, podemos encontrar un Trío de Haydn que están tocando Roberta y sus dos
hijos, Nick (cello) y Lexi (piano), cuando reciben la primera visita de Dan, que viene "por lo del anuncio"; o antes, a
Nick ensayar en solitario el Preludio de la Suite para cello nº 1 de Bach. Pero cuando el Carnegie Hall en pleno
ovaciona a Roberta y a sus alumnos lo que escuchamos es la banda sonora totalmente convencional compuesta por
Mason Daring; y en los créditos finales escuchamos una canción pop compuesta para ser "la canción de la película": su
título, Music of My Heart; su autora, Diane Warren; y su intérprete, la famosa cantante cubano-americana Gloria
Estefan, quien de paso interpreta un pequeño papel en el film, el de una profesora del colegio que apoya a Roberta
desde el principio, y que supone su debut en la pantalla (no interpretándose a sí misma, se entiende).
El mensaje que nos trae Música del Corazón es el ya conocido de que es posible superar las dificultades que uno
se encuentra en la vida si se lucha lo suficiente. En el concierto del Carnegie Hall, la directora del colegio pronuncia
unas palabras preliminares, donde no dice que a lo largo de estos 10 años haya habido 1.000 alumnos que aprendieran a
tocar el violín, sino que "han ampliado su visión de lo que es posible en la vida". De hecho, de los alumnos que han
pasado por las clases de Roberta, alguno tiene ya el título de médico o al menos es un estudiante aventajado en la
Facultad. Lo que nos quiere decir la película es que posiblemente nunca hubieran llegado tan lejos de no haber
aprendido a superarse a sí mismos con un simple violín.
Es posible que este tipo de mensajes parezca excesivamente conservador, al descargar la responsabilidad en el
individuo y no en la sociedad, que debe ser más justa y dar más oportunidades, pero por muy justa que pueda ser la
sociedad una parte del éxito del individuo siempre tendrá que ver con su propio esfuerzo. Aunque algunos problemas
se resuelvan en la película con una facilidad que parece excesiva, en cualquier caso nos encontramos ante un producto
bastante superior a otros que insistían en una línea parecida, como Billy Elliot, comentado en el pasado número, y
cuyas trampas del guión eran mucho más visibles. Un mérito el de Música del Corazón que habrá que atribuir, al
menos en parte, a su director, Wes Craven, extrañamente alejado aquí de su habitual especialidad, el cine de terror
(recordemos Pesadilla en Elm Street o la serie Scream), para realizar una película de esas que puede ver junta toda la
familia.

Nacida libre
TÍTULO ORIG. Born Free 6.1/10 MB
AÑO 1966
DURACIÓN 96 min.
PAÍS GB
DIRECTOR James Hill
GUIÓN Lester Cole (Novela: Joy Adamson)
REPARTO Virginia McKenna, Bill Travers, Geoffrey Keen, Peter Lukoye,
Omar Chambati, Bill Godden, Robert S. Young, Bryan Epsom.
PREMIOS 1966: 2 Oscars: Mejor banda sonora original, canción
GÉNERO Aventuras. | Animales. Naturaleza. África. Basado en hechos reales
SINOPSIS Después de una ronda de vigilancia por la selva de Kenia, George Adamson lleva a su mujer,
Joy, tres cachorros de león a cuyos padres se ha visto forzado a matar. Pronto los animales
reinan en la casa, sobre todo la pequeña “Elsa”, que se convierte en la constante compañía y
la ama del hogar. Las autoridades intervienen para hacerle ver que los animales suponen un
peligro creciente, hasta que el matrimonio Adamson se decide a llevarlos al aeropuerto de
Nairobi para internarlos en un zoo. Sólo “Elsa” se queda con ellos.

Nacidas para sufrir


TÍTULO ORIG. Nacidas para sufrir 6.2/10 MB
AÑO 2009
DURACIÓN 112 min.  
PAÍS España  
DIRECTOR Miguel Albaladejo
GUIÓN Miguel Albaladejo
REPARTO Adriana Ozores, Malena Alterio, Mariola Fuentes, Petra Martínez,
María Alfonsa Rosso, María Elena Flores, Marta Fernández-Muro,
Sneha Mistri, Jorge Calvo, Antonio Gamero, Mari Franc Torres.
GÉNERO Comedia. Drama | Comedia negra. Soledad de anciana servicial.
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SINOPSIS La tía Flora, de 72 años, es una solterona de un pequeño pueblo que siempre ha estado al
cuidado de sus familiares. Su única hermana murió muy joven y le dejó tres sobrinas
huerfanitas de las que también tuvo que ocuparse. Las tres sobrinas crecieron y se fueron del
pueblo, y ahora Flora está asustada porque, al llegar a la vejez, ve que llega el momento en
tendrán cuidar de ella... y teme que la lleven a la residencia donde trabaja una de ellas. Su
única salvación es Purita, una joven que ha estado ayudándole en los últimos años a cuidar de
sus ancianos parientes, y que es la única con la que siente en familia.
Soberbias interpretaciones de Petra Martínez y Adriana Ozores, una gran capacidad para
CRÍTICAS trasladar a la pantalla hechos cotidianos, casi todo en la película rezuma verdad dentro de su
aparente locura.
Un comienzo brillante. A partir de ese arranque, la propia estructura de la cinta juega en su
contra. La trama se va despojando de personajes, los diálogos escasean y, a falta de humor
visual, el drama eclipsa la comedia
Comedia de herencia berlanguiana que cuestiona la abnegación femenina.
Estaríamos equivocados si pensáramos que, hoy día, la mujer ha conseguido desprenderse de la cultura sexista y
patriarcal que ha sufrido durante siglos. Es cierto que el horizonte es más esperanzador, se han producido importantes
avances socioculturales y los escenarios típicamente asociados a lo femenino (familia, hogar, matrimonio) son mucho más
amplios. Pero no debemos engañarnos. Las inercias y automatismos del pensamiento siguen haciendo mella en muchas
mujeres todavía damnificadas por costumbres y tradiciones tan alienantes como opresoras, y ello aumenta en los núcleos
rurales, lugares de mayor riesgo de exclusión social. En este sentido, el cine español ha reflejado a lo largo de su historia
la represión de la mujer con títulos tan significativos como Cielo negro (Manuel Mur Oti, 1951), Calle mayor (Juan
Antonio Bardem, 1956), La tía Tula (Miguel Picazo, 1961), La niña de luto (Manuel Summers, 1964), La mitad del
cielo (Manuel Gutiérrez Aragón, 1986), La casa de Bernarda Alba (Mario Camus, 1987) o Solas (Benito Zambrano,
1999). En estas obras, la reclusión en el hogar, el drama de la soltería, la importancia de la honra femenina, la represión
sexual, el peso de costumbres religiosas como el luto o las dificultades de la ascensión social son cuestiones que,
respectivamente, se ciernen sobre sus personajes femeninos. En esta línea podríamos inscribir Nacidas para sufrir, la
última producción del cineasta alicantino Miguel Albaladejo.
Tras la muerte su hermana, Flora se ha quedado sola al cuidado de Purita, la asistenta con la que vive, aunque la
quiere tanto o más que a sus tres sobrinas, que la visitan a duras penas y que, tras esta desgracia, pretenden ingresarla
en la residencia de ancianos en la que trabaja una de ellas, Marta, religiosa de vocación. Flora, que ha vivido toda su vida
pendiente de su familia, teme ahora, en su vejez, quedarse sola y desatendida. Por este motivo idea un descabellado plan
para retener a Purita a su lado: proponerle matrimonio civil para que ésta, a condición de cuidarla hasta su muerte,
herede sus pertenencias. La muchacha, de «pocas luces», acepta la oferta, más la indignación de las sobrinas no se hace
esperar. Al mismo tiempo, un hermano de Purita aparece en televisión pidiendo su regreso a casa; al parecer, un
desencuentro familiar había provocado la huída de ésta y desde entonces nunca habían vuelto a saber de ella. Las dos
mujeres tendrán, entonces, que ir con mucho cuidado al reencuentro familiar para que su «matrimonio» pase inadvertido.
Los creadores de Nacidas para sufrir han reconocido la herencia «berlanguiana» que hay tras esta comedia de
negrísimo trasfondo. Ciertamente, en la película abundan los trazos costumbristas y esperpénticos para retratar esa
España «cañí» en la que viven las dos protagonistas, tales como el cementerio parroquial, las verbenas en el pueblo, la
casa consistorial, la siega de tierras con la guadaña, la crianza de conejos, etc. Albaladejo introduce con elegancia estas
bocanadas rurales en el entramado narrativo; sin duda se ha hecho un esfuerzo por filtrar gota a gota esta realidad,
esfuerzo que también se aprecia en la construcción de los diálogos, salpicados de expresiones castizas, de sabiduría
popular, y todo sin caer en lo chabacano y la astracanada –precisamente de lo que adolecían las últimas aventuras
cinematográficas de García Berlanga, muy lejos de la maestría de Novio a la vista, El verdugo o Plácido–. Pero, siendo
francos, hay que reconocer, no obstante, que Albaladejo no es Berlanga, al menos por el momento. La planificación y
dirección de intérpretes carecen, respectivamente, de esa vitalidad y frescura narrativa tan características del maestro
valenciano. Imágenes y secuencias son, por momentos, demasiado estáticas, demasiado inertes. Por otro lado, da la
sensación de que los tránsitos entre los estadios narrativos –del matrimonio civil al reencuentro familiar, por ejemplo– se
producen por su propio agotamiento más que por una evolución narrativa preestablecida. La película, en este sentido, se
encalla en demasiadas ocasiones.
Dicho esto, Nacidas para sufrir contiene otras lecturas, otros puntos de interés que no deberíamos soslayar.
Porque, tras su epidermis cómica, se agazapa una mirada muy crítica contra ese discurso de abnegación y sufrimiento que
la tradición ha impuesto a sus dos protagonistas; esa cultura de sacrificio y entrega sin paliativos por el simple hecho,
deducimos, de ser mujeres. Albaladejo nos advierte, así, de las lacras patriarcales todavía existentes en muchas mujeres;
de la imagen de ser débil y pusilánime que, de sí mismas, han heredado. Esta hondura feminista une a Nacidas para
sufrir a los títulos que mencionábamos en el primer párrafo. Afortunadamente, el boom de directoras españolas que se
produjo en la década de los noventa –Isabel Coixet, Icíar Bollaín, Gracia Querejeta y Chus Gutiérrez como principales
representantas, y Pilar Miró, Josefina Molina y Cecilia Bartolomé como precedentes– está desterrando muchos
estereotipos. A su modo, cineastas como Julio Médem, Alejandro Amenábar, Benito Zambrano, Javier Rebollo y el que nos
ocupa, Miguel Albaladejo, están contribuyendo a la causa con películas como ésta. (Cine par leer)

Nacimiento, vida y muerte de Cristo


Título original: La naissance, la vie et la mort de Notre-Seigneur Jésus-
Christ 5.5 MB
Año 1906
Duración 33 min.
País  Francia
Director Alice Guy
Guión Alice Guy
Fotografía B&W
Género Drama | Religión. Biblia. Cine mudo. Orígenes del cine. Mediometraje
Sinopsis
Realizada por Alice Guy, la primera mujer cineasta del mundo. Se inspira en las acuarelas que Tissot pintó en un
viaje a Palestina.
864
Narciso Negro
TÍTULO ORIG. Black Narcissus 7.6/10 B
AÑO 1947
DURACIÓN 100 min.
PAÍS GB
DIRECTOR Michael Powell, Emeric Pressburger
GUIÓN Michael Powell, Emeric Pressburger
REPARTO Deborah Kerr, Sabu, David Farrar, Flora Robson, Kathleen Byron,
Jean Simmons, Jenny Laird, Esmond Knight
PREMIOS 1947: 2 Oscars: Mejor fotografía color, dirección artística color
GÉNERO Drama. Religiosas en Himalaya. Crisis cultural y espiritual.
SINOPSIS Un grupo de monjas occidentales abre un hospital en un antiquísimo templo del Himalaya. A
las dificultades económicas y a la hostilidad de los nativos, pronto se suman las tensiones
entre las propias monjas. Un agente británico intentará mediar entre ellas para solucionar sus
problemas, pero su presencia acabará despertando, con consecuencias fatales, la sexualidad
reprimida de algunas hermanas.
Entre lo racional y lo inconsciente
Voto de castidad
Un grupo de valientes monjas católicas están decididas a abrir un hospital en un antiguo templo del
Himalaya. El templo se encuentra en un remoto lugar de difícil acceso, donde muchas personas viven
en la pobreza y con mínimas condiciones sanitarias. Esta empresa no le va a resultar nada fácil a las
monjas, que empiezan a sentir la hostilidad inicial de los habitantes. Esto origina varios problemas, e
incluso se producen tensiones entre el grupo de monjas. Con el fin de ayudarlas, se presenta un oficial
británico que trata de poner las cosas en orden. Pero el contacto con el oficial despierta en algunas
monjas unos sentimientos contrarios a su voto de castidad.
Uno de los mejores trabajos conjuntos de Michael Powell y Emeric Pressburger (Las zapatillas rojas). La
pareja de directores logra un sólido drama, adaptación de una novela de Rumer Godden, que narra las
aventuras de un grupo de monjas, y que acaba convirtiéndose en una trágica historia próxima al cine
de terror. Destaca la interpretación de Deborah Kerr, recordada por películas como De aquí a la
eternidad. Tiene una gran riqueza visual, aunque quizá el ritmo narrativo se queda algo anticuado para
un espectador actual. El director de fotografía, Jack Cardiff, consiguió un merecido Oscar, por su
cuidada utilización del color.

Natividad
TITULO ORIGINAL The Nativity Story 6.0/10 EXC
AÑO 2006
DURACIÓN 101 min.  
PAÍS
DIRECTOR Catherine Hardwicke
GUIÓN Mike Rich
REPARTO Keisha Castle-Hughes, Oscar Isaac, S. Aghdashloo, Hiam Abbass,
Shaun Toub, Alexander Siddig, Said Amadis, Ciaran Hinds
GÉNERO Y CRÍTICA Buena ambientación. José humano y cariñoso.
SINOPSIS: Historia de una joven llamada María y del designio divino que cambió para
siempre su vida y la historia de la humanidad. Relata su vida en Nazaret, su compromiso
con su esposo José, la visita del Ángel Gabriel, un embarazo milagroso y el arduo camino al
que ella y José tuvieron que hacer frente desde Nazaret hasta Belén para dar a luz al hijo de
Dios.
Se aferra a los detalles conocidos de la narración y los dramatiza con sinceridad y buen
gusto. Una película interesante.
El confort interior que se siente al ver la 'ilustración' en 24 imágenes por segundo del parto
más famoso de todos los tiempos es lo mejor que se puede decir del filme.
Durante la época navideña de 2004, el guionista Mike Rich se sintió inspirado. "Vi varios artículos en revistas
sobre el Nacimiento, sobre María y José, Los Reyes Magos, el pastor; todos los personajes que cuidadosamente
coloqué en el pesebre familiar cada año mientras crecía," dice Rich. "Y se me ocurrió que si bien sabía,
visualmente, cómo terminaría el viaje a Belén, tenía poca idea de cómo fue que llegaron allí, qué tipo de personas
eran ellos, y qué tipo de desafíos tuvieron que enfrentar. Como creyente y como contador de historias, esas eran
preguntas que quería contestar."
Además de su propia investigación, Rich reunió a varios expertos en diferentes campos y los enlistó para
asegurarse su ayuda en probar la exactitud de su trabajo. “Desde muy temprano, quisimos que el guión estuviera
en otras manos para obtener tantas opiniones como fueran posibles,” dice Rich. “Historiadores, teólogos, expertos
Judeo-Cristianos, expertos Católicos, expertos Ecuménicos - todos han ayudado a elevar esta película. No sólo
visualmente, sino desde un punto de vista de cultura y tradición.”
A pesar de que su investigación fue una herramienta valiosísima para escribir el guión, fue una tragedia
personal la que le dio a Rich su mayor inspiración. “Durante ese año, mi padre falleció y me sentí obligado,
espiritualmente y emocionalmente a hacer algo. Y entonces, poco después del Día de Acción de Gracias, escribí el
primer boceto, rodeándome de música y villancicos navideños. Fue una experiencia muy espiritual. Fue una alegría
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escribirla, no sólo porque era una historia enorme, épica, basada en un evento real, sino porque también era todo
lo contrario: una historia personal e íntima de dos personas comunes que llevan a cabo esta extraordinaria misión.”
“Esta película es maravillosa, porque tiene valores y corazón, como queremos tener en nuestra compañía,”
dice Godfrey. “Es un proyecto apasionado.”
En búsqueda de las locaciones perfectas, Hardwicke y el productor Godfrey viajaron desde Nazareth hasta
Belén para encontrar locaciones que se acomodaran a la época de este proyecto. Desafortunadamente, hubo tanto
progreso en el país que filmar en Israel ya estaba descartado desde un comienzo, pero se encontraron con una fiel
réplica llamada “La Ciudad de Nazareth.”
En la cima de una montaña en la actual ciudad de Nazareth hay un moderno hospital, y detrás de ese
hospital están los restos de la ciudad original de Nazareth. Los arqueólogos determinaron cuán antigua era y así
fue, las rocas y las construcciones eran de la época del nacimiento de Cristo. Entonces, con la ayuda de los
historiadores y teólogos, los fundadores de la ciudad sin fines de lucro llamada Ciudad de Nazareth recrearon una
versión al estilo réplica de cómo era Nazareth durante la época de Jesús. Allí, Hardwicke y Godfrey visitaron casas,
cisternas subterráneas y una sinagoga del Siglo I y asistieron a demostraciones de tejido y carpintería.
Luego, Hardwicke y Godfrey viajaron a Italia para conocer la tierra cerca de Matera, un pequeña ciudad en el
sur de Italia que se usara previamente como locación para el film de Passolini The Gospel According to St. Matthew
y parte del film de Mel Gibson The Passion of the Christ. La ciudad se parece a Jerusalén y el paisaje da la misma
sensación que la tierra que rodea a Nazareth: verdes colinas, rocas protuberantes y antiguos huertos de olivos.
Matera es más auténtico que los sitios originales hoy en día,” dice Mike Rich. “La Nazareth de hoy en día es
una ciudad moderna. Jerusalén es otra ciudad muy moderna.” En un huerto de olivos en las afueras de Matera, el
Diseñador de Producción Stefano Maria Ortolani y su equipo comenzaron a re-crear Nazareth, diseñando y
planeando la estructura de la ciudad desde cero. El equipo de producción tomó rocas que ya existían e hicieron
moldes de yeso para crear construcciones y túneles.
Las ciudades se centraban rodeando al pozo de agua, por eso el departamento de arte diseñó una ciudad
construida con esa indicación y ubicó a otros edificios de la comunidad como la prensa de olivos, la prensa de vinos
y la sinagoga. Las casas se ubicaron sobre la colina, así era como naturalmente las casas se expandían, hacia
arriba, lejos de la tierra chata que se usaba para los campos de trigo o para viñedos.
La producción también hizo el paisaje que rodea la ciudad, construyendo la ciudad de Belén al lado de una
serie de cuevas que fueron habitadas durante 8.000 años. En la ciudad de Matera, hay una serie de cuevas
llamadas Sassi, donde se construyen casa, restaurantes e iglesias. Con algo de ayuda del departamento de arte y
efectos visuales, se convirtieron en las viejas calles de Jerusalén.
Después de filmar durante 5 semanas en Italia, la producción se mudó a Ourzazate, Marruecos. Otra parte
del departamento de arte había estado ocupada construyendo la ciudad de Isabel en Fint Oasis - donde un río corre
en medio de una montaña color púrpura. El equipo construyó una casa al estilo “Primer Siglo”: paredes gruesas
hechas de auténtico lodo de río, pisos de tierra y hornos para cocinar pan, construidos de la misma forma que se
construyen desde hace mil años.
Apuntes para el animador
Puede parecer fácil, a simple vista, hablar de los elementos vocacionales de una película basada en los
evangelios. Pero lo más interesante es precisamente lo contrario, los “añadidos” artísticos que hace la directora
porque nos pueden ayudar a profundizar en lo que ya sabemos. Y esto es lo que pretendemos con esta guía
vocacional.
Prácticamente esta propuesta de Catherine Hardwicke se centra con mucha fidelidad en la vocación de María, que
es el centro del guión, y en la de José (que aparece con mucho más protagonismo que en otras películas), pero se
completa con la búsqueda de los tres magos y el miedo y el terror del rey Herodes.
Un aspecto interesante del film es el interés que ha tenido el director de mostrarnos el contexto político-social de la
Palestina del siglo I. Así podemos apreciar la opresión que sufría el pueblo judío tanto por los soldados de Roma
como por los de Herodes, el injusto sistema de impuestos, los castigos de Herodes contra los disidentes, etc… En
medio de esta experiencia podemos apreciar la sed de justicia del pueblo y el deseo de que la profecía se haga
realidad. En este sentido, una vez después de ver pasar los soldados de Herodes, María pedirá un “Mesías para
liberar a mi pueblo”. Todo esto está en consonancia con los relatos de vocación que encontramos en la Biblia. En
todos ellos, Dios llama a alguien como respuesta a una situación de sufrimiento de su pueblo. La vocación en la
Biblia no es algo solamente personal sino que es un don para el pueblo, el pueblo que sufre.
Otro elemento interesante es todo lo referente a los miedos y temores de María y José. Aquí los podemos ver y
sentir “humanos”. Dios les ha pedido algo grande, pero reconocen su pequeñez. María se pregunta cómo la van a
creer cuando regrese a Nazaret. Comparte su miedo a su prima Isabel y se pregunta por qué Dios se lo ha pedido a
ella que no es nada. Después llegando ya a Belén, María y José compartirán sus propios temores.
El tema de las dudas también está muy presente en los relatos bíblicos de la vocación. Tener miedo es un aspecto
de la vocación importante porque nos hace ser humildes y reconocer que “todo es gracia”. El miedo, en una dosis
normal, no nos atenaza sino que hace que no nos fiemos de nosotros mismos sino que confiemos en Aquel que nos
llama y nos asiste con su gracia.
No obstante la interpretación de María realizada por Keisha Castle-Hughes deja un poco de desear. Valga como
muestra la crítica que hace Julio Rodríguez Chico: “Siendo correctas las interpretaciones, Keisha Castle-Hughes se
mueve durante la primera mitad en unos registros de ambigüedad, con un rostro entre demasiado serio y
preocupado, sin dejar que refleje su interior de fe u oración; ciertamente su actitud es piadosa y sobrenatural pero
más por sus palabras que porque sus ojos trasmitan una profundidad del alma y una intimidad con Dios: así, su
espiritualidad surge más de la narración de los hechos que de la dramaturgia de la propia imagen. Además, en su
retrato se echa en falta que no se haya recogido adecuadamente la perplejidad y turbación interior que tuvo al
chocar su promesa a Dios de virginidad y su entrega en matrimonio” (Tomado de labutaca.net ). Esta observación
puede darnos algunas pistas para el debate.
Otro elemento interesante de “Natividad” es el díptico formado por la oposición entre dos personajes: Herodes y los
Magos. Herodes vive en un miedo enfermizo. Teme “la profecía” y ve enemigos por todas partes, incluso en su
familia, hasta llegar a eliminarlos. Pero no sabe leer los signos, busca a un “hombre con poder”, por eso se
equivoca.
Por el contrario, los Magos sí saben leer los signos. Uno más esperanzado que los otros, pero todos se lanzan a la
aventura, a pesar de las inconveniencias del viaje. Ellos sí saben encontrar y descubrir al niño de la profecía que
viene a salvar al mundo.
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La clave no es otra que la que nos da el texto de 1 Re 19,11, que aparece citado dos veces. Dios no se revela en
los grandes signos (terremoto, fuego, etc…) sino en una ligera brisa. Esto es fundamental para discernir la propia
vocación.
Con “Natividad” podemos descubrir algunos valores vocacionales como el discernimiento, el miedo y la superación
de dificultades, la fe y la fidelidad, todo ello entorno a los modelos vocacionales de María y José.
Materiales para trabajar la película
1. Ver y analizar
¿Cómo se nos presenta la época y la situación social de la Palestina del siglo I? ¿Cómo viven los judíos esa
situación? ¿Qué esperan?
¿Cuáles son los rasgos o características de María tal y como aparecen en esta película? ¿Estás de acuerdo con esta
representación?
¿Y de José? ¿Cómo aparece en la película? ¿Estás de acuerdo con la manera en que es presentado?
¿Cómo presenta la directora la oposición entre Herodes y los Magos? ¿Qué les diferencia?
¿Qué elementos o escenas que no se encuentran en los evangelios te ha llamado más la atención? ¿Por qué?
2. Nos interpela
¿En qué se parece la situación social de hoy con la de la Palestina del siglo I?
¿En qué sentido María y José son modelos para tu vida cristiana?
¿Cuál crees que es la misión que Dios te quiere encomendar?
¿Cuáles son los miedos que tú tienes delante de Dios? ¿Cómo los integras en tu vida de fe?
¿Cómo te interpela la actitud de Herodes y la de los Magos?
¿Qué te dice la cita de 1 Re 19, 11: la revelación de Dios en una brisa suave?
3. Oramos
Canto apropiado y conocido por todos.
El día del ángel
I
Y, cuando menos lo esperaba, ocurrió.
Y todo fue tan sencillo que no hay nada que decir ni contar. Era, sí, el mediodía.
El cielo estaba tenso como un mar sin orillas y no es que el aire fuera transparente
es que era todo él como el interior de un lirio.
Y yo estaba allí, suspendida en la luz, sostenida por la mano de aquel a quien rezaba.
¿Rezar? ¡Ah, qué simple!
Bastaba con respirar para hablarle, el correr de los ríos de mi sangre era un salmo
y el corazón, latiendo, sonaba como los timbales del templo de Jerusalén.
Y todos sin prodigios como maduran las frutas de los árboles.
II
Y él vino entonces.
No sé muy bien si estuvo fuera o sólo lo vi dentro. Sé que estuvo y oí su voz como se escucha el viento.
¿Cómo era? Decís. ¿Y yo qué sé? No hay puntos de comparación. No era un hombre, era más.
¿Era una fruta que al mismo tiempo es pájaro? No, era más, era más.
¿Era un atardecer en el que estuvieran, además, todas las estrellas? No, era más, era más.
¿Era un relámpago vestido de sumo sacerdote? Era más, mucho más.
Era la suma de las sumas,el mensajero de la multiplicación de las multiplicaciones.
III
Y habló. Y dijo palabras que iban cayendo sobre mí como goterones de plomo derretido.
Palabras que no sabría repetir pero que me empujaban a una gran locura.
Yo tendría que crecer y crecer.
Desde arriba me estirarían el alma porque el que iba a venir
era tan diminuto y tan grande que sólo cabría en mí y no en todo el universo.
Y todo aquello -¡qué bien lo entendí entonces!- se haría con risas y con sangre.
El alma no crece como se estira la masa del pan en la tahona,
crece desgarrándose estirando el corazón con los siete caballos del misterio.
Creces sin entender y empiezas a no ser lo que tú eras.
Sabes que Alguien será tu hijo, pero nunca sabrás quién es ese alguien y empiezas a sospechar
que este primer parto feliz es tan sólo el ensayo de otro más sangriento.
IV
Pero ¿cómo decirle “no”? ¿Cómo negarle al sol su derecho a ser luz e iluminar?
¿Cómo regatear con El, ponerle condiciones, pedirle garantías?
El amor es así: elegir sin elección. Y “hágase” le dije.
Y recuerdo que el ángel sonrió como si acabase de quitarle un gran peso de encima,
como si ahora pudiera ya atreverse a regresar al cielo. un pájaro cruzó tras la ventana.
Y la tarde se puso como si el sol sangrase.
Y el aire se llenó de campanillas como si el mismo Dios estuviera contento.
(José Luis Martín Descalzo, Apócrifo de María)

Palabra de Dios: Lc 1, 26 – 38
Momento de silencio para dejarse interpelar por la Palabra de Dios teniendo de fondo el debate sobre la película. Se
pueden compartir los sentimientos.
Oración a María, la oyente
María, Madre: Tú conoces mi corazón, mi limitación, l verme arrastrado por el egoísmo y la soberbia.
Te pido la actitud que Tú tuviste para escuchar el mensaje de Dios.
La actitud de disponibilidad, de apertura a su Palabra, a su voluntad.
La actitud de valentía para decir Sí a lo que Dios me proponga.
La actitud de saber mirar con los ojos de Dios y ver más allá de lo que parece duro, el camino de mi felicidad;
más allá de lo que parece difícil, una invitación a superarme;
más allá de lo que parece imposible, la presencia de Dios que todo lo puede.
María, la del Sí, ayúdame a mirarte a ti con ojos ilusionados
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y aprender a responder con alegría a la llamada del Padre.
ENSÉÑANOS A DECIR “SÍ”
- Ayúdanos a responder a la llamada a la oración ENSÉÑANOS A DECIR “SÍ”
- Ayúdanos a responder a la llamada a nuestra vocación ENSÉÑANOS A DECIR “SÍ”
- Ayúdanos a responder a la llamada de los más necesitados ENSÉÑANOS A DECIR “SÍ”
Padrenuestro y Ave María.
Tratamiento de la fe cristiana
Un tema para la meditación es la confianza en Dios que vemos en María cuando acepta su designio
divino y en José, cuando se le aparece un ángel en sueños y le dice que el hijo que va a tener María es
obra del Espíritu Santo. Nuevamente, en medio de las dificultades del camino hacia Belén, cuando
luchan sin desfallecer para llegar a su destino, tienen que depositar su esperanza en Dios.
Vemos que tanto José como María son dos vecinos humildes de Nazaret, cuya forma de vida está
basada en la confianza en el Señor y en la sencillez. Ambos son elegidos por Dios como familia para
Jesús, que nace y muere pobre. No tiene nada que ver con los reyes de este mundo, su Reino está en
los pobres y en los humildes; “Yo te bendigo Padre, Señor del Cielo y de la Tierra, porque has ocultado
estas cosas a sabios e inteligentes y se las has revelado a pequeños” (Mt 11,25).
Es de especial interés el personaje de José, ya que se dan pocos datos suyos en el Evangelio. En
Natividad es retratado como un hombre amable y justo, que ama a su esposa, y lucha por ella con
valentía.

Náufrago
TÍTULO ORIG. Cast Away 7.1/10 MB
AÑO 2000
DURACIÓN 143 min.
PAÍS  
DIRECTOR Robert Zemeckis
REPARTO Tom Hanks, Helen Hunt, Nick Searcy, Chris Noth, Lari White,
Geoffrey Blake, Jennifer Lewis, David Allen Brooks
PREMIOS 2000: 2 Nominaciones al Oscar: Mejor actor (Tom Hanks), sonido
2000: Nominada al Globo de Oro: Mejor actor (Tom Hanks)
2000: Nominada BAFTA: Mejor actor (Tom Hanks)
2000: Círculo de críticos de Nueva York: Mejor actor (Tom Hanks)
GÉNERO Drama. Experiencia de soledad y necesidad de compañía.
SINOPSIS Chuck Noland, un ejecutivo de la empresa multinacional de mensajería FedEx, se ve apartado
de su cómoda vida y de su prometida a causa de un accidente de avión que lo deja aislado de
la civilización en una remota isla tropical en medio del océano. Tras cuatro años de lucha por
la supervivencia, completamente solo en la isla, Chuck aprende todas las técnicas de
subsistencia mientras sufre la tortura de la soledad. La solución: arriesgar la vida
adentrándose mar adentro.
CRÍTICAS Un náufrago, la amistad con su pelota y el insumergible amor por su chica en una historia
donde el tiempo y la distancia lo cambió todo. Zemeckis dirige con pulso firme y autenticidad
este film didáctico, cautivador y emotivo sobre la supervivencia, la esperanza y la pérdida. No
hay música para el moderno 'Robinson Crusoe', tan sólo las olas del mar. Tampoco hay música
(la banda sonora desaparece) para el espectador, que atiende esta soledad en 'crescendo'. No
importa: está un Tom Hanks portentoso que aguanta con asombrosa perfección los 143
minutos de una película menospreciada como comercial. Nada más falso: 'Cast Away' es puro
-y difícil- cine tan cierto como que Hanks mereció el Oscar... que simplemente no le dieron por
tener ya dos. Por cierto que la estatuilla ese año se la llevó Russell Crowe por su correcta
interpretación en 'Gladiator', cuando en realidad el actor australiano se la merecía por su
anterior película: 'The Insider' (El dilema). Cosas de los Oscar, que a veces también
naufragan.

Claves educativas
El tema de fondo de la película es el sentido profundo de la vida humana, el valor verdadero del tiempo y la experiencia de
la soledad del ser humano que tiene necesidad de relacionarse. El hecho de que el protagonista se dé cuenta de que es un ser
necesitado, de que no lo puede todo, como ocurría antes del accidente, producirá en él un cambio radical. A lo largo del film Chuck
descubrirá el valor de las cosas más simples que antes le habían pasado desapercibidas: la alimentación, guarecerse de la
climatología adversa...
La desesperación que invade al protagonista al sentirse solo en la isla le llevará a refugiarse en el recuerdo del amor de su
novia y en la utilización de una pelota, con la que entabla una imaginaria conversación, en un intento de conseguir la compañía
que todos necesitamos, pues el hombre es un ser esencialmente social. Esto llevará al protagonista a buscar por todos los medios la
manera de recuperar su contacto con la sociedad.
El director dijo de la película: "Náufrago no trata tanto de la supervivencia de un ser humano, como de la
supervivencia del espíritu humano, e ilustra la idea de que sobrevivir es fácil, lo difícil es vivir la vida".

Nazarín
TITULO ORIGINAL Nazarín 8.0/10 MB
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AÑO 1958  
DURACIÓN 92 min.  
PAÍS México
DIRECTOR Luis Buñuel
GUIÓN Luis Buñuel & Julio Alejandro (Novela: Benito Pérez Galdós:
Biblioteca Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas religiosas)
REPARTO Francisco Rabal, Marga López, Rita Macedo, Ignacio López Tarso,
Ofelia Gulimain, Luis Aceves Castañeda, Noé Murayama.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Religión. Sacerdote popular despreciado.
SINOPSIS: En el México de principios del siglo veinte, el humilde cura Nazarín comparte su
pobreza con los necesitados que habitan alrededor del mesón de Chanfa. Después de
proteger a una prostituta que provoca el incendio del mesón, Nazarín se ve obligado a
abandonar el lugar. En su camino, las acciones del religioso provocan una serie de conflictos
que se oponen a su visión de la caridad cristiana.

Un cura abandona la Iglesia y se despoja de todos sus bienes para convivir con los pobres, pero su ideal
va provocando incredulidad, superstición, injusticia, amor de las mujeres, fracaso. ¿Es que hacer el bien es
algo inútil?
Como cine, la película es admirable en el despojamiento de las imágenes, el ambiente miserable creado
y la interpretación de Rabal. Desde el ángulo religioso, es ambiguo y negativo: hay humanidad, pero la
mirada final de Nazarín no es de amor, sino de amarga desesperanza.
Nazarín pertenece al cine más realista de Buñuel. Lo adornan, y le quitan solemnidad, las escenas surrealistas.
Buñuel sigue pareciendo a muchos un autor duro, principalmente por su surrealismo. En estos tiempos en que todo
vale, es habitual escuchar voces críticas contra el bueno de don Luis. A mi entender, el surrealismo de Buñuel forma
parte de su socarrón sentido del humor, y su mayor presencia en las películas que rodó las realza como divertimentos
intelectuales. Don Luis, Billy Wilder y Fellini fueron, en mi opinión, los grandes maestros de la comedia del cine
sonoro, y en los tres casos su sentido del humor tiene una honda raíz intelectual. Filmes buñuelianos como El ángel
exterminador o El discreto encanto de la burguesía son formidables comedias oscuras cuyo humor no puede
complacer a todos, pero es un humor que existe y que para muchos puede ser muy disfrutable.
Basada en la célebre novela de Galdós (uno de esos genios de la literatura que merecen ya una reivindicación
universal) cuenta en esta ocasión con un comedido y profundo Paco Rabal que interpreta al padre Nazario, un
sacerdote que se busca la ruina al comportarse estrictamente de acuerdo con sus principios. No va a ser la única vez
que don Luis aborde el tema de “los infortunios de la virtud”. Su película Viridiana, por ejemplo, es una paráfrasis de
Los infortunios de la virtud, subtítulo famoso de la novela Justine, del Marqués de Sade. También en esta ocasión,
como en Nazarín, centraría su tesis en una persona perteneciente al orden religioso, esta vez una monja. También
contemplaría al orate y sus tentaciones en Simón del desierto, para abarcar de esta manera los tres elementos más
representativos del orden religioso: el místico desintegrado del orden institucional de la religión y dos individuos
“integrados” en él cuya ingenuidad les hace creer que un comportamiento ejemplar será la senda de realización dentro
de la orden, pero resulta ser lo contrario: Viridiana es brutalmente violada por aquellos a quienes buscaba proteger, y
su vergüenza la aleja de los hábitos; Nazario, hombre predestinado al sacrificio y a la filantropía motivada por su pura
e intensa fe en Dios, es visto como un apestado por el resto de la institución eclesiástica.
Otro aspecto interesante en la obra de don Luis es el torrente de erotismo soterrado. Viridiana es una santa
deseable, pero al final del film (desprovista de los hábitos de monja y con el cabello suelto) es una mujer más. Nazarín
(interpretado por el galán Paco Rabal) es adorado por las mujeres mientras continúa siendo sacerdote, pero su caída
en desgracia provoca el rechazo de las mismas mujeres que antes le idolatraban y, de manera velada, le deseaban
sexualmente; antes se hallaba provisto del erotismo de la santidad, lo que queda muy claro en la escena final: una de
ellas, reconciliada con su amante, pasa en carro junto a él mientras éste avanza pesadamente por la carretera donde
lo conducen preso. Ella ni siquiera se vuelve para mirarle por última vez. Erotismo y religión fueron para don Luis
conceptos relacionados desde su misma infancia, desde que éste, todavía un niño, se masturbaba en la iglesia
contemplando una imagen de la Virgen (cf. Primer capítulo de su libro de memorias, Mi último suspiro).
Nazarín no es una de las películas más divertidas de Buñuel (desde el punto de vista de la relación
surrealismo/humor), pero sus múltiples posibilidades simbólicas (siempre negadas por don Luis) guardan todavía
enormes posibilidades de análisis.

Ni uno menos
TITULO ORIGINAL Yi ge dou bu neng shao 7.9 EXC
AÑO 1998
DURACIÓN 95 min.
PAÍS China
DIRECTOR Zhang Yimou
GUIÓN Shi Xiangsheng
REPARTO Wei Minzki, Zhang Huike, Tian Zhenda, Gao Enman, Sun Zhimei.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama, Educación. Maestra 13 años busca a alumno escapado.
SINOPSIS: Aclamado melodrama que narra la historia de una niña de trece años, Wei
Minzhi, que se ve obligada a sustituir durante un mes a su maestro, por orden del alcalde,
en un pequeño y aislado pueblo de las montañas. El profesor le deja un trozo de tiza para
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cada día y la promesa de que le dará 10 yuan si ningún estudiante ha abandonado la


escuela a su regreso. Sin embargo el revoltoso Zhang Huike abandona la clase para ir a la
ciudad en busca de trabajo y la abnegada Minzhi se conjurará para traerlo de vuelta.
"La precisión con la que construye Yimou sus personajes femeninos haría palidecer de
envidia al mismísimo Cukor, brochazos de colores cotidianos y de tonos naturales como
arrebatados a la rutina (...) propios de un cineasta clásico. Protagonista, Wei Minzki, un
prodigio de fuerza, resolución y ternura"
Temática: Deserción escolar en los países más pobres.
Pobreza, responsabilidad y autenticidad
Pobreza. La película refleja la cotidianidad de una escuela en la que no abundan los recursos y en la que hay que
agudizar el ingenio para conseguir lo necesario.
Responsabilidad. La joven maestra, que madura rápidamente, acepta la responsabilidad de mantener unidos a sus
alumnos, hace de esa causa su razón de ser y lo hace con todas sus consecuencias.
Autenticidad. La historia muestra un compromiso asumido desde la solidaridad y la autenticidad.
Sugerencias para ver y escuchar la película
Una película se puede ver y escuchar de muchas maneras. Ofrecemos unos puntos de referencia. Concretamente,
sugerimos ver y escuchar la película…
…hacia adentro. Reflexionar sobre lo que la película nos sugiere en primera persona y sobre las preguntas que nos
plantea en nuestra propia vida. No pretendemos buscar respuestas definitivas, atendemos a las resonancias que
nos deja.
…hacia fuera. Promover un coloquio sobre la película en familia o en grupo. No se trata de llegar a conclusiones.
Compartimos lo que hemos sentido y percibido e intentamos escuchar y entender la percepción diferente de los
otros.
…no sólo con la cabeza, también con el corazón. Se trata de dejar por un momento a un lado los prejuicios
ideológicos o ideas preconcebidas para que, al hilo de lo que nos cuenta la película, puedan hablar los
sentimientos.
…y después de algún tiempo repensar. Estar atentos al poso que la película deja después de unos días. Ese
«poso» es una impresión en la que se funden nuestra reflexión sobre lo que hemos visto y la vida propia que la
historia cobra en nosotros/as.
Algunas preguntas…
…antes de la película
·Sobre la ayuda: ¿Sabemos pedir ayuda a quienes nos rodean? ¿Cómo reaccionamos ante una petición de ayuda?
·Sobre la tenacidad: Si fuéramos más tenaces, ¿cumpliríamos más objetivos de los que perseguimos? ¿Una retirada
a tiempo es una victoria?
·Sobre la amistad: ¿Hasta dónde seríamos capaces de llegar por un amigo?
…después de la película
·Después de hacer el donativo de material escolar a la escuela, la periodista afirma que «esto demuestra que hay
buena gente» y se marcha para siempre. ¿Qué supone esa actitud?
·¿Por qué se da el cambio en Wei? ¿Qué es lo que hace que realmente se convierta en la profesora Wei? ¿Qué
supone esa actitud?
·¿Qué implican las palabras que los niños escriben en la pizarra al final de la película?
Con la colaboración de Nerea Beldarrain.

“Ni uno menos” cuenta la historia de una escuelita rural, de una maestra suplente, en donde el maestro titular se
tiene que ir y le deja el mandato a su suplente que cuando él vuelva, no tiene que haber ni uno menos, es decir, tienen
que estar todos los chicos en la escuela. Sin embargo, hay uno que se va, se va a la ciudad a buscar comida para
vivir, para sobrevivir. Y esa chica, que en realidad es casi una nena porque es muy jovencita, se desespera y consigue
dinero, más allá de que el intendente de la zona no la autoriza. Recolecta dinero entre las familias y va a buscar a la
ciudad a ese niño que abandonó la escuela. Busca, pone carteles por la ciudad, incluso llega y logra que en un canal
de televisión le pasen un anuncio, por cierto que como los medios siempre tienen que hacer de lo educativo algo
resonante, que impacte, entonces, le hacen un pequeño reportaje para que ella cuente qué pobre, qué desastre que
es el lugar donde ella trabaja y todos se lamentan y compadecen de aquel lugar solitario donde ella realiza su tarea. Y
la maestra está tan asustada que no puede responder ni una pregunta, pero cuando le dicen ¿qué le querrías decir a
tu alumno?, se le llenan los ojos de lágrimas y si efectivamente le empiezan a salir las palabras, entonces le habla a la
cámara como si le estuviera hablando a su alumno y le dice que ella lo está buscando, que quiere que vuelva a la
escuela, que es muy importante que vuelva. Bueno, efectivamente, después ese niñito que estaba dando vueltas es
llevado por la dueña del restaurant a un televisor donde está hablando su maestra de él. Y así se encuentran. Y
vuelven, con todos los medios de comunicación, con tizas, con libros, con materiales, con las cámaras, a la escuela.
Pero hay algo muy interesante que es que -y con esto cierro la película- y es esta escena a la que me quiero remitir,
vuelven con muchas tizas de colores. En esa escuela no había tizas de colores. Y la maestra suplente las quiere
guardar las tizas de colores para cuando venga el maestro titular - ¡No las usemos!, ¡que no se rompan!… Pero los
chicos insisten. Y empiezan a escribir palabras en el pizarrón: cielo, felicidad, agua, esmero, una nenita que no sabe
escribir decide dibujar una flor y finalmente Zhang, que es este alumno que ha regresado a la escuela dice “Maestra,
¿puedo escribir más de una?”. Entonces el niño sonriente escribe Wei Minzhi, el nombre de su maestra.
Lo que quería decir de esta escena, es que a partir de la lectura y la escritura se construye una comunidad de
interpretación pero también una comunidad de sensibilidad al pensar el lugar de la escuela no solo a partir de un
discurso más o menos técnico, que contiene a veces tanto documento que llegue a la escuela sino poder pensar a la
escuela como una comunidad de interpretación y de sensibilidad a partir de la lectura y la escritura que forma para la
vida, que forma sensibilidades y que fortalece a los sujetos.
Más en: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temasniunomenos.htm
870

Nido de ratas ver La ley del silencio

Nieves del Kilimanjaro Las


Título original: Les neiges du Kilimandjaro 6.9 MB
Año 2011
Duración 109 min.
País  Francia
Director Robert Guédiguian
Guión Robert Guédiguian (Poema: Victor Hugo)
Reparto
Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Maryline Canto, Grégoire
Leprince-Ringuet, Anaïs Demoustier, Adrien Jolivet, Robinson Stévenin, Karole Rocher,
Julie-Marie Parmentier.
Género Drama | Drama social. Matrimonio obreros misericordia o justicia.
Sinopsis
A pesar de haber perdido su trabajo, Michel vive feliz con Marie-Claire desde hace
treinta años. Sus hijos y sus nietos los llenan de alegría. Tienen amigos muy cercanos.
Están orgullosos de sus actividades sindicales y políticas. Sus conciencias son tan
transparentes como sus miradas. Pero ese bienestar salta por los aires cuando dos hombres armados y
enmascarados los golpean, los atan y se fugan con sus tarjetas de crédito.
Premios
2011: Premios Cesar: Nominada a Mejor actriz (Ariane Ascaride)
2011: Festival de Cannes: Sección oficial a concurso (sección "Un certain regard")
2011: Festival de Valladolid - Seminci: Espiga de Plata, Premio del Público
Críticas
'Las nieves del Kilimanjaro' es el Robert Guédiguian que más me ha conmovido desde hace mucho tiempo. (...)
Guédiguian es inteligente, es honesto, es de verdad. Como su cine.
Guédiguian, nuevamente en estado de gracia (...) Una película ejemplar para estos tiempos de engaño
permanente. 
Guédiguian consigue conmover, emocionar y hacer reflexionar desde la mayor sencillez con una fábula realista, o
una radiografía cálida y melancólica" 

Comentario Vocacional
Las nieves del Kilimanjaro nos habla de un matrimonio: Michel y Marie-Claire. Los dos comparten protagonismo, porque
se conocen y se aman tanto, que verdaderamente son un solo cuerpo y un solo espíritu. Viven y actúan como una única
persona.Michel acaba de perder su trabajo por culpa de un expediente de regulación de empleo. Lo pierde como uno más,
porque no ha querido beneficiarse del privilegio de ser sindicalista. Cuando se lo comenta a Marie-Claire ella le contesta diciendo:
“hay días en que uno se cansa de vivir con un héroe”. Esta escena nos define ya desde los primeros minutos los valores que
orientan y guían a este matrimonio: la justica social, la lucha por los derechos de los trabajadores, el ponerse en el lugar del otro,
etc…
Sin embargo, a pesar de que Michel está en el paro y de que Marie-Claire desempeña un trabajo humilde, el matrimonio
no vive mal. Y eso les crea un cierto malestar. Se sienten algo burgueses. Como si hubieran traicionado sus principios. No están
del todo tranquilos.
Un día sufren un robo y pierden el dinero que sus hijos y amigos les habían dado como regalado por sus 30 años de
casados.  Uno de los autores del robo resulta ser un joven que también perdió el trabajo en la misma empresa de Michel. Aunque
lo detienen y confiesa el delito, Michel y Marie-Claire quieren comprender por qué lo hizo, qué es lo que le movió a actuar de esa
manera.
De este modo vamos descubriendo poco a poco el drama familiar que sufre el joven y la responsabilidad que tiene con sus
hermanos pequeños. Era su primer robo. Pero está lleno de odio y no muestra signos de arrepentimiento. Michel y Marie-Claire
quisieran retirar la denuncia, pero ya no hay vuelta atrás.  Quieren ayudarle, pero él no se deja.
Tanto sus hijos y como su amigo Raúl y su mujer, que también sufrieron el robo, no están de acuerdo con la comprensión
que Michel y Marie-Claire muestran hacia el joven. Ellos hablan de justicia. Y les duele que el ladrón haya sido uno de esos
obreros por los que Michel ha estado luchado toda su vida. Son dos bandos. Es un enfrentamiento entre la justicia y la
misericordia.
Michel y Marie-Claire no podrán evitar la condena, pero sí aliviar al joven de sus cargas. Lo saben los dos. Cada uno de
ellos llega a la misma conclusión pero por caminos diversos. Ambos quieren acoger en su casa a los dos hermanitos. Lo mejor es
que cada uno lo había decidido por sí mismo, sabiendo que el otro estaría de acuerdo.
No podemos olvidar una referencia vocacional explícita. Encontramos, como si de una perla se tratara, un diálogo
vocacional entre Marie-Claire y una de sus hijas, preocupada por algunos problemas de pareja. Marie-Claire le comparte que ella
tomó una decisión en su vida. Sacrificó sus sueños de ser enfermera para garantizar el matrimonio y vivir con Michel. Reconoce
que fue una renuncia importante, pero gracias a ella, disfruta de la vida que tiene.
El gran valor que resalta Las nieves del Kilimanjaro es la compasión y la misericordia. Esto se concreta en actitudes como el
querer ponerse en el lugar del otro, del joven, de sus hermanos…. Querer entender su lógica, su manera de enfrentarse a la vida.
La acogida de los hermanos en sus casas ha sido preparada por una acogida previa en el corazón. Porque los corazones de Michel
y Marie-Claire ha sido tocado por la miseria de aquella familia desestructurada. La convicción profunda que sientesn, les hace
superar miedos, prejuicios y críticas.
Por ello resaltamos la misericordia como valor vocacional fundamental. Todos estamos llamados a ser misericordiosos
como Dios que es misericordioso. Todos somos testigos de la misericordia.
“Déjense tocar por su misericordia sin límites, para que ustedes a su vez se conviertan en apóstoles de la misericordia
mediante las obras, las palabras y la oración, en nuestro mundo herido por el egoísmo, el odio y tanta desesperación. Lleven la
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llama del amor misericordioso de Cristo a los ambientes de su vida cotidiana y hasta los confines de la tierra ” (Papa Francisco,
Mensaje para la JMJ 2016).
Materiales para trabajar la película
1. Ver y analizar
 ¿Cómo describirías la vida matrimonial de Michel y Marie-Claire? ¿Qué valores destacas en ellos?
 ¿Por qué muestran compasión hacia el joven que les robó?
 ¿Qué argumentan sus hijos y sus amigos para defender la justicia?
2. Nos interpela
 Michel perdió su trabajo por no servirse de un privilegio que tenía como sindicalista ¿qué hubieras hecho tú en su lugar?
 En la discusión que hay entre Michel y Marie-Claire con los demás, ¿de qué lado estás tú, de la misericordia o de la
justicia?
 ¿Qué obras de misericordia podemos descubrir en la película?
 ¿Te consideras una persona compasiva? ¿Qué podrías hacer para vivir la misericordia?
3. Oramos
 Estamos sedientos
Estamos sedientos, pero acudimos a otras fuentes a saciarnos:
sus anuncios nos regalan la “felicidad” en una bandeja y volvemos a ellos una y otra vez.
Tenemos sed de Justicia, pero tratamos de calmarla dando un vistoso donativo de vez en cuando.
Tenemos sed de un mundo más igualitario, pero se nos quita al llegar las vacaciones y
hacer bellos planes de viajar para “dorar” la piel en exóticos lugares en los que gastar tanto,
es una indudable ofensa para tantos y tantas pobres.
Tenemos sed de compartir, pero, cuando organizamos fastuosos banquetes – en comuniones, bodas….-
o preparamos la fiesta de Navidad, en nuestras mesas se despilfarra,
se desaprovecha y se tira y después, lo justificamos todo porque eso sabemos hacerlo muy bien.
Tenemos sed de perdón y paz, pero armamos un lío tremendo por cualquier tontería y guardamos viejas deudas.
Nos sigue costando mucho perdonar y olvidar.
Tenemos sed, Señor, pero, como ves, se nos nota poco.
Danos sed. Haz que pasemos auténtica sed, para que hablemos menos y aprendamos a ser más coherentes.
(Juanjo Elezkano)
 Texto bíblico Lc 7, 11-17
 Momento de reflexión personal en silencio.
 Peticiones espontáneas
 Testamento de Martin Luther King
Me gustaría que alguien contase, en el día de mi muerte, que traté de vivir en el servicio al prójimo.
Ese día quiero que podáis decir que traté de ser justo y que quise caminar junto a los que actuaban en justicia,
que puse mi empeño en dar de comer al hambriento, que siempre traté de vestir al desnudo.
Que dediqué mi vida a visitar a los que sufrían en las cárceles.
No tendré dinero para dejar cuando me vaya. No dejaré tampoco las comodidades y los lujos de la vida;
porque todo lo que quiero dejar a mi partida es una vida entregada. Y eso es lo que os tengo que decir.
Si a alguien pude ayudar al encontrarnos a lo largo del sendero, entonces mi vida no habrá sido en vano.
Si consigo llevar la salvación al mundo, si consigo difundir el mensaje que enseñó el Maestro,
entonces mi vida no habrá sido en vano. (Martin Luther King)
 Oración para ser misericordiosos
Deseo transformarme en tu misericordia y ser un vivo reflejo de Ti, oh Señor. Que este más grande atributo de Dios, es decir su
insondable misericordia, pase a través de mi corazón y mi alma al prójimo.
Ayúdame Señor, a que mis ojos sean misericordiosos para que yo jamás sospeche o juzgue según las apariencias, sino que busque
lo bello en el alma de mi prójimo y acuda a ayudarle.
Ayúdame Señor, a que mis oídos sean misericordiosos para que tome en cuenta las necesidades de mi prójimo y no sea
indiferente a sus penas y gemidos.
Ayúdame Señor, a que mi lengua sea misericordiosa para que jamás critique a mi prójimo sino que tenga una palabra de consuelo
y de perdón para todos.
Ayúdame Señor, a que mis manos  sean misericordiosas y llenas de buenas obras para que sepa hacer sólo el bien a mi prójimo y
cargar sobre mí las tareas más difíciles y penosas.
Ayúdame Señor, a que mis pies sean misericordiosos para que siempre me apresure a socorrer a mi prójimo, dominando mi
propia fatiga y mi cansancio. Mi reposo verdadero está en el servicio a mi prójimo.
Ayúdame Señor, a que mi corazón sea misericordioso para que yo sienta todos los sufrimientos de mi prójimo. A nadie le
rehusaré mi corazón. Seré sincera incluso con aquellos de los cuales sé que abusarán de mi bondad. Y yo misma me
encerraré en el misericordiosísimo Corazón de Jesús. Soportaré mis propios sufrimientos en silencio. Que tu misericordia,
oh Señor, repose dentro de mí.
Jesús mío, transfórmame en Ti porque tú lo puedes todo. Amén (Santa Faustina Kowalska)
Preparado por Carlos Comendador

Niña Narcisa
ESCRITA Y DIRIGIDA POR:  CESAR CARMIGNIANI B
País: Ecuador
Año: 2008
Duración: 80'
872
ACTORES: SOFÍA BEHR, FRANCISCA GARCÉS, JOSÉ SÁNCHEZ, ALEJANDRA
PAREDES, BERNARDO MENÉNDEZ,  PEDRO PÉREZ, OCTAVIO PELÁEZ, VANESA
ORTIZ, ALFONSINA SOLINES,  ANTONIO SANTO, HERNANDO ROJAS, GUIDO
GARAY
Vida de Narcisa de Jesús Martillo Morán, nacida en Nobol, Ecuador, a fines de 1832 y fallecida en Lima
el 8 de diciembre de 1869.
Fue beatificada el 25 de octubre de 1992 en el Vaticano por Juan Pablo II. El Pontífice se refirió a la
"Niña Narcisa" como la llamaban en Guayaquil, denotando "la espontánea identificación del pueblo
sencillo con la joven mujer de la costa ecuatoriana. "El ejemplo de su vida pura y piadosa, trabajadora
y apostólica transmite un mensaje muy actual.
El Santo Padre subrayó que "la joven laica ecuatoriana Narcisa de Jesús nos ofrece un ejemplo acabado
de respuesta pronta y generosa a la invitación que el Señor nos hace a participar de su amor. Ya desde
una edad muy temprana, al recibir el sacramento de la Confirmación, sintió clara en su corazón la
llamada a vivir una vida de santidad y de entrega a Dios".
"Santa Narcisa de Jesús nos muestra un camino de perfección cristiana asequible a todos los fieles",
dijo Benedicto XVI, y explicó que "a pesar de las abundantes y extraordinarias gracias recibidas, su
existencia transcurrió con gran sencillez, dedicada a su trabajo como costurera y a su apostolado como
catequista.
"Deseamos seguir fervientemente el ejemplo de esta laica que ahora se alza como modelo de santidad
para toda la Iglesia universal", señala un comunicado de la CEE.

Niño con el pijama de rayas El


TITULO ORIGINAL The Boy in the Striped Pajamas 6.9/10 EXC
AÑO 2008
DURACIÓN 94 min.
PAÍS GB  
DIRECTOR Mark Herman
GUIÓN Mark Herman (Novela: John Boyne:
Bibl. Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas contemporáneas)
REPARTO Asa Butterfield, David Thewlis, Vera Farmiga, R. Friend, C- Horgan,
David Hayman, Amber Beattie, Sheila Hancock, Richard Johnson
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Holocausto. Hijo de oficial nazi amigo niño judío preso.
SINOPSIS: Berlín, 1942. Bruno tiene ocho años y desconoce el significado de la Solución
Final y del Holocausto. No es consciente de las pavorosas crueldades que su país, en plena
guerra mundial, está infligiendo a los pueblos de Europa. Todo lo que sabe es que su padre
-recién nombrado comandante de un campo de concentración- ha ascendido en su trabajo,
y que ha pasado de vivir en una confortable casa de Berlín a una zona aislada en la que no
hay mucho que hacer y sobre todo nadie con quien jugar.. Todo cambia cuando conoce a
Shmuel, un niño judío que vive una extraña existencia paralela al otro lado de la alambrada.
El poder de la historia y sus interpretaciones -el joven Butterfield asombra- es indiscutible.
Lo que me muestran en la pantalla sólo me parece correcto, aunque de lo que está
hablando hubiera podido causar el escalofrío.
No es una película inolvidable, pero sí es, en cambio, una enseñanza imperecedera.
Temas: Acogida, amor, justicia, compromiso
Berlín, 1942. Bruno tiene nueve años y desconoce totalmente el significado de la Solución Final y del
Holocausto. No es consciente de las pavorosas crueldades que su país está infligiendo a los pueblos de Europa.
Pero todo cambia cuando conoce a Shmuel, un chico que vive una extraña existencia paralela al otro lado de la
alambrada y que, como todos los que habitan allí, viste un uniforme similar a un pijama de rayas. La amistad de
Bruno con Shmuel marcará el fin de su inocencia infantil.
Una JOYA
Escalofríos es lo que esta película me ha hecho sentir a pesar de haberme leído el libro antes.
"El niño con el pijama de rayas" es ahora una novela y, a la vez, una película impresionante, que no
dejará a nadie indiferente. En definitiva una joya.
Con unas interpretaciones más que creíbles, una fantástica banda sonora, y una fotografía maravillosa,
la película avanza contándonos una preciosa historia al mismo tiempo que desgarradora, sobre la
amistad, sobre la inocencia, sobre el punto de vista de una terrible época de un niño de nueve años.
Con un poco de miedo entré al cine, deseando que esa magia que contiene la novela no se echase a
perder en otra adaptación de pacotilla. Ahora puedo decir que no me arrepiento de haberme atrevido.
Hacía tiempo que no veía una película tan dura y tan contundente en contra del holocausto nazi. Y es
que anteponer la inocencia infantil al horror adulto es un recurso explícitamente dramático y
cDEFANGED_Onmovedor. “La Vida es Bella” abrió un camino que ahora se cierra de una forma mucho
más atroz con ésta “El niño con el pijama de rayas” del director Mark Herman. La virtud de ésta película es
que va más allá del maniqueísmo: inocencia vs. Racionalidad; el bien vs. el mal; no, aquí hay matices y
claroscuros que se interconectan. La madre, del nazi carnicero, es una mujer cuestionadora del régimen
nazi mientras que el padre es otro fanático más que raya en la estupidez y la locura.
Lo mismo ocurre con la esposa que cuando descubre la verdad no puede hacerse cómplice del horror.
Por otro lado, los nazis tenías que auto/engañarse a sí mismo y a los alemanes de a pie con esas
pamplinas en torno a la superioridad aria y la conspiración internacional judía; todo ello para justificar lo
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injustificable como lo fue la persecución y el exterminio de los judíos. De igual forma, la historia y el mismo
cine, se nos convierten en extraordinarios medios de propaganda que sirven para encubrir completas
realidades de oprobio. Una vez más el mundo adulto se derrumba ante la mirada atónita de un niño que lo
único que sabe hacer es jugar y hacer amigos de su misma edad; sólo que el crimen perpetrado a otros
termina por devorarlo todo; y solo quedan cenizas, dolor y la pregunta sobre la ausencia de Dios y el
hombre convertido en un salvaje, en un lobo enfrentado consigo mismo.
Apuntes para el animador
La primera sensación que tenemos al ver “ El niño con pijama de rayas” es que estamos viendo la misma
historia contada por Roberto Benigni en “La vida es bella” pero cambiando de bando. La novela de John Boyne
adaptada por Mark Herman nos invita a acercarnos al holocausto a través de los ojos de Bruno un niño de 8 años
e hijo del director de un campo de concentración nazi.
La película no ha sido valorada de la misma manera por la crítica. Algunos piensan que es una adaptación
demasiado literal a la novela y sin creatividad propia y con los personajes mal definidos. Otros dicen que es un
producto empaquetado “para gustar” y provocar la lágrima fácil. No obstante no conviene sobredimensionar las
cosas. La novela original está concebida para un público infantil y juvenil, por lo que la película podría verse como
un cuento moral. Desde la producción se dice que “ es una fábula cuya intención es proporcionar una perspectiva
única sobre las consecuencias de los prejuicios, el odio y la violencia infligida a personas inocentes,
particularmente en niños, en tiempos de guerra”. Leyendo esta fábula sacaremos a la luz algunos elementos
vocacionales.
Bruno es un niño ingenuo, simple, infantil, que no hace otra cosa que jugar. No le interesan las historias de
los mayores y no tiene prisa por ser uno de ellos. Lo que más le gusta es explorar por lo que de mayor no quiere
ser otra cosa que explorador. Detesta jugar solo o estar encerrado. Por eso aborrece la nueva casa donde la
familia se ha marchado a vivir. Sin embargo su curiosidad le hace descubrir una granja vecina donde los
granjeros son muy raros porque siempre van con pijama. Un mundo que sus padres le quieren ocultar.

Pero él no se detiene, su vocación exploradora le llevará aún más lejos, a la misma valla que cierra la
“granja”. Allí se encontrará un niño raro que se esconde y que se llama Shmuel. Ante la angustia de sentirse solo
Bruno hará más frecuentes sus visitas trayendo juguetes y algo para que su nuevo amigo pueda comer. Por más
preguntas que le hace, Bruno no llegará a descubrir lo que pasa realmente en la “granja” y ni los “juegos” que ahí
se hacen. No quiere verlo porque no se lo permite la imagen que tiene de su padre. Cree que es un buen hombre,
un buen soldado, que ayuda a su país en guerra. La verdad es que ninguno de los dos niños sabe realmente lo que
está pasando.
Un día Bruno descubrirá que Shmuel es judío y eso le hará entender algunas cosas. Le han dicho tantas
cosas malas sobre los judíos que reconoce que no pueden ser amigos, aunque no se lo termina de creer del todo:
también hay judíos buenos. Sin embargo cuando llega el momento de demostrar la amistad que tiene con Shmuel,
Bruno tendrá miedo y no será capaz de defenderle. Se sentirá culpable y avergonzado por lo que intentará
compensar su error ayudando a Shmuel a encontrar a su padre desaparecido.
Como si fuera un juego de exploración se meterá dentro del campo de concentración con su “pijama”. Sus
ojos descubrirán una realidad que no tiene nada que ver con lo que él creía o se imaginaba. Pero ya será
demasiado tarde
La película nos ofrece múltiples matices para descubrir la influencia de la ideología nazi. Será la madre de
Bruno quien descubrirá toda la verdad que se encierra dentro de ese campo de concentración: le exterminio de
los judíos. Irá notando con preocupación el cambio de actitud y de mentalidad de su hija, por lo que desconfiará
de su profesor tutor. Poco a poco para ella la situación llegará a ser insostenible. Pero también será tarde.
¿Qué elementos vocacionales encontramos en esta película? Partimos de que la realidad del holocausto nos
interpela y sacude nuestra conciencia. ¿Cómo es posible que el ser humano sea capaz de algo así? ¿Cómo
reaccionar ante situaciones de injusticia y de desprecio de los derechos humanos? Hay dos actitudes, que en un
principio parecen contradictorias pero que resultan complementarias, que debemos cultivar.
Bruno nos muestra el corazón ingenuo y simple que no ve en los judíos nada malo de lo que le dicen. Es capaz de
hacer un amigo judío y sentir vergüenza por traicionarle. En verdad la amistad entre los dos niños es una
amistad imposible y amenazada por la tragedia, de tal manera que aunque la alambrada los separa su vida
terminará unida. Si supiéramos mirar a los demás, sobre todo a los diferentes, con esta mirada limpia de
prejuicios ya estaríamos viviendo en otro mundo.
Su madre encarna la otra actitud. Para el sistema opresor, es bueno que ella no conozca toda la verdad. En
cierto modo se la quiere infantilizar. Este es un elemento importante al que la sociedad alemana se aferró como
una catarsis. La sociedad civil ignoraba lo que se estaba haciendo con los judíos, aunque nadie ve lo que no quiere
ver. En la madre hay algo que se rebela porque entiende la lógica nazi, como tampoco lo hace la abuela. Su
capacidad para oponerse al sistema es mínima, pero al menos no quiere que sus hijos crezcan con esa basura de
educación en sus cabezas.
La película nos interpela a un amor universal que no hace distinción de pueblos, razas y culturas. Nos exige
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también no ser ingenuos sino astutos para descubrir el mal que algunos quieren ocultar bajo la forma de algo
bueno. Nos pide también que eduquemos a nuestros niños y adolescentes en el principio de la acogida y de la
fraternidad universal. Hoy el mundo tiene necesidad de profetas que lleven a cabo esta misión.
Materiales para trabajar la película
1.Ver y analizar
 ¿Cómo puedes definir el personaje de Bruno?
 ¿Cómo se posicionan los demás miembros de la familia con respecto al nazismo?
 ¿Qué tipo de educación reciben los niños?
 ¿Qué contraste se establece entre la mirada de Bruno y la de los adultos con respecto a los judíos?
 ¿Es posible la amistad entre Bruno y Shmuel? ¿Por qué?
 ¿Qué ha querido transmitir el director con el final de la película?
2.Nos interpela
 ¿Qué sentimientos te provoca la película? ¿Por qué?
 Hoy el problema de los derechos humanos no se centra en los judíos, pero ¿con qué ojos miras tú a los
inmigrantes o los musulmanes, por ejemplo? ¿Qué puedes aprender de la mirada y el corazón de Bruno?
 ¿A qué estás dispuesto para ser como él?
 En el mundo hay muchos conflictos ante los cuales no queremos saber nada. Enumerad los conflictos y
guerras que conocéis. ¿Qué sabéis de ellos? ¿Cuál es vuestra actitud ante ellos?
 Para evitar situaciones como la de la película, ¿qué valores habría que insistir en la educación?
 ¿Qué crees que te pide Dios a través de esta película?
3.Oramos
- Canto apropiado y conocido por el grupo
- Oración: EL JUSTO ANTE DIOS
Señor, ¿quién puede habitar en tu presencia?
Quien actúa con honradez y practica la justicia. Quien tiene intenciones rectas y no calumnia con su palabra
Quien no hace mal a su prójimo ni calumnia al vecino,
quien es capaz de denunciar la injusticia y valorar la misericordia.
Quien no explota a los otros, ni acepta sobornos contra el inocente
Quien tiende su mano al que lo necesita quien se estremece ante el mal que destruye, mutila, excluye y
abandona.
Quien vive agradecido por las oportunidades y consciente de lo que puede hacer por tu reino en este mundo.
Quien ama, sin límites… Quien así obra nunca fallará (Adaptación del salmo 14)
- Poema: YO ME ATENGO A LO DICHO
Yo me atengo a lo dicho:
La justicia, a pesar de la ley y la costumbre, a pesar del dinero y la limosna.
La humildad, para ser yo, verdadero.
La libertad, para ser hombre.
Y la pobreza, para ser libre.
La fe, cristiana, para andar de noche, y, sobre todo, para andar de día.
Y, en todo caso, hermanos, yo me atengo a lo dicho: ¡la Esperanza!
(Pedro Casaldáliga)
- Palabra de Dios: Gál 3, 26-29
- Momento de silencio para reflexionar sobre la Palabra de Dios a partir de la película y el debate. Después se
da tiempo para compartir la meditación y rezar espontáneamente.
- ORACION DE LA ACOGIDA
Ayúdame, Señor, a  ser para todos aquel que espera sin cansarse, que escucha sin fatiga, que acoge con bondad,
que da con amor, aquel a quien se puede encontrar siempre que se le necesita.
Ayúdame a ser una presencia segura a la que se puede acudir cuando se desea;
a ofrecer esa amistad que descansa, que enriquece en ti y por ti, a irradiar una paz gozosa, tu paz, Señor.
Ayúdame a estar recogido en ti, siempre disponible y acogedor para todos.
Y por eso tu pensamiento no me abandone para permanecer siempre en tu verdad y no faltar a tu ley.
Y así sin hacer obras extraordinarias, sin vanagloria,
pueda yo ayudar a los otros a sentirte más cercano, porque mi alma te acoge en cada instante. Amén.
Preparado por Carlos Comendador Arquero

Niño de la bicicleta El
TÍTULO ORIG. Le gamin au vélo (The Kid With The Bike) 6.9/10 MB
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AÑO 2011
DURACIÓN 87 min.
PAÍS Alemania
DIRECTOR Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
GUIÓN Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne
Cécile De France, Thomas Doret, Jérémie Renier, Fabrizio Rongione,
REPARTO
Egon Di Mateo, Olivier Gourmet
2011: Festival de Cannes: Gran Premio del Jurado (Ex-aequo)
2011: Premios Cesar: Nominada a Mejor película extranjera
2011: Premios del Cine Europeo: Mejor guión. 4 nominaciones, incluyendo mejor película
PREMIOS 2011: Globos de Oro: Nominada a mejor película de habla no inglesa
2011: Independent Spirit Awards: Nominada a Mejor película extranjera
2011: Satellite Awards: Nominada a Mejor película de habla no inglesa
2011: Festival de Valladolid - Seminci: Sección oficial largometrajes a concurso
GÉNERO Drama | Adopción. Familia. Niño abandonado por su padre lo busca.
Cyril, un niño de once años, se escapa del hogar de acogida, donde su padre lo dejó después de
prometerle que volvería a buscarlo. Lo que Cyril se propone es encontrarlo. Después de llamar en
vano a la puerta del apartamento donde vivían, para eludir la persecución del personal del
SINOPSIS
hospicio, se refugia en un gabinete médico y se echa en brazos de una joven sentada en la sala
de espera. Así es como, por pura casualidad, conoce a Samantha, una peluquera que le permite
quedarse con ella los fines de semana.
Con su acostumbrada contención, los hermanos Dardenne han añadido otra exquisita entrada a
su magistral trayectoria.
Una película magistral. No hay juicios morales, lecturas interesadas, pedagogías innecesarias..
Llena de ritmo, fuerza, sentimiento y hasta intríngulis.
Una lección de cine y un emocionante cuento sobre la resurrección.
Radical ejercicio de concisión narrativa que corre el riesgo de ser subestimado cuando, en
CRÍTICAS realidad, es el afinamiento del cine social [de los hermanos Dardenne], siempre limpios de
paternalismo y sermoneo ideológico.
La capacidad de síntesis, la falta de sentimentalismo y la catadura moral de su visión del mundo
hacen de esta película uno de sus mejores logros, y uno de los más luminosos.
Los hermanos logran tal vez su película más limpia, menos sórdida, bastante mejor que su
anterior 'El silencio de Lorna', y habitada de una naturalidad apabullante en el trazo de las
relaciones humanas
La película de los hermanos Dardenne está entre las mejores películas de este año en casi todas las listas.
Los autores de grandes obras como "La promesa" (1996), "Rosetta" (1999), "El hijo" (2002), "El niño" (2005) y "El
silencio de Lorna" (2008) siguen con la opción de presentar la verdadera altura humana en personales marginales que
en medio de dificultades se abren camino hacia una difícil bondad. En este caso nuevamente con una historia
simple: un niño es abandonado por su padre, que se siente incapaz de cargar con esta responsabilidad, encuentra a una
joven peluquera que le acoge, pero su búsqueda de un padre le lleva a una peripecia de la que saldrá madurado.
Como en la tragedia griegas los personajes funcionan como arquetipos. El niño es figura de una generación que ha de
crecer sin padres o buscándoselos. La peluquera es la imagen luminosa de la humanidad generosa, auténticamente
enraizada en la verdad de la vida. El padre infantil e inmaduro refleja a un tipo adultos que adolescentes crónicos y que
en este caso representa a los padres ausentes y dimisionarios. El traficante es la tentación de un mundo de sobrevive
destruyendo a su paso. La sencillez de la historia da para mucho: el pequeño luchador que al final descubre el amor
del que se puede fiar, la madre arquetipo que es generadora en adopción de la filiación y que trasparenta el amor
fundante más elegido que biológico, el joven agredido que termina de agresor y le permite al pequeño contratar su
propia elección.
Llena de humanismo "El niño de la bicicleta" es un relato para una época que necesita recuperar la
maternidad/paternidad y la filiación. Ser madre y padre no es un asunto biológico es un asunto de amor que ha de
fundarse en él. Por eso Samantha es una verdadera madre. Y el pequeño Cyril en su peripecia nos descubre como el ser
humano necesita encontrar un padre/madre vivir en la bondad. Y aquí no basta la bicicleta como única posesión. Este
mundo necesita a Samanthas para que puedan crecer los pequeños Cyris. Por otra parte, el misterio de la paternidad y
la filiación siempre ha tenido que ver con Dios, aunque no se diga.
Peio Sánchez Rodríguez

Niño llamado Jesús Un


Italia 1987 B
3 hrs. 16 min.
Director: Franco Rossi
Featuring: Pierre Clementi, Bekim Fehmiu, Alessandro Gassman, Irene Papas
“Un niño llamado Jesús” (Italia, 1987) de Franco Rossi cuenta, con un estilo muy apegado
al de Zeffirelli, la infancia de Jesús, de la cual no hay muchos detalles en la Biblia. Rossi
recurre al discurso de fe para elaborar una ficción que esboza la infancia humana del hijo
de Dios. En este caso la investigación no era el soporte principal, más bien eran las
expectativas piadosas del público y la cinematografía preciosista. El entonces niño Matteo
Bellina dejó una muy buena impresión por su caracterización, aunque no le valió para
hacer carrera.
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Aunque no se trata de una adaptación de los evangelios, esta producción italiana intenta seguir el rastro a la
sagrada familia después de la huida a Egipto. Dirigida por Franco Rossi, ganadora del Emmy y celebrada en el
Vaticano, “Un niño llamado Jesús” es un buen entretenimiento familiar. Destaca la actuación del pequelo Matteo
Bellina en el papel estelar.

Niños de San Judas Los (Padre nuestro)


TITULO ORIGINAL
Song for a raggy
boy 6.9 MB
AÑO 2003  
DURACIÓN 100 min.  
PAÍS Irlanda
DIRECTOR Aisling Walsh
GUIÓN Aisling Walsh & Kevin Byron-Murphy (Novela: Patrick Galvin)
REPARTO Aidan Quinn, Iain Glen, Dudley Sutton, Marc Warren, Claus Bue,
Alan Devlin, Stuart Graham, Chris Newman, Simone Bendix.
PRODUCTORA Coproducción Irlanda-España-GB-Dinamarca
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Laico corrige brutalidad sacerdotes correccional.
SINOPSIS: Basado en hechos reales, Los niños de San Judas es la historia del valor de un
hombre para erigirse y luchar contra el duro régimen fascista en un reformatorio irlandés de
chicos en 1939. La historia de William Frankliln, es un poderoso y dramático viaje, de las
destruidas calles de Madrid durante la Guerra civil española a las paredes limitadas de un
reformatorio. Es la creencia de un hombre de que él puede marcar la diferencia.
"Un cruce más bien evidente entre la dura, necesaria denuncia de "Las hermanas de la
Magdalena" y la más bien tramposa complacencia de "El club de los poetas muertos". La
película navega por la obedientes aguas de la ficción ejemplarizante.
Temas: La dureza de los reformatorios, el abuso de menores  y el empeño en lograr la reinsercción
En contra de los deseos de los miembros más antiguos de la iglesia, Franklin es designado como el único profesor
laico en el Reformatorio de San Judas entre un personal de hermanos católicos encabezados por el sádico Prefecto,
el Hermano John. En fuerte contraste con el abuso verbal y físico al que los muchachos están acostumbrados,
Franklin trata de construir una amistad con sus pupilos basada en la confianza. Él busca sus talentos ocultos,
enseñándolos a leer y a apreciar la poesía, reclutando a Liam Mercier, un muchacho excepcionalmente talentoso,
para ayudarle en este desafío. Descubriendo la misma clase de represión y tiranía contra la que luchó en España,
en San Judas Franklin sigue teniendo flashbacks de sus días en la Guerra civil española y de la parte de su vida
que perdió. Cuando, en el día de Navidad, el Hermano John golpea gratuitamente a dos jóvenes hermanos, que
han roto una regla del colegio, Mercier y Franklin detienen la agresión, pero no por mucho tiempo. La
determinación del Hermano John de averiguar por qué Franklin ha decidido dar clases en San Judas, causa más
brutalidad y consecuencias inimaginables.

Más en: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temassanjudas.htm


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Niños del paraíso (Los niños del cielo)


TITULO ORIGINAL Bacheha-Ye aseman (Children of Heaven) 8.0/10 MB
AÑO 1998  
DURACIÓN 90 min.  
PAÍS Irán
DIRECTOR Majid Majidi
GUIÓN Majid Majidi
REPARTO Amir Naji, Amir Farrokh Hashemian, Bahare Sediqi
GÉNERO Y CRÍTICA 1999: Montreal: Mejor Película. Premio del Público
Drama. Amor de hermanos. Comparten zapatos.
Los zapatos de la pequeña Zhore han desaparecido. Su hermano mayor Ali los ha perdido.
Son pobres, y no tienen para unos zapatos nuevos. Pero ellos dan con una idea para que
Zhore tenga sus zapatos: compartir los de Ali...
Nominada al oscar, su planificación y fotografía evidencian sus escasos medios, pero
algunas elipsis y escenas deliciosas lo compensan con creces.
Qué tipo de valores se encontraron en la película los niños del cielo.
Colaboración, Respeto, Responsabilidad, Obediencia, Perseverancia, Humildad, Generosidad, Amistad, Ayuda…
Qué enseñanza deja la película.
Pese a que son constumbres, culturas distintas, los valores siempre seran los mismos todo nace del hogar y de los
principios que en este nos infundan.
Qué entendí de la película.
Una familia de escasez economica pero de principios firmes en la sociedad, y se ve reflejado desde el inicio hasta el
desenlace de la pelicula, donde se reflejan los valores mencionados anteriormente mostrando dos problematicas en la
pelicula, la primera la de los solidaridad entre hermanos al perdersen el unico par de zapatos que tenia la niña y la
segunda el papà y la mamà sosteniendo un hogar con lo poco que podria encontrar, el papà en el trabajo, y el
quehacer de la madre en la casa aun estando en un estado de salud no muy bueno.
"Los niños del cielo" muestran, en un lenguaje metafórico, cómo el crecimiento, la fortaleza personal
y la del grupo familiar pueden alcanzarse a través del apoyo y colaboración ante la adversidad. Me refiero a
la preparación desde la familia para enfrentar la incertidumbre, los desafíos futuros a través del apoyo
mutuo, la flexibilidad y la innovación indispensables para contar con una fortaleza evolutiva frente a un
mundo que cambia rápidamente.
Dentro del conjunto de las investigaciones familiares más recientes, tres conceptos son centrales: la
cohesión familiar, la adaptabilidad y la comunicación familiar, es decir son indispensables para atribuir a
la familia una influencia mediadora positiva.
El filme Niños del paraíso es una finísima construcción que permite entender y explicar la vigencia de los elementos
narrativos tradicionales, además de funcionar muy bien como recurso didáctico para ilustrar en clase la estructura tradicional del
cuento.
Ha sido un lugar común –todavía lo es en algunos casos– definir el cuento a partir de su estructura, como si sólo existiera
una forma de narrar. A “dogmatismos” de este tipo han reaccionado las tendencias de vanguardia, planteando estructuras
ambiguas de textos que en su momento presentaron la dificultad aparente de responder de manera adecuada y/o puntual a las
características preestablecidas de algún género o subgénero de la narrativa; como si el propósito perseguido por estos
planteamientos no fuera la evidencia absurda de esa dificultad apriorística. ¿Cómo calificar de cuento algo que no tiene inicio? O
¿cómo calificar de cuento algo que no tiene nudo? O ¿qué decir de algo que no tiene desenlace?
De cualquier manera, la tendencia tradicional de construir historias siguiendo la fórmula de inicio, desarrollo, nudo y
desenlace nos da todavía ejemplares narrativos extraordinarios, y esto seguirá sucediendo siempre que haya un buen escritor
decidido a probar su eficacia.
Elementos estructurales
La narrativa se distingue por esa voz que va construyendo el relato y que es la que da nombre al género; en esta película de
Majid Majidi, la voz del narrador se transforma en la cámara casi omnisciente que nos lleva a los fragmentos relevantes de la
historia con que se articulará esta ficción. Si analizamos la estructura de la película, es decir, su estrategia narrativa, veremos con
qué puntualidad responde a esa disposición de inicio, desarrollo, nudo y desenlace. Pero veremos, sobre todo, que el manejo del
tono de la historia y de la secuencia escénica presenta rasgos de revaloración de estos elementos estructurales que ofrecen a los
alumnos una perspectiva muy clara de lo que es la narrativa como estrategia. Incluso, podríamos hacer una sinopsis de esta
película guiándonos por sus elementos estructurales.
Inicio
Vemos unas manos reparando un zapato de cuero viejo que requiere de una aguja curva y un perforador; la fotografía de
esta primera escena atiende con detalle esta labor cuidadosa. Terminada la costura, el zapatero le entrega el par reparado de
zapatos a un niño que lo espera pacientemente y que paga por el trabajo de reparación. Desde esta primera escena, el objeto
principal, encuadrado atentamente por la cámara, es el zapato rosado. Después, ligeramente, la situación de la historia progresa y
nos damos cuenta de que el niño está cumpliendo con menesteres caseros: lo han mandado ‘a hacer el mandado’, así que
después de recoger los zapatos va por el pan, y finalmente por las verduras. Pero el par de zapatos que fue enfocado desde el
principio detonará toda la historia, pues Alí, el niño protagonista, regresa a su casa sin ellos, y es que mientras escogía unas papas
en la tienda de verduras, un hombre encargado de recoger la basura se lleva, por error, la bolsa que Alí había dejado afuera sobre
unas cajas y que contenía los zapatos. El niño no se da cuenta, por supuesto, y termina con las compras; le pide también al
tendero un nuevo plazo para el crédito que ya tienen saturado en la tienda y sale. Así, al paso, nos damos cuenta de la difícil
situación económica de la familia de Alí, quien recoge el paquete de pan y busca la bolsa con los zapatos; los busca entre las cajas
donde los había puesto cuando llegó... ¿cómo?, ¿no están?, ¡qué raro! Y como no aparecen, empieza a desesperarse por
encontrarlos, así que empuja con fuerza y muchas de las cajas que remueve se caen con todo y las frutas y verduras que exhiben;
el tendero sale furioso a decirle que se vaya. Él sale corriendo y cuando llega a su casa se encuentra con su hermana, Zahra, que
lo espera ansiosamente, pues quiere reestrenar su par rosado de zapatos; los necesita, además, para ir a la escuela. Alí le dice
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que no los lleva, que los ha perdido. Se trata de una noticia horrible para la niña, pues no tiene otro par de zapatos para salir a la
calle. ¿Qué va a hacer ahora? Alí y Zahra se encuentran de pronto frente a un grave conflicto.
Éste es el inicio; han sido suficientes cuatro o cinco escenas que corren en no más de quince minutos para plantear el
problema. Esta familia es muy pobre; a Alí le angustia profunda y genuinamente dar a su padre esa noticia de los zapatos perdidos,
no están en su casa las cosas para eso: la madre está enferma, acaba casi de nacer un tercer hermanito, tienen deudas con el
tendero, con el casero, con todo el mundo. El escenario de esta angustia infantil está planteado y construido con exacta nitidez, y
nos presenta, además, el delicado trazo psicológico de un niño que despierta a la conciencia de esta problemática familiar con una
sensibilidad muy aguda.
Desarrollo
Una vez que se ha definido el problema, o el conflicto, el desarrollo de la película se concentra en seguir el curso de ese
planteamiento.
Los hermanos llegan a un acuerdo: ya que es imposible dar a sus padres esa noticia, se turnarán los tenis de Alí para cubrir
las horas de la escuela; Zahra va en la mañana y corre de regreso a casa para que Alí corra a su vez y pueda llegar a tiempo al
turno escolar de la tarde; pero Alí, por más rápido que corre, nunca consigue llegar puntual. Se establece esta nueva rutina de los
niños y se extiende indefinidamente, pues no sabemos con exactitud cuántos días pasan así. Dentro de este acontecer rutinario
vemos eventos extraordinarios que llenan de matices el transcurso de la historia, es decir, el desarrollo está inserto en una
monotonía aparente, pero el director sabe muy bien que ninguna rutina es monótona del todo, de manera que atenderemos
también las dificultades impuestas a nuestros héroes por el impredecible curso del devenir.
Así se desarrolla la historia, y parecería que este ejercicio de correr, llegar, cambiarse los zapatos por las sandalias caseras,
etcétera, podría prolongarse indefinidamente si no fuera porque el asunto preocupa a Alí profundamente. Alí es un niño con
iniciativa, de espíritu más o menos ligero (de repente sus angustias lo atormentan demasiado), es propositivo y alegre, jovial; es un
niño, pues, y de gente como él “será el reino de los cielos...” Tiene además un fuerte sentido de la solidaridad que vemos
consolidarse en la película al tiempo que se alimenta de gratitud con el apoyo incondicional, solidario también, que recibe de su
hermana.
Nudo
Decíamos que la historia podría concentrarse indefinidamente en esta intermitencia de correr, llegar y correr. Sin embargo, la
teoría del cuento nos dice que el nudo es un elemento narrativo y estructural a través del cual el autor plantea una nueva pauta
para que la narración gire en su curso temporal y eventual. Así que en una escena que lleva la misma secuencia a la que ya nos
hemos acostumbrado, vemos a Alí llegar a la escuela una vez más, pero en esta ocasión, y en contra de la costumbre, hay una
gran algarabía en el patio. Les avisan a los niños que habrá una carrera y que todas las escuelas de la zona están invitadas a
participar; así que lanzan la convocatoria para inscribirse a las pruebas eliminatorias que den como resultado cinco, máximo seis
seleccionados. Envuelto por su problemática familiar, Alí olvida inscribirse a esas pruebas, pero cuando ve el cartel que anuncia los
premios para los tres primeros lugares, decide que es indispensable participar, pues el primer lugar tiene como premio equipo
deportivo y tres semanas en un campamento, el segundo lugar, algo así como material escolar y deportivo más dos semanas en el
campamento, y el tercer lugar, unas zapatillas deportivas y una semana en el campamento. Atrapado por una especie de vahído o
por esa ansiedad que de repente describimos por medio de la curiosa metáfora que nos hace sentir “mariposas en la panza”, Alí
voltea y rodea sigilosamente con la mirada la multitud bulliciosa de compañeros que se entusiasman con los premios, y una vez
más posa la vista en el único renglón que le interesa, como para comprobar que de verdad ahí dice: “un par de zapatillas
deportivas”; hasta parece que el niño tragara saliva. Tiene que hablar con el entrenador. “Sí, pasa”, le dice él mientras guarda
cosas en su locker. “No, es imposible, ya tenemos a los seleccionados”, es la respuesta que escucha Alí a su petición de participar.
Entonces el niño cede al arrebato de la angustia: “Prometo ganar”, le dice al hombre una y otra vez, “prometo ganar, señor”, y
vemos el rostro sonrojado y consternado del buen hombre, que definitivamente no entiende de qué se tratan esas lágrimas súbitas
de Alí. Pero en la siguiente escena lo vemos sonreírle al cronómetro, y voltear alternativamente para seguir con asombro el paso
firme e implacable de los pasos acelerados de Alí, lo que nos anuncia que el niño no sólo cumple, sino que rebasa las expectativas
de velocidad promedio. Alí está en el equipo. Corre muy contento de regreso a su casa y le da a Zahra la noticia: ganaré el tercer
lugar. “Y ¿qué pasará si no ganas?” Alí está seguro, ni siquiera se plantea la posibilidad de no ganar el tercero. “Pero de cualquier
manera”, dice Zahra, “son zapatillas deportivas para hombre.” “No importa”, dice Alí muy confiado, “las cambiaré por zapatos de
niña”.
La siguiente escena nos lleva a un lugar inusitado en la historia; la carrera será en un bosque, y el recorrido es largo, muy
largo. Definitivamente, el nudo ha dado a la narración un giro que nos cambia no sólo la secuencia narrativa, sino también el
escenario. Ahora, la historia no se centra ya en el conflicto, sino en el desenlace: ¿ganará Alí el tercer lugar en la carrera? ¿Logrará
llevar victorioso el par de zapatillas deportivas a su hermana? No perdemos detalle; la escena de la carrera es bastante dinámica.
Para empezar, la camioneta de la escuela llega con retraso a la sede de la competencia; el maestro les entrega a los niños la
camiseta del uniforme; Alí se la pone y mientras se la acomoda, voltea y contempla lo que lo rodea; está nervioso, ve a sus
contrincantes. Pum, pum… pum, pum… casi podemos oír su corazón impulsado briosamente por un derrame de adrenalina. ¿Qué
pasará ahora? Y la carrera arranca…
Desenlace
El final no necesita comentario; es el final y, en mi opinión, un nuevo giro delicado, que luye nuestras expectativas sin
romperlas. Un buen final, incluso diría que es excelente, y un epílogo lleno de sugerencias. ¿Por qué Niños del cielo?
Más allá de lo que ves
Esta sinopsis atiende solamente la columna vertebral de la película; hay muchos otros elementos que no se describen
porque se reservan como sorpresas. Sin embargo, hay un rasgo muy interesante en el tratamiento estructural de la cinta: se había
dicho al principio que la película revalora los elementos narrativos tradicionales, así, el análisis de este replanteamiento representa
un excelente ejercicio de discusión para la clase, pues en la historia no hay un nudo, sino dos, por lo mismo, el desenlace no va en
una sola dirección; de manera que podemos hablar del epílogo de la película, una brevísima escena final, como un aspecto que se
vuelca sobre el terreno especulativo de las sugerencias: ¿y si...?
Cuando el padre de Alí se siente ahorcado por las circunstancias económicas tan adversas, un amigo del templo le dice que
le prestará su equipo de jardinería para que tenga la opción de un trabajo extra. Karim –así se llama el padre de Alí y Zahra–
decide ir a una de las zonas residenciales de la ciudad para buscar un jardín que arreglar, y le dice a Alí que vaya con él. Allá van,
en bicicleta. Llegan muy cansados, pues se ve que recorren una enorme distancia, la cual se pronuncia todavía más en la medida
en que el escenario cambia abruptamente: de las calles angostas del barrio de Alí pasamos a las avenidas gigantescas y los pasos
a desnivel propios de cualquier urbe moderna, o posmoderna (como sea). És te es un detalle delicado de la película; sin apelar en
ningún momento a patetismos groseros, el director mantiene durante casi una hora un ambiente muy pobre en un barrio viejo de la
ciudad, y no se mueve de ahí hasta que lleva a sus personajes a los suburbios. El cambio es muy interesante, porque más que un
cambio de escenario parece un cambio de época; Alí y su padre parecen extranjeros en aquella colonia de compatriotas. Se pone
de manifiesto un contraste insólito de clases sociales sin ninguna connotac ión ajena a la narración que seguimos (el buen juicio del
director de mantenerse al margen del pathos, para conservar su narración en el terreno de la ficción pura sin contaminarla del afán
documentalista).
Este otro giro del relato es un nudo paralelo al del protagonista; el padre de Alí encontrará en la jardinería una salida a su
dificultad económica. Así, en los dos cambios de escenario y de situación que presenta la historia, hay un vínculo estructural: un
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nudo para cada uno. El padre de Alí inicia el regreso a su casa con el ánimo renovado, y mientras manifiesta la enorme dicha que
esta alternativa de trabajo le reporta, nos enteramos de las condiciones laborales de algunos ciudadanos iraníes, inhumanas y
absurdas: la gente viviendo en condiciones miserables y sofocada por la necesidad y la falta de oportunidades.
Pero el manejo de todo esto es cuidadoso y pulcro; estas preocupaciones de los personajes no están en el centro mismo de
la historia, sino en su periferia. Ciertamente, la pobreza y la angustia por el sustento son de una proximidad abrumadora, pero el
planteamiento estructural del nudo nos deja entrever una postura del director: cualquier situación, por monótona y anclada que
parezca, tiene un nudo, un punto de divergencia; es importante, desde la lógica ficcional, atender todas las circunstancias, pues
son relevantes los puntos de inflexión a partir de los cuales es posible insertar alguna reconsideración que cambie el rumbo de los
acontecimientos.
Es notable la sensibilidad de los alumnos al planteamiento tácito de estas situaciones, y es interesante hacer notar que a la
estructura subyacen aspectos de naturaleza semántica que potencian su sentido una vez que se hace explícita la intención del
narrador o la estrategia narrativa. Entonces vuelve a ser sugerente la reflexión sobre la elección del título. Durante la discusión en
clase, alguno de los alumnos dijo, entre convencido y también con la clara intención de hacer una broma: “¿Por qué no se llama
Las zapatillas?” Pero la misma dinámica de la narración los lleva a otras cuestiones, ya en el terreno del análisis, y entonces salen
a flote aspectos de la entrelínea; otro alumno respondió a esa pregunta: “Si le hubieran puesto Las zapatillas, el título resumiría la
trama, pero la película no se trata solamente de eso, ¿para qué hablar de la trama en el título si es lo que estás viendo? Con ese
título, el director quiere que pienses más allá de lo que ves; quiere que pienses lo que quiere decir toda la historia”.

Niño y el mundo El
Título original: O menino e o mundo (The Boy and the World) 7.2 MB
Año 2013
Duración 80 min.
País  Brasil
Director Alê Abreu
Guión Alê Abreu
Reparto Animation
Género Animación. Drama. Aventuras. Problemas actuales desde ojos de niño.
Sinopsis
Un niño que sufre por la falta de un padre deja su aldea y descubre un mundo
fantástico, dominado por animales-máquina y seres extraños. Película de animación
extraordinaria, con muchas técnicas distintas, que aborda los problemas del mundo
moderno a través de los ojos de un niño.
Premios
2015: Premios Oscar: Nominada a Mejor largometraje de animación
2015: Premios Annie: Mejor película independiente
2014: Festival de Annecy: Mejor película y Premio del Público
2013: Festival de La Habana: Mejor largometraje de animación
Críticas
Abreu ha compuesto una obra sensacional en su elaborada sencillez, hora y cuarto de sabia creatividad
animada" 
Su naturaleza silente, su radical belleza formal, su lirismo convierten esta preciosa película de animación en
una obrita de arte y a su director en miembro honorífico de la Liga de Animadores Extraordinarios.  
Cine infantil precioso -y preciso-. Una película infantil magnífica, de las que se hacen demasiado poco, que
podríamos concebir como soñada o imaginada, más que dirigida.  
Tiene un estilo único y atractivo, apartado de los cánones tanto de la animación estadounidense como de la
europea. 
Una parábola sencilla, universal, desarrollada con un diseño audaz e imaginativo. 'O menino e o mundo' es
una fascinante golosina visual" 
Aunque habría sido más cautivadora como un corto, este es un trabajo artesanal e imaginativo que por
suerte está lejos, en estilo y sensibilidad, de los blockbuster de animación por ordenador que dominan el mercado.  
'O menino e o mundo' recuerda al espectador que una película animada puede ser más íntima y personal que
las grandes producciones de alto presupuesto llenas de efectos por ordenador de los estudios de Hollywood.
Un niño campesino sale de su pueblo, dolido por la falta de su padre, quien fue a la ciudad en
busca de empleo. En su viaje se le va revelando un universo fantástico dominado por animales-
máquinas, seres extraños y facetas desconocidas de la vida, que ponen a prueba su capacidad de
sobrevivencia. El trayecto es a la vez geográfico, vital y mítico. Mientras va descubriendo las
calamidades del mundo capitalista, el tema universal del paso de la niñez a la adolescencia se combina
con un tono social muy fuerte.
El artista y cineasta paulista, con experiencia en publicidad, pintura y literatura, cree que “el cine llena nuestros agujeros
espirituales”, como decía el gran Tarkovski, y así lo demuestra esta obra preciosa, poética y conmovedora, que utiliza técnicas
artesanales de animación (lápiz, tiza y collages de papel) en contrapunto a la avalancha de imágenes 3D computarizadas del cine
comercial. Una refinada concepción pictórica rebosa los encuadres kinéticos con colores vibrantes teñidos de dulzura, maravilla y
melancolía, enlazándose con una alta inspiración musical que acompaña los sentimientos y las imaginaciones del pequeño
personaje. El poder de las imágenes sonoras, sin depender de palabras, sirve para transmitir un subtexto poderoso y profundo sobre
nuestro mundo actual, agobiado por la pobreza, la industria, el consumismo y la desolación, todo a través de los ojos de un niño
que va perdiendo la visión de la infancia, así como nosotros vamos perdiendo la belleza de la naturaleza.
Hablar de la niñez es caminar sobre un terreno pantanoso. Esa época inagotable en que todo luce
gigantesco es un rastro inequívoco de la fascinación que nos causa el exterior, pero que se torna ridículo cuando
se le mira desde el ojo adulto. Para el niño, el mundo no es más que una gran metáfora. Puede pasar
involuntariamente —o quizá no tanto— de un instante en blanco a una aventura colorida.
Cineasta de lo esencial, Alê Abreu aún mira la realidad como una metáfora. El niño y el mundo es la
celebración de la imaginación y el descubrimiento. Un niño que debe enfrentarse a la ausencia de su padre
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emprende un viaje para encontrarlo. En su travesía por el mundo encuentra sitios automatizados, dominados
por máquinas animalescas, explotadores laborales y medios de comunicación insípidos.
La cinta posee un encanto casi palpable. En pantalla los elementos se subliman. Una mancha multicolor se
puede transformar en la marca que delata la ubicación del tesoro y el recorrido de un campesino algodonero, en
una coreografía multitudinaria. La barbarie moderna es sólo asimilable cuando se mira a través de un
caleidoscopio.
La película será refrescante para los ojos. Su inusual uso de las técnicas de animación explora un universo
repleto de escenarios fantásticos y coloridos. Los oídos, por otra parte, gozarán de un festín dionisiaco. El diseño
sonoro es un proceso no menos artesanal que la animación. Desde la primera secuencia el sonido es desafiante.
Basta un poco de imaginación para entender que el niño nos muestra su singular manera de escuchar el mundo:
una lluvia torrencial es una cascada de palmas y chasquidos; un tarareo, el viento susurrando. Las ondas
sonoras se convierten en trazos tangibles que los personajes pueden perseguir y guardar como memorias. Cada
detalle es un hilo que se teje con el resto, se acerca, huye, juega.

No se aceptan devoluciones
Título original No se aceptan devoluciones MB
(AKA Hombre de piedra) 6.4/10
Año 2013
Duración 115 min.
País  México
Director Eugenio Dérbez
Reparto Eugenio Dérbez, Loreto Peralta, Jessica Lindsey, Daniel Raymont, Alessandra
Rosaldo, Hugo Stiglitz, Sammy Pérez, Arcelia Ramírez, Agustín Bernal, Karla Souza,
Margarita Wynne, Arap Bethke, Roger Cudney, Ari Brickman, Jeannine Derbez, Jesús
Ochoa, Franklin Ruehl, Julian Sedgwick, Laura Krystine, Jake Koenig, Richie Mestre,
Melissa Temme, Sebastian Mitre, Ivan Salazar, Magda Brueggemano
Comedia. Drama. Mujeriego recibe hija y se transforma.
Sinópsis Narra la historia de Valentín, mujeriego, soltero y egoísta que
sorpresivamente tiene que hacerse cargo de su pequeña hija a la que no
conocía, producto de una aventura ocasional. Decidido a devolver a la niña
con su madre, emprende un viaje con ella a Los Angeles, pero la experiencia de convivir con su hija lo
transforma en lo más íntimo.
Críticas Obtuvo un enorme triunfo en la taquilla, siendo no sólo el mayor éxito del cine mexicano en toda su
historia, sino también la película mexicana con mayor recaudación en su estreno en cartelera en Estados
Unidos (más de 2 millones de dólares en USA, con más de 400 copias en los cines).

No tengo miedo
TÍTULO
Io non ho paura 6.8/10 EXC
ORIGINAL
AÑO 2002
DURACIÓN 109 min.
PAÍS Italia
DIRECTOR Gabriele Salvatores
Niccolò Ammaniti & Francesca Marciano (Novela: Niccolò Ammaniti:
GUIÓN
Biblioteca Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas contemporáneas)
Diego Abatantuono, Aitana Sánchez-Gijón, G. Bocchino, Dino Abbrescia,
REPARTO
Mattia Di Pierro, Stefano Biase, Giulia Matturo, Fabio Tetta, G. Careccia.
2003: Premios David di Donatello: 2 premios. 6 nominaciones
PREMIOS
2003: Festival de Berlín: Sección oficial de largometrajes
GÉNERO Intriga | Vida rural. Niño salva a otro niño secuestrado por su padre.
LA SUSTITUCIÓN COMO CONSUMACIÓN DE LA AMISTAD
SINÓPSIS
Es 1978. El verano más caluroso del siglo. Todo en la pequeña aldea de Acque Traverse parece inmóvil, inactivo; el
colegio ha terminado, los adultos se resguardan dentro de sus casas para escapar del calor que a todos sofoca.
Solamente un pequeño grupo de niños se mueve libremente alrededor de la ciudad y del campo que la rodea, jugando
y corriendo aventuras. Durante uno de esos días, el pequeño Michele, de nueve años de edad, descubre un secreto
increíble; la ciudad en la que está creciendo está ocultando a un niño —apenas de la edad del propio Michele—
cautivo en un hoyo dentro de una casa abandonada. ¿Qué desean hacer con él? ¿Por qué nadie en la ciudad habla
de ello? ¿Por qué los padres de Michele están implicados en este extraño acontecimiento? Michele se encontrará
completamente solo frente a estas terribles circunstancias, que cambiarán su vida para siempre, marcando el final de
su infancia y el descubrimiento de un coraje desconocido.
VALORACIÓN
Recomendable. Temas: Sacrificio-redención. Figura crística. Matar al otro.
Pecado-muerte. Muerte –paternidad/maternidad. Sufrimiento.
SELECCIÓN DE ESCENAS
Escena 1. El descubrimiento
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(En el campo. Michele abre una trampilla que está cubierta por un montón de paja) (Ve que hay una cueva. Hay una
manta en el suelo, que parece envolver a alguien, pero que no se ve)
Michele Pero, ¿es que estás vivo? (Se oye la voz de un niño debajo de la manta —Después se sabrá que se trata de
Filippo)
Filippo Agua.
Michele ¿Qué has dicho? No te entiendo.
Filippo Agua.
Michele ¿Tienes sed? ¿Quieres agua?
Filippo Sed.
Michele Espera, espera... (Corre hacia un pozo cercano. Ve que está sucia. La encuentra en un cobertizo. Ya en lo
alto del hoyo, con una cuerda y una cesta hace descender un cubo de agua. Las manos de Filippo se acercan al cubo)
Filippo Hambre.
Michele Ya, tienes hambre. No tengo nada de comer. Escucha, ahora tengo que ir a casa. Si quieres, mañana a lo
mejor podría traerte algo. Porque tú eres un niño, ¿verdad?
Escena 2. Estoy muerto
(Desde lo alto de la cueva. Michele hace descender el cubo de agua. Filippo está cubierto con la manta. A su lado hay
un trozo redondo de pan, mordisqueado)
Michele Oye, perdona. Me he dado cuenta de una cosa. ¿Me devuelves ese pan, si no te lo vas a comer? Escucha, te
lo voy a explicar. Si viene Felice y lo ve, sabrá que alguien ha estado aquí. (No hay respuesta) Pues entonces, bajo yo
y lo cojo.
(Michele desciende por la cueva. Se encuentra al Filippo, arrodillado, a quien no vemos el rostro. Coge el pan)
Michele Oye... Dime, ¿cómo te llamas? ¿Cómo se llama tu padre? El mío se llama Pino. A ver, el tuyo, ¿se llama Pino
por casualidad? Bueno, pues me voy. (Se dispone a marcharse cuando Filippo habla, con una voz susurrante)
Filippo Los ositos.
Michele ¿Has dicho algo? No te entiendo.
Filippo Los ositos.
Michele ¿Los ositos? ¿Cómo que los ositos?
Filippo Los ositos lavadores. Si dejas la ventana abierta entran dentro de casa y roban tartas, galletas...
Michele ¿Qué dices? Aquí no hay osos.
Filippo Los ositos lavadores también pueden morder al hombre.
Michele Escucha, ¿has comido últimamente algo de carne? Eso es muy importante.
Filippo ¿Tú eres mi ángel de la guarda?
Michele Yo no soy ningún ángel. ¿Quién es el ángel de la guarda?
Filippo Es aquél que dice la verdad.
Michele A mí me lo puedes decir, no se lo contaré a nadie. Yo no soy ningún ángel. Yo soy Michele. Michele
Amitrano. 5º B. (Filippo deja caer la manta. Avanza hacia Michele con los brazos extendidos, quien se asusta. Filippo
cae cuando la cadena que ata uno de sus tobillos llega a su límite. Coge la mano de Michele)
Filippo Muerto...
Michele ¿Qué dices?
Filippo ¡Estoy muerto!
Michele ¿Muerto? ¿Cómo que muerto?
Filippo (Grita con las manos en la cabeza mientras Michele huye a toda prisa) ¡Estoy muerto! ¡Estoy muerto! ¡Estoy
muerto! ¡Estoy muerto! ¡Estoy muerto! ¡Estoy muerto! ¡Estoy muerto! ¡Estoy muerto! ¡Estoy muerto!
Escena 3. La salida del sitio de los muertos
(Michele en el agujero con Filippo, que aparece aseado)
Michele ¡Te han lavado! ¿Quién ha sido?
Filippo Han bajado y me han lavado entero.
Michele También te han quitado la cadena. Mira lo que te he traído. (Le da comida) Se ha caído algo, pero...
Filippo Más. Dame más.
Michele No tengo más, te la he dado toda. Si queda, te traigo más mañana. Escucha, se me ha ocurrido una idea.
¿Te apetece salir?
Filippo ¿Salir adónde?
Michele Fuera.
Filippo ¿Fuera? ¿Adónde?
Michele Fuera del agujero.
Filippo ¿Qué agujero?
Michele Este agujero. Aquí dentro, donde estamos.
Filippo Esto no es un agujero.
Michele ¿Entonces, qué es?
Filippo Pues el sitio donde se está cuando te mueres.
Michele No sé cómo puedo explicártelo. Estamos en un agujero excavado en la tierra. Fuera hay aire, hay campo, hay
de todo. Anda, vamos. (Michele lleva en brazos a Filippo por los campos. Al principio solo vemos la imagen en negro,
representando el punto de vista de Filippo con lo ojos cerrados, y pequeñas ráfagas del paisaje cuando los abre a
intervalos muy breves)
Michele Inténtalo, ¿no? Al menos inténtalo.
Filippo ¡No lo consigo! ¡No puedo!
Michele ¡Sólo un momento!
Filippo ¡Me duele!
Michele ¡Haz un esfuerzo!
(Poco a poco Filippo se acostumbra a la luz. Ve a los pájaros, a un erizo. Se sientan en el campo de trigo)
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Michele Allí abajo está el mar, pero no se ve desde aquí. ¡Mira! ¿Te gusta? (Le enseña su cochecito de juguete) Mira,
¿eh? (Michele se pone a rodar en el campo de trigo. Filippo ríe, tumbándose en el suelo. Vemos un plano picado del
campo picado removido por el viento y fundido en negro)
Escena 4. ¿Por qué motivo estás allí encerrado?
(Michele está durmiendo en su habitación. Entra Pino, su padre, y le despierta)
Pino Michele. Despierta, Michele. ¿Qué has hecho hoy?
Michele Nada.
Pino No digas mentiras, hijo. Felice me ha dicho que ibas a soltar al crío.
Michele No, te lo juro. Le he sacado un poco pero le volví a meter.
Pino ¿Cuántas veces le has visto?
Michele Tres.
Pino ¿Cuántas?
Michele Cuatro.
Pino ¿Te puede reconocer?
Michele ¿Qué?
Pino Si te viera, ¿te reconocería?
Michele No, no ve bien. Siempre tiene la cabeza cubierta.
Pino ¿Habéis hablado?
Michele No. Un poquito.
Pino ¿Y qué te ha dicho?
Michele Nada. Habla de cosas raras, no se le entiende.
Pino Y tú, ¿qué le has dicho?
Michele Nada.
Pino Oye, escúchame bien. Te lo digo en serio, Michele, no lo olvides. Si vuelves a aparecer por ese sitio, te machaco
a patadas. ¿Vale? Si vuelves a ese lugar, le volarán el cráneo, y será culpa tuya.
Michele No volveré a ir más. Te lo juro.
Pino No. Debes decir: “Juro por la vida de mi padre, que no iré allí nunca más”.
Michele Juro por la vida de mi padre que no iré allí nunca más.
Pino Olvida esto, Michele. No ha ocurrido. No puedes contárselo a nadie. Jamás. Cristo bendito... Santo Dios, en
menuda mierda nos hemos metido.
Michele Papá, dime una cosa.
Pino ¿Qué?
Michele ¿Por qué motivo está allí encerrado? Es que no lo comprendo.
Pino Hay algunas cosas, Michele, que parece que están mal cuando uno... Anda, olvídalo. Olvídalo todo. Duerme,
hijo. Duerme.
Escena 5. La escapada
(Michele salta de noche por la ventana. Su hermana le observa)
Hermana ¿Adónde vas?
(Mientras hace el trayecto en bicicleta, oímos su voz en off recitando un poema. Vamos viendo distintos animales
salvajes durante el trayecto)
Michele (off) Arañas peludas, ratones de monte, caracoles babosos y topos sin sueño, no os acerquéis a nuestros
pequeños. Bestias nocturnas, reyes de las sombras, que nunca dormís, pues no es vuestro empeño, proteged el
descanso de este pequeño. Arañas peludas, ratones de monte, caracoles babosos y topos sin sueño, no os acerquéis
a nuestros pequeños. Bestias nocturnas, reyes de las sombras, que nunca dormís, pues no es vuestro empeño,
proteged el descanso de este pequeño. (Se acerca a la casa, donde hay un hombre vigilando, que es Sergio Materia)
Él lo descubrió todo. Pero nadie podía pararle ya, porque tenía poderes. (Hace ruido al pisar una lata)
Sergio ¿Quién es? ¿Hay alguien ahí? (Los perros ladran) ¡Callaos ya! ¡No hay nadie!
(Michele ilumina con su linterna a unos cerdos, que gruñen ruidosamente.
Escala un miro de tablones mientras llama a Filippo)
Michele ¡Filippo!
(Enfoca un pequeño establo. De un rincón se oyen unos gemidos y sobresale el pie de Filippo)
Michele ¡Filippo! Filippo, ¿eres tú? ¡Filippo! (Entra en el establo. Encuentra a Filippo maniatado)
Michele ¡Filippo! Espera, que te lo quito. (Le quita la venda que le oprimía la boca) ¿Cómo estás? ¿Te encuentras
mal? Venga. Venga, que lo vamos a conseguir. Levanta. Vamos, levanta. Venga, Filippo. No puedo contigo, por favor.
¡Filippo! ¿No comprendes que si te quedas aquí te van a disparar? ¡He venido a salvarte! ¡Arriba! ¡Arriba! ¡Estúpido!
Filippo No puedo hacerlo.Michele ¿Qué dices?
Filippo No puedo hacerlo. Lo siento.
Michele Nada de excusas. Sí que puedes, ¿me oyes? ¿Me oyes? Venga, vamos a conseguirlo. Tienes que ser fuerte.
Eso es. Tienes que subir. Te empujo desde abajo, pero tienes que hacerlo tú. ¡Venga, arriba! (Le ayuda a escalar)
Vamos, que están llegando. Ánimo. Vamos. ¡Bien! Ahora salta.
Filippo Me da miedo.
Michele ¡Salta! ¡Ya están llegando! ¡Salta, tienes que saltar! (Salta. Michele queda en la cuadra) Muy bien. Lo has
hecho muy bien.
Filippo (Mirándole a través de los tablones) Ven. Te espero.
Michele No. Vete deprisa. Vete de aquí. Vete. ¡Venga, echa a correr!
(Michele intenta trepar por los tablones, pero solo no puede. Ve llegar las luces de un coche. Se esconde. Alguien
abre la puerta. No se le ve porqué queda completamente a contraluz detrás de una linterna. Michele corre hacia él)
Michele ¡Papá!
(Sobre el rostro de Michele iluminado por la linterna resuena un disparo. Se hace un fundido en blanco)
Escena 6. Le habéis disparado por mí
(De la pantalla que había quedado en blanco emerge una figura difusa que poco a poco va cogiendo forma. Es el
padre de Michele)
883
Pino Habla, Miki, háblame. Habla, Miki. Abre los ojos. ¡Michele! Eh, Miki. Mírame. No tengas miedo. Abre los ojos.
Abre los ojos, Miki. Mírame. ¡Michele! (Corre llevándolo en brazos) No tengas miedo, hijo...
(A lo lejos se oye la voz del otro hombre, Sergio)
Sergio (off) ¡Pino, no está! ¡Se ha escapado!
Pino Habla. Habla, Michele. Háblame. Perdóname. Lo siento. No te he reconocido. No te he reconocido.
Sergio (Llegando a donde está Pino) ¡Pino! ¡No le encuentro! ¡No le encuentro! ¡Se ha escapado! Pino, déjalo aquí.
Venga, no se ha hecho nada. ¡El crió se ha ido! Tienes que matar al otro niño. ¡Tienes que matarlo!
(De entre las sombras aparece Filippo)
Filippo Le habéis disparado a él por mí.
Sergio Muy bien, pequeño. Muy bien. Has hecho bien volviendo. Ven. Ven. Eso es. Muy bien, pequeño. Muy bien.
(Se ve la luz de un helicóptero de los carabinieri que se acerca. Sergio intenta huir, y finalmente extiende sus brazos
ante el helicóptero en señal de rendición) (Pino abraza a su hijo. Pino queda situado de espaldas a Filippo, por lo que
éste sí queda enfrente del rostro de Michele. Michele abre los ojos y extiende los brazos hacia Filippo. Filippo se va
acercando a Michele con los brazos extendidos)
(Sobre el rostro de Michele sonriendo y con el brazo extendido se hace un lento fundido en negro al tiempo que va
surgiendo el título, en blanco: “NO TENGO MIEDO”)
CUESTIONES DE ESCATOLOGÍA
1. El reconocimiento del otro
El itinerario de Michele es el camino del reconocimiento del otro. Michel comienza descubriendo al otro en el agujero.
Se trata de un interesante icono cinematográfico: el cielo al fondo tras Michele y su rostro asombrado hacia el negro
de un pozo-aguajero en la tierra.
Allí encuentra al pequeño Filippo. Hay un contraste claro entre la posición social de ambos, Filippo parece ser de una
familia adinerada y especialrmente indefenso para sobrevivir. Michele vive con sus padres en un desierto de pobreza y
tiene más recursos para la supervivencia. El proceso de Michele empieza por acercarse, luego la comunicación,
después le trae de comer, más adelante el mismo baja, y por fin le saca. Todo un proceso de progresiva compasión.
La cámara nos presenta, con suspense, el deterioro físico del pequeño encerrado en condiciones inhumanas. Sucio,
llagado, sediento, hambriento y desesperado, dirá de sí mismo que está muerto, se cree muerto. Y ciertamente que
como vamos viendo por la trama está muy cerca se estarlo. Hay una imagen especialmente significativa de la
compasión de Michele, se trata del momento en que carga con el otro para sacarle fuera. Este “cargar” es todo un
anticipo de la disposición final. “Cargar” es un nuevo paso hacia el extremo de la capacidad de amar de Michele, del
coraje de este hombre, aunque pequeño.
2. El pecado del mundo
El guión resalta por contraste el mundo de los mayores. El negro descubrimiento al fondo del pozo es el poder del mal.
Los mayores en su pobreza han organizado un plan de salida para ganar dinero. Aquel grupo de labradores sencillos
se han asociado con un mafioso y han secuestrado al pequeño Filippo. Interesante la alianza de los mayores y el
contraste con el mundo de los pequeños, que permanece ignorante. Solamente Michele ha visto lo que hay al fondo
del pozo, al fondo de sus mayores, de sus padres. El padre y la madre juegan distinto papel. El padre aparece
queriendo a su hijo Michele, pero activamente participa del secuestro de Filippo y por lo tanto del mal. Es un hombre
bueno que hace el mal. La madre es cómplice impotente, es bondadosa pero participa en la conspiración a
regañadientes. Sin embargo, prefiere no saber y no ver. Es una mujer buena que consiente el mal.
Michele se rebela ante el pecado que se ha apoderado de los mayores, él no ha perdido de vista el rostro del otro.
Precisamente su rebelión les salvará. Es el único humano y sensato en un pequeño mundo que ha perdido la cabeza
(metáfora de nuestra época).
La espiral del mal vendrá expresada radicalmente cuando la violencia se vuelve contra los agentes del mal. Pino
disparará sobre su propio hijo. Este acto involuntario en el destinatario, no sabía que disparaba sobre su hijo, pero
culpable le coloca ante su propia locura. Piensa que ha matado a su hijo.
3. La sustitución
La acción de Michele no es primariamente su sacrificio. Michele está lejos de buscar el sacrificio. Su sacrificio es una
consecuencia inesperada de su compasión salvadora.
Después de ser descubierto, a Michele se le prohibe ir a ver al pequeño, al que se le traslada de confinamiento. Sin
embargo, descubre la intención de los mayores de terminar con Filippo. Aquello le decide. Y en una escena cargada
de decisión y coraje marcha a rescatarle. Cuando llega tiene que realizar un gran esfuerzo para sacarle, luego
descubre que él no puede salir. Tiene que exigir a Filippo que corra y se marche, el pequeño duda pero al final se va.
Michele cristológicamente se ha puesto “en lugar de”. Aquí se ejemplifica la soterología de “ pro nobis”. Obligado por el
mal está ocupando el lugar de Filippo, el lugar de la víctima inocente. Cuando ve que llegan se esconde. Al descubir a
su padre se lanza diciendo “papá” pero Pino dispara porque no quiere ver el rostro del niño que va a matar, y así
dispara sobre su propio hijo. Michele se ha puesto en lugar de Filippo y así le ha descubierto la atrocidad que acaba
de realizar. A partir de este momento todo él es arrepentimiento.
4. Resurrección
Hay dos resurrecciones simbólicas. La primera es la de Filippo que además viste según la imaginería del Resucitado
con el sudario blanco deslumbrante, casi transfigurado. Aquí el blanco indica su nueva vida. Estaba muerto y ahora
vive. Estaba en el negro de la muerte y ahora está en la luz que le circunda. Ha sido rescatado.
La resurrección de Michele, del que reconocemos que aún en la gravedad de su herida puede no ser mortal, se realiza
cuando extiende su mano hacia Filippo en alianza de amistad. Viva o muera Michele está resucitado. Rodeado del mal
ha encontrado la bondad. El cielo está a sus espaldas. Ahora es verdaderamente un hombre, imagen de Dios. Ambos
pequeños juntos son un icono de esperanza en medio del pozo negro del mundo. El proceso de compasión y
reconciliación para el mundo.

Noche con el Rey Una (Ester)


Título Original: "One Night with the King" B
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Género: Drama.
País y Año: EE.UU. - 2006.
Duración: 122’
Dirección: 2006, 122’. . .
Guión: Stephan Blinn. Mark Andrew Olsen. Tommy Tenney.
Reparto principal:
Tiffany Dupont Luke Goss
Peter O Toole Tommy Lister
Steven Bernstein Neal Bhattacharya
James Callis Javen Campbell
Sinopsis: Una cautivante historia de acción y aventura, llena de intrigas políticas y suspenso, con una
perspectiva nueva por completo de un personaje histórico que quizá pensabas que conocias.
Tanto como una novela escalofriante y las memorias de una Judía, Jadasa da vida a la antigua historia de Ester.
"Una noche con el Rey" narra las crónicas de la vida de la joven judía Hadassah, que está destinada a ser el
personaje bíblico de Esther, que salva a la nación judía de la aniquilación ganándose el corazón de su gran
enemigo. Filmada en la India y retocada con las técnicas que permite hoy la tecnología, nos crea una Persia de
fantasía, que algunos críticos comparan con el planeta Naboo de Star Wars.
La Fox intenta recuperar el género bíblico, con una inversión suficiente y buenos actores pero un guión
demasiado apretado. Se trata de una producción que se está dedicando a las películas y series de fondo cristiano, Fox
Faith, un fruto del éxito de La Pasión de Mel Gibson. La película ha costado 20 millones de dólares, en un mes ha
recaudado ya 12 millones, y con las ventas de vídeos el negocio saldrá rentable.
Durante 122 minutos se recoge la historia del Libro de Ester: la relación entre Ester -hermosa entre los judíos en
el exilio persa-, el rey Jerjes de Persia (en la Biblia también aparece llamado Asuero o Artajerjes), el malvado ministro
Hamán y el piadoso Mardoqueo.
En general los actores lo hacen muy bien, desde la actriz novel Tiffany Dupont en el papel de Ester, hasta
secundarios de calidad como John-Rhys Davis (Mardoqueo, era el enano Gimli en El Señor de los Anillos), John Noble
(Príncipe Admantha, era el orgulloso y enloquecido Denethor en El Retorno del Rey), pasando por cameos de Peter O'
Toole (profeta Samuel) y Omar Sharif (Príncipe Memucan).
La película de hecho se basa más en una novela de Tommy Tenney (Hadassah: One Night with the King) que en
La Biblia en sí. Y cuando se basa en la Biblia omite cualquier pasaje de la versión griega (deterocanónica); es decir,
omite los fragmentos que están en las Biblias católicas y ortodoxas.
Se ha filmado en la India y se ha retocado con las técnicas que permite hoy la tecnología, para crear una Persia
de atmósfera de fantasía, que algunos críticos comparan con el planeta Naboo de Star Wars. Los trajes y decorados son
de primera, y el traje de boda de Ester nos transporta a las épocas del cine épico-bíblico del Hollywood de Cecil B.
DeMille.
El problema está en el guión. No es una historia fácil de pasar al cine, y menos si intentas educar continuamente
a los espectadores acerca de las costumbres de la Persia de Jerjes. "El guión es tan complicado como si cruzásemos
Shakespeare con el canal de Historia, intentando explicar los puntos históricos y culturales sin dejar que el público se
siente tranquilamente a disfrutar de una narración", dice el crítico de ChristianityToday.com.
El guión también divaga demasiado dando los detalles de las conspiraciones palaciegas del ministro Hamán, y
algunos de sus comentarios de odio hacia los judíos suenan demasiado "modernos"; incluso se ve un símbolo tribal con
reminiscencias de esvástica asociado al malvado. También hay secundarios que lían la trama innecesariamente, como
un intento de amorío entre Ester y uno de los criados eunucos.
La tensión de la primera mitad del filme se centra en la relación entre la joven judía y el rey, cómo ella aprende a
enamorarle. En la segunda parte, la tensión está en cómo Ester intenta ocultar su origen y linaje al malvado Hamán.
La trama, que puede ser liosa para conocedores de la Biblia (en la historia de Ester está la base de la fiesta judía
del Purim), resulta más complicada todavía para los que no la conozcan. Se puede ir con los niños a verla, porque no
hay escenas inapropiadas pero es muy posible que los chavales se aburran por la abundancia de diálogos y de intrigas.
Para muchos, se trata de una película pensada directamente en formato de televisión. Para recuperar el cine épico
bíblico, grande y ambicioso y con historias apasionantes, habrá que esperar a otros filmes.

Noche de los lápices La


TITULO ORIGINAL La noche de los lápices 7.4/10 MB
AÑO 1986
DURACIÓN 106 min.  
PAÍS Argentina
DIRECTOR Héctor Olivera
GUIÓN Héctor Olivera & Daniel Kon
(Libro: María Seoane & Héctor Ruiz Núñez)
REPARTO Alejo García Pintos, Vita Escardó, Pablo Novak, Adriana Salonia,
Pablo Machado, José Mª Monje, Leonardo Sbaraglia, H. Bidonde.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Persecución a jóvenes por dictadura 1976.
SINOPSIS: En septiembre de 1976, durante los primeros meses de la dictadura militar
argentina, siete adolescentes de la ciudad de La Plata son secuestrados, torturados y
asesinados a raíz de sus protestas por el aumento del boleto estudiantil. El film relata estos
sucesos desde la voz y presencia de su único superviviente.
Antecedentes de La Noche de los lápices
Aproximadamente, el 70 % de las personas desaparecidas tenía entre 16 y 30 años. Eran jóvenes que
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constituían una generación no solo por la edad, sino por pertenecer a una época común, por compartir una cultura
propia, códigos, lenguajes, gustos, formas de percibir y apreciar el mundo de una manera particular. Por todo eso
las generaciones se diferencian unas de otras.
Los Jóvenes de los '70.
Desde fines de la década del '60 fue creciendo en la sociedad la imagen de una realidad atravesada por la
violencia institucionalizada e indiscriminada que se expresaba en distintos niveles.
En la década del '70 se cuestiono y reflexiono sobre esta realidad social y política. Con errores, de manera
imperfecta, con limitaciones, con poca experiencia de practicas democráticas, la juventud, que había crecido en
años de autoritarismo y dictadura, respondió a la violencia, tomo en sus manos la decisión de luchar, tuvo ansias
de justicia, se propuso transformar la realidad.
“...Los adolescentes vivían un estado de represión permanente...” “...Debían asistir al colegio casi rapados,
con saco y corbata. No podían circular por la calle después de las diez de la noche...”
“En las reuniones políticas o en las manifestaciones - que fueron permanentes durante esos años - los
jóvenes aprendían a compartir sus vidas y sus ideas. También compartir peligros y represión.”
Opinar, pensar, interrogarse sobre el presente, el pasado, el futuro, manifestarse solidario, reclamar por lo
justo, ser joven, fueron delitos punibles con la represión. Tener crecido el pelo dos centímetros sobre el cuello de la
camisa atraía sanciones disciplinarias. Usar barba resulto tan delictivo como portar un arma. Preguntar razones de
ausencia inexplicadas fue una consigna tan <<subversiva>> como gritar <<abajo la dictadura>>.
“También aprendieron los adolescentes el camino de la clandestinidad. Todo estaba prohibido, como
consecuencia, aquello que intentaran hacer, ya fuese reunirse, expresar sus ideas, conocer o cuestionarse, siempre
seria clandestino. Fue un triste aprendizaje."
La violencia fue el arma fundamental que usaban contra las personas, durante todo este tiempo se
registraron muchisimos actos de violencia, algunos demasiados crueles y otros no tanto. Por culpa de unos pocos,
muchos debieron padecer la violencia en carne propia, quitándole la vida como si no valiese nada, y como que no
les importase absolutamente ni un poco.
La violencia aparecía en cualquier lugar y sin razón, bastaba cualquier excusa o motivo infantil para que
empiecen a reprimir. ¿Era necesario lastimar a tanta gente, había que ser cruel, se sentían superiores cuando
maltrataban, cual es el fondo de esta cuestión, donde está lo oculto que no nos permite entender cómo un ser
humano puede cometer tantas atrocidades?
La Triple A
La “federación de bandas” de derecha que bajo la conducción de López Rega adopto el nombre de Alianza
Anticomunista Argentina (A.A.A) perfilo sus planes en el verano del '74. Preveían la muerte de Peron y se
preparaban para un combate frontal que les permitiera apoderarse de todos los resortes del gobierno. Su primera
“acción estratégica” había sido la masacre de Ezeiza, un año antes, y el golpe final seria una ofensiva de
aniquilamiento contra la tendencia revolucionaria del peronismo y el desplazamiento de los sectores terceristas.
Entre Julio y Septiembre de 1974 se produjeron 220 atentados de la Triple A - casi tres por día, 60
asesinatos, uno cada 19 horas -, y 44 víctimas resultaron con heridas graves. También 20 secuestros, uno cada
dos días.
La silenciosa complicidad de las Fuerzas Armadas con la Triple A fue el prologo de la “guerra sucia”. Muchos
de los miembros de la federación de grupos terroristas organizada por López Rega colaborarían mas tarde con la
dictadura militar en tareas similares.
Un dato llamativo es que ya no se habla de “guerrilleros” o “terroristas”. La Tiple A empieza a instalar la idea
de que los muertos podían ser “subversivos”, una palabra que podía abarcar a un sacerdote, un delegado gremial,
un profesor, un militante político o un estudiante. Al no ser grupos sino personas subversivas, se incluía a cualquier
izquierdista o cualquier opositor, aunque no empeñase armas ni formase parte de grupos guerrilleros.
Las técnicas de destrucción psico-fisicas apuntaban a la desintegración de la persona, eran: la presencia de la
muerte como trasformo de toda la vida del campo, la ruptura con el mundo exterior efectivo y de relación
producida por el aislamiento, la perdida de la visión y de la noción de tiempo en tanto se permanece encapuchado
o con los ojos vendados y la falta de movimiento de la sensación de tiempo detenido, y de la perdida de la
individualidad - cada prisionero era un numero - y de la autoestima.
Otros de los aspectos de la vida en los centros clandestinos de detención eran: la pésima alimentación, el
desastroso desastre sanitario y de higiene, el profundo antisemitismo y la colaboración de algunos prisioneros.
La Triple A causo entre 865 y 996 víctimas antes del golpe de 1976, año en que dejó de funcionar, en tanto
sus miembros se integraron al aparto represivo del Estado.
La desaparición de personas.
Lo característico, lo original y lo democrático a la vez de las modalidades políticas implementadas en la
Argentina a partir del golpe de 1976 fue la desaparición masiva de personas.
Amnistía internacional en su informe sobre la desaparición de personas por motivos políticos en distintos
países del mundo caracteriza esta modalidad de la siguiente manera: “Debido a su naturaleza una desaparición
encubre la identidad de su autor. Si no hay preso, ni cadáver, ni víctima, entonces nadie presumiblemente es
acusado de nada”

Noche del cazador La


TITULO ORIGINAL The Night of the Hunter 8.5/10 MB
AÑO 1955  
DURACIÓN 93 min.  
PAÍS
DIRECTOR Charles Laughton
REPARTO Robert Mitchum, Billy Chapin, Sally Ann Bruce, Shelley Winters,
Lillian Gish, Peter Graves, Evely Varden, James Gleason
GÉNERO Y CRÍTICA Intriga. Drama. Falso predicador chantajea 2 niños p. encontrar tesoro.
Tras cometer un atraco, un padre confía el botín a sus dos hijos pequeños, antes de ser
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detenido. Esperando su ejecución, comparte celda con un siniestro predicador


-sobrecogedor Mitchum-, que oye en sueños la historia del dinero. Comienza así una
fascinante y terrorífica persecución que cautiva sin descanso por la fuerza de sus imágenes
y la potencia del relato. Un maravilloso cuento cinematográfico de una capacidad hipnótica
visual nunca superada. Considerada en la actualidad como una indiscutible obra maestra,
tuvo muy poco éxito en su estreno, motivo por el que Laughton no volvió a dirigir nunca
más. Una joya imprescindible.
La película más inquietante de la historia del cine. Una de las películas más perversas y
hermosas de la historia del cine Una de las joyas del cine.
Maravillosa película que ha ganado categoría con el paso de los años, convirtiéndose así en
todo un cláscio del cine mundial.
No es sólo un clásico fundamental e inimitable. Es también el más perverso cuento de hadas
de las historia del cine, asombrosa capacidad creativad de Laughton, el director de una sóla
película, el director que logró filmar el miedo.
El sublime actor Charles Laughton recibió tantas, tales y tan devastadoras críticas por su fábula sobre la psicosis
y la fe disfrazada de cuento de pesadilla para niños rodada en 1955 que jamás volvió a ponerse tras las cámaras, con lo
cual nos privó posiblemente de muchas otras obras interesantes que pudiera haber concebido, como este clásico que ha
ganado en reconocimiento con los años hasta ser clasificada como obra maestra imprescindible.
La película nos traslada a una zona rural norteamericana en la época de la Gran Depresión, en un ambiente de
precariedad profundamente siniestro. Este cuento de hadas terrorífico para adultos narrado desde el punto de vista de
unos niños comienza cuando Ben, que roba un banco para intentar mantener a su familia, confía el dinero de su último
botín a sus hijos. Este dinero es la razón por la cual la esposa de Ben, Wilma, se convierte en el objeto del ‘amor’ del
inolvidable predicador, el reverendo Harry Powell, uno de los “malos” más clásicos y célebres de la historia del cine,
representado por Robert Mitchum. El personaje es imposible de olvidar: levita negra, camisa blanca, lazo negro en vez
de corbata, y un puritano y anacrónico sombrero curvado en forma de infernales cuernos. Sus instrumentos de trabajo
habituales, en sus manos tatuadas de ‘amor’ y ‘odio’, una Biblia y una navaja automática. Una letanía incesante en la
que siempre narra, en tono alegórico, el ancestral conflicto entre ambas incontenibles fuerzas de la naturaleza humana,
y una siniestro himno religioso, del que Mitchum sólo canta siempre el mismo fragmento, (‘Leanin’, leanin’…) que
taladra las sienes como el más terrorífico canto satánico, completan uno de los más conseguidos caracteres negativos
de toda la cinematografía mundial, que hubiera hecho (y admiraba mucho el personaje aunque jamás lo reconoció en
público) las delicias de Alfred Hitchcock, ya que su teoría sobre el personaje del ‘malo’ se cumple aquí punto por
punto.
El predicador corteja a la rica viuda (Shelley Winters) como un virtuoso hombre de fe, aunque esta postura no
convence a sus hijos, que desde el principio han visto venir la personalidad psicopática de este individuo. Mucho más
listos que él, esconden el dinero y huyen una vez que Powell descarga todo su odio en la indefensa madre.
La huida de los niños río abajo está plasmada en un conjunto de escenas soberbias, repletas de magia, con
primerísimos planos de animales de los pantanos que subrayan la naturaleza fabulística y cuentista pero que no
esconden la sombra siniestra que se cierne sobre los niños, por más que se crean a salvo.
Pero no se pierde la esperanza, porque enmedio de todo el odio, los niños encuentran una fuerza de amor
semejante, la encarnada por Rachel (la antigua celebridad del cine mudo, Lillian Gish), una cariñosa dama que acoge
en su granja a los huérfanos de la Depresión. La amenaza del odio de Powell se enfrentará al poder del amor de Rachel
(inolvidable el intento de seducción del predicador sobre una de las niñas para que ésta la permita entrar en la granja
que Rachel defiende escopeta en mano) en unas sórdidas escenas en que se narra su asalto a la granja mientras entona
su lúgubre canturreo. Pero Rachel canta la letra completa, donde triunfa el amor por encima del odio que siempre canta
Powell, y el odio es derrotado.
Mitchum, célebre por interpretar papeles de cínico redomado, da vida aquí a uno de los ‘malos’ más creíbles de
la historia del cine, predicador, asesino en serie, frustrado sexualmente y que vuelca toda su insatisfacción física en un
ansia brutal por el dinero como único medio con el que poner en práctica su malévolo mensaje evangélico, una
verdadera y sangrienta cruzada.
Y, viendo el personaje de Mitchum, podemos extraer muchas características que resultan extrañamente reales y
aplicables a más de uno de los ministros de cierta Iglesia que todos conocemos: el interés por el dinero, la frustración
sexual (o el desahogo de la misma sobre niños indefensos), la hipocresía de muchos de sus mensajes, la doble moral, la
apariencia de respetabilidad que oculta una realidad fangosa de mentiras y odios, el nulo respeto a la autonomía de la
mujer, la utilización del asesinato cuando éste sirve a un fin ‘religioso’… No estamos diciendo que Laughton, o Davis
Grubb, el autor de la novela en la que se basa la película, pensaran en todas estas cosas al crear el personaje o al
llevarlo a la pantalla, pero da la impresión de que muchos de quienes forman parte de la administración de lo espiritual
hayan tomado más como modelo de conducta a este reverendo Powell que a aquel cuyo mensaje dicen que contribuyen
a hacer perdurar.

Noche en la ópera Una


TITULO ORIGINAL A Night at the Opera 8.4/10 MB
AÑO 1935
DURACIÓN 94 min.  
PAÍS  
DIRECTOR Sam Wood
GUIÓN George S. Kaurman & Morrie Rysking
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MÚSICA Herbert Stothart


FOTOGRAFÍA Merrit B. Gerstad (B&W)
REPARTO The Marx Brothers (spanish: Los Hermanos Marx), Groucho Marx,
Harpo Marx, Chico Marx, Margaret Dumont, K. Carlisle, Allan Jones.
GÉNERO Y CRÍTICA Comedia clásica humorista.
SINOPSIS: El extravagante sentido para los negocios de Groucho hace embarcar hacia
Nueva York a las grandes estrellas de la Ópera de Milan, con unos polizones inesperados a
bordo: Harpo y Chico. Entre los tres revolucionan el barco, organizan un escándalo en
Nueva York y convierten la noche del estreno en una locura que el mundo de la ópera nunca
podrá olvidar. Obra maestra de los hermanos Marx
Un clásico inigualable. Es un gran clásico. Pero, ¿qué es un clásico y qué películas lo son? Un clásico es aquella
película que, por mucho que pasen los años, nunca pasa de moda, nunca envejece. ¡Tantas y tantas películas han
sido incapaces de resistir el paso de los años...! No así este filme de los Marx, que conserva como pocos toda su
frescura, toda su originalidad. Es realmente sorprendente que en 72 años no haya envejecido nada, que sus gags
no hayan perdido en absoluto su gracia. ¡Ya le gustaría a Chaplin...!
Esta película es, y que me perdonen los aficionados a Chaplin, Wilder o Allen, la mejor comedia y una de las
mejores películas de la historia del 7º arte. Los siempre geniales hermanos Marx superaron a "Sopa de ganso" y
consiguieron su obra más redonda en todos los aspectos, y por supuesto, la más divertida. Escenas como la del
camarote, la de los falsos aviadores, la de las camas...pasarán a la historia como algunas de las más divertidas y
alocadas. Las interpretaciones, especialmente la del siempre genial Groucho, el mejor cómico de la historia, y la de
Margaret Dumont, son magistrales, consiguiendo así una continua carcajada por parte del espectador.
Recomiendo verla a cualquiera que quiera pasar 94 divertidísimos minutos de auténtico cine. Esto es una comedia
y no lo que se hace ahora.

Noche oscura La
TITULO ORIGINAL La noche oscura 6.1/10 MB
AÑO 1989  
DURACIÓN 93 min.  
PAÍS España
DIRECTOR Carlos Saura
GUIÓN Carlos Saura
MÚSICA J.S. Bach
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Religión / Película sobre la vida de San Juan de la Cruz.
Carlos Saura, nominado al Oso de Oro. Festival de Berlín. 1989.
Nominada a los Premios Goya: Mejor Fotografía (Teo Escamilla), Mejor Diseño de Vestuario
(Ana Alvargonzález), Mejor Montaje (Pedro del Rey), Mejor Actor Principal (Juan Diego),
Mejor Maquillaje y/o Peluquería (Romana González, José Antonio Sánchez, Mercedes Guillot,
Pepita Morales), Mejor Sonido (Gilles Ortion y Carlos Faruelo), Mejores Efectos Especiales
(Reyes Abades), Mejor Actor de Reparto (Fernando Guillén).
Intimista y sobrio drama biográfico en el que Saura da su versión de la vida de San Juan de
la Cruz. De ambiente claustrofóbico, y acertadas interpretaciones. Realmente curiosa.
Juan de la Cruz, poeta, reformador de la iglesia y futuro santo, ha sido conducido prisionero hasta el
convento de la orden carmelita, en Toledo. Es el año 1577. El prior y el visitador general de la orden,
sentencia a Fray Juan a la pena de reclusión en una angosta celda, privándole de la libertad por tiempo
indefinido. Además, Fray Juan es sistemáticamente torturado y privado de alimentos, a excepción de un trozo
de pan seco y un poco de agua.
"La noche oscura" es una película conmovedora sobre San Juan de la Cruz. En 1577, San Juan de
la Cruz es encerrado por los Carmelitas, quienes le castigan por sus ideas. Sufriendo un martirio atroz,
pretenden doblegar su fe. Consiguen justamente lo contrario: que San Juan de la Cruz ahonde en su
idea de volver a un monacato íntimo con Dios. Durante el cautiverio infame, cree que Dios le dicta unos
poemas, que conmueven a su carcelero, la única persona con quien tiene contacto. El carcelero le
ayudará a escapar y huir de "La noche oscura" a que ha estado sometido.
Biografía
Era hijo de Gonzalo de Yepes y de Catalina Álvarez, tejedores de buratos y de escasos recursos económicos.
El padre y el hermano pequeño, Luis, mueren cuando Juan tiene sólo tres años, por lo que la madre y los dos hijos
restantes (Francisco y el propio Juan) se ven obligados por la acuciante pobreza (las penalidades pasadas hicieron
de Juan un hombre de escasa corpulencia, bastante bajo de estatura (Santa Teresa lo llamaba "mi medio fraile") a
trasladarse primero a Arévalo (donde viven durante cuatro años) y en 1551 a Medina del Campo. El incremento de
fortuna que les reportó el matrimonio del hermano mayor consiguió que se establecieran allí definitivamente. Juan,
gracias a su condición de pobre de solemnidad, puede asistir al Colegio de los Niños de la Doctrina, privilegio que le
obliga a realizar ciertas contraprestaciones, como asistir en el convento, la ayuda a Misa y a los Oficios, el
acompañamiento de entierros y la práctica de pedir limosna. La mínima formación recibida en el colegio le capacitó
para continuar su formación en el recién creado (1551) colegio de los jesuitas, que le dieron una sólida base en
Humanidades. Como alumno externo y a tiempo parcial, debía compaginar sus estudios con un trabajo de
asistencia en el Hospital de Nuestra Señora de la Concepción de Medina, especializado en la curación de
enfermedades venéreas contagiosas.
Así, pues, entre 1559 y 1563, estudia con los jesuitas; durante los primeros tres años, recibe la formación
según la novedosa ratio studiorum, en la que el latín era la base de todo el currículum; en el cuarto año, aparte de
recibir instrucción retórica, aprende a escribir en latín, a construir versos en este idioma y a traducir a Cicerón,
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Julio César, Virgilio, Ovidio, Marcial y Horacio. Simultáneamente, vive las nuevas corrientes del Humanismo
cristiano, con estilo y comportamientos renovados en la pedagogía.
A los veintiún años, en 1563, ingresa en los Padres Carmelitas de Medina (orden de los Carmelitas) y adopta
el nombre de fray Juan de Santo Matía. Tras realizar el noviciado entre 1563 y 1564 en el convento de Santa Ana,
se traslada a Salamanca donde estudiará en el Colegio de San Andrés de los Cármenes entre 1564 y 1567 los tres
cursos preceptivos para bachillerarse en Artes. Durante el tercer curso, fue nombrado, por sus destrezas
dialécticas, prefecto de estudiantes en el colegio de San Andrés.
En 1567 regresa a Medina del Campo por unos pocos días para ser ordenado presbítero y celebrar su primera
misa en presencia de su hermano, del resto de su familia y de sus amigos del convento. Allí conocerá a Teresa de
Cepeda y Ahumada, futura santa Teresa de Jesús, que había llegado a la ciudad para fundar una nueva sede de su
Reforma Carmelita, los llamados carmelitas descalzos. Teresa convence a Juan y lo une a su causa de reforma de
su orden. Ésta, reformada, tropezó con una gran hostilidad por parte de los carmelitas calzados.
Juan regresa a Salamanca e inicia estudios de Teología durante el curso 1567-1568, pero solo termina un
curso -los preceptivos hubieran sido cuatro- por lo que no obtuvo ni siquiera el grado de bachiller.
En agosto de 1568 abandona Salamanca para acompañar a Teresa en su fundación femenina de Valladolid.
El 28 de noviembre de 1568 funda en Duruelo el primer convento de Descalzos de la rama masculina del
Carmelo Descalzo siguiendo la Regla Primitiva, esto es, un establecimiento que propugna el retorno a la práctica
original de la Orden; en la ceremonia, cambia su nombre por el de fray Juan de la Cruz. En 1570 la fundación se
trasladó a Mancera, donde Juan desempeñó el cargo de Subprior y Maestro de novicios; tras una estancia en
Pastrana para poner en marcha su noviciado, se establece en 1571 en Alcalá de Henares como Rector del colegio
recién fundado.
Juan se convierte en uno de los principales formadores para los nuevos adeptos a esta reforma carmelitana.
En 1572 viaja, invitado por Teresa de Jesús, al Convento de la Encarnación en Ávila, en donde asumirá las tareas
de Vicario y Confesor de las monjas. Permanecerá aquí hasta finales de 1577, por lo que acompañará a la madre
Teresa a la fundación de diversos conventos de Descalzas, como el de Segovia.
Durante este periodo, en el seno de la Orden del Carmelo se habían agravado los conflictos jurisdiccionales
entre los carmelitas calzados y descalzos, debidos a distintos enfoques espirituales de la reforma; por lo demás, el
pleito se enmarcaba también en la confrontación entre el poder real y el pontificio por dominar el sector de las
órdenes religiosas. Así, en 1575, el Capítulo General de los Carmelitas decidió enviar un visitador de la Orden para
suprimir los convento fundados sin licencia del General y de recluir a la madre Teresa en un convento. Finalmente,
en 1580 el Carmelo Descalzo se erige en Provincia exenta y en 1588 es reconocida como Orden.
En este contexto es en el que se produce el encarcelamiento de Juan de la Cruz, quien ya en 1575 había sido
detenido y encarcelado en Medina del Campo durante unos días por los frailes calzados. La noche del 3 de
diciembre de 1577 Juan de la Cruz es nuevamente apresado y trasladado al convento de frailes carmelitas de
Toledo, donde es obligado a comparecer ante un tribunal de frailes calzados para retractarse de la Reforma
teresiana. Ante su negativa, es recluido en una prisión conventual durante ocho meses.
Durante este periodo de reclusión escribe las treinta y una primeras estrofas del Cántico espiritual (en la
versión conocida como protocántico), varios romances y el poema de la fonte, y los canta en su estrecha reclusión
para consolarse.
Tras concienciarse de que su liberación iba a ser difícil, planea detenidamente su fuga y entre el 16 y el 18 de
mayo de 1578, con la ayuda de un carcelero, se escapa en medio de la noche y se acoge en el convento de las
Madres Carmelitas Descalzas, también en Toledo. Para mayor seguridad, las monjas lo envían al Hospital de Santa
Cruz, en el que estuvo mes y medio.
En 1578 se dirige a Andalucía para recuperarse completamente. Pasa por Almodóvar del Campo, cuna de los
místicos San Juan de Ávila y San Juan Bautista de la Concepción, y luego llega como Vicario al convento de El
Calvario en la serranía jienense. Entabla amistad con Ana de Jesús, tras algunas visitas a la fundación de Beas de
Segura.
En junio de 1579 se establece en la fundación de Baeza donde permanece como Rector del Colegio Mayor
hasta 1582, en que marcha para Granada tras ser nombrado Tercer Definidor y Prior de los Mártires de esa ciudad.
Realiza numerosos viajes por Andalucía y Portugal, por razones del cargo. En 1588 es elegido Primer Definidor y
Tercer Consiliario de la Consulta, la cual le traslada a Segovia.
Tras un nuevo enfrentamiento doctrinal en 1590, es destituido en 1591 de todos sus cargos, y queda como
simple súbdito de la comunidad. Durante su viaje de vuelta a Segovia, cae enfermo en el convento de La Peñuela y
es trasladado a Úbeda, donde muere la noche del 13 al 14 de diciembre.
Beatificación y canonización
Inmediatamente tras su muerte, su cuerpo es despojado y se inician los pleitos entre Úbeda y Segovia por la
posesión de sus restos. En 1593, éstos, mutilados, se trasladan clandestinamente a Segovia, donde reposan
actualmente. El proceso de beatificación y canonización se inició en 1627 y finalizó en 1630. Fue beatificado en
1657 por Clemente X y canonizado por Benedicto XIII en 1726. Posteriormente, en 1926 Pío XI lo proclama Doctor
de la Iglesia Universal y en 1952 es declarado patrono de los poetas españoles.
889

Noches de Cabiria Las


TITULO ORIGINAL Le notti di Cabiria 8.7/10 MB
AÑO 1957  
DURACIÓN 110 min.  
PAÍS Italia
DIRECTOR Federico Fellini
GUIÓN Federico Fellini, Ennio Flaiano, Tullio Pinelli
REPARTO Giulietta Masina, François Périer, Amedeo Nazzari, Aldo Silvani,
Franca Marzi
GÉNERO Y CRÍTICA 1957: 1 Oscar: mejor película extranjera
Drama. Prostituta sueña con encontrar amor verdadero.
SINOPSIS: Cabiria es prostituta y ejerce en uno de los barrios más pobres de Roma. Sueña
con encontrar el amor verdadero, un hombre que la aparte de la calle y a quien pueda
entregarse en cuerpo y alma. Su bondad y una cierta ingenuidad la convierten en víctima de
sucesivos vividores que se aprovechan de ella, le roban y golpean. Las contrariedades no
afectan a su espíritu, que cobra esperanzas renovadas una y otra vez pese a los sucesivos
fracasos. Todo parece cambiar cuando abre su corazón a un tímido contable que le propone
matrimonio.
"La infinita capacidad poética del cine es puesta en imágenes por el maestro Fellini en una
obra inmortal. Imprescindible"
Una pobre y cándida prostituta espera con los ojos muy abiertos la gracia de que alguien la ame. Espera
y cree a pesar de todo.

Noé
Título original Noah 6.1 R
Año 2014
Duración 138 min.
País  Estados Unidos
Director Darren Aronofsky
Guión Darren Aronofsky, Ari Handel
Reparto Russell Crowe, Jennifer Connelly, Emma Watson, Anthony Hopkins, Ray
Winstone, Logan Lerman, Marton Csokas, Dakota Goyo, Douglas Bootho
Aventuras. Drama. Fantástico | Biblia. Religión. Cine épico. Catástrofes
Sinopsis: En un mundo asolado por los pecados humanos, Noé, un hombre pacífico
que sólo desea vivir tranquilo con su familia, recibe una misión divina:
construir un Arca para salvar a la creación del inminente diluvio. Todo
comienza cuando, cada noche, Noé tiene el mismo sueño: las visiones de
muerte provocada por el agua, seguidas de nueva vida en la Tierra.
Críticas
'Noé' es a la vez un 'blockbuster' émulo del más rancio cine de superhéroes rancios; una reflexión metafísica sobre el sentido del
mal; un poema pío a vueltas con la creación; una protesta encendida contra la naturaleza maltratada; un melodrama.
Puede que no haya mejor forma de describir el film de Aronofsky que decir que tiene un pie en el mundo de
Bresson y otro en el de Jerry Bruckheimer.
Enérgica y audaz. Aronofsky ha estado valiente, explorando profundo para desarrollar una atrevida interpretación
de un relato que ofrece mucho espacio para la especulación y la inventiva.
'Noé' aspira a ser una historia de amor, un drama familiar, una película de guerra y una película de desastres, pero
los diferentes tonos y géneros no están integrados con demasiado éxito.
Un logro verdaderamente visionario inundado de ideas a medio cocinar. La peor película de Aronofsky, un film
épico mal calculado que, con todo, y como su fuente original, ofrece muchas lecciones incluso si no te crees
toda la historia.
El 'Waterworld" bíblico de Darren Aronofsky encalla. Una película atrapada entre la convencional epopeya bíblica y
el cine de autor más salvaje.
Un proyecto a gran escala, 'Noé' es una valiente nueva versión de la historia con un montón de espectáculo, que se
ve debilitada por sus excesivas ambiciones, sus elementos fantasiosos y un villano típico.
Una película con agallas, gracia y maravillas visuales que, aún y con toda su modernidad tecnológica, está
construida sobre una base espiritual.
La seria, irregular e intermitentemente potente película de Aronofsky es un ejemplo de estudio psicológico y a la
vez una parábola de la arrogancia y la humildad.
Aronofsky hace detonar el sentido común en un alarde tan sugerente, desproporcionado y magnético como
profundamente ridículo.
890

Nómadas del viento (Alas de Sobrevivencia)


TITULO ORIGINAL Le peuple migrateur 7.4/10 EXC
AÑO 2001
DURACIÓN 90 min.
PAÍS Francia
DIRECTOR Jacques Perrin, Michel Debats, Jacques Cluzaud
FOTOGRAFÍA Olli Barbé, Michel Benjamin, Sylvie Carcedo-Dreujou,
Laurent Charbonnier, Luc Drion, Laurent Fleutot, Ph. Garguil.
GÉNERO Y CRÍTICA Documental. Naturaleza. vuelos migratorios.
SINOPSIS: Ambicioso documental sobre la migración de las aves, un viaje que recorre más
de 40 países. 4 años de trabajo y más de 140 personas contribuyeron a la creación de un
singular estudio, no sólo de las diferentes aves migratorias y sus patrones migratorios, sino
del ecléctico, espectacular y sorprendente planeta en el que vivimos. Estuvo nominado al
Oscar al mejor documental.
Un equipo de documentalista coordinados por el francés Jacques Perrin siguieron a diversas aves migratorias
por varios meses, a lo largo de miles de kilómetros. El resultado es un poema visual y al mismo tiempo uno de los
más asombrosos documentales hechos sobre el mundo salvaje. Usando minicámaras, helicópteros y globos, los
realizadores obtuvieron imágenes nunca vistas de las aves en vuelo. Si rayaste con Microcosmos, no te puedes
perder este filme. Trata de verlo en la pantalla más grande que puedas conseguir.
La película no pretende ser didáctica sobre los huevos que el animal pone, o sobre cómo el macho atrae a la
hembra: Tocando el cielo busca mostrarnos cómo estos animales miran al mundo, qué es lo que logran conocer de
él antes de que conozcan a la muerte. Para nuestra sorpresa, sus experiencias no son tan distintas de las nuestras.
Es una mezcla de documental de la naturaleza, con música clásica que da como resultado una impresionante
visión del vuelo de un grupo de aves, con vistas espectaculares tanto de los actores principales como de los
paisajes que los rodean. Por otro lado refleja un cuidado trabajo tanto de grabación como de edición... vale la
pena.

Nombre de la rosa El
TITULO ORIGINAL Le nom de la rose 8.0/10 MB
AÑO 1986  
DURACIÓN 131 min.  
PAÍS
DIRECTOR Jean-Jacques Annaud
Acertada adaptación de la exitosa novela de Umberto Eco:
Biblioteca Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas contemporáneas
REPARTO Sean Connery, Christian Slater, F. Murray Abraham,
Michael Lonslade, Valentina Vargas, Ron Perlman
GÉNERO Y CRÍTICA Intriga. Edad Media. Corrupción conventos, Inquisición, Fe-Ciencia.
SINOPSIS: Siglo XIV. Todo comienza una hermosa mañana de finales de noviembre del año
del señor 1327 cuando Fray Guillermo de Baskerville (Sean Connery), un monje franciscano
y antiguo inquisidor, y su inseparable discípulo el novicio Adso de Melk (Christian Slater),
que es quien relata la historia, acuden a una abadía benedictina situada en el norte de la
península italiana para intentar esclarecer la muerte del joven miniaturista Adelmo da
Otranto. Durante su estancia en la abadía van desapareciendo misteriosamente más
monjes, a quienes encuentran muertos al poco tiempo. Lentamente, y gracias a la
información aportada por algunos monjes, Guillermo va esclareciendo los hechos. El móvil
de los crímenes parecen ser unos antiguos tratados sobre la licitud de la risa que se
encuentran en la biblioteca del complejo, de la cual se dice que es la mayor del mundo
cristiano. ¿Quién es el asesino? ¿Qué hicieron sus víctimas para morir asesinadas? Nadie lo
sabe...
Annaud no cae en la trampa y se dedica a rodar una película, no un libro (parece ser que la
gente no se da cuenta de la diferencia entre ambos conceptos), dotándola de una atmósfera
siniestra e inquietante.
Annaud plantea el filme como una intriga detectivesca, y se vale principalmente del montaje
para crear el deseado clima de suspense. Estamos en líneas generales ante una adaptación
más que notable, pese a que el guión traicione por momentos el desarrollo argumental del
texto de Eco, y no llegue a captar totalmente su esencia filosófica. La película describe con
acierto una época oscura en la que la superstición seguía estando muy por delante de la
razón (¡ y lo que le quedaba ¡) Guillermo de Baskerville, inconmensurable como siempre
Sean Connery, es una especie de Sherlock Holmes medieval que desafía con las artes de la
lógica las leyes de su tiempo. En el capítulo interpretativo también merece destacarse una
de las primeras apariciones en el cine del entonces desconocido Christian Slater dando vida
a Adso de Melk, el joven novicio que acompaña al protagonista.
Como no podía ser menos en este tipo de producciones los aspectos técnicos están muy
cuidados, desde la fotografía hasta la puesta en escena, sobresaliendo de ésta última la
suntuosa recreación de la abadía en donde se desarrolla la historia.
Una gran película a la altura de una gran novela.
PUNTOS DE INTERÉS
891
Antes de ver la película proponemos algunas sugerencias para orientar la observación. Sirven para tener referencias
para el trabajo posterior pero, en ningún caso, agotan sus posibilidades.
a) La iluminación y la fotografía que recalcan el sentido simbólico del film con referencias a la iconografía y el arte
religiosos medievales (luz-oscuridad como reflejo del antagonismo bien-mal). El autor de la novela es semiólogo
(¿sabes lo que significa?) y eso se nota.
b) La óptica usada por el director para potenciar el tratamiento expresionista de los rostros (además de la elección de
los actores y el maquillaje) en un intento de aproximación al arte románico y del primer gótico.
c) Los personajes son bastante esquemáticos (representan posturas o pasiones humanas). Fíjate en ello e intenta
relacionar alguno de ellos con esas cualidades o defectos morales que representan.
d) Si habéis leído la novela, buscad las diferencias en la intriga ¿qué aspectos del libro se reflejan mejor en el film?
e) Cómo Annaud, un director acostumbrado a manejarse en exteriores (Vd. Su bio-filmografía), usa con maestría los
Planos generales, los movimientos de cámara (especialmente los travellings) y abusa un poco de los ángulos
especiales.
f) La importancia de la banda sonora (y no sólo nos referimos a la música).
g) El comportamiento de los personajes (especialmente Guillermo y, en alguna medida, Adso) que se inspira con
frecuencia en modos de pensar y actuar... posteriores a la época. ¿Detectas otras referencias culturales
anacrónicas?
1 Actividades tras la película
Son actividades para realizar nada más acabar de ver el film a fin de propiciar una dinámica que enlace el visionado
con el trabajo y posterior. Así suscitaremos preguntas y marcaremos líneas de reflexión y debate.
1. ¿ Como calificarías la película ?
2. ¿ Cuál es el argumento de la película ?
3. ¿ Y el tema ? Piensa otros temas secundarios.
4. ¿ En qué género la encuadrarías ? (¿Recuerdas haber visto otras parecidas?)
5. ¿Qué aspectos te han llamado más la atención? Cita un par de cosas que recuerdes.
6. ¿Te ha chocado algún aspecto en concreto?
7. ¿Qué conflicto o conflictos se plantea en el film?
2 Guía para el comentario
Se trata de una serie de orientaciones para guiar el trabajo de los alumnos hacia una lectura temática (no fílmica). Son
actividades que se pueden confeccionar en forma de cuadernillo, seleccionar algunas para una hoja de control de
actividades, seleccionar alguna(s) de ellas o plantear de forma oral para mantener un debate. En suma, siempre es
útil preparárselas en plan de “chuleta del profesor”.
1 Rememorar y re-pensar el film
Los personajes
1) ¿Cuántos personajes recuerdas?
2) Ahora, consulta el listado de personajes y otórgale una característica a cada uno de ellos
Personajes: Guillermo de Baskerville, Adso, Ubertino de Casale, el Abad Abbon, Jorge de Burgos, Bencio de Upsala,
Berengario de Arundel, Salvatore, Venancio, Severino, Bernardo Gui, Nicola, Malaquías, la muchacha.
3) ¿Qué personajes defienden posturas más medievales y cuáles más cercanas a lo que será el Renacimiento?
La trama
4) ¿Qué tarea realizaba el primer monje muerto?
5) ¿Por qué razón se producen los asesinatos?
6) ¿Sabes quién era Aristóteles? (si no es así busca datos) ¿Qué relación tiene con el cristianismo?
7) ¿Por qué había libros prohibidos?
El escenario
8) ¿ Qué papel jugaron los monasterios en la conservación y difusión de la cultura clásica? Señala alguna escena del
film que muestre ese papel.
9) ¿Qué oficios o trabajos hacen los monjes?
10) Haz una descripción de las estancias del Monasterio que se ven en el film.
La atmósfera
11) La historia transcurre en una atmósfera inquietante ¿recuerdas cómo se nos presenta la abadía?
12) ¿Qué elementos visuales o sonoros utiliza el director para acentuar esta atmósfera?
13) ¿Recuerdas algún momento especialmente inquietante?
Los otros conflictos
14) Describe la peripecia de Adso, la muchacha y el inquisidor.
15) ¿Recuerdas qué hace Adso cuando la muchacha es apresada? ¿En qué otros momentos aparece esa imagen?
16) Compara esa peripecia y el final de la muchacha y del inquisidor en el libro y en el film. ¿Qué significan esos
cambios?
17) ¿Qué papel jugaba la Inquisición en esa época? ¿Qué intereses defendía?
18) ¿En qué momento del film se ve el conflicto entre el poder civil y la Iglesia?
19) ¿ Qué diferencias ves tú entre los franciscanos y los dominicos? ¿Y entre las órdenes mendicantes y los
benedictinos?
20) ¿Quiénes eran los herejes? ¿Por qué surgieron?
2 Temas de trabajo
1. El monasterio es un escenario pero es un personaje del film. Compararlo con algunos que conozcáis y que se
caractericen por algo (emplazamiento, tamaño, poder, importancia histórica,...).
2. La religión y su papel en la Edad Media. Analizad su papel y los cambios que se producen en la parte final de la
Edad Media. ¿Qué consecuencias tendrán para los Monasterios?
3. Los estamentos medievales y su presencia en el film. En esta trama hay uno muy presente, otro como telón de
fondo y uno casi ausente. Explica la frase anterior.
4. El feudalismo como sistema social preside la época: la abadía es el centro de un dominio señorial y está rodeada
de murallas. ¿Por qué? Busca escenas en las que se vea esta posición señorial.
892
5. El campesinado formaba la mayoría de la población pero ¿cómo vivían? ¿Recuerdas algún diálogo sobre ellos en
el film?
6. La crisis de la Edad Media, el final de una forma de vida (y de civilización): ¿cómo se vive en el film?
7. El arte y la iconografía medievales marcan la estética del film. ¿Recuerdas el poder de las imágenes en el film? (el
efecto de la portada sobre el joven Adso, la imagen de la Virgen, los libros). ¿Hay otros símbolos destacados en
esta película? ¿Por qué tenían tanta importancia los símbolos en la Edad Media?
8. La pugna entre lo viejo y lo nuevo es una constante histórica. ¿Qué dos posturas se enfrentan aquí? (Hay más de
un tema)
9. El desenlace es violentísimo y acaba con la destrucción de casi todo ¿el Apocalipsis o el fin del viejo mundo?
3) Otras propuestas
Sugerencias para tratar la película desde materias ajenas a la Historia o el estudio de la Religión.
A. Tratar el tema de la Autoridad frente a la interpretación basada en la pluralidad y confrontada con la experiencia. Fe
y razón.
B. ¿Por qué nos atrae la Edad Media? ¿Qué valores representa?
4. Documentos
I. La Inquisición
“ Bernardo Gui se situó en el centro de una gran mesa de nogal, en la sala capitular. Junto a él, un dominico
desempeñaba las funciones de notario; a izquierda y derecha, dos prelados
de la legación pontificia hacían de jueces. El Abad se volvió hacia Guillermo para decirle por lo bajo:
-No sé si el procedimiento es legítimo (...).
-El inquisidor no está sometido a la jurisdicción regular -dijo Guillermo-, y no está obligado a respetar las normas del
derecho común. Goza de un privilegio especial, y ni siquiera debe escuchar a los abogados (...).
Remigio estaba reducido a un estado lamentable. Miraba a su alrededor como un animal muerto de miedo, como si
reconociese los movimientos y los gestos de una liturgia temida(...). Si el infeliz Remigio era presa de sus propios
terrores, Bernardo Gui por su parte, sabía muy bien cómo transformar en pánico el miedo de sus víctimas.
No hablaba: mientras todos esperaban que comenzase el interrogatorio, sus manos se demoraban en unos folios que
tenía delante; fingía ordenarlos, pero con aire distraído.
En realidad, su mirada apuntaba al acusado; una mirada mixta, de hipócrita indulgencia (como para decir: “no temas,
estás en manos de una asamblea fraterna que sólo puede querer tu bien”), de helada ironía (como para decir:
“Todavía no sabes cuál es tu bien, pero pronto te lo diré”) y de implacable severidad (como para decir: “En todo
caso, aquí yo soy tu juez, y me perteneces”).
II. Cualquier tiempo pasado fue mejor
“ Los hombres de antes eran grandes y hermosos (ahora son niños y enanos), pero ésta es sólo una de las muchas
pruebas del estado lamentable en que se encuentra este mundo caduco. La juventud ya no quiere aprender nada,
la ciencia está en decadencia, el mundo marcha patas arriba, los ciegos guían a otros ciegos y los despeñan en
los abismos, los pájaros se arrojan antes de haber echado a volar, el asno toca la lira, los bueyes baulan, maría
ya no ama la vida contemplativa y marta ya no ama la vida activa, Lea es esteril, Raquel está llena de lascivia,
Catón frecuenta los lupanares, Lucrecio se convierte en mujer. Todo está descarriado. Demos gracias a Dios de
que en aquella época mi maestro supiera infundirme el deseo de aprender y el sentido de la recta vía, que no se
pierde por tortuoso que pueda ser el sendero. (Adso de Melk, ya viejo, en el Prólogo)”
III. Disidencia y herejía en la Iglesia
“ Cuando en el último tercio del siglo pasado (s.XIII), el concilio de Lyon, salvando a la orden franciscana de los
ataques de quienes querían disolverla, le concedió la propiedad de todos los bienes que tenía en uso (...) sucedió
que algunos frailes se rebelaron, porque consideraban que así se traicionaba definitivamente el espíritu de la
regla, pues un franciscano no debe poseer nada, ni como persona, ni como convento ni como órden. Aquellos
rebeldes fueron condenados de por vida. A mí no me parece que predicaran nada contrario al Evangelio, pero
cuando entra en juego la posesión de los bienes terrenales es difícil que los hombres razonen con justicia(...).
Sin embargo, (el papa Juan XXII) había comprendido que para destruir la mala hierba de los fraticelli, que socavaban
la autoridad de la iglesia, era necesario condenar las proposiciones en que se basaba su fe. Ellos sostenían que
Cristo y los apóstoles no habían tenido propiedad alguna, ni individual ni común, y el papa condenó esta idea
como herética. Lo que no deja de ser asombroso, porque ¿cómo puede un papa considerar perversa la idea de
que Cristo fue pobre? pero un año antes se había reunido en Perusa el capítulo general de los franciscanos, y
había sostenido, precisamente, dicha idea; por tanto, al condenar a los primeros el papa condenaba también éste
último. Como ya he dicho, aquella decisión del capítulo le ocasionaba gran perjuicio en su lucha contra el
emperador. Así fue como a partir de entonces muchos fraticelli, que nada sabían del imperio ni de Perusa,
murieron quemados.”
“Que pacífica sería la vida sin amor, que segura y tranquila... y que insulsa…
Querido Adso, ¿no confundirás el amor con la lujuria?...
¿Conoces algún lugar donde Dios se haya sentido a gusto?”

Normal Heart The (TV)


Título original: The Normal Heart (TV) 7.0 MB
893
Año 2014
Duración 127 min.
País  Estados Unidos
Director Ryan Murphy
Reparto
Mark Ruffalo, Matt Bomer, Taylor Kitsch, Jim Parsons, Julia Roberts, Alfred Molina, Joe Mantello, B.D. Wong,
Jonathan Groff, Stephen Spinella, Finn Wittrock, Denis O'Hare, Corey Stoll, Danielle Ferland, Chris Sullivan, Erik
Conover
Género: Drama. Años 80. Desesperación al del SIDA en gays.
Sinopsis
En la época de mayor virulencia del SIDA, se ignoraba casi todo sobre una enfermedad que se calificó como "el
cáncer gay". El film cuenta cómo la sociedad estadounidense fue asimilando la expansión de la gran epidemia. El
guionista Larry Kramer traslada a la pantalla su propia experiencia vital en Nueva York a comienzos de los años
80.
Premios
2014: 1 premio Emmy: Mejor telefilm. 16 nominaciones
2014: Globos de Oro: Mejor actor secundario serie, miniserie o telefilm (Bomer)
2014: Satellite Awards: 3 nominaciones incluyendo Mejor película para TV
2014: Sindicato de Actores (SAG): Mejor actor (Telefilm o Miniserie) (Mark Ruffalo)
Críticas
Una historia íntimamente personal que narra de primera mano la desgarradora experiencia de Kramer está
destinada a poner Emmys en las manos de un notable elenco.
Es emocionalmente cruda, desgarradora, y de una singular y horrenda belleza, te emocionará, te dejará
agotado y, casi paradójicamente, te entusiasmará hasta el punto donde un drama de televisión te puede llevar.
Esta reencarnación de 'The Normal Heart' plantea todas las preguntas inquietantes adecuadas.
En su mayor parte, el director ha materializado el material ganador del premio Tony en forma de película. En
su totalidad, ha dado lugar a una poderosa obra.
Tanto Murphy como Kramer hacen justicia a la obra y han creado un poderoso recordatorio de la historia
moderna para los que son demasiado jóvenes para entender este pasado demasiado reciente.
Es algo aterrador de ver, y un ejemplo de cómo el Sr. Kramer y el Sr. Murphy toman uno de los puntos
fuertes de la obra y, a través de la flexibilidad que ofrece la película, hacen que sea aún más potente.  
Escrito, dirigido e interpretado con una pasión que irradia fuera de la pantalla, 'The Normal Heart' es un
drama de lo más incendiario, un objeto contundente, que también resulta poético y profundo.  

La versión cinematográfica de la mordaz obra de Larry Kramer es imperfecta, pero aún así vale la pena verla. Todo el talento
junto ha sido puesto a disposición de una historia que necesitaba ser contada de esta manera tan cruda. Nos situamos en 1981,
momento en el que empezaba a aparecer un entonces llamado cáncer gay en la sociedad neoyorquina, justo en el momento en
que la homosexualidad comenzaba a normalizarse. Ante la pasividad de las autoridades a la hora de investigar la enfermedad,
forman una organización para ayudar a los enfermos, recaudar dinero y ejercer como grupo de presión ante las autoridades.
Paralelamente, los protagonistas vivirán en sus propias carnes el drama de esta devastadora enfermedad .
A pesar de la distancia que uno puede sentir debido a la condición sexual, las circunstancias sociales o la época a la que nos
traslada, es mérito de la película que esos sentimientos se vean universalizados en todos nosotros. La impotencia, el miedo a la
muerte, el rechazo social o personal y el amor son comunes a toda la raza humana y seguro que todos hemos sentido todos
ellos a lo largo de nuestras vidas . Quién canaliza como puede todos los sentimientos en su persona es Ned Weeks (Mark
Ruffalo), al que las circunstancias le han superado ampliamente. Su activismo agresivo a favor de los derechos de los gays le han
creado muchos enemigos a lo largo de este camino, incluso consigue que el espectador se sienta igual que sus compañeros de
asociación. En ocasiones, su vehemencia incluso molesta, pero son ese tipo de personas los que han alcanzado nuevas metas. Su
problema era la desesperación por una enfermedad que se estaba llevando a sus amigos y también a su pareja. La falta de
tiempo, recursos y voluntad hacen explotar a varios personajes a lo largo del filme, como el propio Ruffalo (varias veces), Jim
Parsons, Julia Roberts o Joe Mantello . Todos ellos monólogos muy clarificadores sobre lo que había en juego. Hay quien pueda
ver sobreactuación, y quizás sea cierto, pero emocionan enormemente y, al mismo tiempo nos hacen disfrutar de su talento.

Nostalgia de la luz
Título original: Nostalgia de la luz (Nostalgie de la lumière) MB
Año 2010 7.6
Duración 90 min.
País  Francia
Director Patricio Guzmán
Guión Patricio Guzmán
Reparto
Documentary, Gaspar Galaz, Lautaro Núñez, Luís Henríquez, Victor González, Vicky
Saaveda, Violeta Berrios, George Preston, Valentina Rodríguez
Género Documental | Dictadura chilena. Atacama, Historia de estrellas y desaparecidos.
Sinopsis
Nostalgia de la luz es un film sobre la distancia entre el cielo y la tierra, la distancia entre
la luz y los seres humanos, y las misteriosas idas y vueltas que se crean entre ellos. A
tres mil metros de altura, los astrónomos venidos de todo el mundo se reúnen en el
desierto de Atacama para observar las estrellas en el Norte de Chile. Aquí, la transparencia del cielo permite ver
hasta los confines del universo. Abajo, la sequedad del suelo preserva los restos humanos intactos para siempre:
momias, exploradores, mineros, indígenas y osamentas de los prisioneros políticos de la dictadura. Mientras los
astrónomos buscan la vida extraterrestre, un grupo de mujeres remueve las piedras: busca a sus familiares.
894
TEMAS: cultura y ambiente, política.
Premios 2010: Premios del Cine Europeo: Mejor documental

Noveno día El
TITULO ORIGINAL Der neunte Tag 6.6/10 MB
AÑO 2004
DURACIÓN 98 min.  
PAÍS Alemania
DIRECTOR Volker Schlöndorff
GUIÓN Eberhard Görner & Andreas Pflüger
REPARTO Ulrich Matthes, August Diehl, Bibiana Beglau, Hilmar Thate
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Holocausto. Sacerdote campo conc. Nazi lucha por su fe.
SINOPSIS: Narra la historia del sacerdote católico Henri Kremer, prisionero en un campo de
concentración por no seguir las leyes racistas de Hitler. Además, Kremer fue amenazado
con la muerte de su familia y compañeros si no convencía al obispo de Luxemburgo para
que se comprometiera con el régimen nazi.
Con más ecuanimidad y algo menos de pasión y de rabia que Costa-Gavras en 'Amén' (...)
valiente y desequilibrado filme.
Temas de debate:
¿Cuáles fueron los fundamentos, las convicciones íntimas de Kremer para asumir su decisión? ¿Es
correcta su decisión? ¿Es cierto que sin Judas no habría existido el cristianismo? ¿Cuál fue el verdadero
objetivo de la Gestapo al exigir al obispo la firma de la declaración? La película refleja el heroísmo de
muchos cristianos, sacerdotes y laicos, que condenaron el nazismo y su política racial, arriesgando su vida.
Durante el régimen nazi en Alemania, el campo de concentración de Dachau tenía prisioneros a unos tres mil
ministros de la Iglesia Católica (obispos, sacerdotes, diáconos, religiosos). En febrero de 1942, uno de estos
prisioneros, el Padre Jean Bernard, fue sorpresivamente liberado de Dachau y enviado a Luxemburgo, su tierra natal,
a visitar a su familia, por una breve temporada, para luego volver a ser recluido en el campo de concentración.
El reconocido director alemán Volker Schlöndorff ha tomado este hecho real para filmar su última película El
noveno día ( Der Neunte Tag / The Ninth Day, 2004). A 60 años del fin de la segunda guerra mundial, esta historia
aborda otro aspecto de esta dolorosa realidad social, a la que se han acercado también últimamente otras películas:
La caída (de Oliver Hirschbiegel, 2004), Amén (de Costa-Gavra s, 2002 ), El pianista (de Roman Polansky, 2002), o
La lista de Schindler (de Steven Spielberg, 1993).
En El noveno día, el Padre Henri Kremer (el personaje que representa al Padre Bernard) tiene exactamente
nueve días para tratar de convencer a su obispo en Luxemburgo que apoye el proyecto de Hitler como beneficioso
para la misión de la Iglesia, y así consiga el sacerdote y otros más su libertad total; de lo contrario, él y los demás
curas presos pueden ser sentenciados a muerte. La película imagina la estancia de Kremer con su familia y, sobre
todo, las conversaciones con su obispo y con un joven oficial nazi, ex seminarista, que usa sus mejores recursos
retóricos para persuadir al sacerdote. Los sutiles argumentos del oficial apelan a una confrontación de liderazgos entre
Jesús de Nazaret y Judas Iscariote; pero es más que nada en los gestos y las actitudes de ambos el oficial con todo el
poder y el sacerdote prisionero y frágil- donde se da la verdadera confrontación y la honda tentación a que es
expuesto el Padre Kremer: escoger la vida o la muerte, la libertad o la prisión, el presente o el futuro, su persona o los
otros. La historia filmada tiene como centro este dilema moral ante una elección, y el compromiso con Dios y con la
Iglesia al que quiere ser fiel el sacerdote, dentro de una realidad tan compleja, dolorosa y difícil, como fue la segunda
guerra mundial (1939-1945).
Lo interesante, pero no explicitado en la película, es que esta representación fílmica del gran director alemán
Volker Schlöndorff, está basada libremente en el caso real del Padre Jean Bernard que era Secretario General de la
OCIC (Organización Católica Internacional del Cine) cuando estalló la segunda guerra mundial y que efectivamente
fue enviado al campo de concentración de Dachau y escribió sus memorias de esa penosa experiencia en
Pfarrreblock Z4587. En 1946 Bernard regresó a Bruselas y luego fue elegido Presidente de la OCIC, cargo que ejerció
de 1947 a 1972. Durante su presidencia, la OCIC empezó su presencia con jurados propios en los grandes festivales
de cine; así, en Venecia en 1948, Cannes en 1952 y Berlín en 1954. El Padre Bernard asistió como perito al Concilio
Vaticano II y trabajó en la comisión que preparó el decreto Inter Mirifica sobre los medios de comunicación social. Al
dejar la presidencia en 1972, el padre Bernard regresó a su natal Luxemburgo y siguió trabajando para la Iglesia en
los medios hasta su muerte en 1994. Más adelante, en noviembre de 2001, dos asociaciones mundiales del trabajo de
la Iglesia en los medios de comunicación, OCIC y UNDA se fusionaron para dar origen a SIGNIS (Asociación Católica
Mundial para la Comunicación)
Volker Schlöndorff ha recreado en la pantalla notables representaciones de la guerra en El tambor de hojalata
(1979), El ogro (1996) y Leyendas de Rita (2000). Ahora, en El noveno día , Schlöndorff de algún modo evoca de su
interior la experiencia que lo marcó hace 50 años. Siendo un jovencito de 17 años fue enviado por sus padres a pasar
un verano en Francia, en un colegio de jesuitas. (De hecho, el joven Volker se sentiría ahí tan contento que se
quedaría tres años). Ver en el cine-club del colegio La pasión de Juana de Arco , de Carl Dreyer (1927) lo impresionó
espiritualmente y lo definió profesionalmente. El director confiesa en una reciente entrevista: Juana de Arco podía
haber dicho una sola palabra y quedar libre; pero prefirió ser quemada en la hoguera. Me pregunté entonces cómo
podía alguien tener una convicción tan firme sobre lo que tenía que hacer. Ahora, cincuenta años después, aún no
tengo la respuesta. Pero veo que cada uno encuentra en lo profundo de sí mismo la respuesta para sus decisiones.
Volker Schlöndorff ha hecho El noveno día para celebrar fascinado la belleza de la fe que vuelve fortaleza y dignidad
la debilidad humana. (Gª Orso)
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Fe e ideología en la conciencia
 Un sacerdote es liberado de un cam-po de concentración y devuelto a su Luxemburgo natal. En realidad no es más que un
permiso de nueve días para que convenza a su Obispo de que apoye a Hitler o para dividir a la Iglesia con esta cuestión. A cambio,
las autoridades alemanas le ofrecen respetar su vida y la de los 2.771 clérigos prisioneros en el campo de Da-chau. Esta es la
historia real sucedida en 1942 y escrita por el propio Jean Bernard —el padre Kremer en la película— al término de la guerra. A
partir de ahí, los guionistas se han encargado de crear la ficción de esos nueve días, con el propósito de abordar —con todos los
matices posibles— el dilema moral planteado, y también de resaltar el heroísmo de unas personas de fuertes convicciones que se
comportaron de la mejor manera posible.
  Tras un impactante prólogo que refleja las brutalidades cometidas en Dachau, pronto se pasa a otra tortura mayor al dejar
en manos de Kremer la vida del resto de sacerdotes retenidos: como prisionero bastaba con que obedeciese las órdenes de sus
vigilantes, pero su “libertad provisional” conlleva una pesada losa sobre su conciencia. El conflicto interior del protagonista se
enriquece con un sentimiento de culpabilidad que arrastra desde que no compartió el agua de que disponía con un prisionero a
quien la desesperación llevó a la muerte. Estos remordimientos, unidos a las evidentes secuelas psíquicas del campo de
concentración, serán el terreno idóneo para que un oficial de la Gestapo siembre su plan maquiavélico. Los encuentros entre
ambos se convierten en un auténtico duelo dialéctico entre dos mundos dispares e irreconciliables: las argumentaciones del oficial
esconden un pasado personal traumático y una ideologización de la religión, vaciada de su sentido trascendente y reducida a mera
palabrería y burocracia; de hecho su discurso es retorcido, prolijo y deshonesto, y bien podría haberlo utilizado C.S.Lewis —ahora
que se ha vuelto a poner de moda con Narnia— en su “Cartas del diablo a su sobrino”. Frente a él, Kremer personifica la postura
de la fe, alejada del debate racionalista y la confrontación, aunque con su propia crisis existencial; Schlöndorff lo retrata con sus
imperfecciones, cobardías y dudas, con silencios que pueden ser entendidos como ambigüedad, pero también con la
entereza y honestidad de quien actúa con buena conciencia. Los diálogos entre ambos no tienen desperdicio en cuanto a
los asuntos tratados, y menos aún al reflejar el esfuerzo de ambos por defender una conciencia que lucha por esquivar o enterrar
la sombra de convertirse en un nuevo Judas que traicione sus ideales. En el fondo, es la batalla del nazismo por anular la
conciencia individual y provocar así el desmoronamiento de la persona: ese temor a que haya voces disonantes es la clave del
comentario de un Kremer que pregunta al oficial “¿De qué tienen miedo?”.
  Mundos de firmes principios detrás de los que hay experiencias personales y heridas sin cicatrizar. Sin embargo, éstas
quedan en la película en un segundo término, eclipsadas por la fuerza que adquiere el dilema interior planteado, resuelto con unos
diálogos excesivamente discursivos. En ese sentido, la música de tonos graves y la fría fotografía resultan determinantes para esa
abstracción que lleva a cabo el director alemán. Con todo, la puesta en escena resulta extremadamente austera y árida, sin
apenas momentos de emotividad —salvo algunos momentos de calidez humana entre Kremer y su her-mana—, y quizá por eso
tampoco se llega a entender la fascinación que el nazismo pudo ejercer entre la juventud alemana. La fotografía tenebrista busca
reflejar las oscuridades del alma que duda y sufre la angustia existencial, mientras que en los flash-back se recurre a ralentíes de la
imagen y sobre-exposiciones de luz un tanto efectistas.
A Schlöndorff le ha salido una película de personajes y de tesis, honesta y desideologizada, profunda y nada
sentimental, que no atrapa del todo al espectador por su frialdad y carácter excesivamente intelectualizado. A diferencia de
la película de Costa-Gavras, el director de “El tambor de hojalata” procura dar una visión matizada de ese difícil momento, donde
una pastoral del obispo de Utrecht contra Hitler propiciaba la deportación de 40.000 católicos holandeses o donde un prudente
silencio de Pío XII era considerado como muestra de debilidad o de apoyo al régimen.
Cuando las condiciones son de Cruz
La recreación de la vida y la muerte en el cam o de concentración, esta vez desde la mirada de un director
alemán, nos enfrenta con realismo y fuerza dramática a la dificultad de vivir la fe a los ies mismos del horror y ante la
inmensidad del ecado-holocausto. Con una correcta ambientación y con unos encuadres de marcada significación
nos muestra como aquel gru o de sacerdotes se enfrenta cada día a la muerte. Así nos describe aquella maquinaria
que en rimera instancia mata a las ersonas ara quemar luego sus cuer os.
El padre Kremer resistirá, junto con sus com añeros, sostenido or su fe. Así las escenas del gesto del vaso de
agua recibido desde la ayuda mutua, la densidad sacramental de la eucaristía en la desolación o la oración hecha
canto horrorizado ante la cruz literal de un com añero nos muestra la hondura de aquella fidelidad callada en el e
icentro del desamparo.
Cuando el dilema es sobrevivir o abandonar la fe
Hay un momento en que en pleno verano, el padre Kremer exhausto por el trabajo, descubre un grifo con
apenas unas gotas de agua. De forma instintiva bebe intentando aplacar su sed y oculta aquella inútil fuente a sus
compañeros. Este hecho se convierte en el paradigma de la tensión entre la supervivencia y la preocupación por el
otro. Interesante este hecho insignificante, que funcionará como símbolo del dilema. El oficial alemán colocara al
padre Kremer ante la decisión se salvaguardar a su familia y ayudar a sus compañeros del campo pero claudicar ante
el hecho del sufrimiento inmenso ocasionado por el nazismo, mostrando el reconocimiento de su política de
exterminio. La vulnerabilidad de Kremer pasa por las personas a las que quiere. Su hermana, sensacional el
personaje interpretado por Bibiana Beglau, que le ofrece su cuidado generoso y su sacrificio desinteresado. El
sufrimiento de sus amigos en el campo cuyo recuerdo le acompaña en la vigilia y en el sueño. El quiere hacer algo por
ellos. Sin embargo, el precio es muy caro. Se trata de traicionar a su obispo, que con su resistencia pacífica de
esperanza y coherencia cristiana, da fuerza a las víctimas y a quienes se rebelan. Se trata de colaborar con un
régimen atroz que con su decisión fanática destruye tantos seres humanos, inviolables según su fe.
Más allá de un dilema ético se trata de un discernimiento espiritual extremo que exige la coherencia lúcida de su
fe.
Cuando la libertad se define desde el amor
El protagonista decidirá desde el sufrimiento de la paradoja, cualquier decisión será trágica. No se admite una
simplificación ni ideológica ni pragmática. Cada unos de los surcos del rostro enjuto de Ulrich Matthes, agraciado en
su papel, nos muestra de forma transparente los pliegues de su alma torturada. Aquí Kremer irá recuperando, desde
el amor, a las personas a las que su decisión podrá en peligro. Su hermana le mostrará hasta qué punto está
dispuesta a asumir las consecuencias de una decisión en la que su hermano no es culpable sino víctima.
Su obispo, le recordará la libertad de su conciencia, la fidelidad de su amistad en tiempos difíciles y el coraje de
su resistencia. Y el recuerdo del sufrimiento de tantos se convertirá en exigencia de coherencia. Aquí es significativo el
papel concedido a la oración, incluso en la oscuridad de no ver a Dios. Se trata de una fe humilde, débil pero
lúcidamente fiel. La iluminación pasa por una cruz impuesta. Una cruz que acompaña desde un fuerte contenido
simbólico muchos planos del metraje. En el momento dónde las decisiones son casi imposibles, la oración es la fuente
de la fortaleza y el camino de la coherencia. Lejos de una oración simplista aquí el encuentro con Dios es la fuerza en
la debilidad que permite a la conciencia ejercer una libertad dramática pero en el fondo llena de sentido y verdad. No
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se puede traicionar a las víctimas, únicamente cabe compartir su destino. A pesar de aparecer como inútil y
arriesgado para las personas a las que se ama.
Nos encontramos pues ante un film cargado de interés y de posibilidades para la profundización creyente.
Probablemente pasará bastante inadvertido por sala, así en la sesión del día del estreno estábamos quince personas.
Sin embargo, se trata de una revisión a fondo del papel de los hombres de fe, de la Iglesia en definitiva, frente al
nazismo. Y de las inmensa dificultad de decisiones que no se pueden juzgar desde la comodidad de nuestros sillones.
Una nueva invitación a seguir haciendo memoria de las víctimas y a reconocer agradecidos la fuerza de la fe que nos
sostiene. Gracias Volker Schlöndorff por esta propuesta que sin duda recomendamos.
http://www.riial.org/espacios/cine_fi05nodi.php

Noventa y nueve francos


Título original 99 francs 6.6/10 MB
Año 2007
Duración 100 min.
País  Francia
Director Jan Kounen
Reparto Jean Dujardin, Jocelyn Quivrin, Patrick Mille, Vahina Giocanteo
Comedia. Crítica despiadada a la publicidad.
Sinopsis Octave trabaja como creativo en una prestigiosa agencia de publicidad
parisina, pero llega un momento en que, harto de tener que someter sus ideas
a los mediocres directores de marketing, decide hacer todo lo posible para
provocar su despido con el fin de conseguir una jugosa jubliación anticipada.
Premios 2007: Premios César: Nominada a Mejor ópera prima
Es un film que supone una crítica profunda a la sociedad de consumo, a la fantasía del
marketing y a la construcción de estándares sociales artificiales, inalcanzables,
desalentadores y degradantes.
Es una película caótica y provocadora. Dura 100 minutos, y le sobran unos cuantos. A veces cae en una provocación casi
infantilmente enrabietada y otras en algo toscamente soez... pero otras veces, muchas veces, cae en una mordacidad despiadada
y en una náusea arrogante y elegantemente planteada.

Algo está pasando allí fuera. Se van formando grupos de resistencia antipublicidad como los mencionados RAP o los
Adbusters cuyo objetivo proclamado es desfigurar la publicidad en los espacios públicos para ridiculizarla y desenmascararla. Si
miramos el manifiesto de los Adbusters dice, “somos una red global de artistas, autores, pícaros, estudiantes, pedagogos,
educadores y empresarios que desean llevar hacia adelante el nuevo movimiento social de la era de la información. Nuestro
objetivo es derrocar las actuales estructuras del poder y conseguir un cambio visible de nuestra forma de vivir en este siglo XXI”.
Fíjese cómo en Europa coge carrera este contra movimiento que ya tiene su propia “biblia”: “99 Francs”. Escrito por un ex copy
publicitario, Frederic Beigbeder, que en un abrir y cerrar de ojos se ha convertido en un autor bestseller en esa nación de la cultura
y lo refinado que simboliza Francia. Y que también es ya un libro (producto) de culto en Alemania. ¿Alguien vio el crítico libro por
España…?
No sorprende pues que la película, basada en la novela 99 Francs, se esperase como agua de mayo. Una espera que
según los críticos mereció la pena. Pues el director Jan Kounen sigue la línea cínica de la obra original. Allí tenemos en Octave
Parango (Jean Dujardin) al antihéroe (copy exitoso en la agencia de publicidad “Ross & Witchcraft”) y alter ego de la cinta. Eso sí,
el éxito tiene su precio. El de Octave es ser un “gran hijo de puta” que nadie aguanta. Menos Charlie, su director de arte, con el que
mantiene algo parecido a una amistad. Excesos de drogas, fiestas interminables y la frustración diaria por tener que aguantar a
clientes bobos, que una y otra vez demandan la misma y aburrida publicidad, en vez de confiar en conceptos innovadores de la
agencia. Octave intenta todo para salir de este mundo que le lleva a la perdición. Utiliza los métodos más surrealistas para que de
una vez le echen (e indemnicen).
99 Francs no es una película que guste a todos. Imágenes chillonas, estética veloz de videoclip, burlas groseras, con
ausencia de moral y con un actor principal que no tiene nada de simpático. Todo un bombardeo al sector publicitario con sus
propias herramientas de filmación (spots) con el que atacan Beigbeder y Kounen. Pero a pesar de tanta exageración y el final algo
moralista y rebuscado: quien conoce a nuestro sector, sabe que aquí sólo se ha exagerado lo que te puedes encontrar en la
realidad. Las mentiras, el oportunismo, la hipocresía y el racismo en la publicidad. Están allí y comienzan a cansar a muchos
consumidores. “La publicidad”, dice el fundador de Adbusters en su libro “Culture Jamming”, es “el veneno mental en el medio
ambiente más difundido y potente de todos. Desde el primer tono de tu radiodespertador en la mañana hasta la madrugada
televisiva chorrea suciedad comercial a nuestro cerebro. A una velocidad de 3.000 mensajes publicitarios por día. Cada día se
descargan en la subconsciencia colectiva de EEUU 12.000 millones de pantallas, 3 millones de cuñas radiofónicas y más de
200.000 spots de televisión”.
Aunque es imposible parar el sistema y a su gigante publicitario y encontrar medidas adecuadas para restaurar el equilibrio
perdido, sí es importante que existan libros y películas como las aquí mencionadas y que nacen en la siempre inconformista
Francia (¡cuna de la revolución!). Aunque exageren, sí puede decirse que muestran de forma contundente cómo todos nos
movemos ya en la pequeña rueda del hamster (de la publicidad), matándonos por las prisas de esta vida maxi consumista. ¿Habrá
llegado el momento de darnos cuenta de ello? Lo que puede hacerse (o no) es decisión personal de cada uno. Las salidas que al
final de la película le quedan a Octave son estilizaciones que nada tienen que ver con la realidad. Y que comen de las mismas
añoranzas que esas imágenes de ensueño que tan bien sabe fabricar la publicidad. El círculo pues, se cierra. No somos más que
los espejismos que hemos creado nosotros mismos. Como le decía, mi querido amigo, amiga: no tiene que gustarle esta película.
Aunque, no sólo es un film bueno, sino uno enormemente importante para la reflexión y conciencia, este verano y ante la gran
tempestad que nos espera en invierno, en un sector (y vida) cada vez más alocado, estresado, rápido y por ello irreflexivo

La novicia rebelde ver Sonrisas y lágrimas

Nuestro amor ver Historia de lo nuestro

Nunca fuimos ángeles


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TÍTULO ORIG. We're No Angels 5.9/10 MB


AÑO 1989
DURACIÓN 106 min.  
PAÍS  
DIRECTOR Neil Jordan
REPARTO Robert De Niro, Sean Penn, Demi Moore, Hoyt Axton, Bruno Kirby,
Ray McAnally, James Russo, Wallace Shawn
SINOPSIS En una prisión norteamericana cercana a la frontera con Canadá un
peligroso criminal está a punto de ser ejecutado. Pocos minutos
antes, logra liberarse y escapa con otros dos compañeros.
Rápidamente se organiza su búsqueda, pero a los reos les da tiempo a llegar a una pequeña
ciudad fronteriza. Ambos piensan que lo mejor es pasar al otro lado... pero el asunto se
complica cuando son confundidos con una pareja de sacerdotes de Arizona y recibidos con los
brazos abiertos por la comunidad religiosa del lugar.
CRÍTICAS Pese a su fracaso en su estreno, el despliegue histriónico de la pareja protagonista merece
cuanto menos el beneficio de la peculiaridad

O Brother! (¿Dónde estás hermano?)


TÍTULO ORIG. O Brother, Where Art Thou? 6.8/10 MB
AÑO 2000
DURACIÓN 93 min.  
PAÍS  
DIRECTOR Joel Coen
GUIÓN Joel Coen, Ethan Coen
REPARTO George Clooney, John Turturro, Tim Blake Nelson, J. Goodman,
Holly Hunter, Charles Durning, Michael Badalucco
PREMIOS 2000: 2 nominaciones al Oscar: Mejor guión adaptado, mejor
fotografía. Globo de Oro: Mejor actor comedia o musical
(George Clooney). 2 nominaciones. 5 nominaciones BAFTA,
incluyendo mejor vestuario, fotografía, guión. Festival de
Cannes: Nominada a la Palma de Oro
GÉNERO Comedia. Aventuras. Tres presos escapados cantan con éxito.
SINOPSIS Everest Ulyssess McGill (Clooney) es un delincuente de pacotilla pero con un pico de oro.
Detenido y encerrado en prisión, el pobre tiene algún que otro problema para adaptarse a la
estricta disciplina a la que le obliga su condición de condenado a trabajos forzados en el
estado de Mississippi.
Siempre con algo interesante que ofrecer, los hermanos Coen firman una divertida e
CRÍTICAS inclasificable comedia, con algunos eficaces giros dramáticos, que narra la historia de tres
reclusos que, tras escapar de una cárcel sureña, deciden en plena fuga ganarse un dinero
grabando una canción que será todo un éxito. A destacar el simpático Clooney, que demuestra
su talento tanto para la comedia -se llevó el Globo de Oro al mejor actor- como para la música
-la banda sonora de la película también alcanzó gran popularidad

Ocaso del samurai El


TITULO ORIGINAL Tasogare seibei (The Twilight Samurai) 7.6/10 MB
AÑO 2002  
DURACIÓN 129 min.  
PAÍS Japón
DIRECTOR Yoji Yamada
REPARTO Hiroyuki Sanada, Rie Miyazawa, Nenji Kobayashi, Min Tanaka,
Ren Osugi, Mitsuro Fukikoshi, Miki Itô.
GÉNERO Y CRÍTICA Acción. Guerrero austero y amoroso.
SINOPSIS: Seibei Iguchi, un samurai de bajo rango, vive alejado de la gloria trabajando
como burócrata en el Japón de mediados del siglo XIX. Viudo, vive con sus dos hijas, a las
que adora, y con una madre ya senil, por lo que también debe efectuar otros trabajos para
poder sacarlas adelante. Pero se le presentan nuevas perspectivas en su vida cuando se
entera de que Tomoe, su amor de siempre, se ha divorciado de su cruel marido. La
convulsa sociedad política de su país y su provincia pondrán a prueba la capacidad del
guerrero, atado por el código de honor de los samuráis.
Nominada a la mejor película de habla no inglesa. Obtuvo además 13 premios de la
Academia de Cine Japonés.
De una gran belleza plástica, ilustrativa de una tristeza entre desoladora y enternecedora.
Una apacible y flemática historia de amor, mezclada con un arrebatado y pasional
crepúsculo guerrero. Yamada cuenta su historia con planos asombrosamente ricos.
'El Ocaso del Samurái', el arma de la sencillez
Ayer llegaba a nuestras pantallas ‘Love and Honor’, la penúltima película dirigida por Yôji Yamada, con la cual cerraba su
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trilogía sobre el samurái. ‘El Ocaso del Samurái’ fue la primera de ellas, obteniendo un gran éxito en su momento en Japón,
haciéndose con nada menos que 13 premios de la Academia de allí, lo que sería el equivalente al Óscar, en el 2003. Al año
siguiente aspiró a la dorada estatuilla hollywoodiense, premio que le sería arrebatado por la floja ‘Las Invasiones Bárbaras’, la gran
favorita de aquel año. En nuestro país tuvo una de esas típicas distribuciones que dan pena, y aunque afortunadamente la película
puede encontrarse en una decente edición en dvd.
‘El Ocaso del Samurai’ es una de esas películas totalmente a contracorriente, y con un aroma clásico que ya quisieran
para sí otros. Todo un riesgo, la verdad, en una época en la que se apuesta más por el cine de rápido consumo y que no resiste un
segundo visionado... Yôji Yamada, que tiene a sus espaldas un buen número de films, de los que aquí han llegado…dejémoslo,
realiza una película sencilla, que no simple, con una historia aún más sencilla en la que toca temas como el amor, la familia, el
honor y el deber. Todo ello entremezclado de forma prodigiosa, armónica, sin que nada chirríe. Por supuesto, un occidental debe
acercarse a esta película con otros ojos, y todo aquel que tenga mentalidad televisiva/adolescente/mononeuronal, será mejor que
cambie el chip, o sufrirá de lo lindo (sí, sé que es pedir peras al olmo, pero nunca hay que perder la esperanza).
Aún así, Yamada realiza un film de fácil “acceso”, en el que es maravilloso perderse, por su equilibrado sentido de la
sutileza. ‘El Ocaso de un Samurái’ es la historia de un hombre, padre de familia, viudo, y al que sus compañeros de armas
vacilan por considerarlo un acabado que ni si quiera puede irse con sus amigos a emborracharse. A él no le importa, su mayor
satisfacción en la vida es ser un buen padre para sus hijas, y ser amado por alguien. No importa si no gana batallas o sus días
como guerrero llegan a su fin, lo que le hace más feliz en esta vida, e incluso mucho más hombre, es un corazón atravesado por su
cariño como persona, y no por su espada. Aún así, llegado el momento de la verdad, se verá obligado a demostrar, en un último
acto de honor hacia un mundo que toca a su fin, que es el mejor de todos. Planteado esto en una prodigiosa secuencia de
acción, una lucha a espadas entre dos hombres íntegros que combaten cada uno por ideales distintos. Resulta sorprendente,
como en esos momentos, que se apartan de la historia central, la película sigue destilando sobriedad por los cuatro costados. Y
contención, una enorme contención.
Contención que consigue una emotividad máxima, sin caer en falsos sentimentalismos ni cargar las tintas en ciertos
aspectos. A ello no sólo contribuyen las excelente interpretaciones de todo su reparto, encabezado por un sereno Hiroyuki
Sanada, si no también por el inteligente uso de una banda sonora, compuesta por Isao Tomita, de la cual no se abusa, pero suena
en los momentos adecuados, reforzando la belleza visual de algunas de sus imágenes, sobre todo en sus momentos finales, un
cierre de película totalmente perfecto.
‘El Ocaso del Samurái’ es una estupenda película para disfrutar con los cinco sentidos. Su único defecto es, una vez
más, es esa manía en el cine reciente de querer alargar las películas hasta lo innecesario. Tan sólo unos diez o quince minutos
menos, hubieran convertido a la película en la perfección absoluta, algo que es en sus momentos más inspirados. Para pensar,
para relajarse, para aprender, para vivir, para todos. Un film muy humano, del que se hubieran enamorado completamente
directores de la talla de John Ford o Yasujiro Ozu. Recuperadla, no os arrepentiréis.

Océanos de fuego (Hidalgo)


TITULO ORIGINAL Hidalgo 6.0/10 MB
AÑO 2004  
DURACIÓN 135 min.  
PAÍS
DIRECTOR Joe Johnston
Viggo Mortensen, Omar Sharif, Zuleikha Robinson, Louise Lombard,
Saïd Taghmaoui, Adam Alexi-Malle, Elizabeth Berridge.
GÉNERO Y CRÍTICA Aventuras. Carrera caballos cowboy con jeques desierto.
SINOPSIS: Basada en un hecho real -la carrera de caballos de larga distancia más
importante que existe- , “Hidalgo” relata el camino que tiene que recorrer un hombre para
recuperar su dignidad. Esta carrera, llamada el Océano de Fuego, que se celebró todos los
años durante siglos, era una prueba de supervivencia de 3.000 millas por el desierto de
Arabia— y constituía un reto que sólo los mejores caballos árabes podían superar, la raza
más pura y noble, propiedad de las poderosas dinastías reales. En 1890, un rico jeque invitó
a un americano y a su caballo a participar por primera vez en la carrera. Frank T. Hopkins
(Viggo Mortensen) era un cowboy y un jinete de expediciones perteneciente al cuerpo de
Caballería de Estados Unidos declarado el mejor jinete de la historia del Oeste. El jeque
(Omar Sharif) quiso poner a prueba sus pretensiones, enfrentando al jinete americano y su
caballo, Hidalgo, contra los mejores caballos árabes y los mejores jinetes beduinos –algunos
de los cuales recibieron órdenes de impedir que el extranjero consiguiese terminar la
carrera-. Para Frank, en el Océano de Fuego no sólo estaba en juego su orgullo y su honor,
sino también su supervivencia ya que tanto él como su caballo intentaban hacer realidad
una hazaña imposible.
Hidalgo es una vuelta a los tiempos inocentes en lo que los héroes y sus caballos
arriesgaban todo simplemente porque la vida era condenadamente aburrida en el carril
lento. Cuenta una historia de las de héroes de aventuras a la antigua usanza de un modo
también a la antigua usanza.
Con una magnífica fotografía de Shelly Johnson al estilo clásico de David Lean. Sólo por eso,
Hidalgo cumple.
Un entretenimiento típico de la factoría disney donde no faltan las escenas espectaculares y
resortes tradicionales, brillantemente fotografiados

Octavo día El
TITULO ORIGINAL Le Huitieme tour 7.2/10 MB
AÑO 1996  
DURACIÓN 113 min.  
PAÍS
DIRECTOR Jaco Van Dormael
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GUIÓN Jaco Van Dormael


Daniel Auteuil, Pascal Duquenne, Miou-Miou, Sabrina Leurquin,
Isabelle Sadoyan, Henry Garcin, Michèle Maes, Laszlo Martin.
GÉNERO Y CRÍTICA 1996: Cannes: Premio de interpretación ex-aequo para Daniel Auteuil y Pascal Duquenne /
Comedia dramática. Joven down enseña a amar a ejecutivo.
SINOPSIS: La historia retrata el encuentro entre dos mundos: el de Georges, un retrasado
mental (Pascal Duquenne), y el de Harry, un ejecutivo (Daniel Auteuil), Harry, cuyo único
alimento cotidiano es la artificialidad del pensamiento positivo, tiene mucho que aprender
de Georges, aunque sea retrasado. El octavo día, ese que no figura en ningún calendario,
que nunca termina, se manifiesta en el choque entre el orden y la anarquía, la razón y la
locura.
Un ejecutivo ve su concepción del mundo cuestionada al conocer a un joven con síndrome de down, que
se plantea la vida de forma muy diferente.
Un hombre de negocios se encuentra con un joven con síndrome de Down que viene a darle sentido a su
vacía existencia. Una historia que toca el corazón y hace reír y llorar.
Lloré, y lo hice como nunca lo he hecho delante de una pantalla. Son tantas las emociones que sabe
transmitir su tierno protagonista gracias a su personalidad, a la preciosa relación que mantiene con su madre y al
camino que le une con el personaje de Auteuil que no me pude reprimir a soltar varias lágrimas al final y durante
varios momentos del film. Tremendamente bella (y dura) historia, sobre el amor, el cariño, la confianza, la
marginación, la amistad. Mágica dirección a cargo de Dormael y grandes actuaciones del enorme siempre Daniel
Auteuil y del fantástico Pascal Duquenn
Es por momentos tan alegre y cómica, tan dura y crudamente trágica, pero ante todo y lo que en realidad me
tocó la fibra, es que consigue ser humana, sensible y creíble al mismo tiempo. "El Octavo día" es capaz de divertir
y sacar una sonrisa, de hacer sufrir y emocionar al espectador, y lo más fascinante, ayuda a aprender a amar de
verdad.
No sé que más decir, aparte de recomendar su visionado a gritos, y en versión original a ser posible. Tengo
claro que si se hiciesen más películas como esta seríamos todos más felices y nos preocuparíamos verdaderamente
de lo que nos tenemos que preocupar en esta vida. Una película tan bella no puede caer en el olvido de ninguna de
las maneras.
Esta cinta en verdad que ha sido muy enriquecedora, porque muestra en sus personajes dos caras totalmente opuestas las
cuales tienen diferentes ideales y "modus vivendi".
Por un lado Harry una persona entregada a su trabajo y claro cien por ciento, y tiene buenas relaciones, es un excelente
expositor y habla, de sonreir, ser amable, ser cortes, ser entregado con todos los clientes. Mientras él solamente piensa en este tipo
de cuestiones laborales nunca se acuerda de su principal agente de socialización que es su familia, tanto así que a sus hijas como a su
esposa no les da mucha importancia, o mejor dicho se le olvidan muchos detalles que para un padre común y corriente debería de
tomar muy en cuenta.
Por otra parte una persona realmente genial, fuera de lo común y siempre con una alma llena de fortaleza y de pureza
Georges, que se escapa de la institución donde había pasado un largo tiempo; pero tiene una don dado por Dios que es Síndrome de
Down, una falla genética pero una " Inteligencia sobrehumana". Es fantasioso pero siempre marcando sus límites, totalmente
entrega su amor, nunca se limita, quiere sentirse amado y querido por los demás y en Harry encuentra el justo medio, son
totalmente diferentes pero tiene algo en común, que ambos necesitan de "ser escuchados", y sobretodo amados.
Esta película trae una reflexión muy buena que quiero hacer hincapié en ella, "Ni Dios lo habría imaginado así..." . Dios nos da
la facultad de la libertad y de nosotros es la responsabilidad del saber elegir entre dos bienes siempre el mejor, Georges a pesar de su
"problema" nunca pudo tener una libertad bien definida, y por obvias razones jamás podría decidir libremente, sin embargo tiene
una gran virtud que es saber expresar su amor; Harry a pesar que tenía todos sus facultades completas, nunca tuvo un detalle que
realmente fuera verdadero para con su familia, dos seres que Dios mandó pero con muy diferentes características, uno entregado y
detallista, otro olvidadizo, uno preocupado por su trabajo, otro que quiere disfrutar la vida, uno metódico, otro práctico entre
muchas otras ; es difícil compararlos pero creo que llegamos a un mismo fin y es que los dos son totalmente complementarios "Dios
los hace y ellos se juntan".

October Baby
Título original: October Baby 4,9 MB
Año: 2011
Duración: 107 min.
País:  Estados Unidos
Director: Andrew Erwin, Jon Erwin
Reparto: Rachel Hendrix, Jason Burkey, Robert Amaya, Jasmine Guy, John Schneider
Género: Drama. Crisis joven al descubrir q. es adoptada.
Sinopsis: Una joven de 19 años se derrumba sobre el escenario del teatro de la
Universidad ante la atónita mirada de los espectadores. Después de ciertas pruebas
médicas, se llega a la conclusión de que el problema está relacionado con su
nacimiento. Pero lo peor es que se entera de que sus padres la han adoptado, tras
ser rechazada por su madre biológica después de un aborto fallido. Descentrada,
enojada y confundida, Hannah emprende un viaje por carretera para averiguar su
pasado.
Críticas:
"La película en conjunto es torpe y amateur, no tiene un tono consistente, es demasiado larga, está
sobrecargada con una música que intenta subrayar la historia y la fotografía tiene tantas tomas de postal que
entorpece el progreso.
"[Un] drama serio basado en la fe, que carece del entretenimiento suficiente como para hacer que su
mensaje pase de una manera más agradable" 
"Al igual que las molestas pancartas mostradas por los manifestantes frente las clínicas de salud femenina, la
película se expresa con el lenguaje de la culpa y el miedo"
900
"La película está repleta de buenas intenciones, de honestidad y fe (...) Una lástima que le falle en ocasiones
el ritmo –un poco de telefilme, cierto– y que los espectadores deduzcan pronto el devenir de la historia"
"Un amerengado, pegajoso y telefilmesco cóctel de comedia romántica y melodrama de secretos familiares.
Los jóvenes inadaptados, en crisis o marcados por algún trauma de la infancia suelen proporcionarle al cine un
amplio y socorrido repertorio argumental, hasta el punto de que el espectador se anticipa sin dificultad al desarrollo de
la trama, con la consiguiente pérdida de interés por lo que tratan de contarle.
Quedan todavía historias, sin embargo, capaces de sorprender y llegar al corazón. No tanto por la habilidad
narrativa del director o por su manejo de los recursos fílmicos, cuanto por la propia fuerza de los hechos en que se
inspiran. October Baby es una de ellas.
Bajo este título, Andrew y Jon Erwin nos muestran cómo afronta una chica de 19 años la noticia de que es
adoptada. Tras la lógica conmoción inicial, víctima del desconcierto y el desconsuelo que le produce descubrir que su
vida es “una mentira”, nuestra protagonista (Rachel Hendrix) se dispone a encontrar respuestas a todas sus preguntas,
especialmente a una: “¿Por qué me siento no deseada?”. Y emprende viaje –con su mejor amigo, la novia de este, el
gracioso de turno…– buscando saber quién es.
Todo el conflicto que la cinta apuntaba en su arranque –incluidas las insólitas circunstancias del nacimiento de la
joven, auténtico catalizador del relato, pero que preferimos no desvelar– pierde fuelle durante la road movie en que se
embarcan los personajes. Una aventura propia de la edad… y de no pocos telefilmes de sobremesa con mar y música
de fondo.
Aunque, cuando parecía cernirse la amenaza del “basado en un suceso real”, October Baby remonta el vuelo
para regalarnos un rosario de situaciones que dotan de una inequívoca profundidad humana y espiritual a este
melodrama: el encuentro con la enfermera que atendió su parto, la visita a una iglesia con “el deseo de superar ciertas
cosas”, el derrumbe físico y emocional de la madre biológica (momento que escapa a cualquier manual de
interpretación)…
De la mano de estas secuencias ciertamente intensas, el trabajo de los Erwin recobra su mejor versión, para
erigirse en un canto al milagro de la vida… y del perdón como antesala de la libertad.
Gracias a la sensibilidad de los realizadores y a su compromiso con dicha causa, todo el dolor que arrastran esa
hija desubicada –su rebeldía, el odio que siente hacia sí misma y hacia los demás…– o sus nuevos padres se transforma
en oportunidad para la redención personal y la reconciliación familiar. Desenlace en el que juega un importante
papel la condición creyente de todos ellos, una fe que aquí se testimonia sin recurrir a subrayados.
Ni su final made in Hollywood, más frecuente en producciones comerciales al uso, logra ensombrecer el verdadero
alcance de una película necesaria –no desde un punto de vista cinematográfico, desde luego– para entender el valor
irremplazable de toda vida. Eso sí, que sobreviva en la cartelera será también otro milagro.
J. L. CELADA
Tratamiento de la fe cristiana
En uno de los momentos más logrados de la cinta, Hannah entra en una catedral para encontrar una
respuesta a sus dudas. Ella es baptista, pero busca consuelo en un sacerdote católico que la
escucha y le da la clave para seguir adelante, que no es otra que el perdón; un acto que le liberaría del
peso que le impide avanzar.
Se da la circunstancia de que la actriz que hace de madre biológica en el film, abortó en la vida real.
Cuando le llegó el guión se sintió directamente aludida. Fue casualidad, porque los responsables de la
producción que se lo enviaron desconocían este hecho. Su interpretación tiene mucho de verdad y le
ayudó a sentirse perdonada por Dios, como ella misma declara en el singular epílogo de la película.
Toda una sorpresa como colofón, que muestra el drama real de una madre que abortó a su bebé y
después no lo pudo olvidar.

Octubre
TITULO ORIGINAL Oktyabr (October) 8.1/10 B
AÑO 1927
DURACIÓN 85 min.
PAÍS Rusia
DIRECTOR Sergei M. Eisenstein
GUIÓN Sergei M. Eisenstein & Grigory Alexandrov (Novela: John Reed:
Diez días que estremecieron el mundo:
Biblioteca Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas)
MÚSICA Películas muda
REPARTO Vassilli Nikandrov, Vladimir Popov, Boris Livanov, Eduard Tissé.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Revolución Rusa / Basada en la misma novela que inspiró "Rojos" (Reds, de Warren
Beatty, 1981), se trata sin duda alguna de una de las películas claves del cine mudo. Una
obra maestra con impresionantes y elaboradas escenas que confirmaron a Eisenstein como
uno de los directores más importantes del cine mundial
Encargada por el Gobierno soviético para conmemorar el décimo aniversario de la revolución de Octubre,
constituye uno de los mejores ejemplos del montaje al servicio del drama y de las ideas.
Octubre (Okjabr) dirigida por Sergei Eisenstein en 1927 es una verdadera obra épica que reproduce los hechos acontecidos
durante la revolución bolchevique de Octubre de 1917. Una película que, rodada con motivo del décimo aniversario de la
revolución, a pesar de no esconder su apoyo a la revolución rusa trata de mantener una visión objetiva de los hechos.
En el momento en que se rodó la pélicula se respiraban aires de una alta represión política que llevó a mutilar más de 500
metros de película para eliminar la figura de Trosky. Esta película trata de conjugar la narración de los hechos con las imágenes
901
simbólicas para conducir psicológicamente al espectador hacia las ideas de Eisenstein.
La película está claramente estructurada en cinco partes que van siguiendo cronológicamete los acontecimientos. Comienza
con una introducción escrita, de unos 3 minutos de duración, donde se describe clara y minuciosamente la situación previa al
estallido de la revolución rusa.
A continuación se muestra la preocupación de la gente por la subida de Bolcheviques y el azote del hambre en la población,
situación aprovechada por el gobierno provisional, para obtener sus votos tras la promesa de proveerles de pan y alimentos.
En la tercera parte se muestra el implacable avance del general Kornolov hacia Petrogrado. Los proletariados deben
defender Petrogrado a toda costa, por ello, hombres, mujeres y niños se unen para liberar a sus camaradas capturados de la prisión,
alcanzando el arsenal y aprovisionándose de armas. Los trabajadores ganan y arrestan a Kornolvov. Después, Lenin, Trotsky y
otros líderes Bolcheviques deciden avanzar - la revolución estaba en marcha - era el 10 de octubre el 25 de 1917.
La cuarta parte empieza con el barco Aurora navegando hacia Neve, lleno de soldados listos para atacar. La Bolchevies
crean sus propias fuerzas y forman un gobierno provisional. Los Mencheviques cuentan sólo con un reducido grupo de militantes
de los partidos burgueses, unos cosacos que desertan y con las 140 mujeres del Batallón de la Muerte para defender el Palacio de
Invierno El gobierno provisional Menchevique seguía unido pero el capital estaba controlado por los trabajadores y los soldados.
Es por esto, que en una dramática votación y por voluntad popular los Bolcheviques obtiene el poder.

En la última parte de la película se narra la división de los Bolcheviques en dos facciones, una que desea esperar y apaciguar
la situación y otra que desea atacar y imponer el nuevo estado socialista en Rusia que pronto se convertiría en la unión soviética.
Finalmente gana la segunda facción y la batalla final es librada, llevando a los bolcheviques oficialmente al poder el 25 de octubre
de 1917.
Contexto histórico
En octubre de 1917, tras varios meses de progresiva radicalización del proceso revolucionario, el partido bolchevique
-nacido en 1903 por una escisión del Partido Social-Demócrata Ruso- tomó el poder y "desvió" la revolución hacia la dictadura y el
totalitarismo.
Los desastres acontecidos en Rusia causados por su participación en lla I Guerra Mundial, provocó la caída del régimen
zarista .Este no pudo sobrevivir a más de dos años de derrotas militares ininterrumpidas y a sus gravísimas consecuencias: pérdida
de Polonia, Lituania y gran parte de Ucrania, dos millones de soldados muertos, desmoralización de las tropas, desorganización
total de los servicios auxiliares del ejército, desabastecimiento, hambre, inflación.
La "revolución de febrero" (2 de marzo de 1917, según el calendario ruso), que culminó con la caída de Nicolás II y la
formación de un "gobierno provisional", fue una revolución popular, espontánea y prácticamente incruenta, provocada por las
huelgas, movilizaciones y amotinamientos civiles y militares. Fue una revolución con una dirección política plural y heterogénea, a
cuyo frente se colocaron hombres (Lvov, Miliukov, Kerensky, Guchkov, Tereshenko, todos miembros del "gobierno provisional")
de significación liberal, conservadora o socialista moderada, unidos por la idea de establecer en Rusia un régimen constitucional y
democrático, aunque la "revolución de febrero" no pudo, estabilizar la política y crear un nuevo orden democrático.
Dos circunstancias contribuyeron decisivamente al rápido agotamiento de las distintas soluciones -gobierno provisional,
ministerios de coalición- ensayadas: la continuidad de Rusia en la guerra, y la situación de vacío de poder (mejor, de dualidad de
poder gobierno-Soviets) en que el país vivió en todo aquel tiempo (febrero-octubre de 1917). Sin duda, la decisión del gobierno
provisional y luego de Kerensky de continuar en la guerra decepcionó las expectativas populares, desacreditó al régimen de febrero
y contribuyó decisivamente, por tanto, a impedir la estabilización de la revolución democrática.
El "gobierno provisional" cayó en mayo. El primer "ministerio de coalición" que le reemplazó -presidido por el mismo inútil
príncipe Lvov pero con Kerensky como hombre fuerte y con ministros mencheviques y social-revolucionarios- dimitió en julio. Es
en ese momento cuando Kerensky establece una asociación con el general Kornilov, que deseaba el restablecimiento de la
disciplina militar y la militarización de la industria y de la producción de cara al esfuerzo bélico y que creía preciso poner fin a la
dualidad de poder gobierno-Soviet. Pero la asociación Kerensky-Kornilov resultó, contra las expectativas iniciales, desastrosa. Más
aún, la fulminante ruptura entre los dos hombres abrió el camino hacia la revolución de octubre.
El segundo "gobierno de coalición", presidido por Kerensky y de mayoría socialista, cayó a fines de agosto; el tercero,
también presidido por Kerensky, se proclamó el 1 de septiembre .. Convocó una Conferencia Democrática de unos 1.200 delegados
de "soviets", sindicatos, ayuntamientos y partidos (excluida la derecha) para que debatiese la democracia revolucionaria. Pero todo
era ya en vano. La debilidad del gobierno era evidente. La desintegración de la autoridad era casi absoluta. Ni en Petrogrado, ni en
Moscú, ni en las grandes ciudades, ni en las capitales de provincias, ni en pueblos ni aldeas parecía existir poder público alguno. El
auge de los nacionalismos era visible no ya sólo en Finlandia y en los países bálticos, sino también en Ucrania, Georgia e incluso
entre los pueblos musulmanes de la Rusia asiática. La disciplina militar sencillamente no existía. Las deserciones se contaban por
centenares de miles; los soldados ignoraban las órdenes de sus superiores, cuando no los deponían, arrestaban o fusilaban. Los
trabajadores habían impuesto en fábricas y talleres una especie de poder obrero asambleario. Una suerte de anarquía revolucionaria
espontánea se había extendido a lo largo del verano de 1917 por el campo ruso: los campesinos se apropiaron, fue derribado por el
golpe de estado bolchevique de 25 de octubre de 1917 (7 de noviembre, según el calendario occidental)
El 9 de octubre, el Soviet de Petrogrado, presidido por Trotsky, había acordado la creación de un Comité Militar-
Revolucionario para la defensa de la ciudad frente a un posible ataque alemán: los bolcheviques lo controlaron desde el día 16. El
día 10, por diez votos (los de Lenin, que había regresado clandestinamente de Finlandia, Trotsky, Sverdlov, Stalin, Uritzky,
Sokolnikov, Dzerzhinsky, Kollontai, Lomov, Bubnov) contra dos (Kamenev, Zinoviev), el Comité Central del partido acordó ir de
forma inmediata a la revolución. En días posteriores, se fijó la fecha (25 de octubre, para hacerla coincidir con el II Congreso de
los Soviets de toda Rusia, a fin de que el Congreso, con mayoría bolchevique, aprobase y legitimase el golpe) y se nombró el
comité encargado de organizar la insurrección. Trotsky, como presidente del Soviet de Petrogrado y de su Comité Militar
Revolucionario, fue quien de hecho hizo la revolución: Podvoisky, Antonov-Ovseenko y Chudnovsky tuvieron un papel esencial
en algunas de las operaciones.
La revolución de octubre no fue ni una revolución de obreros y campesinos, ni una revolución de masas. Fue la obra de una
minoría: la Guardia Roja bolchevique, grupos de soldados y marineros de regimientos simpatizantes, un total de unos 10.000
hombres. Bajo la dirección del Comité Militar Revolucionario de la capital, esas unidades fueron ocupando desde la tarde del día
24 y en la noche del 24 al 25 de octubre, sin apenas encontrar resistencia y sin que casi se alterase la normalidad, los puntos clave
de la capital.
El Palacio de Invierno, sede del gobierno, fue ocupado, no asaltado, el día 25 por la tarde (7 de noviembre según el
calendario occidental); Kerensky había huido por la mañana. La revolución de octubre fue, pues, un golpe de Estado dado por un
902
partido minoritario en una situación de vacío de poder y descomposición del Estado. Ni Kerensky ni sus colaboradores pudieron
utilizar el Ejército, aunque lo intentaron. Había casi 150.000 soldados de guarnición en Petrogrado e importantes contingentes en
los cercanos frentes del Báltico: pero la disciplina y la moral militares estaban literalmente rotas. En la misma noche del 25 al 26
de octubre, Lenin se presentó ante el II Congreso de los Soviets. Anunció ya la formación de un nuevo gobierno, el "Consejo de los
Comisarios del Pueblo", integrado exclusivamente por bolcheviques (Trotsky, como encargado de Asuntos Exteriores; Stalin, de
Nacionalidades; Lunacharsky, de Cultura; Antonov-Ovseenko, de Guerra; Rykov, de Interior, etcétera). Lenin presentó también los
dos primeros decretos del nuevo régimen: un "decreto de la paz" que anunciaba una "paz inmediata sin anexiones ni
indemnizaciones, y un decreto de la tierra" que proclamaba la confiscación de todas las tierras privadas y su transferencia a soviets
y comités agrarios de distrito para su distribución entre los campesinos. Tras la ocupación de Petrogrado, los bolcheviques
procedieron a la toma del poder en toda Rusia, a través de los soviets locales. Encontraron resistencia en Moscú, donde tropas
leales al gobierno combatieron a la revolución durante unos 15 días, con un balance de unos mil muertos; en Georgia y Ucrania
predominaron grupos locales de carácter nacionalista.
Ver ficha muy completa en:
https://6eb897a5-a-62cb3a1a-s-sites.googlegroups.com/site/didacticcinema/history/octubre-
EISENSTEIN.pdf?

attachauth=ANoY7crCpKRpvbxJjxzFnd2jjIwypWWiWbsRTOmrHmVkC_HvuGjYsGphivudhVDsb3bBLRgsqow5AiylCHr6f-
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Ocho apellidos vascos


Título original Ocho apellidos vascos 6.6/10 MB
Año 2014
Duración 98 min.
País  España
Director Emilio Martínez-Lázaro
Reparto Dani Rovira, Clara Lago, Carmen Machi, Karra Elejalde, Alfonso Sánchez, Alberto López, Aitor Mazo,
Lander Otaola
Género Comedia. Comedia romántica. Humor. Enamoramiento entre sevillano y vasca.
Sinopsis Rafa (Dani Rovira) es un joven señorito andaluz que no ha tenido que salir jamás de su Sevilla natal para
conseguir lo único que le importa en la vida: el fino, la gomina, el Betis y las mujeres. Todo cambia cuando
conoce una mujer que se resiste a sus encantos: es Amaia (Clara Lago), una chica vasca. Decidido a
conquistarla, se traslada a un pueblo de las Vascongadas, donde se hace pasar por vasco para vencer su
resistencia. Adopta el nombre de Antxon y varios apellidos vascos: Arguiñano, Igartiburu, Erentxun,
Gabilondo, Urdangarín, Otegi, Zubizarreta e incluso Clemente.
Críticas
Con un arranque enérgico puntuado por réplicas tan eficaces como feroces, la película va viniéndose abajo por
diversos motivos, la catástrofe se impone en el tramo final.
Película valiente y oportuna, pero sobre todo es divertida. Hay al menos media docena de escenas en las que el
público se mondará incluso a costa de sus «principios»
 Pese a sus rasgos convencionales, la película está trufada de diálogos inspirados y réplicas brillantes. El
reparto funciona a pleno rendimiento, enredo con agilidad y sentido del ritmo.
Algo falla: la desgana con la que parece estar rodada, su impersonalidad y su desarrollo plano que desaprovecha
escenas que piden a gritos el desmadre.
La peli tiene eso tan subjetivo y delicado que conocemos como gracia. Sí, muchísima gracia.
 Me pareció visible y audible. Simplemente. Me reí en tres o cuatro ocasiones.
Una chispeante farsa costumbrista que supone un soplo de aire fresco en el anquilosado panorama del cine
español. un bien conjuntado reparto, en el que brilla con luz propia Karra Elejalde.
Una comedia... mala, admitámoslo, pero con la coyuntural virtud de caer donde debe. Se atreve a reír y eso
siempre desconcierta.

Ocho y medio (8 1/2)


TITULO ORIGINAL Otto e mezzo (8 1/2) 8.2/10 MB
AÑO 1963  
DURACIÓN 140 min.  
PAÍS Italia
DIRECTOR Federico Fellini
GUIÓN Tullio Pinelli, Federico Fellini, Ennio Flaiano, Brunello Rondi
REPARTO Marcello Mastroianni, Claudia Cardinale, Anouk Aimée, Sandra Milo,
Rosella Falk, Barbara Steele, Guido Alberti, Madeleine Lebeau
GÉNERO Y CRÍTICA 1963: 2 Oscar: mejor película extranjera, vestuario (ex-aequo)
903

Drama. Director de cine recuerda su vida.


SINOPSIS: Guido es un director de cine, tratando de planear su próxima película después
de un éxito rotundo. Mientras piensa, comienza a recordar sucesos importantes en su vida,
y todas las mujeres a las que ha amado y dejado.
Guido Anselmi (un maravilloso Marcello Mastroanni, como alter-ego del propio Fellini), es un
director en pleno proceso creativo cuyo película y cuya vida se están desmoronando a su
alrededor. Su crisis creativa se transforma en un acontecimiento artístico que alumbra una
gran obra de arte cinematográfica. Absolutamente genial, "8 1/2" es una obra maestra
absoluta que despliega el mejor talento del realizador italiano en cada uno de sus
fotogramas.
El universo cinematográfico de Fellini, es, como se ha podido comprobar  a través de cada una  sus obras, sencillamente
genial. Metafórico, onírico, inteligente, inmensamente creativo, por  momentos satírico y provocador. Todos estos rasgos
característicos de su arte, alcanzan su máxima expresión en una de las obras más importantes y quizás la más emblemática de su
carrera como cineasta, Ocho  y medio.
El título, que en principios iba a ser La bella confusione (La Bella Confusión), hace referencia a la octava película del
director,  quien había colaborado anteriormente en Boccaccio 70, filme en el que junto a otros tres grandes del cine italiano,
Vittorio De Sica, Mario Monicelli y Luchino Visconti dirigió uno de los cuentos escritos por el talentoso poeta, Boccacio. La
película fue un producto colectivo, razón por la cual Fellini la contaba como media obra, dentro de su filmografía.
Ocho y medio cuenta el momento de desconcierto que sufre un director de cine al sentir que pierde por completo el rumbo
de su vida y carrera, debido a la falta de inspiración y creatividad para realizar su próximo filme. Las musas no llegan y el gran
director, Guido Anselmo, interpretado con maestría por Marcello Mastroianni debe saber que hacer con todos los artistas y
personas  que dependen de él, desde el productor, los actores, vestuaristas, incluso la prensa, que también le sigue los pasos sin
perderle rastro. Guido siente el asedio y la presión constante de quienes esperan de él las directivas para llevar a cabo la gran obra.
Sin embargo, a medida que pasan los días la confusión aumenta y lejos de resolverse se   mezcla con los miedos, deseos, sueños y
obsesiones más profundas del director. El presente de la historia, que muestra a un Guido en la búsqueda de la inspiración,
corporeizada en la bella figura de la actriz  Claudia Cardinale, en el filme, Claudia, nos remite a la propia experiencia de Fellini,
ante las exigencias desmedidas que la industria cinematográfica le presentaba y la enorme responsabilidad del éxito, aún cuando
sentía no tenía nada que contar. Guido no puede despejar su mente y envuelto en la vorágine incesante de un mundo del que quiere
escapar, se deja atrapar por la seducción de su amante Carla, la exuberante Sandra Milo,  y los constantes recuerdos de su infancia
junto a sus padres y hermanos, una época que añora con notable  intensidad. Así como El ciudadano Kane del gran Orson Welles,
anhela su tan amado “Rosebud” que representaba la niñez robada, el Guido de Fellini, personaje que no es más que su reflejo, 
desea encontrar la libertad que logre redimirlo de una vez por todas. Mientras crece el desconcierto, el personaje bucea en su
memoria y sus conflictos más íntimos parecen resolverse en sueños. El espectador se encuentra con escenas que dan cuenta de ello.
Un ejemplo claro es la que muestra a Guido persiguiendo a su padre para hablar, no logra su objetivo y se queda sin poder
expresarse, a mitad de camino; allí se manifiesta uno de los conflictos latentes del realizador. También se puede ver plasmado en el
filme la obsesión de Fellini por todas sus mujeres,  desde su esposa, con quien lleva un matrimonio difícil, marcado por sus
constantes infidelidades, hasta una prostituta de la infancia, La Saraghina a quien no puede olvidar, mujer que se desnudaba por
dinero y cantaba para él y sus compañeros de colegio, cuando eran niños. La secuencia musical en que Guido baila y canta con
todas sus mujeres en una antigua casona de la infancia, muestra esa necesidad enfermiza de tenerlas a todas juntas, como un harem,
dispuesto a complacerlo día y noche. Podríamos decir entonces que todo el universo fellinesco se halla concentrado en esta obra
plagada de metáforas y reminiscencias surrealistas. Están presentes los recuerdos de la niñez, y esa frase “asa nisi masa” que
simboliza sus primeros temores infantiles,  palabras con las que su hermano lo asustaba, recordándole  historias tenebrosas; su
gusto por lo grotesco y lo fino al mismo tiempo, por los clows o el mundo circense y  sus personajes; por las mujeres,  su fragilidad
y seducción; por los escenarios monumentales; su tendencia a explotar la subjetividad en el cine, con atmósferas oníricas, cercanas
al subconsciente, que de alguna manera desafíaba la fuerte herencia instaurada en la Italia por el neorrealismo, movimiento estético
de postguerra. Fellini no tiene la intención de criticar y mostrar la realidad tal cual es, sino todo lo contrario, esta es una obra de
carácter autorreferencial y subjetiva, donde prima la brillante y cínica visión que el director tenía de sí mismo y su contexto. Estas
características hacen de Ocho y medio una película provocadora que además innovó al séptimo arte. Por ese motivo hoy se la
considera una de las diez mejores obras de la historia de cine mundial. La fotografía en blanco y negro está fabulosamente lograda
por quien fuera en ese momento uno de los grandes talentos en el rubro, Gianni di Venanzo. La banda sonora de Nino Rota,
complementa con maestría el viaje visual fragmentado que propone Fellini, junto a su excelente grupo técnico y artístico entre los
que se encuentra la actriz Anouk Aimé, Luisa, la esposa de Guido.¿Qué más podemos agregar? Ningún cinéfilo o quien se precie
de tal, puede dejar de ver esta obra maestra altamente creativa y liberadora, de uno de los directores de cine más talentosos de todos
los tiempos.

Odisea de la especie La (TV)


Título original: L'Odyssée de l'espèce (TV) 6.9 MB
Año: 2003
Duración 270 min.
País  Francia
Director Jacques Malaterre, Javier G. Salanova
Guión Jacques Dubuisson, Michel Fessler
Reparto Documentary
Género Documental | Naturaleza. Prehistoria. Miniserie de TV
Sinopsis
Serie documental de ficción que nos introduce en el mundo de nuestros ancestros
para ilustrar los épicos comienzos de la vida del hombre en los momentos
cruciales que marcaron el desarrollo de la historia de la humanidad. Se trata de
una producción en la que se combinan las técnicas más sofisticadas de animación
por ordenador con la participación de actores. Gracias a las recientes investigaciones científicas se pudieron
reconstruir con precisión la apariencia, el comportamiento y el ambiente de nuestros antepasados.
904
Odisea de la Especie 1 Prehistoria- Hombre de Neanrdental, Francia 2003, 90' MB
Odisea de la Especie 2 Homo Sapiens, 2005, 94' B
Odisea de la Especie 3 El amanecer del hombre, Francia, 105'
Premios
2003: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor documental
La odisea de la especie es un documental de nacionalidad francesa dirigido por Jacques
Malaterre en 2003. El guión cuenta con la participación de Yves Coppens, conocido
paleontólogo francés que colaboró en el descubrimiento de Lucy, la famosa Australopithecus
afarensis encontrada en Etiopía en 1974. A lo largo de sus 90 minutos de duración el
documental relata el surgimiento de la humanidad a partir de los primeros homínidos. Ha sido
emitido en varias ocasiones por TVE con una presentación de Juan Luis Arsuaga, director del
equipo de investigación de la Sierra de Atapuerca.
Es un material excelente para tratar el tema de la evolución en las clases de Filosofía. A
continuación un breve resumen de los hitos más importantes en el desarrollo la humanidad
desde el Australopithecus al Homo Sapiens.
1. Australopithecus. El Australopithecus (simio del sur) aparece en África hace unos 5.000.000 de
años. Se diferenciaban de los otros simios por tener un  cerebro mayor y porque habían desarrollado
una anatomía que les permitía caminar de pie, es decir, que eran bípedos. Existían dos especies
diferentes de Australopithecus, los Afarensis, menos evolucionados, y los Anamensis, que recorrían
grandes distancias y se alimentaban de carroña. Lucy, el  conocido fósil descubierto en Etiopía, era un
Afarensis.
2. Homo habilis. Aparece en África hace cerca de 2.000.000 de años. Descubrieron el modo de fabricar 
herramientas de piedra con las cuales mataban y descuartizaban a sus presas, a las que devoraban
crudas.
3. Homo erectus. Precedido por el Homo ergaster, apareció por primera vez en África hace cerca de
1.000.000 de años. Aprendió el control del fuego hace unos 500.000 años.  Fue el primero de los
homínidos que dejó África para colonizar las llanuras de Europa y China.
4. Homo neandertal. Aparecieron en Europa hace cerca de 125.000 años. Su cerebro era prácticamente
tan grande como el de los humanos actuales y anatómicamente estaban bien desarrollados. Fueron los
primeros homínidos que enterraron a sus muertos; entierros que iban precedidos de ceremonias
religiosas. No se sabe por qué motivo, se extinguieron hace 30000 años.
5. Homo sapiens. La especie a la que todos pertenecemos, el Homo sapiens (hombre sabio), aparece en
Europa hace alrededor de 35.000 años. El lenguaje, las herramientas y su naturaleza social les hacían
más capaces que al neandertal. Inventaron el arte decorando sus cuevas con pinturas expresivas y
bellas de los animales que cazaban.

¡Oh, Dios!
TÍTULO ORIG. Oh, God! 5.6/10 MB
AÑO 1977
DURACIÓN 98 min.
PAÍS
DIRECTOR Carl Reiner
GUIÓN Larry Gelbart (Novela: Avery Corman)
John Denver, George Burns, Teri Garr, Donald Pleasence, R. Bellamy,
REPARTO
William Daniels, Barnard Hughes, Paul Sorvino, Dinah Shore.
PREMIOS 1977: Nominada al Oscar: Mejor guión adaptado
GÉNERO Comedia. Dios da mensaje de que todo depende de nosotros.
Jerry Landers, dependiente de una tienda de ultramarinos, es elegido por Dios en persona
para predicar su mensaje. Pronto, la gente empieza a dudar de su salud mental, incluida
SINOPSIS Bobbie, su mujer... Jerry acaba en los tribunales, donde tendrá que probar que Dios existe,
está preocupado por los hombres que lo han olvidado y él ha sido elegido para recordarlo.
Basada en una novela de Avery Corman.
Diálogos de la película entre Dios y Jerry
-Jerry. ¿Quieres que hable más fuerte?
-Oh, Dios.
-Pensé que no creías en mi?
-Tan solo es una expresión.
-Soy más que eso, y quiero que difundas las palabras.
-¿Yo? -¿Difundir qué palabra?
-Que soy yo. Que existo. Que hemos hablado.
-¿Quieres que le diga a la gente que he hablado con Dios?
-Sí.
-Me encerrarán.
905
-Estoy cansado de lo que se dice que tal vez estoy muerto o que tal vez nunca existí. O que Dios es tan solo partículas del cosmos.
Gas. No soy gas. Me pareció un gran insulto.
-¿Crees realmente que la gente lo creerá?
-Ese es tu trabajo.
-Pero tan solo soy un hombre. No soy Moisés.
-¿Qué era Moisés? Crees que Moisés nació en la página? Moisés era tan solo un mensajero, mi mensajero…
-Trato de no trabajar con más de un salvador a la vez.
-¿Salvador? ¿Yo?
-Tú haces tu trabajo bien.
-No puedo tomar este trabajo. No creo
-Lo sé, pero aun los no creyentes aceptan los trabajos que hay aquí abajo.
-¿Has leído los periódicos últimamente? No está funcionando.
-Por eso he venido, para decirle a todo el mundo que yo he dispuesto todo para que funcione. Sólo que depende de ustedes. No
pueden recurrir a mí para que lo haga por ustedes. No.
-Puedes hacerlo. Es tan solo un mensaje.
-Moisés tuvo que lidiar con diez.
-Sí pero le diste tablillas.
-Tenia mala memoria.
-Pues yo necesito algo.
-¿Qué clase de cosa?
-No lo sé. Cualquier cosa. Una grabación.
-Mi voz no se puede grabar en cinta. Es muy complicado. Es como con Drácula que no puede ver su reflejo en un espejo. Es algo
parecido.
-Si la gente pudiera escuchar tu voz.
-No es así como me escucho. Estoy hablando así para que tú puedas entenderme.
-¿Entenderte? No entiendo nada…
-¡Jerry! (En la ducha)
-¿Estás aquí? -¿En mi baño?
-Ven a echar un vistazo.
-No puedo. Estoy desnudo.
-¿Crees que no sé lo que tienes?
Esa fue otra metida de pata. Vergüenza. No sé por qué pensé que era necesaria la vergüenza. Vamos, sal. No te vayas a resfriar.
¿No era lo que esperabas? Escogí una apariencia que pudieras entender. Para alguien más, me habría visto diferente. Puedo
ponerme cualquier cara, voz, lo que sea. Podría ser inclusive una mujer. Te sientes un poco extraño?
-Muy extraño.
-¿Cómo que te vas a desmayar? ¿Sabes qué es bueno para eso? Afeitarse.
-¿Afeitarse?
-Algunas veces cuando no te sientes normal...hacer algo normal hace que te sientas normal. Toma, comienza a afeitarte.
-Lo estoy haciendo.
-No me refiero a afeitarte...con las preguntas que rebotan de un lado a otro en tu cabeza.
-Sí. ¿Por qué yo?
-¿Por qué tú no?
-Quieres decir, que no hay algo especial.
-La vida es como dispararle a la mierda, como el cliente un millón que cruza el puente...y que puede entonces saludar de mano al
gobernador.
¿Pensaste que te escogí porque eres mejor que los demás?
-¿No lo soy?
-Eres mejor que algunos, pero no tan bueno como otros. Pero tú cruzaste el puente en el momento adecuado.
-Si querías verme, por qué no tan solo apareciste sobre mi cama?
-Hollywood. Siguiente pregunta.
-La gente siempre te está rezando. ¿Los escuchas?
-No puedo evitar oírlos. No siempre escucho.
-¿Entonces no te importa?
-Por supuesto que me importa. Me importa muchísimo. Pero ¿qué puedo hacer?
-Qué puedes hacer? -Eres Dios.
-Solamente en lo general. No me meto en detalles.
-Entonces cualquier cosa que nos suceda…
-Sucede...
-Es decir que no hay ningún plan...ningún esquema que guie nuestros destinos?
-Mucho depende de la suerte.
-¿Suerte? ¿Tan solo suerte? ¿No controlas nuestras vidas?
-Les di un mundo con todo lo necesario en él. Todo depende de ustedes.
-Pero necesitamos ayuda.
-Por eso les di los unos a los otros.
-Con tus poderes, podrías resolver tantos problemas.
-¿Hice un buen trabajo con el Gran Cañón?
-Como sea, ¿por qué no resuelves todos nuestros problemas? Haz algunos milagros.
-No hago milagros. Son demasiado ostentosos. Y perturban el balance natural.
906
-¿No haces milagros? Lo sabía.
-Tal vez de vez en cuando, tan solo para no perder el toque. El último milagro que hice fue con los Mets. Antes de eso, creo que
te tienes que remontar al Mar Rojo. Eso fue una belleza.
-No te ofendas, pero no creo en lo del Mar Rojo...y no creo que te haya tomado seis días crear al mundo.
-Tienes razón.
-La tengo?
-A decir verdad...Estuve pensándolo durante días e hice todo en un solo día. Trabajo mejor bajo presión.
-Un día para crear al mundo?
-Y al sol. Odio trabajar en la obscuridad. Debes recordar que...un día mío no es exactamente igual que un día de ustedes.
-¿Qué tan largos son?
-Cuando me desperté esta mañana, Sigmund Freud estaba todavía en la escuela de medicina.
-Si estás tan comprometido con nosotros....
-Sí?
-¿Cómo puedes permitir todo el sufrimiento que hay en el mundo?
-¡Cómo puedo permitir el sufrimiento?
-Sí.
-Yo no permito el sufrimiento. Ustedes lo hacen. Libre albedrio. Ustedes hacen todas las elecciones.
-¿Elecciones? Qué elecciones?
-Ustedes se pueden amar, acariciar, nutrirse mutuamente o pueden matarse. Por cierto, la palabra es "matar". No "desechar". Si
hubiera querido decir "desechar", entonces habría escrito, "No desecharán". Ustedes hacen cosas divertidas con las palabras
aquí abajo. También están convirtiendo el cielo en lodo. Cuando veo hacia abajo, no puedo creer toda esta suciedad. Usan los
ríos como excusados, envenenan mis peces. ¿Quieres un milagro? Crea un pez de la nada. No puedes. Piensen que solo Dios
puede hacer un árbol. Intenten crear un pez mackarel. Y cuando el último esté extinto, eso será todo. Ochenta y seis para los
peces. Adiós al cielo. Hasta luego al mundo. Cambio y fuera.
-Pensé que dijiste que lo lograríamos.
-Dije que tienen que hacerlo funcionar.
-No te importa.
-Claro que me importa.
-Entonces haz algo al respecto.
-Ya lo hice. Te tengo para que lleves la bola.
-No tengo ninguna bola. Cómo puedo llevarla?
-Te di una boca, o no? Dile a la gente lo que siento, lo que dije.
-¿Cómo hago eso?
-¿Cómo lograste ser asistente de gerente? ¿Alguna vez escuchaste de periódicos y reporteros? Tú tienes la exclusiva, Un "paren
las prensas".
-Bien....bien. Y como convenzo a la gente de que realmente te he visto? De que existes?
-Simple. Muéstrales esto…
(En la redacción de un periódico)
-¿Le dijo Dios por qué necesitaba un mensajero...en este momento en particular, Sr. Landers?
-Sí, fue muy específico. Dijo que quería que supiéramos que puede funcionar.
-¿Qué cosa?
-Nosotros. Nuestras vidas, nuestro mundo, todo. Dice que nos ha dado todo lo que necesitamos, y que depende completamente
de nosotros.
-¿Y esas fueron sus palabras exactas?
-Suficientemente exactas. Puede imprimir eso…
(En el supermercado)
-Jerry, no vi una sola palabra en los periódicos.
-Por supuesto que no. El tipo del periódico me estuvo mirando todo el tiempo como si fuera un lunático. Y me sentí como uno.
-Le mostraste mi tarjeta?
-Claro que lo hice. Y el dijo eso, "Puedes obtener una de esas en cualquier tienda de novedades. Aquí tienes. Sabes, realmente
me sentí como un idiota. Por favor, no me hagas eso de nuevo.
-Le dijiste lo que te dije?
-Absolutamente.
-¿Y no les pareció la palabra de Dios digna de imprimirse?

No puedo entenderlo. Por qué un editor religioso no te creería?
-Enfréntalo, metiste la pata de nuevo, como te pasó con el hueso de aguacate. Escogiste al mensajero equivocado.
-¿No crees que esté aqui, verdad?
-No, no lo creo.
-Entonces cómo explicas esta conversación que estamos teniendo?
-Yo la estoy teniendo. Estoy soñando. Y estaré realmente contento cuando me despierte también.
-¿De qué color son mis ojos?
-Azules.
-¿Mi camisa?
-Rojo pálido. Qué tiene que ver con todo esto?
-¿Sueñas a color?
-No.
-Bingo, de nuevo.
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-Correcto. Está bien. Sabes muchas cosas...y has estado haciendo que sucedan muchas cosas...pero ninguna de ellas parece...del
tipo de Dios?
-¿Y para ti que sería del tipo de Dios?
-Cambia el clima.
-Efectos especiales? Qué te gustaría? Un pequeño terremoto? Un pequeño huracán?
-No, no quisiera que nadie saliera lastimado. Estaba pensando, tal vez... qué tal un poco de lluvia?
-¿Un poco de lluvia?
-Sí. Un pequeño chubasco. Un pequeño chubasco.
-Concedido.
- Está lloviendo. Hiciste que lloviera. Ni siquiera pestañeaste. Ni siquiera moviste un dedo.
-Hacer llover no es tan difícil…
(Canal las noticias de las 10
-Usted dice que Dios quiere afirmar que está vivo y muy desilusionado...por la forma en que estamos llevando al mundo?
-Así es.
-¿Cómo va a hacer para que la gente le crea?
-No fue idea mía. El me escogió.
-¿Se va a mostrar Dios ante usted, como afirma que lo ha hecho?
-No como lo afirmo. Lo ha hecho. No sé si se va a mostrar nuevamente, pero me dio su mensaje y--
-¿Qué él existe?
-Y que le gustaría que nos acariciáramos y nutriéramos unos a otros...en lugar de matarnos unos a otros.
-¿Él dijo eso?
Sí, qué es nuestro Pastor, y no lo queremos.
-Dijiste que me viste, y comenzó la presión.
-¿Se va a poner peor la cosa?
-¿Cómo voy a saberlo?
-¿A qué te refieres con que cómo vas a saberlo?
-¿Cómo podría saberlo?
-Tú lo sabes todo.
-Sé lo que es. También sé muy bien lo que fue. En lo que todavía no es, no tengo idea.
-Cuando dijiste que todo podría funcionar...pensé que podías saber el futuro.
-Absolutamente. Puedo saber el futuro tan pronto como está en el pasado. Dije que esto puede funcionar si es lo que todo el
mundo elige. La gente tiene que decidir qué hacer con el mundo. No puedo decidir por todo el mundo. ¿Por qué esa cara?…
(En el juzgado)
-Su Señoría, me gustaría llamar al estrado a Dios nuestro Señor.
-Yo soy Dios, Su Señoría… ¿Por qué les cuesta tanto creer? Mi existencia física es más improbable que la de ustedes? ¿Que hay
acerca de la posesión que hizo el diablo en esa niña presentada en esa película? Nadie tuvo dificultad en creer que realmente
el diablo podía haberla poseído...y que existía dentro de la niña. Todo lo que tuvo que hacer fue orinarse en la alfombra...,
vomitar algo de sopa de chicharo, y todo mundo creyó. ¿Pueden creer en el diablo, pero no en Dios? Yo trabajo de manera
distinta. Yo no me meto dentro de los niños. Ya tienen bastante de que ocuparse, siendo ellos mismos. No voy a andar por
todo el mundo para decirle a cada uno: "Mira, soy yo. Quiero hablar contigo." Así que escogí a un hombre. Un hombre muy
bueno. Le dije que Dios vivía. Que yo vivía. Tuvo también problemas para creerme, al principio. Lo entendí…
Sé lo difícil que es en estos tiempos tener fe. Pero si al menos pudieran tener un poco de fe para comenzar...tal vez los tiempos
cambiarían. Ustedes podrían cambiarlos. Piensen en ello. Inténtelo e intenten no lastimarse los unos a los otros. Ya ha habido
demasiado de eso. Realmente es un obstáculo. Soy un Dios de pocas palabras, y Jerry ya les ha dado mi palabra. Sin embargo,
no importa cuánto miedo provoque, cuanta desesperanza haya o cuan confuso pueda ser...puede funcionar. Si les es difícil
creer en mí...tal vez les ayude saber que yo creo en ustedes.

-¿Tú crees que alguien recibió el mensaje?
-¿Crees que tenemos suficientes manzanas en el mundo? Tenemos todas las manzanas que necesitamos. Echas algunas semillas
y sigues adelante. Si las semillas son buenas, echarán raíz. Te di grandes semillas, las mejores.
-Todo mundo piensa que estoy chiflado.
-Galileo, Pasteur, Einstein, Colón. Estás en buena compañía. Aguanta. -Será mejor que me vaya.
-No vas a regresar?
-No.
-¿Nunca?
-Cuando llegue ese día, ya veremos.
-Algunas veces, de vez en cuando... ¿podríamos charlar?
-Te diré una cosa. Habla tú, y yo te escucharé.

Cuestiones a dialogar
¿En qué no estoy de acuerdo con la figura de Dios aquí presentada?
¿En qué sí estoy de acuerdo?
¿Qué pienso que le falta para llegar a ser el Dios de Jesús?

Ola La
TÍTULO ORIGINAL Die Welle 7.3/10 MB
AÑO 2008
908

DURACIÓN 110 min.  


PAÍS Alemania  
DIRECTOR Dennis Gansel
GUIÓN Dennis Gansel, Peter Thorwarth (Novela: Todd Strasser)
REPARTO Jürgen Vogel, Frederick Lau, Jennifer Ulrich, Max Riemelt,
Christiane Paul, Elyas M'Barek, Jacob Matschenz.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Experimento escolar del facil contagio del totalitarismo.
SINOPSIS: En otoño de 1967 Ron Jones, un profesor de historia de un instituto de Palo Alto
en California, no tuvo respuesta para la pregunta de uno de sus alumnos: ¿Cómo es posible
que el pueblo alemán alegue ignorancia a la masacre del pueblo judío? En ese momento
Jones decidió hacer un experimento con sus alumnos: instituyó un régimen de extrema
disciplina en su clase, restringiéndoles sus libertades y haciéndoles formar en unidad. El
nombre de este movimiento fue “La ola”. Ante el asombro del profesor, los alumnos se
entusiamaron hasta tal punto que a los pocos días empezaron a espiarse unos a otros y a
acosar a los que no querían unirse a su grupo. Al quinto día Ron Jones se vio obligado a
acabar con el experimento antes de que llegara más lejos.
El director alemán Dennis Gansel (Napola) ha trasladado esta experiencia a nuestros días y
a su tierra natal: Alemania. Esta vez es el profesor quien hace la pregunta a sus alumnos:
¿Creéis que es imposible que otra dictadura vuelva a implantarse en Alemania? Y comienza
el experimento… Presentada en Sundance, "Die Welle" fue nº1 en la taquilla alemana.
Sorprendente debut. Gansel narra su alegoría con convicción, ritmo y credibilidad. Es un
certero aguijonazo en el eje de nuestro modo de vida.
Pedagógica, visceral, catártica, agitadora, clarividente. Lo esencial de 'La ola', lo que la hace
singular es el impacto que causa en cualquier par de ojos.
Lo que hace que la denuncia política del filme funcione es la cercanía de lo que se cuenta y
lo identificables que resultan los personajes. Matizada y muy contenida interpretación de
Jürgen Vogel, a día de hoy uno de los mejores actores de Europa.
Tema: La manipulación en las aulas y sus consecuencias
Pardas o blancas, camisas fachas.
La autocracia, las dictaduras y el fascismo en todas sus formas son amenazas siempre latentes para los países
democráticos y, por desgracia, constituyen todavía hoy el régimen político en no pocos estados de nuestro mundo. Las
atroces consecuencias del auge y éxito de los fascismos en Europa en los años treinta del pasado siglo y de bastantes
dictaduras, algunas de ellas disfrazadas de populismo y supuesto socialismo, han planteado la pregunta de cómo fue
posible que poblaciones enteras con educación formal obligatoria no sólo llevarán al poder a estos movimientos, sino que
luego los defendieran con celo enfervorizado. Se han dado toda clase de respuestas, desde culpar a los medios de
comunicación, convertidos en instrumentos de propaganda ideológica, hasta la fascinación de las masas por el caudillaje
en su versión mesiánica.
La ola, película alemana que ha tardado casi un año en llegarnos, aborda este tema desde una perspectiva
narrativa pero claramente didáctica. Inspirándose en el experimento que realizara en California hace ya un montón de
años el investigador norteamericano William Ron Jones (relatado en su ensayo The Third Wave) y en el guión de Johnny
Dawkins para un telefilme del mismo título de 1981, se nos cuenta la semana en la que un profesor de instituto, querido y
respetado por sus alumnos, se ve obligado a impartir un cursillo, de esos optativos, sobre la autocracia.
Aunque es hombre más proclive a la anarquía que a los regímenes totalitarios, se propone mostrar a sus alumnos
las claves que convierten a una colectividad en pasto fácil para los dictadores. Aprovechando los sentimientos de carencia
e insatisfacción de los muchachos, su necesidad de socialización grupal (un equipo donde encontrar seguridad, confianza y
compañerismo), su deseo de ser respetados y temidos, el profesor Wenger pone en marcha un mecanismo, un
movimiento, «la Ola», que muy pronto (en escasos cuatro días) se le va a ir de las manos y que, al estilo de El club de
los poetas muertos, acabará trágicamente porque los más débiles del aula sublimarán sus trastornos personales en la
pertenencia y militancia en esa tropa y en ese líder al que van a sacralizar rápidamente.
La película juega al paralelo con el equipo de waterpolo del que es entrenador el mismo docente Rainer Wenger. No
consigue ni coordinación entre sus miembros ni victorias en los partidos. Basta que la Ola «apadrine» al equipo para que
el siguiente encuentro se convierta en un campo de batalla tanto dentro de la piscina como en el graderío, y los jugadores
y espectadores den pruebas de una agresividad casi asesina. El profesor descubre, también él, que le gusta el ascendiente
conseguido entre los chicos en tiempos en que la docencia para sus profesionales suele resultar un oficio penoso. El guión
y el film está bien trabado y escalonado, pero siempre parece demasiado fácil y «mágico» que un puñado de
adolescentes, que por lo general están muy poco interesados en «rollos» y «chapas» de sus maestros, se conviertan de la
noche a la mañana en unos dóciles combatientes a las órdenes de un líder que es su profesor y les supera en bastantes
años. En especial, se me hace inverosímil la rapidez con que aceptan el uniforme, aunque sólo se traten de camisas
blancas.
Lo que escrito resulta fácil de creer, en imagen suele serlo bastante menos. También la relación que mantiene el
docente con su pareja, profesora del mismo centro, resulta escasamente convincente tal como se presenta. Con todo, el
film discurre con buen ritmo, la secuenciación es aparentemente lógica y la rapidez narrativa impide al espectador durante
la proyección un distanciamiento crítico o el rechazo de las ingenuidades que contiene la trama. Sin embargo, hay que
estar de acuerdo con el mensaje que se nos transmite. En efecto, la manipulación de los grupos y colectividades está a la
orden del día y no pocos políticos y personalidades la cultivan con asiduidad apoyándose en todos los medios a su
alcance. Siempre es positiva la revelación de algunos de los mecanismos que se utilizan para esta instrumentalización
interesada de las masas. Y, en este sentido, el film es diáfanamente didáctico y defendible en tan noble propósito. No
cabe duda de que resulta un material complementario de gran utilidad, pongamos por caso, para debatir en clase de la
asignatura de Ciudadanía.
Más dudosa es su calidad cinematográfica. No estamos diciendo que sean malos sus mimbres, ni que tenga fallos
clamorosos. Pero el film no acaba de enganchar. Es sólo correcto. Parece en exceso «pedagógico». Y, sin embargo, nunca
experimentamos el «horror» ni el escalofrío que debe darnos actitudes como las presentadas en el film (excepto en el
mismísimo desenlace). En este sentido, El club de los poetas muertos tenía un encanto y un poder de seducción del
que carece La ola. Pero, en cualquier caso, y por su carácter necesario, sea bienvenida esta película que desenmascara el
fascismo latente en nuestra sociedad opulenta y –supuestamente– culta y «bien educada». (Cine para leer)
Totalitarismo afectivo
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Esta impactante película del joven cineasta alemán Dennis Gansel, que en España sorprendió gratamente, ha
supuesto un revulsivo en la sociedad alemana con La ola. El riesgo de caer en el totalitarismo -demuestra- es
mucho mayor de lo que quisiéramos admitir.
Basada en un caso real, La ola nos cuenta lo que sucede en un instituto, cuando durante una semana al profesor
Rainer Wenger se le ocurre la idea de un experimento que explique a sus alumnos el funcionamiento de los
Gobiernos totalitarios. Lo que comienza con una serie de ideas inocuas, como la disciplina y el sentimiento de
pertenencia grupal, se convierte en un movimiento real: La ola.
El origen real de esta sobrecogedora película está en el profesor Ron Jones, americano, que daba clases en un
instituto público de Palo Alto, California, cuando, en la primavera de 1967, sustituyó los aburridos libros de texto
por la experimentación de los propios alumnos. «Como docente, me interesaban mucho las simulaciones. Quería
darle vida a ciertas ideas abstractas», recordaba en Alemania el mes pasado, con motivo del estreno del film. Al
quinto día del experimento, Jones se vio obligado a ponerle punto final, pues se le escapaba de las manos.
«Siempre me surgió esta pregunta de cómo surge el fascismo y cómo se lleva adelante. Entonces, me preguntaba,
si se llevara a cabo un experimento como éste hoy, ¿cómo sería, y qué rol ocuparía yo en este experimento?; ¿me
opondría?; ¿me sometería? Y la gran pregunta era: ¿cómo sería esto si sucediera en Alemania hoy en día?»
Literariamente, el film cuenta con un guión del director y de Peter Thorwart, basándose en el relato corto del citado
profesor Ron Jones y en la obra que Johnny Dawkins y Ron Birnbach escribieron a propósito, The Wave. El
personaje más interesante es el de Tim, interpretado por Frederick Lau, y que encarna a un alumno que se siente
muy poco querido en su casa. Su motivación principal es sentirse afectivamente acogido. Por eso le vemos regalar
droga a sus compañeros de instituto, en vez de venderla, con el fin de caer bien, de sentirse apreciado. Por eso él
va a recibir La ola como si se tratara de la anhelada respuesta al deseo de su corazón. Algo similar le va a ocurrir a
Marco (Max Riemelt, Napola), que, ante la infidelidad entre sus padres, aspira, en sus palabras, a una experiencia
de unidad, algo que La ola parece proporcionarle. También el profesor Wenger (Jürgen Vogel) experimenta
sensaciones nuevas y gratificantes cuando se ve venerado y seguido incondicionalmente por un colectivo tan fiel. El
contrapunto lo da Karo (Jennifer Ulrich), una chica educada en un ambiente familiar estable, excesivamente liberal,
pero en el que se valora la libertad como clave del proceso educativo. Ella es la primera en detectar que el
experimento es nocivo y alienante, y por ello se va a convertir en la enemiga excluida del grupo.
El film plantea que el éxito del totalitarismo -sea fascista, nacionalista o socialista- no está en los valores
ideológicos -que La ola no tiene-, sino en las necesidades afectivas y de sentido de cada persona. En una sociedad
de pertenencias precarias, de falta de estímulos, de desorientación referencial, la pertenencia fuerte a un grupo
carismáticamente guiado se convierte en un apetecible espejismo al que agarrarse como un clavo ardiendo. Así,
grupo totalitario y secta son dos conceptos mucho más hermanados de lo que podría pensarse. Casos como ETA y
la kale borroka son perfectamente explicables desde los planteamientos del film.

Más en: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temaslaola.htm


Valor didáctico de la película (temas que aborda, interés educativo).
No pareció muy interesante, visionar y analizarla, ya que está basada en un experimento que se llevo a cabo en 1967.
Ron Jones, profesor de historia de un IES dirigió un experimento en su clase. Durante una lección sobre el tema del
Nacionalsocialismo, uno de sus alumnos hizo una pregunta que el profesor no pudo responder: "¿Cómo pudo el pueblo alemán
alegar su ignorancia del genocidio judío? ¿Cómo podía la gente de las ciudades, los obreros, los profesores, los doctores, decir
que no sabían nada de los campos de concentración y las matanzas? ¿Cómo gente que eran vecinos o incluso amigos de judíos
podían decir que no estaban allí cuando sucedió todo?".
Entonces el profesor decidió llevar a cabo un experimento en la clase. Impuso un régimen de estricta disciplina en su clase,
restringiendo la libertad de los alumnos y haciendo de ellos una unidad. El nombre del movimiento fue La Tercera Ola. Para gran
asombro del profesor, los alumnos reaccionaron con entusiasmo a la obediencia exigida de ellos. El experimento, que
originalmente debía durar solamente un día, pronto se extendió por toda la escuela. Aquellos que disentían fueron aislados o
incluso agredidos si no se unían al movimiento, y los miembros comenzaron a espiarse y a desconfiar entre sí. En el quinto día,
Ron Jones fue obligado a dar por terminado el experimento.
El fenómeno de la "obediencia extrema"
Incluso hoy, el fenómeno de la obediencia extrema a la autoridad en épocas como la del Tercer Reich no se ha terminado de
comprender desde un punto de vista científico. Existe una serie de experimentos en el campo de la psicología social, sin embargo,
que han examinado el comportamiento de individuos en una situación colectiva y que ha arrojado resultados preocupantes.
Uno de los experimentos más famosos se llevó a cabo en 1971, en la prisión de Stanford, que estudió el comportamiento humano
en situaciones de encerramiento. El Experimento Milgram realizado en 1962 por el psicólogo Stanley Milgram estudió la voluntad
de gente normal de seguir las instrucciones de figures autoritarias aun en contra de su propia conciencia y principios.
Philip Zimbardo, el responsable del experimento de la prisión de Stanford, ha encontrado elementos idénticos entre sus hallazgos y
las torturas que recibieron los presos iraquíes en Abu Ghraib.
Objetivos concretos que pretendemos con la actividad.
Los objetivos propuestos han sido:
1. Apreciar el valor del cine como elemento de divertimento pero también como medio de aprendizaje.
2. Reflexionar sobre una situación concreta, siendo capaz de valorar el entorno en que esa situación sucede. Antecedentes y
consecuencias.
3. Valorar la estética de la película. Uso de Símbolos. La identidad corporativa.
4. Saber compartir las opiniones con los compañeros/as de clase.
5. Respetar las opiniones del otro.
Descripción del desarrollo de la actividad.
La actividad se propone al Departamento de Actividades extraescolares del Centro, como actividad educativa para llevar a cabo en
la semana cultural del Centro desde dos Departamentos: Ética y Plástica y Visual.
Se realiza el visionado de la película en dos sesiones continuas de clase.
Al finalizar, se les entrega un cuestionario que traerán relleno de casa y será comentado en la siguiente sesión de Ética y Plástica y
Visual.
Durante estas dos sesiones posteriores, con la ayuda de la reflexión personal que cada alumno/a a realizado de forma individual y
con la ayuda del cuestionario se realiza una puesta en común y un debate que favorece la comunicación y el enriquecimiento
grupal que nos aporta este tema que hemos decidido abarcar.
Espacios y materiales utilizados.
La actividad ha sido fácil en cuanto a su desarrollo, ya que hemos utilizado los habituales de nuestro centro.
Para la proyección, la Sala de usos múltiples, que tiene instalado un cañón, ordenador y sistema de audio.
Para el posterior debate, hemos utilizado, la clase y la Biblioteca del centro.
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Métodos y criterios de evaluación (cómo y qué evaluar de la actividad).
Para valorar esta actividad hemos utilizado la observación directa. También la presentación de los formularios pedidos
(presentados y realizados en el tiempo pedido) y una valoración final de ellos atendiendo a sugerencias y propuesta de mejoras
para actividades posteriores.
Valoración de la actividad (en el caso de haber sido realizada ya con alumnos):
La valoración de la actividad ha sido muy positiva.
Del visionado nos llamo poderosamente la atención el silencio atento del alumnado. E incluso el sobresalto de algunos en las
escenas finales.
El debate fue muy intenso y participativo. Llegando a conclusiones muy interesantes.
Como propuesta de mejora, si es posible, que el debate se puede llevar a cabo tras la proyección de la película, aunque se deje un
tiempo de reflexión personal para responder al cuestionario y/o bien se realice en grupo.

Oliver Twist
TITULO ORIGINAL Oliver Twist 6.3/10 MB
AÑO 2005
DURACIÓN 130 min.
PAÍS
DIRECTOR Roman Polanski
REPARTO Ben Kingsley, Barney Clark, Jamie Foreman, Harry Eden, Leanne Rowe,
Edward Hardwicke, Mark Strong, Lewis Chase.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Pobreza. Niños hambrientos Inglaterra s. XIX.
Dickens. Biblioteca Fe y Vida Textos de Literatura\Novelas
SINOPSIS: Oliver Twist, así como el resto de los chicos del orfanato, se están muriendo de
hambre, y deciden jugarse quién de ellos pedirá más comida. Oliver es el elegido. En la
cena de esa noche, después de su ración normal, Oliver se dirige al director del orfanato y
le pide más comida. Tachado de ser problemático por el Sr. Bumble, el bedel y por el
director, Oliver es ofrecido como aprendiz a cualquiera que lo quiera contratar. Tras ser
condenado a limpiar chimeneas, Oliver se convierte en aprendiz del enterrador Sowerberry.
Pero Oliver se pelea con uno de los chicos del enterrador, y decide escapar e irse a Londres.
En las afueras de la ciudad, cansado y hambriento, Oliver conoce a Artful Dodger, quien le
ofrece un lugar donde hospedarse en Londres. Lleno de inocencia, Oliver se ve inmerso en
el mundo del hampa de Londres e, ignorando sus tareas reales, se encuentra en medio de
una banda de chicos carteristas dirigida por el malvado Fagin.
"Visualmente es preciso y detallista sin ser demasiado pintoresco.
Con tacto y entusiasmo, el Sr. Polanski coge un gran libro y redescubre su vigencia y su
duradera vitalidad.
"Espléndida y conmovedora adaptación, toca el corazón y la conciencia, una película que
puede que esté llena de niños, pero no es para ellos"
"Esta versión de Polanski, aunque elegantemente realizada, es una adaptación bastante
convencional de la novela que probablemente no se incluya entre sus mejores films"
"Impecable formalmente, construido con una gran solidez de la puesta en escena. Polanski
se ha hecho un 'Oliver Twist' a su medida (y a la de sus hijos y los nuestros)"
Educado en una Workhouse de pobres, el huérfano Oliver Twist y el resto de los chicos se están muriendo de
hambre y deciden jugarse a los chinos quién de ellos pedirá más gachas. Oliver es el elegido. En la cena de esa
noche, después de su ración normal, Oliver se dirige al señor de la workhouse y le pide más comida. Tachado de
ser problemático por Sr Bumble, el bedel de la Workhouse y por la Dirección, Oliver es ofrecido como aprendiz a
cualquiera que lo quiera contratar. Tras ser condenado a limpiar chimeneas, un trabajo peligroso en el que los
niños se pasan el día cubiertos de color negro bajando por chimeneas, Oliver se convierte en aprendiz del
enterrador Sowerberry. Oliver se pelea con Noah Claypole, otro de los chicos del enterrador, y como resultado de la
pelea, se escapa y se va a Londres. En las afueras de la ciudad, cansado y hambriento, Oliver conoce a Artful
Dodger, quien le ofrece un lugar donde hospedarse en Londres. Lleno de inocencia, Oliver se ve inmerso en el
mundo del hampa de Londres e ignorando sus tareas reales, se encuentra en medio de una banda de chicos
carteristas dirigida por el malvado Fagin. Allí conoce al brutal Bill Sykes, a su novia Nancy y su perro Bull´s Eye.
CRÍTICA por Joaquín R. Fernández
  Cuando un director gana un Oscar® obtiene también un privilegio temporal: la posibilidad de sacar
adelante un proyecto que, si no fuera por dicho galardón, escasas serían las productoras que se atreverían
a apostar por él. Gracias al éxito artístico y económico de "El pianista", Roman Polanski ha podido
permitirse el capricho de realizar una nueva adaptación de "Oliver Twist", una de las obras más conocidas
del genial Charles Dickens. Semejante decisión se me antoja aventurada, porque, a fin de cuentas, ¿no
han sido in-contables las ocasiones en las que este reputado texto literario se ha transformado en
imágenes, bien hubieran sido éstas rodadas para la pequeña pantalla o bien para ser proyectadas en una
sala de cine?
  Por desgracia para el responsable de "La novena puerta", su últi-mo trabajo se ha convertido en un
estrepitoso fracaso en la taquilla, especialmente en los Estados Unidos. Estrenada en Norteamérica en
unas fechas no muy apropiadas para un filme de estas caracte-rísticas (septiembre de 2005), su
distribuidora optó por hacerlo de forma limitada, creyendo que con ello se beneficiaría del boca a oreja
para, posteriormente, ir ampliando el número de pantallas en las que se exhibía la cinta. Para su
desgracia, la estrategia no le salió nada bien, de tal forma que la película apenas aguantó cuatro semanas
en cartel. Su recaudación final rozó los dos millones de dólares, siendo su presupuesto de sesenta.
  Como todo el mundo sabrá a estas alturas, "Oliver Twist" nos narra la azarosa vida de un niño que
vive en un orfanato desde que era un bebé, puesto que su madre falleció durante el parto (aún recuerdo la
911
brillante in-troducción de la versión que de esta novela llevó a cabo David Lean en 1948, un pasaje que
aquí se ha omiti-do). Cansado de las vejaciones a las que es sometido, el pequeño viaja hasta Londres,
ciudad en la que se topará con un muchacho que le da comida y le invita a dormir bajo un te-cho. Es
entonces cuando el protago-nista de esta historia conocerá a Fagin, un viejo poco agraciado que enseña a
los mocosos que tiene a su cargo a robar, obtenien-do éstos alimento y cama a cambio de los botines que
los ladron-zuelos consiguen en las calles.
  Roman Polanski opta por mostrarnos este emotivo relato sin añadirle ningún tipo de
artificiosidad, simplemente deja que la narración se desarrolle con sencillez, evitando que se note
demasiado su mano y dejando que los propios contenidos del libro de Charles Dickens se conviertan en los
absolutos protagonistas de la película. Probablemente esta decisión no sea del todo afortu-nada, pues en
ocasiones el espectador quizás se desapegue más de lo deseado de lo que acontece en la pantalla, empero,
insisto, el espíritu del texto original del escritor inglés se mantiene intacto, es-pecialmente en todo lo
referente a sus componentes de denuncia social.
  Por otro lado, el realizador se ha rodeado de una serie de colabora-dores que aportan una
innegable vistosidad a la cinta, empezando por los encargados del vestuario y del maquillaje y
prosiguiendo con todos aquellos que han diseñado y construi-do los suntuosos decorados repletos de
extras que vemos en el filme, pro-bablemente un tanto desaprovecha-dos por la cámara de Polanski, quien
no se recrea con la grandiosidad de algunos de ellos, siendo su técnica cinematográfica muy sobria. La
músi-ca viene firmada por Rachel Port-man, algo extraño teniendo en cuenta los magníficos trabajos que
le brindó Wojciech Kilar en el pasado; la autora de la banda sonora de "Mi mejor amigo" escribe alguna que
otra pieza alegre que, co-mo es lógico teniendo en cuenta la trama del largometraje, combi-na con una serie
de notas sombrías que se escuchan durante bue-na parte del metraje. Aunque repetitiva, se trata de una
obra eficaz y contenida.
  Finalmente, cabe mencionar al reparto, sobre todo a un estupen-do Ben Kingsley, quien casi
consigue estar al nivel de Alec Guin-ness dando vida a Fagin. Da gusto verle en un papel a la altura de sus
cualidades interpretativas tras observar cómo de vez en cuando malgasta su talento en productos de
dudosa calidad ("El sonido del trueno", "Sospechoso cero", "Thunderbirds"). Los actores secunda-rios están
muy bien elegidos, siendo sus rostros y ademanes muy propios de cualquier producción de época, aunque
tal vez Barney Clark, el niño que encarna a Oliver Twist, no logra insuflarle a su personaje el carisma que
sin duda precisa.
Más en: http://www.uhu.es/cine.educacion/cineyeducacion/temastwist.htm

Olvidados Los
TITULO ORIGINAL Los olvidados 8.5/10 MB
AÑO 1950
DURACIÓN 88 min.
PAÍS México
DIRECTOR Luis Buñuel
GUIÓN Luis Buñuel, Luis Alcoriza, Oscar Dancigers
REPARTO Alfonso Mejía, Roberto Cobo, Estela Inda, Miguel Inclán,
Alma Delia Fuentes, Francisco Jambrina
GÉNERO Y CRÍTICA 1951: Cannes: Mejor Director
Drama social. Dureza y crueldad niños de la calle.
SINOPSIS: El Jaibo, un adolescente, escapa de la correccional y se reúne en el barrio con
sus amigos. Junto con Pedro y otro niño, trata de asaltar a Don Carmelo. Días después, el
Jaibo mata en presencia de Pedro al muchacho que supuestamente tuvo la culpa de que lo
enviaran a la correccional. A partir de este incidente, los destinos de Pedro y de el Jaibo
estarán trágicamente unidos.
Tema para el debate: El argumento gira en torno a la miseria social y el abandono familiar. El
dramatismo de esta película nos asoma a preguntas como: ¿dónde están los verdaderos fermentos de
la delincuencia juvenil? o ¿la estructuración familiar cómo inciden en la autoestima de las personas y en
su comportamiento asocial?
Cine contra la pobreza
Si en la edición de 2007 el tema era el medio ambiente, en 2008 las miradas se dirigen a la erradicación de la
pobreza.
Y nada mejor que rememorar ese monumento cinematográfico rodado por el maestro aragonés Luis Buñuel en
México en 1950 llamado Los olvidados, película declarada Patrimonio de la Humanidad - Memoria del Mundo, obra
maestra indiscutible sobre las cloacas de la sociedad capitalista, sobre su profunda hipocresía, su podredumbre
intrínseca y de cómo la suerte de nacer en el lado amable o mísero de esa sociedad condiciona, no sólo nuestra vida,
sino también nuestros valores, necesidades, varas de medir, comportamientos, actitudes y grado de sociabilidad,
nuestra capacidad de sentir rencor, odio o piedad, de asumir la violencia y la crueldad como hechos cotidianos a los
que enfrentarse cada día, como azares de un combate por la subsistencia, síntomas de la lucha diaria por la
supervivencia fuera de un sistema que mira para otro lado y que no sabe reconocer sus errores e intenta camuflar el
producto de sus injusticias, sus crímenes diarios.
Por ello, para superar este simulacro de democracia sobre el papel supeditada al dinero y a los valores sociales
asociados a él (éxito y reconocimiento, ascenso y aceptación social) y llegar por fin a un estado de gobierno del pueblo
912

que la Humanidad jamás ha podido disfrutar hasta la fecha, basta con cumplir una serie de mínimos fáciles de
conseguir si se deja de gobernar para los consejos de administración y se empieza a gobernar para las personas. Si las
gentes bien nacidas queremos que el sueño de Pedro deje de ser un sueño para miles de millones de seres humanos del
planeta, si queremos que el final que Buñuel pensó para su obra maestra -Pedro víctima de una sociedad injusta que
extermina a los excluidos sociales en un genocidio continuo desde la invención del dinero y con sus cadáveres
arrojados a los vertederos para servir de alimentos a los chacales- se convierta en el final alternativo que Buñuel filmó
para sortear, en su caso, una censura mexicana que no quería ver sus vergüenzas expuestas al mundo entero (y no por
ser vergüenzas mexicanas en ningún caso, sino vergüenzas compartidas por todos aquellos que se asocian a un sistema
que necesita pisotear a dos tercios de la Humanidad para sostener el consumismo, la obesidad y los gastos superfluos
del tercio de privilegiados), dejando que esa parte inmensamente mayoritaria del planeta se incorpore a la raza humana
como miembros de pleno derecho, simplemente hay que cumplir una serie de mínimos innegables por cualquier
persona que se atribuya la condición de ser humano: acceso a los alimentos, acceso a una educación y escolarización
primaria y a la cultura, acceso a atención sanitaria y clínica, posibilidad de desarrollo profesional y social, derecho a la
democracia, a la paz y a la supeditación de cualquier otro criterio a la conservación de una vida digna como primer
objetivo de cualquier gobierno.
Aunque dejaremos el comentario amplio y minucioso que la película merece para más adelante, valgan las dos
escenas mencionadas como ilustración de un futuro deseable, de que esa frase tan manida otro mundo es posible, no es
un eslógan para colocar en una valla publicitaria, sino una realidad que todos necesitamos para subsistir. La
Humanidad sólo se salvará por entero, no compartimentada, dividida, categorizada, los elegidos por un lado y los
olvidados por otro. Por el destierro de toda forma política de gobierno, de todo partido político, de toda ideología o
sistema que no asuma como primer mandamiento la consecución de esa democracia global, de una justicia social para
todos, y ya que la democracia liberal sólo nos concede la ficción del voto como instrumento para hacernos sentir
miembros de un sistema que dice tenernos en cuenta, utilicémoslo siempre que tengamos ocasión en el único sentido
que es útil. Cuando votemos, sencillamente, hagámoslo como lo harían las personas.
Ficha completa en: http://www.auladecine.com/recursos/Los_Olvidados.pdf

Orden criminal del mundo El


Jean Ziegler y Eduardo Galeano.
RTVE MB
Duración: 43' (Reportaje)
Documental en el que algunos intelectuales describen lo que está pasando en
nuestra sociedad, en el que el modelo socio-económico que algunos han
impuesto nos lleva irremisiblemente a la autodestrucción y por tanto
desaparición de nuestra especie sobre el planeta y acaso arrastramos
también al resto de los seres vivos. Si esto no se frena nuestro destino está
definitivamente marcado, el problema es que cuanto más tiempo tardemos
en frenarlo la probabilidad de que esto ocurra aumenta.

Ordet ver La palabra

Osama
TITULO ORIGINAL Osama 7.4/10 MB
AÑO 2003  
DURACIÓN 82 min.  
PAÍS Afganistán
DIRECTOR Siddiq Barmak
GUIÓN Siddiq Barmak
REPARTO Marina Golbahari, Khawaja Nader, Arif Herati, Zubaida Sahar,
Hamida Refar, Gol Rahman Ghorbandi
PRODUCTORA Coproducción Afganistán-Japón-Irlanda; Barmak Film / NHK / LeBrocquy Fraser
GÉNERO Y CRÍTICA 2003: Valladolid: Espiga de Oro (ex-aequo)
Drama. Crueldad de talibanes contra mujeres.
SINOPSIS: Bajo el opresivo régimen talibán, la madre de una muchacha de 12 años, médico
de profesión, pierde su empleo en un hospital y las dos mujeres, así como la abuela, se
convierten en auténticas prisioneras en su propia casa, ya que no pueden abandonarla sin
un «acompañante legal» y tienen prohibido trabajar fuera para ganarse la vida. La madre y
la abuela urden un plan: le cortarán el pelo a la chica y cambiarán su indumentaria, para
que parezca un muchacho. Asustada ante la posibilidad de que se descubra su secreto, la
joven –que ha adoptado el nombre de Osama– empieza a trabajar para un tendero del
vecindario, que fue amigo de su padre. Pero pronto llega a la edad de tener que acudir a la
escuela islámica, y allí será más difícil ocultar su verdadera identidad.
Vivo, brutal, estremecedor retrato del rostro oculto de una niña afgana. A ras de suelo, en
los límites del documento, este sencillo relato o poema arrancado de la miseria de
Afganistán es una pequeña cumbre de cine libre.
Temas: Interculturalidad; derechos humanos; equidad de género; derechos de la mujer; familia.
913

No lo puedo olvidar, más lo puedo perdonar / Nelson Mandela


Esta frase abre la película Osama, del director afgano Siddiq Barmak, la primera filmada en Afganistán luego de
la caída del régimen talibán. Marca el hecho de que se puede perdonar el genocidio fundamentalista islámico contra las
mujeres en ese país, pero no olvidar los hechos acontecidos contra ellas por el simple hecho de ser mujeres.
De inmediato Osama sorprende por su buena factura cinematográfica y la contundencia de los argumentos contra
el fundamentalismo islámico, que no se tienta el corazón para ejecutar sumariamente a las mujeres que no cumplen su
interpretación de la sharía, código de leyes de conducta musulmanas basadas en el Corán.
El sonido de las sombras
"OSAMA es la amarga y trágica historia de nuestra vida, una época terrible, cuando nadie tenía derecho a tomar
sus propias decisiones. OSAMA es la historia de los que perdieron su identidad bajo el nombre de Osama. Es una
historia acerca de vivir asustado, en la que la gente tiene miedo incluso de los sonidos de las sombras. Es una historia
acerca de la interminable historia de mujeres en la cárcel; y además es una historia cerca de una niña y toda la injusticia
y sinsentido religioso que lleva sobre sus espaldas".(http://www.todocine.com/mov/00511770.htm)
Experiencias reales
"A las dos semanas de que los talibanes se hicieran con el control de la ciudad de Kabul, me vi obligado a
escapar de la ciudad hacia el norte, a la zona de Shamali Plan, y a los dos años y medio tuve que emigrar a Pakistán".
(http://www.todocine.com/mov/00511770.htm)
"Cuando vivía en Pakistán, intenté hacer un cortometraje de ficción. Estuve tratando de encontrar algunos temas
y personajes especiales en diversas organizaciones afganas como minusválidos, niños de la calle y periódicos afganos
en Peshawar. Por casualidad, leí la carta de un viejo profesor afgano que contaba la historia de una niña que deseaba
ardientemente ir a la escuela durante el régimen talibán, lo que estaba prohibido para las chicas. Así que ella cambió su
aspecto para parecer un chico cortándose el pelo y vistiendo ropas de varón. Naturalmente, ésta fue la historia que a
mis amigos y a mí nos impresionó".(http://www.todocine.com/mov/00511770.htm)
Estilo poético
"Uno de mis sueños era ser proyeccionista. Soñaba con encontrar algo en ese oscuro lugar donde sólo hay una
línea de luz que va hacia la pantalla blanca, y ahora creo que esta línea de luz puede ser desplazada hacia las mentes de
la gente y hacerlas brillar, especialmente en nuestro país".( http://www.todocine.com/mov/00511770.htm)
"Mi mundo es un poema sobre el amor, que se encuentra incluso entre las guerras, el humo y el polvo. Me
encantan las películas con estilo poético. En este caso, puedo decir que me han influido Andrei Tarkovski, el estilo del
cine georgiano de directores como Tengis Abuladze, y, naturalmente, muy cercanos a nuestro lenguaje, directores
iraníes como Mohsen Majmalbaf y Abbas Kiarostami. Todos estos maestros han influido considerablemente en mi
forma de filmar".( http://www.todocine.com/mov/00511770.htm )
El cine afgano
"El pueblo afgano tiene muchas cosas que decir al mundo y en él hay muchos cineastas de talento. Para hacer
realidad nuestros sueños de rodar tenemos una fuerte base cultural y literaria, pero necesitamos ayuda internacional y
ya se están dando los primeros pasos para el desarrollo del cine afgano: soy muy optimista respecto a su futuro".
( http://www.todocine.com/mov/00511770.htm )
Ficha amplia en:
http://www.gobiernodecanarias.org/educacion/3/Usrn/cep_laguna/recursos/cineforum/Osama/Unidad.pdf

Oso El
TÍTULO ORIG. L'ours (The Bear) 7.0/10 EXC
AÑO 1988
DURACIÓN 93 min.  
PAÍS  
DIRECTOR Jean-Jacques Annaud
REPARTO Jack Wallace, Tcheky Karyo, André Lacombe
PREMIOS 1989: Nominada al Oscar: Mejor montaje
GÉNERO Aventuras, peligros y sentimientos de un osezno huérfano.
SINOPSIS Cuando una osa intenta conseguir un panal de miel con el que saciar su glotonería, es
aplastada por un alud y muere, quedando huérfano su osezno. El pequeño oso queda solo y
sin protección, en un medio que, hasta que no alcance la madurez, le es hostil. Youk, el
osezno huérfano, se encuentra con Kaar, un ejemplar adulto de oso Kodiak que terminará
adoptándole y será su protector. De todas las amenazas, la peor es el hombre, en este caso
los tramperos que se dedican a cazar osos. Pronto aparecen dos cazadores, Bill y Tom, que
mantendrán una lucha singular con Kaar; sobre todo Tom, que tiene varios enfrentamientos
directos con el gran oso y se toma su caza como una cuestión personal.
"Entretenida cinta destinada al consumo familiar. Todo muy bonito, pero sin demasiada
CRÍTICAS chispa"
Jean-Jacques Annaud aparte de ser mi director francés favorito es seguramente el más "americano" de todos.
Tardaron casi tres años en realizar esta monumental película sobre la belleza de la naturaleza y la intromisión de
los hombres. La interacción entre las distintas especies en la montaña está plasmada con brillantez. Supongo que
habrá que emplear un millón de trucos para conseguir que la historia aporte una linealidad que debe ser un trabajo
de chinos. Conseguir que un puma, un ciervo, el oso, el osezno, la rana, el hurón y la madre que los parió consigan
más o menos meterse en cuadro o realizar los movimientos esperados hace veinte años ya, debe de poner histérico
a cualquiera. Por supuesto sin un elaborado montaje (aquí es totalmente imprescindible) que haga avanzar
914
paralelamente historia y animales seguramente estaríamos hablando de otra película.
La perdida de la madre, el encuentro de un padre, la caza, el aprendizaje, el hostigamiento, la amistad, el peligro,
el hambre, la misericordia, la despedida... simplemente lo tiene todo. La fotografía increíble, nítida, terriblemente
hermosa... recibió innumerables premios en su momento. El montaje fue nominado con justicia a los Oscars.
Quiero recalcar la secuencia del puma por su dificultad y por su belleza. También las escuetas apariciones de los
hombres, lo que realza la importancia de este bellísimo film.
El oso es cine familiar de primera categoría cuya fábula está a la vista hasta para el más chiquitín. 9.5

"¿Y éso? Éso son estúpidos y malholientes hombres."

Otra conquista La
Título original: The Other Conquest MB
Valoración: 6.8/10 (23 votos)
Drama | 105 min.
País: México
Estreno en USA: 02/04/2007
Director: Salvador Carrasco
Guión: Salvador Carrasco
Reparto: Damián Delgado, Elpidia Carrillo, José Carlos, Rodríguez, Iñaki Aierra
Sinopsis: Narra la conquista española en México (1521) desde la perspectiva azteca, y
muestra la lucha de Topiltzin, un hijo del emperador Moctezuma, por preservar la
identidad religiosa y cultural de su pueblo ante la llegada de los españoles.
La otra conquista (1997) de Salvador Carrasco, filme que es una aproximación de corte
más filosófico e intimista que épico o histórico, a la conquista de México. Si la película misma explora (entre otros
elementos) la visión del conquistador y la visión del conquistado, la pista sonora refleja puntualmente esta dualidad.
Así, los tracks musicales que representan la vertiente europea del asunto fueron compuestos por Samuel Zyman,
mientras que los tracks que comentan el lado indígena de la historia están a cargo de Jorge Reyes. Aunque pudiera
pensarse lo contrario, la continuidad musical entre un estilo y otro es bastante fluida, y el resultado general es muy
estimable gracias al alto nivel profesional de ambos compositores.
Cuando dos mundos se encuentran, puede ser catastrófico. En La otra conquista el espectador se puede
considerar la lucha entre los aztecas y los españoles del siglo XVI. Para entender más sobre las dos fuerzas, uno puede
ver las religiones, a tráves de las cuales se luchaba otra guerra. La Iglesia Católica, al intentar convertir trataba de
eliminar los símbolos y rituales de los aztecas--una cultura llena de historia y simbolismo religioso. El filme La otra
conquista usa los símbolos visuales para crear un mundo en el que la protección de la religion azteca es un crimen, y en
el que luchar no es sólo para la sobrevivencia sino también la sobrevivencia de su raza.
Más sobre los simbolismos de las dos religiones en:
https://www8.georgetown.edu/centers/cndls/applications/posterTool/index.cfm?fuseaction=poster.display&posterID=3483

Otra familia La
Título original: La otra familia 6.3/10 MB
Año 2011
Duración 135 min.
País  México
Director Gustavo Loza
Guión Gustavo Loza
Reparto
Jorge Salinas, Luis Roberto Guzmán, Ana Serradilla, Bruno Loza, Carmen Salinas, Ana
Soler, Nailea Norvind, Juan Ríos Cantú, Dominika Paleta, Luis Gerardo Méndez, Andrés
Almeida, Silverio Palacios, Mario Zaragoza.
Género: Drama. Pareja de homosexuales adoptan hijo de drogadicta.
Sinopsis
Después de ser abandonado durante tres días por una madre adicta al crack, a
Hendrix, un niño de siete años, lo encuentra una amiga que lo entrega a una pareja
homosexual. Mientras que a la madre la obligan a seguir un tratamiento de
rehabilitación, su amante, un traficante de drogas, intentará sacar partido del niño vendiéndolo a un matrimonio
que acaba de perder a su bebé. La madre huye de la clínica para recuperarlo, pero las autoridades, para
protegerlo, tratan de ingresarlo en un orfanato.
Premios
2011: Premios Ariel: Nominada a Mejor coactuación femenina (Nailea Norvind)

Otro Jesús El (Viaje a lo desconocido)


Director: F. Jimenez Del Oso MB
Año: 2005
El Otro Jesús pertenece a la serie Viaje a lo desconocido de F.Jimenez Del Oso.
De su figura y de sus enseñanzas, recogidas en los evangelios, nació una de
las religiones más importantes del planeta, pero ¿realmente Jesús fue como
piadosamente nos lo pintan?
Con rigor y respeto, recorriendo los escenarios donde transcurrió su vida y
dictó sus enseñanzas, sin caer en hipótesis absurdas, descubriremos una
visión más humana y no menos transcendente.
915

Pablo de Tarso al mundo


Director: Alberto Castellani MB
Paulinas 2004,
Duración: 210’.
Documental
Un viaje para descubrir la vida y el pensamiento del Apóstol Pablo, a través
de lugares de su acción misionera.
Una ocasión para conocer su persona, descubrir su riqueza espiritual
y ser envueltos por su entusiasmo en el anuncio del Evangelio.
DVD CON GUÍA DE TRABAJO
1. Una luz que bajo del cielo (Hch 9,3)
2. Bernabé "Un hombre bueno" (Hch 11,24)
3. Nosotros lo anunciamos (Hch 13,32)
4. Nueva fuerza a las comunidades (Hch 15,41)
5. No tengas miedo, sigue predicando (Hch 18,9)
6. Apelo al Cesar (Hch 25,12)
7. Termina la carrera (2Tim 4,7).

Pablo el emisario - La Vida de Pablo


Director: Robert Marcarelli MB
Duración: 54’
Año: 1997
Actores: Garry Cooper, Leon Lissek, Kermit Christman, Grant Parsons, Curt Lowens
El aclamado drama de la vida del Apóstol Pablo ha sido filmado con tecnología de alta
definición para teatros de «realidad virtual». Este intenso recuento provee una percepción
auténtica del mundo en el cual vivió Pablo y la oposición que enfrentó toda su vida. Pero
lo más importante es que este programa nos trae dentro de la energía y la perspectiva de
este increíble apóstol, a medida que experimentamos sus turbulentas emociones, sus
sólidas convicciones y su visión de un nuevo mundo bajo el señorío de Cristo. Este
impresionante drama muestra a Saúl, el colérico fanático y a Pablo, el siervo de Cristo,
quien pagaría cualquier precio para traer el Evangelio al mundo. Esta película nos ayuda a
entender porqué Pablo tuvo un impacto mayor que cualquier otro personaje .

Pablo San – 1 Pablo de Tarso


Año: 2000 EXC
Director: Roger Young
Actores: Johannes Brandrup. With Thomas Lockyer, Barbora Bobulova,
G. W. Bailey, Ennio Fantastichini, Vincent Ricotta, Giorgio
Pasotti, Franco Nero.
Duración: 94 min. aprox.
La historia de Saúl de Tarsus, perseguidor de cristianos que luego se convierte en el
apóstol Pablo, después de que se le aparezca Jesús en una visión.

Pablo San – 2 –El apóstol misionero


Año: 2000 EXC
Director: Roger Young
Actores: Johannes Brandrup. With Thomas Lockyer, Barbora Bobulova,
G. W. Bailey, Ennio Fantastichini, Vincent Ricotta, Giorgio
Pasotti, Franco Nero.
Duración: 94 min. aprox.
Acercamiento a la figura del apóstol San Pablo, toma como principales referencias el relato
de los Hechos de los Apóstoles, junto a apuntes puntuales de algunas de sus epístolas.
Ello se entremezcla con una historia de ficción que pinta la rivalidad entre los que un día
fueran amigos, el saduceo Rubén, y el fariseo Pablo. Cuando éste se acerca al
cristianismo y empieza a predicar a Jesús con inusitado vigor, el otro se convierte en
mortal enemigo, un poco al estilo de lo que ocurre en la clásica novela "Ben-Hur" y sus
versiones cinematográficas.
Se trata de una cuidada y digna producción televisiva, impulsada por Lux Vide. Posee las limitaciones
de los telefilmes, pero da idea de lo apasionante que es la vida de Saulo de Tarso, con episodios tan
significativos como la conversión camino a Damasco, su consentimiento en la muerte de Esteban por
lapidación, sus diferencias, que conviven con el respeto y amor por Pedro, su huida de la ciudad
descolgándose por las murallas en un canasto, sus comparecencias ante distintas autoridades, la
tormenta... Destaca lo bien descrita que está la relación entre Pablo y Bernabé. Configuran el reparto
nombres desconocidos, y sólo suena Franco Nero, que da vida a Gamaliel, el maestro de Pablo.
San Pedro y San Pablo son los primeros misioneros y los más importantes de la religión cristiana. Pablo,
converso en el camino hacia Damasco, trasladó los Evangelios a griegos y romanos antes de su martirio en Roma
916

en el año 65. Pablo de Tarso, es uno de los personajes que más han contribuido a fraguar el pensamiento y la
cultura occidentales.
De origen fariseo, participó en las primeras persecuciones contra los cristianos. Pero durante un viaje a
Damasco y según su testimonio,, poco después de la crucifixión de Jesucristo, éste se le apareció y se convirtió a
la nueva fe, que por entonces era considerada una secta herética del judaísmo. Desde entonces, San Pablo se
transforma en el más ardiente propagandista del cristianismo, que extendería también entre los gentiles: viajó
como misionero por Grecia, Asia Menor, Siria y Palestina; y escribió misivas (las encíclicas) a diversos pueblos del
entorno mediterráneo.
Los escritos de San Pablo adaptaron el mensaje de Jesús a la cultura helenística imperante en el mundo
mediterráneo, facilitando su extensión fuera del ámbito cultural hebreo en donde había nacido. Al mismo tiempo,
esos escritos constituyen una de las primeras interpretaciones del mensaje de Jesús, razón por la que
contribuyeron de manera decisiva al desarrollo teológico del cristianismo (se atribuyen a San Pablo más de la
mitad de los libros del Nuevo Testamento).
Los Hechos de los Apóstoles relatan que San Pablo fue detenido en el año 58 después de Cristo en
Jerusalén. Dos años más tarde fue conducido a Roma. El barco en el que viajaba encalló en la isla de Malta debido
a una fuerte tempestad, en el lugar que actualmente se llama Bahía de San Pablo. Allí, Pablo de Tarso se dedicó a
predicar el Evangelio, convirtiendo la isla al cristianismo. En el año 63 llegó a Roma, donde prosiguió su
apostolado. En el 67 fue hecho prisionero nuevamente y decapitado.

Paciente inglés El
TÍTULO
The English Patient 7.1/10 MB
ORIGINAL
AÑO 1996
DURACIÓN 162 min.
PAÍS GB
DIRECTOR Anthony Minghella
Anthony Minghella (Novela: Michael Ondaatje:
GUIÓN
Biblioteca Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas)
Ralph Fiennes, Kristin Scott Thomas, Juliette Binoche, Willem Dafoe,
REPARTO Naveen Andrews, Colin Firth, Julian Wadham, Kevin Whately, C. Merrison,
Nino Castelnuovo, Hichem Rostom, Peter Ruhring, Geordie Johnson.
PRODUCTORA Miramax International / Saul Zaentz production
1996: 9 Oscars, incluyendo película, director, actriz reparto (Binoche). 12 Nominaciones
1996: 2 Globos de Oro: Mejor película: Drama, bso. 7 nominaciones
1996: 6 premios BAFTA, incluyendo película, fotografía, montaje. 13 nominaciones
PREMIOS 1996: Nominada al Cesar: Mejor película extranjera
1996: Nominada al Goya: Mejor película europea
1996: 2 premios National Board of Review: Actrices de reparto (Binoche - Scott Thomas)
1997: Festival de Berlín: Oso de Plata - Mejor actriz (Juliette Binoche)
GÉNERO Romance. Drama. II Guerra Mundial. África. Amores difíciles en tiempos de guerra.
Una película que me hipnotiza. Las secuencias finales son de las cosas más románticas que le han
ocurrido al cine moderno.
Un vendaval de cine lírico y sentimental. Apasionante e inolvidable.
CRÍTICAS
Minghella recupera el romanticismo exótico del gran David Lean.
Imprescindible drama con sabor a clásico. Maravillosa e intensa historia, con un toque romántico
realmente adecuado. Uno de los mejores dramas de los noventa.
TRASCENDENCIA DE BAJA INTENSIDAD
SINOPSIS
Al final de la segunda guerra mundial un hombre gravemente herido es llevado por Hana, una enfermera franco-
canadiense, a un monasterio situado en Toscana. El paciente, con un hilo de voz, dice que no recuerda nada de su
pasado. El único indicio para descubrir algo es un libro que lleva consigo, una copia de la historia de Herodoto. Al
monasterio llega un poco después otro canadiense de nombre Caravaggio que ha estado en Africa del Norte durante
la guerra, en el mismo sitio donde el paciente fue herido. Tras el hilo del recuerdo, se va desenredando la historia que
había vivido al final de los años treinta el paciente, es decir el conde de origen húngaro Almásy, al participar en un
grupo de la Royal Geographic Society que debía trazar el mapa de la zona desértica, y al enamorarse, de forma
correspondida, de la bella Katharine, mujer del aristócrata Geoffrey, ambos miembros de la expedición. Tras el
estallido de la guerra, la dificultad de conciliar la historia de amor con las necesidades militares, los deberes contra el
enemigo, la diferencia de nacionalidades: Katharine quedará sola en el desierto y morirá abandonada, Almásy queda
gravemente herido, mientras que Hana lo cuida con paciencia pero cuando comprende que todo es inútil, es Almásy
mismo el que le pide que ponga fin a sus sufrimientos. Hanna a pesar de todo, en este trágico episodio, encuentra la
fuerza para seguir adelante y comenzar una nueva vida.
VALORACIÓN
Aceptable. Temas: Amor y muerte. Cielo-paraíso. Pecado-muerte. Iglesia sacramentos. Sufrimiento.
SELECCIÓN DE ESCENAS
Escena 1. Debo ser una maldición
(La enfermera Hana atiende al desfigurado Almásy)
917
Hana Esto le aliviará. Debo ser una maldición. Para los que me quieren. Para todos los que se acercan a mí. Debo
estar maldita (Mira al campanario del monasterio que hay al fondo) (Ya de día, se acerca al monasterio. Ve su imagen
reflejada en el estanque. Entra en el interior de la capilla. Está todo destruido) (La vemos con un soldado
transportando sacos)
Hana Cuando pueda, volveré con vosotros.
Soldado Este lugar no es seguro. Hay muchos bandidos. De alemanes y Dios sabe qué. Es una locura. No lo
permitiré.
Hana La guerra ha terminado. No es una deserción.
Soldado No ha terminado del todo. Por favor, Hana.
Hana Necesito morfina y una pistola.
Sacerdote Ha hecho bien en hablarme. En lo que a mí respecta, estoy a su entera disposición.
Soldado Si le ocurriera algo, le aseguro que nunca me lo perdonaría. Vamos a Liorna. Los italianos lo llaman
Livorno. La esperaremos.
Escena 2. Estoy enamorada de fantasmas
(Hana en el monasterio con Caravaggio)
Caravaggio Está enamorada de él, ¿verdad? Su pobre paciente. ¿Cree que es un santo? ¿Por su aspecto?
Hana No. Estoy enamorada de fantasmas. Él también está enamorado de fantasmas.
Caravaggio ¿Y si le dijera que esto me lo hizo él?
Hana ¿Cómo iba a hacerlo? ¿Cuando?
Caravaggio Soy uno de sus fantasma y no lo sabe.
Hana No sé qué significa eso.
Caravaggio Pregúntele a su santo quién es. Pregúntele a quién ha matado.
Hana (Llorando) Por favor, no le quiero ver en esta casa.
Caravaggio Le aseguro que no ha olvidado nada. Pero creo que debe olvidar. (Rostro de Almásy)
Escena 3. Prométeme que volverás
(Almásy corre hacia la avioneta, que acaba de estrellarse en las dunas. Ve a Geoffrey, muerto, y en la parte de
delante a Katherine, malherida)
Almásy Katherine, ¿qué haces aquí?
Katherine No puedo salir, ni moverme. “Sorpresa”, me dijo. Pobre Geoffrey, lo sabe. Debió saberlo siempre. Gritaba:
“Te quiero. Te quiero mucho”. ¿Está malherido?
Almásy Tengo que sacarte de aquí.
Katherine No me muevas.
Almásy Tengo que sacarte.
Katherine Me duele mucho.
Almásy Lo sé, cariño. Vamos. (La saca de la avioneta. La lleva en sus brazos)
Katherine ¿Por qué me odiaste?
Almásy ¿Qué?
Katherine ¿No te diste cuenta de que volviste locos a todos?
Almásy Calla. No hables.
Katherine Hablas un montón de idiomas y nunca quieres hablar.
Almásy (Se fija en el colgante que ella lleva al cuello) ¿Llevas el dedal?
Katherine Claro, idiota. Siempre lo llevo. Siempre lo he llevado. Siempre te he querido.
(Almásy llora. Entran en una gruta. El la deposita con cuidado en el suelo)
Katherine El suelo está frío.
Almásy Lo sé. Lo siento. Encenderé un fuego.
Katherine ¿Has sacado a Geoffrey del avión?
Almásy Sí.
Katherine Bien, te lo agradezco.
Almásy Escúchame, Katherine, tienes el tobillo roto. Intentaré vendarlo. Creo que también te has roto la muñeca y
unas costillas. Por eso te duele al respirar. Tendré que andar hasta El Taj, aunque dada la situación actual seguro que
toparé con algún ejército. Volveré y te pondrás bien.
Katherine ¿Lo prometes? No me gustaría morir aquí. No quiero morir en el desierto. Siempre había imaginado un
entierro sofisticado. Música sacra. Además, sé dónde quiero que me entierren. En el jardín dónde crecí con vistas al
mar. Prométeme que volverás a buscarme.
Almásy Te lo prometo. Volveré a buscarte. Y te prometo que nunca te abandonaré. Tienes mucha agua y también
comida. Te dejo esto abierto (señala la linterna) y esto (le deja un libro)
Es un buen libro. No malgastes esto. (Baja un poco la luz de la linterna)
Katherine ¿Enterrarás a Geoffrey? Sé que ha muerto.
Almásy Lo siento.
Katherine Lo sé.
Almásy Todas las noches se me desgarraba el corazón, pero a la mañana siguiente estaba entero.
Katherine Amor mío. (Se besan)
Escena 4. Morimos
(De noche, en el interior de la gruta sólo alumbrada por la pequeña luz de la hoguera y la linterna, Katherine escribe
en su diario “Morimos”)
Escena 5. Siempre volveré a la Iglesia
(Hana con el teniente indio Kip, que esta a punto de partir en moto)
Hana Siempre regresaré a esa iglesia, para ver mis pinturas.
Kip Siempre regresaré a esa iglesia.
Hana Entonces, ¿nos encontraremos?
(Arranca la moto y marcha. Hana se queda observándole)
Escena 6. Me llevarás al palacio de los vientos
918
(Hana con Almásy, moribundo en la cama. Ella lee en voz alta el diario de Katherine)
Hana Amor mío, te sigo esperando. ¿Cuánto dura un día en la oscuridad? ¿Una semana? El fuego se ha apagado.
Tengo un frío espantoso. Debería arrastrarme por el exterior pero entonces me abrasaría el sol.
(Plano de Almásy en el interior de la gruta acariciando el rostro de Katherine)
Hana (off) Temo malgastar la luz mirando las pinturas, escribiendo. Morimos.
(Volvemos a ver a Hana)
Hana Morimos ricos en amantes y tribus, y sabores que hemos tragado, en cuerpos en los que hemos penetrado y
nadado como en un río. Miedos en que nos ocultamos, como esta gruta.
(Rostro de Almásy desfigurado) (Imágenes de la gruta con Almásy acariciando a Katherine)
Hana (Off) Quiero todas estas marcas en mi cuerpo. Nosotros somos los países auténticos. No las fronteras en
mapas con los nombres de hombres poderosos.
(Imagen de Almásy, saliendo de la gruta, con el cuerpo envuelto de Katherine)
Hana (off) Sé que vendrás y me llevarás al palacio de los vientos.
Sólo eso he deseado. Recorrer un lugar así contigo, con nuestros amigos. Una tierra sin mapas.
(De nuevo Hana)
Hana La luz se ha ido y escribo en la oscuridad.
(Hana mira con afecto a Almásy, fallecido) (Vemos la avioneta alzándose hacia el cielo)
Escena 7. Volviendo a la vida
(Hana en la parte posterior de la furgoneta, rumbo a Florencia. Al fondo se ve el campanario del monasterio)
(Plano de la avioneta hacia el cielo, sobrevolando el desierto. Vemos el mismo plano picado de la avioneta sobre las
dunas que abría la película, con Almásy y el cuerpo de Katherine. Quedan las dunas en una imagen casi abstracta)
(Plano de Hana en la furgoneta, con el paisaje al fondo. Su rostro va recibiendo a ráfagas la luz del sol)
(Contraplano de los cipreses que van pasando, con el sol al fondo que va filtrando su luz. Al final, cielo blanco con los
créditos)
CUESTIONES DE ESCATOLOGÍA
Se trata de una historia sobre la humanidad herida como consecuencia de la guerra que busca caminos para
reconciliarse y seguir adelante.
1. El monasterio en los márgenes de la guerra
El monasterio se presenta como un territorio segregado. En él queda Hana con el misterioso paciente. Como
enfermera en el campo de batalla y marcada por la muerte decide desviarse para cuidar de un único paciente. El
convento será tierra de nadie y espacio de recuperación. Como si para recobrar a los hombres del absurdo de la
guerra fuera necesario un espacio sagrado de paz. Hana desea volver a lo esencial y para ello se vuelve al cuidado
del otro: limpiar, hacer la cama, lavar las heridas, dar de comer… Poco a poco dejará el uniforme, descargará las
lágrimas y limpiará el dolor. También la Iglesia se convertirá en el lugar del amor. En una preciosista escena, un tanto
recargada y esteticista, Kip, el teniente indio que retira minas, le prepara un camino de lámparas encendidas. Allí en el
lugar sagrado Hana subirá mediante un mecanismo de poleas construido por Kip, para contemplar la belleza de los
frescos medievales de una boda. Bajo la luz de una bengala y el sol poniente Hana se abrirá al amor. De hecho ésta
será la consigna de despedida: “Siempre regresaré a la iglesia…Entonces, nos encontraremos”.
2. Entre el amor y la muerte
Laszlo no sabe si no recuerda porque no puede o porque no quiere. Sin embargo, la situación en el convento y los
cuidados de Hana se convertirán en kairós oportuno para la memoria y la reconciliación. Tras él hay una historia
trágica de un amor imposible que en tiempo de guerra ha reproducido la muerte y el dolor.
La relación con Katharine sigue el proceso de la distancia buscada, la pasión irrefrenable, el despecho de la venganza
y el reencuentro imposible. Se trata de una mirada a la pasión amorosa que se alía con la pasión de la guerra en un
círculo infernal que convierte a los amantes en víctimas y agentes del dolor. El amor de Almásy y Katharine es un
amor oculto en el engaño hacia el marido. Cuando la situación se hace imposible de sostener Katherine buscará la
separación. Sin embargo ya será imposible volver atrás. Almásy abandonado y perseguido por los propios ingleses
pasará los mapas del desierto a los alemanes. Y Geoffey, el marido despechado, buscará matar a los tres en un
accidente de avión. Katherine quedará gravemente herida en una cueva donde morirá sola y abandonada.
Esta historia trágica de amores imposibles desvela los procesos de pecado y muerte en su dimensión personal
(engaño y traición) y colectiva (guerra). Pero la muerte dispone a la reconciliación. Como es el caso entre Laszlo y
David Caravaggio. Y como es el propio drama interno del paciente inglés.
3. Las metáforas del más allá
Para la reflexión sobre la visión del más allá hemos de fijarnos en las palabras de despedida de Katharine: “Morimos,
morimos, ricos en amantes y tribus, en cuerpos en que nos sumergimos y miedos en los que nos escondemos…
Quiero a todas esas marcas en mi cuerpo. Nosotros somos los auténticos países, no las fronteras trazadas en los
mapas…Sé que vendrás y me llevarás al palacio de los vientos. Solo he deseado recorrer un lugar como ese contigo,
con nuestros amigos. Una tierra sin mapas. La lámpara se ha apagado y estoy escribiendo a oscuras…”
Estas palabras de Katharine serán leídas a Almásy por Hana en el momento de su muerte, acelerada por una fuerte
dosis de morfina, en una eutanasia compasiva. Las imágenes muestran la muerte de Katharine y después el vuelo de
la avioneta hacia el cielo en medio de un mar de dunas. Nuevamente SUBIR Y CONTEMPLAR. Y al fondo el amor y la
luz. Estas imágenes han marcado el comienzo de la película. La arena, el cielo, la luz e incluso el mar (de los
nadadores de la cueva) son referencias de infinito y trascendencia. La muerte recuerda a los amantes el amor y les
sumerge en un infinito. Más que Dios hay añoranza de infinitud del amor. Más que ser salvados se necesita vivir
eternamente el amor perdido reencontrado más allá de la muerte. Aparece más un ansia de eternidad que la muerte
en la alteridad de Dios que nos recobra en Él.

Pactar con el diablo (El abogado del diablo)


TITULO ORIGINAL The Devil's Advocate 6.6/10 EXC
AÑO 1997  
919

DURACIÓN 144 min.  


PAÍS
DIRECTOR Taylor Hackford
Al Pacino, Keanu Reeves, Charlize Theron, Jeffrey Jones, Judith Ivey,
Craig T. Nelson, Connie Nielsen, Delroy Lindo, Tamara Tunie.
GÉNERO Y CRÍTICA Intriga. Terror. Astucias de Satanás, vanagloria.
SINOPSIS: Kevin Lomax (Keanu Reeves) es un brillante y joven abogado que nunca ha
perdido un caso. Convive felizmente con su atractiva y joven esposa, Mary Ann (Charlize
Theron), y ambos viven una vida tranquila y feliz. Un día, Lomax recibe la visita de un
abogado de Nueva York que le explica que su poderoso bufete tiene la intención de
contratarle. Al frente de la prestigiosa firma se encuentra John Milton (Al Pacino), un
hombre de mundo, brillante y carismático, que encierra "diabólicas" intenciones para el
protagonista.
"Tiene momentos antológicos en la secuencia final, en la que Pacino cambia sin esfuerzo de
registro y nos cautiva con su monólogo"
Vanidad
Suficiente suspenso bien narrado con un argumento sólido que nos mantendrá atados a esta excelente película
sobre el diablo, la moral, los prejuicios y la misteriosa ascendente carrera de Keanu Reeves.
Un maestro es Al Pacino que hace una actuación de aquellas. El dialogo final que da sobre el fin del mundo, el bien,
el mal, dios y todos los temas filosóficos religiosos, es NOTABLE de pies a cabeza. Recomendada. 8/10
Finalmente podemos ver un diablo que no es un ser fantasmagórico o monstruoso, sino un hombre
astuto y elegante, muy cercano a nosotros, seductor y padre del engaño, cuyas tentaciones son tan fáciles para
cualquiera: riqueza, placer, poder.
Diálogo final:
John Milton: Vanidad es definitivamente mí pecado favorito. Kevin, es tan básico. Vanagloriarse, Tú propia droga natural
creada. No es que no te importe Mary Ann. Es sólo que estabas un poquito más envuelto con otra persona. Tú mismo
Kevin Lomax Tienes razón, lo hice todo, la deje ir
John Milton: O no seas tan duro contigo. Tú querías algo más. Créeme
Kevin Lomax: La deje atrás y simplemente seguí caminando
John Milton: Tú no puedes seguir castigándote, Kevin. Es asombroso lo lejos que has llegado. Yo no lo hice fácil. No pude. No
por ti. O por tu hermana
Kevin Lomax: ¿Que es lo que quieres de mí?
John Milton: Quiero que seas tu mismo. Tú sabes, te lo diré, chico. La Culpa es un bolso de putos ladrillos. Todo lo que tienes
que hacer es ponerlos en el piso
Lomas: No puedo hacer eso
John Milton: ¿Para quién estas cargando todos esos ladrillo? ¿Dios? Bien, te contaré. Déjame darte una pequeña información
interna respecto a Dios. A Dios le gusta mirar. Es un bromista. Piénsalo. Le da al hombre ¡Instintos! Él te da ese regalo
extraordinario, y después qué es lo que Él hace, te juro por su propio entretenimiento, su propio chiste cósmico privado. El
pone las reglas en oposición. Es el error de todos los tiempos. Mira, pero no toques. Toca, pero no pruebes! Prueba, pero
no tragues. ¡Ahaha!. Y cuando estas saltando de un pie al otro, ¿qué es lo que está haciendo? Se esta putamente riendo. ¡Es
un rígido! ¡Es un sádico! Es un ausente patrón. ¿Adorar esto? Nunca.
Kevin Lomax Mejor reinar en el infierno que servir en el cielo, eso es?
John Milton: ¿Por qué no? Estoy aquí con la nariz en el suelo desde que todo comenzó. He estado nutriendo cada sensación por
la cual el hombre ha sido inspirado. Me importa lo que el quiere y nunca lo he juzgado. ¿Por qué? Porque yo nunca lo he
rechazado a pesar de todas sus imperfecciones. ¡Soy un fan del hombre! Soy un humanista. Podría ser el último humanista.
¿Quién con la mente correcta podría negar que el Siglo 20 fue enteramente mío? Todo, Kevin! ¡Todo! ¡Mío! ¡Estoy
mirando! Es mí tiempo ahora. ¡Nuestro tiempo!”
“La Vanidad es sin duda alguna mi pecado favorito…”

Padre nuestro ver Los niños de San Judas

Padre Pro
Duración: 113’ EXC
Realizadores El filme fue dirigido por Miguel Rico, quien coescribió el guión junto con el
padre Alberto Vargas Núñez, quien también fue el productor.
Protagonistas Pedro Reyes, Erick del Castillo, Anabel Ferreira, Martha Aura y Juan
Antonio Edwards.
Estreno mundial El 15 de noviembre de 2007, en el III Festival Internacional de Cine
Tercer Milenio de Guadalajara. En esa ocasión recibió el Gran Premio del Público y una
mención honorífica del Grupo de Iglesias como la Mejor Película de Valores.
Historia: El Padre Pro nació en Zacatecas en 1891 y murió en la metrópoli el 23 de
noviembre de 1927.
Entrevista con el P. Pedro Reyes, protagonista
920
Este 23 de noviembre de 2007 se cumplieron 80 años del fusilamiento del sacerdote jesuita Miguel Agustín
Pro, durante la Guerra Cristera, y con este motivo se estrena en formato CD una extraordinaria película biográfica
bajo la dirección de Miguel Rico, con guión del sacerdote jesuita, Alberto Vargas.
La cinta, que aporta información y anécdotas inéditas, se apega estrictamente a la vida del Padre Pro, pero
también refleja los problemas sociales y políticos que tuvo que enfrentar el sacerdote durante su ministerio, dada
la prohibición y condena del gobierno de Plutarco Elías Calles a cualquier acto de culto religioso público, además de
una abierta injerencia del Estado en cuestiones de la Iglesia.
La producción de esta película fue posible gracias a las aportaciones voluntarias de distintas personas y fue
grabada en locaciones de México y Europa, continente en el que vivió el Padre Pro luego de que, a causa de la
Revolución Mexicana, cerraran los seminarios en nuestro país.
La Arquidiócesis de México y el semanario Desde la fe desea todo el éxito a esta gran producción
cinematográfica, cuya intención es mostrar con base en fuentes documentales y testimoniales fidedignas, la vida de
uno de los personajes más importantes de la vida de la Iglesia en el siglo XX: el beato Agustín Pro.
El actor, además de ser sacerdote jesuita, trabaja a favor de los derechos laborales de mineros de Pasta de
Conchos, Coahuila, y en la búsqueda de la democratización de la sociedad mexicana.
Habla con el entusiasmo en los ojos, con una sonrisa sensible a cada acción, imposible no comparar sus
expresiones y gestos con los del Padre Pro; el padre Pedro Reyes, sacerdote jesuita, relata su experiencia como
actor al representar al mítico Miguel Agustín Pro, también sacerdote de la Compañía de Jesús, beato y mártir
mexicano fusilado durante la persecución religiosa en México en el siglo XX.
Sin embargo, modesto y lejano de la figura del beato mártir, el padre Reyes sentencia de inmediato: “Creo
que cuando me propusieron el proyecto, lo primero que sentí no fue el parecido que tenía con Miguel, sino la
diferencia. Porque hablamos de 80 años de distancia, de un Concilio Vaticano de por medio, con una Compañía de
Jesús viviendo un cambio muy fuerte”.
Pedro Reyes, mexicano nacido en los Estados Unidos, hijo de una familia devota y de un padre médico, vivió
siempre en el hospital, entre los enfermos y necesitados; urgido de otras experiencias, radicó en Ensenada, Baja
California, para estudiar oceanología, allí recibió invitaciones para el sacerdocio: “sólo que no me agradaba la idea
de estar encerrado en el seminario ocho años”, y regresó a la capital.
En México, participó en varias compañías teatrales; estudió comunicación y un diplomado en teología para
laicos; más tarde, “entre las colonias, entre la gente trabajadora”, ingresó a la Compañía de Jesús e inició su
recorrido hacia el sacerdocio, estrechando la distancia entre su vida y la vida del beato Padre Pro.
“Leí cuanta cosa me encontraba de Miguel, de la época y sus personajes; sus biografías, sus cartas y su
periodo histórico para tratar de comprender los resortes que movían a Miguel. Me parecía que había un nexo que
llegaba a san Ignacio de Loyola, fundador de los jesuitas, y que por supuesto me tocaba. Es la experiencia que yo
he vivido en la Compañía, el itinerario de Miguel es muy semejante en algunas cosas al mío, desde los años de
formación y en proyectos de apostolado. Empecé a descubrir que lo que nos unía es precisamente esa
espiritualidad de Ignacio de Loyola: la posibilidad de contemplar a Dios en todas las cosas, de trabajar y adaptarte
a las diferentes situaciones que se presentan desde una opción muy clara, desde el seguimiento de un Cristo
pobre, humilde que está trabajando por la vida de todas las personas. Siento que fue ahí donde comencé a
encontrar el parecido”.
Mineros y barreteros
Miguel. Sólo Miguel. El padre Reyes habla del beato como si hubiera hablado con él por la mañana, como si
fuera uno más de los mineros de Pasta de Conchos con los que trabaja en la defensa de sus derechos laborales, y
vuelve a estrechar los 80 años que lo separan del padre Pro: “Su trabajo con los obreros, con los mineros resonaba
en mi experiencia con el trabajo en las maquilas, en las empresas, con los obreros, en sus casas, en donde he
intentado hacerme su amigo”; pero también su celo sacerdotal y su compromiso en hacer lo que en su corazón
sentía como hombre de Dios, al servicio de todas las almas humanas comparten ambos jesuitas.
“Miguel participó en una misión en San Tiburcio, con campesinos sencillos, y años más tarde recordaría que
allí encontró a jesuitas felices entre gente también feliz. Creo que eso era Miguel, una búsqueda de una alegría que
no es superficial, que viene de más adentro y que busca extenderse, alcanzar a los demás”. Pedro Reyes no
dramatiza y revela el vínculo con el padre Pro: “Poco a poco se me fueron descubriendo esos nexos, esas
conexiones hacia dentro”; dentro de su espíritu, del servicio a la Iglesia y a los hombres y mujeres de buena
voluntad.
“Quizá de allí venga esa frase de Miguel: ‘Yo soy barretero: el chalán de los mineros’”, dice Pedro Reyes con
su cabello ensortijado, su sonrisa imperturbable y la mirada como la de un niño, la misma expresión y voz que
utiliza cuando él mismo ayuda a los mineros y busca justicia laboral en las minas de Coahuila, cuando al igual que
Miguel Agustín Pro celebra la Eucaristía y se encuentra con Dios. Convencido, nos persuade casi de que la frase es
de él y no del padre Pro, y que la injusticia no es la de la Cristiada sino la vivida hoy.
Además de los mineros, Pedro Reyes trabaja con electricistas y maestros en corrientes de democratización
sindical, con las disidencias en los sindicatos que buscan exiliar a los líderes charros de su gremio. En el plano
religioso, dentro de la Compañía de Jesús, el padre Reyes pretende seguir estudiando, sobretodo filosofía: “mi
trabajo siempre ha ido hacia este rubro, hacia la filosofía del poder y, desde allí, plantear una manera de
acercarnos a los derechos humanos que no dependa tanto de un marco normativo, y una manera de construir un
mundo más incluyente donde todos tengamos voz y palabra”.
Partidario de las luchas sociales, las conquistas en salud, seguridad, trabajo y derechos colectivos emanados
de la Revolución, el padre Reyes, explica: “Me preguntaron alguna vez si valía la pena recuperar las causas de los
cristeros, pero es muy complejo porque las causas iban desde el levantamiento de los campesinos por acceso a la
tierra, a una vida segura, a la capacidad de celebrar sus fiestas, lo que muchos obispos defendían en México; creo
que las causas que quedaron como más visibles del movimiento cristero ya pasaron, pasó su manera de
entenderse y pasó su manera de defenderse como lo hicieron entonces”.
El padre Reyes prefiere poner los ojos en el presente: “Creo que es importante pensar cómo queremos vivir,
porque de pronto estamos siendo víctimas de un miedo terrible que nos está haciendo tomar otras decisiones o
dejar que otros tomen decisiones por nosotros, que nos están costando hambre, pobreza y miseria que se extiende
cada vez más en el país. El esquema de autoridad después de la Revolución nos convenció de que la única forma
de funcionar era con cuerpos sometidos a la autoridad de un partido o de un grupo gobernante. Aunque creamos
que existe una democracia por la diversidad de partidos, a fin de cuentas el grupo que gobierna sigue siendo
921
chiquito y eso no es una sociedad democrática, no podemos imaginar una sociedad democrática cuando tienes al
60% de la gente por debajo de la línea de la pobreza, es una contradicción en sí misma”.
-¿Cuál fue el reto de representar al padre Pro con todo este antecedente?
-Uno de los retos de representar a Miguel es que es un personaje que está metido en bandos y que lo tienen
capturado en un bando; Miguel fue un hombre en una época muy compleja de la que probablemente entendió poco
porque llegó a México un año antes de ser fusilado y porque la situación misma difícilmente alguien la entendía por
completo. Miguel se vio de pronto en esta situación y buscó en su corazón y su inteligencia qué era lo que él podía
hacer para acompañar al pueblo que estaba viviendo todo eso. Lo que encontró es que podía ser un sacerdote
íntegro, pleno, en serio, metido en donde tuviera que meterse para serlo. Creo que su muerte fue, más que el
resultado de su propia convicción, el resultado de quedarse en medio de fuerzas que no controlaba, tal como se
quedaba el pueblo. Porque por un lado tienes el proyecto político de Calles y del Estado mexicano que estaba en
disputa, que no era un proyecto hecho, porque en ese momento Calles lo estaba peleando y lo hacía a balazos; un
Estado que se defiende con los dientes y que lo hace contra sus propios partidarios, y una Iglesia donde también
hay corrientes distintas. Lo que hay que recuperar es la imagen de este hombre y de muchos otros hombres y
mujeres, que en ese tiempo estaban tratando de ver cómo podían ayudar en medio de la complejidad del
momento. Porque no podemos hipotecarnos a los proyectos políticos de otros, no podemos ponernos a servir a
intereses de grupos, porque tenemos que volver a desarrollar autonomía política en nuestro pueblo, en nosotros
mismos y en nuestras comunidades, para intentar construir una sociedad plural, incluyente, trabajadora. Mi reto
era representar a ese hombre, Miguel Agustín, con ese mensaje para la gente, para los obreros, y decirles que se
puede y se vale echarle toda la vida en eso. Entrevista por: Felipe Monroy

Padrecito El
TITULO ORIGINAL El Padrecito 5.5/10 MB
AÑO 1964
DURACIÓN 128 min.  
PAÍS
DIRECTOR Miguel M. Delgado
REPARTO Mario Moreno "Cantinflas", Ángel Garasa, Rosa María Vázquez,
José Elías Moreno, Angelines Fernández, Rogelio Guerra.
GÉNERO Y CRÍTICA Comedia / SINOPSIS: A un pequeña pueblecito mexicano llega el padre Sebastián
(Cantinflas), joven cura que viene a ayudar a la parroquia del padre Damián. Desde el
principio, el nuevo sacerdote se encuentra con problemas, ya que los habitantes del pueblo
quieren al viejo cura y consideran al padre Sebastián un usurpador. Aún así, Cantinflas irá
ganándose él afecto de la gente. Pero entonces surgirá un nuevo problema, ya que las
autoridades eclesiásticas deciden retirar al padre Damián...
“No te preocupes hija, no hay mal que cien años dure, ni cuerpo que lo resista.”

País de los pozos El


Animación de dibujos MB
Duración: 8 min cada versión
Una historia, sencilla y atrayente, presentada en una parábola. Aborda el proceso profundo
del autoconocimiento y de la liberación interior.
El tema se presenta en dos versiones: la primera la narración de la parábola; la segunda,
solamente con música y efectos sonoros.

Paisajes transformados
TÍTULO ORIG. Manufactured Landscapes 6.7/10 MB
AÑO 2006
DURACIÓN 80 min.
PAÍS Canadá  
DIRECTOR Jennifer Baichwal
GUIÓN Jennifer Baichwal
REPARTO Documentary
GÉNERO Documental | Trabajo/empleo. Contaminación de grandes industrias.
SINOPSIS Aclamado documental -nominado por los Independente Spirit Awards al mejor documental-
que narra cómo el fotógrafo Edward Burtynsky viaja por todo el mundo retratando los cambios
en el paisaje que se producen como consecuencia del desarrollo industrial.
CRÍTICAS Contemplativo, revelador e interminable, el filme eterniza sus logros en un cruce entre
docudrama sobre la explotación laboral (...) y 'power point' sobre las mejores fotos del año
“Paisajes transformados” es un documental sobre el trabajo del internacionalmente reconocido artista Edward
Burtynsky. La película le sigue en su viaje por China mientras fotografía la evidencia y los efectos de la masiva
revolución industrial del país. La presa más grande del mundo, las fábricas kilométricas y la sobrecogedora
renovación urbana de Shanghai son algunos de los temas que captura la lente de su cámara en este documental
que nos hace meditar sobre nuestro impacto en el planeta.
Documental que muestra cómo el hombre ha modificado el paisaje a niveles extremos donde ya no existe siquiera
un vestigio del ambiente natural existente antes de la intervención. Una cinta que grafica la discordia entre
922
desarrollo económico y relación con el medio natural. Disfruten de la impresionante fotografía y los temas a
reflexionar luego de observar el resultado de nuestro sistema de vida.
Durante el desarrollo del relato, la directora canadiense Jennifer Baichwal le ofrece a los espectadores un
documento fílmico basado en fotografías a gran escala tomadas por el reconocido fotógrafo Edward Burtynsky, que
retrata las consecuencias de la fuerte revolución industrial de China con la intención de generar en el público la
necesidad de replantearse cada una de sus acciones, tanto individuales como colectivas.
A pesar de que Paisajes transformados plantea problemas derivados de la industrialización y la globalización, los
productores de la película han procurado mantenerse al margen de las críticas y/o los elogios respecto a los
desarrollos industriales que han retratado.
De esta forma, los espectadores podrán ser testigos del impacto en el planeta a través de una serie de entrevistas,
de imágenes tomadas en las regiones más industrializadas y contaminadas de China y de paisajes capturados en
vivo por la directora, donde pueden apreciarse tanto las grandes fábricas asiáticas, como así también la basura y
las actividades de reciclaje de ese país, entre otros.

Paisito
TITULO ORIGINAL Paisito 5.8/10 MB
AÑO 2008
DURACIÓN 88 min.  
PAÍS España  
DIRECTOR Ana Díez
REPARTO Emilio Gutiérrez Caba, María Botto, Nicolás Pauls, Mauricio Davub,
Viviana Saccone, Pablo Arnoletti, Pía Rodríguez, Andrea Davidovics.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Represión dictadura en Uruguay.
SINOPSIS: Nada más pisar la tierra de sus padres, Xavi, el nuevo fichaje del Osasuna de
Pamplona, se da de bruces con el pasado. A sus treinta y tantos acaba de poner por primera
vez los pies fuera del Paisito y se reencuentra con Rosana que, entre el amor y el odio, se
ha pasado veinte años esperando que Xavi viniera a buscarla y le explicara sus recuerdos de
aquel Uruguay de 1973. Aquel Uruguay en el que su famosa democracia y sus millones de
cabezas de ganado no podían ocultar el descontento del pueblo, la corrupción endémica de
los políticos, los tupamaros, los milicos o el golpe de estado que ya se sabe que van a dar.
En medio de todo aquello, el padre de Rosana y el de Xavi no querían otra cosa que
proteger a sus hijos y vivir una vida consecuente con sus ideas... y ver fútbol, claro. Porque
en el Paisito el fútbol lo es todo, incluso en tiempos de guerra.
Una película muy pulcra con aliento de memoria histórica (quizá demasiado verbalizado), a
la que sólo le sobran un par de tentativas líricas.
La cuidada ambientación y el buen hacer de los actores ponen intensidad, emoción y
reflexión a la parte más lejana de un relato convincente y eficaz, desequilibrado si acaso por
las reiteradas y desangeladas incursiones en el presente
Memoria del golpe militar uruguayo de 1973.
El hombre llega al aeropuerto español. El hombre se llama Xavi, un discreto Nicolás Pauls y es un futbolista
treintañero que ha fichado por el Osasuna de Pamplona como estrella al límite, tras permanecer toda su vida en Uruguay.
Es el final, y la consumación, de su vida deportiva. En su primer entrenamiento, descubre la presencia de Rosana, María
Botto que tampoco supera la discreción, su antigua amiga de infancia en el Uruguay pre y post golpe militar de 1973.
Todo el film será el montaje alterno entre secuencias de la infancia uruguaya y determinados instantes de conversaciones
presentes y españolas, hasta concluir que el pasado, en tantas ocasiones, esconde heridas imposibles de restaurar. Sobre
todo si se trata de heridas resultantes de componentes sociales, ideológicos y en fin, políticos. La historia tan cruel ella,
no pasa en balde. Cuando pudo ser no fue. Ahora, junto a esa dulce nostalgia que reúne a Xavi y Rosana en la cama, ya
no puede ser. El tiempo es más imponente que la memoria benévola.
Ana Díez (Tudela, Navarra, 1955) es una mujer que se ha formado profesionalmente en México en el centro de
Capacitación Cinematográfica Luis Buñuel, y más tarde, tras unos cortometrajes exitosos, realiza varios films, entre los
que destacamos Ander eta Yul (1989), Goya a la mejor dirección novel. Siempre interesada por las situaciones históricas
críticas, un día comienza a trabajar el guión que le presenta uno de sus alumnos en un máster universitario de esta
disciplina cinematográfica, Ricardo Fernández, que acabará, tras una serie de extrañas coincidencias, en este Paisito que
nos ocupa. Y que, mediante el boca a boca, se ha convertido en un pequeño éxito de esta temporada que ahora finaliza.
La victoria de la belleza de lo mínimo.
Resulta que el golpe militar de 1973 en Uruguay, apenas mereció la atención de los medios internacionales, al
revés de lo sucedido con los de Argentina y Chile, entre otros del momento en Latinoamérica, si bien ya la CIA comenzó a
urdir en Montevideo la trama que se consumaría en el desastre de los desaparecidos y en las fosas comunes. Paisito,
mediante la historia de ese amor reencontrado en la España actual, nos centra en las entretelas de tal golpe, en su
callada gestación, pero sobre todo en las terribles consecuencias de toda contienda civil cuando montoneros y militares
entraron en un conflicto a muerte por el dominio del país, desde perspectivas diferentes en las intenciones pero no en las
formas, siempre impiadosas. Y la verdad es que el film encuentra en esta descripción de tal crack nacional sus mejores
momentos, sobre todo por una extraña serenidad y espontaneidad con la que se suceden las imágenes en función de unos
personajes absolutamente creíbles. Unos hombres y mujeres que conforman las familias de Xavi y Rosana, entonces
niños, silenciosamente en conflicto radical. Hasta la tragedia. Hay que dejarse llevar, sin más, por el relato sencillo y un
tanto escueto de los acontecimientos, con unos diálogos de altísima envergadura en su evidente cotidianeidad. Se trata de
seres elementales, como el film, a los que la vida ha colocado en un volcán explosionado prematuramente, tal vez.
El matrimonio Severgnini, Roberto y Ana, encarnados por dos plausibles actores que dan el tipo exacto que deben
de comunicar al espectador y a su personal historia, (Mauricio Dayub, Viviana Saccone, respectivamente) él, director de la
policía nacional y ella, ama de casa altiva y distante, entrarán en colisión con esa otra pareja formada por Manuel y
Dolores, un excelente Emilio Gutiérrez Caba en el papel de exiliado español que se dedica al negocio del calzado, y su
esposa, esa Andrea Davidovics que nos traslada a otro tipo de mujer mucho más popular y sencilla. La pequeña Ana será
hija de Roberto y su esposa, mientras que el joven Xavi será objeto de la pasión del matrimonio más elemental pero no
menos sagaz. Y en tanto que unos y otros están pendientes de sus respectivos equipos como sustrato dominante en la
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presión sociopolítica que avanza en el país, se abre paso la acción militar y política que implica a todos ellos,
reproduciendo, un tanto perversamente, el esquema de nuestra Guerra Incivil, tan presente en la memoria de Manuel,
ahora vinculado a los grupos montoneros. Roberto, por su parte, será víctima propiciatoria de los radicales de su propio
ejército por su aparente debilidad ante la situación. Ambos mueren, así, víctimas de unos compañeros de camino
implacables en sus métodos. Toda una lección.
Unas imágenes en el bosque cuando la persecución de los montoneros a cargo de los militares, borrosas e
inseguras, diferentes a cuantas utiliza Ana Díez, nos permiten abrirnos a la confusión reinante en el momento del golpe y
sus correspondientes traiciones y brutalidades. Porque en toda confrontación incivil siempre se producen momentos
absolutamente indefinidos, cuando los más radicales imponen sus criterios en virtud de su fuerza bruta. Otra cosa es que,
al cabo, resulten eliminados por los silenciosos políticos de turno. Exactamente como sucedió en 1981 en España. Manuel
y Roberto, el pueblo y la milicia, tienen ideales, pero no ostentan esa brutalidad necesaria para imponer sus tesis de
forma absoluta. Otros sí. Y tales otros acaban con ellos sin dudarlo un instante. El Paisito, tan pequeño y tan dejado de
lado en el mundo, acaba en una feroz dictadura militar sin que apenas le concediéramos importancia alguna. Y es que
Uruguay cuenta poco. Así de sencillo.
Xavi y Rosana, tras el caos, tomarán caminos diferentes: ella viajará a España, recorriendo un espacio de desprecio
y permanecerá en el país de acogida, pero Xavi, menos fuerte que Rosana y mucho más acomodaticio, permanecerá en
Uruguay, haciéndose partícipe del atontamiento ciudadano como estrella rutilante del universo futbolístico. Cuando
aterrice en territorio español, será el final de su carrera, cuando su país/paisito ha recuperado la libertad, aunque
permanezca completamente desconocido en la plural y siempre desconcertante geografía latinoamericana. Como hemos
dicho, el reencuentro se hará difícil: la mujer desea que ambos a dos hagan memoria, pero el hombre, el futbolista ya en
decadencia, no quiere oír hablar tan siquiera de la tragedia vivida. Es un jugador de fútbol y nada más. Y por esta razón,
entre ambos, se establece la reja que sirve de frontera al campo de juego, como signo de separación icónica de dos vidas
diferentes desde el comienzo.
La directora ha declarado en muchas ocasiones que la memoria histórica está en el cogote de su película, como
referente necesario: mientras no se solucione esta compleja cuestión, un país nunca acabará de vivir en paz consigo
mismo. Pero tras contemplar las imágenes de la película que nos ha ocupado, tan bella en su minimalidad, uno llega a la
conclusión de que pedirle perdón a la propia historia es casi una inutilidad, porque lo que sucedió, está sucedido para
siempre. Debemos intentar, mejor, que no llegue a suceder jamás. Es decir, que las pasiones destructivas en su
prepotencia no lleguen a desatarse como excusa para la paz, la libertad y la justicia. Porque todo suele comenzar por ahí.
Parece mentira. (Cine para leer)

Pajaritos y pajarracos
TITULO ORIGINAL Uccellacci e uccellini 7.3/10 MB
AÑO 1966  
DURACIÓN 87 min.  
PAÍS
DIRECTOR Pier Paolo Pasolini
GUIÓN Pier Paolo Pasolini
REPARTO Totò, Ninetto Davoli, Femi Benussi, Rossana Di Rocco
GÉNERO Y CRÍTICA Comedia. Denuncia social humorística sin gracia.
SINOPSIS: Un hombre mayor y su hijo pasean caminan por unos míseros arrabales. Entre
insólitos encuentros aparece un cuervo que habla y San Francisco, que les manda predicar a
halcones y palomas.
Pasolini muestra sin tapujos su carácter comprometido y su militancia comunista y cristiana
en esta bienintencionada pero rancia comedia al servicio de su particular ideario. Como
relato propagandístico resulta demasiado discursiva, y como comedia costumbrista no logra
la fuerza ni el ingenio de las obras de su contemporáneo y compatriota Fellini. Una comedia
política y social que, quizá, ha resistido mal el paso del tiempo.
Delirante fábula, con claras connotaciones políticas. Sin duda, la comedia más divertida y
ácida del genial Pasolini y el mejor trabajo interpretativo de Totò.
Junto a El evangelio según San Mateo, ésta es la otra gran película de Pier Paolo Pasolini, una fábula con
forma de cuento moral que se adelantó al famoso compromiso histórico italiano, en torno a como unir catolicismo
y marxismo. La película es un recorrido que hacen un padre y su hijo por los caminos italianos, a los que se les une
un cuervo parlanchín que da su opinión de todo. Entre los personajes que se van encontrando está San Francisco
de Asís, personaje por el que Pasolini, marxista convencido, sentía una profunda admiración. Las exhortaciones
que Pasolini pone en boca del Santo, son las mismas que el Papa Pablo VI pronunció en el Congreso General de las
Naciones Unidas meses antes de que se rodase esta película. El filme contiene también sus guiños cinéfilos, pues
el personaje que interpreta Totó, tiene bastantes reminiscencias de Charlot, la genial creación de Charles
Chaplin.
Cuenta "Pajarracos y pajaritos" con dos elementos excepcionales: por un lado, la fotografía de Tonino Delli
Colli; por otro la inconmensurable actuación de Antonio De Curtis, Totó, y Ninetto Davoli, en el filme dos seres
humildes que han reducido a cenizas su capacidad de asombro, de maravillarse, dos seres a los que el discurso
teórico de la ideología (representado en el filme por un cuervo parlante) no impresiona, sino por al contrario
satisfacen con ella algo tan primordial como el hambre, en un trasunto de índole anárquica, propio al fin de
Pasolini, quien daba por muerto al marxismo a mediados de la década de los sesenta.
Obra aclamada por los expertos, es una muestra social humorística muy personal, como de teatro popular, improvisado.
Está llena de interpretaciones políticas, las más directas se encarga de proclamarlas el cuervo que acompaña al padre y al hijo, en
una absurda caminata por campos y caminos.
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El estilo teatral tiene que gustar al espectador para valorarlo; en este comentario cabe y se respeta a aquellos que logren captar los
símbolos y las gracias, y que les guste la labor del protagonista, Totó, y, en general, esta especie de fábula.
Personalmente la gracia brilla por su ausencia; las situaciones son kafkianas pero sin ahogos, más bien ridículas.
Los pobres que se comen los nidos de golondrinas porque no tienen otra cosa y al recaudador, por tanto, le echa los perros el
terrateniente, es de un humor muy patético.
Los horizontes sin finales; las líneas de gente que terminan en manifestaciones de duelo aparecidas porque sí; los diálogos tan
memos; la muchacha en la cuneta como objeto de deseo… puede que tenga su público… Pero…

Palabra La (Ordet)
TITULO ORIGINAL Ordet 8.5/10 MB
AÑO 1954  
DURACIÓN 125 min.  
PAÍS Dinamarca
DIRECTOR Carl Theodor Dreyer
GUIÓN Carl Theodor Dreyer (Obra: Kaj Munk)
REPARTO Henrik Malberg, Emil Hass Christensen, Preben Lerdorff Rye,
Cay Kristiansen, Brigitte Federspiel, Ann Elizabeth, Ejner Federspiel.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Loco se cree Jesús y habla y actúa como él.
SINOPSIS: Una pequeña comunidad de la Jutlandia occidental, hacia 1930. El viejo Morten
Borgen dirige la granja de Borgensgaard. Tiene tres hijos: Mikkel, Johannes y Anders. El
primero está casado con Inger y tiene dos hijas pequeñas, aunque en estos momentos
Inger está embarazada y esperan el tercero. Johannes es un antiguo estudiante de teología
que, por haberse imbuído en sus estudios (sobre todo en Kierkegaard), e identificarse
constantemente con la figura de Jesucristo, es considerado por todos como un loco. El
tercero, Anders, está enamorado de la hija del sastre, líder intransigente de un sector
religioso rival. Tal circunstancia revitaliza la discordia que siempre ha existido entre las dos
familias, ya que ninguna ve con muy buenos ojos que sus hijos contraigan matrimonio. Sin
embargo, Morten Borgen decide ir a casa del sastre para exponerle la situación y tratar de
convencerle con el fin de que disminuya su intransigencia. La tentativa termina en un gran
fracaso, y las familias quedan más enfrentadas, si cabe. Durante la charla que ambos
padres mantienen, suena el teléfono: es Inger que está dando a luz. Morten y su hijo se
apresuran a retornar a su casa y se encuentran al doctor, que les expone las dificultades
que está teniendo para llevar a buen fin el alumbramiento, ya que el niño está muerto y va
a ser difícil salvar la vida de Inger. El viejo Borgen reza, pero sus peticiones no surten
efecto: Mikkel, apesadumbrado, anuncia a todos la muerte de su esposa…
Considerada como una de las obras claves del cine, la película de Dreyer supuso una
pequeña "revolución" en la cinematografía europea, tanto por su utilización del movimiento
y del blanco y negro, como por su trascendencia e impacto en la crítica que supuso su
temática: el conflicto religioso.
En esta película se desarrollan varios temas de contenido religioso, entre ellos el de la fe. Para los que
creen, el milagro es todavía posible, parece decir Dreyer. Lo que hace falta es creer que se puede producir. La
película plantea también otros temas, como el enfrentamiento y la coexistencia entre la fe y la ciencia.
También se plantea el enfrentamiento entre las diversas formas de concebir la fe.
Tratamiento de la fe cristiana
Cada uno de los tres hermanos personifica una posición diferente con respecto a la fe. El mayor,
Mikkel, es un hombre bueno incapaz de creer en Dios. Johannes simboliza la fe por encima de la razón
y para Anders, el amor supera las diferencias religiosas. En otros personajes vemos más perspectivas:
el pastor que representa la fe desde la teología; Inger, la esposa de Mikkel, desde la bondad; y una de
sus hijas, desde la inocencia de los niños. Para el médico, la ciencia está por encima de la religión.
La película muestra las convicciones religiosas no como algo superficial, sino como un elemento
trascendental para los protagonistas e inseparable de sus vidas. Invita a cultivar la espiritualidad como
parte fundamental que es del ser humano y no como un complemento. Jesús fue muy contundente con
respecto al compromiso que debemos tener: “El que echa mano al arado y sigue mirando atrás, no vale
para el Reino de Dios” (Lc 9,62).
Los padres de los dos pretendientes son de ramas diferentes del luteranismo, que acaban
entendiendo que ante la grandeza del amor de Dios, poco valen nuestras diferencias humanas.
Ordet no es una película para quien no tenga un cierto compromiso con el cine como vehículo de
satisfacción espiritual. No me estoy refiriendo al cine como transmisor de valores o al cine como mero
espectáculo de masas que se mueven en busca de un propósito o el cine como caramelito para endulzar las
mañanas dominicales con la familia.
Ordet es una evidencia de que los milagros existen: de que el comportamiento humano se ajusta a
unos cánones espirituales y que hay directores que tienen la suficiente sensibilidad (y la adecuada maestría)
para explicitar con unos elementos mínimos una filosofía, un metafísica.
Los Borgen, una familia campesina amantísima y políticamente correcta, aboca su vida de retiro
bucólico a la fatalidad por un hijo obsesionado por la religión. Hay una resurrección que no sabemos si se
atiene a la eficaz lectura de la palabra de Dios o a un salida de guión del danés Dreyer, que era un creyente
de tomo y lomo y escribía guiones como quien hace una pastoral o eleva su cántico para que Dios le dé
cuartel y oiga su súplica. El padre es el referente religioso familiar y de alguna forma transmite a su hijo
mayor esas preocupaciones: Johannes lee como un maníaco a Kieerkegaard y se cree, por momentos,
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Jesucristo . Ordet ( La palabra ) cuenta lo que todos sentimos con independencia de nuestra filiación moral.
La mía, por demás escasa, cuando no, nula, se dejó llevar por la apastelada voz de Johannes y consentí el
rubor de la fe aunque fuese por dos escasas horas.
Tener fe, entiéndase, no obedece estrictamente a mandato o devoción religiosa. Tampoco esta reseña
se ha propuesto hacer un ensayo sobre las profundidades del alma humana. No es el lugar y no hay ni
empeño ni conocimiento en el tema para llevar ninguna tesis a ningún puerto.
La fe que profesan los Borgen, en general, es una fe utilitarista: convenida para afrontar los embites
del día, la dureza del campo, la peregrina sensación de que otro mundo mejor probablemente pueda existir.
El único que en verdad cree es el loco, el iluminado, el lector voraz que todo lo transmuta en obediencia
ciega a la palabra.
Dreyer filma como si de una representación teatral se tratase: en muy pocas ocasiones, que yo
recuerde, una cámara es un espectador cómodamente sentado. Es cine teatral sin otra traba que el diálogo
fluido de todos los personajes. Esta cámara es la que, sin embargo, también deambula por los estrictos
límites de una habitación cuando lo que en esa habitación pasa es relevante para el desarrollo de la, por otra
parte, muy escasa ( argumentativamente ) trama. Hay una escena en la que el doctor y Johannes se
ensarzan en una acaloradoa discusión teológica. Uno conmina que la fe es la salvación del mundo y el
médico, lastrado por su laicismo militante, cientifista, arguye que el mundo se salvará por la acción política y
por el materialismo crítico. Todo eso bien pespuntado por el movimiento de la cámara, que nos hace
involucrarnos de una forma absoluta en el pensamiento de cada púgil en este combate místico.
El espectador de esta película tiene conciencia de que este cine está fuera de toda jerarquía: que más
que función cinematográfica está asistiendo a una revelación moral dispuesta como si fuese una película, un
concatenado razonado y lógico de fotogramas. Quien haya colocado el cine como un modo de vida deben ver
Ordet al menos una vez en la vida. Este cronista no asevera que cada espectador se deje invadir por la
sutilidad de su propósito. Habrá quien vea el numen y habrá quien, teniéndolo enfrente, no lo perciba. Al fin
y al cabo, razono, la fe es eso. O se cree o no se cree. El cine es eso: o estás dentro o únicamente te
entretiene.
La palabra, el verbo, se hizo carne lúcida, vértigo de ideas.
Otro aspecto muy a considerar es la belleza de las escenas que suceden extramuros: el viento agitando
el maíz, la modestísima coreografía de las nubes.... Esos detalles enfrentan la naturaleza mental del film ( la
religión, la redención, la carne, la salvación, el milagro que sabemos que va a llegar en cualquier momento )
y la el orden secreto del universo, que no precisa cánticos, rezos o digresiones morales para emocionar.
Es preciso insistir en el halo de sentimiento puro que exhala todo el film. Dreyer está ebrio de vida.
Ordet es un monumento absoluto al cine con mayúsculas, un hito, un verdadero tributo a la naturaleza moral
del hombre por encima de sus desviaciones, de sus pecados y de su errática permanencia en el mundo.
Addenda: Ordet es una película extrema en muchos sentidos. O se considera una obra de arte, tal es
mi opinión, o un coñazo, una broma pesada, un exceso insoportable. Si no se ve, como siempre pasa, no se
puede opinar, así que opinen, búsquenla, dense el gustazo de tener vela en este entierro.
Critica de "Ordet. La palabra" publicada el 2007-02-12 Emilio Calvo de Mora
Artículo: Las 15 mejores películas cristianas de la historia

Palestina-Israel: Dos pueblos condenados a entenderse. Diario de viaje


Hugo Rojas, 48’ (Documental periodístico) MB
El documental, narrado en primera persona, muestra los pasos y las vivencias de un reportero hasta alcanzar
el objetivo de mostrar una realidad concreta.
La cinta está dividida en tres partes. La primera arranca describiendo los trámites para entrar en Israel y
acreditarse como periodista. Recoge diferentes escenas de la vida israelí, como la extrema seguridad existente,
pasando por un atentado en el centro de Jerusalén o las reacciones que se producen al día siguiente. Esta primera
parte cambia de tercio y se sitúa en los territorios palestinos en busca de historias sobre la ocupación israelí en la
ciudad de Ramalla.
La segunda parte se centra en la Franja de Gaza y cuenta la realidad en la que vive su población, que soporta
las operaciones militares realizadas por los israelíes. Contempla la situación durante la ocupación del norte de Gaza
por parte de los tanques hebreos y su posterior retirada, dejando viviendas, campos de cultivo e infraestructuras
destruidas. En esta parte también se realiza el seguimiento de una ONG que trabaja en la zona: el Movimiento por
la Paz, el Desarme y la Libertad.
La tercera, y última parte, se sitúa en el muro de separación, que construye Israel, de norte a sur del país,
partiendo los distintos pueblos en dos mitades. Una construcción que a su paso por Jerusalén separa barrios
palestinos, lo que supone que familias enteras se queden aisladas. Los minutos dedicados al muro reflejan la rutina
diaria de niños, mujeres y hombres para ir al médico, trabajar, estudiar, comprar o visitar a su familia.
El final del documental se centra en un largo viaje por carretera hasta el pequeño pueblo de Dura, cerca de
Hebrón. Su alcalde narra cómo trascurre la vida con aparente normalidad bajo la ocupación israelí, y nos guía por
las escuelas, las calles reconstruidas, los centros de ocio y los bloqueos de carretera. Tras la visita, la última
parada es Hebrón, donde se detiene para explicar las singularidades de esta ciudad.
El documental se cierra con imágenes sobre un montaje musical.

Pan negro
TÍTULO ORIG. Pa negre 6.9/10 MB
AÑO 2010
DURACIÓN 108 min.
PAÍS España  
DIRECTOR Agustí Villaronga
926

GUIÓN Agustí Villaronga (Novela: Emili Teixidor:


Biblioteca Fe y Vida 3 Textos de Literatura\Novelas contemporáneas)
REPARTO Francesc Colomer, Nora Navas, Roger Casamajor, Marina Comas,
Laia Marull, E. Fernández, Sergi López, Lluïsa Castell, M. Arànega,
Marina Gatell, Elisa Crehuet, Joan Carles Suau, Jordi Pla, Pep Tosar
PREMIOS 2010: Festival de San Sebastian: Mejor actriz (Nora Navas)
2010: 9 Premios Goya, incluyendo Mejor película, director y actriz. 14 nominaciones
GÉNERO Drama | Años 40. Posguerra española. Vida rural. Infancia
SINOPSIS Durante los duros años de la postguerra, en una zona rural de Cataluña, un niño llamado
Andreu, cuya familia pertenece al bando de los perdedores, encuentra un día en el bosque los
cadáveres de un hombre y su hijo. Las autoridades sospechan de su padre, pero Andreu
intentará encontrar al culpable. En estas circunstancias, se produce en Andreu el despertar de
una conciencia moral que se opone a la mentira como instrumento del mundo de los adultos.
CRÍTICAS El poderío visual y la expresividad de Villaronga hacen creíble, desgarrada y lírica esa
brutalidad ambiental. Es una película dura y compleja, realista y perturbadora. Deja poso.
La primera escena resulta sencillamente genial. Brutal. Su poca habilidad de narrador resta
eficacia e impacto a la indudable y turbia imaginación visual del cineasta.
Villaronga se atreve con secuencias arriesgadas desde todos los puntos de vista. Le impone un
ritmo y un tono absolutamente clásico y a la vez moderno.
Una historia impecablemente llevada a la pantalla, pero también una mezcla de géneros que
desorienta y no funciona.
No hay que confundirla, bajo ningún concepto, con Otra película sobre nuestra posguerra.
Película de avasalladora riqueza.
Un relato cuya increíble riqueza atmosférica queda establecida desde la apabullante secuencia
inicial.
Está a la altura de lo mejor de Villaronga. El mérito mayor es su justeza narrativa. Y la justeza
de su tono, pluscuamperfecta evocación de época. El reparto redondea la jugada con altísimo
nivel.
Una de las más agudas revisiones de la guerra española que se haya filmado.
Cuando en la secuencia conclusiva del film, el joven Andreu, interpretado por un excelente Francesc Colomer,
abandona a su madre para reincorporarse a su clase en el colegio de religiosos donde se educa a los defines de la
burguesía local, en plena postguerra española y con su impoluto uniforme colegial, comprendemos hasta qué punto un
exagerado dolor acumulado durante años en el corazón de un niño, puede acabar por convertirlo en traidor a su propia
clase social, para evitar, precisamente, permanecer en unas aguas turbias como las de la miseria pero también las de la
mentira, el odio y la venganza. En sus comunicantes ojos, Andreu nos dice que ya está bien, que si todos participan del
pecado común, entonces mejor será estar en el bando de quienes tienen dinero, comida y futuro que en ese ámbito
familiar de los perdedores eternos.
Éste es el autentico destrozo del que tantas veces se habla al comentar este film del mallorquín Agustí Villaronga, y
no otro cualquier destrozo: el destrozo de haber visto la realidad y entender, egoísticamente, que es necesario optar y
salvarse de la quema. Y la quema es su pobre familia, sus pobres amigos, sus pobres camisas, sus humillaciones sociales,
las cárceles de su padre, las muertes por obra y gracia de los poderosos de turno. Sí, éste es el destrozo terrible en el
espíritu del joven Andreu, quien hace muy pocas cosas pero mira y mira y mira sin descanso la película que sus mayores
desarrollan ante su desconcertada mirada, hasta rendirse exhausto al poder del poder, a un futuro mucho más allá del de
su madre Florencia, encarnada por una magistral Norma Navas. Y de esta manera, puede llegar a pensar ese mismo
Andreu, el asesinato de su padre Farriol, un intensísimo Roger Casamajor, acabará por tener sentido: conseguirá darle la
vuelta a la situación desde arriba, desde quienes lo han fusilado. Entonces, tal vez se diga Andreu, no se trata de traición
sino de previsión: desclasarse para, más tarde, poder golpear desde dentro al universo en que el que se ha inserto como
una mariposa en su corcho. Otra cosa es que, después de gozar de las virtudes del corcho, la mariposa recupere el
entusiasmo por el vuelo libre y arriesgado. Veremos.
El antiguo alumno de los jesuitas mallorquines en el Colegio de Montesión de Palma de Mallorca, ya entonces
entusiasmado por las humanidades desde una peculiar forma de contemplarlas, fan de lectura y escritura, ha conseguido
con ésta su séptima película, de encargo y siguiendo el guión básico de la novela homónima de Emili Teixidor, dar el
campanazo en el Festival de San Sebastián de este mismo 2010, al hacerse con la Concha de Plata a la mejor Actriz, la ya
citada Nora Navas, pero sobre todo al merecer el aplauso de la crítica especializada, quien hubiera deseado un premio de
mayor envergadura.
Era la película más personal, intensa y significativa de cuantas se presentaban. Una historia del mismo Agustín
Villaronga, sobre la obra literaria antes comentada, en torno a un niño de un perdido pueblo catalán en la postguerra
española que, tras contemplar el asesinato de dos personas en el cercano bosque, siente la comezón de descubrir a los
verdaderos culpables, toda vez que se acusa a su propio padre del brutal hecho. Y a lo largo y ancho de tal búsqueda,
descubrirá toda la podredumbre que se oculta en y entre sus conciudadanos (comenzando por su propia familia) pero
también el espíritu de venganza tras la contienda incivil, la implantación de la lucha de clases (ese matrimonio de los
Manubens, señores del pueblo porque son los más ricos y con amistades en los vericuetos del Régimen, quienes mueven
los hilos de las pequeñas pasiones populares y que acabarán acogiéndole como el hijo que nunca tuvieron, en un gesto,
para colmo, de caridad cristiana…), y en fin, descubrirá el misterio de la vida, del amor y de deseo en la persona y en la
carne de su amiga Nuria, una menos convincente Marina Comas, hasta decidir que lo mejor es aceptar la oferta de los
aeñores Manubens y convertirse en un futuro señorito del lugar.
Todo esto contado con el espíritu de un fortísimo melodrama, con ribetes de thriller y no menos con
incorporaciones coyunturales de naturaleza fantástica. Una mezcla un tanto exhaustiva de géneros, pero siempre en
función de cercar al espectador y provocar en el mismo ese terror interior e íntimo que padece el joven Andreu al conocer
lo que siempre le estuvo secreto: la verdad de los adultos, que conduce a un universo monstruoso, tanto que será capaz
de situarlo, al final, en la mesa de los vencedores, desclasado, ambicioso, cruel, puede que como primera parte de un
plan sumergido en su inconsciente infantil. Es una historia terrible. Es una de las más agudas revisiones de la guerra
española que se haya filmado. Es dejar que caiga la losa de la putrefacción sobre la generación nacida en la postguerra, y
que acabaría por llevarnos a la democracia. Pero, ¿qué democracia?
Pero si la articulación narrativa del film es suficientemente satisfactoria, con alguna duda sobre las secuencias de
naturaleza fantástica porque pudieron evitarse sin detrimento alguno para el desarrollo de la acción, la formalidad estética
de esta historia desoladora y cruel como todos los films de Villaronga, alcanza un grado de sutileza, de madurez y de
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creatividad pocas veces conseguidas por cualquier otro realizador español, Nuestro director consigue, con la estrecha
colaboración de Antonio Riestra a la Fotografía, de Ana Alvargonzález a la Dirección Artística y de José Manuel Pagán a la
Música, además del definitivo montaje de Raúl Román, crear un mundo pueblerino cerrado sobre sí mismo, oscuro,
mediocre, donde la sospecha abunda y las palabras silenciosas dominan un ambiente dominado. Todo es cutre, con
especial relevancia de las visitas del joven Andreu con su madre a la cárcel donde está su padre Farriol: unos pobres e
impotentes seres humanos, carne de carroña, de los que el cosmos se hubiera olvidado para siempre. Villaronga consigue
así una escenografía opresora y entristecedora, donde solamente destacan, por inusuales, los detalles de la casa burguesa
de los Manubens, sus viandas exquisitas, sus criadas impolutas, sus señores al margen de tanta pobreza y ruindad como
discurren por el afuera de sus vidas. Pero manejándolo todo y aprovechándose de todos. Grandísima creación artística en
clave estética y, en definitiva ética: veremos lo que es.
Agustí Villaronga consigue, de esta manera, llevar adelante una obra cinematográfica completamente anormal en la
cinematografía española y europea del momento, si bien en este caso debiera obedecer las consignas de los productores
en torno al carácter asequible del film, en lugar de retornar sobre sus intenciones personalísimas, siempre de enorme
sutileza tanto formal como contenurística. Ahí están las excelentes Tras el cristal (1985) y El mar (1999) para
demostrarlo. Películas completamente cerradas sobre sí mismas, pero siempre comunicadoras de unos paisajes anímicos
y culturales de enorme envergadura. Porque Villaronga reflexiona con extraordinaria lucidez sobre lo que lleva entre
manos, y su cine trasciende el mero oficio para alcanzar el ámbito de la creación estética y ética. Desde una pena íntima
que el mismo director acumula y que nosotros somos incapaces de descubrir y definir.
Mucho mejor la segunda aparte, más personal, he aquí un film a visionar sin excusa posible. Y desearle a Villaronga
que encuentre productores interesados por una forma de hacer cine que se debate entre la agonía formal y el cerco
económico. Vale la pena intentarlo. (Cine para leer)

Pan y rosas
TITULO ORIGINAL Bread and Roses 6.7/10 MB
AÑO 2000
DURACIÓN 110 min.  
PAÍS GB
DIRECTOR Ken Loach
REPARTO Pilar Padilla, Adrien Brody, Elpidia Carrillo,
George López, Alonso Chávez
PRODUCTORA Coproducción GB-Alemania-España.
GÉNERO Y CRÍTICA Drama. Limpiadoras inmigrantes luchan en USA por sus derechos.
SINOPSIS: Maya y Rosa son dos hermanas mexicanas que trabajan, en condiciones de
explotación, como limpiadoras en un edificio de oficinas del centro de Los Ángeles. Un
encuentro con Sam, un apasionado activista norteamericano, cambiará sus vidas. Sam las
ayuda a tomar conciencia de su situación laboral, para que emprendan una campaña de
lucha por sus derechos. Pero este combate las pone en peligro: pueden perder su trabajo y
ser expulsadas del país.
FICHA DIDÁCTICA
1. OBJECTIVOS PEDAGÓGICOS
􀂃 Analizar las condiciones laborales y civiles que se encuentran los trabajadores migrantes de los países del sur cuando
llegan a los países del norte.
􀂃 Reflexionar sobre los riesgos, dificultades y contradicciones que se plantean en la defensa de los derechos laborales
de los trabajadores inmigrantes.
􀂃 Reflexionar sobre el rol jugado por las mujeres migrantes de los países del sur en el mantenimiento de sus familiares
en el país de origen.
2. CLAVES DE TRABAJO
El tema fundamental que plantea esta película es la de las condiciones laborales de las trabajadoras y los
trabajadores inmigrantes de un país como México en uno del Norte, como EEUU, y la de la lucha por organizarse y
defender sus derechos y una vida digna. Tras el proceso de empobrecimiento de las poblaciones de muchos países del
sur una gran cantidad de personas se ve obligada a desplazarse hacia el norte en busca de un trabajo. Se trata de mano
de obra barata cuyas condiciones de ilegalidad permiten su explotación.
Esta película, analizada desde un punto de vista de las relaciones Norte - Sur, ayuda a entender buena parte de las
migraciones de personas de los países del sur hacia los países del norte en busca de trabajo. La situación retratada en la
película para el caso de México-EEUU podría trasladarse perfectamente hacia Turquía-Alemania o Marruecos-España.
Algunos de los temas que pueden plantearse a partir de la película son:
􀂃 Las condiciones de la emigración y la forma de entrar clandestina e ilegalmente a los EEUU. Sabiendo que es una
mano de obra necesaria, el hecho de canalizar su flujo de este modo permite mantener a los trabajadores y las
trabajadoras en una situación de constante indefensión y falta de derechos, lo que, obviamente, les hace mucho más
vulnerables frente a sus patrones.
􀂃 Las características de las condiciones laborales de los trabajadores inmigrantes en comparación con las de los
trabajadores autóctonos que anteriormente ocupaban sus puestos: disminución salarial; situación de inseguridad
jurídica; abuso y arbitrariedad por parte de la patronal; faltas de respecto y humillaciones; obstáculos para la
sindicación y la defensa de sus derechos, falta de seguro médico, etc.
􀂃 El recurso a trabajadores inmigrantes de países del sur aparece claramente como parte de una estrategia empresarial
para reducir salarios, pero también para acceder a una mano de obra vulnerable, no sindicada, y que puede actuar
como competencia frente otros trabajadores, o frente a cualquier intento de mejorar las condiciones laborales en el
sector.
􀂃 La situación de división y segmentación de la clase obrera. A las condiciones laborales impuestas se suma el miedo
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y la desconfianza que sienten estos trabajadores con respecto a los sindicatos.


􀂃 La aceptación de unas condiciones de trabajo determinadas por parte de los trabajadores inmigrantes tiene que ver
también con las condiciones en las que vivían en sus países, donde no podían ganarse la vida. El trabajador
migrante está haciendo un gran esfuerzo con el objetivo de mejorar las condiciones de vida de su familia y ello le
hace vivir situaciones humanamente terribles.
􀂃 La película plantea la importancia del valor de la solidaridad y de la lucha social como única forma de desarrollo
colectivo de los de abajo.
3. ELEMENTOS DE DEBATE
􀂃 ¿Por qué razón la inmigración de trabajadores mexicanos hacia EEUU se mantiene a través de los canales de la
clandestinidad y la ilegalidad? ¿Quiénes son los principales beneficiarios de este modelo? ¿Qué repercusión tiene
entre los trabajadores una vez se instalan en los EEUU?
􀂃 ¿En qué condiciones están trabajando las trabajadoras y los trabajadores de la limpieza protagonistas de la película?
􀂃 ¿Por qué en diversas ocasiones se dice que los trabajadores inmigrantes son invisibles? ¿Qué se quiere decir con
ello?
􀂃 ¿Por qué tantos los trabajadores inmigrantes tienen tanto miedo de afrontar la defensa de unas mejores condiciones
laborales?
􀂃 ¿Por qué sienten desconfianza de los sindicalistas de los EEUU?
􀂃 ¿Por qué Rosa, la hermana de Maya, acaba denunciando a sus compañeras y compañeros? ¿Qué os parece la
explicación que le da a Maya en la que le cuenta que ejerció la prostitución durante un montón de años para poder
mandar dinero a su familia?
􀂃 ¿Por qué una de las pancartas que llevan las trabajadoras en sus movilizaciones llevan el lema "Pan y rosas", que da
título a la película? ¿Qué quiere representar esta demanda? Se puede explicar a los alumnos el origen de este lema
y leer el himno en el que se inspira la película.
¿Qué significa el lema "Pan y rosas"? El 8 de marzo de 1909, más de quince mil trabajadoras marcharon por la calles
de Nueva York exigiendo "Pan", es decir, mejores condiciones de trabajo, jornadas más cortas, mejores salarios,
equidad en la paga y "Rosas", que significaba la conquista de una vida plena, llena de belleza y alegría. Fueron
violentamente reprimidas por la policía, pero su lucha quedó consagrada a partir de 1910, cuando Clara Zetkin propuso
el establecimiento del Día Internacional de las Mujeres, que se celebra desde entonces.
Desde entonces, el símbolo de una hogaza de pan y la rosa representan la lucha de las mujeres por un mundo mejor

Pantera Rosa La MB
En la película original de 1963 titulada La Pantera Rosa de Blake Edwards
(1922-), la Pantera Rosa era un diamante de gran valor y, por extensión, también se
llamaba así al ladrón de guante blanco que había logrado sustraerlo.
En esa primera película se recurrió a una animación para ilustrar el título y los
créditos iniciales y finales de la película. Blake Edwards encargó al prestigioso
animador Friz Freleng (1906-1995) que crease un dibujo animado y sólo le pidió
tres cosas: que fuera graciosa, muda y de color rosa.
La película fue estrenada el 20 de marzo de 1963 y el dibujo animado de los
créditos había llamado tanto la atención que, no mucho después, el 27 de abril de
1963, el dibujo ocupó la portada de la prestigiosa Time. Esto llevó a los productores
a plantearse la viabilidad del personaje como dibujo animado independiente de la
película.
Se hizo un cortometraje de animación con la pantera como protagonista, titulado The Pink Phink. Fue
estrenado el 18 de diciembre. Fue todo un éxito y ganó, a pesar del breve intervalo entre su estreno y la ceremonia
de los Oscar celebrada el 13 de abril de 1964, el Oscar al mejor cortometraje animado. El corto era, en realidad, el
capítulo piloto para la serie de animación La Pantera Rosa
La Pantera Rosa se puede definir como un gentleman (caballero con clase) británico, elegante hasta en el
último de sus gestos. Es una pantera antropomórfica bastante metódica y muda (aunque en 2 episodios habla)
(también en la serie de 1993), con una capacidad intelectual muy elevada y con un genio bastante alegre y
simpático; su aspecto físico es delgado con la situación de que es de color rosa y muda, se mete en algún lío o
simplemente realiza tareas bastante comunes pero con un toque cómico singular, lo cual haría recordar por un
momento un singular pero poco denotado parecido muy especial al gran maestro de la cinematografía sir Charles
Chaplin y al personaje Charlot.
La Pantera rosa es uno de los personajes de dibujos animados más entrañables de todos los tiem